Hablar de fronteras y de “lo nuestro” es tremendamente paleto, pero uno no puede sino alegrarse al ver cada vez más artistas que logran dar el salto de un ámbito local al global. En el caso de Talabot, además, invita a pensar que pueda servir de estímulo a una cerrada escena electrónica independiente que, al margen de DJs, encuentra lo mínimamente comercial reñido con la calidad. Sean cuales sean sus logros futuros, lo importante hoy es que ‘ƒIN’ es un álbum soberbio, en el que Talabot muestra un concepto depurado y sólido en el que, trabajando con una firme base de house, ha imprimido su propia personalidad.

La música de Talabot, como la de Kieran Hebden en Four Tet o Dan Snaith en Caribou, tienen la rara cualidad de transmitir sensibilidad y emotividad sin necesidad (salvo contadas excepciones) de una estructura de canción al uso. Con un sonido completamente atemporal y recurrentes guiños a los maestros de la electrónica de los 80 y al dance de los 90, el house de John Talabot es siempre sugerente y evocador, ya sea a través de sonidos étnico-exóticos (‘Depak Ine’, ‘Oro y Sangre’), cinematográficos (‘Last Land’, ‘El Oeste’), nostálgicos (‘When The Past Was Present’) o abiertamente hedonistas (su conexión con sus amigos de Delorean toma forma en la colaboración de Ekhi, su cantante, en ‘Journeys’).

Los algo más de cincuenta minutos que dura ‘ƒIN’ se hacen breves, gracias a una exquisita secuenciación y, sobre todo, a que Talabot tiene un don para hacer que cada segundo de cada corte suene fresco, nuevo y vibrante. Lo logra cuando renuncia al corsé del formato canción, pero también cuando concede, de la mano del prometedor Pional, homenajear el disco-soul primigenio en dos resplandecientes diamantes, ‘Destiny’ y la postrera ‘So Will Be Now’, en la que la voz distorsionada de Miguel Barros hace pensar en un Antony Hegarty acompañando a unos Hercules & Love Affair muy sobrios. El carácter emocional de estas dos canciones (las más claramente pop del conjunto) las convierte en potenciales hits para una nueva generación indie que, quizá, crezca sin prejuicios hacia la electrónica y el house hechos aquí.

Calificación: 8,5/10
Lo mejor: ‘Destiny’, ‘So Will Be Now’, ‘Last Land’, ‘Oro y Sangre’, ‘Journeys’
Te gustará si te gustan: Four Tet, Jamie XX, Caribou
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Por poco que le gustara, y aunque prefiriera hacer sus pinitos como actor de cine indie, la música era algo intrínseco en él y hacia 2000, animado por Geoff Travis de Rough Trade, comenzó a escribir sus propias canciones. Después de la muerte de su padre se trasladó a Texas para preparar el material de su primer álbum, ‘Len Parrot’s Memorial Lift’ (2002), para el que contó con las deslumbrantes colaboraciones de Geoff Barrow y Adrian Utley, de Portishead, y Richard Hawley. No había en este álbum apenas rastro que pudiera relacionarle, artísticamente, con el viejo líder de The Blockheads. Canciones como ‘Beneath The Underdog’, ‘Oscar Brown’ (con su fantástica coda recurriendo al ‘Oh Sweet Nuthin´’ de la Velvet), ‘Auntie Jane’ o ‘Gingham Smalls 2′ estaban en una peculiar órbita de rock psicodélico y atmosférico, que podía compararse con los primeros Grandaddy, descontando la sofisticación, y con un ambiente mucho más íntimo y pausado, una especie de melancólica resaca post-britpop. Dury se centraba en los teclados y apenas recitaba o se ocultaba tras un impostado falsete, cediendo protagonismo vocal a una tal Johanna Hussey. Su esforzado intento por esquivar sospechas de oportunismo post-mortem no tuvo un gran éxito, pero sí excelentes críticas.

No ocurrió lo mismo con su siguiente álbum, que no llegó hasta 2005. Quizá en tal retraso influyera el hecho de que, poco después de publicar su debut, conociera a una mujer (que luego descubriría que era nieta del cineasta húngaro Zoltan Korda) con la que tuvo una relación efímera que le dio un inesperado vástago. De sus infructuosos intentos por establecer una relación de pareja con ella y el shock de tener un hijo que no esperaba trata ‘Floor Show’. Bueno, de eso y de la cocaína, una droga tan directamente relacionada con su generación y el ambiente musical. ‘Cocaine Man’, por ejemplo, es bastante explícita en retratar las sensaciones del consumidor que nublan la verdadera mierda que ocurre a su alrededor. ‘Floor Show’ vuelve a ser un álbum nuevamente amargo y de un tono decididamente triste, aunque es mucho más uptempo que el anterior, con las guitarras eléctricas como protagonistas y un mayor sentido de banda de rock. No en vano, su grupo de entonces lo componían nada menos que Mike Mooney y Damon Reece, guitarrista y batería de Spiritualized durante la época de ‘Pure Phase’ y ‘Ladies And Gentleman…’.

Aunque en su momento no tuvo una reacción muy entusiasta, ‘Floor Show‘ contiene cortes formalmente tan incisivos y directos como ‘Francesca’s Party’, la mencionada ‘Cocaine Man’ (que alude de nuevo a la Velvet, ‘I’m Waiting For The Man’), ‘Lisa Said’ o ‘Sister Sister’ (que incluye un guiño a ‘Heroes’ de Bowie), pero con un fondo tan cetrino como las oscuras ‘Young Gods’, ‘Cages’ o ‘Waiting For Surprises’. Dury suena algo más convincente cantando, aquí sin apenas coros que le tapen o efectos en su voz, pero dejando claro que no es el vocalista agresivo y autoconvencido por naturaleza que era su padre. Tampoco hay apenas rastro del doctorado musical en música negra que Ian le brindó en su niñez, inculcándole el amor por el funk y el soul y defenestrando el rock blanco, empezando por los Beatles.

Después de producir algún álbum (el del francés Alister, ‘Aucun Mal Ne Vous Sera Fait‘ -2007-), involucrarse a fondo en el rodaje del biopic sobre Ian (‘Sex, Drugs & Rock & Roll’ -2010-) y colaborar en interesantes proyectos ajenos como Discodeine, Baxter comenzó a preparar su tercer álbum en Ibiza, rodeado de amigos y con el relajo que ya se intuye en esos seis años de lapso desde su predecesor. Pero ‘Happy Soup‘, un favorito de Almodóvar, bien ha merecido la espera. Se trata de su álbum más abierto hasta la fecha, abrazando al fin esa influencia negra en su música y dejando que la herencia del característico acento cockney de su padre pase a un primer plano. Se trata de un brillante disco de ese pop rock que ya apenas se hace en Reino Unido, en el que confluyen beat, ska, funk y hasta música disco, con el ya casi cuarentón cantando con más seguridad que nunca, incluso cuando se dedica a recitar cual Serge Gainsbourg. Y, en este caso, su Jane Birkin podría ser la australiana afincada en Londres Madelaine Hart, todo un descubrimiento que apoya a Dury en el aspecto vocal en todo el álbum, un complemento fundamental en su nueva dirección.

Aparenta ser más ligero y menos profundo que sus discos anteriores porque sustituye el poso taciturno y triste de aquellos por un sonido brillante, añejo pero excitante, de la mano de Craig Silvey (productor de su debut que luego ha trabajado con Arctic Monkeys o Arcade Fire). Además, está repleto de estribillos como los de los singles ‘Claire’, ‘Isabel’ y ‘Trellic‘, perfectamente secundadas por ‘Picnic On The Edge’, ‘Leak At The Disco’, ‘Afternoon’ o ‘Happy Soup’, retratos de la cultura popular británica similares a los que interpretaba Graham Coxon en los momentos más gloriosos de Blur, e incluso encontrando similitudes con los Metronomy menos sofisticados. De nuevo con el regusto amargo de la vida nocturna, el sexo efímero y las relaciones fallidas como ejes temáticos, Dury ha dado una nueva cara, tan fascinante y genuina como las anteriores. No importará mucho si tenemos que esperar otros seis años por un nuevo álbum, si los resultados son de esta brillantez. Este domingo 5 de febrero, inaugura en la madrileña La Casa Encendida el ciclo Soundays, un certamen en el que, por un módico precio, podrá disfrutarse en directo de propuestas tan diferentes como Maïa Vidal, John Duncan o Phronesis.

Decidido a dar un nuevo empaque a su música, Baldi recurrió al sonido único que proporciona el estudio del ínclito Steve Albini y los resultados han sido significativos. A pesar de la dejadez que, dicen, mantiene el ex Big Black a los mandos, parece inevitable pensar que algo, aunque solo sea por mero contagio al pensar la cantidad de discos míticos que se grabaron allí, ha tenido que ver en el endurecimiento y madurez que Cloud Nothings demuestran aquí. Se palpa ese genuino y característico ambiente sonoro y, sobre todo, se hace manifiesta una notable fiereza en las guitarras y un inusitado músculo en bajo y batería, que en sus grabaciones previas parecían casi inexistentes. Y, desde luego, algo tendrán que ver un compacto grupo de canciones con el que el apenas veinteañero de Ohio se ha propuesto dar un paso adelante y sacar a su banda del batallón de grupos secundarios del panorama indie norteamericano.

Y lo consigue, como decía al principio, poniendo por delante la pesada y metalera ‘No Future/No Past’, en la que Baldi se desgañita literalmente y cuya cadencia recuerda a los Sunny Day Real Estate más post. Tras el impacto, termina de ganarnos con el que sin duda es el momento culminante de este breve pero intenso álbum: los casi nueve minutos de ‘Wasted Days’ son rock vibrante y poderoso, puro y contagioso furor que culmina con un crescendo brutal que desearías que no acabara nunca. Lo hace, magistralmente, y deja paso a cortes que sí dejan ver el instinto melódico de los viejos Cloud Nothings, aun siendo patente que ya no son los mismos. ‘Fall In’, ‘Our Plan’, la instrumental ‘Separation’ o el fantástico single ‘Stay Useless‘ ponen como referentes a The Weakerthans, Ted Leo o The Thermals donde antes estaban Wavves, Happy Birthday o The Pastels.

Salvo alguna excepción sombría (‘No Sentiment‘), buena parte del álbum transmite cierto positivismo melódico. Sin embargo, según Baldi ha explicado, se trata de un disco que alberga sentimientos negativos, de dolor y rencor. La ruptura con el pasado se intuye, en letras como la de ‘Cut You’ (“Do you wanna hurt him? Do you wanna kill him? (…) I miss you cause I like damage”) o ‘Our Plans’ (“No one knows our plans for us, we won’t last long’), más dramática aún en lo personal que en lo artístico. ‘Attack On Memory’ es un trascendental paso para una banda a la que habíamos subestimado, posiblemente porque ni siquiera ellos mismos habían sido conscientes de su potencial. Hasta ahora.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Wasted Days’, ‘Stay Useless’, ‘No Future/No Past’, ‘Fall In’
Te gustará si te gustan: Sunny Day Real Estate, Ted Leo, The Weakerthans
Escúchalo: Grooveshark

Sí es cierto que un primer acercamiento al álbum transmite cierta sensación de que se desfonda tras sus primeros cuatro cortes, que condensan los ya conocidos (sin que hayan perdido un ápice de su capacidad emotiva) ‘Video Games’, ‘Blue Jeans’ y el single ‘Born To Die‘. Pero es una idea vana porque, además de una intachable unidad estilística que exprime al máximo ese “Hollywood pop/sadcore” (como ella define su música) sin que pierda eficacia, este debut está repleto de muy buenas canciones, que no se limitan a cumplir como acompañamiento. Entre ellas hay pocas que no sean singles potenciales (‘Carmen’ y ‘National Anthem’, aún con buenos ganchos, resultan algo torpes), unas porque abundan con ingenio en lo que ya conocíamos de ella (‘Dark Paradise’, ‘Summertime Sadness’, ‘Radio’, ‘This Is What Makes Us Girls’), y otras porque sorprenden con un inusitado carácter hedonista y algo petardo, casi bailable (‘Diet Mt Dew’, ‘Off To The Races’).

Lana Del Rey debe ser consciente de que no ha inventado nada con esa mezcla de épica orquestal tan cinematográfica, clasicismo melódico y recursos rítmicos del hip hop, que a menudo evoca durante su escucha al trip hop más comercial, el de Hooverphonic, Morcheeba y Sneaker Pimps. La mano experta en hip hop de Emile Haynie (de Raekwon a The Roots, de Eminem a Kanye West) saca brillo al compacto conjunto, compuesto por Grant junto a un equipo de expertos en hits. Pero el mayor acierto de la joven artista neoyorquina está en aportar, con gusto e inteligencia, un poderoso trabajo estético (iniciado con aquellos vídeos amateur, continuado con sus impagables fotografías promocionales en prensa, y culminado con la sencilla y hermosa portada del disco), el poderoso concepto visual imprescindible para que un producto pop, por la calidad que posee, logre ir un paso más allá.

Y en ese aspecto estético toman un papel fundamental sus letras, plagadas de nostálgicas referencias a las viejas estrellas del Hollywood en blanco y negro, mujeres fatales con su lado tierno, lolitas, caza-millonarios y otros topicazos sobre el american way of life que, de tan obvios, nos llevan a preguntarnos si Lana lo que busca es, más que enaltecerlos, ponerlos en evidencia. Resulta chocante la ruda torpeza con que acomete determinados estilos como el jazz o el doo-wop, en contraposición a la belleza de los arreglos de cuerda que llenan el disco. Tampoco posee Lizzy una voz espectacular ni especialmente técnica, pero parece importarle bien poco que se aprecien sus defectos en una grabación que resulta bastante cruda y poco tratada. Ni siquiera duda en poner su culo de estirada pija blanquita a los pies de los caballos rapeando en algunos pasajes, con una soltura y un encanto irreprochables. Esas contradicciones resultan cautivadoras por ingenuas y osadas, llenas de naturalidad y frescura, que parecen transmitir un mensaje alto y claro: “hey, esto es todo lo que sé hacer, pero lo siento de verdad”.

‘Born To Die’ es un disco imperfecto, como también lo eran (lo son) ‘True Blue’, ‘Faith’, ‘Appetite For Destruction’, ‘Slippery When Wet’, ‘Loud‘ o ‘Born In The USA’. Es música pop de calidad y con un potencial comercial extraordinario, con esa capacidad para el disfrute inmediato tan difícil de explicar. Como aquellos, es un disco que cuando acabe el año muchos de nosotros habremos escuchado cientos de veces más que el 90% de BNMs de Pitchfork. Y que dentro de unos años todavía escucharemos con un recuerdo emocionado de estos días.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Video Games’, ‘Born To Die’, ‘Blue Jeans’, ‘Off To The Races’, ‘Summertime Sadness’
Te gustará si te gustan: el pop comercial de calidad, Hooverphonic, Nancy Sinatra.
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‘Virtue’ está inexorablemente marcado por la ruptura de Moss con su prometido poco antes de que se celebrara su boda, después de que él decidiera convertirse al cristianismo y, en pos de su religión, acabara por dejar a su novia plantada para perseguir un destino virtuoso. Lógicamente, eso sumió a Emmy en una profunda crisis personal, en la que persiguió en libros de teología las razones que pudieron llevar a su pareja a tal transformación. Este drama está, lógicamente, reflejado en las diez canciones producidas por el veterano Gareth Jones (Depeche Mode, Wire, Erasure). Pero su reminiscencia va más allá de la postura lastimera y exhibicionista, pues ha servido a Moss para escribir sobre el rol femenino en la sociedad, la literatura y la religión, resultando más un tratado de feminismo universal que un ejercicio de autocompasión. Al menos, la mayoría de las veces.

Vaya por delante que el efecto que provoca ‘Virtue’ no sería el mismo si hubiera recurrido de nuevo al encorsetado pop folkie de su debut, y que resulta fundamental la variedad de recursos desplegada en cuanto a los arreglos que visten las canciones, bonitos y sofisticados, en una primera mitad magnífica en la que no solo destacan los singles ‘Iris‘ y ‘Paper Forest (In The Afterglow of Rapture)’ y que la aparta definitivamente de la etiqueta folk para abrazar un pop más heterodoxo. La segunda parte del disco (con la excepción de la vibrante ‘Sylvia’) adolece de cierta falta de ambición en ese sentido, y eso supone un lastre para el conjunto. Sin embargo, parece justificado cuando uno repara en que esas son las canciones más confesionales y personales de todas.

Su ya demostrado ingenio lírico está empleado en ‘Virtue’ en analizar esa mencionada peripecia personal y su papel en ella, buscando símiles con figuras de la mitología griega como Iris o Casandra y, cómo no, bíblicas como Eva. Las referencias al Evangelio son continuas, apuntando especialmente al papel sumiso que el cristianismo ha otorgado tradicionalmente a la mujer, poniendo de relieve su hipocresía y absurdidad a modo de venganza. También hay referencias a Sylvia Plath, un fantasmal oráculo al que Emmy realiza las mismas preguntas que la poetisa se hacía (“si esto es la vida, ¿por qué siento que estoy soñando?”), exponiendo su humanidad por encima de su disfraz artístico en la frase “si el personaje se equipara al destino, entonces no soy grande (great)”. A modo de ajuste de cuentas, el álbum se cierra con dos canciones que aluden de manera directa a su ex pareja. En ‘North’ expone su inútil empeño en comprender y acceder a la fe de él, mientras que en la conmovedora ‘Trelick Tower’, con solo un piano como acompañamiento, Emmy cierra página ironizando (se denomina como la reliquia de aquella relación), aludiendo a la ascensión a los cielos de su ex amado (“algo sagrado solía amarme, algo sagrado solía tocarme”).

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Paper Forest (In The Afterglow Of Rapture)’, ‘A Woman, A Woman, A Century Of Sleep’, ‘Iris’, ‘Trelick Tower’.
Te gustará si te gustan: Carole King, Slow Club, Laura Marling.
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Posiblemente, la agenda de Los Planetas habrá obligado a postergar la publicación de su segundo álbum largo más de cinco años, pero sus diversas giras (la próxima pasará por Madrid -27 de enero-, Valencia -25 de febrero- y Barcelona -9 de marzo-) y EPs (como el publicado en 2008, ‘Antiguo y nuevo’) han contribuido a pulir y dar una forma más concreta a su “alegato a favor de un territorio emocional, identificado con el Sur”. Esa característica mezcla de estilos como el country, el rock y el folk con la canción popular andaluza se muestra en este ‘El eje de la Tierra’ más depurada que nunca, gracias sobre todo a una clara voluntad de ir al grano, en poco más de treinta minutos a los que no les sobra nada.

Ya sea en canciones clásicamente pop-rock, que cabrían en los últimos álbumes de Los Planetas pre-’La leyenda del espacio‘ (‘Tú, misionero de Dios’, ‘Pequeños’), en cortes con más aire de coplilla y fandango (‘Dime’, ‘Perros muertos‘, ‘¿Por qué no te largas de aquí?’) o en su propio blues-rock mediterráneo (‘Merienda de negro’, ‘De baja’), el Grupo de Expertos Solynieve se muestra atinado y con gancho, con una buena colección de estribillos irresistibles. Aun con el carácter didáctico con respecto al flamenco similar al aplicado en las últimas obras de Los Planetas, se agradece la menor radicalidad de esta propuesta, su tono despreocupado y lúdico, que aporta frescura y ayuda a disfrutar de una manera más inmediata.

Resulta imposible hablar de esta banda sin aludir a sus letras, ya que albergan gran parte de su espíritu. Al margen de abanderar esa encendida defensa del sureño way of life (con una ‘La nueva reconquista de Graná‘ como estupendo himno), su próxima participación en el proyecto Robo resulta casi obvia, gracias a un buen puñado de canciones con preclaros mensajes que buscan agitar la conciencia social y animan a la protesta y la resistencia (‘Merienda de negro’, ‘El evangelio (según Pablo)’, ‘De baja’) que, liberando con naturalidad su característico acento natal, logran que calen y resulten sinceras y creíbles. La genial adaptación de ‘Shouting In a Bucket Blues‘ de Kevin Ayers cobra, desde ese punto de vista, un valor especial en su encendido estribillo.

Grupo de Expertos Solynieve hacen confluir en sí mismos la mejor tradición rock de nuestro país (Los Enemigos y Josele Santiago, los propios 091), aliñada con similar intención de encuentro entre blues y flamenco que ha practicado Kiko Veneno. No son una revolución cultural ni espiritual, pero resulta conmovedor que queden tipos en este país que sepan divertir y emocionar con inteligencia e intención, sin ligereza.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Merienda de negro’, ‘Perros muertos’, ‘Dime’, ‘Blues chillando en un cubo’
Te gustará si te gustan: Los Planetas, Josele Santiago, Kiko Veneno
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Por otra parte, la principal virtud de este cuarteto no es esencialmente original. En este primer álbum largo publicado por un subsello de Domino Records, queda patente que sus influencias básicas son las melodías del bubblegum pop de los 50, enfocadas con teclados que las envuelven en misterio, a caballo entre el dream pop de Beach House y los trabajos de Badalamenti para David Lynch. Las menciones al shoegaze a las que invitaban sus primeras maquetas quedan así diluidas, aunque aún pensemos en los My Bloody Valentine menos radicales cuando suenan ‘Strangling Good Guys’ y la acertadamente regrabada ‘Candy Girl’.

Pero la originalidad, ya se sabe, es una cuestión que queda en segundo plano cuando una banda consigue sonar excitante, sugerente y magnética como Trailer Trash Tracys. ‘Ester’ es un álbum coherente y sin apenas fisuras (quizá ‘Black Circle’ y ‘Turkish Heights’ reduzcan levemente el nivel, hacia el final), que comienza totalmente apabullante enlazando tras su intro los cortes más inmediatos y ya conocidos: a ‘You Wish You Were Red’ le siguen los ensoñadores teclados de fanfarria de ‘Dies In 55′ y esos arpeggios extraterrestres de ‘Engelhardt’s Arizona’. Pero continúan con ‘Los Angered’, ‘Starlatine’ y las mencionadas referencias al grupo de Kevin Shields, sosteniendo con firmeza una propuesta que se debate con maravillosos resultados entre la frialdad de sus teclados y bases rítmicas gélidas, de influjo ochentero, y la emoción casi infantil de la voz de Suzanne Aztoria. Y merece una mención aparte ese sonido de guitarras derivado del uso de la escala sorfeggio, una técnica antiquísima (utilizada en los cantos gregorianos) que utiliza solo siete notas en una frecuencia muy determinada y que determina ese componente marciano tan personal.

Entre Cocteau Twins y Wild Beasts, sin aspavientos ni poses artificiales, Trailer Trash Tracys consiguen con ‘Ester’ marcar un hito referencial en el dream pop para el año 2012, un refugio ideal para soportar la crudeza del invierno y soñar.

Calificación: 7,9/10
Lo mejor: ‘Candy Girl’, ‘Dies In 55′, ‘You Wish You Were Red’, ‘Engelhardt’s Arizona’
Te gustará si te gustan: Beach House, Wild Beasts, Julee Cruise
Escúchalo: Spotify, The Guardian

Renovada su banda de acompañamiento (Daniel O’Sullivan -de Sunn O)))- y Akiko Matsuura han sido sustituidos por Victoria Smith a la batería y Zan Lyons en las programaciones y teclados), Furze y Cordell han demostrado con los singles previos al álbum, ‘Stay Gold‘ (una revisión de su propio éxito ‘Dominos’) y ‘Hit The Ground (Superman)‘ (con ese sample de ‘O Superman’ de Laurie Anderson como base de la canción), que aún conservan la capacidad para crear nuevos estribillos con gancho. Ambos abren el álbum de manera inmejorable, estableciendo una sólida base sobre la que construir el largo. Desde ese inicio queda clara su intención de aclarar su sonido y apartarlo del aire sofocante y sucio de antaño, reduciendo el protagonismo del fuzz de las guitarras y cediendo espacio a arreglos de teclados. Con ‘Give It Up’, que incluye un sample de la interpretación que Ann Peebles hizo del clásico ‘I’m Gonna Tear Your Playhouse Down‘, acentúan su nueva cara incluyendo unas marcadas voces soul en el estribillo, un recurso empleado varias veces a lo largo del álbum.

‘Future This’ supone un valiente esfuerzo por rehuir sus propias convenciones, arriesgando con nuevas vías. En no pocos cortes del álbum The Big Pink hallan un notable término medio entre su anterior propuesta y un futuro posible, como ocurre en el medio tiempo que titula el álbum (co-escrito aún con O’Sullivan), ‘The Palace’ o ’77′, la balada que cierra el álbum y cita a su admirado John Fante. Sin embargo, fracasan en las canciones que pretenden aportar un lado más festivo, como ‘Rubbernecking’ o ‘Jump Music’, que resultan predecibles y algo impersonales, poco inspiradas. Si no puedes mejorar lo que hicieron Pop Will Eat Itself, corres el riesgo de quedarte en un amago de E.M.F. Tampoco podrán salvarles sus anodinas letras sobre la resistencia a madurar ni ingenuos himnos hedonistas. Quizá por un exceso de ambición, ‘Future This’ termina por no cumplir con las altas expectativas de su arranque, pero funciona perfectamente como disco de transición. Cabe esperar más y mejor en el futuro.

Calificación: 6,2/10
Lo mejor: ‘Hit The Ground (Superman)’, ‘Stay Gold’, ’77′, ‘Give It Up’.
Te gustará si: te resulta más satisfactoria una pose que las canciones, Kasabian, Pop Will Eat Itself.
Escúchalo: NME

1. La escuela LaGuardia: Huérfana de padre desde los dos años, Azealia es la menor de tres hermanas y cuenta que siempre expresó su vocación artística. Eso fue lo que llevó a Banks a cursar estudios en la afamada LaGuardia High School, una de las escuelas de formación artística más prestigiosas del mundo (Al Pacino, Liza Minelli, Suzanne Vega o Paul Stanley se prepararon ahí), en la vida de cuyos alumnos se basaron la serie y el musical de Broadway ‘Fame’. Azealia se formó allí en diversas disciplinas clásicas, pero asegura que nunca llegó a terminar sus estudios. Tras acudir a un par de castings decidió que su vocación no era ir de prueba en prueba esperando su oportunidad para “salir en un anuncio”, así que decidió buscar una vía más rápida, sacando partido a su talento natural para el rap: su mejor baza para buscarse un hueco con urgencia.

2. Miss Bank$ VS Nicki Minaj: Aunque no está confirmado, parece que Azealia adoptó el rol de Miss Bank$ para lanzarse al mercado, adoptando la imagen colorida y explosivamente pop de las harajuku girls japonesas, en las que sin duda también se ha inspirado una de las más recientes estrellas del hip hop femenino, Nicki Minaj. Azealia asegura en alguna entrevista que en algún momento tuvo un Myspace en el que creó una imagen de sí misma que jugaba a ser una “Barbie negra” y que poco después se encontró a Nicki (curiosamente, también alumna de LaGuardia) explotando ese mismo concepto. En su momento lo denunció y, aunque sostiene su acusación, hoy Banks huye un poco del debate y lo suaviza un tanto diciendo que ambas son fans de Lil’ Kim y que, en el fondo, la idea no era muy original.

Slow Hands by Azealia Banks

3. Influencias, más allá del rap: Ahora que está dentro del negocio, no duda hacer guiños a talentosos coetáneos como el colectivo ODD Future o A$AP Rock. Pero aunque toda la música que se conoce de Azealia son básicamente bases de otros sobre las que ella rapea, Banks muestra que su cultura musical no se limita al hip hop. Por su formación, antes de introducirse en el rap se educó escuchando musicales de Broadway y jazz. Pero además, entre sus demos, encontramos una versión de ‘Slow Hands’ de Interpol (con los que dice estar “obsesionada” y no solo porque esté loca por los huesos de Paul Banks). Resulta creíble cuando afirma que con catorce años estaba muy metida en el indie-rock de Strokes, Bloc Party o Futureheads. Incluso asegura que su canción favorita es ‘Alright’ de Supergrass.

4. Sus armas: Su falta de prejuicios para escribir y cantar sobre sexo (por ejemplo, su tema más reciente, ‘Liquorice’, habla de sexo interracial) es divertido, pero su mayor virtud, la más explosiva, parece la audacia y naturalidad que demuestra como rimadora. Sería, eso sí, injusto obviar su patente talento para entonar y cantar, con un deje de soul aguardentoso bastante atractivo, como acaba de hacer en la colaboración que ha realizado en el nuevo single de Scissor Sisters, en el que ejerce de diva con su crucial intervención como Krystal Pepsy.

5. La mano de Diplo y el affair XL: Su primera gran oportunidad llegó de la mano de Diplo, que se prendó del desparpajo que mostraba en ‘Seventeen’, su primera demo, y le ofreció colaborar. Y así fue como Banks participó en ‘Can’t Stop Now‘, corte incluido en el primer álbum de Major Lazer. Otra cosa que el productor americano hizo por ella fue introducirla en el sello XL Recordings, que la fichó de inmediato e incluso comenzó la producción de su primer disco. Lamentablemente, Azealia pretendía intervenir más en la producción musical de lo que Richard Russell estaba dispuesto a permitir y eso provocó un estancamiento del proyecto. Ante la falta de feedback, Banks les mandó “a tomar por culo”, literalmente.

LIQUORICE by Azealia Banks

6. Depresión y nuevas estrategias: Dada la envergadura de la oportunidad perdida, no es de extrañar que Azealia cayera en una posterior depresión, pero su relación con el sello británico no cayó en saco roto. Medios del Reino Unido seguían ya sus pasos y eso propició que el experimentado mánager Ron Laffitte le ofreciera sus servicios. Sería ingenuo pensar que los pasos que han llevado a Banks a las portadas de medios de todo el mundo sea espontáneo. Hay una inteligente estrategia detrás. Para empezar, se ganó el favor del lobby indie gracias a sus demos, en las que utiliza bases que la aproximan a un público muy concreto: Ladytron (‘Seventeen‘), Peter, Bjorn And John (‘The Chill$‘), Lunice (‘Runnin´‘) o Lone (‘Liquorice‘) se encuentran entre sus acertadas elecciones. Aunque bueno, también está ’212′.

7. ’212′: El pasado otoño apareció su vídeo por todas partes a una velocidad viral. Y no es de extrañar, porque es totalmente magnético. Su base zapatillera y poco refinada (‘Float My Boat‘ de Lazy Jay) y esa poderosa fotografía en blanco y negro del vídeo en contraste con su imagen de niña pícara, bailando tontamente con el ya famoso jersey de Mickey Mouse, son un pastelito delicioso coronado con una guinda: su letra. ’212′, código del distrito de Manhattan, es uno de esos ineludibles ejercicios de autoafirmación rapera aliñado con un lenguaje sexual que no puede ser más explícito, con alusiones a mamadas a la orilla del Hudson, semen en el pelo y pollas de tamaño XXXL. Hay quien dice que toda ella es un clarísimo “in ya face” a su “amiga” Nicki Minaj.

8. Paul Epworth: La prueba más evidente de que un sello potente (aún no se sabe cuál, ni siquiera si es una multinacional) está preparando este lanzamiento es su productor. Parece difícil que sin sello ella misma hubiera podido financiar y gestionar la contratación de uno de los productores más requeridos del momento. El crecimiento profesional del británico ha sido paulatino ya que, aunque logró cierto crédito con sus trabajos para Bloc Party o Mäximo Park y se consolidó con sus producciones para Jack Peñate o Friendly Fires, su nombre no ha logrado notoriedad hasta que llegó el éxito del debut de Florence + The Machine. Pero si es el hombre del momento es, sin duda, por haber logrado empatizar con Adele para lograr que ’21′ haya sido el álbum más vendido del pasado 2011.

9. El debut: El encuentro entre estos dos artistas tan diferentes parece imprevisible, pero la neoyorquina ya ha advertido que su propósito es lograr un “pop con gran peso house, mezclado con el rollo de zorra rapera y sobriedad R&B”. Más claro, el agua. Parece lógico pensar que se aprovechará el desparpajo y naturalidad de la cantante, pero no sería descabellado que el británico lograra pulir un poco su agresividad y logre que Azealia muestre sus dotes para interpretar estilos más clásicos, tal y como aprendió en LaGuardia. Uno fantasea con que de ahí pueda salir una maravillosa bestia escénica entre Rihanna y Janelle Monáe.

10. Futuro inmediato: Lo único que parece seguro es que sus planes más inmediatos son una intensa gira por UK durante el mes de febrero como telonera de Two Door Cinema Club, una serie de conciertos promovidos por NME. Nada de esto es casual: su público potencial parece estar más en Europa que en su país natal, y más concretamente en el circuito indie (’212′ ha alcanzado el top 10 de las listas indies de UK). Para entonces, si no nos miente, Azealia Banks debería habernos mostrado ya otras dos o tres demos, con su debut listo para publicarse. Un álbum que, independientemente del resultado final, ya está llamado a ser uno de los momentos álgidos en el pop de 2012.

Dan Lissvik y Rasmus Hägg se unieron en 2001 bajo el nombre The Studio y en sus inicios realizaban un pop de guitarras claramente inspirado en el indie británico ochentero (como atestiguan los tres singles editados por el seminal sello Service), nada excepcional. Pero en 2006 dieron un giro a su propuesta adentrándose en una electrónica sugerente y evocadora, aún conservando el protagonismo de las guitarras pero tratándolas de una manera más delicada, ornamentando un tejido de pop experimental que se alimentaba igualmente de dub y de chill ibicenco post-acid, como una extensión gélida de ‘Screamadelica’ sin gospel.

Singles como ‘Life’s A Beach’ o ‘West Life’, ya editados bajo el nombre Studio en su sello Information, fueron reunidos después en ‘Yearbook 1‘ con la adición de nuevos números como ‘No Comply’ o los casi 16 minutazos de viaje de ‘Out There’. Editado solo en Escandinavia y ya casi inencontrable, es una referencia que hoy día se antoja ineludible para comprender la evolución del pop sueco (y eso incluye también lo estético), lo que implica a casi toda la familia Sincerely Yours (jj, Air France) y otros compatriotas como Lake Heartbeat o This Is Head, además de extender su influjo a propuestas geográficamente más lejanas como Washed Out o los propios Delorean.

‘West Coast‘, la versión comprimida de ‘Yearbook 1′, sí fue editada internacionalmente y con ella lograron atraer la atención de bandas indies como Rubies o Shout Out Louds y divas pop como Kylie. Su remezcla en clave acústica y jamaicana de ’2 Hearts’ era el principal gancho de ‘Yearbook 2‘, en el que compilaban diversas remezclas realizadas para los artistas mencionados (además de Love Is All, Brennan Green o A Mountain Of One). Sin embargo, parece lógico que fuera firmado como un nuevo volumen del dúo, dada la coherencia del sonido en una colección de remixes elegantes y suficientemente alejados de los originales para que se conviertan en material con identidad propia.

A partir de ahí, parece que la actividad de Lissvik y Hägg comenzó a llevar caminos distintos. Mientras el primero trabajaba en su primer álbum en solitario y se entretenía con el grupo The Crêpes (junto a un miembro de The Embassy), realizaba numerosas remezclas para artistas como Mock & Toof, James Yuill o Fever Ray (su versión de ‘When I Grow Up‘ es un verdadero prodigio) que, en ocasiones, igualaban (e incluso superaban) las virtudes de los originales; Hägg, por su parte, apenas daba muestras de actividad salvo su participación en la mutación sonora que mostró El Perro del Mar con su álbum ‘Love Is Not Pop’, y parece que de nuevo hará lo mismo en su inminente nueva obra ‘Pale Fire’.

Continuaremos admirando sus probablemente fructíferos trabajos por separado, pero resulta difícil pensar que por separado lograrán una obra del calado y la importancia que Studio han tenido en el pop del último lustro.