Estamos ante el primer largometraje dirigido por Ignacio Ferreras. Con anterioridad ha trabajado en la animación de ‘El ilusionista‘, el storyboard de ‘Astérix y los vikingos’ o la dirección del cortometraje ‘How to Cope with Death‘, además de ejercer la docencia en instituciones noruegas y danesas. La historia de ‘Arrugas‘ tiene que ver precisamente con el tema tratado en su mencionado corto: la vejez, en este caso una amistad dinamitada por el alzhéimer. Sus protagonistas conviven con el murmullo de la soledad, la desilusión y la dignidad, pero a menudo acallados por situaciones cómicas delirantes que el espectador disfrutará envuelto en la emoción de unos personajes entrañables.

Ferreras ha sabido mantener la esencia del cómic y aportar nuevos matices en algunos cambios con respecto al libro (como los retoques que hacía la madre de Paco Roca a sus hijos cada vez que salían de casa, según cuenta el propio autor en el epílogo de ‘El Faro’). En este marco nos encontramos con una película que mantiene un buen ritmo y va de menos a más. Desentonan el doblaje de algún secundario (José Sacristán iba a poner la voz del personaje principal), alguno de los planos largos, o el aspecto musical, a cargo de Nani García, que asegura el trazo con una precisión solvente sin más. Pero puede más una historia sensible (podría haber sido incluso demasiado) y tan estimulante como lo fueron en su día ‘Persépolis’ o ‘Vals con Bashir‘. 8.

Las composiciones de ‘Original Colors’ suenan frías y distantes, aunque se puede disfrutar sin problemas del hilo conductor que van generando sus melodías amables, en un universo estético en el que no se echa en falta nada. Se les puede achacar falta de ambición al no evitar repetir la misma fórmula, pero eso no impide escucharlos con cierto cariño.

No en vano, es posible encontrar una cierta concentración de aciertos en cortes como ‘Year Off’ o ‘Banksia’, que invitan al baile moderado; en una sugestiva aproximación dubstep como es ‘Morning Ritual’; en la instrumentación sencilla de ‘Dry Lake’ y ‘Sonora’, que inducen a abandonarse por paisajes acuáticos y oscuros; o en la sobriedad cargada de matices de la final ‘Altos lugares’. Por el contrario, hay algún desacierto, como ‘Ahead Stop’ o ‘Sophia’, que crean falsas ilusiones, y la misma portada, tan poco agraciada y atractiva como el título del álbum.

Calificación: 6,4/10

Lo mejor: ‘Year Off’, ‘Dry Lake’ y ‘Altos lugares’

Te gustará si te gusta: la electrónica minimalista de Bpitch Control o Kompakt

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Tales componentes labran el camino a la autodestrucción de este adolescente que relata sin ningún pudor no sólo la relación con su novia sino también todos los pensamientos que pasan por su cabeza con la mayor de las honestidades. Con la misma desnudez con que Jeffrey Brown plasmaba en ‘Torpe’ las relaciones de pareja, Ken Dahl expresa en ‘Monstruos’ la preocupación por el desconocimiento de la transmisión de un herpes que rivaliza incluso con él en protagonismo.

El lenguaje gráfico de Dahl atrapa gracias a su crudeza. Es posible que su trazo ya lo hayamos visto en otros autores, pero en este caso podría situarse en un terreno inusual, el de un drama que se convierte en un generoso ejercicio didáctico, el de este hipocondríaco que se automedica y que para perplejidad del siglo XXI carece de cualquier tipo de información para todos sus males. 7,5.

Del mismo modo que los romanos ocuparon toda la Galia salvo la aldea de Astérix, nos encontramos al margen dos guarniciones de legionarios que aguantan con guiones originales, la francesa ‘El Ilusionista‘ y la belga ‘Pánico en la granja’, que aunque aparentemente están dedicadas al público infantil, están lejos de ser pasto para todos los públicos.

Algo de secuela podemos encontrar en la belga, ya que está basada en la serie de televisión con el mismo título y que fue distribuida por Aardman Animation, productora de ‘Wallace & Gromit’. Utilizando la antigua técnica del stop motion, rodando fotograma a fotograma, nos encontramos ante una historia atípica, resultona y surrealista interpretada por unos protagonistas de plástico y plastilina: un caballo que lee el periódico, se ducha con frecuencia y comparte casa con un cowboy y un indio.

El mencionado triángulo mantiene una amistad leal e inquebrantable y esta es una de las pocas conclusiones que el público infantil puede extraer. Es una lástima que la fiebre loca surrealista que se desprende de él, lo mejor de la película, no tenga lugar durante más parte del metraje y arranque sólo después del primer tercio. Ese es el único pero que se puede poner a esta notable cinta en la que en cada fotograma y en cada diálogo hay humor y momentos tan desconcertantes como disparatados, donde no deben pasarse por alto los pequeños guiños musicales, como el de Camillo Felgen con ‘Sag Warum’, que fue construido en su día sobre una melodía de Phil Spector. 7.

Siguiendo el patrón de invitar a un puñado de colaboradores, no han dudado hacerlo ahora con los MC Antipop Consortium en la serpenteante ‘Humanized’ y Busdriver en ‘Pretentious Friends’. También encontramos el dubstep que mejor sintetiza con Flying Lotus en ‘Berlin’, con Miss Platinum. Aunque la aportación más sonada sea el doblete de Thom Yorke, que retoma por enésima vez la manipulación vocal rozando lo instrumental, como si esta práctica fuera ya una religión para el cantante de Radiohead. Si en ‘Shipwreck’ (gran vídeo) le encontramos en una latitud similar a trabajos anteriores, en ‘This’ destaca lo tosco, lo melódico y el mantra quebrado del loop-quejido como solución impagable.

Pero al margen de estas colaboraciones vocales, ‘Monkeytown’ parece un disco instrumental en estado puro. El primer corte ‘Blue Clouds’ es la tela de araña para dar caza al oyente electro, con oscilaciones intimistas y palpitantes marca de la casa. ‘Evil Twin’ es un pasajero endiablado que se mete en vena, como la envolvente ‘German Clap’, que diluye house, dubstep y techno. El cierre llega con ‘War Cry’, que invitará a muchos a la observación estelar.

Modeselektor actúan hoy 18 de noviembre en Madrid como parte de la programación de la Red Bull Music Academy y mañana sábado 19 lo harán en Razzmatazz, Barcelona.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Pretentious Friends’, ‘Evil Twin’, ‘This’, ‘German Clap’, ‘Berlin’
Te gustará si te gustan: Moderat, Flying Lotus o Thom Yorke haciendo gorgoritos.
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Tres fueron los bloques en los que Sakamoto dividió su set, que se fue fraguando poco a poco. El primero, al piano, sirvió para calentar y para que tuviéramos que contener el aliento. Poco a poco dejó paso al violín en el segundo tema, dando la entrada definitiva en el tercero al chelo de su conocido colaborador Jacques Morelembaum. Estos momentos iniciales se vieron ligeramente ensombrecidos cuando el público la tomó con un fotógrafo que prolongó en automático el disparador de su cámara, con las consiguientes molestias en una sala con muchas ganas de quedarse embelesada por el concierto.

En el segundo, Sakamoto, en solitario al piano, interpretaría algunas de sus composiciones de mayor complejidad melódica. Era entrañable verle encorvado sobre su instrumento e imaginar que estaba en su mesa habitual de trabajo, ilusionado ante las notas que se fundían en ascenso con el silencio de la sala. En un tercero, se retomó el formato de piano, violín y chelo coreografiando luz y velocidad en canciones instantáneas y muy celebradas como ‘Forbidden Colours’, en la que era fácil recordar y echar de menos la voz de David Sylvian, el tema principal de la película ‘Merry Chritsmas Mr. Lawrence’ o de ‘Tacones Lejanos’, en los que también entró en juego la iluminación. Después llegaron tres bises que, uno a uno, tuvieron que ser solicitados por una sala llena y que había agotado entradas hacía algunas semanas. Un juego atemporal sin obviedades y para contemplar sin miedo, aunque sacara al aire nuestra más profunda fragilidad. 9.

OUT MY MIND JUST IN TIME 2 from Creative Control on Vimeo.

En ‘New Amerykah’ Erykah supera cualquier tipo de polémica sobre un vídeo al desnudo o la inspiración en diversos samples para ofrecer una obra tan preocupada por el mundo de hoy como sugerente y sensual, que sirve de vía de expresión para su talento. Si ya en la presentación de las mismas que disfrutamos en los Veranos de la Villa algunas de las versiones interpretadas eran diferentes, quizá esta vez podamos esperar incluso más sorpresas del show que llegará a la Red Bull Music Academy de Madrid el viernes 28 de octubre (entradas aquí), con after-party oficial incluida (entradas aquí). Aprovechamos, al fin, para saldar nuestra deuda con estas dos últimas obras magnas.

New Amerykah Part One: 4th World War (2008): Tras los dos primeros Grammys por su debut ‘Baduizm’ (1997), que la catapultaron como reina del neo-soul, y cinco años sin producir nada desde ‘Worldwide Underground’ (2003), Erykah Badu no pareció sentir ninguna presión para este monumental cuarto disco de estudio, que cumplía expectativas mostrando su lado más guerrero.

Erykah siempre ha alardeado de no ceder y mantenerse firme en terrenos reivindicativos, siendo su apoyo a jóvenes desfavorecidos o el respeto hacia los animales sus causas más conocidas. En esta primera parte de ‘New Amerykah’ la veíamos más preocupada que nunca por mostrar inquietudes políticas o sociales, que van desde sus quejas al sistema gubernamental hasta el religioso, pasando por el consumo de drogas. Así, Badu va más allá de lo musical, hechizando en ‘The Healer’, la rítmica ‘Soldier’, las variantes vocales de ‘The Cell’ o la única bocanada de oxígeno, ‘Honey’. El álbum muestra cierto desaliento o negatividad hacia la realidad y en el resto de cortes mantienen un fondo sonoro que aumenta la empatía emocional hacia su propuesta. Un trabajo que en sonido está más cerca de la experimentación o el hip-hop que del soul clásico de los inicios. 7,5.

New Amerykah Part Two: Return of the Ankh (2010): La segunda parte de ‘New Amerykah’, se convierte en una fuerza opuesta y complementaria. ‘Return of the Ankh’ es un bálsamo pausado frente al febril ’4th World War’. Erykah vuelve a ese soul de su debut que le permitió la sabia exhibición de recursos sin tener nunca la necesidad de asombrar. De la mano de una larga lista de colaboradores, pero sin cederles el control, llevando las riendas (seguro que hace lo mismo con Damon Albarn), brilla el talento de Badu no sólo en cuanto a la creación musical sino también encargándose de participar activamente en el diseño de las portadas o los vídeos.

Complejo –aunque no en exceso- y más próximo que su predecesor, ‘Return of the Ankh’ es una generosa declaración de intenciones. Ahí están la seductora ‘Window Seat’, el mejor groovie en ‘Gone Baby, Don’t Be Long’, el bajo más orgánico de ‘Love’, la puntería hacia los arreglos más setenteros de ‘Turn Me Away’, la armonía zigzagueante de ‘Umm Hmm’ y ese pulso de temas que no decae hasta el final dejando joyas como ‘Fall In Love (Your Funeral)’ o el apabullante despliegue vocal de los largos diez minutos de ‘Out My Mind, Just in Time’. Un trabajo que sabe cautivar de forma contundente y que brilla en directo más que su otra mitad. 8,5.

Las expectativas fueron cubiertas con creces. Si en la parte técnica nos encontramos a alguien del calibre de Stephan Stephensen, también conocido como President Bongo –sobre todo a la hora de la presentación del resto de miembros del grupo-, y a un tímido Birgir Þórarinsson con unos labios pintados de rojo; en lo vocal el más destacado fue Daníel Ágúst, quien, aunque se permitió el lujo de bostezar al principio, no pudo contener el flequillo y demostró malabarismos ante una sala entregada que no mostraba gran oposición, ni siquiera ante el resto de vocalistas.

Desde el inicio quedó claro que no se iba a tirar de nostalgia y la elección para ello fue arrancar con ‘Selfoss’, para transmitir junto ‘Arabian Horse’ -la canción- la frecuencia en la que se desarrollaría una velada de una hora y media: subidas con mínimas bajadas controladas, estableciendo una distancia mínima con un público que no dejaba de interactuar con Daníel.

Más tarde y tras una imprecisa ‘Add This Song’ vendrían para cerrar ‘Deep Inside’, donde las voces multiplican la atmósfera emocional; ‘Magnified Love’, con la comunión transparente entre lo orgánico y lo digital; y la enorme ‘Over’ antes de unos bises que sí recurrirían al historial (el más reciente). ‘Moss’ y una en principio irreconocible y redonda ‘David’ supusieron al finalizar casi el derrumbe de una sala que seguirá venerando a GusGus durante mucho tiempo. 8,5.

Foto: José Maisterra.

Después de haber pasado por la factoría 4AD, publican por segunda vez en el sello alemán Kompakt, estandarte de un gran número de referencias electro-minimalistas que cuenta en sus filas con gente como The Field, Rex The Dog, Gui Boratto, Whomadewho, Matias Aguayo, Ewan Pearson o el proyecto del gerundense Carles Congost, The Congosound. ‘Arabian Horse’ cabalga entre hilos de ritmos hipnóticos y de baile para mover la cabeza, reduciendo el número de bpms sin molestar al que esperase más beats de principio a fin, y con alguna incursión en los sonidos árabes a la que se hace referencia en el título del disco.

Influidos por el deep house más oscuro en ‘Changes Come’ o ‘Within You’ y con cierto poso melancólico que contrasta con cortes más directos y accesibles como ‘Deep Inside’, GusGus introducen atmósferas gypsys en canciones como ‘Selfoss’ y perpetúan su propia fórmula en otras como ‘Magnifield Love’ o la enorme ‘Over’, donde el cruce de voces multiplica el factor emocional en el estribillo, con una producción electropop envidiable.

Los islandeses están lejos de ser la tendencia o la revelación del momento como sucedió con su segundo álbum ‘Polydistortion’; y mucho más de vivir una revolución a nivel de ventas como sucedió con ‘This is Normal’, pero gracias a la combinación de sofisticación y sensibilidad melódica en singles como ‘LadyShave’ o ‘Very Important People’, ‘Arabian Horse’ termina resultando uno de sus mejores discos, manteniendo todas las cualidades que les han acercado tantas veces a la perfección.

GusGus actúan el 25 de octubre en Madrid como parte del ciclo Días Nórdicos.

Calificación: 8,2/10


Temas destacados: ‘Over’, ‘Magnifield Love’, ‘Be with me’, ‘Deep Inside’, ‘Within you’


Te gustará si te gustan: Whomadewho, Junior Boys, Washed Out, Underworld, Caribou


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Bajo un cielo gris lluvioso que empapa toda la historia, nuestro protagonista -con un gran parecido físico a Jacques Tati- no puede ahogar la desazón al ver cómo en los nuevos tiempos y ante nuevas formas de diversión, la profesión de mago está en vías de extinción. Tati escribió este relato sobre la relación del mago con una niña escocesa que cree en la magia, como homenaje a su hija Sophie Tatischeff, culpabilizándose por no haber atendido lo suficiente sus compromisos familiares dando preferencia a su trabajo.

La adaptación del viejo guión por parte de Sylvain Chomet vuelve a remitirnos a la relación entre niños y adultos, tan habitual en el cine de animación. La más reciente la vimos entre un boyscout y un viudo en ‘Up’ y la más imaginativa en ‘Mary and Max’, una relación epistolar entre una niña australiana y un judío de Nueva York. La perspectiva que distingue a ‘El Ilusionista’ de otros títulos es un final que solo puede ser entendido por adultos. Y es que Chomet consigue un drama en el que destaca también un constante sentido del humor propio del cine mudo, género del que Tati fue heredero en el cine francés.

Siguiendo la línea de ‘Bienvenidos a Belleville‘, en la que los personajes no debían hacer esfuerzos en la interpretación de textos, se logra un resultado por encima de las expectativas gracias a una banda sonora que cumple su función y a una estética colorista que muestra una descripción ingeniosa de Monsieur Hulot -alter ego de Jacques Tati- recreando en esta ocasión con muy buen tino a un mago en sus horas más bajas. Este cuento que a Chomet le ha llevado más de cuatro años de trabajo y 12 millones de euros de presupuesto, logra perdurar en la memoria del espectador, yendo más allá de cualquier frontera geográfica o cultural. 9.