Las canciones del nuevo disco coparán la actuación sorpresa de la banda de Chicago esta noche en la sala Arena de Madrid, surgida tras la cancelación del festival Rock Coast de Tenerife, que debería haber tenido lugar este fin de semana. Las entradas se agotaron enseguida. Vistas sus últimas actuaciones en España y lo poco que le gusta hablar de su pasado, no es de esperar que se recree en sus grandes éxitos, resistiéndose a ser considerado, con cuarenta y cinco años, un dinosaurio del rock.

‘Zeitgeist’, tu último álbum, era más heavy que los demás discos de Smashing Pumpkins. ¿Cómo describirías ‘Oceania’?
Está en un punto intermedio entre todos los estilos de Smashing Pumpkins, no es heavy pero tampoco tan suave como ‘Ava Adore’, está más bien en el medio. Hay momentos fuertes y momentos bonitos, pero no es tan agresivo como ‘Zeitgeist’.

Hemos visto vídeos de canciones de ‘Oceania’ colgados en YouTube. ¿Su sonido en disco va a ser cercano a como suenan en directo?
No lo sé, probablemente es cosa mía pero es difícil de explicar, en el álbum hay más belleza de la que realmente se puede encontrar en directo, porque en directo todo tiene que ser más sencillo. Cosas como delays, incluir una tercera o cuarta guitarra… Incluso aunque pudieras recrear todos los detalles en el escenario, seguiría perdiéndose gran parte de ellos. Cuando tocas en directo tienes que intentar hacer una versión más simple de la canción, y a veces eso es bueno y a veces es malo.

En un principio iba a publicarse el pasado septiembre, ¿cierto?
Sí, lo que pasó es que lo terminamos y planeamos lanzarlo inmediatamente; pero la gente con la que hablamos nos dijo que era demasiado bueno para publicarlo de la manera que habíamos hecho hasta ahora con otra música. Tuvimos más reuniones, lo hablamos con más gente y de repente el interés por este álbum en la industria musical empezó a crecer. Tuvimos que frenar un poco todo para tomar decisiones, porque durante los últimos 5 o 6 años ha sido muy difícil saber qué camino tomar dentro del mundo de la música. Por primera vez desde hace tiempo el éxito de la música de algún modo nos ha hecho tomar muy buenas decisiones.

¿Cambia eso de algún modo el concepto de ‘Oceania’ como “álbum dentro de un álbum” dentro del proyecto ‘Teargarden by Kaleidyscope’?
Todavía lo considero parte de ‘Teargarden’. Todavía es importante para mí dado que estamos acabando el proyecto, pero creo que ‘Oceania’ no hubiera sido posible sin todo lo que he hecho en ‘Teargarden’. Para mí es como una evolución para volver a un lugar desde el que quiero hacer discos y estoy tan emocionado con la música como lo estaba cuando tenía veintitantos. Me está llevando un tiempo encontrar un lugar realmente orgánico y natural desde el que hacer música otra vez y no la típica tontería para la industria discográfica.

¿Cómo se relaciona este LP con los once EP’s que deben conformar ‘Teargarden by Kaleidyscope’?
Simplemente en lugar de hacer una canción cada vez y lanzar varios EP’s decidimos hacerlo todo en un disco. Cuando dije al principio todo aquello de los EP’s tenía también otras ideas sobre lo que serían otras maneras de llegar a los fans y mantenerme creativamente comprometido; algunas funcionaron y otras no lo hicieron en absoluto. No creo que los fans de Smashing Pumpkins estuvieran respondiendo de una manera realista y volver a la idea de un disco me pondría en el centro otra vez para intentar que la audiencia mirase nuestro trabajo bajo una luz diferente, porque de la manera en que estábamos funcionando nos estaba dejando en el olvido muy fácilmente. Un disco parece que suena muy oficial, sin embargo un EP es como “ah, es un single” o “cuatro canciones”. Consigues respeto a través de esa relevancia que te da el disco. Y comparar mi música con alguien que nunca ha tenido un hit o que acaba de lanzar su primer disco y por la fama se les da un cierto nivel de importancia, que no es real, es una manera de buscar otro tipo de atención. Sé cómo hacer música, he hecho música pop, pero cuando intentas crear buena música psicodélica o rock requiere algo más que cinco segundos y en la cultural musical desechable de hoy en día la manera de hacer que la gente preste más atención es enfrentarles con un disco. Si por ejemplo enseño una canción, en lugar de un disco, la gente tiende a mirarla de manera diferente a si es dentro de un disco, pero sigue siendo la misma canción. Todavía tengo que averiguar diferentes maneras de hacer que la gente escuche música, no es tan simple como si es buena o mala porque hay mucha buena música que nadie escucha.

Un disco es un concepto diferente a un EP, más allá de contener más canciones.
Sí, eso es, creo que es algo que sentimos profundamente.

¿Entonces ‘Teargarden by Kaleidyscope’ seguirá de la misma forma como lo ha hecho hasta ahora?
Sí, tengo muchas canciones que no han sido lanzadas, probablemente treinta o cuarenta, y si fuera vago simplemente las pondría como demos pero ya veremos, hay que ir paso a paso.

Un proyecto tan grande como este me recuerda al de otro artista de Chicago, Sufjan Stevens, que pretendía hacer un disco por cada estado de los Estados Unidos, pero al final se desdijo. ¿Tienes miedo de “aburrirte” antes de acabar ‘Teargarden’?
No, para nada. Porque la razón por la que quería hacer este proyecto es porque… Imaginemos que ‘Teargarden by Kaleidyscope’ está teminado, si hablase con alguien al respecto sería como “mira, empecé aquí y terminé allí y si sigues este camino puedes ver que algo ha ocurrido de aquí a allí”. Ese era el motivo de hacer ‘Teargarden’, quiero empezar aquí y terminar allí y que la persona que lo escuche pueda oír ese viaje. Es un poco más complicado que simplemente escuchar tres discos seguidos. Porque está todo ligado, hay canciones de ‘Oceania’ que te llevan de vuelta al principio de ‘Teargarden’. No se lanzaron pero las escribí, ¿entiendes? Hay una especie de ruta circular en este trabajo que conecta todo ‘Teargarden’. En lo que respecta a cómo funciona el mainstream no me importa si me creen o no. Si creen en ‘Teargarden’ o no, realmente no me importa, solo quiero que la gente escuche la música.

Smashing Pumpkins ha viajado desde el indie rock de sus inicios hasta estas trazas psicodélicas pasando por un sonido más metalero. Resulta difícil etiquetaros.
Para mí eso son tonterías.

¿Qué clase de música escuchas ahora? ¿Influye en tu propia música?
Sobre todo clásica, Beethoven y Bach.

¿No escuchas nuevas bandas?
No escucho nuevas bandas, para nada. El otro día escuché esta banda… Best Coast. Muy buenos, sí. Pero no, no busco nuevas bandas, dejé de hacerlo hace mucho tiempo.

Ahora muchas bandas miran hacia los 90, tratan de recuperar ese sonido, reivindican el legado de los Smashing Pumpkins.
(se ríe) Para mí todo esto simplemente no tiene nada que ver con lo que estoy haciendo ahora mismo. Si alguien viene y me dice que le encantan Smashing Pumpkins, ‘Ava Adore’, bla, bla… me siento halagado pero ya está, no tiene nada que ver con lo que hago ahora mismo.

En el vídeo en que explicabas las reediciones de ‘Gish’ y ‘Siamese Dream’ se te veía muy ilusionado.
Sí, por supuesto, porque es mi música.

Cuando me dijeron que te entrevistara, se me vino la cabeza la posibilidad de veros a vosotros tocando el ‘Siamese Dream’ en directo en algún festival, coincidiendo con el veinte aniversario de su publicación. ¿Os han hecho ofertas para tocarlo?
Diría que no, no me interesa. No tengo ningún interés en el veinte aniversario del disco, en tocarlo. Nada, cero.

En un mensaje que se puede leer en la web de Smashing Pumpkins dices que ‘Siamese Dream’ cambió tu vida.
Sí, lo hizo. Pero estás diferenciando algo que hice y lo que hago ahora mismo. Estoy orgulloso de lo que hice pero estoy igualmente orgulloso de lo que hago. Y para hacer lo que hago hoy no vivo en el pasado. Si alguien quiere hacerlo puede escuchar los discos, ver los vídeos, pero yo no vivo en el pasado. Si estuviera viviendo en el pasado estaría escuchando a Beethoven (risas).

Sí, pero ¿en qué forma lo hizo?
Fue un paso adelante artísticamente, fue el momento en el que forjé mi propio estilo de canción, de música. También estaba intentando encontrarme a mí mismo pero a la vez me dije: “puedo escribir una canción como ‘Silverfuck’ pero también puedo escribir una canción como ‘Today’”. Y eso es muy raro en el rock, tener estilos tan opuestos, porque normalmente la gente tiene un par de estilos y tocan siempre las mismas cosas. Fue muy importante para mí reivindicarme como hombre, persona, artista y por eso es por lo que cambió mi vida. Pero no quiero volver ahí y revivirlo es muy aburrido.

Preparando las reediciones, ¿qué sentiste al volver a escuchar esa música?
No entiendo todo esto, siento como que me estás preguntando sobre mi pasado como si hubiera algo que no llego a comprender. Creo que tienes una idea que no es la mía. Tuve que escuchar la música para elegir las canciones, seleccionar las caras B y lo disfruté, fue genial, grandes recuerdos, estaba orgulloso y pensaba: “ah esa es una buena canción”. Había suficiente distancia para poder ver claramente que estaba muy orgulloso de lo que habíamos hecho. Pero eso no quiere decir que volvería a trabajar en aquellos Smashing Pumpkins otra vez. Cuando la gente me pregunta por los viejos Smashing Pumpkins no sé qué decir, no es malo, sencillamente ya no soy esa persona y la gente quiere que sea esa persona porque les hace sentir bien, porque les recuerda a algo del pasado, pero es como un dibujo animado. Si hiciese las mismas cosas no creo que estuviese hablando contigo ahora mismo.

Hoy JENESAISPOP estrena el resto del single, que supone la segunda referencia de Efervescente Records (la primera fue un sencillo de Ornamento y delito). Grabado y mezclado por Hans A. Kruger en Montreal Studios, ha contado con la colaboración técnica de Brian Hunt y ha sido producido por Javier Carrasco y Hans A. Kruger.

Contiene dos temas en la cara A y dos en la cara B. Al margen de ‘El viaje del héroe’, recordable desde la primera escucha (¡ya era hora de que tuviera una edición digna!), hay vida más allá en este single que utiliza los sintetizadores ochenteros para expresar tragedias personales o rendir homenaje a Antonio Molina (‘Minero’), lanzarse de lleno a las pistas de baile sin perder un punto de melancolía (‘El puente del Pilar’) o recordar otras formaciones de Betacam (‘Una habitación pequeña). Pasen y disfruten.

El Viaje del Héroe:

Minero:

El Puente del Pilar:

Una Habitación Pequeña:

La semifinal se ha celebrado sin sorpresas y Rumanía, Moldavia, Islandia, Hungría, Dinamarca, Albania, Chipre, Grecia, Rusia e Irlanda han resultado clasificadas. Quizá destaque la eliminación de los Killers suizos y llamaríamos la atención sobre la despedida de las canciones de Israel y Finlandia, la primera muy colorida y la segunda una contenida balada. Este fue nuestro seguimiento en directo.

21.15 A pesar de que la puesta en escena prometía, Montenegro ha aburrido y mucho con su canción pseudomoderna que pretende recoger el voto crítico con la situación que vive Europa. Un caballo de Troya ha aparecido en escena, pero básicamente daban ganas de cambiar de cadena con la bobada del ‘Euro Neuro’.

21.19 Clasificación prácticamente segura para la parejita islandesa que presenta una balada in crescendo “típica eurovisiva”, con bien de subidas finales, elementos étnicos y una puesta en escena sencilla pero bonita y resultona. Pssst.

21.21 ¿En Grecia no hay dinero para ropa?

21.23 Grecia insiste con lo de siempre y el caso es que entretiene. La clasificación de ‘Aphrodisiac’ parece clara. ¿Os imagináis que la pseudo-Helena Paparizou gana?

21.26 Sosilla la puesta en escena de las cinco treintañeras de Letonia para un ‘Beautiful Song’ que de otra forma podría haber tenido medio gracia. ¿Recordáis cuando ganaron con ‘I Wanna’? Pues nada que ver.

21.29 Nuestros foreros también comentan la semifinal en directo. Sobre Albania: “Mi madre acaba de preguntarme si eso es pelo”. De reojo, parece Beth con un moño.

21.31 Ya lo dijimos en nuestro previo. Albania es un minuto de aburrimiento total y otro de gritos a saco. La puesta en escena con rastas, capas, gritos y llantos ha despertado grandes carcajadas y aplausos. Nuestro reino para que este esperpento se clasifique.

21.35 “Si me tocas, me abrasas, quiero bailar”. Lo típico.

21.36 ¿Qué ley sale?

21.37 Rumanía, como siempre, con bien de fuegos artificiales y percusiones, largo etcétera. Pensábamos que habían sacado una silla de ruedas, pero por suerte el límite se quedó un poco atrás.

21.40 Mandinga no es TT en Twitter. Helena Paparizou sí.

21.41 Sobreactuadísimo el cantante del grupo suizo, los Killers de este año. Que se clasifiquen por aquello de la variedad, pero la canción, que tiene su “potential”, molaría más con otro cantante.

21.45 El aburrimiento belga no lo podía salvar ni un minivestido.

21.45 ¿Qué tipo de comentario, en este evento, es su madre “ha confesado públicamente… que es fan de Eurovisión”? ¡Menudo susto!

21.49 Pocas posibilidades para la balada de Finlandia porque no pasa nada sobre el escenario mientras se interpreta. Una pena porque es de lo poco decente que llevamos oído.

21.52 La canción israelí no puede tener más gancho. Si el cantante estuviera bueno se clasificaban seguro. Por el contrario, han optado por la opción friqui, con unos planos de coreografías imposibles chico-chica. Veremos cómo les sale.

21.56 La cantante de San Marino, bastante ahogada, ha interpretado su temita sobre redes sociales rodeada de un médico y un piloto (?). Por algo irá última en las apuestas. Por eso y porque imaginad qué bombazo que ganara San Marino.

22.00 Chipre, a por todas con cinco damiselas dando vueltas alrededor de un banco de piedra mientras suena un bombazo dance. Clara favorita a pesar de la fea voz de su cantante y de la evidente inspiración griega.

22.04 División de opiniones en la redacción sobre la canción danesa. Unos opinan que como medio tiempo “está bien”, otros que ni disfrazados de supuestos “chicos de hoy” esto parece 2012.

22.07 Si nos hubieran dicho que unas abuelas rusas cantarían un estribillo “come on and dance” hace unos años… Ellas, majísimas. La canción y eso, un rollete. Aunque se supone que explota.

22.13 Al cantante de Hungría le va a dar algo. Aburridísimo ya en Eurovisión el rollito “quiero ser Depeche y soy Savage Garden”. Y lo peor es lo que nos queda en años venideros.

22.17 Mucho más moderna, que ya es decir, la canción pseudo Bloodhound Gang de Austria. Una macarrada total con bien de culo (tal cual) y “uh-uhs”, pero por lo menos entretenidilla. ¡Adelante!

22.20 Moldavia se ha clasificado para la final todos los años menos uno. Esta vez no tiene competencia en cuanto a canciones taberneras, además presenta un fuerte toque pop y la gracia de cantante chico contra chicas bailarinas. Apostaríamos a que pasan.

22.25 Graciosísimos los gemelos de Irlanda nacidos para Popjustice y sus saltitos, movimientos rallantes, y ahora también su fuente de agua, que les termina dejando empapados sin mojar el escenario (es casualidad que salgan los últimos). Para el año que viene, una canción buena de verdad para ganar.

22.35 Diríamos que se clasifican Islandia, Grecia, Rumanía, Chipre, Rusia, Moldavia e Irlanda. Los otros tres esperemos que estén entre Albania, Suiza, Finlandia, Israel y Austria.

22.50 La griega tiene que estar moviendo el pandero pero bien con el número folclórico que está dando la televisión de Azerbaiyán (en La 2 la Bono Loto).

22.57 Los clasificados son…

22.57 Rumanía, Mandinga, clasificada, obviamente…

22.57 ¡Lo adivinamos! Moldavia.

22.58 Otra obvia, Islandia.

22.59 Hungría, el horror.

22.59 Dinamarca, la canción que más nos ha dividido hoy

23.00 ¡¡Alegría!! Se clasifica Albania: diversión asegurada para el sábado.

23.01 Chipre, clasificada. De momento no se sabe nada de Irlanda ni Rusia.

23.02 Grecia, otra esperable. Quedan dos huecos.

23.02 Rusia… por los pelos. Y queda uno.

23.04 Menudo susto se han llevado los irlandeses, pero dentro, al final, y haciendo piruetas por si alguien creía que ya no sabían.

Os recordamos que el Festival de Eurovisión se celebra el día 26 de mayo, con dos semifinales con países no clasificados el martes y el jueves de la semana que viene. JENESAISPOP comentará, como siempre, todos estos eventos en directo.

Primera semifinal:

1.-Montenegro: La primera semifinal arrancará con una canción que en su aparición oficial en Youtube en sus primeros segundos parece uno de esos anuncios que suelen salir antes de la reproducción de cada vídeo. Pero no: es así. Rambo Amadeus, un cantautor en activo desde los 80 pasea a su burro y se lava las axilas en este limpísimo vídeo para un tema de título tan apropiado como ‘Euro Neuro’. Un rarísimo ritmo para encabezar Eurovisión, que podría ser una maqueta de un paupérrimo grupo de hip-hop actual. 3.

2.-Islandia: Tras lo anterior, a muchos sonará a gloria la tontería étnica con violín de Gréta Salóme & Jónsi (no es el de Sigur Rós) en ‘Mundu Eftir Mér’, pero no es más que el típico truco pseudometalero mil veces visto en el festival. ¡Subida de medio tono! 3,5.

3.-Grecia: Entre los países que apostaríamos a que mandan una porquería para no afrontar los gastos del festival curiosamente no está Grecia. Eleftheria Eleftheriou, con una boca enorme y un vestido casi inexistente, tratará de convertirse en la nueva Helena Paparizou con un tema pop, quizá demasiado manido, pero resultón, llamado ‘Aphrodisiac’. 5.

4.-Letonia: Anmary interpretará un medio tiempo llamado ‘Beautiful Song’ completamente tópico que no han disimulado precisamente con un vídeo de alto presupuesto ni de bajo pero imaginativo. La composición no es lo que promete la letra de la canción… 4.

5.-Albania: Rona Nishliu interpreta la balada con gritos y violines ‘Suus’, que tarda demasiado en arrancar, lo que podría producir excursiones masivas al baño o a la nevera. Aunque, ojo, para los que se queden, la segunda parte se compone casi exclusivamente de eso, gritos y violines. 4.

6.-Rumanía: Si los 12 puntos españoles van todos los años a Rumanía por razones evidentes, imaginaos este año que Mandinga interpreta ‘Zaleilah’ en castellano. Este país, que suele ir a por todas en el Festival por razones desconocidas, lo intenta ahora con un reggaeton gaitero un poco descompasado y un vídeo que alterna rascacielos y desiertos a lo ‘Sexo en Nueva York 2′. 2.

7.-Suiza: La primera aportación de rock vendrá de mano de Sinplus, que interpretarán el tema ‘Unbreakable’, en un intento express por atraer el voto de los fans de los Killers que se hayan dejado caer por la tele un sábado a esas horas. 5.

8.-Bélgica: Se acumulan las baladas en competencia con Pastora Soler, ¿cuántas conseguirán llegar a la final? ‘Would You’ de Iris, al piano y con guitarra acústica, no es de las favoritas debido a la debilidad de su estribillo y de toda la canción en general. Aunque se crece un poco en el último minuto, de nuevo el país histórico de la vieja Europa acude con poca posibilidad. 3.

9.-Finlandia: Algo más llamativa es esta otra balada de Pernilla Karlsson, ‘Nar Jag Blundar’, que por lo menos capta la atención desde el primer instante. Aunque peca de defecto más que de exceso para este certamen, apreciamos su elegancia y contención (mejor con algo menos de humo blanco, eso sí). 5.

10.-Israel: Izabo, con un tono muy próximo al de Alex Turner de Arctic Monkeys, interpreta un tema llamado ‘Time’ que tiene un punto petardo tan insoportable como adictivo, que se pega desde la primera escucha, que es de lo que va todo esto. La puesta en escena circense del videoclip no ayuda mucho, ni tampoco las antipatías que genera Israel, pero las cuerdas pseudo-disco y el ritmo pseudo-ska arman una de las curiosidades de este año. 6.

11.-San Marino: En el momento de redacción de esta noticia, el vídeo de San Marino en Youtube se ha visto más de 200.000 veces, lo que significa que cada habitante de San Marino lo ha visto 10 veces, bebés y gente hospitalizada incluidos. Valentina Monetta explora esa cosa llamada internet en ‘The Social Network Song’ con bien de “oh oh – uh – oh oh” y Autotune, pero ni por esas ni por esa temática “modernita”. Una pena el buen puente desaprovechado. 4.

12.-Chipre: Una de las participantes que se podría beneficiar de la moda de pop femenino con un toque dance (Rihanna, Britney), podría ser la chipriota Ivi Adamou, que hace de su ‘La La Love’ algo de lo más pegadizo y entretenido mientras busca a su maromo por los bosques rodeada de frutos, damiselas y pociones mágicas. Miedo da en la puesta en escena la parte tribal que no viene nada a cuento. 5,5.

13.-Dinamarca: El vídeo oficial subido al canal de Eurovisión de la canción danesa incluye bien de propaganda sobre cómo consiguió llegar este ‘Should’ve Known Better’ a Azerbaiyán. Y así acaba lo más emocionante de esta composición que, misteriosamente, va bien posicionada en las apuestas. Soluna Samay no sólo interpreta un medio tiempo pop-rockero ideal para la radio… en 1997, sino que podría llevarse el premio a la peor vestida del festival si insiste con los motivos militares. 3.

14.-Rusia: Las famosas abuelas rusas que han aparecido en los medios de todo el mundo acumulan ya casi 2 millones de visitas en Youtube con su fiesta popular (‘Party for Everybody’), hecha exclusivamente para atraer el voto friqui, que cuenta mucho en Eurovisión. Y poco más. Buranovskiye Babushki están terceras en las apuestas. 4.

15.-Hungría: Compacto Disco (horrible nombre) interpreta una de las canciones más electrónicas y supuestamente modernas. Lástima que ‘Sound of Our Hearts’ termine tirando más a Evanescence meets Take That que a t.A.t.U. 4.

16.-Austria: Todos los años se incluye una canción medio bruta con un poco de electropop, hip-hop y de todo en general. Esta canción este año es ‘Woki mit deim Pop’ de Trackshittaz, que pulula entre Dead or Alive y Bloodhound Gang. Parece que la parte estrella de la puesta en escena son unos culos y unas tetas. Por lo menos no cambiaremos de canal. 5.

17.-Moldavia: Pasha Parfeny interpreta una de las canciones taberneras de esta edición, casi una tradición para este país. Los vientos, las cuerdas al final y el cantante, de buen ver, podrían hacer algo por ‘Lautar’. 4.

18.-Irlanda: Nadie que suela ver Eurovisión ha podido olvidarse de los gemelos Jedward, que ahora vuelven al festival a pesar de haber conseguido sólo una posición 8 en 2011. Será divertido volver a verlos, pero la mala noticia es que ‘Waterline’ no es una canción mejor, sino más bien completamente estándar. 4.

Segunda semifinal:

1.-Serbia: La balada con orquesta ‘Nije Ljubav Stvar’ de Željko Joksimović (he cortado y pegado, a ver qué os creéis) se queda algo corta en su minimalismo: algo impensable en Eurovisión. Sin embargo, estas cosas tan tradicionales gustan tanto entre el público adulto como la banda sonora de ‘Titanic’ y va bien situada en las apuestas. 3.

2.-Macedonia: Kaliopi va transformando ‘Crno i Belo’ de una balada a un tema rockero medio metalero con solo de guitarra incluido. Nadie debería perderse el grito de esta Mónica Naranjo en la semifinal del jueves, no vaya a ser que no llegue más lejos, aunque este país tiene una suerte medio (sólo “medio”) rara. 3.

3.-Holanda: Este país, que suele pasar bastante del asunto Eurovisión, lleva este año a Joan que, guitarra en mano y un look indio más hippie que Totally Enormous Extinct Dinosaurs, recordará el folk tradicional anglosajón con ‘You and Me’. No es tan buena como el ‘No, No, Never’ de Texas Lightning alemán de hace unos años, pero va en la línea. 6.

4.-Malta: A estas alturas de la semifinal se hará necesario un punto dance, por lo que la clasificación de Kurt Calleja parece segura, a poco que se curre un poco la puesta en escena. Eso sí, el estribillo, “hey-eh-eh” aparte, no puede ser más insípido. 4.

5.-Bielorrusia: Entre Aqua, Take That, Savage Garden y The Killers, Litesound intentarán captar el voto alternativo de palo y un poco el seguidor de boybands tipo Popjustice con ‘We Are The Heroes’. 4.

6.-Portugal: Portugal, con menos habitantes pero mejor tino que España para las buenas canciones, lleva ahora un baladón de inspiración tradicional llamado ‘Vida Minha’, interpretado por Filipa Sousa. Esta vez bastante pasado de moda en sus arreglos electrónicos y subida final, aunque al menos no desesperado. 4,5.

7.-Ucrania: Otro de los países con ganas de volver a ganar es Ucrania, que también apuesta por una Beyonzona al frente, en este caso Gaitana interpretando ‘Be My Guest’. Tiene de todo: tan poca alma como un hit reciente de Calvin Harris, innumerables referencias a Rihanna y a Whitney y hasta guiño dubstep. Como canción, vale menos uno (pese a lo que prometía), y queda bastante deslucida frente a la siguiente. 5.

8.-Bulgaria: Más divas gays para la semifinal. Sofi Marinova le hará la competencia a Gaitana con un tema bastante más memorable, noventero hasta en el título, ‘Love Unlimited’. ¿Será sepultado por esta sosa puesta en escena o estarán trabajando en ello? 6,5.

9.-Eslovenia: Eva Boto interpreta con coro femenino de tipo étnico ‘Verjamen’, cuya puesta en escena es la versión para insomnes de ‘Single Ladies (Put A Ring On It)’. 2.

10.-Croacia: Nina Bradic canta un tema también de raíces étnicas llamado ‘Nebo’ mientras en el vídeo una serie de musculados vuelan por los cielos y se enrollan en telas como en pañales. Cuando crees que nada puede ser peor, aparecen las guitarras eléctricas y las campanas. 1.

11.-Suecia: Suecia parte como favorita como casi siempre, esta vez con el tema ‘Euphoria’ de Loreen, menos Abba de lo habitual y mucho más dance. La canción luchará contra sus estrofas pro-zapping con un estribillo muy Katy Perry y con los movimientos desconcertantes de su vocalista, una Alanis entre las sombras. Extrañísimo todo. 6.

12.-Georgia: Anri Jokhadze pasa de parecer Il Divo en un musical de Disney a parecer una drag en este ‘I’m A Joker’ que se desconoce si atraerá al voto gay, al voto freak, o, lo que es más probable, a ninguno. Batiburrillo malogrado que no va a ninguna parte. Último minuto desesperante. 3.

13.-Turquía: Can Bonomo contribuye a la clásica aportación turca, ‘Love Me Back’, una historia moderna de tintes étnicos que esta vez carece del gancho de los poperos hits que ha llevado otras veces al festival este país. 3.

14.-Estonia: Este año pocos chicos cantarán baladas, por lo que el guapifeo Ott Lepland apenas tendrá competencia con este ‘Kuula’ al piano, de corte similar al ‘Quédate conmigo’. Fascinante el vídeo lleno de palabras que para casi toda Europa no significan nada. 5.

15.-Eslovaquia: Max Jason Mai pondrá el punto jevi con esta canción que en las estrofas recuerda a ‘Electioneering’ de Radiohead. Eso es lo mejor de ella, porque el estribillo podría ser de Avril Lavigne. 2.

16.-Noruega: Cual país del este, Noruega mezclará este año los ritmos étnicos con Benny Benassi en ‘Stay’, el pegadizo tema del guaperas-pero-no Tooji. No debería tener problemas para pasar a la final y tendría incluso alguna posibilidad de ganar. Aunque da ganas infinitas de ponerse otras cosas. 5,5.

17.-Bosnia Herzegovina: Llega el raro momento del año de escribir la palabra “Herzegovina” en JENESAISPOP, esta vez para presentar la balada al piano de Maya Sara, ‘Korake Ti Znam’, aburrida hasta decir basta. 2.

18.-Lituania: ¿Qué mejor manera de interpretar un tema llamado ‘Love Is Blind’ que con una venda en los ojos? Atentos a lo que sucede hacia la mitad de la canción, puesta de escena incluida, porque ni por esas Donny Montell figura entre los favoritos con este popurrí 100% serie B que termina imitando a ‘I Will Survive’ con descaro. 3.

Final:

1.-Reino Unido: Uno de los países que se nota que ya no saben qué hacer para ganar es Reino Unido. Este año intercambian papeles con Irlanda con esta balada de corte clásico interpretada por el crooner Engelbert Humperdinck, que ha sacado discos durante décadas, ‘Love Will Set You Free’. Como casi siempre, van bien posicionados en las apuestas, ¿pero qué pasará? 5.

2.-Francia: Anggun, una cantante nacida en Indonesia que vende mucho en Asia, irá a por todas con este ‘Echo (You And I)’ que la sitúa a medio camino entre Beyoncé y Britney, silbidos mediante. En su vídeo no caben más referencias militares y homoeróticas (atentos al beso). La canción, (ah, sí), psssste. 5.

3.-Italia: Italia, que volvió el año pasado a ser “big five” y estuvo a punto de ganar, participa en 2012 con la canción ‘L’Amore È Femmina (Out Of Love)’, interpretada por una suerte de Virginia Labuat, Nina Zilli, de cierto parecido físico a Gwen Stefani, que en el estribillo se pone eléctrica. 4,5.

4.-Azerbaiyán: El país organizador podría volver a quedar bien con la balada de Sabina Babayeva ‘When The Music Dies’, si es que a estas alturas logra destacar un tema así. 3.

5.-España: España intentará repetir su mejor resultado en décadas (el de Anabel Conde, segunda en los 90) con otra balada, esta vez vía Pastora Soler y ‘Quédate conmigo’, obvia hasta decir basta. No obstante, desde el principio apuntamos sus buenas posibilidades en el festival y bordea la 7ª posición en las apuestas. El vídeo español es el único de los 42 cuya inserción en web está desactivada desde el canal oficial de Eurovisión. Lo podéis ver aquí. 3.

6.-Alemania: Alemania no sólo manda en Europa sino que quiere volver a ganar Eurovisión sólo un par de años después de Lena. Roman Lob llega preparado para robar todos los corazones adolescentes con ‘Standing Still’, una canción in crescendo que va bien posicionada en las apuestas. Ellos lo saben hacer mejor… 5.

‘Mujeres desesperadas’, al haberse decantado por el desarrollo telenovelero (suicidios, juicios, trasplantes, cánceres) y los giros inverosímiles de guión (“hoy somos súper amigas”, “hoy no nos contamos ni lo básico”), ha perdido prestigio y espectadores a lo largo de los últimos años, pero no cabe duda de que ha dejado un par de los personajes más carismáticos de la televisión reciente, así como muchos de sus mejores momentos.

Mientras Susan (Teri Hatcher) siempre representó la bobería y la torpeza de la peor comedia romántica norteamericana y Lynette (Felicity Huffman) fue degradándose en sus contradicciones hasta la pesadez; Gabrielle (Eva Longoria) casi siempre ha permanecido fiel a una superficialidad que no por mil veces vista deja de ser divertida de vez en cuando. Por su parte, Bree (Marcia Cross), esa mujer conservadora imposible de tragar por el público republicano, ha terminado reinando casi en solitario tanto gracias a sus momentos débiles, jilgueros y despendolados, como a los más fieros y puritanos, con tanta maña en la cocina como puntería en el tiro.

Los guionistas han ofrecido una temporada final algo floja y por momentos carente de norte que, orquestada en torno a un asesinato, podía haber tenido algo más del François Ozon de ’8 mujeres’ y mucho menos de ‘Inés Duarte, secretaria’. El último episodio, doble, ha seguido una línea similar, pululando torpemente entre ‘La boda de mi mejor amiga’ y un culebrón más, con un considerable exceso de cursilería (“alguien nace” / “alguien muere”, etcétera) y un final que parece improvisado y sin sentido para algunos de los personajes (especialmente Susan).

Sin embargo, como siempre, se ha dejado ver gracias a ese componente de humor que ha cambiado el género de la telenovela para siempre (‘Dinastía’ y ‘Betty la Fea’ pueden ser antecedentes) y, de nuevo, a la solidez de un buen cásting para el que casi todo ha sido válido, enganchando y mucho. Pese a sus defectos, carismáticos en algunos de los casos (¿quién imaginaría la serie sin los aburridísimos discursitos de Mary Alice y sus cansinos “yes…”?), las echaré de menos.

En tu opinión, ¿cuáles son las diferencias entre el primer álbum y el segundo?
La experiencia y la forma de trabajar. He estado mucho más implicada en el proceso de producción y sabía más. Creo que con el anterior estaban mis maquetas y lo que hicimos en el estudio y ahora todo forma parte de un mismo proceso. Las canciones se parecen más a los bocetos que en el anterior y creo que he llegado mejor a lo que tenía en mi cabeza en un principio. Trabajar con mi hermana ha sido clave, musicalmente es con quien mejor me entiendo.

Vuelves a colaborar con Ban Davenport. Si no hubiera sido él, ¿quién crees que hubiera sido? ¿Imaginas Linda Mirada sin sus aportaciones? ¿Sería tan distinto sin ellas?
No lo sé muy bien. Bart es uno más del proyecto, no es alguien a quien yo pague y me arregle las canciones. Es alguien con quien trabajo mano a mano, un buen músico que entiende de qué hablo cuando lo hacemos de canciones. Creo que eso es muy difícil de encontrar y no tiene precio.

¿Consideras tu proyecto ochentero, o por la complejidad de sonidos que tiene lo ves más 2012, en relación con los 80 pero también con otras cosas?
No voy a negar una obviedad y es que mi música está muy basada en la nostalgia. Escucho mucha música de todas las épocas pero es cierto que cuando hago canciones no puedo evitar recurrir a este tipo de texturas. Pero creo que es un disco actual, con una perspectiva mucho más amplia que sólo los 80′s.

¿Te ves cercana de alguna forma por el tipo de música que haces a Delorean, El Guincho, el nuevo pop chileno, la música tropical, el chillwave o a nada de todo esto?
Una gran parte de los grupos de ahora están influidos por la música que aquí se hizo en los 90′s, que a su vez eran grupos que hacían una interpretación de lo que ellos escuchaban entonces. Quizá Delorean y el Guincho son bandas que se alejan un poco de esta corriente, si es por eso, sí, me siento cercana a ellos. Respecto al chillwave, sí que creo que muchos grupos que la prensa ha clasificado como tal reciben gran influencia de grupos que yo escucho. Pero cuando saqué el primer disco nadie hablaba en esos términos, y considero que sigo haciendo lo mismo.

Últimamente hemos oído mucho saxo en el mundo del pop, ¿te ha gustado desde siempre?
Blue Nile, Roxy Music, Tears for Fear, Thomas Leer, Talk Talk, China Crisis, Orange Juice… Se me ocurre un largo etcétera de grupos maravillosos que usaban saxo, es como todo, depende del sonido que le des.

Supongo que te lo preguntarán mucho, pero no encontramos ahora mismo la respuesta en alguna otra entrevista: ¿por qué el título del disco y por qué sobre todo la foto de portada, sin el título impreso encima?
El título del disco es una broma de la infancia entre mi hermana y yo. Un anuncio de cosméticos en el que una mujer todo terreno citaba esta frase. No tiene título por cuestión de diseño, no cabía. El arte está basado en un anuncio de maquillaje que hizo Kazumi Kurigami en los 80′s con Gary Numan. Me tenía fascinada y pensé en ello para la portada. La portada y el interior se supone que son la misma foto desde ángulos distintos.

En el interior hay una imagen tuya con un traje de corte masculino. Nos ha hecho gracia porque el espejo parece un iPad de refilón y porque en una canción (la 2) tú haces de hombre. ¿Hay relación entre foto y tema? ¿Cómo surgió cada cual?
(risas) Es muy bueno lo del iPad, no lo había pensado y ahora no puedo pensar en otra cosa al ver esa foto. Yo creo que el arte del anuncio está basado en la portada de ‘The Pleasure Principle’. Simplemente me gusta la estética, es muy sobria. ‘Mientras la Música no Pare’ es una historia desde el punto de vista de la otra persona.

¿Qué importancia tienen para ti las letras? Una de las cosas que me suelen sorprender de tu proyecto es que al escuchar el disco uno se fija en las partes más “tontas”, pero al leerlas, muchas son bastante tristes, profundas, curiosas y originales…
Tienen tanta importancia como el sonido o la melodía, es decir mucha. Ya no solo por el significado. Intento que tengan cierto ritmo y musicalidad, puesto que es música pop lo que hago, pero no puedo limitarme a un estándar, necesito contar una historia y lo intento hacer de la forma más clara, sin rodeos ni metáforas.

Suponemos que la historia del cartero de ‘Adicta a nivel internacional’ es personal, ¿pero qué drama inspiró la letra de ‘Dinamo’ y cómo se te pudo ocurrir en la ducha, como contaste en Playground?
La historia de ‘Adicta’ partió de una experiencia personal pero iba camino de ser demasiado sórdida y opté por darle un giro hacia algo más naive aparentemente, pero es el peor de los dramas puesto que es una chica que vive una relación que sólo existe en su cabeza. En ‘Dinamo’ simplemente tenía alguna frase sobre el fenómeno de comunicación global. Simplemente intenté enlazarlas con sentido.

Nos pareció intuir por un mensaje que escribías en Twitter que no te gustaba que se dijera que tus letras son “costumbristas”, pero escribes sobre borracheras colectivas de un pueblo en ‘Aire’… ¿Todo un retrato social, no? ¿De qué forma perdió el control el pueblo aquel día?
Quizá no me expliqué bien, me refería a lo nuevo de acuñar ese término a la música. Pero es lo mismo que chillwave o dream pop: son términos que aparecen de pronto y se ponen de moda y tú piensas que no te estás enterando de nada. Lo del pueblo es verdad, eran las fiestas, había sangría para dar de beber a un país y en la tele no paraban de decir que venía un aire caliente de África. La gente perdió la cabeza, al menos los que tenía yo alrededor.

Cuentas historias vividas en las letras, pero a su vez son anécdotas algo irrelevantes (a veces trágicas). En general no parece que dejes ver mucho de ti misma como otros artistas que escriben sus canciones, no parecen las clásicas letras “autobiográficas”, ¿por qué crees que es? ¿Es Linda Mirada un proyecto con el que, sobre todo, divertirte o evadirse?
A mí me gustan las letras que cuentan historias, puedes recrearte en un estado de ánimo, pero a mí me interesa más la historia que hay detrás y la que ha provocado ese estado. Mis canciones hablan muchas veces de recuerdos y de frustraciones de la adolescencia que se mantienen con la madurez, aunque a veces escribo sobre cosas que leo y no tienen nada que ver conmigo.

Tu primer disco crece con las escuchas y este también. Es un “grower” en toda regla, ¿a qué crees que se debe tratándose simplemente de música pop? ¿Quizá por el volumen o los ecos de la voz, el tipo de producción, toda la música que escuchas tiende a crecer con las escuchas en lugar de impactar desde el segundo cero?
Esto lo voy a tomar como un cumplido, son los discos que crecen con las escuchas los que más me gustan… Me gusta mucho la música pop, creo que el buen pop gana con las escuchas. No me canso de escuchar ‘True Blue’ (el album entero) de Madonna y es puro pop. No me interesan las canciones con ganchos evidentes que sobre todo persiguen sonar en la radio.

Un ejemplo es el single ‘Secundario’, que mola pero es mucho menos inmediato que ‘San Valentín’. Es extraño, pero citando a tantos artistas pop como influencia y siendo tan pop, parece como si te importara poco que el resultado final fuera comercial, ¿Es así?
El único resultado que me importa es si una canción me convence cuando casi he terminado, lo demás viene después. De todas formas el pop engloba muchísimas cosas, casi la mayoría de lo que hoy en día escuchamos, no sólo lo que está hecho para sonar en la radio.

¿Puede influirte en ese sentido trabajar en un sello y ver día a día las dificultades que pasan los grupos hasta que consiguen vivir de la música? Es como si lo consideraras tan lejano que te da igual, cuando igual no lo es.
¿Lejano? Lo veo cada día, vivir sólo de la música en este país es improbable y lo triste es que muchas veces no depende del talento sino de otros factores.

Por otro lado, a pesar de la modestia de la autoedición y de la aparente falta de pretensiones, tienes un público muy fiel o al menos en nuestro site, generas un número de visitas propio de superestrella internacional… ¿en qué posición crees que estás artísticamente?
No lo sé, es pronto para saberlo, generar visitas no se traduce en discos y entradas vendidas, puede ser sólo curiosidad. Yo pongo mucho empeño en lo que hago pero no puedo forzar la maquinaria, llego a quien puedo llegar y lo hago lo mejor que puedo.

Part Time, que colabora en tu disco, es un artista de tu sello, ¿le conociste a raíz de eso?
No, le conocí cuando sacó su disco en cinta con otro sello. Cuando fichó con Mexican Summer ya habíamos hablado para que me hiciera una remezcla, a mí me gustaba mucho lo que hacía y Bart se lo comentó en una fiesta donde se encontraron (los dos son de San Francisco). Entonces él me mandó un mensaje a Facebook y a partir de ahí empezamos a hablar. Davida es un claro ejemplo de lo que hablamos, tiene un enorme talento y ahí está sin venir a tocar a Europa… ¿por qué? Pues me imagino porque Pitchfork y otros medios han pasado de él.

Artistas trabajando para un sello y publicando sus discos en otro han sido una constante: Irantzu Valencia, Clint, tú… ¿a qué crees que se debe esta rareza?
Bueno, sólo conozco a Tomás (Clint). Yo creo que ambos entramos a trabajar en música por afición aunque hicimos carreras que poco tienen que ver, y esa afición nos ha llevado también a tener proyectos musicales.

¿Habrá edición en vinilo del primer álbum, y de este?
Sí, habrá edición en vinilo. Espero que estén listos para el concierto de este finde.

¿Algún plan más aparte de la presentación en directo?
Creo que haremos pequeña gira después del verano. El disco sale en Japón ahora en breve y se distribuirá en Europa y Estados Unidos.

¿Los nuevos conciertos serán similares a los anteriores?
No, el repertorio es un poco más largo, le hemos dado la vuelta a un par de temas antiguos y yo voy ahora con dos teclados, María sigue con lo suyo, Miguel Núñez sigue a la guitarra, y Nahum García al bajo.

Personalmente, veo ‘Cuando suba la marea’ un poco torch song. ¿Es algo premeditado o surgió naturalmente?
Juan: “Somos muy impulsivos y bastante caóticos componiendo y casi no nos paramos a pensar en el carácter de lo que va surgiendo”.
Eva: “La primera idea de ‘Cuando suba la marea’ nació de repente tocando una acústica. Desde el primer momento vimos que nos pedía ese sonido a madera y a doce cuerdas que tiene. Cuando tocábamos la melodía sin la letra, nos parecía algo especial”.

A nosotros nos parece que es una de las canciones de sonido más Springsteen o Neil Young, sobre todo por esa armónica. Sin embargo, cuando os entrevistamos, decíais que no veíais esa influencia. ¿Cuál creéis que podría ser la inspiración de este sonido? ¿Quizá algo más clásico, tipo Yardbirds?
Eva, Juan: “Nos encanta que mencionéis a The Yardbirds y nos gustan muchas canciones de Springsteen y de Neil Young. Algunas de nuestras mayores influencias son las grandes canciones de los sesenta y setenta, los grandes de la música mexicana, la manera de cantar de Linda Ronstadt o la música argentina. Probablemente sea la canción con un corte mas clásico de ‘Hacia lo Salvaje’”.

La canción parece hablar del desengaño de la edad adulta, de ese momento en el que se te cae la venda de los ojos ante lo amargo de la vida. ¿O no?
Eva: “Habla de sentirse desnuda y carnal, del momento en que te liberas de lo innecesario y comienzas a contemplar tu existencia de una manera más relativa. Es una canción positiva. Es como cuando el protagonista de ‘Casablanca’ dice algo así como que los problemas de unos pequeños seres no importan, en medio de un mundo tan complicado”.

Aun así parece luchar por conservar un poco la inocencia, con ese “solía pensar que la vida es un juego, y la pura verdad es que aún lo creo”. ¿Os da miedo perder ese punto de vista?
Eva: “Creo que la vida es un poco como una partida de póker. Que puedes ser un buen jugador o tener la suerte del principiante, ir de farol o abandonar discretamente la partida, hasta puedes tener un as en la manga pero básicamente todos hacemos lo que podemos con las cartas que nos han tocado”.

Esa figura de tumbarse en la arena y que te lleve el mar recuerda al dramatismo de los poetas románticos. ¿Qué tipo de literatura os interesa?
Juan: “Hay temporadas, sobre todo cuando estamos viajando en las que leo todo lo que cae en mis manos y otras en las que no leo nada. Ahora estoy leyendo ‘Un buen chico’, una novela de Javier Gutiérrez. Soy muy “fan” de Juan Marsé y de Seamus Heaney”.
Eva: “La verdad es que cuando era adolescente me interesaba mucho el mundo trágico y decadente de algunos escritores como Baudelaire o Poe. Luego me colgué de la Generación Beat y ahora mismo me gusta más la narrativa que la poesía”.

¿El vídeo es de Lyona, verdad?
Juan: “Sí. Fue rodado en lugares donde había habido agua, como el parque acuático de L’acuatic en Sitges”.

¿Teníais una meta clara al reuniros para hacer este disco, en cuanto a letras o música?
No, la verdad es que no, lo importante era alcanzar un lugar de gracia como grupo. Sólo queríamos ver si los cuatro podíamos reconectar entre nosotros como en el pasado y hacer un buen disco. Aparte de eso, creo que somos lo suficientemente listos como para saber que si hubiéramos intentado molderarlo demasiado, no habría salido bien.

He leído que la primera vez que os visteis para desarrollarlo, os salieron tres o cuatro canciones y partisteis de ahí.
Sí, así es.

¿Cuáles son esas canciones? ¿Están en el disco?
Sí. Bueno, no todas. La primera después de seis años fue ‘Battle In Me’, el single en Reino Unido. Cuando nos juntamos, hablamos, nos reímos, bebimos vino, comimos algo, nos emborrachamos y esa canción salió simplemente ensayando. Me venían las palabras y recuerdo pensar: “esto es exactamente lo que queremos hacer, si somos capaces de mantener este tipo de energía, haremos un buen disco y a la gente le encantará”. Bueno, o a alguna gente.

¿Ha sido duro hacer este disco?
No, porque pensamos de forma inocente, como principiantes, como tiene que ser. No te comportas como un icono, no fuerzas un resultado. Sólo dejas las cosas pasar, creo que eso es lo que te lleva a hacer buena música.

¿Por qué habéis escogido esa canción, ‘Battle In Me’, como single en Reino Unido?
Obviamente, como sacamos nuestro disco nosotros mismos, tenemos un equipo de gente en la que confiamos trabajando con nosotros. La gente de Reino Unido quería que el single fuera esa canción. Nosotros trabajamos muy duro para que todas las canciones fueran potentes y tuvieran mucha fuerza. Una de las cosas por las que la gente saca discos de mierda es porque sólo se preocupan de cuál será el primer single y el resto son “fillers”.

‘I Hate Love’ a mí me parece el single claro.
Eso es lo que a mí me parecía, pero nadie estaba de acuerdo conmigo, así que como yo sólo era una voz entre un montón… Pensé que era una buena introducción para el regreso de Garbage hoy en día. Creo que ‘Blood for Poppies’ es una buena opción de todas formas, también me gustaba. En cualquier caso, ‘I Hate Love’ todavía está ahí y puede ser un single en el futuro. Lo importante es que cada canción era bastante potente y sólo le gusta más a una gente o a otra dependiendo de lo que te atraiga a ti.

En Garbage hay cuatro personalidades muy fuertes con carreras aparte sólidas detrás y demás. ¿De qué manera conectáis entre vosotros? ¿Funcionáis como una democracia? ¿Os lleváis mejor dos a dos?
No, no sé, tengo diferentes relaciones con cada uno, por diferentes razones. Durante el tiempo en que no hicimos música, veía frecuentemente a Butch y a Steve. No solía ver a Duck, pero alguien podría decir que somos los que mejor nos llevamos, los que mejor conectamos y más nos parecemos. Es raro, nos necesitamos igualmente pero de manera diferente. No sé cómo explicarlo… Somos una banda rara.

¿Por qué?
Porque creo que… Bueno, lo primero. En el aspecto, si nos miras (risas) no parecemos una banda de rock. ¿Has visto el vídeo?

No, aún no se ha editado [en el momento de la entrevista faltan unos días]
Cuando lo veas lo entenderás. Parecemos un cásting raro de…, no sé, damos miedo, es como si viniéramos de otro siglo.

Y no el siglo XX.
Ya verás… Te vas a reír. También es verdad que somos mayores, no somos jóvenes vestidos de cuero, con guitarras colgando y botas. Somos raros, “nerdy” y “geeks”.

Pero tenéis una imagen muy sólida…
(interrumpe a carcajadas) Perdona, estaba pensando sobre mi banda. Muchas veces he pensado: “me encantaría que fuéramos esto o aquello”, pero esta vez he pensado más que somos increíbles. Es como si hubiéramos trabajado con David Lynch o Billy Wilder, mi voz es como de película de Tarantino. Tras tantos años, miré al grupo y pensé: “¡Estamos genial!”

¿Cómo habéis podido olvidar que hicisteis una canción para James Bond?
No, no lo habíamos olvidado. Sólo cómo tocarla.

Bueno, el “tweet” era bastante ambiguo…
Probablemente (risas). No escribimos esa canción, acuérdate, así que no es lo mismo.

Aunque suena muy Garbage a la vez.
Sí, pero nos pidieron que la hiciéramos, así que no es como olvidar algo que has escrito. Vamos a tocarla, no sé si la hemos interpretado en directo antes, pero mola tanto que tenemos que hacerla.

En los 90 leí que lo habías pasado muy mal escribiendo las letras del primer disco, ¿es así?
Es verdad, sí.

¿Con este disco ha sido igual? ¿Has sufrido con las letras?
No, nada de sufrimiento, ya no sufro en absoluto. Tenía mucha confianza en mí misma. Durante mucho tiempo sentí que no merecía estar donde estaba, me sentía como si no fuera lo suficientemente buena, como si no mereciera ser comparada con nadie, como si no tuviera nada que ofrecer. Finalmente acepté mis habilidades. OK, sé que no soy Bob Dylan, pero eso no significa que no sea buena escribiendo, que no pueda transmitirle cosas a alguien. He pasado por bastante y no me casé con ninguna idea de quién tenía que ser. Esta vez no quería terminar el disco, no quería irme del estudio.

He leído de qué habla ‘Blood for Poppies’, leo la letra, pero creo que no he entendido nada…, ¿de qué habla este disco?
(carcajada seca) Hay muchos temas. Muchos tienen que ver con la idea de ser raro, de estar al margen de algo y de querer entrar en un sitio. Es sobre la resurrección. Habla mucho sobre la idea de reiniciarte a ti mismo. ‘Blood for Poppies’ es un tema muy complicado, que surgió a partir de que leí un artículo. Habla sobre la situación en Afganistán, la lucha contra el tráfico de opio, sobre los talibanes luchando contra los estadounidenses, la gente cayendo a los pies de los soldados, los atentados… Habla sobre lo jodido de la situación, de cómo intentas pensar con tu cordura en medio de todo este caos. Todo lo que pasa allí es una locura por diferentes razones: corrupción, pobreza, dolor, confusión… No sé, es como un sueño extraño. En este disco me he obsesionado con el surrealismo y con el simbolismo del surrealismo. No quería escribir una canción literal sobre Afganistán, eso sería realmente aburrido, creo que tenía que ser más surrealista.

Habéis hecho canciones con un carácter social antes, como ‘Androgyny’, ¿pero alguna vez habíais hecho alguna tan política como esta?
‘Queer’ es política y ‘Sex Is Not The Enemy’ también es una canción muy política. Aunque no somos el tipo de banda que dice a la gente lo que tiene que pensar.

Por cierto, ¿qué os pasa con ‘Androgyny’? ¿Por qué no la tocáis ni estaba en el recopilatorio? ¿La odiáis?
Tenemos una conexión rara con esa canción por muchas razones diferentes.

¿Por qué?
(se lo piensa largamente)

¡No es tan mala!
No, no es mala. Me gusta y me encanta cómo quedó el vídeo. Es sólo que teníamos que escoger temas para que cupieran en el recopilatorio y esa no cabía. Hay que sacrificar a uno de los niños.

¿Qué pasó con tu disco en solitario? ¿Cuán cerca estuvo de quedar terminado?
Fuimos muy lejos con él, estuvo casi terminado, pero al sello no le gustó. Lo rechazaron porque creían que no era lo suficientemente pop. Yo no soy una chica pop y nunca lo seré. No soy muy fluida en pop. Yo trabajaba simplemente para mí, para lo que creo, para mis valores. No me importa si no hago otro disco nunca más. Hice una serie, en su lugar.

Pero hoy en día podrías haberlo sacado con tu propio sello, o a través de Internet… ¿Nunca va a salir?
No, probablemente nunca saldrá. Algunas canciones quizá, un par de ellas creo que seguirán conmigo. El resto es de una etapa de mi vida en la que quería rechazar algunas cosas concretas. Quería que fuera un disco muy íntimo: mi piano y yo, mi violín y yo. Algo pequeño. Y ahora quiero hacer ruido, he estado callada siete años, ahora quiero gritar.

Ese par de canciones que te gustan aún, ¿tienen nombres? ¿cómo son?
Sí, claro, que tienen nombres.

¿Y bien?
Bueno… prefiero que quede para mí. Quizá algún día sean públicas pero hasta entonces, prefiero que queden como parte de mi vida privada. Ahora quiero dejar eso atrás y sólo quiero pensar en Garbage. La etapa “funeral” se ha acabado.

Cuando salió ‘Version 2.0′, mi disco favorito de Garbage, hubo gente que dijo que era “demasiado electrónico”, ¿eso ha sido una presión para vosotros a lo largo de vuestra carrera?
Creo que con el tiempo pasamos a estar bastante confundidos sobre el rol que desempeñábamos, lo cual es muy peligroso para un artista. Perdimos la sensación de dirección sobre nuestra dirección y absorbimos muchas críticas. Lo que ha sido estupendo es que ahora sabemos exactamente lo que se supone que queremos hacer y nos sentimos bien. Lo hacemos todo a nuestra manera.

El tema ‘Felt’ suena diferente a vuestro sonido habitual, ¿qué lo inspiró? ¿De quién es?
Todos lo escribimos. Yo estaba en la cama, no estaba nada bien, me habían operado y tenía que guardar reposo. Pensaba en los grupos que me gustaban de adolescente y me di cuenta de que había olvidado por completo de Felt, estuve viendo fotos de Lawrence… Entonces los chicos, que estaban en el estudio, me mandaron un mail con una música que les había salido porque les gustaba y al oírla me vino la palabra “felt” (“seguro que has sentido algo”). Es sobre destruir tu mente para escuchar los sentimientos o al contrario, cuándo apagar tus sentimientos y escuchar a tu mente. Sobre cómo reconciliar ambas partes.

‘Beloved Freak’ tiene una de las melodías más dulces que recuerdo de vuestra carrera, ¿es tan dulce como parece u oculta un lado oscuro?
Es tan dulce como parece. Es una mano tendida para los que sufren: para mí, para el grupo, para nuestros fans, para todo aquel que sienta que no es aceptado de alguna manera.

‘Sombras tenebrosas’, adaptación de la serie sesentera ‘Dark Shadows’, tiene un inicio de lo más prometedor. El relato de la maldición de Barnabas, la llegada de Victoria Winters a la mansión Collinwood como si de una Jonathan Harker se tratara, y la aparición del vampiro tras dos siglos enterrado, está contado con la potencia y la poesía visual de los mejores trabajos de Burton. A partir de ahí se acabó: el director se echa la siesta, pone el piloto automático, y deja que la película se convierta en una grotesca comedieta negra, de estética gótica y nostalgia pop. O, como la define su (optimista) guionista Seth Grahame-Smith (conocido por la novela ‘Orgullo y prejuicio y zombis’), “un culebrón cómico de acción gótico y sobrenatural”. Pues eso.

Lo “burtoniano” vende, está claro (‘Alicia en el País de las Maravillas’ fue la segunda película más taquillera de 2010), pero a qué precio. Sus películas empiezan a parecerse cada vez más a franquicias estéticas, a reproducciones industriales de “universos burtonianos” tan deslumbrantes -el reluciente diseño de producción, la brillante música de Danny Elfman y la resplandeciente foto de Bruno Delbonnel- como impersonales e insustanciales. Al igual que la extraña autoparodia que protagoniza Alice Cooper cantando su ‘No More Mr. Nice Guy’, Burton parece interpretar una y otra vez su propia canción en un decadente karaoke fílmico. 4,5.

El germen de Tortoise surgió, hace ya veinte años, con la unión del bajista Doug McCombs (por entonces en la banda Eleventh Dream Day) y el batería John Herndon (de Poster Children), que tuvieron la ocurrencia de ofrecerse como base rítmica de alquiler. Pronto coincidieron con Bundy K. Brown y John McEntire, bajista y batería respectivamente en la banda seminal Gastr Del Sol, en la que militaron David Grubbs y el ahora afamado productor y ex bajista de Sonic Youth, Jim O’Rourke. Juntos descubrieron que compartían una pasión por la rítmica y por el trabajo de producción en el estudio.

En 1994 su propuesta se concretó en un álbum de debut homónimo, publicado por Thrill Jockey, que sentó las bases de su sonido, fundamentado en el jazz y en la música avant-garde pero con continuos guiños al kraut-rock de Can, al dub o a la muzak de los 60.

El entonces quinteto (Dan Bitney era el quinto hombre) demostró cómo una música ejecutada casi exclusivamente con instrumentos rítmicos, combinados con elementos percusivos como la marimba o el metalófono, podía resultar tan sugerente como las guitarras, casi siempre secundarias en su propuesta instrumental. Con estructuras intrincadas que huyen del clásico y predecible 4/4 y con la decisiva intervención de teclados electrónicos y efectos de estudio, la consigna de Tortoise era (y siempre ha sido) perpetuar el trabajo de búsqueda que iniciaron los grandes maestros del free-jazz y la música experimental, desde Miles Davis a Steve Reich. En 1996, con David Pajo (ex Slint, Aerial M) sustituyendo a Brown, llegaría su obra más poderosa y trascendental, ‘Millions Now Living Will Never Die’, en la que acentuaron el componente paisajístico y ambient de su música, aproximándose al mejor rock progresivo de los 70.

‘Djed’, la pieza que abre ese álbum, es un maravilloso viaje de algo más de veinte minutos por la imaginería que compone todo el catálogo de Tortoise: inspirarse en música visionaria del pasado para, aportando las posibilidades de las nuevas tecnologías de grabación, ofrecer una visión futurista y avanzada de la música. Aunque, posiblemente, su mayor valor ha sido que su fuerte éxito crítico consiguió acercar estilos como el ambient o el free-jazz a un público que dejaba atrás la fascinación por el rock alternativo y se abría a nuevos campos. Con ‘TNT’, un álbum marcado por la incorporación del guitarrista Jeff Parker, que pronto plasmó la impronta de su imaginativa forma de tocar, Tortoise cerraron la década de los 90 encumbrados como una de las bandas más importantes e influyentes de la época.

La siguiente década comenzó a lo grande con ‘Standards’, un álbum fabuloso en el que ya sí terminaron de definir los atisbos de funk y rock que se percibían en el álbum precedente, en cortes geniales como ‘Seneca’ o ‘Blackjack’, y pusieron más énfasis en su vertiente electrónica (‘Firefly’). Sin embargo, ‘It’s All Around You’ (2004) supuso un cierto desencanto hacia su música, que se volvía reiterativa en sus recursos y abusaba de unos teclados que casi sonaban a new age. Sus seguidores no podíamos concebir a unos Tortoise que sonaran predecibles y complacientes. Por suerte y tras un álbum de versiones firmado junto a Will Oldham (‘The Brave And The Bold’), en 2009 llegó un ‘Beacons Of Ancestorship’ en el que retomaban el espíritu aguerrido de ‘Standards’, con cortes tan enérgicos como ‘Prepare Your Coffin’ y hasta alguna incitación al baile (‘Northern Something’).

El grupo de Chicago siempre ha estado rodeado por cierto halo de intelectualidad que seguramente haya echado para atrás a muchos oyentes potenciales. Pero para disfrutar de Tortoise realmente no es necesario poseer un gran background en free-jazz o avant-garde, tal y como demostraron en la soberbia actuación que ofrecieron hace un par de años en el Primavera Sound. Su música está fundamentada en el ritmo, la precisión y la alternancia de la fuerte y lo delicado, y eso es algo totalmente físico, epidérmico, y su poder puede llegar a cualquiera que esté dispuesto a sentirlo.