La sorpresa viene, sin lugar a dudas, porque la serie tiene bastantes factores en contra. El primero es que repite, en una de sus parejas protagonistas, un cliché visto, por no decir vistísimo. Debra Messing y Christian Borle se convierten en Julia y Tom, autores del musical sobre Marilyn sobre el que gira continuamente ‘Smash’. Quizá recuerden a Debra Messing de otras series como… ‘Will & Grace’. Y quizá recuerden su papel porque es exactamente el mismo que hacía por aquel entonces: el de mariliendre. Vale que aquí su parte tiene un poco más de chicha, pero no hay nada más negativo que empezar a ver una serie y pensar que una de sus actrices principales está encasillada. ¿De verdad tenía que ser todo tan obvio y cansino?

No. No tenía que serlo, y es probablemente por eso que la misma serie decide reírse veladamente de su tendencia al cliché (impagable ese paseo de Anjelica Huston y Jack Davenport por la Times Square más abarrotada que hemos visto jamás en televisión). Es aquí precisamente donde encontramos otro de los grandes activos de ‘Smash’, en una segunda pareja en discordia, conformada por la enorme Anjelica Huston (la productora) y un sorprendentemente atractivo Jack Davenport (el director hetero, y la aclaración no es en absoluto baladí).

Eso sí, todavía no hemos llegado a la parte buena de verdad, encarnada por dos protagonistas de lo más interesante. La primera es una Katharine McPhee desconocida pero fascinante. Una “girl next door” que cae bien desde el minuto uno. La segunda es la rotunda Megan Hilty, que hará replantearse a más de uno su ideal de belleza femenina (en las curvas es donde está la diversión) e incluso su opción orientación sexual, porque está arrebatadora. Ambas son las actrices que luchan por hacerse con el papel protagonista de Marilyn, en una dicotomía entre rubia y morena que por momentos recuerda a ‘Chicago’.

¿Dónde está la gracia? En que es una serie sobre un musical, así que la música y las canciones están más que justificadas. Tiene partes en las que, como a veces sucede en ‘Glee’ y en todos los musicales del mundo, las canciones vienen a narrar lo que pasa en pantalla. Hay veces que son más bien gratuitas (ese ‘Beautiful’ de Christina Aguilera un poco metido con calzador) y otras que están mejor en la trama pero… ¿de verdad pensabas ver una serie de musicales sin ver a alguien cantar?

Calificación: 7,5/10
Destacamos: A Anjelica Huston, que cada vez que sale en pantalla, se come inmediatamente a todos los que salen en la misma escena.
Te gustará si te gusta: ‘OT’, ‘Factor X’, ‘Pop Idol’, ‘Tienes talento’, ‘Glee’ y ‘Fama’.
Predictor: 11,5 millones de espectadores, un 79/100 en Metacritic… ¿alguien da más?

¿Qué podremos oír en vuestro paso por España? Mezclaréis la electrónica de ‘Drums and Guns’ con el sonido más clásico de ‘C’mon’?
Será algo muy clásico, muy minimal, más enfocado al sonido de ‘C’mon’. También incluiremos algo de teclado, pero será básicamente guitarra, bajo y batería, sin componentes electrónicos.

El nombre del disco sugiere movimiento, un contraste con el nombre de tu banda, Low. ¿Por qué elegiste titularlo así?
Sí, es una especie de encuentro entre contrarios. Me gusta la idea de la acción y la comunicación cara a cara, la cercanía, comunicarte con el que tienes enfrente. El disco querría decir algo así como “ven conmigo”.

La primera palabra que vino a mi cabeza al escuchar el álbum fue “bonito”. ¿Era esa la intención, crear algo que pudiéramos definir así?
Después de ‘Drums and Guns’ queríamos hacer algo en la dirección opuesta, algo que sonara más íntimo, sin ruido. Creo que una canción que representa bien el disco es ‘$20′, queríamos conseguir ese ambiente íntimo y que fuera muy bello.

¿Por eso elegisteis a Matt Beckley como productor, para conseguir esa intimidad, en lugar de Dave Fridmann, que ha colaborado con vosotros en los últimos álbumes?
Así es, aunque en realidad Beckley se incorporó en la fase de la mezcla, que hizo en su apartamento de Hollywood, California. Pero sí, pensábamos que él era adecuado para conseguir ese sonido que buscábamos.

Grabasteis ‘C’mon’ en el mismo estudio que ‘Trust’, el Sacred Heart Studio, que es una antigua iglesia católica. ¿Buscabais el mismo sonido?
El estudio está a cinco minutos de mi casa, y además es barato, así que no había mejor opción. Puedes pasarte grabando dos o tres días seguidos, descansar un poco, regresar y seguir grabando. Es un buen lugar. Pero no queríamos conseguir el sonido de ‘Trust’, porque era un disco lleno de rabia, y este es más cercano, más íntimo.

‘Drums and Guns’ era vuestro álbum político pero ‘C’mon’ es mucho más introspectivo. Sin embargo, viendo tal y como está el mundo ahora parece que dan ganas de seguir el camino de tu anterior disco.
Sí, ‘Drums and Guns’ era una lucha para decir que algo está pasando, pero encuentro que hay más verdad en algo que puedes decir a otra persona, cara a cara. La política es comunicación con la masa y buscábamos algo más directo. Puedes hablar de las mismas cosas cara a cara y será más verdadero. La violencia se convierte en algo personal.

En el Primavera Sound de 2010 tocasteis el ‘The Great Destroyer’ al completo. ¿Cómo os sentisteis, fue una oportunidad de desquitaros tras cancelar parte de la gira de aquel álbum?
Bueno, nos lo sugirieron y nos gustó la idea. Disfrutamos mucho ese concierto porque pudimos tocar canciones que normalmente no tocamos. Fue extraño porque no es el formato al que estamos acostumbrados, un espectáculo diferente, pero fue muy divertido.

Llevais casi veinte años de carrera y nueve álbumes. ¿Qué opinas de vuestros primeros discos?
Están bien, pero éramos muy ignorantes grabando. Los escuchas y dices “podría haberlo tocado mejor” pero no nos arrepentimos de lo que hicimos. Después de todo, tuvimos mucha suerte de haber podido hacer lo que hemos querido y fuimos muy felices haciéndolos.

¿Los cambios en la industria musical en estas dos décadas os han afectado?
Estamos aparte de todo eso, siempre hemos hecho lo que hemos querido. Siempre hemos sido una banda de directo, girando continuamente, así que nos mantenemos gracias a eso.

¿No sientes que esta industria, o la cultura musical, tiene unos valores muy alejados a los tuyos propios?
Bueno, la gente de la música es mucho más espiritual de lo que se piensa. Ellos tratan de hacer un mundo mejor, de entenderlo, de entender qué es lo que pasa a su alrededor… En realidad es como una iglesia. No hay necesidad de luchar ni nada de eso. El rock and roll es espiritual, es el Evangelio (rock and roll is Gospel). Se trata de un lenguaje que todos conocemos.

Hablando de gospel, ¿hay novedades con respecto a Retribution Gospel Choir?
Sí, hemos terminado un EP de cuatro canciones, que verá la luz la misma semana que Low llega a España. Esperamos hacer algo más y salir de gira, pero es una pena porque de momento no podemos debido a ciertos problemas legales del batería… por la marihuana (risas).

El favorito en las primarias republicanas de Estados Unidos es Mitt Romney, candidato que además es mormón como tú. ¿Qué opinas de Romney y de la importancia del credo religioso en la política?
Parece una buena persona aunque es un conservador y yo tengo ideas más liberales. De todas formas, América se ha convertido en un sistema de dos partidos, un sistema muy feo, en el que en realidad no hay mucha diferencia entre unos y otros. América está dirigida por el dinero, por los ricos. Y la actitud americana va por un mal camino, todo es egoísmo y codicia. Hay una cantidad ilimitada de recursos en América pero son propiedad de unos pocos. Con respecto al tema religioso, he de decirte que a la gente no le gustan los mormones. Nos tienen miedo porque creemos en algo, realmente creemos.

Pero hay mucha gente que cree en algo.
Sí, pero no de la misma forma. Creen en sus curas y demás pero nosotros creemos en Dios. Todo lo que sé es que hay cosas que no se dicen porque quedarías mal, pero que se piensan. Por ejemplo, la gente no dice “negrata” pero lo piensa.

Es decir, que son racistas pero no lo dicen.
Exacto, y en los medios hay programas que se esfuerzan en decir lo malos que son los mormones. La ignorancia asusta a la gente, pero nadie quiere oír esto.

Foto: Sara Kiesling.

Su entrada en el estadio, llena de dorados, ha sido un cruce entre la apertura de su última gira Sticky & Sweet, la de Kylie y el Imperio Romano. Sonaba una versión editada de ‘Vogue’, a la que han sucedido ‘Music’ con una breve participación de LMFAO, ‘Give Me All Your Luvin” en compañía de M.I.A. y Nicki Minaj, un medley de segundos entre ‘Open Your Heart’ y ‘Express Yourself’ y ‘Like A Prayer’ junto a Cee Lo Green, esta última a la postre “trending topic” en Twitter.

En contra, el playback cortarrollos habitual en este tipo de espectáculos, el pequeño traspiés dado por la cantante en ‘Music’ y la falta de momentos icónicos, especialmente durante el nuevo sencillo. A favor, la elección del impresionante repertorio, las piruetas a su edad, la coordinación de decenas (¿cientos?) de bailarines y percusionistas y la no horterada estética, que suele campar a sus anchas en shows del palo. En realidad, un compendio bastante entretenido de hits, aunque sin aciertos épicos a lo ‘Vogue’ en los premios MTV.

10 2-minute Classics:
“Wrong Direction” The Dixie Cups
“You Don’t Have to Be a Baby to Cry” The Caravelles
“The Crusher” The Novas
“The Lady Came from Baltimore” Scott Walker
“The Unidentified Flying Object” Perrey & Kingsley
“Buzzsaw” The Turtles
“When I Needed You” Chain Reaction
“Sweet Young Thing” The Monkees
“Love’s Made a Fool of You” The Bobby Fuller Four
“Golden Hair” Syd Barrett

Por poco que le gustara, y aunque prefiriera hacer sus pinitos como actor de cine indie, la música era algo intrínseco en él y hacia 2000, animado por Geoff Travis de Rough Trade, comenzó a escribir sus propias canciones. Después de la muerte de su padre se trasladó a Texas para preparar el material de su primer álbum, ‘Len Parrot’s Memorial Lift’ (2002), para el que contó con las deslumbrantes colaboraciones de Geoff Barrow y Adrian Utley, de Portishead, y Richard Hawley. No había en este álbum apenas rastro que pudiera relacionarle, artísticamente, con el viejo líder de The Blockheads. Canciones como ‘Beneath The Underdog’, ‘Oscar Brown’ (con su fantástica coda recurriendo al ‘Oh Sweet Nuthin´’ de la Velvet), ‘Auntie Jane’ o ‘Gingham Smalls 2′ estaban en una peculiar órbita de rock psicodélico y atmosférico, que podía compararse con los primeros Grandaddy, descontando la sofisticación, y con un ambiente mucho más íntimo y pausado, una especie de melancólica resaca post-britpop. Dury se centraba en los teclados y apenas recitaba o se ocultaba tras un impostado falsete, cediendo protagonismo vocal a una tal Johanna Hussey. Su esforzado intento por esquivar sospechas de oportunismo post-mortem no tuvo un gran éxito, pero sí excelentes críticas.

No ocurrió lo mismo con su siguiente álbum, que no llegó hasta 2005. Quizá en tal retraso influyera el hecho de que, poco después de publicar su debut, conociera a una mujer (que luego descubriría que era nieta del cineasta húngaro Zoltan Korda) con la que tuvo una relación efímera que le dio un inesperado vástago. De sus infructuosos intentos por establecer una relación de pareja con ella y el shock de tener un hijo que no esperaba trata ‘Floor Show’. Bueno, de eso y de la cocaína, una droga tan directamente relacionada con su generación y el ambiente musical. ‘Cocaine Man’, por ejemplo, es bastante explícita en retratar las sensaciones del consumidor que nublan la verdadera mierda que ocurre a su alrededor. ‘Floor Show’ vuelve a ser un álbum nuevamente amargo y de un tono decididamente triste, aunque es mucho más uptempo que el anterior, con las guitarras eléctricas como protagonistas y un mayor sentido de banda de rock. No en vano, su grupo de entonces lo componían nada menos que Mike Mooney y Damon Reece, guitarrista y batería de Spiritualized durante la época de ‘Pure Phase’ y ‘Ladies And Gentleman…’.

Aunque en su momento no tuvo una reacción muy entusiasta, ‘Floor Show‘ contiene cortes formalmente tan incisivos y directos como ‘Francesca’s Party’, la mencionada ‘Cocaine Man’ (que alude de nuevo a la Velvet, ‘I’m Waiting For The Man’), ‘Lisa Said’ o ‘Sister Sister’ (que incluye un guiño a ‘Heroes’ de Bowie), pero con un fondo tan cetrino como las oscuras ‘Young Gods’, ‘Cages’ o ‘Waiting For Surprises’. Dury suena algo más convincente cantando, aquí sin apenas coros que le tapen o efectos en su voz, pero dejando claro que no es el vocalista agresivo y autoconvencido por naturaleza que era su padre. Tampoco hay apenas rastro del doctorado musical en música negra que Ian le brindó en su niñez, inculcándole el amor por el funk y el soul y defenestrando el rock blanco, empezando por los Beatles.

Después de producir algún álbum (el del francés Alister, ‘Aucun Mal Ne Vous Sera Fait‘ -2007-), involucrarse a fondo en el rodaje del biopic sobre Ian (‘Sex, Drugs & Rock & Roll’ -2010-) y colaborar en interesantes proyectos ajenos como Discodeine, Baxter comenzó a preparar su tercer álbum en Ibiza, rodeado de amigos y con el relajo que ya se intuye en esos seis años de lapso desde su predecesor. Pero ‘Happy Soup‘, un favorito de Almodóvar, bien ha merecido la espera. Se trata de su álbum más abierto hasta la fecha, abrazando al fin esa influencia negra en su música y dejando que la herencia del característico acento cockney de su padre pase a un primer plano. Se trata de un brillante disco de ese pop rock que ya apenas se hace en Reino Unido, en el que confluyen beat, ska, funk y hasta música disco, con el ya casi cuarentón cantando con más seguridad que nunca, incluso cuando se dedica a recitar cual Serge Gainsbourg. Y, en este caso, su Jane Birkin podría ser la australiana afincada en Londres Madelaine Hart, todo un descubrimiento que apoya a Dury en el aspecto vocal en todo el álbum, un complemento fundamental en su nueva dirección.

Aparenta ser más ligero y menos profundo que sus discos anteriores porque sustituye el poso taciturno y triste de aquellos por un sonido brillante, añejo pero excitante, de la mano de Craig Silvey (productor de su debut que luego ha trabajado con Arctic Monkeys o Arcade Fire). Además, está repleto de estribillos como los de los singles ‘Claire’, ‘Isabel’ y ‘Trellic‘, perfectamente secundadas por ‘Picnic On The Edge’, ‘Leak At The Disco’, ‘Afternoon’ o ‘Happy Soup’, retratos de la cultura popular británica similares a los que interpretaba Graham Coxon en los momentos más gloriosos de Blur, e incluso encontrando similitudes con los Metronomy menos sofisticados. De nuevo con el regusto amargo de la vida nocturna, el sexo efímero y las relaciones fallidas como ejes temáticos, Dury ha dado una nueva cara, tan fascinante y genuina como las anteriores. No importará mucho si tenemos que esperar otros seis años por un nuevo álbum, si los resultados son de esta brillantez. Este domingo 5 de febrero, inaugura en la madrileña La Casa Encendida el ciclo Soundays, un certamen en el que, por un módico precio, podrá disfrutarse en directo de propuestas tan diferentes como Maïa Vidal, John Duncan o Phronesis.

¿Os tuvieron que insistir para realizar una reedición de ‘La fuerza’ o teníais claro que la queríais hacer?
Luis y Montse (Elefant) querían editarla y a nosotros nos apetecía regrabarla en estudio.

¿Tuvo algo que ver la oportunidad de hacerle un vídeo al fin?
En realidad no, la grabamos antes de decidir la canción de la que haríamos el videoclip.

¿Rescataréis más canciones antiguas en un futuro en algún otro formato?
No es nuestra intención, pensamos en grabar nuevas canciones.

¿Por qué escogisteis ‘Mi chica preferida’ para este single y no otra de las canciones que conocíamos, como ‘Mami’ y ‘Sólo el amor podrá salvarnos? ¿O fue cosa de Elefant y a vosotros os daba igual?
Fue cosa nuestra, nos gusta esa canción y no nos quedamos contentos con la primera grabación.

¿Con qué canción contribuiréis a los splits de Discos Walden?
Con dos canciones nuevas de las que preferimos no revelar nada. Sólo os diremos que una suena un poco electropop.

Discos Walden es un subsello de Gramaciones Grabofónicas, ¿seguiréis pajareando entre unos sellos y otros o vuestro sueño es asentaros con uno solo?
Hasta ahora hemos aceptado las ofertas que nos han parecido interesantes. Por otro lado, sí, nos gustaría pertenecer a un sello discográfico siempre que resultase beneficioso.

¿Planeáis un disco largo, en vinilo, o en algún otro formato? ¿Cuáles serán vuestros próximos pasos?
Vamos teniendo canciones nuevas y nuestra idea es grabar un nuevo disco. En las últimas canciones (las de Discos Walden) hemos trabajado con unos productores con los que nos gustaría hacer un disco largo.

Canciones como ‘Nena’, entre otras muchas otras, suenan mucho a la Movida madrileña, casi más que ningún otro grupo. Pero vosotros ni siquiera sois de Madrid, ¿os sentís muy influidos por esta corriente?
No especialmente. Sí que compartimos cierta actitud con algún grupo de la Movida, pero nos hemos dado cuenta ahora, no es nada premeditado. Además no es necesario ser de Madrid para eso. Seguro que tú tienes algún producto Apple y no resides en Cupertino.

‘El bosque’ es una canción bastante diferente en este EP, ¿podemos esperar canciones más turbias o kraut en el futuro del grupo?
Las canciones salen de algún sitio, a menudo están condicionadas y responden a un estado de ánimo. Nos parecía un bonito cierre para el EP. Sebas, no veo el punto kraut al que aludes.

Este fin de semana hay un sinfín de conciertos en Madrid en Siroco, Nasti, Costello y también en Barcelona en el Apolo, etc… ¿creéis que la “escena” vive un momento excepcional o siempre se ha hecho buena música?
No creo que ahora se haga mejor música que antes, la verdad, no lo sé. Desconozco si se hacen más conciertos en la actualidad que en tiempos pasados. Es cierto que de un tiempo a ahora hay mucha más gente relacionada con la música, no necesariamente músicos, especialmente en el indie. Puede ser una respuesta a las actitudes de hoy en día. No hay duda de que la difusión de la música y todo lo que le rodea a través de internet, posibilita un circuito continuo que, a su vez, supone un negocio extraño. Se ha llegado al punto de que los grupos tienen que pagar por tocar.

¿Quién se ha roto una mano justo antes de este bolo? Acabamos de ver la instantánea en FB…
Sólo fue un pequeño esguince que no le impedirá rendir plenamente en el concierto del sábado. Ha sido Javi emulando a Genesis de Psychic TV….

¿Qué le ha parecido a Amaia el disco de Reina Republicana? ¿Y al resto del grupo? El estilo, mucho más preciosista, no puede estar más lejos de Kokoshca…
Creo que suena bien y después de todo el esfuerzo que les ha costado, me alegro mucho. Personalmente sólo entiendo una manera de hacer la música y es la manera de Kokoshca.

Foto: Iker Insausti

Hasta ahora. Porque ‘Moneyball: Rompiendo las reglas’ es lo más parecido a la “película definitiva” sobre el béisbol que se ha hecho. Las razones para tan rotunda afirmación son principalmente tres:

1) El guión escrito por Steven Zaillian (que también ha bordado este año la adaptación de ‘Los hombres que no amaban a las mujeres’) y reescrito por Aaron Sorkin (que tras ‘El ala oeste de la Casa Blanca’ y ‘La red social’ va camino de convertirse en leyenda) es tan bueno que la película podría haberse rodado sola. No es por desmerecer la labor de Bennett Miller, pero con ese guión ni Michael Bay es capaz de hacer una mala película. La manera en que combina lo personal con lo general, los conflictos psicológicos del mánager con la marcha del equipo, es prodigiosa. Y los diálogos, como en la secuencia del fichaje de Rincón, un portento de ritmo y lucidez narrativa.

2) Brad Pitt. Si alguien merece el Oscar este año es él. Su papel como mánager angustiado e inseguro, pero también valiente e íntegro, es excepcional. Y es que Pitt no es solo uno de los mejores actores del momento –repasar su filmografía desde ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’ (2007) hasta la actualidad da vértigo-, sino uno de los productores más inteligentes y audaces del cine actual. Y si además le acompaña un inspiradísimo Jonah Hill, en un registro completamente diferente al habitual, la jugada (o mejor, la ecuación) es perfecta.

3) Bennett Miller. No quiero ser injusto con él. El director de ‘Truman Capote’ (2005) tiene la virtud de no querer estar por encima de la película ni de sus dos grandes bazas: el guión y Brad Pitt. Al contrario. Miller se pone al servicio de la historia y de sus intérpretes. Es cierto que a veces cae en el plano-cliché de película deportiva (los sobados ralentís), pero también, con la ayuda de Wally Pfister (el director de fotografía de Christopher Nolan), consigue dotar al filme de un atractivo estilo visual, muy naturalista, además de poner mucha atención en el detalle realista. Hay que tener en cuenta que la película es una adaptación del libro de Michael Lewis ‘Moneyball: The Art of Winning an Unfair Game’, basada en la historia real de Billy Beane, director general de los Oakland Athletics. En su empeño por no traicionar la verdad histórica, Miller intercala imágenes documentales de los sucesos reales y hasta recurre al guitarrista Joe Satriani para que emule, con la misma guitarra que entonces, la versión del himno nacional que interpretó el día de la inauguración de la temporada.

Y es que ‘Moneyball’ no es lo que parece. No es otra película más sobre David contra Goliat, ni la enésima fábula sobre el afán de superación. ‘Moneyball’, como ‘La red social’, habla de ese argumento universal que es la irrupción de lo nuevo en lo viejo, de esos pioneros que, como le dicen al mánager protagonista, acaban heridos por ser los primeros en derribar el muro. 9.

Acabas de llegar de Reino Unido de tocar con un par de miembros de Belle & Sebastian, ¿verdad? ¿Cómo ha ido?
Sí, con Stevie y con Bob. Ha ido genial. Charlie, Pablo y yo teníamos miedo por ver si la cosa caminaba o no, pero sonó muy bien desde la primera canción. En el concierto de Glasgow estaba muy nerviosa, porque pensaba en la escena musical de la ciudad y estar metida allí con ellos me superaba un poco. No fui capaz de disfrutarlo. Londres en cambio fue una de las mejores noches de mi vida. El Union Chapel es impresionante.

¿Qué pasó para que fuera tan bien?
Veníamos de un bolo que no había salido todo lo bien que queríamos. En un concierto, el 50% depende del sitio, de la acústica, de cómo te sientes, de cómo te acoge la gente de la sala… En Londres todo fue favorable, tenía amigos entre el público y fue espectacular. Había el balance perfecto entre españoles e ingleses y el público estuvo muy animado. Bueno, todo lo animado que se puede estar con mi música. Lo notaba sobre todo al final de las canciones.

¿Y en Glasgow? ¿Te sigues poniendo nerviosa antes de actuar? ¿Te veías venir lo que podía pasar?
Sí, no lo había dicho antes, pero sí, estas cosas te las vas viendo venir. Sentía que había una barrera, quería estar allí, estaba muy contenta, pero hay veces que eso te bloquea. Me planteé si quería seguir haciendo esto si no iba a ser capaz de disfrutarlo. Tenía la sensación de que quería que acabara cada canción. Pero no, fue algo excepcional, se me pasó enseguida.

¿Qué te decían Belle & Sebastian al respecto?
El primer concierto de Belle & Sebastian en Londres fue en el Union Chapel y Stevie me contó que ellos antes no tocaban, pero que cuando tocaron allí todo el mundo ya conocía sus discos y que el público estaba animadísimo, tipo “el concierto de su vida”. Por lo visto, hubo un solo de trompeta y el público se vino tan arriba que Stevie me dijo que se tuvo que girar porque no podía asimilar lo que estaba pasando. Stevie y Bob han tocado en todo tipo de sitios y tienen mucha experiencia. Tienen una gran falta de prejuicio, aportan muchísimo. He vuelto de viaje como distinta, como queriendo disfrutar del escenario.

Sobre el show de Glasgow, ¿te dijeron: “muchacha no ha sido para tanto” o directamente no se habló del concierto?
Sí, sí se habló. Después del concierto, en la primera hora, sólo hablas del concierto. Stuart de Belle & Sebastian vino a un ensayo y luego al concierto. Impone mucho, ya había conocido a los demás, pero no deja de completar el mito que Belle & Sebastian por lo menos es para mí. Yo estaba con las orejas gachas y no quería que nadie me hablara. Pero me dijo que le encantó, que de lo que había visto en la sala era de lo que más le había gustado y que cómo era posible que Stevie y Bob estuvieran sonando tan bien, que no entendía nada (risas). Luego Stevie me dijo que Stuart era súper exigente y que no lo había dicho por decir.

Dijiste en Buenafuente que conociste a Belle & Sebastian por una amiga, ¿no? Y que no tenías noción del indie o del no indie…
Carmen es una “musiquitas”, una amiga de la universidad, de Traducción. Hasta ese momento escuchaba lo que me gustaba, que solía ser lo que ponían mis padres. Música de otra época, no escuchaba mucho la radio. Y Carmen estaba metida en escenas de manera prematura, porque de adolescente había tenido amigos mayores. En la universidad aprendí mucho a nivel musical. Cuando introducía conceptos como “indie” yo simplemente lo escuchaba y decía: “esto está genial”.

¿Qué disco de Belle & Sebastian fue o de qué época estamos hablando exactamente?
No llegué en un disco concreto. Ella me habló del grupo, me puse a buscar en internet y escuché ‘The Boy With The Arab Strap’ y ‘Tigermilk’. Después, ‘The Life Pursuit’, el más eléctrico. Estos son los tres que más he escuchado, tampoco soy una gran seguidora de toda su discografía. Me gusta lo que ellos evocan, más que nada.

¿Qué te dijo Carmen cuando se enteró de que trabajarías con ellos?
Alucinó bastante, porque yo soy fan, pero ella es muy, muy fan. Conoció a uno de los chicos de su vida en el Ocho y Medio porque se preguntaron cuáles eran sus grupos favoritos y uno dijo: “The Smiths y Belle & Sebastian” y el otro contestó: “¡¡los míos también!!”. Para ella fue una parte de su vida importantísima, y cuando escucho Belle & Sebastian no puedo excluir esta historia.

¿Cómo llegaste exactamente a trabajar con el grupo y Tony Doogan?
Al final fue una casualidad. Yo quería grabar con Dave Fridmann (NdE: pone cara de no dar crédito ella misma). Él no podía, pero su representante conoce a Tony. Me dijo que Tony era de Europa, que estaba más familiarizado con este tipo de música, que le había pasado las maquetas y que estaba interesado. Miramos quién era y nos dijimos: “¿cómo no hemos pensado en él antes, si es más adecuado?”. Hablando con él me pregunté si podría haber alguna colaboración de Belle & Sebastian y sin que me diera tiempo a preguntarlo, me dijo que Stevie, Bob y Richard podían tocar en el disco. Me dije: “¡qué fuerte!”. Desde que lo supe hasta que comenzamos a grabar pasaron dos meses que fueron fantasía pura. El momento previo a grabar lo recuerdo lleno de magia.

Recuerdo que hubo un anuncio de grabación con ellos y una fecha de edición aproximada sin haber grabado el álbum, ¿cómo puede ser esto? ¿Tan claro teníais que iba a salir todo bien?
Yo no sé si estaba clarísimo. Las discográficas se aventuran y si luego no sale, no pasa nada, se lanza un single o algo así, pero al final todo fue como la seda. En mi primera grabación fue todo distinto, con los músicos del primer disco no tengo contacto, salvo con Brian. Pero esta vez he tenido la sensación no sólo de que he disfrutado sino de que me llevo a las personas. Tony es colega, después he hecho con él otras canciones, como ‘Conquer The World’, y sé que con Stevie y Bob hay un vínculo bonito para contar los unos con los otros.

¿Por qué dices que el primer disco fue completamente diferente?
Yo estaba en la universidad y tenía que ir con Brian a Córdoba. Los músicos que tocaban eran colegas de Fernando Vacas a los que iba llamando y no se compartía más que esa practicidad de la grabación y hasta luego. Charlie Bautista vino a Glasgow, nos encerramos muchas semanas, compartíamos una rutina, una vida y eso puede propiciar que te lleves mal o todo lo contrario: que el resultado sea bueno, que se puedan hacer conciertos después de un año con la gente que ha grabado el disco, etcétera.

¿Nadie relacionado con el primer disco, los músicos o Fernando, te ha dicho qué le parece tu último álbum?
Bueno, eran músicos andaluces de la plantilla. He perdido el contacto, que es algo que no quiero que me pase esta vez porque es importante para defender o hablar del disco. Este es como el novio bueno, el novio diferente.

¿Volverás a trabajar con el mismo equipo en tu próximo disco?
No lo sé, pero sé que está todo abierto.

¿Cuánto cambiaron las canciones con Tony?
El trabajo de Tony ha sido espectacular porque ha captado la esencia de la maqueta y mis palabras: “quiero que suene clásico pero que se note que lo hemos hecho este año. No busco que sea “súper oldie”, pero sí que tenga un tinte que te recuerde a algo todo el rato”. Me gusta escuchar cosas más contemporáneas, pero en este disco quería algo más al uso. Tony ha sabido llevar eso al terreno de cada canción, con un hilo conductor que eran las voces y donde Charlie ha hecho una labor importantísima, inventando líneas de coros que dan unidad al disco.

Supongo que te referías a canciones antiguas, pero ‘The Sun, The Trees’ recuerda mucho a ‘We Are The Sleepyheads’ de Belle & Sebastian. ¿Os disteis cuenta?
Nos dimos cuenta mientras sucedía. Es una especie de homenaje directo a la participación de Bob, Stevie y Richard. La canción era mucho más lenta y Tony quería darle un giro. Algunas canciones empiezan a dejar de gustarte mientras las grabas, pero esta Tony no quería dejarla porque creía que se podía hacer algo bastante bueno. Stevie hizo un riff, muy “shaky”, encajó, nos gustó y añadió la parte final de los coros. Esta canción es Stevie. Stevie es persona favorita 2011 desde febrero. Persona del año. Es un tío tan especial, con tan buen gusto musical, tan honesto, generoso, genuino… Sólo quieres quererle mucho y compartir cosas con él todo el rato. Hay gente que te aporta tanto que trasciende todo lo demás. No somos súper amigos, no nos gustamos, pero hay algo que trasciende todo eso.

Él ha sacado un disco, ¿te lo ha pasado o no es de ese tipo de personas que te da la brasa con lo suyo?
No es de ese tipo de personas. Me preguntó si tenía para poner vinilos y me dijo que me traería uno a Madrid. Tocaré el sábado con él, Bob, Charlie, Pablo y Brian.

¿Charlie Bautista sigue en tu grupo?
No ha desaparecido del todo. Ya no giro con él de manera fija, pero colabora.

¿Y eso?
Bueno, por cambiar de formato, dar aire y… por un montón de cosas buenas. Todo por un cambio necesario que me pide el cuerpo a mí y también se lo pide a él.

En un concierto me extrañó oírte decir: “Somos Russian Red”.
En el escenario somos así, lo que pasa es que las canciones las hago yo, es un proyecto mío. Es verdad que es una banda de músicos contratados, pero teníamos algo bonito que sucedía, y que como dejó de suceder… Mis canciones tienen la misma progresión de acordes, que es lo que yo sé hacer, pero la música es transmitir un sentimiento. Si algo deja de pasar en el escenario, tienes que cambiarlo, pero mientras eso pasaba éramos Russian Red.

¿Cómo se te ocurre volver a llamar a Brian Hunt?
Brian y yo hemos mantenido el contacto y nos hemos llevado bien. Cuando las cosas empezaron a dejar de funcionar en la banda, que no pasa nada, no hay ningún tipo de oscurantismo y es algo de lo que se puede hablar con normalidad, fui un día al Prado con Brian y se lo conté. No se me ocurrió recurrir a él, pero un día con Pablo empecé a pensar… Yo quería hacer música con amigos, simplemente me gustaba cómo tocaban aunque no fuera perfecto, y había ido perdiendo esto por el camino. Con Pablo me gusta tocar y nos entendemos, y como tampoco conozco muchos más músicos, pensé en Brian, a él le apeteció y así ha sido.

¿Qué te pareció lo de su disco ‘I Lost My Glasses‘? ¿Pensaste: “¡Dios mío, no puede ser!”?
Me llamó y me lo dijo, a él le encantan los detallitos de los discos en los que colabora quien había colaborado en otro sitio y así. A mí no me podía importar, tiene gracia. Tiene bastante gracia. Le dije: “claro que sí, llámalo como quieras”.

Estás rodeada de gente que tiene grupos, conoce la escena, muchísima experiencia. ¿Qué te han dicho de meterte en este fregao de hablar de política?
Viajar tanto como este año te vuelve tranquilo y libre para hablar de las cosas. Como sabrás, se me hizo un test y a partir de ahí se generó toda la historia, sobre cosas que no había ni mencionado. Aluciné porque nunca habría imaginado lo que podría pasar, me hizo sentir más importante de lo que era y que evidentemente no soy. Pasó porque me posicioné a un lado concreto. Si hubiera elegido otro lado, no habría pasado nada. Luego en El País contesté una entrevista que no quería contestar porque era meterme en otro embolado, pero leí las preguntas desde Shangai, las contesté sin saber si las enviaría y cuando terminé dije: “sí, la mando”. Al final creo que fue para bien, abrió un debate, y soy incapaz de tomármelo como algo negativo.

¿Volverás a hablar de política?
No, hablo sobre el hecho, pero no me meto en materia, no me apetece. Porque se convierte en un reclamo para todas las entrevistas y me aburre. Me acabo de dar cuenta de que no te he contestado a la pregunta (risas), me he ido por las ramas.

Te lo preguntaba porque en mitad de la promo, que se hablara tanto de esto… Alguien en el grupo o en Sony te tuvo que decir: “¿pero para qué te metes en esto, chica?”
Nadie, absolutamente, me puso las cosas como las estás poniendo tú. Piensan que si se genera esto por algo que yo contesto es algo que no puedo controlar. Básicamente recibí apoyos. De todas formas, al final las fuentes a las que recurres son siempre las mismas y cuando lees algo así, tienes la sensación de que algo es más grande de lo que es.

En España una artista como tú puede vender 15.000 copias, que no es nada para alguien que empieza a moverse en el entorno internacional. De hecho, tocas más fuera. ¿Cuán importante es para ti el público español?
Hombre, el público español me ha visto crecer (risas). No, en serio. Todo salió desde aquí, mis primeros conciertos en Madrid… Hay algo especial y bonito que sucede en casa, pero para mí es más importante salir fuera. Siempre he querido vivir fuera, me encanta viajar y todo lo que representa. Cuando estoy fuera, a veces me voy a la cama del hotel y pienso: “guau, qué afortunada soy”.

¿Hay alguna conexión entre ‘Tarantino’ y ‘Nick Drake’ y los personajes? Por más vueltas que le doy a las letras…
No hablan de ninguno de ellos. Eran títulos de batalla cuando las escribí porque “me recordaban a”. Nick Drake lo estaba escuchando mucho, y el tipo de arpegios y oscuridad, tenían que ver con esa canción, así que la llamé así en el ordenador. ‘Tarantino’ igual. Me dio pena desprenderme de esos títulos.

‘Mi canción 7′, un bonus track, tiene un punto más salvaje, más tribal, menos 50s. ¿Seguirás por ahí?
Hay una vertiente en las canciones que hago, que es más cruda, no sé si recordarás ‘Walls Are Tired’ del primer disco, que al principio parece más dura e inaccesible. ‘Mi canción 7′ representa ese tipo de canción, pero en general tiro por la melodía facilonga.

¿Tienes canciones nuevas ya?
Estoy haciendo canciones con eléctrica y piano y no influye sólo en el sonido, sino en los acordes que te salen. Bueno, el piano lo toco de oído. Me compré un piano por el gusto de tocar una canción que me gustaba de una película, Charlie me enseñó. Hago canciones que me van sonando bien a mí. Somos mi piano y yo… (sonríe)

¿Qué película era?
‘A Woman Under The Influence’ de John Cassavetes. Cuando sale ella andando por la calle, yéndose a un bar, canta una canción, sale un piano y ella tarareando, me parece tan increíble que decidí concederme un capricho.

Realmente mencionas muchísimo a Charlie Bautista, ¿tocará en el siguiente disco?
Todavía no sé qué es el próximo disco, cuando acabe la gira este año me quiero ir a vivir a Los Ángeles. Allí tengo amigos y veré si sucede algo. Es una ciudad de la que hay que aprovecharse, hay que ir sin tomársela en serio. Me apetece mucho ir.

Haces versiones de todo tipo: Leonard Cohen, Joe Crepúsculo, Queen, Elvis… no sé por cuál empezar a preguntarte.
Algunas son pura necesidad, me gustan esas canciones y necesito tocarlas. Esa canción de Joe Crepúsculo me flipa. Lo de Elvis y Leonard Cohen fue un proyecto de la discográfica que te proponen y si molan, los haces. Lo de Queen vino de Sony Japón. Son muy friquis y querían algo muy diferente. Como era para Japón, pues sí que se hizo, pero si hubiera sido para España quizá no lo habría hecho.

RUSSIAN RED – LA CANCIÓN DE TU VIDA from WAAAU.TV on Vimeo.

¿Sabes si le gustó a Joe Crepúsculo tu versión?
Sí, me dijo que le había gustado.

Hace unas cuantas semanas escribiste en Twitter: “las listas del año y su puta madre”. ¿Qué querías decir?
Era un agobio. Todo se convertía en una posición y me hizo gracia. Twitter está para expresarte así, para ponerse ñoño… De hecho sigo sólo a 80 personas, porque no quiero que me peten el feed con mierdas (risas). Puse eso porque no hacía más que ver listas por todas partes y yo no le daba importancia, sino que me preguntaba por qué todo se convierte en una puta lista. Me decía: “madre mía, qué energía”. Había gente que me decía: “claro, eso es porque no estás en ninguna”, pero no era por eso.

Hombre, has estado en prácticamente todas…
Si no lo decía por eso…

¿Con el primer disco no te pasó?
No tenía Twitter (risas).

¿Es cierto que hubo un festival que no quiso acoger tu concierto con Belle & Sebastian como músicos?
Cómo te gusta…

Bueno, me parece una pena que no se haya visto ese espectáculo.
Había un festival en el que nos hacía ilusión volver a tocar y no nos querían. Como Belle & Sebastian tocaban, preguntamos: “¿os gustaría si fuéramos con ellos como músicos o no es lo suficiente molón?”. Y dijeron que no.

¿Pero por qué?
No sé, la gente se mueve en rangos…

¿Es porque estás en Sony?
No creo. Cat Power por ejemplo no está en un sello pequeño.

¿Habrá más vídeos de este disco? La verdad es que después de los primeros no está tan claro cuáles serían los singles. ‘Brave Soldier’ y ‘The Memory Is Cruel’ son más “growers” que singles, quizá, aunque son de mis favoritas.
Qué bien, de las mías también. Sí, nos vamos la semana que viene a Venecia a rodar ‘Everyday, Everynight’. También hemos grabado ‘My Love is Gone’, que saldrá más a nivel web. Lo ha hecho un amigo que se llama Virgili. El de ‘Everyday, Everynight’ lo ha elegido la compañía porque querían un medio tiempo. Estaban entre ese y ‘January 14th’.

Foto: Eskenaziencursiva.

Siempre hay pequeños círculos en los que esos proyectos son considerados clásicos de culto, a los que se rinde devoción y que se escuchan como tesoros. Ya en 1996 Alpino versionaba ‘Haz caso a tu amigo’ de Ataque de Caspa en su trabajo ‘Disco Darling’. En la hoja de promo de otro grupo de Spicnic, Los Muebles, eran nombrados como influencia. Algunos, como Los Modelos, tienen la suerte de ser puestos en el lugar que les corresponde con su recuperación por el sello Discos de Paseo, pero otros siguen en la oscuridad. Se podrían haber elegido muchos nombres diderentes (Moving Pictures, Flirt, Basura, Solex, Incrucificables, Terry IV, Más Birras, Pantano Boas o Mujeres En Cinta, quizá el grupo más misterioso del mundo), pero de momento hablaremos de otras bandas que podrían y deberían ser recuperadas, en dos episodios.

El Pecho de Andy:
Tras este nombre que suena tan poco afortunado en español pero que hacía referencia a una canción del ‘Transformer’ de Lou Reed recuperada de su época de la Velvet, se encontraba una solvente banda de Toledo liderada por el cantante y guitarrista Miguel Angel García, quien se encargaba de la mayor parte de la música, y por Jose Muñoz, responsable de las letras, uno de los pilares básicos sobre los que reposaba la unicidad de esta banda post-punk. Tras curtirse en diversos concursos de maquetas, eran premiados en el Certamen de Rock de Castilla La Mancha, lo que les permitía grabar y editar junto a los otros triunfadores, Las Ratas y Los Dedos (grupo en el que se encontraban Carlos Cuevas y Joaquín Pascual, poco más tarde fundadores de Surfin’ Bichos), un disco compartido en Rocco, minúsculo sello de su ciudad. De ahí que grabaran su primer larga duración con la misma etiqueta.

El disco, homónimo, editado en 1986, todavía sorprende hoy por su fuerza expresiva, por la contundencia de unos músicos excelentes que saben recoger la herencia rítmica de Joy Division y la pesadumbre vital de los primeros The Cure. A quienes más se podrían asemejar en la escena española del momento sería a los Radio Futura menos latinos de ‘De un país en llamas’ (los de canciones como ‘La ciudad interior’ o ‘Han caído los dos’). El grupo tiene una cierta repercusión, lo que les lleva a pegar el salto a un sello tan importante en aquel momento como Nuevos Medios. El resultado es un maxi, ‘Coartada’, y un nuevo LP, ‘Llegará Octubre’, que mantiene el nivel pero carece del factor sorpresa de su debut aun conteniendo uno de sus grandes himnos, ‘Megalópolis’, al que ni el arreglo de saxo tan de la época puede dañar.

Su huella podría encontrarse en el excelente primer maxi de Héroes del Silencio, ‘Héroe de Leyenda’ y alargarse al primer largo de los zaragozanos. Otro tema destacado era su directo. Los que pudieron verlos en los años 80 comentaban que estaban al nivel de los más grandes grupos del momento. Como anécdota, cuando The Chamaleons vinieron a tocar en la desaparecida sala Universal durante toda su gira, la del disco ‘Strange Times’, llevaban de teloneros a Severed Heads, a los que unían a un grupo local dependiendo de la ciudad. En Madrid, el elegido era El Pecho de Andy. Durante la prueba de sonido, los de Mark Burguess quedaron tan impresionados que decidieron cambiar el orden de la actuación y que El Pecho de Andy ocupase el segundo lugar. Esto enfureció a Severed Heads, que decidieron no actuar esa noche.



Reivindicómetro: Tras muchos años de oscuridad, La Habitación Roja se acordó de ellos versionando su más memorable canción ‘El arrozal’ dentro del segundo volumen de ‘Para ti’. No parece que haya traído muchos nuevos fans para el grupo. También ha habido rumores de un regreso a manos de su cantante con nuevas canciones pero nada de esto se ha concretado. Escúchalos en MySpace.

Los Suspensos:
Creados en 1987 cuando La Movida había casi muerto y lo que quedaba era el espectáculo un tanto lamentable de parte de sus protagonistas, viviendo ya de un revival de algo con menos de una década de duración, Los Suspensos son un grupo que se puede decir que llegó tarde. Su música, sencilla, con un alto grado de inocencia en las letras, heredera de los que denominaban “babosos” (Los Secretos, Los Modelos, Mamá) frente a las “Hornadas Irritantes” (Glutamato Ye-Ye, Derribos Arias), estaba liderada por Cristina P Serrabona (llamada Cristina Metro y Medio por su escasa altura), compositora casi absoluta del conjunto. Músicos competentes curtidos en las radios libres, desde la que compartían su amor por el pop, y en una escena de grupos como Stock de Coque, Tótem o Móviles, cuyo sonido tan anclado al de moda apenas un lustro antes no jugaba a su favor, fueron incapaces de interesar a ningún sello discográfico de la época.

Grabaron un par de maquetas y una entrevista en Radio 3 con cuatro canciones, sólo una de ellas inédita que, a la postre, se convertiría en el clásico de la banda: ‘La chica de la gabardina’. El grupo se separó en los primeros 90 entre la indiferencia de un público que ya espera otros sonidos (el indie estaba a punto de estallar en España) y su historia pareció terminar aquí. De manera inesperada, la grabación de las canciones en Prado del Rey llegó a manos de Juan de Pablos, que comenzó a ponerlas con regularidad en su programa Flor de Pasión. Es finales de los 90 y hay un nuevo público y unos nuevos grupos mucho más abiertos a un sonido como el suyo. Se crea una lista de correo sobre la banda, se recuperan sus maquetas que se recopilan en un CD-R en el que agrupan todas su grabaciones, se juntan a ensayar e incluso en 2002 graban un par de temas nuevos, ‘Lunes en mi ciudad’ y ‘Mi gran amor’, que se pueden colocar, sin duda, entre los más destacados de su repertorio. Llegan a tocar en un concierto de despedida a Pedro Otero y su programa de radio El Kastillo de las Lágrimas en Pozuelo de Alarcón, ante un público escaso pero agradecido de poder ver una década después al grupo. La cosa no va mucho más allá y de nuevo se disuelven quedando sólo en la memoria de algunos muy conocedores de la intrahistoria de nuestro pop. Cristina crea una nueva banda, Näif, que tampoco llega mucho más allá.

Reivindicómetro: En los primeros años de la década pasada, durante una de las fiestas de homenaje Flor de Pasión en Siroco, Los Fresones Rebeldes, acompañados de Ana de La Monja Enana, en un germen de lo que sería la Cola Jet Set, versionaron ‘La chica de la gabardina’. Así, hicieron justicia a una canción que pudo ser un clásico de nuestro pop de los 80 a la altura de los más conocidos, pero que quedó en tierra de nadie por llegar a destiempo. Todas sus canciones pueden escucharse aquí.

Agradecer la ayuda inestimable de Miguel Stamp para poder realizar este artículo confirmándome fechas, datos, nombres y anécdotas de primera mano. Desde aquí toda mi admiración para él.

Granit:
5 discos del 2011 (sin orden):
-John Maus: ‘We Must Become the Pitiless Censors of Ourselves’
-James Blake: ‘James Blake’
-Prince Rama: ‘Trust Now’
-Peaking Lights: ’936′
-Sleep ∞ Over – ‘Forever’

Añadido en un mail unos minutos más tarde:
Connan Mockasin: ‘Forever dolphin love’

Doble Pletina:
PJ Harvey / ‘Let England Shake’
Christina Rosenvinge / ‘La joven Dolores’
tUnE yArDs / ‘w h o k i l l’
Parade / ‘Materia oscura’
St Vincent / ‘Strange mercy’
Atlas Sound / ‘Parallax’

Le Parody:
‘El hombre del tiempo’, Tostadas / ‘W h o k i l l’, tUnE yArDs / ‘El Medio Contenido’, Balún / ‘Isam’, Amon Tobin / y el recopilatorio ‘Homenaje al criollismo’, VV.AA.

Mijaíl:
1-PJ Harvey. ‘Let England shake’
2-Low. ‘C’mon’
3-Fernando Alfaro. ‘La vida es extraña y rara’
4-James Blake. ‘James Blake’
5-Antonia Font. ‘Lamparetes’
6-Parade. ‘Materia oscura’
7-Christina Rosenvinge. ‘La joven dolores’
8-La bien querida. ‘Fiesta’
9-Bon Iver. ‘Bon Iver, Bon Iver’
10-Ghostpoet. ‘Peanut Butter Blues & Melancholy Jam’

Pegasvs:
‘As the Crow Flies’, de The advisory circle
‘A la quinta hoguera’, Fasenouva
‘Maracaibo’, La estrella de david
‘Megaflow’, Za
‘Telesio’, Franco Battiato

Cristina Quesada:
Fleet Foxes: ‘Helplesness blues’
Girls: ‘Father, Son, Holy Ghost’
La Casa Azul: ‘Polinesia Meridional’
Twin Sister: ‘In Heaven’
Real Estate: ‘Days’
Veronica Falls: ‘Veronica Falls’
The Feelies: ‘Here Before’
Bon Iver: ‘Bon Iver’

Jane Joyd:
1. Bon Iver – ‘Bon Iver’
2. PJ Harvey – ‘Let England Shake’
3. Fink – ‘Perfect Darkness’
4. Apparat – ‘The Devil’s Walk’
5. Beirut – ‘The Rip Tide’
6. Florence & The Machine – ‘Ceremonials’
7. Fleet Foxes – ‘Helplesness Blues’
8. Adele – ’21′
9. Anna Calvi – ‘Anna Calvi’
10. The Antlers – ‘Burst Apart’

Pional:
TOP 1.- Metronomy / ‘The English Riviera’
TOP 2.- SBTRKT / ‘SBTRKT
TOP 3.- Ben Westbeech / ‘There’s More To Life Than This’
TOP 4.- Saigon / ‘The Greatest Story Never Told’
TOP 5.- Lykke Li / ‘Wounded Rhymes’
TOP 6.- Bibio / ‘Mind Bokeh’
TOP 7.- Emika / ‘Emika’
TOP 8 – Explosions In The Sky / ‘Take Care, Take Care, Take Care’
TOP 9.- Real Estate / ‘Days’
TOP 10.- Mesita / ‘Here’s To Nowhere’

Amatria:
Ghuetto Funk Allstars / ‘The Icons Vol.2′
El columpio asesino / ‘Diamantes’
Gilbertástico / ‘Versalles’
Maronda / ‘El fin del mundo en mapas’
Starfucker / ‘Reptilians’
Nacho Umbert & La Compañía / ‘No os creáis ni la mitad’
Sr. Chinarro / ‘Presidente’

El Faro:
En orden no jerarquizado (orden alfabético de artistas):
-Bon Iver, ‘Bon Iver’
-Fleet Foxes, ‘Helplessness Blues’
-James Blake, ‘James Blake’
-La Bien Querida, ‘Fiesta’
-La Estrella de David, ‘Maracaibo’
-M83, ‘Hurry up, we’re dreaming’
-Manos de Topo, ‘Escapar con el anticiclón’
-Pumuky, ‘Plus Ultra’
-PJ Harvey, ‘Let England Shake’
-The New Raemon, ‘Libre Asociación’
-Za!, ‘Megaflow’
-Zahara, ‘La Pareja Tóxica’

Foto portada de Doble Pletina: Anna Sanfeliu.