No es este el primer material que publica Ramona Gonzalez, pero sí se trata de su primer trabajo memorable, en el que reúne con mayor seguridad un puñado de buenas canciones. Son cortes que pasean por un bosque de sintetizadores, cajas de ritmos o percusiones en los que la voz de la californiana marca una trayectoria entre el funk de salón y el synth-pop atemporal.

Del mismo modo que los directores de cine recurren una y otra vez a sus actores fetiche, incluso para interpretar personajes muy dispares entre unas películas y otras, consiguiendo en algunos casos excelentes resultados, en ‘One Second of Love’ se vislumbran desde los primeros acordes a varios actores de un revival de tendencias ochenteras que a lo largo del tracklist toman diferentes formas.

Este pretexto argumental implica ciertos riesgos, como el abuso de una década con demasiado peso ya en la actualidad. Pero lo que para unos puede ser una objeción, para nosotros en este caso supone el placer de desmenuzar una trama interpretada por la sobriedad de Bryan Ferry, la elegancia de Sade o, citando algo más reciente, el protagonismo melódico de Dan Bejar en Destroyer. Y es que ‘One Second of Love’ termina de evitar monotonías gracias a la divertida canción titular, con un vídeo que le sienta como un guante, o a la balada pop ‘In the Dark’. Por si su gama de registros no fuera suficiente, Ramona Gonzalez tiene pensado interpretar el próximo 1 de junio en el Ford Amphitheatre de Los Angeles íntegramente el ‘Computer World’ de Kraftwerk (aunque no será la primera vez), en una velada organizada por el Instituto Goethe y Dublab en la que se rinde homenaje a la música alemana.

Calificación: 7,7/10

Lo mejor: ‘In the Dark’, ‘One Second of Love’, ‘Autograph’, ‘This Story’.

Te gustará si te gustan: Class Actress, Roxy Music, Prefab Sprout
Escúchalo: Spotify

‘Wimbledon Green’, Seth: Hace cuatro años Seth nos enseñó la vida extraordinaria de ‘George Sprott‘, una famosa estrella de la televisión, relatada e ilustrada a modo de documental biográfico. La jugada vuelve a ser casi la misma en ‘Wimbledon Green’, siendo ahora el protagonista el mayor coleccionista de cómics del mundo. Sin defraudar por reiterativa, Seth propone una fórmula que sabe manejar muy bien: la narración esquiva y reflexiva de un personaje encantador. Se sirve también de una rotulación firme, revelando en cada viñeta las respuestas de un protagonista ambicioso del que se desconocen su identidad, los métodos para adquirir y ampliar su colección o las amistades con otros coleccionistas.

Gregory Gallant, verdadero nombre de Seth, ha conseguido el reconocimiento internacional por obras como ‘La vida está bien si no te rindes’ o ‘Ventiladores Clyde’. Es amigo de Chester Brown y Joe Matt e incluso aparece como personaje en ‘Pagando por ello. Memorias en cómic de un putero‘. Su gran mérito es mostrar lo cotidiano convirtiendo lo trágico en amable, al tiempo que inyecta un aire retro a una obra que homenajea a los autores del cómic clásico.

Calificación: 8/10

Lo mejor: El humor sofisticado. La selección a página completa de una parte de la biblioteca de Wimbledon Green, con las portadas de algunos ejemplares y su comentario. Los relatos de aficionados y coleccionistas de cómics hablando de subastas y librerías.
Lo peor: La historia puede recordar en exceso a ‘George Sprott’, también en el dibujo y en el color de las ilustraciones, aunque realmente ‘Wimbledon Green’ se editó en Estados Unidos con anterioridad (2005) al ser creado casi a la vez que ‘George Sprott’.

‘De postre’, Mauro Entrialgo: Robots que serán la delicia del coleccionista, vampiros que no tienen malos rollos con las cruces de los cementerios que habitan, monstruos marinos que no se distinguen del paisaje, psicópatas que se quejan de la inseguridad ciudadana, vecinos que no sabemos cómo tiran la basura, naves espaciales, castillos medievales alquilados a modo de casa rural por Internet, esquimales… Estos son solo algunos de los ejemplos que a modo de viñeta por página y sin conexión entre ellos fueron publicados entre 2005 y 2007 en ‘Zazpika’, el suplemento del diario Gara.

Con un currículum extenso como historietista, Mauro Entrialgo también ha escrito como guionista para películas como ‘Gente Pez’ y televisión, para Cuttlas en el suplemento Tentaciones de El País o hasta hace poco en tiras del periódico Público (incluso hay alguna intrusión en la música pop). Para conocer los ingredientes de ‘De Postre’, su autor da bastantes detalles en este vídeo sobre su obra.

Calificación: 7/10
Lo mejor: Lo heterogéneo y lo actual de los temas hacen que sea un libro para todos los públicos. La magnífica edición de Fulgencio Pimentel, una de la editoriales que mejor cuida a sus autores.
Lo peor: No te entusiasmará si eres de postres poco dulces.

‘Macanudo 7′, Liniers: Liniers, seudónimo del dibujante Ricardo Siri, es un argentino capaz de, en tiras de tres o cuatro viñetas, mezclar pocos ingredientes pero certeros para el paladar del lector. Ironía y sencillez se dan la mano en una nueva entrega que recopila las tiras publicadas durante 2011 en el diario La Nación. El autor inyecta un humor sabio en la mayoría de sus personajes que aparecen con frecuencia, como El gato Fellini, Olga el amigo imaginario, el misterioso hombre de negro, Pan Chueco o el propio Liniers como un conejo. Lo mismo sucede en personajes populares que lleva a su terreno como J.K. Rowling, Picasso, Jimi Hendrix, Frank Gehry o Bobby McFerrin cantando ‘Don’t Worry, Be Happy’.

Calificación: 8/10
Lo mejor: El cariño progresivo hacia los personajes infantiles y el tratamiento poético del mundo animal. Un dibujo colorista y entrañable que sin darnos cuenta plantea muy sutilmente con sus breves textos interesantes reflexiones.
Lo peor: Algunas tiras surrealistas o de difícil interpretación, que quizá tengan más sentido para el lector argentino.

Calificación: 8/10

Lo mejor: Lo cercanas que resultan algunas situaciones, como esa primera vez que te metes en algo que desconoces y no tienes información para hacerlo sin parecer un pardillo. El apéndice con notas con infinidad de curiosidades. Las notas de Seth sobre algunas de las escenas en las que aparece, divertidas e ilustrativas.

Lo peor: Algunos de los encuentros sexuales suenan repetidos y por tanto poco necesarios. El formato de edición es excesivamente pequeño, para lectores con una vista excelente. Algunas de las notas del apéndice se hacen demasiado extensas.

‘Aventuras de un oficinista japonés’, José Domingo: Partiendo de la premisa “ni una sola palabra en ninguna de las páginas” -aunque sí gestos, acción y aventuras apasionadas-, José Domingo ejecuta una dinámica contagiosa a través de territorios surrealistas para un oficinista japonés o para cualquiera que asista a la catarata de situaciones inesperadas y sorprendentes de esta entrega. Asistimos así a una carrera frenética entre el oficinista y el lector, uno por escapar hacía adelante y el otro por querer saber qué está pasando. Es una carrera de obstáculos que al lector le supondrá volver páginas atrás para disfrutar de los detalles y del humor de su autor. No son necesarios combinaciones de palabras, pero tampoco un orden para conocer monstruos mutantes, una sucursal de correos llevada por empleados de una secta satánica, una familia caníbal, perros voladores… todo ello en formato a todo color y en un tamaño muy agradecido.

Calificación: 8/10
Lo mejor: El ritmo de videojuego y un dibujo a cuatro viñetas por página que sin estar pixelado recuerda a la Game Boy.
Lo peor: Que ha pasado inadvertido para el gran público uno de los mejores cómics españoles de los últimos meses.

‘La Protectora’, Keko: Adaptación y continuación del relato de Henry James ‘Otra vuelta de tuerca’, uno de los más analizados sobre fantasmas y que el madrileño Keko retoma en su final. Una entrega a la sombra de un territorio tenebroso y lleno de ambigüedades que deja al lector la posibilidad de entrar en distintos niveles de perversión. Flora, tras la muerte de su hermano, vive bajo la tutela de su tío en la Mansión de Bly. La señora Grose se encargará de que la niña se recupere y decidirá lo más conveniente para ella. De esta forma, se prende una mecha de sacudidas que confunden realidad y su contrario. Los dibujos, rozando el nivel de grabados en algunos momentos, con el negro primando sobre el blanco, refuerzan a cada viñeta una historia sobre fantasmas que se han quedado dentro en todos los sentidos.

Calificación: 8/10
Lo mejor: La total absorción desde la primera página. Es imposible abandonarlo.
Lo peor: Aunque menos es más y es un relato que da lo máximo con lo mínimo, no deja de ser demasiado breve: el libro es demasiado caro.

Vince Clarke abandonó Depeche Mode tras la publicación del primer disco, ‘Speak and Spell’, suponiendo un bofetón para el resto del grupo en un momento en el que empezaban a ser conocidos. La mente pensante de la banda hasta entonces prefirió formar un dúo junto a Alison Moyet bajo el nombre de Yazoo. Su malestar parecía deberse a no estar dispuesto a formar parte de un grupo de niños bien para quinceañeras, como se intuía tras la gira de aquel disco. Si en un principio había estado encantado de que Dave Gahan fuera el principal vocalista, pudiendo asumir tranquilamente las tareas de composición y producción, más tarde le pareció que podía atraer a un público que no le interesaba nada. Con este plan, Martin Gore no tuvo más remedio que asumir las riendas como letrista y compositor, momento que se aprovechó para la incorporación al grupo de Alan Wilder y que mucho antes de abandonar Depeche Mode ya había formado un proyecto paralelo bajo el nombre de Recoil.

Lo primero y bueno que se puede decir de ‘SSSS’ es que no se reconoce a ninguno de sus dos miembros. Ningún corte suena a Depeche Mode, salvo en pequeños arreglos de ‘Single Blind’ o ‘Flux’, que retoman los momentos más primitivos del grupo, ni tampoco se encuentran rastros de Erasure o Yazoo. Buscar algún otro logro en estas escasas diez canciones es tarea difícil. Ninguna destaca de manera relevante y, en muchos casos, podrían figurar como descartes del ‘EX:EL’ de 808 State en el 91 o del ‘The Middle of Nowhere’ de Orbital en el 99. Tanto Gore como Clark han renunciado a la tarea de incluir letras en las canciones (algo raro para Martin Gore, que siempre quiso tener sus momentos de gloria en las giras de Depeche Mode, rivalizando con Dave Gahan) dejando todo el protagonismo en una producción que suena antigua, aislada de la actualidad y que deja poca virtud que destacar de este trabajo colaborativo.

Calificación: 4,5/10
Lo mejor: ‘Single Blind’
Te gustará si te gustan: mucho, mucho Depeche Mode
Escúchalo: Spotify

La prolífica trayectoria de Leo Zero, colaborador en Chicane y ahora debutando con este nombre con el que ha remezclado a artistas tan heterogéneos como Florence & The Machine, Paul Weller, Owl City, Lana del Rey o más recientemente Speech Debelle, sigue estos pasos. Su devoción hacia los sonidos de los últimos 80′s y primeros 90′s en ‘Acid Life’ funciona desde su atigrada portada hasta los pintorescos títulos de algunas de las canciones (‘Warehouse Style’, ‘Make The Moov’), resultando una buena tarjeta de presentación.

Desde la primera escucha, la mayoría de sus cortes conforman una reivindicación de un género, el acid house, que, salvo alguna customización reciente, ha caído en el olvido incluso para gran parte de la generación que lo vivió. Su repertorio circula después entre el house de Chicago, el techno de Detroit y el sampler ejerciendo como una auténtica máquina del tiempo. Aunque la falta de sorpresa impide que estemos ante una obra mayor, sí encontramos esfuerzos tan interesantes como la hipnótica ‘Body Music’ y sus nueve minutos de inmersión, la poderosa ‘Electricity’, donde la voz se ajusta a un recorrido de alta intensidad rítmica, y ‘House Train’, un final de disco impecable.

Calificación: 7/10

Lo mejor: ‘Lets Go’, ‘Body Music’, ‘Electricity’, ‘House Train’.

Te gustará si te gustan: la Roland Tb-303 y sus usos.

Escúchalo: Spotify

Muchas son las comparaciones que podemos hacer de Elizabeth con otras vocalistas, desde La Roux a Little Boots pasando por Ladyhawke. Siendo la única morena de las mencionadas, la neoyorquina se distancia de sus competidoras por un estilo synth-pop más refinado que tampoco llega a las intensidades de Russian Red. Sin embargo, su voz parece funcionar también en formato acústico, afianzándose gracias a la instrumentación de sus dos compañeros de grupo, los productores Mark Richardson y el multiinstrumentista Scott Rosenthal, que van dando lugar a una ecuación de electropop elegante, conectada con las producciones de The Human League o de la etapa más joven de Depeche Mode.

Los protagonismos en ‘Rapprocher’ provienen tanto de lo digital como de lo analógico, luciendo más lo primero que lo segundo. Si en ‘Bienvenue’ el bajo es quien moldea y modula de manera uniforme, en el excelente arranque con cortes como ‘Love Me Like You Used To’ o ‘Keep You’, las bases y las programaciones se apropian de alguna que otra etiqueta deudora de los 80. Aferrado todo a letras deliciosamente dramáticas en la justa medida, junto a alguna menos trascendente como ‘Weekend’, se construye un primer álbum que promete y que sin necesidad de un par de hits ultra potentes, presenta considerables virtudes.

Calificación: 7,3/10

Lo mejor: ‘Love me like you used to’, ‘Keep you’ y ‘Let me in’
Te gustará si te gusta: Madonna 1982-1984, los Depeche Mode poperos o Little Boots.

Escúchalo: Spotify

Dejando atrás su gusto por el dubstep, nos encontramos ante un repaso intenso de electrónica sin florituras. En ‘Personality’ se prende una mecha desde los primeros instantes que nos obliga a escucharlo entero con toda nuestra atención. Y es que estamos ante un excelente compendio entre el electro que no se detiene, el techno bien entendido y el house efusivo, todo ello sobre una conjunción de ritmos donde no sobra ni se echa en falta nada.

Pero si hablamos de aproximaciones a Scuba podemos hacerlo con tres de los mazazos más contundentes de ‘Personality’, además del primer single: el gancho fácil y rápido de ‘Gekko’, la voz marcando el recorrido en ‘NE1BUTU’ y la intención de no rebajar una textura sintética en ‘Action’. También destaca un mayor reposo en cortes semi-ambientales como ‘Underbelly’, de emotiva efervescencia; ‘Tulips’, reafirmando el personal beat de su autor; y el cierre de ‘If U Want’, ratificando la maestría de una obra que perdurará. Un disco en el que solo puede haber un pero, el no haber ido un poco más lejos recogiendo el testigo de tanto guiño noventero.

Scuba actúa hoy en el Klubber’s Day de Madrid y también estará en el San Miguel Primavera Sound.

Calificación: 8/10

Lo mejor: ‘The Hope’, ‘Underbelly’, ‘If U Want’, ‘Tulips’, ‘Ne1butu’

Te gustará si te gusta: escuchar un disco entero de principio a fin

Escúchalo: Spotify

El Teniente Blueberry (guionizado por Jean-Michel Charlier), al que dio vida con el seudónimo de Gir, comenzó como una serie para la revista Pilote. Eran historias ambientadas en el viejo oeste que alcanzaron una enorme aceptación popular. Después del éxito, Giraud se dedicó a trabajar bajo el nombre de Moebius (tomado del astrónomo alemán), pasando del western a la ciencia ficción. De esta manera, abandonaba el realismo y entraba en un mundo de introspección y experimentación gracias a la solvencia económica que le había brindado Blueberry. Bajo esa inconsciencia de un mundo fantástico se construye ‘El garaje hermético’ (publicado entre 1976 y 1980) sin un guión previo, elaborado de forma improvisada e incomprensible y desarrollado en un asteroide donde la convivencia de mundos superpuestos crea una nueva realidad. En esta nueva etapa condensaba el éxito artístico y un reconocimiento que le enlazaba con el cine. De sus manos sale el diseño para ‘Alien’, ‘Tron’ y ‘El quinto elemento’, el pequeño relato ‘The Long Tomorrow’ inspiraba ‘Blade Runner’ de Ridley Scott y George Lucas utilizaba algunos de los diseños de Giraud para ‘Star Wars Episodio V: El Imperio Contraataca’. Casi nada.

Junto a Alejandro Jodorowsky, ya en la década de los 80, creaba la serie ‘El Incal’, un universo complejo apoyado en el derrumbe de la civilización y el comienzo de una nueva era. También junto a él trabajó durante un lustro sobre la adaptación al cine de ‘Dune’. Es posible que ahora salgan a la luz varios centenares de estos dibujos realizados e inéditos.

Finalmente, su obra más personal, en la que se dibujaba a sí mismo, era ‘Inside Moebius’. Experimentación post-marihuana que se componía nuevamente de un trazo rápido e improvisado. Eran historias autobiográficas que invitan a reflexionar en lo personal, que dejaban de lado su autoaislamiento para tratar de alcanzar la realidad más cercana a través de sus diferentes alter egos. Compuesto de seis tomos (2004-2010), aún tienen que publicarse las dos últimas entregas, en las que quedan por disfrutar sus miedos, angustias y preocupaciones finales.

Con ‘Adiós, Chunky Rice’ (1999) los paralelismos los encontramos en un relato que tiene lugar casi en silencio. En ambos casos una separación forzosa es el eje en torno al que se construye a los personajes principales. Dodola y Zam en ‘Habibi’ sufren, tras años viviendo en una barca semienterrada en la arena del desierto, una separación dolorosa. Si el lector era todo un receptor de dolor en ‘Blankets’, en ‘Habibi’ la historia tampoco le va a resultar ajena. El autorrechazo, las convicciones religiosas y el sentido de lo cotidiano nos van induciendo a la reflexión, a la búsqueda de respuestas sencillas a través de un camino complejo.

‘Habibi’ es también una historia de amor rodeada de multitud de historias sobre costumbres musulmanas, sobre la violencia contra la mujer o la infancia, la inmigración o el crecimiento desbordado de las ciudades. Craig Thompson ha tardado siete años en construir estas 700 páginas plagadas de dibujos impecables, en su mayoría de origen islámico, poniendo en evidencia su extenso trabajo de documentación. Un dominio de lo gráfico que en lo narrativo no consigue abrumar tanto. Esa obsesión por relatar tantas historias hasta el detalle con demasiada frecuencia le obliga a detenerse y a distraerse de su verdadero objetivo. Aunque sí, engancha, y hasta se degusta con cierta impaciencia. 7,5

Estamos ante el primer largometraje dirigido por Ignacio Ferreras. Con anterioridad ha trabajado en la animación de ‘El ilusionista‘, el storyboard de ‘Astérix y los vikingos’ o la dirección del cortometraje ‘How to Cope with Death‘, además de ejercer la docencia en instituciones noruegas y danesas. La historia de ‘Arrugas‘ tiene que ver precisamente con el tema tratado en su mencionado corto: la vejez, en este caso una amistad dinamitada por el alzhéimer. Sus protagonistas conviven con el murmullo de la soledad, la desilusión y la dignidad, pero a menudo acallados por situaciones cómicas delirantes que el espectador disfrutará envuelto en la emoción de unos personajes entrañables.

Ferreras ha sabido mantener la esencia del cómic y aportar nuevos matices en algunos cambios con respecto al libro (como los retoques que hacía la madre de Paco Roca a sus hijos cada vez que salían de casa, según cuenta el propio autor en el epílogo de ‘El Faro’). En este marco nos encontramos con una película que mantiene un buen ritmo y va de menos a más. Desentonan el doblaje de algún secundario (José Sacristán iba a poner la voz del personaje principal), alguno de los planos largos, o el aspecto musical, a cargo de Nani García, que asegura el trazo con una precisión solvente sin más. Pero puede más una historia sensible (podría haber sido incluso demasiado) y tan estimulante como lo fueron en su día ‘Persépolis’ o ‘Vals con Bashir‘. 8.