Pese a que Pérez Cruz llevaba tiempo escribiendo sus propias canciones, tuvo que llegar un hecho dramático a su vida para hacerle ver que tenía que emprender su camino de inmediato. Su padre Càstor Pérez, un conocido recuperador de la habanera, falleció con tan solo 54 años por un infarto de corazón, un par de días antes del 11 de noviembre de 2010, día de su cumpleaños. A él, que la introdujo desde pequeña en la música, descubrió su portentosa voz y la animó a labrarse una carrera, dedica Sílvia este álbum, señalando su fecha de nacimiento como el momento en que decidió que no debía esperar ni un segundo para culminar este proyecto. Una vez escritas canciones y arreglos de cuerda y viento, se las puso delante a Raül Fernández Refree, al que conocía de la producción del primer disco de Las Migas, para ejecutar lo que hoy es ’11 de novembre’.

En este álbum, Sílvia no solo deslumbra más que nunca con su voz sino que se muestra como una imaginativa compositora y arreglista, capaz de difuminar los límites que tradicionalmente enmarcan géneros tan dispares como el jazz, la cançó catalana, el flamenco, el fado o la música brasileña, mezclando incluso las diferentes lenguas que los caracterizan. Es como si Pérez Cruz dibujara en un mapamundi un camino de tiza desde su Calella de Palafrugell natal hasta la Galicia originaria de su ascendencia paterna, recorriendo la costa atlántica peninsular por Portugal y Andalucía hasta Cádiz, y cruzando el charco hasta llegar a Río de Janeiro. Y cuando acaba, pasa la mano por encima, suavemente, desdibujando las líneas y dejando una imagen fascinante.

El talento de Refree para identificarse con cada artista y trabajar con arreglos tan dispares se estima fundamental en la producción de unas canciones más complejas de lo que aparentan, en las que las cuidadas ambientaciones y efectos tienen un papel narrativo fundamental y los palos se esconden y confunden, incluso dentro de una misma composición, como ocurre en ‘Diluvio Universal’, que comienza como un canto de saudade que se aflamenca y culmina con una famosa alegría; en ‘Días de paso’, con sus aires de bossa salpicada de jazz vocal; en ‘Meu meniño’, un quejío de martinete que antecede a una canción tradicional galega que Càstor solía cantar con sus dos hermanos, que aquí la reinterpretan; ‘Folegandros’, aires de fado con arreglos corales; el carnaval romántico, a lo ‘Orfeo negro’, de ‘O meu amor é Glòria’ (cuyo objeto no es otro que animar y ensalzar a su madre y su hermana, ambas Glòrias); o el folklore intimista y orquestado de ‘Iglesias’ y ‘Pare meu‘.

La carga emotiva de ’11 de novembre’ va mucho más allá de la historia personal que lo impulsó. El amor y la pena se palpan de una manera brutal a lo largo de los 50 minutos en los que transcurre este homenaje, expresados por la portentosa voz de Sílvia, que nos seduce y conduce por el álbum con dulzura, y mostrando cuando es necesario su poder demoledor, dejándonos al borde de la congoja y el llanto, logrando hacernos partícipes de su emoción, como ocurre en la mencionada ‘Folegandros’, en ‘Iglesia’ (cuando entona esas frases de ‘Moon River’), en la descarnada ‘Não sei‘ o en la sencilla ‘Memoria de pez’. Canciones que sirven a Sílvia como vehículos para exorcizar la pena de su pérdida a través de recuerdos infantiles y adultos, nostalgia y enseñanzas de Cástor, descritos con un detallismo casi pornográfico y hermoso. Ocurre incluso que los tres poemas musicados que se incluyen (‘Lietzenburgerstrasse 1976′, de Feliu Formosa; ‘Pare Meu’, de Maria Cabrera; y ‘Covava de l’ou de mort blanca’, de Maria-Merçè Marçal) adquieren, nada casualmente, un sentido estremecedor con el resto de la obra, especialmente en el caso de las dos últimas.

Por más que uno trate de expresar la belleza y emoción contenidas en este debut de Pérez Cruz, errará y se sentirá absurdo, casi ridículo frente al fantástico texto del dramaturgo y periodista Joan Ollé en las notas interiores del CD. Así que no se puede hacer nada mejor que invitar a adentrarse en el hermoso documento musical y vital que ha creado esta joven catalana y que tiene, ya mismo, el carácter de disco histórico e irrepetible de las grandes obras de la música popular de nuestro país, que merece todo el éxito comercial que le llegue. Sílvia Pérez Cruz presenta ’11 de novembre’ mañana, día 24 de mayo, en el Teatro Lara de Madrid.

Calificación: 8,5/10
Lo mejor: ‘Pare meu’, ‘Não sei’, ‘Folegandros’, ‘Iglesias’, ’11 de novembre’
Te gustará si te gusta: Nina Simone, Lluís Llach, Amalia Rodrigues, Caetano Veloso, Miguel Poveda
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En su séptimo álbum de estudio, la premisa del ex Pulp y ex Longpigs ha sido prescindir de la pompa orquestal que ya se había convertido en norma en sus últimos discos para sustituirla por una formación clásica del rock, guitarras-bajo-batería, como venía haciendo en sus magníficos directos. Pero aquí, además, ha tomado la opción de arreglar las canciones con efectos de feedback, delays y ambientaciones psicodélicas, algo nacido como homenaje al guitarrista e íntimo amigo suyo Tim McCall, fallecido hace un par de años. Sobre todo en su primera mitad, canciones como ‘Time Will Bring You Winter’, ‘She Brings You Sun Light’, el corte titular o las muy rockeras ‘Down In The Woods’ y, ya hacia el final, ‘Leave Your Body Behind You’ nos muestran un endurecimiento de sonido apasionante e inesperado.

Es el escenario perfecto para dar rienda suelta a su vena de guitar hero y mostrar un innegable punto de conexión con el ‘Humbug‘ de los mencionados Monkeys, aunque el resultado sea algo similar a un blues rock espacial que sitúa a Hawley muy cerca del Mark Lanegan más peleón y aguerrido. Dicho giro también se justifica, según ha declarado, como una reacción de rabia y furia por el doloroso panorama de futuro que la actual crisis está dejando como herencia a sus hijos en Reino Unido, algo por supuesto extrapolable a casi todo el mundo occidental. Aun en los momentos más dulces y delicados, como ‘Don’t Stare At The Sun’, ‘The Wood Colliers Grave’ o ‘Before’, con ese catártico final, se hace palpable esa tristeza y decepción, dando a este álbum un sentido político-social desde lo estrictamente musical, de una forma metafórica.

Aunque es destacable el hecho de que, de momento, el efecto en sus ventas de este giro es muy positivo, parece un dato menor cuando ‘Standing In The Sky’s Edge’ tiene, por lo expuesto, una gran densidad emotiva y simbólica, algo que quizá haga adquirir a este disco en el futuro un valor que hoy solo sospechamos. Pero, sobre todo, supone otra obra maravillosa de un artista de los que ya no quedan, capaz de reinventarse a sí mismo sin traicionarse ni renunciar a sus estrictos valores estéticos ni un solo ápice.

Visita nuestro especial San Miguel Primavera Sound, donde Richard Hawley actúa la semana que viene.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Down In The Woods’, ‘Leave Your Body Behind You’, ‘Don’t Stare At The Sun’, ‘Standing At The Sky’s Edge’
Te gustará si te gusta: Lee Hazlewood, los primero álbumes de Mark Lanegan, ‘Humbug’ de Arctic Monkeys
Escúchalo: Spotify, The Guardian

No hay, por tanto, rastro alguno de tropicalismo ni electronización, sino que Díaz-Reixa, con la asistencia de Brian Luis Hernández, ha ejercido sobre todo de ingeniero de sonido, dando un empaque tremendo al rock con gancho de los autores de ‘Tus amigos‘. La base rítmica de Chema y Gonzalo suena con una apropiadísima y necesaria contundencia, se añaden teclados que aportan densidad al sonido y se aclaran y diferencian los cuidados juegos de las guitarras de Manu y Jorge, protagonistas absolutas de este álbum, en ocasiones incluso por encima de la voz de Ariadna, a veces casi sepultada por aquellas.

Ese cambio de actitud no afecta, sin embargo, a su estilo, ya totalmente definido y que persiste en canciones poderosas con giros melódicos irresistibles. El single ‘Alférez provisional‘ ha crecido lo suficiente, desde que lo valoramos por primera vez, como para demostrar que sí es la mejor presentación para el álbum, y capitanea otro nuevo montón de temas memorables como ‘Tráfico de órganos de iglesia’, ‘Mis amigos’, ‘Untitled’, ‘John Cage’ o ‘Un corte limpio’. Sí cabe reprocharles que cortes como ‘Los Glaciares’, ‘Malas tierras’, ‘Paraíso’ o ‘Flora y fauna’ parezcan desaprovechados, demasiado concentrados en los desarrollos instrumentales y obviando añadir algún giro melódico que los hiciera tan destacables como al resto.

También van un paso más allá las letras de Manu Sánchez, esforzado en limitar el halo de humor que parecía inseparable a sus textos con temas que tocan la situación socioeconómica (‘Los tecnócratas’), y que reflexionan sobre el misticismo y el futuro con un pesimismo nada dramático (‘Paraíso’, ‘Flora y fauna’), proclamando la indolencia, el dejarse llevar sin lucha, como solución más inteligente para no sufrir (‘John Cage’). Aunque nada más eficaz que dejar que un matarife intuya tus más oscuros deseos de acabar con tu triste vida (‘Un corte limpio’), claro. Y sin perder su reconocible estilo, impactante por su insultante sinceridad (como prueban ‘Alférez provisional’, ‘Tráfico de órganos de iglesia’ y ‘Mis amigos’), hasta se nos pone extraño y torcidamente sentimental (‘Untitled’).

Posiblemente les resultará molesto que, una vez más, se recurra a la banda granaína para hablar de su música, pero la escucha detallada de ‘Una montaña es una montaña’ recuerda en numerosas ocasiones al enorme ‘Unidad de desplazamiento’ de Los Planetas, no solo en cuanto al sonido sino también en cuanto al potencial comercial que desarrolla el grupo, lo cual yo entiendo que es un gran halago. En suma, Los Punsetes logran en su tercer álbum un claro ascenso de calidad, elevándose en el escalafón del indie nacional y demostrando la seriedad y voluntad necesarios para poder crecer en repercusión.

Este sábado 26 de mayo, Los Punsetes presentan el disco en Ocho y Medio (Madrid). Entradas, en Ticketea.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Alférez provisional’, ‘Tráfico de órganos de iglesia’, ‘Untitled’, ‘Un corte limpio’, ‘Mis amigos’
Te gustará si te gusta: ‘Unidad de desplazamiento’ de Los Planetas, El Columpio Asesino, Klaus & Kinski
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Debate en nuestro foro de Los Punsetes

Despojados, pues, del punto cínico que el ruidismo aportaba a esas melodías tan bubblegum, se antojaba difícil encajar este ‘The Only Place’. Sin embargo, vuelve a demostrarse que, en el pop, las canciones están por encima de cómo estén vestidas. Bethany Cosentino y Bobb Bruno, sin perder la inmediatez que caracterizaba temones como ‘Boyfriend’, ‘Crazy For You’ o ‘Our Deal’, han realizado un esfuerzo por mejorar sus composiciones, mucho más trabajadas, e introduciendo en su sonido, eminentemente 50s y duduá, aquellos guiños country que habían anticipado. Y también queda patente que Beth, por su parte, no solo ha empleado su tiempo en diseñar ropa: se nota que se ha formado como cantante, sacándose partido sin necesidad de recurrir a gorgoritos.

Jon Brion (Kanye West, Of Montreal, Elliott Smith), con el que Bobb había trabajado como ayudante, ha realizado con ellos un trabajo de producción exquisito, limpiando y matizando el sonido pero sin apenas recurrir a su especialidad, los arreglos de teclados, cuerdas y vientos, que posiblemente hubieran desfigurado demasiado la esencia del grupo. Así, ‘The Only Place‘, ‘Why I Cry’, ‘Let’s Go Home’, ‘Do You Still Love Me Like You Used To’ o ‘My Life’ muestran que aún poseen la misma capacidad evocadora para trasladarnos mentalmente a la California soleada y playera. Especialmente, cuando gran parte del álbum versa sobre la profunda morriña de su hogar que Beth sufrió durante las largas giras de presentación del primer álbum.

‘The Only Place’ es por eso un álbum aún más melancólico y nostálgico que el precedente, compuesto durante esos tours que Cosentino ha confesado que se le hicieron realmente duros y que nunca llegó a disfrutar totalmente, lo cual se refleja en una mayor profusión de baladas y medios tiempos. Este tipo de composiciones aportan cierto dinamismo al álbum, e incluso llegan a resultar brillantes (pienso en ‘How They Want me To Be’), pero a tenor de cortes bastante anodinos como ‘Last Year’, ‘No One Like You’, ‘Dreaming My Life Away’ o ‘Better Girl’, que no están a la altura del resto.

Algo que no ha cambiado es la débil capacidad lírica de Cosentino, que aunque personalmente justifico por ajustarse a un estilo musical fácil y ligero, reconozco que hay ocasiones que resulta sonrojante (ese “we have fun / we have fun / we have fun” del tema que abre el álbum remite, directamente, a Rebecca Black). Pero también en ese aspecto muestran algunos signos de mejora, que se concretan en la bonita ‘Up All Night’. El corte que cierra el álbum destaca, además, por ser el que mejor condensa las virtudes de los nuevos Best Coast, y su trabajado crescendo, cuerdas incluidas, apunta a una posible dirección para el crecimiento del dúo.

Calificación: 6,9/10

Lo mejor: ‘The Only Place’, ‘Why I Cry’, ‘Up All Night’, ‘Do You Still Love Me Like You Used To’

Te gustará si te gustan: el segundo de Dum Dum Girls, The Shangri-La’s, Dolly Parton
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Al margen de esto, se han anunciado conciertos gratuitos en la feria de El Matadero durante la mañana del sábado en los que participarán Fernando Alfaro, Mañana, Dolores, Luis Brea, Grushenka o Amatria, entre otros. También se realizarán conciertos para niños, organizados junto al colectivo Minimúsica, bajo el nombre Mini Día de la Música, que se perfila como una jornada (la del domingo 24) claramente enfocada al público familiar y en la que Christina Rosenvinge presentará ‘Cuentos Enchufados’, un espectáculo dirigido a niños de 2 a 10 años.

Lejos de sonar reiterativo, es nuevamente fascinante. En ‘Bloom’ de nuevo encontramos ese juego entre guitarras ensoñadoras, teclados extraviados y coros fantasmales en el que siempre se han movido (no en vano, el corte oculto del álbum es un claro homenaje a sus primeros álbumes), una ya sublimada fórmula despojada aquí de ese punto de grandilocuencia y epicidad de ‘Teen Dream’, moviéndose hacia un sonido más nítido y cristalino que les hace luminosos y cálidos como nunca.

Como ellos mismos señalan, no rehuyen a hacer pop pero sí huyen de la obviedad y la mediocridad, y así lo muestran con estructuras atípicas, con melodías que parecen estribillos pero no lo son y puentes que no están en el lugar ortodoxo, algo así como un juego de espejos musical. Además, en ‘Bloom’ se percibe un mayor interés por los detalles, con innumerables pequeños arreglos en segundo plano que engalanan cada canción.

Y todo ese trabajo de orfebrería hace justicia a otra colección de canciones fabulosas, intachables. ‘Myth‘, tema que abre el álbum y que le sirvió de presentación hace unos meses, tiene un poderoso magnetismo que le hace destacar levemente sobre el resto, pero de cerca le persiguen ‘Lazuli’, ‘Other People’, ‘Troublemaker’, ‘New Year’, ‘The Hours’, ‘Wild’, ‘Wishes’… En ellas, Alex Scally y Victoria Legrand (que canta como nunca, equilibrando mimo y fiereza) han logrado su objetivo de transmitir, más allá de sus herméticas letras, un estado de ánimo en cada una de esas canciones.

Hacia su final, ‘Bloom’, adquiere un tono más solemne gracias a ‘On The Sea’, un crescendo erigido en torno a un sencillo piano, que quizá nos esté mostrando hacia dónde podrían dirigirse en futuros pasos. Pero por el momento es imprescindible recrearse en un álbum que, catapultados a los cielos por ‘Teen Dream’, nos sostiene extáticos en ese punto álgido, apurando al máximo este maravilloso sueño.

Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘Myth’, ‘Lazuli’, ‘Wishes’, ‘The Hours’, ‘Other People’
Te gustará si: Cocteau Twins, Mazzy Star, Fleetwood Mac
Escúchalo: NPR

Sobre todo, ‘The Slideshow Effect’ sorprende porque, felizmente, abandonan (o casi) la aburrida profusión de baladas y medios tiempos de su primera referencia y desarrollan un clasicista pop de guitarras, elegante y con toques de sofisticación, que casi borra de la mente el nombre de Beach House y hace que resuenen otros menos recurrentes y obvios como Ivy y The Postmarks, no tanto en forma como en espíritu. Porque canciones como la enorme ‘The Kids Were Wrong‘, ‘Heirloom’ o ‘All Our Wonder’ tienen el delicioso regusto atemporal de esas bandas mencionadas.

El dúo canadiense hace también un ostensible esfuerzo por aportar matices que eviten que los cortes más reposados sean pesados y miméticos. Ahí están esos toques de slide en las semi-acústicas ‘Punctum’ y ‘Bonfire’, realmente bonitas y evocadoras, o la creciente intensidad y las cuerdas de ‘Pale Blue’. Sin embargo, parecen no poder sortear el tedio en la última fase del álbum, en la que caen en lo lineal y lo soso. Lo cual no evita que estemos ante un disco precioso, que podría evolucionar hacia algo mucho mejor. En ocasiones, una carrera que va de menos a más tiene más valor que un gran debut al que nunca pueda superarse.

Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘The Kids Were Wrong’, ‘Heirloom’, ‘Pale Blue’, ‘All Our Wonder’
Te gustará si: Ivy, The Postmarks, Beach House
Escúchalo: Spotify

Escuchándolas es evidente que estas cinco composiciones habían sido escritas para Grizzly Bear, porque encajan perfectamente en la línea compositiva de los dos últimos álbumes del grupo. Lo que no queda tan claro es el motivo por el que quedaran descartadas, porque todas ellas tienen una calidad a esa altura, que no es poco. Rossen ha grabado y producido estas canciones, sin embargo, despojándolas del camaleónico manto en el que los autores de ‘Veckatimest‘ suelen envolver sus composiciones, dejando claro que Daniel es el compositor más clásico de sus compañeros. Aquí, las canciones brillan por lo que son, sin efectismos, aun cuando poseen arreglos exquisitos y cuidados.

Y en el hermoso y apasionante resplandor de ‘Return To Form’, ‘Up On High’, ‘Saint Nothing’, ‘Silent Song’ y ‘Golden Mile’ nos encontramos a un Rossen cálido y cercano, a menudo vitalista, que muestra sin rubor la deuda que en su manera de componer han supuesto el folk británico de Pentangle, la exquisitez orquestal de Van Dyke Parks y, sobre todo, la figura de George Harrison, cuyo espíritu se manifiesta constantemente durante los algo más de veinte minutos que dura esta pequeña gran joya.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Silent Song’, ‘Golden Mile’, ‘Up On High’
Te gustará si: George Harrison, Grizzly Bear, Van Dyke Parks
Escúchalo: Spotify

El dúo ofrece canciones con un fuerte poso de blues primigenio, en principio esquemáticas y sencillas. Bocetos de guitarra, sus dos voces y un diminuto set de batería y percusión, son las únicas armas para un minimalismo que recuerda en esencia (no en estilo) al de Young Marble Giants, con melodías esqueléticas, como de canción infantil, que se repiten de una manera cíclica, obsesiva, al límite de lo enfermizo y absolutamente hipnóticas. Todos los cortes se parecen enormemente entre sí, tanto en la forma de ejecución como en las escalas y acordes utilizados, y posiblemente esa linealidad, solo rota ocasionalmente por intervenciones que nos sacan del bucle en que se convierte el disco (algún giro melódico ocasional o la armónica en ‘Días invisibles’ y ‘Flashback Blues‘), sea la mayor barrera para introducirse en ‘Dos Gajos’.

Pero en esa austeridad de patrones hay algo inasible que se adhiere a la cabeza, como si tuviera un efecto lisérgico, que provoca que el oyente se sumerja en una especie de realidad paralela. Yo, por ejemplo, me imagino en medio de una habitación totalmente vacía, de color tierra y con manchas de óxido, con JC y Esperanza, vestidos de negro de arriba a abajo, interpretando para mí ‘El escándalo’, ‘Obstinación‘, ‘Qué le doy’, ‘Más cordura’, ‘El bicho’, ‘Antes de ayer’… Estoy bastante seguro de que esas letras me envían mensajes inconclusos, cifrados, que en su apariencia naif esconden recetas realmente trascendentales para la vida. Termina el disco y sigo sin comprender bien, pero dejo la habitación tranquilo y complacido. No resulta fácil explicar la magia, el secreto, de cómo canciones tan simplistas y desvencijadas como estas pueden transportarnos así. Pero Dos Gajos es algo felizmente anómalo y prometedor en nuestro panorama nacional, una propuesta realmente singular que, me aventuro a decir, podría ser incluso exportable.

Dos Gajos estarán actuando este viernes, día 11 de mayo, en la sala Wurlitzer Ballroom de Madrid junto a Dulce Pájara de Juventud.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Obstinación’, ‘El escándalo’, ‘Más cordura’, ‘El bicho’
Te gustará si te gustan: Robert Johnson, Young Marble Giants, Suicide.
Escúchalo: Spotify

El germen de Tortoise surgió, hace ya veinte años, con la unión del bajista Doug McCombs (por entonces en la banda Eleventh Dream Day) y el batería John Herndon (de Poster Children), que tuvieron la ocurrencia de ofrecerse como base rítmica de alquiler. Pronto coincidieron con Bundy K. Brown y John McEntire, bajista y batería respectivamente en la banda seminal Gastr Del Sol, en la que militaron David Grubbs y el ahora afamado productor y ex bajista de Sonic Youth, Jim O’Rourke. Juntos descubrieron que compartían una pasión por la rítmica y por el trabajo de producción en el estudio.

En 1994 su propuesta se concretó en un álbum de debut homónimo, publicado por Thrill Jockey, que sentó las bases de su sonido, fundamentado en el jazz y en la música avant-garde pero con continuos guiños al kraut-rock de Can, al dub o a la muzak de los 60.

El entonces quinteto (Dan Bitney era el quinto hombre) demostró cómo una música ejecutada casi exclusivamente con instrumentos rítmicos, combinados con elementos percusivos como la marimba o el metalófono, podía resultar tan sugerente como las guitarras, casi siempre secundarias en su propuesta instrumental. Con estructuras intrincadas que huyen del clásico y predecible 4/4 y con la decisiva intervención de teclados electrónicos y efectos de estudio, la consigna de Tortoise era (y siempre ha sido) perpetuar el trabajo de búsqueda que iniciaron los grandes maestros del free-jazz y la música experimental, desde Miles Davis a Steve Reich. En 1996, con David Pajo (ex Slint, Aerial M) sustituyendo a Brown, llegaría su obra más poderosa y trascendental, ‘Millions Now Living Will Never Die’, en la que acentuaron el componente paisajístico y ambient de su música, aproximándose al mejor rock progresivo de los 70.

‘Djed’, la pieza que abre ese álbum, es un maravilloso viaje de algo más de veinte minutos por la imaginería que compone todo el catálogo de Tortoise: inspirarse en música visionaria del pasado para, aportando las posibilidades de las nuevas tecnologías de grabación, ofrecer una visión futurista y avanzada de la música. Aunque, posiblemente, su mayor valor ha sido que su fuerte éxito crítico consiguió acercar estilos como el ambient o el free-jazz a un público que dejaba atrás la fascinación por el rock alternativo y se abría a nuevos campos. Con ‘TNT’, un álbum marcado por la incorporación del guitarrista Jeff Parker, que pronto plasmó la impronta de su imaginativa forma de tocar, Tortoise cerraron la década de los 90 encumbrados como una de las bandas más importantes e influyentes de la época.

La siguiente década comenzó a lo grande con ‘Standards’, un álbum fabuloso en el que ya sí terminaron de definir los atisbos de funk y rock que se percibían en el álbum precedente, en cortes geniales como ‘Seneca’ o ‘Blackjack’, y pusieron más énfasis en su vertiente electrónica (‘Firefly’). Sin embargo, ‘It’s All Around You’ (2004) supuso un cierto desencanto hacia su música, que se volvía reiterativa en sus recursos y abusaba de unos teclados que casi sonaban a new age. Sus seguidores no podíamos concebir a unos Tortoise que sonaran predecibles y complacientes. Por suerte y tras un álbum de versiones firmado junto a Will Oldham (‘The Brave And The Bold’), en 2009 llegó un ‘Beacons Of Ancestorship’ en el que retomaban el espíritu aguerrido de ‘Standards’, con cortes tan enérgicos como ‘Prepare Your Coffin’ y hasta alguna incitación al baile (‘Northern Something’).

El grupo de Chicago siempre ha estado rodeado por cierto halo de intelectualidad que seguramente haya echado para atrás a muchos oyentes potenciales. Pero para disfrutar de Tortoise realmente no es necesario poseer un gran background en free-jazz o avant-garde, tal y como demostraron en la soberbia actuación que ofrecieron hace un par de años en el Primavera Sound. Su música está fundamentada en el ritmo, la precisión y la alternancia de la fuerte y lo delicado, y eso es algo totalmente físico, epidérmico, y su poder puede llegar a cualquiera que esté dispuesto a sentirlo.