‘La noche eterna. Los días no vividos’ es un CD doble (aunque cabe en uno simple) que sigue, como el anterior, una línea conceptual. La primera mitad cuenta lo que el grupo ha hecho en estos años en que sus miembros han abandonado definitivamente sus “trabajos verdaderos” para dedicarse a la música y, por tanto, han vivido de noche; y la segunda cuenta lo que se han perdido por trabajar de noche. Con este planteamiento, el gran punto fuerte de esta nueva aventura es que, a pesar de que el concepto se diluye ligeramente en canciones que podrían pertenecer, indistintamente, a una u otra mitad, Santi Balmes no se dedica a soltarnos la típica chapa de grupo de rock “soy famoso y mi vida da asco por ello” ni en el CD 1 ni en el CD 2.

El gran hit del disco es una antítesis de todo eso. ‘Si tú me dices Ben, yo digo Affleck’ (título del año) tiene una base electropop absolutamente chorra, que, entre menciones a ‘Dancing Queen’, “hombres objeto”, lobas, zorras, David Bowie y su efecto vocal, habría sido un sueño húmedo de juventud para Miguel Bosé. No puede soltar su letra más payasadas por minuto, casi todas ellas dignas de ser recitadas sin ton ni son, cual hit de Chico y Chica, pero en hetero. Ese pronunciar de frases extrañas en el momento crucial de una melodía sigue siendo un signo de identidad para el grupo y, en la misma línea, el “qué sexys son” de ‘Seres únicos’ será otra de las ultra coreadas en su nueva gira.

No es la única. El Santi Balmes que se reconoce en una de las canciones como “un personaje” (“lo llevo escrito en la frente”, dice) entona con desparpajo una entretenida historia sobre una pareja de gatos en la que él es un golfo (‘Pizzigatos’), y también su ya clásica pista desquiciante pero irresistible, que esta vez se llama ’667′ y contiene citas a Paul McCartney, John Galliano, unas geishas, unos langostinos y “dos enanitos azafatos colgados de una lámpara dándose por el saco”.

Todo este sentido del humor y toda esta falta de pretensiones, agradecidísimos en un grupo de su categoría, se ve contrarrestada por canciones de delicados arreglos, de corte más épico, como la balada ‘Nada’, ‘Oniria e insomnia’, la inicial e in crescendo ‘La noche eterna’ o dos de las mejores composiciones del disco, ‘Belice’ y ‘Wio, Antenas y Pijamas’. Grandes supervivientes para el futuro a pesar de que la mezcla final sucia y bastante burda que por alguna razón se ha dado a este disco (¿quizá porque el álbum solemne ya fue el anterior?), no las favorece especialmente.

En cada disco doble viene como extra el planteamiento de que el conjunto hubiera podido ser mejor de haber sido simple. E, interludios aparte, este no es una excepción. Sin embargo, aunque ‘Si salimos de esta’ o ‘Los días no vividos’ no añadan gran cosa a lo que ya hemos oído durante la hora anterior, también podrían acoplarse a su nutrido repertorio sin problema. Una victoria para una banda que ha hecho de su capacidad para aliviar el drama aturdiendo y divirtiendo su personalidad, convirtiéndose en una de las más singulares de la historia del pop español.

Calificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘Si tú me dices Ben, yo digo Affleck’, ‘Seres únicos’, ‘Wio’
Te gustará si te gustan: Los Toreros Muertos, Fundación Tony Manero, Un pingüino en mi ascensor, The National
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Debate en nuestro foro de Love of Lesbian

Una vez más, no cabe sino alegrarse de que el grupo de Baeza fichase por Sony, llene salas y pueda vivir de su música. Otra cosa es si ‘Santacruz’ les consolida en el plano artístico o los deja en el mismo limbo que ‘Electroviral’. Supersubmarina han decidido contar en la mezcla de este segundo álbum con Tony Doogan (Belle & Sebastian), que produjo el año pasado a su compañera de sello Russian Red, dando al conjunto un título que curiosamente recuerda a ‘Fuerteventura‘ pero no tiene nada que ver (‘Santacruz’ hace referencia a una sufrida y pizpireta expresión andaluza). El resultado es también distinto al debut de Supersubmarina, pero en un sentido completamente diferente al caso de Lourdes: estamos ante un disco nada retro, con más empaque en su sonido (ha sido masterizado en Nueva York), y sobre todo con una mayor disposición por la trascendencia y la gravedad, que tiende a Héroes del Silencio, aunque sin su imaginativa para las letras.

Hay un momento en ‘Hermética’ en que el vocalista José Chino confiesa y, de hecho, repite: “a mí me gusta ser más básico, más visceral, más práctico” y esa parece por un lado la clave de su éxito, y por otro, la condena de un álbum que abusa de letras manidas de amor (casi todas) y sociedad (‘El baile de los muertos’), rimas en participio y recursos propios de La Oreja de Van Gogh (“Yo quiero que me regales tres segundos inmortales / untándome de tus planes”, “Perfumando cada escena con olores de jazmín / Intoxicando el aire / Pobrecito de mí” o “Vengo a decirte que el tiempo que ya llevamos perdidos / Es solo un punto pequeño en el cielo del olvido”).

A veces, después de una canción tan preparada para ser cantada por Amaia Montero y Leire como ‘De las dudas infinitas’, surge algo tan popi y fresco como ese ‘Tecnicolor’ que encierra tanta energía como un ‘Walking On Sunshine’ (aunque ese “joder” incorporado tiene todavía mucho que aprender de Fernando Alfaro). Podemos rescatar algún punteo heredado del pop anglosajón como el de ‘En mis venas‘ y adivinar algún atisbo de ambición en ‘Para dormir cuando no estés’ (entre Los Planetas y Arcade Fire) o en la final ‘Hogueras’.

En ellas o en ‘Cometas’ encontramos motivos para celebrar que Supersubmarina sigan ejerciendo de puente (todavía necesario) entre el mundo comercial y el mundo underground, y se consoliden como importante reclamo para festivales, aunque ello no implique que sus composiciones sean precisamente las más relucientes y originales del panorama.

Calificación: 4/10
Lo mejor: ‘Tecnicolor’, ‘Cometas’, ‘Tu saeta’
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Sus miembros, originarios de Guipúzcoa y Navarra, defienden los lazos de amistad que les unen como parte de la esencia de su música. Las sugerentes melodías y las armonías vocales de ‘Change of Masks’, unidas a la estética atemporal de sus miembros (podrían encajar perfectamente con la de los Solera de los años 70), convierten a Joe la Reina en un producto atractivo y accesible, acercando al público a un estilo musical que, por definición, no siempre tiene estas características.

Entre los cinco temas que presentan en ‘Change of Masks’ encontramos un corte instrumental, ‘Preamble’, que abre el EP y prepara para lo que viene a continuación, cuatro grandes canciones que utilizan el folclore de raíces más básicas arreglado con bastante gusto y clase. ‘After the Flowering’ es una delicia con letra esperanzadora y exquisita instrumentación. Como ocurre con ‘Ashes of Idols’, algo más épica que la anterior pero más tranquila que ‘Appaloosa’, la canción dedicada a esa famosa raza de caballos usados históricamente para la guerra. Tampoco pasa desapercibida ‘Killingberry Blues’, con grandes (y afortunados) parecidos a aquel ‘Redemption Day‘ del segundo album de Sheryl Crow, allá por mediados de los años 90, tan brillante y tan potente que hasta el mismísimo Johnny Cash se atrevió a hacer su propia versión poco tiempo después. ‘Change of Masks’, como tarjeta de presentación, podría llevar muy lejos a la banda que al parecer no tardará en presentar su primer largo.

Joe la Reina estarán este viernes 25 de mayo teloneando a Anni B Sweet en la sala Joy Eslava de Madrid. Podéis consultar más fechas de conciertos en la web de su sello.

Calificación: 7,2/10
Lo mejor: ‘Ashes of Idols’, ‘Killingberry Blues’, ‘After de Flowering’
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Pese a que Pérez Cruz llevaba tiempo escribiendo sus propias canciones, tuvo que llegar un hecho dramático a su vida para hacerle ver que tenía que emprender su camino de inmediato. Su padre Càstor Pérez, un conocido recuperador de la habanera, falleció con tan solo 54 años por un infarto de corazón, un par de días antes del 11 de noviembre de 2010, día de su cumpleaños. A él, que la introdujo desde pequeña en la música, descubrió su portentosa voz y la animó a labrarse una carrera, dedica Sílvia este álbum, señalando su fecha de nacimiento como el momento en que decidió que no debía esperar ni un segundo para culminar este proyecto. Una vez escritas canciones y arreglos de cuerda y viento, se las puso delante a Raül Fernández Refree, al que conocía de la producción del primer disco de Las Migas, para ejecutar lo que hoy es ’11 de novembre’.

En este álbum, Sílvia no solo deslumbra más que nunca con su voz sino que se muestra como una imaginativa compositora y arreglista, capaz de difuminar los límites que tradicionalmente enmarcan géneros tan dispares como el jazz, la cançó catalana, el flamenco, el fado o la música brasileña, mezclando incluso las diferentes lenguas que los caracterizan. Es como si Pérez Cruz dibujara en un mapamundi un camino de tiza desde su Calella de Palafrugell natal hasta la Galicia originaria de su ascendencia paterna, recorriendo la costa atlántica peninsular por Portugal y Andalucía hasta Cádiz, y cruzando el charco hasta llegar a Río de Janeiro. Y cuando acaba, pasa la mano por encima, suavemente, desdibujando las líneas y dejando una imagen fascinante.

El talento de Refree para identificarse con cada artista y trabajar con arreglos tan dispares se estima fundamental en la producción de unas canciones más complejas de lo que aparentan, en las que las cuidadas ambientaciones y efectos tienen un papel narrativo fundamental y los palos se esconden y confunden, incluso dentro de una misma composición, como ocurre en ‘Diluvio Universal’, que comienza como un canto de saudade que se aflamenca y culmina con una famosa alegría; en ‘Días de paso’, con sus aires de bossa salpicada de jazz vocal; en ‘Meu meniño’, un quejío de martinete que antecede a una canción tradicional galega que Càstor solía cantar con sus dos hermanos, que aquí la reinterpretan; ‘Folegandros’, aires de fado con arreglos corales; el carnaval romántico, a lo ‘Orfeo negro’, de ‘O meu amor é Glòria’ (cuyo objeto no es otro que animar y ensalzar a su madre y su hermana, ambas Glòrias); o el folklore intimista y orquestado de ‘Iglesias’ y ‘Pare meu‘.

La carga emotiva de ’11 de novembre’ va mucho más allá de la historia personal que lo impulsó. El amor y la pena se palpan de una manera brutal a lo largo de los 50 minutos en los que transcurre este homenaje, expresados por la portentosa voz de Sílvia, que nos seduce y conduce por el álbum con dulzura, y mostrando cuando es necesario su poder demoledor, dejándonos al borde de la congoja y el llanto, logrando hacernos partícipes de su emoción, como ocurre en la mencionada ‘Folegandros’, en ‘Iglesia’ (cuando entona esas frases de ‘Moon River’), en la descarnada ‘Não sei‘ o en la sencilla ‘Memoria de pez’. Canciones que sirven a Sílvia como vehículos para exorcizar la pena de su pérdida a través de recuerdos infantiles y adultos, nostalgia y enseñanzas de Cástor, descritos con un detallismo casi pornográfico y hermoso. Ocurre incluso que los tres poemas musicados que se incluyen (‘Lietzenburgerstrasse 1976′, de Feliu Formosa; ‘Pare Meu’, de Maria Cabrera; y ‘Covava de l’ou de mort blanca’, de Maria-Merçè Marçal) adquieren, nada casualmente, un sentido estremecedor con el resto de la obra, especialmente en el caso de las dos últimas.

Por más que uno trate de expresar la belleza y emoción contenidas en este debut de Pérez Cruz, errará y se sentirá absurdo, casi ridículo frente al fantástico texto del dramaturgo y periodista Joan Ollé en las notas interiores del CD. Así que no se puede hacer nada mejor que invitar a adentrarse en el hermoso documento musical y vital que ha creado esta joven catalana y que tiene, ya mismo, el carácter de disco histórico e irrepetible de las grandes obras de la música popular de nuestro país, que merece todo el éxito comercial que le llegue. Sílvia Pérez Cruz presenta ’11 de novembre’ mañana, día 24 de mayo, en el Teatro Lara de Madrid.

Calificación: 8,5/10
Lo mejor: ‘Pare meu’, ‘Não sei’, ‘Folegandros’, ‘Iglesias’, ’11 de novembre’
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Aunque asistido en directo por Gilberto Aubán en teclados y guitarras, y Toni Iglesias en batería y percusión, Amatria es una idea unipersonal de Joni. A medio camino entre las guitarras y la electrónica más synthpopera (por momentos cabe hablar de indietrónica), su proyecto resulta tan atractivo como el del infravalorado James Yuill, aunque en su caso las progresiones de acordes y el tipo de guitarras utilizadas siguen un concepto menos luminoso y más atormentado (“Si me muevo me puedo romper / Si me quedo me duele también”, dice la planetera ‘Un sábado paraelíptico’).

¿En qué medida las canciones de ‘Hoy van a salirte las alas’, abstractas pero dolientes, son las típicas compuestas por un post-adolescente atrapado por sus traumas que acaba de descubrir una vía de expresión y un mundo alternativos? En bastante. Sin embargo, hay varias razones por las que Amatria fue seleccionado como uno de los valores que deberíamos seguir en 2012: sabe hacer un uso estupendo de los sintetizadores adecuados en los momentos adecuados (’11 baños, 20 euros’, ‘Eh, qué ves’), sabe alternar un puente con gancho con un estribillo superior (‘Prelación de documentos’), mima sus canciones decorándolas con microrrelatos explicativos e ilustraciones y le gusta el folclore peruano (‘Dolorosa’). Lo que pueda salir de aquí, sólo el tiempo lo dirá.

Amatria actúa hoy 23 de mayo en Barcelona, el 24 de mayo en Zaragoza y el 25 de mayo en Madrid. más fechas, en su web.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Cara de monstruíto’, ’11 baños 20 euros’, ‘Prelación de documentos’, ‘Eh qué ves’
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En su séptimo álbum de estudio, la premisa del ex Pulp y ex Longpigs ha sido prescindir de la pompa orquestal que ya se había convertido en norma en sus últimos discos para sustituirla por una formación clásica del rock, guitarras-bajo-batería, como venía haciendo en sus magníficos directos. Pero aquí, además, ha tomado la opción de arreglar las canciones con efectos de feedback, delays y ambientaciones psicodélicas, algo nacido como homenaje al guitarrista e íntimo amigo suyo Tim McCall, fallecido hace un par de años. Sobre todo en su primera mitad, canciones como ‘Time Will Bring You Winter’, ‘She Brings You Sun Light’, el corte titular o las muy rockeras ‘Down In The Woods’ y, ya hacia el final, ‘Leave Your Body Behind You’ nos muestran un endurecimiento de sonido apasionante e inesperado.

Es el escenario perfecto para dar rienda suelta a su vena de guitar hero y mostrar un innegable punto de conexión con el ‘Humbug‘ de los mencionados Monkeys, aunque el resultado sea algo similar a un blues rock espacial que sitúa a Hawley muy cerca del Mark Lanegan más peleón y aguerrido. Dicho giro también se justifica, según ha declarado, como una reacción de rabia y furia por el doloroso panorama de futuro que la actual crisis está dejando como herencia a sus hijos en Reino Unido, algo por supuesto extrapolable a casi todo el mundo occidental. Aun en los momentos más dulces y delicados, como ‘Don’t Stare At The Sun’, ‘The Wood Colliers Grave’ o ‘Before’, con ese catártico final, se hace palpable esa tristeza y decepción, dando a este álbum un sentido político-social desde lo estrictamente musical, de una forma metafórica.

Aunque es destacable el hecho de que, de momento, el efecto en sus ventas de este giro es muy positivo, parece un dato menor cuando ‘Standing In The Sky’s Edge’ tiene, por lo expuesto, una gran densidad emotiva y simbólica, algo que quizá haga adquirir a este disco en el futuro un valor que hoy solo sospechamos. Pero, sobre todo, supone otra obra maravillosa de un artista de los que ya no quedan, capaz de reinventarse a sí mismo sin traicionarse ni renunciar a sus estrictos valores estéticos ni un solo ápice.

Visita nuestro especial San Miguel Primavera Sound, donde Richard Hawley actúa la semana que viene.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Down In The Woods’, ‘Leave Your Body Behind You’, ‘Don’t Stare At The Sun’, ‘Standing At The Sky’s Edge’
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Escúchalo: Spotify, The Guardian

A Bob, Sarah y Pete siempre les han gustado los discos conceptuales. Londres o la vida en un bloque de apartamentos han sido, por ejemplo, los temas centrales de ‘Finisterre‘ y ‘Tales From Turnpike House’. De la misma forma que la capital británica ha aparecido en composiciones de otros discos, la música en sí, que también les ha interesado desde siempre, pasa ahora a ocupar un disco largo en su totalidad. ‘Over The Border’, el corte que abre ‘Words & Music’ en modo “spoken word”, recuerda la compra del primer single, el descubrimiento de los sintetizadores, la capacidad para mantener conversaciones que siempre llevan a lo mismo, el NME, Smash Hits, a New Order y a “Peter Gabriel de Genesis”, entre otras muchas cosas. Al final, Sarah Cracknell se plantea si, ahora que está casada y es madre, Marc Bolan sigue siendo tan importante para ella. La evocadora melodía, emparentada con ‘Teenage Winter’ del disco anterior, produce sensaciones tan intensas que la respuesta es clara, pero, por si queda alguna duda, el siguiente tema, el nuevo single ‘I’ve Got Your Music’, confirma que la música siempre nos acompañará a todas partes.

Muy influidos por el hecho de que Bob haya pasado los últimos años escribiendo un libro sobre música pop, ‘Do You Believe In Magic?’, que no saldrá a la venta hasta la primavera de 2013; y por la revisión de su propia obra realizada para las reediciones de lujo que han salido en los últimos años, Saint Etienne hacen en este disco un repaso a su historia y a la de los demás, soltando un guiño a ‘Action’ al final de la divertida ‘DJ’, sobre la relación de una chica con un chico de esta profesión; o evocando la música disco en el celestial y fantástico final de la perfecta ‘Last Days of Disco’, que, sin despeinarse, incita más a bailar que toda la discografía de Calvin Harris junta.

Si bien en otras ocasiones, los discos conceptuales de Saint Etienne han tenido un punto de trampa (casi cualquier canción cabe en un álbum sobre lo que pasa dentro de un bloque de apartamentos), esta es una de las mejores ocasiones en que el grupo ha cerrado una idea inicial. Al margen de que la portada muestre un mapa formado con 300 títulos de canciones, el hit ‘Tonight’ trata sobre la emoción previa a ir a un concierto de tu grupo favorito; ‘Haunted Jukebox’ de canciones y amigos olvidados; y la triunfal ‘Answer Song’ y el interludio ‘Record Doctor’ plantean la música como respuesta a muchos problemas. En general, las referencias a canciones y artistas son tan abundantes como a veces ambiguas y por tanto dignas de ser analizadas durante meses (como la de ‘Mississippi‘ en ‘Popular’).

La producción del álbum ha corrido a cargo de grandes expertos del pop comercial como Richard X, Tim Powell y Nick Coler de Xenomania, Rob Davis y Ian Catt, y ciertamente los ecos de Kylie (si no era al revés) aparecen una y otra vez en las producciones más electropop. Sin embargo, hay un tono trascendental y solemne -siempre sin salirse de los parámetros del pop-, especialmente marcado en el demoledor arranque de ‘Twenty Five Years’ y en ‘I Threw It All Away’, que mantiene una vez más a Saint Etienne muy por encima de la media, recordando que no basta con llamar al productor de moda si no se tiene un estupendo background detrás (impresionantes sus múltiples recopilaciones de canciones favoritas). Sólo ellos y Pet Shop Boys pueden presumir de un buen gusto tan exquisito. ¡Que no cambien nunca!

Saint Etienne actuarán en el San Miguel Primavera Sound la semana que viene.

Calificación: 8,5/10
Lo mejor: ‘Over The Border’, ‘Tonight’, ‘I’ve Got Your Music’, ‘Popular’, ‘Last Days of Disco’
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Debate en nuestro foro de Saint Etienne

No hay, por tanto, rastro alguno de tropicalismo ni electronización, sino que Díaz-Reixa, con la asistencia de Brian Luis Hernández, ha ejercido sobre todo de ingeniero de sonido, dando un empaque tremendo al rock con gancho de los autores de ‘Tus amigos‘. La base rítmica de Chema y Gonzalo suena con una apropiadísima y necesaria contundencia, se añaden teclados que aportan densidad al sonido y se aclaran y diferencian los cuidados juegos de las guitarras de Manu y Jorge, protagonistas absolutas de este álbum, en ocasiones incluso por encima de la voz de Ariadna, a veces casi sepultada por aquellas.

Ese cambio de actitud no afecta, sin embargo, a su estilo, ya totalmente definido y que persiste en canciones poderosas con giros melódicos irresistibles. El single ‘Alférez provisional‘ ha crecido lo suficiente, desde que lo valoramos por primera vez, como para demostrar que sí es la mejor presentación para el álbum, y capitanea otro nuevo montón de temas memorables como ‘Tráfico de órganos de iglesia’, ‘Mis amigos’, ‘Untitled’, ‘John Cage’ o ‘Un corte limpio’. Sí cabe reprocharles que cortes como ‘Los Glaciares’, ‘Malas tierras’, ‘Paraíso’ o ‘Flora y fauna’ parezcan desaprovechados, demasiado concentrados en los desarrollos instrumentales y obviando añadir algún giro melódico que los hiciera tan destacables como al resto.

También van un paso más allá las letras de Manu Sánchez, esforzado en limitar el halo de humor que parecía inseparable a sus textos con temas que tocan la situación socioeconómica (‘Los tecnócratas’), y que reflexionan sobre el misticismo y el futuro con un pesimismo nada dramático (‘Paraíso’, ‘Flora y fauna’), proclamando la indolencia, el dejarse llevar sin lucha, como solución más inteligente para no sufrir (‘John Cage’). Aunque nada más eficaz que dejar que un matarife intuya tus más oscuros deseos de acabar con tu triste vida (‘Un corte limpio’), claro. Y sin perder su reconocible estilo, impactante por su insultante sinceridad (como prueban ‘Alférez provisional’, ‘Tráfico de órganos de iglesia’ y ‘Mis amigos’), hasta se nos pone extraño y torcidamente sentimental (‘Untitled’).

Posiblemente les resultará molesto que, una vez más, se recurra a la banda granaína para hablar de su música, pero la escucha detallada de ‘Una montaña es una montaña’ recuerda en numerosas ocasiones al enorme ‘Unidad de desplazamiento’ de Los Planetas, no solo en cuanto al sonido sino también en cuanto al potencial comercial que desarrolla el grupo, lo cual yo entiendo que es un gran halago. En suma, Los Punsetes logran en su tercer álbum un claro ascenso de calidad, elevándose en el escalafón del indie nacional y demostrando la seriedad y voluntad necesarios para poder crecer en repercusión.

Este sábado 26 de mayo, Los Punsetes presentan el disco en Ocho y Medio (Madrid). Entradas, en Ticketea.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Alférez provisional’, ‘Tráfico de órganos de iglesia’, ‘Untitled’, ‘Un corte limpio’, ‘Mis amigos’
Te gustará si te gusta: ‘Unidad de desplazamiento’ de Los Planetas, El Columpio Asesino, Klaus & Kinski
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Debate en nuestro foro de Los Punsetes

Si bien es cierto que el primer trabajo en español de Najwa era consecuencia más o menos directa de sus escarceos con el rock en la que fue la esperada vuelta de Najwajean en 2008, esta tampoco tenía nada que ver con ‘No Blood’, el debut del aclamado combo. Por suerte o por desgracia, siempre será un misterio a qué hubiera sonado el sucesor de ‘Walkabout’ si ‘Till It Breaks’ jamás hubiese existido, pero atendiendo al progresivo acercamiento de Najwa en cada disco hacia diferentes terrenos, ‘Donde rugen los volcanes’ viene a ser, de nuevo, toda una sorpresa.

Igual que las atmósferas tétricas son el elemento recurrente por excelencia en cualquier película de Tim Burton protagonizada por su actor favorito, la música electrónica (la comúnmente catalogada como “electrónica horizontal”, no la de sudar en la pista) ha constituido desde el principio la médula espinal de la carrera musical de Najwa, sin dejar nunca a su intérprete en un plano inferior. En ‘Donde rugen los volcanes’, sin embargo, la electrónica ya no es únicamente una vía para las melodías de la cantante y pasa a representar el componente más importante de un trabajo que, paradójicamente, fue en su origen concebido desde la guitarra acústica de Vicente Miñana (Uma). De ahí lo de “pasado acústico” de la nota de prensa, que definía muy bien con “tecno de corte minimal” la dirección tomada en este trabajo tanto por Raúl Santos como por la misma Najwa, quien no ha tardado en confirmar en alguna entrevista su participación en las labores de producción del álbum.

Lo de “tecno de corte minimal” es un buen resumen, pero un disco de estas características que sale en nuestro país se merece profundizar un poco más… aunque solo un poco. El disco peca de cierta linealidad, pero entre momentos ambientales que mutan a tribales (‘Nada nos puede pasar’), experimentaciones vocales (‘Mi cama’, ‘A ver si me das’), teclados retro (‘Nunca estuve a salvo’, ‘Lenguaje verde’, ‘A ver si me das’) o electrónica voluptuosa y granular à la Frank Bretschneider o Matmos (‘En esta noche’) cada composición va tomando, con repetidas escuchas, su propia forma. No obstante, las melodías cantadas por Najwa, aunque adecuadas a cada tema, son tan agradables en el momento como efímeras, mientras que en lo musical, si ha habido una gran influencia en la producción, esa parece haber ha sido Thom Yorke y su disco en solitario (especialmente en el tema homónimo), un ‘The Eraser’ que, como este trabajo, aportaba instrumentales muy interesantes, pero, en mi opinión, melodías poco perecederas.

De todos modos, siendo ‘Donde rugen los volcanes’ un ejercicio evidente de autocomplacencia y voluntad de experimentación, quejarse de la ausencia de hits claros sería de lo más absurdo. Es cierto que las melodías no son el fuerte del álbum, ¿pero pretendieron serlo alguna vez? La voz de Najwa es un elemento más dentro de un todo hipnótico, atmosférico e introspectivo que invita al trance, al escapismo y a la búsqueda del “yo” interior (o pamplinas pseudofilosóficas igual de manidas). Tan delicioso con auriculares como falto de cualidades para permanecer en la memoria, ‘Donde rugen los volcanes’ convencerá sobre todo a quienes buscamos en este tipo de música una herramienta de evasión del cada vez más estresante mundo exterior.

Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Nada nos puede pasar’, ‘Donde rugen los volcanes’, ‘Pájaros de mal agüero’, ‘En esta noche’
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Malin Dahlström y Gustaf Karlöf no se han olvidado de nosotros. Singles, vídeos y EP’s como ‘The Drummer‘, ‘Mother Protect‘, ‘The Fox‘ o ‘Tomorrow‘, sucediendo a su llamativo tema de debut, ‘DJ Ease My Mind’, han mantenido vivo el hype. Todos ellos aparecen en este disco que sale ahora, y no seré yo quien abogue por tener esas pistas desperdigadas por aquí y por allá en lugar de en este lanzamiento reunidas. Sin embargo, hay que reconocer que en estos dos años se ha perdido el efecto sorpresa y con él, parte de su encanto.

¿Cómo justificar esta espera? El sonido de Niki & The Dove no es tan impactante después de todo. Tomando parte de las texturas salvajes de Kate Bush, las melodías de Fleetwood Mac y las producciones más accesibles de The Knife, el grupo construye su sonido con un importante peso de la percusión tribal, y con múltiples referencias en las letras a la naturaleza (“amores más viejos que el cielo”, etcétera) y a cosas tan espirituales como el lenguaje corporal. “Voy a enseñarte lo que significa respirar fuego”, cantan en ‘Tomorrow’, mientras ‘The Drummer’ hace un paralelismo entre el ritmo y los latidos de corazón.

Así pues, no hay nada excesivamente novedoso en ‘Instinct’ (una canción mejor que ‘DJ Ease My Mind’ habría ayudado), si bien no podemos negar el encanto de ‘In Our Eyes’, ‘Last Night’, ‘Love To The Test’ o ‘Winterheart’, que también podrían atraer a los seguidores de Lykke Li, Little Boots o Ladyhawke.

Calificación: 6,8/10

Lo mejor: ‘DJ Ease My Mind’, ‘Tomorrow’, ‘The Drummer’

Te gustará si te gustan: Chairlift, The Tough Alliance, Kate Bush
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