Echando la vista atrás uno tiene la sensación de que, tanto en su etapa en Surfin’ Bichos como en sus proyectos posteriores (Mercromina, Travolta), Joaquín Pascual siempre se ha visto parcialmente eclipsado por la poderosa figura de Fernando Alfaro, cuyas carreras han mantenido cierto paralelismo. El halo de malditismo del segundo y (claro) su talento, demostrados en la ya mítica banda autora de ‘Hermanos Carnales’, luego en Chucho y luego con sus Alienistas, parecía darle cierta ventaja sobre los trabajos de Pascual, quizá menos carismático cara al público aunque igualmente (quizá incluso más) apasionado por este oficio de escribir canciones. Resulta curioso que ahora, por primera vez, es Pascual el que parece dar un paso más allá que su ex compañero de andanzas y sin embargo amigo con su primer disco firmado con su propio nombre, sin el refugio de un alias o una banda, a pecho descubierto.

Da también la sensación de que ese paso de ser “solo” Joaquín Pascual ha sido especialmente bien recibido por su público y que está logrando quizá más repercusión que nunca de esta forma. Aunque, por otro lado, también parece que las estrategias de promoción y producción al margen de la industria discográfica tradicional han vuelto a triunfar (recordemos que Pascual comenzó colgando canciones en su MySpace y vendiendo de manera directa por correo una primera tirada de 200 copias de este álbum).

‘El Ritmo De Los Acontecimientos’ se compone de una serie de diecinueve pequeñas (en la forma, no en el fondo) canciones que transcurren en menos de una hora, episodios vitales fugaces (suspiros) en los que nos muestra lo perverso y lo inquietante que a veces se agazapa en los rincones de lo cotidiano. Sus letras huyen de esa obviedad romántica que tiende a cantar a actitudes idealizadas ante la vida, mostrando una sinceridad inaudita en puñetazos de realidad directos a la mandíbula, mostrando que dentro de cada uno hay un ser puñetero y mezquino, cantando al amor desde un punto de vista de observador fascinado, a la nostalgia con condescendencia y desdén, a la autocompasión como motor vital, a la impermeabilidad emocional como egoísta defensa imprescindible de nuestro pequeño mundo. Una confesión en la que el autor se expone tal como es, sin afán moralizador, animándonos a confesar que, aunque no sea bonito decirlo, uno también se ha sentido así muchas veces.

Su puesta en escena, primordialmente minimalista (la tónica es que apenas guitarra o teclado acompañen a su voz), refleja perfectamente el espíritu doméstico y de inmediatez que Pascual quería plasmar en estas canciones grabadas por Paco Loco, consiguiendo así mostrarse más cercano y familiar que nunca en melodías que poseen ecos de Buddy Holly o Phil Spector (con mención especial a los coros de Ana Galletero y Muni Camón), aunque a menudo recurra a un sofocante volumen de guitarra que casi consigue ahogar su voz, en un efecto tremendamente desasosegante, en coincidencia con esa nueva corriente norteamericana comandada por Best Coast o Real Estate. Con la inmediatez y la sinceridad como armas, ‘Todos los días tengo un accidente’, ‘Nos miramos a los ojos’, ‘Debería estar bien contento’, ‘Una pena de camisa’, ‘Nadie quiere pensar en ello’, ‘Carreteras Secundarias’ logran un impacto emocional tremendo, quedando adheridas al oyente como algo propio, en un disco del que se agradece cada escucha. Sin duda, ‘El Ritmo De Los Acontecimientos’ es un disco maravilloso que va a marcar un punto de inflexión en la carrera de Joaquín Pascual y que dejará huella en muchos de nosotros.

Calificación: 8,5/10
Lo mejor: ‘Nos miramos a los ojos’, ‘Una pena de camisa’, ‘Todos los días tengo un accidente’
Te gustará si te gustan: Travolta, Tórtel
Escúchalo: en MySpace

Alex Chilton se sintió indispuesto en su casa de Nueva Orleans cuando se disponía a partir hacia Austin para actuar con los reformados Big Star en el festival South By Southwest. Fue trasladado a un hospital, en el que murió horas después, parece ser que de un ataque al corazón, aunque esto no está confirmado. Tenía 59 años y era conocido por sus trabajos en el grupo de soul The Box Tops y con los seminales Big Star.

Chilton nació en Memphis en 1950. Hijo de un músico de jazz, comenzó su carrera musical con tan solo 16 años en el grupo de soul blanco The Devilles, que después pasaría a llamarse The Box Tops, un cuarteto que mezclaba el entonces triunfante soul negro de la Motown con elementos del pop británico, muy The Kinks. A mediados de 1967 ‘The Letter’, escrita por Wayne Carson Thompson, llegó al número 1 de Billboard y permaneció en él durante cuatro semanas. Sus dos minutos son, sin duda, de esos indispensables cuando se trata de resumir la historia del pop.

Con diversos cambios de formación en la que siempre permaneció Chilton, la vida de The Box Tops duró tres años, separándose en 1970 y dejando hits como ‘Neon Rainbow‘, ‘Cry Like A Baby‘ o su versión del ‘Whiter Shade Of Pale‘ de Procol Harum. Pero Chilton quería moverse hacia adelante y había empezado a escribir sus propias canciones, que mostró a su amigo de la adolescencia Chris Bell, con el que formó la banda Big Star con el firme propósito de emular el tándem Lennon-McCartney. Así compusieron y grabaron ‘#1 Record’, que contenía altas dosis de pop mezclado con un fuerte componente de rock americano al más puro estilo de los entonces pujantes Grateful Dead o los Flying Burrito Brothers de Gram Parsons, acuñando el hoy popular término power-pop.

El disco fue un fracaso de ventas en la época, pero sin duda su forma de entender los arreglos vocales y de cuerdas en el pop-rock ha servido (y sigue sirviendo) de inspiración para las generaciones posteriores, siendo el pilar básico en el que se sustentan las carreras de bandas como The Posies (no es casual que sus miembros Jon Auer y Ken Stringfellow formaran parte de la actual encarnación de la banda) o Teenage Fanclub, cuyo tercer álbum ‘Thirteen’ era un homenaje manifiesto a la música de Alex Chilton. ‘Thirteen’ fue la primera canción que escribió Chilton y en ella hablaba de su experiencia tras asistir a un concierto de la primera gira de The Beatles con trece años, haciendo un bonito retrato del sentir de esa turbulenta fase vital. Ha sido versionada hasta la saciedad (entre otros por Wilco o el llorado Elliott Smith) y es una canción de esas que se quedan adheridas a uno para siempre después de escucharla. Nada como ese “Rock and roll is here to stay” para hacer brotar lágrimas.

Tras ‘#1 Record’, Chirs Bell dejó la banda por una pelea con el bajista Andy Hummel y Chilton tomó los mandos en los dos siguientes álbumes, ‘Radio City’ y el imprescindible ‘Third/Sisters Lovers’, cumbre compositiva de Chilton en el que derrochó inventiva con unos crudos pero preciosos arreglos, con una fuerte carga de psicodelia, tanto para sus propios temas como en versiones de Velvet Underground y Kinks. ‘Thank You Friends’ es uno de los más celebrados.

Curiosamente fue un álbum ignorado, cuya publicación costó cuatro años, debido sobre todo a que la banda ya se había separado incluso antes de terminar de grabarlo. Chilton inició su carrera en solitario, con la que nunca tuvo demasiada repercusión comercial. En 1993 numerosas bandas reivindicaron el legado de Big Star y Chilton decidió, como decíamos, reactivar el grupo junto a miembros de The Posies. Con esa formación llegaron a actuar sonadamente en el FIB, en el año 2001.

Hubo un tiempo en que discos como ‘Your Favorite Music’ o ‘The Ghost Of Fashion’ prometían una meteórica carrera para el grupo de Eef Barzelay. Incluso llegaron a entregar su obra culmen, el para mí superlativo y nunca bien ponderado ‘End Of Love’, un verdadero tratado de desnudez emocional y fracaso sentimental. Tras eso, las tensiones internas derivadas de los problemas personales y financieros de los miembros de la banda provocaron la ruptura de Clem Snide, en el año 2006. Eef publicó y paseó por el mundo dos buenos (no notables) discos en solitario hasta que en la pasada primavera, volvió a contactar con el batería Ben Martin y el bajista Brendan Fitzpatrick para reanudar la actividad, publicar el disco que quedó grabado poco antes de su separación, ‘Hungry Bird’, y hacer una gira. Así que puede decirse que este ‘The Meat Of Life’ es el verdadero disco de regreso de Clem Snide.

En su séptimo disco de estudio persiste el mismo espíritu de amargura y desencanto que reinaba en ‘Hungry Bird’ pero parece que, al fin, Eef ha decidido abrir un poco las cortinas y dejar que un hilo de luz entre en el viciado ambiente oscuro de su habitación. Así, podemos reencontrarnos con los viejos Clem Snide, los de ‘I Love The Unknown’ o ‘Ice Cube’, en cortes como ‘BFF’, ‘Denise’ o el vibrante ‘Wal-Mart Parking Lot’.

De nuevo Mark Nevers (Lambchop, Calexico) produce con inteligencia añadiendo arreglos comedidos y elegantes que visten pero nunca saturan las canciones, como las cuerdas (¡ese cello!) de la estupenda ‘With Nothing Much More To Show Of It’ o el trombón final de la mencionada ‘Denise’. Tampoco falta su recién adoptada épica (la misma que reinaba en cortes como ‘Pray’ de su última obra) en temas como ‘Forgive Me, Love’ o el que da título al disco, en el que se ponen claramente en plan Wilco. Pero donde se muestran certeros como nunca es en la emotividad y sencillez de canciones como ‘Denver’, ‘Song For Mary’, la sobrecogedora ‘Please’ o el exquisito soul de ‘Anita’.

Lo que sí permanece imperturbable es el talento de Barzelay para desarmar con sus letras y llenarnos de desazón con su amargo sentido del humor, con algunos versos para enmarcar. Latigazos como “I hid the bottle in the woods to mark the spot where I first realized that we we have is more than good” (en la ebria rabieta resignada del amante abandonado por algo mejor -’Denise’-), “I hope that you never forgive me, forever deny me your smile, cause I met this woman in Denver and now she is carrying my child” (la confesión amarga de que hay otra, que es más joven y está embarazada -’Denver’-), “I got high with a Sufjan Stevens fan in Normal, Illinois, and this song goes out to all you beautiful American boys and girls” (que ya lo dice todo de ‘I Got High’) o “Trust me you don’t want to know how I really feel, I’d like to enjoy this meal, I don’t want to talk anymore” (en la furia interna previa al fin de una relación, ojo, profesional o artística -’BFF’-) parecen sencillos, pero no está al alcance de cualquiera transmitir desolación con una media sonrisa.

Hubo un tiempo en que Clem Snide podían haber sido enormes y la vida les puso en la segunda fila, en la fila en la que se sientan los que, con discos como ‘The Meat Of Life’, seguirán poco a poco ganando algunos fans, no muchos, que les serán fieles para siempre.

Hoy 17 de marzo Clem Snide comienza su minigira española junto a Arizona Baby en la sala Heineken (también con Inhabitants), el 18 estarán en la sala Plateruena de Durango y el 19 en Mephisto, en Barcelona.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Wal-Mart Parking Lot’, ‘Denise’, ‘Anita’, ‘BFF’
Te gustará si te gustan: Lambchop, Elvis Perkins
Escúchalo: en Myspace, en 429 Records

Nuestro agradecimiento por la buenísima foto a Miguel Pellitero, de su Flickr.

Ramos de flores, algunas jaulitas llenas de pequeñas bombillas, una gigantesca lona con más motivos florales de fondo y una iluminación tenue eran suficiente puesta en escena para dar ambiente al pop gótico de Florence Welch y su máquina, en una sala Heineken absolutamente abarrotada, bien caldeada por el indie rock atmosférico de Sian Alice Group (que, lamentablemente, no llegamos a tiempo de ver) y algo más de media hora de espera adicional que nos regaló la joven pelirroja, que arrancó su set enlazando ‘Howl’ y ‘Kiss With A Fist‘ (sacándosela pronto de encima) con ‘Hurricane Drunk’ (para mí su corte más blando y convencional) y ‘My Boy Builds Coffins’. Con ellos sí pudo mostrar su portentoso chorro de voz, pero un sonido inicial bastante pobre conseguía que el griterío generalizado del público, capitalizado por guiris con pocos escrúpulos ante el precio de la priva y avezados lectores postadolescentes de revistas de tendencias (dicho esto sin ninguna acritud, lo juro), eliminara cualquier posibilidad de percibir los matices que presumiblemente ofrecían el giganteso arpa de pie de Tom Monger y la guitarra de Robert Ackroyd.

Florence, que comenzó un tanto anquilosada con estudiadas poses de artistona, fue poco a poco soltándose y encontrándose más cómoda, merced a la entrega del respetable que cantaba casi cada canción de pe a pa y a la paulatina mejora del sonido que, aun sin sacar brillo a los arreglos de la competente banda, al menos sí consiguió que ‘Between Two Lungs’ o ‘Hardest Of Hearts’ dieran la misma medida (o quizá más) que en disco, con unas subidas de intensidad realmente impresionantes merced, especialmente, a la batería de Chris Hayden. En la segunda mitad del set, que incluyó prácticamente ‘Lungs‘ al completo, ya sí encontramos a una Florence totalmente entregada, una verdadera y carismática entertainer que saltando de un lado a otro y a golpe de melena (guás, guás) consiguió enardecer del todo al público con ‘Drumming Song‘ y emocionar con temas aparentemente más inofensivos como ‘Cosmic Love’ y, sobre todo, ‘Blinding’. Ya con el último tema pre-bis, ‘Dogs Days Are Over‘, logró hacer saltar a toda la sala, literalmente.

Reservó para el postre dos de sus temas más celebrados, ‘You Got The Love‘ y ‘Rabbit Heart (Raise It Up)’, pero la vocalista parecía ya un poco desfondada, y pese al ímpetu del personal no resultaron todo lo épicas que cabía esperar. En fin, con algún borrón, el recital de Florence + The Machine resultó realmente divertido y a menudo daba la sensación de que la sala Heineken se quedaba pequeña para su pop expansivo. No me extrañaría en absoluto ver a Florence haciendo un Palacio de los Deportes o un Sant Jordi en dos o tres años. Para nada. 7

“Somos anti-experimental, anti-distorsión, anti-vanguardia. Me interesa lo narrativo, la precisión, la claridad”. Así habla Jack Barnett de lo que su banda, These New Puritans, es en 2010 y de lo que persigue. ‘Beat Pyramid’ era un interesante ejercicio de búsqueda más allá del trillado revivalismo post-punk que ponía en evidencia a precedentes como Bloc Party y que, por qué no, puede ser un claro referente estético para The xx (a los que, paradójicamente, han teloneado recientemente). Pero no hacía presagiar un paso adelante tan brutal como este ‘Hidden’, una obra en la que el cuarteto de Southend se despoja voluntaria y radicalmente de cualquier etiqueta para labrarse una nueva vía en el pop, una tortuosa y espinosa, apasionante.

Vaya por delante que ‘Hidden’ es un disco de rock sin (apenas) guitarras ni samples ni cajas de ritmo, sino que se sostiene en dos pilares fundamentales: la percusión y la orquestación. Ritmos de hip hop dislocado al estilo Timbaland (trompetitas sintetizadas incluidas), ejecutados con máxima contundencia sobre todo tipo de elementos percusivos (incluidos esos espectaculares taikos japoneses, de dos metros de altura), sirven de robusta base para los cuidados arreglos de corte clásico que Barnett ha compuesto (para lo que tuvo que aprender a escribir música sobre pentagrama) para una orquesta de hasta trece vientos y coros (con la colaboración vocal de Heather Marlatt de los tétricos Salem), todo ornamentado con ruidos de sables, cadenas y otros efectos sonoros que los convierten en auténticos himnos de combate, choque y conflicto, como ejemplifica a la perfección (ya desde su mismo título) su primer single ‘We Want War’.

Este carácter belicista no es puntual ni casual y se extiende a lo largo de todo el disco, especialmente en ‘Fire-Power’ y (magnífica) ‘Attack Music’, en la que se hace más patente esa agresividad latente y sugerida que da vida al álbum, que se manifiesta en la fricción y el contraste entre esa mencionada oda a la rítmica atípica (tan inspirada, según la banda, por el compositor minimalista Steve Reich como por productores de hip hop tipo Madlib o el llorado J Dilla) y las fantasmagóricas voces infantiles que la conducen, que alcanzan sus momentos más escalofriantes en la potente ‘Orion’. Alternando pasajes más claramente hiphoperos como ‘Three Thousand’ con otros más clasicistas como la pianística ‘Hologram’ o la (casi) popera ‘White Chords’, ‘Hidden’ es una propuesta única que constituye un verdadero desafío para el oyente medio de rock y pop, que rompe esquemas y huye de la obviedad y la mediocridad, que es intrínsecamente moderna precisamente porque se aparta de cualquier moda y abre su propio camino.

Esta noche, dentro de la serie de conciertos Myspace Band To Watch, These New Puritans actúan en la sala Razzmatazz 3, en Barcelona. Mañana 11 de marzo lo harán en Coruña y el 12 de marzo en Mallorca.

Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘We Want War’, ‘Orion’, ‘Attack Music’, ‘Drum Courts – Where Corals Lie’
Te gustará si te gustan: Efterklang, Timbaland, J Dilla, la música clásica
Escúchalo: MySpace

Bien es cierto que el catálogo post-mortem de Johnny Cash es envidiablemente digno y cuidado, pero cuando pensábamos que ‘American V: A Hundred Highways’ (2006) sería el volumen definitivo de la serie, Rick Rubin se ha sacado de la manga un ‘American VI: Ain’t No Grave’ que debería cerrar de una vez por todas esta ya mítica saga de álbumes antes de que empiece a oler a mero mercadeo. Como en el volumen anterior, ‘Ain’t No Grave’ es un álbum en el que un Cash ya bastante cascadito recurre más a reinterpretar clásicos que a llevar a su terreno canciones contemporáneas, un recurso efectivo y efectista que sirvió para atraer hacia sí las miradas de nuevas generaciones de admiradores que hoy le rinden tributo.

Afortunadamente ‘Ain’t No Grave’ tiene aún suficiente miga como para dejar indemne la imagen de este mito de la música, pero resulta palpable que durante estas grabaciones Cash estaba ya tremendamente enfermo, con la voz casi rota pero conservando aún su estremecedor carácter grave y solemne. Comienza con ese country gótico al que Rubin supo sacar tanto partido, el del espeluznante tema que da título al álbum (original del predicador Claude Ely), en el que el ritmo está marcado por un arrastrar de cadenas, y el de una ‘Redemption Day’ que cualquiera diría que Sheryl Crow escribió pensando en la voz doliente de Mr. Cash. Luego, el álbum se torna más natural, con canciones más escuetamente arregladas, escritas por autores hoy casi olvidados del folk norteamericano de los 60, como Tom Paxton (’Can’t Help But Wonder Where I’m Bound’), Ed McCurdy (’Last Night I Had The Strangest Dream’) o Bob Nolan (’Cool Water’), o por él mismo, como esa estupenda adaptación de un verso bíblico que es ‘I Corinthians 15:55′. El disco culmina, muy apropiadamente y de manera entrañable, con la tradicional canción de despedida de la isla de Hawaii, ‘Aloha Oe’.

Seguramente no sea casual que casi todas estas canciones tengan un carácter crepuscular, un tono de ajuste de cuentas con la vida que le abandonaba, haciendo un repaso de lo mucho vivido, sufrido y amado. En este sentido, resultan especialmente emotivas ‘Satisfied Mind’ (versionada también magistralmente por Joan Baez, Bob Dylan, Tim Hardin o Jeff Buckley), en la que parece mostrarse tranquilo y en paz ante su inminente muerte, y la revisión del ‘For The Good Times’ de Kris Kristofferson, con la que parecía querer repasar su tortuosa (aunque de feliz final) historia de amor con June Carter. ‘American VI: Ain’t No Grave’ podría ser el bonito broche final con el que despedir la discografía de Cash de manera honrosa y digna.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Ain’t No Grave’, ‘For The Good Times’, ‘Can’t Help But Wonder Where I’m Bound’, ‘Redemption Day’.
Te gustará si: te van los clásicos.
Escúchalo: en su web.

Dev Hynes dio un cambio radical e inesperado en su primer largo en solitario, ‘Falling Off Lavender Bridge‘, tras la disolución del trío de post-punk Test Icicles, en el que se dio a conocer en aquellos años en los que Bloc Party eran lo más. En aquel debut las canciones de Hynes eran una suerte de pop-folk orquestal con complejos arreglos y estructuras, que tenía su mayor exponente en la mini-sinfonía de nueve minutazos ‘Midnight Surprise’. En ‘Life Is Sweet! Nice To Meet You’, este británico (aunque nacido en Texas) no se desvía de ese camino de pop complejo y trabajado, pero en esta ocasión ha aprendido a ser más conciso y concreto para plasmar toda su imaginación e inventiva. Ahora le basta con tres o cuatro minutos. La pregunta es ¿hace eso más digerible su propuesta?

Apartado ya del colectivo Saddle Creek (recordemos que su primer disco estaba producido por el Monster Of Folk Mike Mogis), ha optado por un productor experimentado y heterogéneo como Ben Allen (con un currículum tan variopinto que incluye trabajos con Animal Collective y Christina Aguilera), que ha conducido la fértil imaginación de Hynes y la ha materializado en un sonido brillante, de incontables matices, que rememoran cosas tan aparentemente antagónicas como The Smiths, Queen o Rufus Wainwright. Si ‘Falling Off…’ resultaba un tanto tedioso por ser excesivamente repetitivo en sus recursos y estructuras, en ‘Life Is Sweet! …’ parece haberse enmendado y presume de una mayor variedad de estilos, aunque siempre rondando el pop orquestal.

‘Marlene’, el primer single, tira a glam, y en ‘Faculty Of Fears’ o ‘Madame Van Damme’ (próximo sencillo) hace un pop de guitarras convencional pero eficaz, mientras que en ‘The Big Guns Of Highsmith’ toma armonías típicas de música clásica, en ‘I Don’t Want To Wake Up Alone’ de los clásicos de los 50 y en ‘Sweetheart’ del country clásico, cantando como nunca con esa voz que recuerda un poco a Martin Rossiter de Gene. Todo es bastante entretenido y no es raro encontrarse a uno mismo, en el momento más insospechado, tarareando alguna de las cientos de melodías contenidas en estas canciones, incluso aunque no te resulte especialmente bonita. Es claramente un disco de mucho recorrido, en el que cada escucha descubre detalles monos o guiños que gusta reconocer pero que, por otro lado, pretende decir tantas cosas en tan poco tiempo que aturde y confunde. ‘Life Is Sweet! Nice To Meet You’ es una montaña rusa de pop que en la primera vuelta divierte, pero a la quinta o sexta marea un poco. Es lo malo del pastiche que, si no está en una justa medida, empacha.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Marlene’, ‘There’s Nothing Underwater’, ‘I Don’t Want To Wake Up Alone’
Te gustará si te gustara: un mash-up de The Smiths, Queen y Rufus Wainwright
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Ambientazo en el Centro Cultural Miguel Delibes de Valladolid para recibir al autor de uno de los mejores discos del año pasado, Bill Callahan, en esta cita acompañado por otro gran favorito del público, Nacho Vegas. El enorme, moderno auditorio del recinto no estaba la rebosar, pero sí presentó una magnífica entrada, entre la que pudimos atisbar caras conocidas como Lourdes aka Russian Red, Nudozurdo casi al completo o Remate, todos fans del músico afincado en Austin, Texas.

Antes de Vegas, Neal Morgan, virtuoso batería que más tarde acompañaría a Callahan, realizó un pequeño set con tres canciones de su reciente álbum ‘To The Breathing World’. Comenzando con un emocionante a capella, pasó a sentarse a la batería para dejarnos constancia de su tremenda inventiva con el instrumento, cantando a la vez con pasmosa delicadeza. A un paso del free jazz y la música contemporánea y a otro del deleite vocal de Fleet Foxes. Muy interesante. 7

Nacho Vegas, con Abraham Boba al piano y acordeón, ofreció un repertorio complaciente, incluyendo prácticamente todas sus canciones más accesibles: ‘Dry Martini S.A.’, ‘El hombre que…’, ‘(…) Miss Carrusel’, ‘Crujidos’, ‘Nuevos Planes, Idénticas Estrategias’… Obviando una innecesaria recuperación de ‘Maldición’, uno de sus temas más flojos, Vegas hizo un correcto show para su público menos exigente, e incluyó dos de sus últimos temas, la brillante ‘La Gran Broma Final‘ y otra posible nueva favorita, ‘Cosas que no hay que contar‘, que interpretó solo a la guitarra antes de despedirse con su versión de ‘The Stranger Song’ de Leonard Cohen. 7

Bill Callahan posee una figura tan imponente como su grave voz, aunque ese impacto se reduce en cuanto el ex de Joanna Newsom se arranca con esos involuntariamente cómicos “bailes”, levantando la patita. Dedicando su show a exponer casi al completo el magnífico ‘Sometimes I Wish We Were An Eagle’, Callahan se bastó con su marcial forma de tocar la guitarra, su cante profundo y la policromática y robusta batería de Neal Morgan para que canciones como ‘Jim Cain’, ‘Too Many Birds’, ‘Rococo Zephyr’ o ‘All Thoughts Are Prey To Some Beasts’ resultaran tan innegablemente bellas también así, sin las maravillosas cuerdas que las ornamentan en el álbum. Dando un hachazo definitivo, tocando casi de entrada una azorada versión de ‘Bathysphere’, se metió a sus fans más añejos en el bolsillo para realizar una selección de su amplio repertorio algo chocante: sin un solo corte de ‘Rain On Lens’, ‘Red Apple Falls’ o ‘Supper’, sí cupieron ‘Teenage Spaceship’ o ‘Cold Discovery’, que no son precisamente los temas más celebrados de ‘Knock Knock’ y ‘Dongs Of Sevotion’, respectivamente. Y, sin embargo, hasta cinco canciones de ‘A River Ain’t Too Much To Love’, tuvieron cabida, finalizando el concierto con la incómoda ‘Let Me See The Colts’, pasando por versiones un tanto ariscas de ‘In The Pines’, ‘I Feel Like The Mother Of The World’, ‘Rock Bottom Riser’ y una ‘Say Valley Maker’ que desembocó en una larga catarsis de ruido y aporreo desbocado de batería. Callahan se mostró esquivo con sus momentos más melódicos, desafiante, queriendo recordarnos que tras la belleza de su último álbum hay centenares de rincones oscuros que no debemos olvidar. 8

Foto: Muy recomendable la galería de El chico de la leche en Flickr.

Cuando uno encuentra un disco que le emociona profundamente de manera casi accidental, la emoción es doble. Y si se trata de un disco de pop atemporal, grandilocuente y dramático, más aún. Hay poca información sobre el sueco Joel Alme, y quizá eso sea solo el reflejo de su sencillez y discreción. Y es que Joel parece querer ser solo un chico que hace las mejores canciones que es capaz de hacer. O quizá solo sea algo heredado de su paso por Sincerely Yours, el hermético sello de The Tough Alliance, Air France o jj que publicó en 2008 ‘A Master Of Ceremonies‘, debut de Alme, pese a que formalmente no encaja del todo en los cánones estéticos de sus paisanos.

Previamente, Alme había pasado por la fugaz formación Spring In Paris, que publicó un solo álbum en el que se palpaban influencias de The Go-Betweens o los Modern Lovers de Jonathan Richman. Menos de dos años después de aquel primer disco llega este ‘Waiting For The Bells’, una colección de canciones espectacular llevada en volandas por unos arrebatados arreglos de cuerdas y vientos que irrumpen explosivos llenándolo todo de luz, canciones sublimes e imperecederas como ‘When Old Love Keeps You Waiting’, ‘Waiting For The Bells’, ‘The Spell Of Brothers’, ‘The Way We Used To Beg’ o ‘You Will Only Get It Once’ que se suceden sin descanso.

Y la voz desgañitada pero segura de Joel aporta un factor emocional extra que, como el Springsteen de ‘Born To Run’, reivindica con pasión el legado del maestro Phil Spector con estas deslumbrantes canciones que sacan el frío del cuerpo y la mente, dando nueva vida a aquel muro de sonido desde la perspectiva de un crooner romántico, al más puro estilo Elvis circa ‘In The Ghetto’, situándose muy cerca de Neil Hannon o Richard Hawley en la constatación de la vigencia del clasicismo y el romanticismo en el pop actual, sin atisbo de ranciedad ni nostalgia barata.

Calificación: 8,5/10
Lo mejor: ‘You Will Only Get It Once’, ‘No Class’, ‘When Old Love Keeps You Waiting’, ‘Waiting For The Bells’
Te gustará si te gusta: Richard Hawley, Neil Hannon, las producciones de Phil Spector
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Gil Scott-Heron, leyenda viva de la música negra, poeta precursor del hip hop como hoy lo conocemos, no publicaba un disco con material nuevo desde 1994 (el jazzy ‘Spirits’). Richard Russell, dueño de XL Recordings (recordemos: Vampire Weekend, M.I.A., The White Stripes…), ha visto en él su propio Johnny Cash y ha revitalizado la carrera del viejo Gil al estilo de lo que hizo Rick Rubin, precisamente desde 1994, con El Hombre de Negro en sus American Recordings. No deja de ser curioso este paralelismo con un artista sobre el que Scott-Heron decía en su mítica ‘The Revolution Will Not Be Televised’ que “nunca escribiría el himno de la Revolución”.

Gil Scott-Heron es hoy día reivindicado (con razón) como el padre del rap gracias a sus míticos discos de spoken-word de los 70 y 80, declamados sobre el colchón de jazz, blues y soul que el músico Brian Jackson creaba para él. En sus poemas, Scott-Heron buscaba activamente la agitación y la provocación de una sociedad norteamericana decadente, atontada por el consumismo y la televisión, racista y homófoba, actuando como acicate del gobierno Reagan pero también de la hipocresía de algunos líderes de la comunidad negra e incluso de los artistas de hip hop. La pasada década fue nefasta para él, ingresando varias veces en prisión por posesión de cocaína y sometiéndose a sucesivos (e infructuosos) tratamientos de desintoxicación. Pero eso ya no es importante, porque el maestro ha regresado con una nueva lección.

‘I’m New Here’ es una resurrección artística en toda regla, una lección magistral instigada por Russell, que ha actuado además como un inteligentísimo productor del álbum, poniendo a su servicio una parca y eficaz (algo así como un DJ Shadow haciendo minimal) versión del hip hop que el poeta ha inspirado durante tantos años. Hábilmente, el dub y la caja de ritmos sostienen la desgarrada versión del ‘Me & The Devil’ del mítico Robert Johnson en la que Damon Albarn colabora a los teclados, pero también sabe mostrarnos su alma de bluesman en ‘I’m New Here’ (sorprendente versión de Smog que titula el álbum) y ‘I’ll Take Care Of You’ (escrita por Brook Benton, que también adaptó estupendamente Mark Lanegan), con un prodigioso arreglo de cuerdas. Pero lo verdaderamente mágico de este disco está en cómo Scott-Heron y su ajada voz se desenvuelven magníficamente sobre estas bases de hip hop oscuro a lo Massive Attack, ya sea rapeando (recordando quién llegó primero) en las apasionantes ‘On Coming From A Broken Home’ (que incluye un sampler de ‘Flashing Lights’ de Kanye West), ‘Your Soul And Mine’, ‘The Crutch’ o ‘Running’, o cantando blues sobre una base de palmas en la espectacular ‘New York Is Killing Me’, bien arropado por voces gospel y la guitarra de Chris Cunningham (sí, el director de esto). Y todo ello con la mesura necesaria para hacer un disco de apenas media hora, que es en realidad la duración perfecta para el hip hop, género en el que precisamente el 95% de los artistas nos conducen irremediablemente al tedio con discos insoportablemente largos.

Pero Scott-Heron, a punto de cumplir sesenta y un años, parece estar ya muy cansado para reivindicar nada o azotar las mentes de una juventud que hoy cree no necesitar ninguna revolución. Por eso elige hablar de sí mismo y de cómo ve el mundo que le rodea, de su familia, de recuerdos de su infancia, de sus padres y su abuela materna (con la que se crió en Tennessee), de los solo que puede llegar a sentirse alguien en una ciudad de millones de habitantes, con cierta amargura y nostalgia pero con templanza y, sobre todo, una sabiduría de la que pocos pueden presumir. A ver qué MC chulito se atreve a toserle al viejo. No hay huevos.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘New York Is Killing Me’, ‘Your Soul And Mine’, ‘Running’, ‘The Crutch’
Te gustará si te gusta: Massive Attack, The Roots
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