El pasado jueves, en los Teatros del Canal de Madrid, Jason Beck –o, más bien, su yo artístico Chilly Gonzales- hizo un gran corte de mangas a toda ese “statu quo” con un ejercicio musical intenso e inspirado, pero también plagado de humor, de comunicación y de, por qué no decirlo, entretenimiento.

Gonzales apareció en batín y pantuflas y se dirigió al piano de cola en el centro del escenario para interpretar con sensibilidad y virtuosismo unas cuantas piezas de ‘Solo piano‘ sin mediar palabra. Justo cuando podría parecer que el concierto era eso, una recreación delicada de sus fantásticas composiciones de corte clásico con un look un tanto excéntrico, Gonzales empezó a hacer cosas imprevistas: tocar el piano de una manera singular, como un dibujo animado o rockeando, pegar saltos sobre el taburete o utilizar la tapa del teclado como percusión, entre muchas otras.

A partir de entonces comenzó su show como performer. Tras presentarse -muy a lo Sacha Baron Cohen- como un famoso genio musical judío méxico-húngaro-canadiense, nos explicó su pasión por la melancólica escala menor frente a la pomposa y conservadora escala mayor. En la línea didáctica de su DVD ‘From Major to Minor‘, lo acompañó de ejemplos para los que invitó a subir al escenario a varios voluntarios (a los que expulsaba educadamente si no estaban a la altura).

Todo esto en un entendible “plain English” que se adaptaba perfectamente al nivel del público (muy diverso, aunque con gran presencia de la comunidad francesa) y con un gran dominio escénico, permitiendo una comunicación fluida y repleta de referencias, entre las que no faltaron la situación económica española, el rey o la más que peculiar acústica de la sala Nasti (Gonzales la recordaba que haber actuado con Peaches hace años).

Así, fueron alternándose más piezas pianísticas (pidiendo de nuevo la colaboración de todo público en ‘Singalong’) junto a reflexiones sobre el rap (“como genio musical que soy, quiero ser un hombre de mi tiempo, por eso me gusta el rap”, “si no te gusta el rap es que no te gusta tu tiempo… lo cual, bueno, tampoco es raro”) o la electrónica (“es cierto que en los clubs solo suena una canción… y me encanta esa canción, no os confundáis, lo único es que es un poco dominante”).

Junto a ellas, descacharrantes versiones (de esas que se pueden escuchar en las grabaciones de cuando batió el récord Guinness del concierto de piano más largo de la historia) y adaptaciones (a piano, voz y –ocasionalmente- bongos) de canciones de ‘Ivory Tower‘ (fantástica ‘The Grudge’) o ‘The Unspeakable‘ (su último disco, una locura de rap orquestal de la que, por cierto, saca una grabación en vídeo este mes).

Ya en el primer bis, Gonzales demostró tanto -primero- su virtuosismo interpretando otro corte de ‘Solo Piano’ sentado en el suelo con la cabeza bajo el teclado como -después- su atrevimiento al subirse completamente sobre las teclas y tocarlas con las plantas de los pies o, mejor dicho, de las pantuflas. Para el segundo bis, con el escenario en pie, y tras adelantarnos que -aunque todos lo pensáramos (cierto, lo pensábamos)- no se iba a tirar al piano delante de todos, pidió sugerencias pero acabó decidiéndose por un increíble medley de pop de radiofórmula tomando como base al bueno de Lionel Richie.

La carrera musical de Gonzales es tan variada que puede desconcertar (¿pero no era un moderno de la electrónica berlinesa? ¿pero no era un MC irreverente? ¿pero no producía a Jane Birkin? ¿pero no hacía soul adulto? ¿pero no es un pianista de music hall?). Sin embargo, al verle en directo, todo cobra sentido. Se trata, por encima de todo, de un enorme entertainer empeñado en dotar a la actuación pop de una frescura y un humor de los que, por su propia naturaleza, siempre ha carecido. 10.

El grupo decidió comenzar sobre seguro con ‘This Is The Last Time’, lanzándose después a por ‘Disconnected’, el single cuyo videoclip fue grabado en nuestro país con la dirección de J.A Bayona. Los temas se fueron sucediendo, intercalando cortes de su celebrado primer disco, el segundo y este nuevo… ¿aunque dónde quedó ‘Perfect Symmetry‘?

Chaplin, que prometió volver en octubre de este año de gira, mostró cierta preocupación por averiguar cuánto había calado ‘Strangeland’, dirigiéndose al público de vez en cuando con este asunto. Está claro que Keane pretenden trasladarnos a esas melodías brillantes de los inicios, y es importante para ellos saber en qué medida lo han conseguido. Ya es muy poco probable que igualen el éxito de su álbum debut con unas composiciones a las que claramente falta algo. Sin embargo, un repertorio en el que se alternan ‘Everybody’s changing’, ‘Is It Any Wonder’, ‘Bend & Break’, ‘Beadshape’ o ‘Somewhere Only We Know’ con ‘Silenced By The Night’, ‘Sea Fog’ o ‘The Starting Line’, sirvió para crear, definitivamente, una atmósfera similar a la de sus comienzos. Como bis, ‘Crystal Ball’. Dididj.

En este sentido, las novedades del set presentado ayer, con respecto a lo visto en anteriores ocasiones, se reducen en gran parte a meros detalles: Merritt está más majo y afable de lo acostumbrado (apenas alguna queja inicial sobre alguna cámara suelta, estaba prohibidísimo hacer fotos hasta el punto de que la organización te apuntaba con un láser si sacabas el móvil); su instrumento principal es un desvencijado harmonium (además de la melódica y un pequeño tecladito); y Shirley Simms ha adquirido un mayor protagonismo, con armonías muy trabajadas entre las tres voces y haciendo de solista más de lo esperado. Por lo demás, Merritt y Claudia hicieron sus ya tradicionales y divertidos diálogos, aludiendo a lo curioso de actuar en un teatro (“es nuestro primer show en Broadway”, dijo) y dando jocosos detalles sobre lo dramático de algunos de sus nuevos temas.

El resto ya lo conocíamos: un setlist nutrido casi totalmente por su último álbum y el extenso, querido e inagotable ’69 Songs Of Love’, con una cuidada selección de muestras de otros álbumes, de la que celebramos especialmente ‘Swinging London’, ‘Smoke & Mirrors’, ‘Fear Of Trains’ o ‘It’s Only Time’. Tampoco es una novedad que uno, de entre un cancionero tan amplísimo y con tantas joyas, eche de menos esta o aquella otra favorita, pero las que estuvieron (‘The Book of Love’, ‘All My Little Words’, ‘Come Back From San Francisco’, entre casi una treintena), merecieron la pena. Y, como siempre, fueron ejecutadas por el quinteto con una pulcritud, elegancia y exquisitez a la altura. Como mayor pero, cabría citar que el marco teatral quizá resultó ser demasiado solemne, al menos lo suficiente como para impedir que banda y público llegaran a desmelenarse más de la cuenta y crear cierto feedback. Y ni así creo que hubiera uno solo de los espectadores que llenaban la platea y (quizá) los palcos, pudiera salir decepcionado de otra magnífica representación de The Magnetic Fields. 8

Hidrogenesse, admiradores del grupo, fueron invitados por la propia banda a ejercer de teloneros. Carlos y Genís no perdieron la ocasión de presentar al completo ‘Un dígito binario dudoso. Recital para Alan Turing‘, en un escenario que se antoja como el más apropiado para este álbum temático. Uno no imagina una actuación así en un bar de copas. No en vano, sugirieron a cualquier productor presente su perfecta adecuación para un musical. El dúo de Barcelona desplegó su parafernalia electrónica y expuso en las ocho escenas que componen su nueva obra la vida, los sueños y las visiones futuristas de Alan Turing, de una manera didáctica, lúdica y artística a partes iguales. Hidrogenesse pueden parecerlo, pero no son ninguna broma, y así quedó demostrado con el número final, una estremecedora ‘Historia del mundo contada por las máquinas’. 7,8

Foto: Equipo Helmet para SOS 4.8, Murcia, aunque no lo parezca.

Tras una actuación de los británicos Yuck, y después del desvergonzado desnudo integral de Meneo en el Club, se celebró en el Auditorio y bajo techo la presentación a cargo del artista y productor Matthew Herbert del directo de ‘One Pig‘, que trata sobre el ciclo de la vida de un cerdo. Andaba equivocado quien esperara una mera interpretación en vivo del LP (el último de su trilogía ‘One’). Más cercano al territorio de la performance, el show fue la exhibición de la producción misma del sonido, con un Herbert encerrado en un cuadrilátero de cables -como en un ring- que reproducían samples, acompañado por cuatro músicos que tocaban únicamente instrumentos electrónicos, como en una orquesta sinfónica de la postmodernidad. Fue de los pocos momentos en los que se produjo una auténtica unión entre la reflexión, el arte y la música que propone el festival SOS 4.8. Y, por cierto, si con Pulp fue elegido un violinista de la orquesta de Murcia para acompañarles en el final de su directo –obviamente no se había visto en otra igual-, en el caso de Herbert fue un cocinero local que preparaba platos con panceta (tocino o bacon) sobre el escenario, que luego fueron convenientemente devorados por el público, el colofón a este acto preformativo, tras varios minutos de ovación. Sí es cierto que el goteo de espectadores hacia la salida era constante pero, ¿no forma eso parte del espectáculo? La grandeza y el respeto que se gana Herbert no solo reside en esto, sino en que a última hora fue capaz de deleitarnos con un dj set de música disco tan industrial y bailable que le hizo responsable de otro de los mejores momentos de la jornada.

Justo cuando empezábamos a ser testigos de nuestra propia tragedia, el cielo se despejó y vimos la luna más cerca que nunca como telón de fondo a la actuación de Mogwai. El concierto comenzó con algo de retraso y con mucho silencio entre las primeras canciones debido a algunos problemas técnicos que fueron disculpados por la contundencia de su sonido. Mucha luz estroboscópica para acompañar los momentos más post-rock, y varios temas para presentar su nuevo álbum, ‘Hardcore Will Never Die, But You Will’, destacando brillantes interpretaciones de ‘México Grand Prix’ o ‘Rano Pano’, con un público entregado a la causa de unas melodías gruesas e hipnóticas.

Valió la pena moverse unos minutos para tener una muestra del concierto de Miqui Puig y la Original Jazz Orquestra sobre “las canciones que hacen bum”. Durante media hora pudimos asistir al concierto guatequero de Miqui y 20 músicos de jazz interpretando canciones del pop español, y no siempre las más evidentes: Los Planetas, Astrud, Duncan Dhu o Esclarecidos (versión a su vez de Talking Heads), entre las versiones seleccionadas, y un atinadísimo homenaje a Pedro San Martín al interpretar ‘Verano’ de La Buena Vida con el público de pie, cantando y dando palmas.

Hubo que salir: llegó el turno de otro de los cabezas de cartel de esta edición, The Flaming Lips con toda su parafernalia: el globo gigante dentro del cual Wayne Coyne pasa sobre el público, kilos de confeti, figurantes disfrazados del Mago de Oz (con el notable protagonismo de decenas de lolitas disfrazadas de Dorothy sobre el escenario), la cámara en el micrófono y las visuales de colores. Que está muy bien, pero la verdad es que cuando ya lo has visto tres veces el factor sorpresa se transforma en sensación de repetición, de estar viendo algo previsible. Además, mientras, estaba Herbert como dj dándolo todo en un escenario Club abarrotado que, por cierto, a ver si para el próximo año se proponen humanizar un poquito: el olor a alcantarillas y el espacio insuficiente y lleno de trampas hicieron que escuchar una buena sesión no fuera una experiencia todo lo agradable que debería ser.

Tampoco estaba demasiado bien el tema de los horarios. Vimos hasta 2 versiones, y ya no sé si La Casa Azul empezó con adelanto o era cosa de errores en la plantilla. El caso es que Guille Milkyway, por su parte, nos ofreció un concierto muy bailable y divertido, en el que, acompañado por dos músicos y por unos sugerentes visuales, dejó claro que ha dejado la timidez en beneficio del espectáculo. El concierto fue subiendo de intensidad a base de los mejores golpes de toda su carrera como ‘Superguay’, ‘Esta noche solo cantan para mí’ y, como ascenso definitivo al rollo discoteca, una versión extendida de ‘La revolución sexual’ que, como era lógico intuir, dio lugar al desenfreno.

Estaba en coincidencia con Love of Lesbian en el escenario Estrella Levante, presumiblemente lleno, y tras Guille salió a las tablas CSS, o Cansei de ser sexy, que salvo algunos momentos de lucidez demostraron no poner mucho empeño y, teniendo en cuenta que estábamos cerca del fin, no era el momento de dar muchas más oportunidades. Así que nos lanzamos de nuevo a la “piscina” del escenario Club esperando más sesiones de electrónica. Ante nuestra sorpresa, Feed me dj set fue sustituido por otra actuación de Buffet Libre en el escenario Estrella Levante, ya prácticamente empapado bajo un chaparrón. Y no estuvieron mal en la consecución de tantas canciones remezcladas que invitan al baile, pero que una de las últimas imágenes que recordemos del festival sea a cientos de asistentes gritando “matarile al maricón” no es demasiado complaciente. Mejor será recordar la afición a los tacones que demostraron sobre el escenario Jarvis Cocker y Genís Segarra, o la genialidad de Herbert. Por el fin de fiesta con ‘El Danubio Azul’ (como homenaje al FIB) y por los buenos momentos que nos ha dado esta edición del SOS 4.8.

Sobre el papel, la selección musical es, salvo excepciones, bastante conservadora: la programación es una apuesta por lo seguro. La originalidad de este evento recae en su duración (48 horas sin pausa) o en la notable programación Voces, que este año ha estado dedicado en exclusiva al análisis de las series de televisión como exponente de la cultura popular. Por Murcia, durante el fin de semana, han pasado analistas y expertos en esta materia como Frederic C. Martel, Jordi Costa o, para aportar una visión más gamberra, el equipo de la serie ‘Museo Coconut’ / ‘Muchachada Nuí’, ahora centrado en ‘Retorno a Lilifor‘.

El recinto abría sus puertas a las 12 de la mañana con conferencias y sesiones de dj, pero el arranque de los directos llegó con una dura coincidencia: Nacho Vegas en el escenario Estrella Levante y The Magnetic Fields en el Auditorio Mondosonoro. Es evidente que la banda de Stephin Merrit contaba con mayor expectación, aunque el aforo del auditorio, limitado a 1.000 personas, hizo que pareciera acertado hacerlo coincidir con el asturiano (aunque incluso él lamentara la coincidencia). Por su parte, y aunque duela decirlo, The Magnetic Fields ofrecieron una actuación algo irregular. Es difícil señalar las causas de cierta decepción de una parte de un público que, para nuestra sorpresa, no llenó el auditorio. Quizá porque sus canciones requieren esfuerzo: no entran a la primera y es imprescindible comprender las letras para poder adorar las joyas del pop que Merrit nos ofrece; quizá porque hubiera sido preferible adaptar el setlist a un formato más festivalero y menos intimista; ofrecieron un repertorio emocionantísimo para cualquier fan, pero carente de ritmo para el público menos habituado a su música. Y eso que no faltaron canciones de su obra maestra, ‘69 Love Songs’ (como las emotivas ‘The Book of Love’ y ‘All my Little Words’), alguna rareza de ‘Obscurities’ (‘Drive on, Driver’) o temas de su último disco, ‘Love at the Bottom of the Sea’. Todas las canciones contaron con divertidas introducciones por parte de un Merrit muy comunicativo y bromista –cualquiera diría que no le gusta ir de gira-, pero al terminar el concierto daba la sensación de que esa conexión no fue del todo recíproca.

A continuación, 500 admiradores bastante entusiasmados abarrotaron el concierto de Hidrogenesse que, vestidos con camisetas de ciclistas y en estado de gracia, supieron levantar el ánimo del personal con canciones cargadas de ritmos electrónicos y melodías pop. No faltaron sus ya míticos hits así como algunas –pocas- canciones de su nuevo disco ‘Un dígito binario dudoso’, en recuerdo de Alan Turing. La fiesta que se montó da que pensar: posiblemente Hidrogenesse hayan ocupado el lugar que ha dejado Astrud, y sus trabajos están a la altura de lo mejor que se hace en nuestra música.

Afortunadamente dio tiempo a reponer fuerzas para lo que se nos presentaba, que no era poco. El Escenario Estrella Levante calentaba motores con el pop colorista de Friendly Fires, que cumplieron al desgranar su corta discografía en su faceta más bailable, como la iniciática ‘Lovesick’, a las que siguieron célebres singles como ‘Jump in the Pool’ o ‘Paris’. Sin duda, su líder Ed Macfarlane sigue demostrando su espléndido estado de forma con su manera de bailar, sus saltos y su explosiva cercanía con un público cada vez más fervoroso y que comenzaba a abarrotar el recinto a la espera del plato fuerte del festival.

Con la veteranía y la fortaleza que les otorga el haber escrito una página en la historia de la música, los Pulp saltaron al escenario dispuestos a ofrecer la dosis de adrenalina que se esperaba de ellos en su, por el momento, última cita en nuestro país, después de haber sido coronados el año pasado en el festival Primavera Sound. Y, por supuesto, no defraudaron. Es difícil superar la altura que dejan los británicos, porque tienen una discografía única, cargada de sobresalientes hitazos que son verdaderos himnos para cualquier aficionado al pop, arrancando con ‘Do You Remember The First Time’ y siguiendo con temazos como ‘Underwear’, ‘Razzmatazz’ o los celebradísimos ‘Disco 2000′ y, por supuesto, ‘Common People’, el momento más esplendoroso de la presente del SOS 4.8 y con un público absolutamente volcado en la música y los movimientos de su líder. La presencia en el escenario está más que resuelta y pocos dudan de que Jarvis Cocker sea definitivamente la persona más cool del universo, aunque no sea especialmente ágil con los tacones. Estuvo especialmente bromista –“may the fourth be with you” soltó aludiendo precisamente al 4 de mayo, día dedicado a Star Wars-, con una sorprendente y descarada cercanía al público. Lo único que se le puede reprochar al concierto es la deficiente sonorización de los dos escenarios principales (fue así durante todo el festival) y la falta de decibelios, circunstancia que fue corregida sobre la marcha y que en cualquier caso quedó en un segundo plano ante la contundencia del contenido que Pulp puso sobre nosotros. Tampoco importa que esta reunión tenga motivos esencialmente económicos, porque desde luego se lo han ganado ofreciéndonos de nuevo un momento destacado en nuestra memoria.

Debe de ser muy complicado tocar después de Pulp, y esa tarea le fue encomendada a Gossip, aunque quizá hubieran sido Friendly Fires los más apropiados para ese reto. La banda de Beth Ditto se las vio y se las deseó para siquiera rozar el grado de delirio con el que se encontraron al público, y el concierto estuvo ciertamente bajo de potencia y de energía. Tan solo le quedaba tirar de sus éxitos más conocidos, en una interpretación que estuvo demasiado supeditada a las labores vocales de su líder.

Así que, por un momento, era conveniente abandonar el escenario grande para comprobar que la actuación de SebAstian brilló por su ausencia y que la de Buraka Som Sistema no estaba basada precisamente en la elegancia ni en el buen gusto, aunque quizá sí calara entre el numeroso público autóctono (Repetían a gritos: “¡Vamos, dale duro a estas mujeres, brother, que son de Murcia!”), en una tendencia de perreo electrónico que continuaron más tarde los Zombie Kids. Ambos fueron responsables de los momentos más sucios del viernes.

Sin embargo, entre estas dos actuaciones pudimos disfrutar de una espectacular y cristalina sesión de música disco súper bailable a manos de John Talabot (por fin pudimos verle la cara) y el cierre a esta agotadora jornada corrió a manos de más sesiones de dj a cargo de Simiam Mobile Disco y de Buffet Libre, un final electrónico y hedonista que fue el broche más decente para una jornada irregular, sí, pero memorable.

Fotos: Equipo Helmet / SOS 4.8

Al fin se conocen las fechas correspondientes a nuestro país. Sabíamos que por calendario no podían encajar en ningún macrofestival, pero ha sido por poco. Según El Mundo la Sierra de Gredos (Ávila, 21 de julio) y Barcelona (día 23 de julio) serán las dos únicas ciudades afortunadas que visitarán Beach Boys en España dentro de las 50 programadas para esta gira (el 26 de julio ya estarán en Roma según su página web), en la que cuentan con un generoso setlist de 40 hits con algunos temas nuevos como el reciente single ‘That’s Why God Made The Radio‘, extraído de su próximo álbum.

Las entradas estarán a la venta a partir del próximo 8 de mayo en los puntos de venta habituales. Los recintos se confirmarán en las próximas horas.

De hecho, en directo no todo es tan folk como en estudio. Ni tan pausado. En vivo ‘I’m Back For Good’, ‘The Birds & Me’, y sobre todo ‘Why Would God Deny’ suenan menos introspectivas y hogareñas. Porque las guitarras (también mandolina en muchas de las canciones) están afiladas, suenan a rock con aristas, como el primer disco de PJ Harvey. Y esta referencia no es casual, porque también la voz de Ana recuerda a la cantautora inglesa. Aunque Todo saben más a polvo de desierto, gracias a sus punteos atípicos (¿mexicanos, indios americanos, hindúes?) y a la percusión, sutil y delicada al estilo de los últimos Lambchop, de Alfonso, que les acompaña a la batería con gran acierto.

Tras un par de temas iniciales, Ramón y Ana comenzaron a jugar con el espacio, bajando del escenario para interpretar sus temas, cantando lejos del micrófono, mostrando siempre mucha complicidad entre ambos. Y aunque todavía Ramón tiene que superar su timidez a cantar (como un ser humano, me refiero), sus onomatopeyas, gruñidos y ladridos recordaron sus orígenes. Y es ahí donde ambos mundos, el de Orlando y el de los primeros Ginferno, se funden y nos hacen ver que ninguno de los dos ha ganado la partida. Por ahora. 7,5

El concierto de Todo estuvo precedido por Daniel Merino, cantante de Getxo que gusta de un rock americano cercano al country blues. Muy bueno técnicamente, tanto con su voz como con la guitarra, quizás suena previsible en las melodías; y sus letras, algo convencionales y estereotipadas. Ha teloneado a Gary Louris, Mikel Erentxun y Revólver. La mezcla de todos ellos puede servir para ilustrar lo que se escuchó en el Fotomatón. 5.

Fotografía de Carlos Suero.

Estos nombres se suman a los que ya se conocían, destacando Two Door Cinema Club, Kaiser Chiefs o Metronomy. Todos ellos estarán en Burriana, Castellón, entre el 2 y el 5 de agosto.

La minigira española del texano aterriza hoy en Barcelona y en los días sucesivos parará en Valencia y Valladolid. Los conciertos coinciden con el lanzamiento de la banda sonora de ‘Space Ducks’, cómic que ha publicado el pasado mes de marzo, en la que también participan Eleanor Friedberger (The Fiery Furnaces), Deer Tick, Unknown Mortal Orchestra, Fruit Bats y Lavender Diamond. Además, en La Casa Encendida se puede ver ‘Visiones simbólicas. Una mirada al universo de Daniel Johnston’, una muestra de los dibujos de Johnston cedida por su ex manager Jeff Tartakov que permanecerá hasta el día 10 de junio.

Solo con su guitarra, la música de Johnston tiene una crudeza mágica y una espontaneidad muy acorde a sus melodías naif. Sin embargo, Betunizer le acompañó como banda de apoyo en la mayor parte de la actuación, captando a la perfección el mensaje de las canciones y subrayando su música con guitarra, bajo, batería y armonio. Una pena, ay, que se equivocaran mientras interpretaban ‘True Love Will Find You In The End’, con la que se cerró el concierto. No importó: dudo que hubiera una sola persona a la que no se le hubieran saltado ya las lágrimas.

Quizá lo que nos gusta de Johnston es su capacidad para expresar las emociones más básicas sin ningún rubor. Estamos tan acostumbrados a ocultarnos bajo todo tipo de máscaras y de excusas para no decir lo que pensamos que alguien que no tiene ninguna, alguien cuya sinceridad se le escapa cada vez que habla, nos desarma. Porque sus melodías, infantiles de tan tarareables, son igualmente sinceras. No podían dejar de sonar sus himnos ‘The Beatles’, ‘Speeding Motorcycle’ (recibida con una inmensa ovación), ‘Casper, The Friendly Ghost’ (ídem) y otras canciones tan significativas como dolorosas como ‘There Is A Sense Of Humour Way Beyond Friendship’ o ‘Sweetheart’.

Sin apartar la mirada del atril donde se acumulaban papeles con las letras de las canciones y echando mano de las botellas de agua que tenía a su lado, despachó una hora de concierto que se hizo tan corta como un capítulo de una sitcom, en el que te da tiempo a reír y llorar y acabas empatizando con cada gesto de los actores. Cuando se despidió, la primera palabra que vino a la cabeza para describir lo que acabábamos de presenciar fue “emocionante”.

Como había anunciado la nota de prensa, Kim Fowley respondió ante el público las preguntas realizadas por un periodista local, que simplemente fueron protocolarias, puesto que como veremos después en la entrevista que nos concedió esa misma tarde, el californiano no necesita preguntas: siempre tiene algo qué contar. En nuestras memorias quedarán consignas como: “Todos desearíamos que fuera ayer, estar en el pasado y esto ocurre por una simple razón: ayer éramos más jóvenes” o “Para poder sufragar mi enfermedad (cáncer) he tenido que explotarla, como el que explota tener un par de tetas postizas”. El objetivo de Kim Fowley no es dar ninguna lección, rehúsa hablar de su pasado porque “lo importante es el ahora” y se siente “como un viejo con un bastón”. Sin embargo, es imposible no aprender nada de alguien que se toma su cuarto cáncer con naturalidad y sobre todo, no reflexionar sobre la grave situación sanitaria que atraviesa Estados Unidos. Tras una hora de anécdotas, Kim fue llamando a los músicos que improvisarían con él en el Lecture Hall y al contar con un público tan reducido, fue sacando gente al azar, muchos con ganas de salir a la palestra y otros no tanto, mirando al suelo por timidez o quizá por la anatomía de los sillones de neón que llenaban la sala. Una sala que cuenta con una gran acústica, un valor agregado a esta repentina orquesta que incluyó en su set temas que salían sobre la marcha y cambiaban según Kim fuera indicando.

Lo vivido fue único. Y los sentimientos se dividen al ver cómo pese a que el propio artista diga que “como mucho le quedan 3 o 5 años de vida”, aún saque fuerzas para saber reírse de sí mismo y conseguir que los demás practiquemos en este ejercicio tan necesario.

“No empieces todavía a grabar –me dijo-, no me puedo concentrar con tanta belleza –dirigiéndose a Snow Mercy, su mano derecha-”. Kim Fowley es cuidadoso con la prensa, se despide debidamente de quienes lo entrevistan y Snow Mercy se encarga de anotar sus direcciones de correo electrónico. Kim vuelve a dirigirse a Snow Mercy y le dice: “Snow, quiero que tú también estés en la entrevista” y me pregunta: “¿Sabes que ella va a cantar con nosotros esta noche?”. Le respondo asintiendo con la cabeza y a partir de este momento palpo que efectivamente, esta no es una entrevista al uso. El artista no se ciñe a responder a las preguntas sino que él también las plantea: “¿Has oído hablar de ella? ¿Sabes quién es?”. Los nervios hacen que me olvide de Mercy, su segundo nombre, y es en este momento cuando la propia Mercy le dice a Kim que ella prefiere sentarse en otro lado y seguir trabajando con su ordenador y continuar con las gestiones de promoción, a lo que Kim replica: “Tu también formas parte de la entrevista, eres la estrella principal”.

Snow se va, contándome que al manejar todas las cuestiones de la gira acumula una gran cantidad de trabajo, pero Kim vuelve a insistir: “Acércate, Snow, está grabando y si te vas tan lejos no se va a escuchar lo que digas”.

¿Cuáles son las mejores bandas que has producido?
Kim: “He grabado cientos de discos, es difícil recordarlo”.

¿Cómo ves la industria musical en este momento?
Kim: “Está acabada. Nadie quiere introducir un nuevo modelo de negocio y éste es necesario en el siglo XXI. No podemos hacerlo como lo hacíamos en el siglo pasado, porque ahora necesitamos el visto bueno de la sociedad”.

¿Cuál es entonces el modelo que se debe imponer?
Kim: “Internet y todas las tiendas de descargas online (Amazon, Ebay, Play.com), el streaming y el vídeo bajo demanda. La música en sí no es culturalmente lo que era antes. Ahora la gente juega a videojuegos y folla”.

Dijiste: “El rock and roll, la música popular y mis películas son arte desechable”. ¿Qué pasa con eso?
Kim: “Que es verdad. Ya no os importa la música, la escucháis cuando estáis paseando al perro. La música ya no cambia vuestras vidas o al menos no como tendría que hacerlo”.

¿Cómo fue trabajar con The Modern Lovers?
Kim: “Con sinceridad, Jonathan (Richman) es una de las personas más crueles que he conocido en el “show business”, es muy ambicioso. David Robinson y Jerry Harrison eran muy buenos tipos y con este grupo hicimos música interesante, pero estaban peleando todo el tiempo”.

¿En qué estás trabajando en este momento?
Kim: “Estoy trabajando con Snow Mercy. ¿Conoces a los Cowboy Junkies? Snow –la llama-, ven a poner una canción”.

Snow nos pone diferentes canciones de ‘White Hot Cold’. Kim dice que la música suena muy bajo, pero mueve la cabeza con gesto de aprobación y pregunta: “¿No es verdad que esta música es ideal para fumar?”.

¿Qué has encontrado en Snow Mercy para ejercer este padrinazgo con ella?
Kim: “¿No lo ves? (risas) Es preciosa”.

¿Desde cuando trabajáis juntos?
Kim: “Desde Halloween de 2011″.

¿Has pensado en retirarte algún día?
Kim: “No. Cuando me muera”.

¿Qué grupo actual te gustaría producir aparte de a Snow Mercy?
Kim: “Bueno, Snow Mercy y yo tenemos un grupo”.

Kim vuelve a llamar a Snow Mercy y escuchamos ‘Hipster Goth‘, una canción de su proyecto en conjunto.

Snow Mercy, ¿cómo es trabajar con Kim?
Snow Mercy: “¡Oh! (se ríe y se sonroja) Es impredecible, intenso, divertido y siempre interesante. Es como estar en una montaña rusa todo el tiempo”.

¿Cuál es vuestro objetivo con los diferentes cortos que estáis haciendo?
Kim: “Que responda a esto Snow, que es directora de cine”.
Snow: “No, ninguno, solo divertirnos”.
Kim: “Simplemente decir: “¡hey, estoy aquí! ¡Me estoy divirtiendo filmando a un bulldog comiéndose un trozo de pollo y es fascinante! Es divertido y sin ninguna carga intelectual”".

Kim me enseña diferentes cortos y me pregunta su opinión sobre ‘Golden Road To Nowhere’. Cuenta que en esta ocasión fue él mismo el que estuvo detrás de las cámaras filmando a Snow Mercy y que próximamente estrena ‘Sunset Strip The Movie’, en la que aparecen, entre otros, Johnny Depp y Mickey Rourke, a los que no ha conocido porque cada parte está filmada por separado.

¿Es posible que vuelva a existir un grupo como The Runaways?
Kim: “Sí, pero solo en el futuro. He viajado al año 2020, y va a salir una banda de chicas maravillosa. Hace 37 años todo fue horrible, nos sucedieron muchas desgracias, entre otras uno de mis cánceres”.
Snow: “A propósito de eso, vamos a estrenar una película sobre la enfermedad de Kim en julio de este año. También la presentaremos en Madrid”.

Después de estas preguntas, Snow coge su inseparable cámara compacta y nos graba, Kim es ahora el que me entrevista. Dicen que esto saldrá en su próxima película. Kim me pregunta si la grabadora sigue encendida y concluye: “El único motivo por el que gusta Kim Fowley es porque siempre ha tratado a las mujeres con respeto y dignidad. Todos saben que soy un bastardo y un mujeriego pero lo único que puedo sentir hacia las mujeres es respeto”.