Cine español:
Peor película: YoGa “No me vuelvas a contar cómo pasó”, a La voz dormida, de Benito Zambrano.
Peor director: YoGa “Mientras duermes”, a Juan Carlos Fresnadillo, por Intruders.
Peor actor / actriz: YoGa “Tu lo que quieres es que me coma el tigre”, a Roberto Álamo y Marisa Paredes, por La piel que habito.

Cine extranjero:
Peor película: YoGa “Habemus plastam”, a El árbol de la vida, de Terrence Malick.
Peor director: YoGa “Mel-eñeco” a Jodie Foster, por El castor.
Peor actor: YoGa “En busca del aura perdida”, a Harrison Ford, por Cowboys & Aliens, Morning Glory, Medidas extraordinarias y Territorio prohibido.
Peor actriz: YoGa Para qué sirve un Oscar (o dos), a Hilary Swank, por Noche de fin de año, La víctima perfecta y Betty Anne Waters.

Premios especiales:
YoGa “Promoción fantasma”, a Eduardo Chapero Jackson (Verbo), Isaki Lacuesta (Los pasos dobles) y Miranda July (El futuro)
YoGa “Catalunya über alles“, a los premios Gaudí 2012, con una mención especial al discurso del rey: ¡Joel, qué discurso!
YoGa Uno de los nuestros: No es ‘País’ para egos, a Carlos Boyero.

Vía Número Cero.

Valérie Donzelli es también conocida por sus colaboraciones con Benjamin Biolay. Juntos cantaron ‘15 août’, del disco ‘La Superbe’ (2009). Después trabajaron en ‘La reine des pommes’, donde Valérie cantaba las canciones escritas y compuestas por ambos. Por último, se han vuelto a unir en ‘Declaración de guerra’ dando lugar a uno de los momentos más emotivos de la película: la pareja protagonista interpretando la canción escrita y arreglada por Biolay ‘Ton Grain de beauté’.

Valérie Donzelli es, por último, madre de un hijo que estuvo gravemente enfermo. Hijo que tuvo con Jérémie Elkaïm, el protagonista masculino de la película. Y es que, sí, ‘Declaración de guerra’ es en gran parte autobiográfica. Y sí, es una película sobre el cáncer infantil y sobre cómo éste afecta a una pareja.

Un argumento telefilmero, carne de pornografía sentimental, que la directora consigue trascender desde la primera secuencia. Donzelli extirpa de su película toda tentación morbosa sobre el futuro del niño convirtiendo la historia en un largo flashback. Tampoco le interesa el sentimentalismo ni la búsqueda de la lágrima fácil. Para ello pone en marcha un mecanismo de distanciamiento de lo real a base de momentos musicales (la citada canción de Biolay), diálogos cómicos (la noche antes de la operación), apariciones mágicas (la cena de Nochebuena), canciones que actúan como contrapunto (Sébastien Tellier, Yuksek, Peter Von Poehl) y la voz de dos narradores exteriores. Momentos muy nouvelle vague que oxigenan una historia dramática, rodada en hospitales y con personal sanitario reales (la película está dedicada a la amenazada sanidad pública), con sonido directo, luz natural y una cámara de fotos Canon como herramienta de filmación. La película de Donzelli es la demostración de que más importante que lo que se cuenta es cómo se cuenta.

Pero ‘Declaración de guerra’, que conmocionó a los asistentes del último ¿y difunto? festival de Gijón (Mejor película y actores), es sobre todo una sobrecogedora historia de amor. Un hermoso romance entre Roméo y Juliette que, como los amantes de Shakespeare, gozan de una enorme felicidad hasta que “la guerra es declarada”. Desde ese momento comienza la batalla. Una conmovedora lucha de dos soldados no preparados para ella. Una gigantesca prueba de amor de la que saldrán “destruidos, pero sólidos”. 10.

Porque ‘Chico & Rita’, en vez de seguir por ese estimulante camino, se frena y se agarra a la convención narrativa. La película pretende ser algo así como un bolero animado, dibujado. Un bolero que tiene la música, sí, pero al que falla la letra. La música la ponen grandes nombres como Dizzy Gillespie, Chano Pozo, Tito Puente, Freddy King Cole (el hermano menor de Nat King Cole), Estrella Morente (cantando y haciendo de sí misma) y, sobre todo, Bebo Valdés, autor de la banda sonora. El músico cubano al que Trueba dedica la película y cuya carrera ayudó a relanzar en los documentales ‘Calle 54’ (2000) y ‘El milagro de candeal’ (2004), le sirve también al director como inspiración para construir el personaje de Chico, el pianista enamorado de Rita.

Pero… ¿y la letra? Más que un bolero clásico de romanticismo desgarrador, ‘Chico & Rita’ tiene la letra de una balada de Bustamante (David). Lo que debería ser una historia de amor emocionante y arrebatadora, de ardientes encuentros y violentos desencuentros, resulta un “amores reñidos son los más queridos” lleno de clichés melodramáticos y convenciones de telenovela. Si por lo menos la historia hubiera sido una mera excusa para desplegar todo el talento visual de Mariscal, sería disculpable. Pero no, la historia importa, todo está en función de ella, y resulta un lastre demasiado pesado.

Otra posible lectura de ‘Chico & Rita’, a tenor de la calidad de la animación y lo deficiente del guión, sería la de una batalla entre un prudente y convencional Trueba y un revoltoso e iconoclasta Mariscal. Una batalla desigual que acaba con una prometedora propuesta, disfrutable cuanto menos narrativa se vuelve, echada a perder por kilos y kilos de mala literatura. 5,5.

Hasta ahora. Porque ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’ es lo más parecido a la “película definitiva” sobre el béisbol que se ha hecho. Las razones para tan rotunda afirmación son principalmente tres:

1) El guión escrito por Steven Zaillian (que también ha bordado este año la adaptación de ‘Los hombres que no amaban a las mujeres’) y reescrito por Aaron Sorkin (que tras ‘El ala oeste de la Casa Blanca’ y ‘La red social’ va camino de convertirse en leyenda) es tan bueno que la película podría haberse rodado sola. No es por desmerecer la labor de Bennett Miller, pero con ese guión ni Michael Bay es capaz de hacer una mala película. La manera en que combina lo personal con lo general, los conflictos psicológicos del mánager con la marcha del equipo, es prodigiosa. Y los diálogos, como en la secuencia del fichaje de Rincón, un portento de ritmo y lucidez narrativa.

2) Brad Pitt. Si alguien merece el Oscar este año es él. Su papel como mánager angustiado e inseguro, pero también valiente e íntegro, es excepcional. Y es que Pitt no es solo uno de los mejores actores del momento –repasar su filmografía desde ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’ (2007) hasta la actualidad da vértigo-, sino uno de los productores más inteligentes y audaces del cine actual. Y si además le acompaña un inspiradísimo Jonah Hill, en un registro completamente diferente al habitual, la jugada (o mejor, la ecuación) es perfecta.

3) Bennett Miller. No quiero ser injusto con él. El director de ‘Truman Capote’ (2005) tiene la virtud de no querer estar por encima de la película ni de sus dos grandes bazas: el guión y Brad Pitt. Al contrario. Miller se pone al servicio de la historia y de sus intérpretes. Es cierto que a veces cae en el plano-cliché de película deportiva (los sobados ralentís), pero también, con la ayuda de Wally Pfister (el director de fotografía de Christopher Nolan), consigue dotar al filme de un atractivo estilo visual, muy naturalista, además de poner mucha atención en el detalle realista. Hay que tener en cuenta que la película es una adaptación del libro de Michael Lewis ‘Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game’, basada en la historia real de Billy Beane, director general de los Oakland Athletics. En su empeño por no traicionar la verdad histórica, Miller intercala imágenes documentales de los sucesos reales y hasta recurre al guitarrista Joe Satriani para que emule, con la misma guitarra que entonces, la versión del himno nacional que interpretó el día de la inauguración de la temporada.

Y es que ‘Moneyball’ no es lo que parece. No es otra película más sobre David contra Goliat, ni la enésima fábula sobre el afán de superación. ‘Moneyball’, como ‘La red social’, habla de ese argumento universal que es la irrupción de lo nuevo en lo viejo, de esos pioneros que, como le dicen al mánager protagonista, acaban heridos por ser los primeros en derribar el muro. 9.

Estamos ante el primer largometraje dirigido por Ignacio Ferreras. Con anterioridad ha trabajado en la animación de ‘El ilusionista‘, el storyboard de ‘Astérix y los vikingos’ o la dirección del cortometraje ‘How to Cope with Death‘, además de ejercer la docencia en instituciones noruegas y danesas. La historia de ‘Arrugas‘ tiene que ver precisamente con el tema tratado en su mencionado corto: la vejez, en este caso una amistad dinamitada por el alzhéimer. Sus protagonistas conviven con el murmullo de la soledad, la desilusión y la dignidad, pero a menudo acallados por situaciones cómicas delirantes que el espectador disfrutará envuelto en la emoción de unos personajes entrañables.

Ferreras ha sabido mantener la esencia del cómic y aportar nuevos matices en algunos cambios con respecto al libro (como los retoques que hacía la madre de Paco Roca a sus hijos cada vez que salían de casa, según cuenta el propio autor en el epílogo de ‘El Faro’). En este marco nos encontramos con una película que mantiene un buen ritmo y va de menos a más. Desentonan el doblaje de algún secundario (José Sacristán iba a poner la voz del personaje principal), alguno de los planos largos, o el aspecto musical, a cargo de Nani García, que asegura el trazo con una precisión solvente sin más. Pero puede más una historia sensible (podría haber sido incluso demasiado) y tan estimulante como lo fueron en su día ‘Persépolis’ o ‘Vals con Bashir‘. 8.

Lo cierto es que la propuesta del habitual guionista de Amenábar es de lo más sugerente. ¿Y si el legendario bandido Butch Cassidy no hubiera muerto junto a su compañero Sundance Kid en una emboscada del ejército boliviano en 1908? ¿Y si lograron escapar, y Cassidy hubiera vivido oculto en Bolivia? La historia promete. Y si además está protagonizada por un extraordinario Sam Shepard, incluye unas estupendas canciones de David Gwynn y está ambientada en los espectaculares paisajes del altiplano andino, mucho más. ¿Por qué, entonces, ‘Blackthorn’ no funciona tan bien como debería? ¿Por qué, en general, resulta tan poco creíble?

La explicación hay que buscarla en la esforzada pero insuficiente labor como director de Mateo Gil. Tiene oficio, sin duda. Lo suficiente como para hacer una película correcta, un ejemplo apañado de cine de género, de western crepuscular, que bebe de todas las fuentes posibles, desde los clásicos (John Ford, Sam Peckinpah, Clint Eastwood), a los modernos (Sergio Leone y sus zooms) y hasta los posmodernos (de los Coen a Jim Jarmusch). Pero le falta personalidad.

Gil ha hecho solo un western del montón cuando podría haber realizado uno sublime. Da la sensación de que más que logros, que los tiene, lo que hay en ‘Blackthorn’ son fracasos. Se ha desperdiciado a un actor de la talla de Shepard poniéndole al lado a uno tan limitado como Eduardo Noriega. Se han desaprovechado unos paisajes perfectos para la épica, como ese espectacular salar de Uyuni, por falta de una narración de suficiente intensidad dramática. Y se ha malgastado una gran historia, una tan improbable como atractiva continuación de ‘Dos hombres y un destino’ (1969), a causa de la incapacidad del director para dotarla de ritmo, músculo, emoción y credibilidad.

Lo que queda es una película empollona y algo saturada de cinefilia. Una estimable muestra de género, de western “como los de antes”, tan aplicada y eficaz como impersonal. Un filme que te deja peor sabor de boca de lo que realmente debería. Pero cuando las posibilidades malogradas son tantas… 5,5.

Eiko también trabajó en nuestro país a las órdenes de Ray Loriga en ‘Teresa, El Cuerpo de Cristo’. Su debut cinematográfico se remonta a 1985 en la cinta ‘Mishima. Una Vida en Cuatro Capítulos’, dirigida por Paul Schrader, que le proporcionó un premio especial del jurado en el Festival de Cannes por su contribución artística.

Ishioka también tuvo una fuerte conexión con el mundo de la música. En 1987 ganaba un Grammy por el diseño de la portada del mítico ‘Tutu’ de Miles Davis. Más reciente es su colaboración con Björk, para quien dirigió el videoclip de ‘Cocoon’ en 2002. O más recientemente aún, en 2009, diseñaba el vestuario de Grace Jones para la gira ‘Hurricane’. También es la responsable del vestuario del malogrado musical de ‘Spiderman’ con música de U2. Su relación con los musicales de Broadway también le brindó dos nominaciones a los premios Tony por su trabajo en una adaptación de ‘M. Butterfly’ de 1988. Trabajó en varias óperas y en el espectáculo ‘Varekai’ de Cirque Du Soleil y en 2008 fue la directora de vestuario de la ceremonia de apertura de los JJ.OO. de Beijin. Formada como diseñadora gráfica, durante años fue considerada la mejor de Japón. Tiempo después fue conocida como la mejor del mundo.

¿La represión de Hoover lleva a la opresión del FBI? Esa parece ser la tesis principal de la película. Un discutible determinismo, casi freudiano, que pone el acento en los aspectos más ocultos y esquinados de su personalidad para explicar un comportamiento reaccionario y tiránico. Una madre castradora, ultraconservadora y dominante (Julia Dench), que engendra a un niño apocado, tartamudo y (homo)sexualmente reprimido. Hoover (un Leo DiCaprio que parece recién salido de ‘El aviador’) “supera” esas trabas y se convierte en un hombre ambicioso, de verbo fácil y lengua afilada, y profundamente puritano. Un hombre temible y poderoso en la escena pública, patético y débil en la privada.

Estemos de acuerdo o no con esa tesis, lo más fascinante de la nueva película de Eastwood es su compleja estructura dramática. El director combina por un lado numerosos saltos temporales, en un arco histórico que abarca desde los atentados anarquistas de 1919 hasta la puesta en marcha por Nixon de lo que después se conocería como caso Watergate. Y por otro, los puntos de vista: el del propio Hoover, que dicta sus memorias a varios ayudantes, y el de su compañero y mano derecha Clyde Tolson (Armie Hammer, los gemelos de ‘La Red Social‘), que hace pedazos la imagen que su paranoico jefe se ha construido.

Aunque suene paradójico, esa valiente decisión narrativa también supone su mayor debilidad. ‘J. Edgar’ avanza de forma tan pesada como las toneladas de maquillaje que amenazan con ahogar en látex a los protagonistas. La cadencia habitual de los filmes de Eastwood se convierte aquí, por momentos, en una carga incómoda y fastidiosa. Ya no te acaricia a base de elegantes movimientos de cámara y conmovedoras notas de piano. Se te sube a la chepa y te fatiga como lo haría un Oliver Stone en pleno bajón. 6,5.

La respuesta es simple. En las papeletas que se entregan a los miembros de la Academia, los votantes tienen que calificar cada canción, puntuándolas entre 6 y 10. De ese resultado, y según las normas de la Academia, sólo aquellas que reciban una media superior a 8,25 puntos serán nominadas.

Ya sabíamos que Madonna no estaría nominada porque su tema para ‘W.E.’ sólo aparece al final de los títulos de crédito, algo que va contra las normas de la Academia. Y menos mal. No creemos que el marido de Elton John pudiese contener su ira si hubiesen nominado a Madonna por ‘Masterpiece’ y Elton se hubiese quedado fuera, como ha sucedido. Ni la participación de Lady Gaga ha conseguido que su canción ‘Hello Hello’ entrase. Por ahora David Furnish, maridísimo de Elton, no ha liberado su furia contra los premios de la Academia. La que sí ha expresado su tristeza ha sido Mary J Blige, quién a través de un mensaje en Twitter agradecía el apoyo de sus fans y expresaba su descontento por ver sólo 2 canciones en lugar de 5 en el apartado correspondiente. Su canción ‘The Living Proof’ para ‘Criadas y Señoras’ tampoco alcanzó la nota media para ser finalista.

Y como ellos, Jónsi, que vuelve a fallar en su segundo intento de poder colarse entre las nominaciones. El primero fue hace unos años con la canción ‘Sticks & Stones’, que compuso para ‘Cómo Entrenar a tu Dragón’, y el segundo este año con ‘Gathering Stories’ para ‘Un Lugar Para Soñar’ (sí, en España hemos traducido ‘We Bought A Zoo’ de esa manera). También nos quedamos con las ganas de ver a The National entre los finalistas con esa preciosa canción escrita para la banda sonora de ‘Win Win: Ganamos Todos’, ‘Think You Can Wait’, o a Zooey y a M. Ward, She & Him, con la canción que habían compuesto para la película de Winnie The Pooh. Tampoco recibe reconocimiento Chris Cornell con su canción ‘The Keeper’, de la película ‘Machine Gun Preacher’.

A pesar de todo, las dos nominaciones reconocen el enorme talento de Bret McKenzie, más que demostrado en la serie ‘Fly Of The Conchords’, con la cual ya ganó un Emmy, y es finalista por el tema ‘Man Or Muppet’ para ‘Los Muppets’. Recordemos que la banda sonora de la película incluye colaboraciones de Joanna Newsom y Feist y versiones de temas de Paul Simon, Nirvana y Andrew Bird. Por otro lado, la nominación al tema ‘Real In Rio’ de la película ‘Río’ reconoce la leyenda del mítico Sergio Mendes, toda una institución de la música brasileña, y de Siedah Garret, partenaire de Michael Jackson en ‘I Just Can’t Stop Loving You’, co-autora de ‘Man In The Mirror’ y corista de Madonna en los discos ‘True Blue’, ‘Who’s That Girl’ y en la gira ‘The Re-Invention Tour’.