Aunque ‘Gelid Ascent’ sí tiene cierto halo de rock denso, bien puede entenderse como una introducción al psicodélico funk-glam que Of Montreal presentan en ‘Spiteful Intervention’, ‘Dour Percentage’ o ‘We Will Commit Wolf Murder’, una especie de émulo de Prince intentando crear su propio Ziggy Stardust, con incontables y ricos detalles en los arreglos de cuerda (a cargo de Kishi Banshi, ex Jupiter One) y viento (creados por Zack Cowell, ahora parte de la banda). En ellos, Barnes presenta una seductora mezcla entre los primeros álbumes del grupo como parte del colectivo Elephant 6 y de sus más recientes incursiones en el R&B y el funky. Como guinda a ese jugoso pastel, la deliciosa y breve ‘Malefic Dowery’ cierra la primera parte del disco con sugerentes efluvios cubanos.

El lado cetrino al que aludía Barnes, que recuerda un poco al frustrante ‘Skeletal Lamping‘, parece llegar a partir de una ‘Ye, Renew The Plantliff’ que en sus ocho minutos va mutando desde lo descrito en el anterior párrafo hacia una música esquiva, por sus melodías en constante cambio y unas estructuras complejas en exceso, en las que el músico de Athens dice haber plasmado influencias de compositores arriesgados como Levi o Penderecki. Esta cara B, que casi duplica en duración a la A en solo cuatro cortes, es una desafiante propuesta, que quizá resultaría más atractiva e invitaría más a degustar sus cambiantes pasajes si no fuera por ese ladrillo de siete minutos de música abstracta que es ‘Exorcism Breeding Knife’ que, lo miremos por donde lo miremos, parece totalmente fuera de lugar. Hace pensar que, efectivamente, algo muy oscuro se tuvo que pasar por su cabeza en el momento en que tuvo la ocurrencia de incluirla.

Se trata, pues, de un álbum irregular, que en conjunto resulta demasiado hermético, confuso e incómodo. Pero uno prefiere quedarse con que ‘Paralytic Stalks’ contiene, sobre todo, música realmente bella y cuidada, que raramente entenderemos pero que deja una bonita huella en nuestra mente.

Calificación: 6,6/10
Lo mejor: ‘Dour Percentage’, ‘Malefic Dowery’, ‘Spiteful Intervention’
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La cantante que después de ser multiplatino con ‘Pafuera telarañas’ desapareció cinco años antes de publicar una obra tan arisca e introspectiva como el tan reivindicado -no por las radios, sí por una minoría selecta- ‘Y.‘, da otro salto mortal, que habrían dicho unos incomprendidos Fangoria en los 90. La nueva idea de Bebe ha sido trasladarse al estudio de París del productor Renaud Letang, que casualmente había producido algunos de sus discos favoritos de Feist y Gonzales, para dar forma a unas canciones que pretendían ser anti-nanas y contienen gran parte de la inquietud de los tiempos que vivimos.

En su camino hacia un nuevo sonido, a veces a Bebe y a Renaud se les ha ido la mano de la modernidad, como sucede en ‘Me pintaré’, donde la canción no remata ni deja claro dónde conduce su tensión tribal, medio siniestra o sexual. Pero en general, ‘Un pokito de rocanrol’ es una sucesión de temas carismáticos, tan fáciles de recordar y personales que estoy seguro de que nadie se pondrá de acuerdo con sus favoritos.

Está ‘Compra_paga’, una trepidante canción sobre el capitalismo que nos hace entender por qué Bebe se ha hecho fan este verano de Pony Bravo. Está ‘Mi guapo’, que entre el R&B, el synthpop y lo latino, no puede encerrar más sensualidad ni ser más envolvente. Está ‘Der pelo’, con una base hipnótica y bailonga que esconde en realidad un componente violento y misterioso. Está ‘K.I.E.R.E.M.E.‘, con una percusión que es puro Timbaland, minimalista pero arrebatadora sobre todo en los estribillos. O está ‘ABC’, el corte que arranca el disco, también de plena actualidad: casi seis minutos que parecen tres a pesar de los cambios de ritmo, de tensión y distensión, de letra tan reivindicativa como divertida (de “No me acostumbro a que no se pueda beber en la calle” a “Estamos pa’ que nos encierren”).

‘Un pokito de rocanrol’ no es la obra maestra de Bebe -que ya llegará-, quizá porque todas las canciones tienen una fuerza tan saltona que el sobreanálisis es inevitable. ‘Yo fumo’, en principio hilarante, termina desinflándose probablemente porque carece de un componente autoparódico. ‘Adiós’, una canción mona sobre una despedida (algo así como su ‘Tenía tanto que darte’ particular) echa de menos un crescendo como el de precisamente ‘Yo fumo’, mientras que ‘Tilín’ pasa desapercibida y ‘Qué carajo’ se mueve entre lo irritante y lo adictivo, dependiendo del día. Sin embargo, es loable que todas cuenten con rasgos identificativos tanto individualmente como en el sentido de conjunto. El mejor ejemplo es ‘Sabrás’, la canción de desamor. Es fácil pensar que le sobra un minuto, pero es en ese minuto musical donde su crudeza conecta con la del resto del álbum, cerrando un buen concepto sonoro que sigue mostrando a una artista reconocible en sus virtudes (la espontaneidad de sus letras) y defectos (el remate de algunas letras), pero que a pesar de las contradicciones, resulta mucho más honesta y atrevida que la media. No me pierdo su siguiente episodio.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Compra_Paga’, ‘ABC’, ‘Mi guapo’, ‘K.I.E.R.E.M.E.’
Te gustará si te gustan: La Mala, Rita Indiana, la música modernita
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‘El Caldero’ nos regala algunos momentos francamente geniales donde un costumbrismo y sinceridad a prueba de bombas hacen que muchas de sus canciones sean de esas que permanecen en el iPod mucho tiempo. Desde la irresistible ‘Enséñame a amar’ a ‘Una semana con los polis’, con cuya letra es imposible no esbozar una sonrisa, Joe va desgranando una especie de compendio de lo que ha sido y será el “sonido Crepus”, sin que nadie pueda ser capaz de dar una definición cerrada del mismo. Con una falta de prejuicios digna de premio en esta época en la que los indies se la cogen con papel de fumar, Joe pasa de Hidrogenesse, (‘La alimentación de los signos’), al sonido casio verbenero de ‘La Higuera’ sin despeinarse lo más mínimo. Todo ello con gusto y mimo, dejando que las melodías hagan su trabajo y logrando así que los oyentes poco amigos del ritmo conga -entre los que me incluyo- disfruten con la propuesta tan personal de Joël Iriarte.

Ojalá hubiera más artistas como él. Gente capaz de componer una joya de la canción ligera como ‘Si tú te vas’ con una caja de ritmos y hacer que la vayas tarareando mientras friegas los platos. Gente totalmente despreocupada por la pose y centrada en hacer canciones bonitas. Gente que se encargue de componer y producir un disco en su casa y nos dé la oportunidad de disfrutar de él.

‘El caldero’ no dista lo suficiente de su discografía anterior como para que Crepus consiga el puesto de honor que se merece dentro del panorama indie nacional, pero lo que está claro es que hay muy poca gente capaz de hacer un tema como ‘Yo voy por delante’. Aunque solo sea por eso, todo el esfuerzo ha merecido la pena.

Calificación: 7,5/10
Te gustará si: eres capaz de disfrutar de un disco sin preocuparte de lo cool o moderno que sea.
Canciones destacadas: ‘Enséñame a amar’, ‘Yo voy por delante’, ‘La alimentación de los dignos’, ‘Si tú te vas’.
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Quizá sea por esa falta de prejuicios que este ‘Leave Home’ me recuerda a Triángulo de Amor Bizarro. Bueno, y por la producción cruda y saturada, con la batería que parece que está en el fondo de una cueva y los amplis en el 11, como en la película de ‘Spinal Tap’. Aunque, en realidad, TAB no deja de ser un grupo de pop, un grupo de canciones con una estructura definida. A The Men se la pela la estructura. Temas machacones y de guitarras rugientes, con parones ruidosos que pueden durar minutos, eso es libertad. Libertad que este cuarteto disfruta a grito pelado, hasta el punto de que si en mitad de tu berrea no puedes reprimir una tos con flema, la toma se deja gloriosamente intacta (‘L.A.D.O.C.H.’).

Esta tos es en realidad una metáfora de la música de estos neoyorquinos de Brooklyn, sucia, infecciosa. No es post-hardcore porque no pretende dar la vuelta a conceptos que tengamos más o menos aceptados, tampoco es no wave porque a pesar del ruido y el griterío no buscan ninguna coartada intelectual ni zurrar los oídos de la gente desde un punto elitista. En la hoja de promo mencionan krautrock pero lo único que suena medianamente kraut es la batería y el ritmo machacón de ‘Night Landing’, el último tema, una especie de ‘Hallogallo’, de Neu!, en su versión primitiva y rabiosa. Incluso hay cierto pop luminoso entre las nubes de distorsión de ‘Shittin’ With The Shah’ (bonito título), como si intentaran hacer una versión de ‘You! Me! Dancing’ de Los Campesinos. Es más, el primer tema -’If You Leave…’- recuerda vagamente a unos Stone Roses sobresaturados e incluso a unos Lüger lo fi dando cera.

Será por esa falta de prejuicios que si hay que enmarcarlos en un género lo haremos en el punk, más por la actitud que por la música. El punk oscuro de los Stooges de ‘Funhouse’ (1971), en el que tan pronto sueltan un trallazo, pongamos, ‘Down In The Street’, como inician un descenso a los infiernos “free” con ‘L.A. Blues’. Pero en ‘Leave Home’ The Men prefieren combinar ese camino al apocalipsis con ciertos destellos de luz. Será que lo primero que les importa es divertirse.

La banda actúa esta noche en Barcelona (La [2] de Apolo) y mañana 8 de febrero en Madrid (Siroco) dentro del ciclo Primavera Gold Shows.

Puntuación: 7/10
Lo mejor: ‘Think’, ‘Shittin’ With The Shah’, ‘Night Landing’
Te gustará si te gusta: El ‘Funhouse’ de The Stooges
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Hablar de fronteras y de “lo nuestro” es tremendamente paleto, pero uno no puede sino alegrarse al ver cada vez más artistas que logran dar el salto de un ámbito local al global. En el caso de Talabot, además, invita a pensar que pueda servir de estímulo a una cerrada escena electrónica independiente que, al margen de DJs, encuentra lo mínimamente comercial reñido con la calidad. Sean cuales sean sus logros futuros, lo importante hoy es que ‘ƒIN’ es un álbum soberbio, en el que Talabot muestra un concepto depurado y sólido en el que, trabajando con una firme base de house, ha imprimido su propia personalidad.

La música de Talabot, como la de Kieran Hebden en Four Tet o Dan Snaith en Caribou, tienen la rara cualidad de transmitir sensibilidad y emotividad sin necesidad (salvo contadas excepciones) de una estructura de canción al uso. Con un sonido completamente atemporal y recurrentes guiños a los maestros de la electrónica de los 80 y al dance de los 90, el house de John Talabot es siempre sugerente y evocador, ya sea a través de sonidos étnico-exóticos (‘Depak Ine’, ‘Oro y Sangre’), cinematográficos (‘Last Land’, ‘El Oeste’), nostálgicos (‘When The Past Was Present’) o abiertamente hedonistas (su conexión con sus amigos de Delorean toma forma en la colaboración de Ekhi, su cantante, en ‘Journeys’).

Los algo más de cincuenta minutos que dura ‘ƒIN’ se hacen breves, gracias a una exquisita secuenciación y, sobre todo, a que Talabot tiene un don para hacer que cada segundo de cada corte suene fresco, nuevo y vibrante. Lo logra cuando renuncia al corsé del formato canción, pero también cuando concede, de la mano del prometedor Pional, homenajear el disco-soul primigenio en dos resplandecientes diamantes, ‘Destiny’ y la postrera ‘So Will Be Now’, en la que la voz distorsionada de Miguel Barros hace pensar en un Antony Hegarty acompañando a unos Hercules & Love Affair muy sobrios. El carácter emocional de estas dos canciones (las más claramente pop del conjunto) las convierte en potenciales hits para una nueva generación indie que, quizá, crezca sin prejuicios hacia la electrónica y el house hechos aquí.

Calificación: 8,5/10
Lo mejor: ‘Destiny’, ‘So Will Be Now’, ‘Last Land’, ‘Oro y Sangre’, ‘Journeys’
Te gustará si te gustan: Four Tet, Jamie XX, Caribou
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Puede que ‘TEN$ION’ no sea todo lo redondo que debiera para ser considerado un gran disco. Tampoco creo que la intención de Die Antwoord sea publicar uno: les basta con divertirse y desarrollar su performance continua metiendo en la turmix el hip hop, progressive y música étnica que les apetezca sin necesidad de rendir cuentas a nadie. En ese sentido ‘TEN$ION’ funciona a las mil maravillas y, gracias a bases como las de ‘Fatty Boom Boom’ y ‘Hey Sexy’, es imposible aburrirse escuchándolo. Ahora, también es cierto que se echa en falta cierta concreción a la hora de definir estilo. En serio, ¿hay alguien que no se salte ‘Fok Julie Naaiers’? ¿Qué pinta ahí semejante bajón?

Todavía es demasiado pronto para analizar la carrera de Die Antwoord, y ojalá publiquen muchos más discos para poder hacerlo, pero, desde luego, con su último trabajo dejan bien claro que potencial, sentido del humor y talento les sobra. Falta por ver si se dejan de coartadas pos-irónicas y terminan por tomarse en serio a si mismos o si tras ese muro que les brinda el “concepto Die Antwoord” siguen ampliando su setlist para los conciertos – el del SONAR del año pasado fue de los mejores que yo he tenido el placer de ver – a base de juntar cuatro canciones increíbles por disco y rellenar el resto como buenamente puedan.

Calificación: 7/10
Te gustará si te gusta: Cypress Hill, 2 Unlimited, Public Enemy, M.I.A y Major Lazer.
Temas destacados: ‘I Fink U Freeky’, ‘Never le Nkemise 2′, ‘Baby’s on Fire’, ‘Fatty Boom Boom’.
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Como ejemplo, uno de los grandes “growers” del disco, ‘El día de los embalsamados’, que versa sobre un encuentro con un fantasma. Klaus & Kinski ya han hecho temas en los que se alternaban rock y electrónica con anterioridad. ‘Brilla como una estrella’, ‘Crucifixión, la solución’ y ‘Eres un sinvergüenza’ podrían ser algunos de sus precedentes, pero este nuevo corte número 3, emparentado también con ‘Muerte en Plasencia’, encaja mejor que ninguno guitarras, teclados y cuerdas, al tiempo que produce un estribillo amargo y escalofriante pero pegajoso, marca de la casa, que pasa de “se va a acabar, todo esto se va a acabar” a “se va a pudrir, todo esto se va a pudrir”. Una desesperanza tragicómica que volverá a aparecer en ‘La pensión’ o en ‘Poderoso caballero’, el estupendo country de este disco, un nuevo ejemplo de crisis existencial lleno de “ansiedad e incertidumbre”, capitalismo y desencanto.

En medio de la decepción por el mundo que nos rodea, y que nos lleva a la triste rendición final con ‘Buceador’, encontramos momentos llenos de cinismo y humor, como el single ‘Ojo por diente‘, ‘Dos males tienes’ (“Vas a hacer la cola de los males a donde los van a dar a repartir, y te quedas varios sólo para ti”) o la cita a Ángel Cristo de ‘Cumbres profundas’ (homenaje a ‘Only Shallow’ de My Bloody Valentine). Incluso ‘In The Goethe’, una de las composiciones más hermosas de esta era, esconde cierta sorna con ese romanticismo imposible de los enamorados que quieren morir de amor (“unos muy escogidos poemas leerte yo, tosiendo sangre, prediciendo el final, en un pañuelo, bordado con mi inicial”).

Junto a esta aparecen un par de canciones igualmente afiladas que también pueden asociarse a nuestro folclore. ‘Soneto’, cuya letra aparece en el CD impresa como tal, bebe evidentemente de la tradición, pero incorpora elementos noise, resultando uno de los temas del grupo donde mejor casan lo popular y lo noventero. Por su parte, ‘Sacrificio’, guiada por un fantástico piano de cola a cargo de Antonio José de Vicente-Yagüe, es mucho más clásica, o al menos hasta que opta por otro final sangriento (feliz). Dos nuevas joyas irresistibles en un delirante suma y sigue. ¿Cuántas canciones perfectas tiene el dúo ya?

Hay un par de composiciones algo menos acertadas, como ‘Daño cerebral’ o ‘Relatividad general’, si bien cada una de ellas explora campos semánticos poco transitados en el pop (la biología, la moral o la física), y por tanto terminan resultando interesantes. Y es que aunque cuando nos enfrentemos a algo como ‘Buceador’, tengamos la sensación de que Klaus & Kinski se exceden en minutaje, en este caso para cerrar como siempre con una canción ambiental, algo, cuando no son las letras es la espectacularidad y la desolación de los arreglos, bloquea la sensación de descarte.

Klaus & Kinski habían puesto el nivel demasiado alto y hasta podríamos haber pensado que les iba tocando tropezar, pero en absoluto. Quizá beneficiados porque han empezado en esto sin ser precisamente unos adolescentes, vuelven a sorprender desde los primeros segundos del disco. ‘Contrato’, su canción más Stereolab, contiene un sonido que no puede ser más adecuado para su temática política y para la portada diseñada por Marina con inspiración “soviet”. Mientras, el corte inicial, ‘La duda ofende’, desde ya uno de sus grandes himnos, mantiene la inspiración disco de ‘Forma, sentido y realidad’, pero en este caso de manera más comedida, menos petarda y más elegante. Antes de su segundo estribillo, las cuerdas de Pilar Crespo, sólo un aviso de las grandes emociones que se nos vienen encima durante la siguiente hora de álbum, dan lugar a uno de los momentos más espectaculares de la carrera del grupo. Eso, a estas alturas ya es mucho decir.

Calificación: 8,6/10
Lo mejor: ‘La duda ofende’, ‘El día de los embalsamados’, ‘In The Goethe’, ‘Sacrificio’
Te gustará si te gustan: Claustrofobia, Stereolab, Vainica Doble, My Bloody Valentine
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No es su originalidad lo que los hace destacar, ya que practican un indie pop de guitarras del de toda la vida, con bonitas melodías vocales, ritmo sencillo y ocasionales arreglos (teclado, viento, cuerda) espolvoreados aquí y allá. Lo que merece la pena de ellos, como sucede con otros grupos talentosos actuales que recuerdan a otros en mayor o menor medida, es que dan la vuelta de tuerca necesaria a cada tema que evita el mero homenaje y toca todas las fibras sensibles que nos hagan volver a darle al play una y otra vez.

La preciosa voz de Amber Papini (quien también se encarga de la guitarra) se pasea como una caricia por los melancólicos aires de cortes como ‘Eighth Avenue’, ‘Betty Wang’, ‘Julie’ o ‘Sleepover’; una mitad del álbum ensoñadora y dulce que muestra una de las caras del grupo. La otra es menos recatada, pues Amber y sus chicos enseñan (un poco) los dientes e imprimen energía y vitalidad a canciones como el single ‘Friends of Friends’, la breve y efectiva ‘The Right Profession’ o ‘The Birthday’. Un estupendo debut que prueba (como afortunadamente hacen tantos otros) que no hace falta ser el último grito en modernidad ni un esperpento para tener que decir algo hoy en día.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘The Right Profession’, ‘Friends of Friends’, ‘Eighth Avenue’
Te gustará si te gustan: Belle & Sebastian, Camera Obscura, Veronica Falls, los Yo La Tengo más pop.
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Entre estos nombres, parece que en su último disco, ‘Have Some Faith In Magic’, se han decantado por los más actuales. Esto no quiere decir que intenten plagiar a uno o a otro, sino más bien que exploran un camino y unos sonidos que están en pleno desarrollo. Así, las voces etéreas -un instrumento más- y los ambientes chillwave están presentes en temas como ‘Cloud Chamber’ y ‘Pleasure Palaces’, los sonidos 8 bit y semejantes inundan todos los cortes con especial querencia en ‘The Knock’. Sin embargo, Errors no se abandonan a la electrónica por completo sino que la combinan con guitarras, teclados y baterías, por lo que no pierden ese punto de grupo de rock.

En la heterogeneidad está el gusto y, siguiendo con el árbol de las referencias, encontramos rastros también de dream pop épico a lo M83 o de la grandiosidad de unos Fuck Buttons en la última pista del disco, ‘Holus-Bolus’, que guarda semejanzas en su contundente desarrollo con ‘Flight of the Feathered Serpent’, tema final de ‘Tarot Sport’. De todos los artistas mencionados mi favorito es el dúo de Bristol, por eso será que ‘Holus-Bolus’ me parece de lo mejor de este ‘Have Some Faith In Magic’.

Con estas directrices podemos definir el último disco de Errors como un híbrido de electrónica y rock casi instrumental con gusto por los sonidos retro, los ambientes acuáticos y algún que otro ramalazo épico. Lo mejor de todo es que el LP no se acaba ahí, sino que en ‘Canon’ y ‘Earthscore’ se atreven con paisajes electrónicos que los acercan a Popol Vuh y otros alemanes setenteros de culo inquieto (no diré la palabra krautrock porque estos de rock tienen más bien poco).

En resumen, por algo hemos dicho al principio que son tan heterogéneos como sus paisanos Mogwai. No los vas a llamar chillwave porque no responden al arquetipo de friki-con-laptop ni es un proyecto unipersonal. Son más bien un grupo de inquietudes electrónicas y producto de su tiempo, pero si te gusta esta música, guardan un par de buenos ases en la manga.

Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘The Knock’, ‘Earthscore’, ‘Holus-Bolus’
Te gustará si te gustan: Explosions In The Sky, Holy Fuck, Com Truise, Washed Out, Fuck Buttons.
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¿Pero quiénes son estos dos, que me suenan? Pues obviamente te suenan. El primero es Raf Rundell, un DJ más conocido como Raff Daddy. Y el segundo es Joe Goddard, uno de los componentes de Hot Chip y quizá una de las voces masculinas más bonitas que tiene el pop a día de hoy. Tras conocerse en una fiesta en el Reino Unido, acaban de parir su disco de debut, ‘Be Strong’, un clarísimo canto a salir por ahí, al desfase y a pasárselo bien hasta que el cuerpo aguante.

Es inconcebible no empezar comparando al dúo con Hot Chip constantemente. Pasa sobre todo durante la primera mitad del disco, en la que Goddard se explaya vocalmente rodeándose de una música que puede recordar a las composiciones de su formación originaria. En Pitchfork han llegado a decir, incluso, que ‘Be Strong’ parece un LP conformado por descartes de la banda liderada por Alexis Taylor. Pero basta con rascar un poco más allá de la superficie para darse cuenta de que estos dos osos suenan más a Hercules And Love Affair, o incluso a cualquiera de las canciones más disco de Scissor Sisters que a Hot Chip.

Y es que las letras, importantísimas en este álbum, destilan un hedonismo desenfrenadísimo. Todas las letras desprenden la sensación de buenrollismo y felicidad que debería provocar una noche de bailoteo y de ponerse hasta arriba de alcohol hasta altas horas de la madrugada. Basten como ejemplos algunas líneas de ‘Be Strong’: “Some people say that music sets you free / but all my life the music has imprisoned me” o incluso otras más obvias, procedentes de ‘Ghosts & Zombies’: “Get high / get high / this is where you’re meant to be / Get high / so high / music is your remedy”.

Es precisamente al finalizar esa última canción, ‘Ghosts & Zombies’, donde Rundell y Goddard patinan un poco. ‘Time Of Mind’ da un giro completo a la percepción que tenemos del álbum con un estilo musical claramente diferenciado, y a la altura de ‘Increase Your Faith’, The 2 Bears se han convertido directamente en The Postal Service. Este resbalón les hace perder un poco el hilo, y provoca que el álbum pierda consistencia según avanzan los cortes restantes. Por suerte, lo salvan conduciendo al oyente -que ya ha perdido casi toda la esperanza de que eso remonte- a un final feliz coronado por ‘Church’, el último corte del disco: una canción luminosa, excelentemente producida y que toca varios palos en su desarrollo sin parecer un pastiche.

Calificación: 7/10

Lo mejor: ‘Church’, ‘Ghosts & Zombies’, ‘Be Strong’

Te gustará si te gusta: Hot chip, Hercules and Love Affair, decir cosas como “love is lovely, war is ugly” aunque seas hetero, los bares de osos.

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