El disco ha tardado una eternidad en llegar a las plataformas digitales de streaming tipo Spotify y tampoco lo colgasteis en Bandcamp. En resumen, la gente no lo ha podido probar en dos meses, ¿para vosotros lo importante era lanzar el CD y no que la gente os escuchara?
Entiendo lo de la eternidad como una manera de hablar, en un tiempo en el que todo va a toda hostia motivado por los medios, que necesitan novedades constantemente para dar de comer a la trituradora. En cualquier caso, lo importante es que la música llegue y para eso ha de ser escuchada. Aunque la gente que compramos discos sabemos que la experiencia no es la misma accediendo a él que escuchando las canciones en internet. Pero vamos, no había ánimo de esconder nada, porque semanas antes de la edición un amigo estrenaba una canción en su blog cada miércoles. Ni la cosa daba para tanto como para hacer de esto parte de una campaña, como en el caso de Coldplay; simplemente, hay cosas que es difícil controlar. Y si no las colgamos antes en el Bandcamp fue por dejadez.

Hay una norma no escrita que dice que los discos españoles de debutantes no pueden salir a últimos de noviembre o en diciembre porque pasan totalmente desapercibidos: no aparecen en las listas, luego la gente no lo escucha porque ya no es la novedad… ¿no habéis oído hablar de esta norma?
De Norma Duval, sí, pero de la norma que comentas no… Teníamos ganas de que saliera cuanto antes, sin más. Lo demás se nos escapa, a nosotros y a nuestro sello.

En el álbum hay maravillas tipo Spector-girl group (‘Mala memoria’). ¿Crees que canciones como esta podrían tener lugar con un cantante masculino o tenías claro que a Amaia la iba a sustituir una chica por el tono de las canciones, etc?
Antes de montar el grupo tenía claro que la cantante iba a ser femenina, por la sonoridad de las canciones que tenía en mente. En mi opinión, si estas canciones estuvieran cantadas por una voz masculina quedarían un poco forzadas, por las letras… Se perdería ese toque naif inocente que tienen algunas. Phil Spector hizo grandes producciones para voces masculinas como John Lennon, Leonard Cohen, Ramones o Righteous Brothers, pero creo que es en los grupos de chicas donde más brillaba. Para mí los de The Ronettes o The Crystals son discos de cabecera.

‘La ciudad ardiendo’ es muy Beach Boys y ‘Mar diamante’ más bossa, lo que se contrapone a otros grupos que has tenido o en los que has tocado antes, ¿vas llegando a estos sonidos con la edad o siempre te han gustado?
Cuando eres más joven, por lo menos en mi caso, lo único que quería era poner el ampli a diez, tocar lo más alto y rápido posible. Con la edad te das cuenta de que no todo en la vida es caña (risas). Empiezas a escuchar música más variada y a disfrutar de una buena melodía, por ejemplo. De la misma forma que las personas cambian y se desarrollan a lo largo de la vida, con los gustos musicales ocurre lo mismo. Desde luego que con 17 años no escuchaba a Vinicius de Moraes o a Neu!

¿Por qué habéis hecho un vídeo para ‘Dime qué vas a hacer’ y no para ‘La reina’, que era vuestra canción emblema?
Cada canción tiene su recorrido o ciclo. La canción de ‘La Reina’ fue nuestra carta de presentación, el grupo empezó a sonar gracias a esa canción y ya está, hizo su misión. No creo que tuviera mucho sentido que la volviéramos a utilizar de nuevo como single del disco. Era una canción que la gente ya había escuchado. Hay canciones que nos molaban más, como ‘Dime qué vas a hacer’ o ‘Que cunda el pánico’, que va a ser el segundo single y de la cual estamos preparando un nuevo vídeo.

El vídeo tiene una carga sexual que no me había dado cuenta que podía tener la canción, ¿y eso? ¿O sí la tenía?
Sí que puede reflejar lo que comentas, pero la letra habla más bien sobre el hedonismo, que la vida son dos días y que hay que aprovecharla y exprimirla al máximo. Se podría resumir como: “vamos a pasarlo bien y que le den por culo a todo que igual no hay un mañana”.

En realidad… ¿de qué va ‘La Reina’? ¿En qué se ha inspirado? La letra es un poco ambigua…
Es una letra ambigua, sí, y hace un juego de palabras con los diferentes significados de las palabras. Es la primera canción que tuvimos terminada y hace alusión al nombre del grupo y “a las reinas del baile” que hay por ahí.

El disco se abre y se cierra con dos de las canciones más potentes, casi post-rockeras, con vientos, guitarras fuertes. ¿Ha sido así de manera consciente?
Me gusta los discos que empiezan de forma potente y es lo que buscábamos con ‘Que cunda el pánico’. Es una canción directa, con un toque épico por las cuerdas que comentas, y pegadiza. Colocar ‘Verano’ para el final también está hecho de manera consciente; tiene un toque electrónico que de haberla situado en mitad del disco podía haber despistado o roto el ritmo. El disco básicamente se divide en una primera parte más alegre y una segunda un poco más oscura en cuanto a sonido y melodías. Nos gusta ese contraste o mezcla de lo alegre con lo oscuro.

Las letras a veces no se entienden, ¿por qué no las habéis incluido ni en el CD ni en el vinilo? ¿Son secundarias para vosotros?
Las letras no son secundarias en ningún caso, aunque en alguna canción hemos escondido la voz conscientemente para darle al conjunto un toque más etéreo. Simplemente no están hechas para ser leídas como poesía, de manera aislada de la canción, así que por eso decidimos no incluirlas. En cualquier caso, eres el primero que nos dice que no se entienden, aunque, vamos, están a disposición de cualquiera.

Algunas letras son de Amaia, ¿ha habido algún problema para su uso o ella más bien se ha hecho fan del grupo, suele ir a veros, etc?
No es cuestión de ser fan o no ya que ella ha sido parte de esto y ha dejado la impronta en el disco, vamos, que ha sido parte de esto. Amaia ha venido a vernos con Maite ya como cantante y nosotros iremos a verla. No hay ningún tipo de rollo raro, incluso yo grabé en varias canciones del disco ‘La fuerza’ el bajo. Cada uno ha seguido su camino y ya está.

¿Qué canciones habéis regrabado teniéndolas ya terminadas?
Terminada del todo no estaba ninguna, ya que hasta el último momento hemos ido cambiando cosas. Por ejemplo, ‘Dime qué vas a hacer’ o ‘Verano’ sonaban muy diferentes antes de que Banin (Los Planetas/Los Pilotos) metiera mano en ellas. Las canciones han ido creciendo o cambiando en el estudio. Cuando nos metimos a estudio llevábamos las canciones un poco abiertas. También se dio el caso de un par de canciones en las que estuvimos trabajando con alguna base electrónica y otra más rollo Velvet que no conseguimos que sonaran como queríamos, así que las mandamos al congelador.

¿Por qué habéis dejado la voz de Amaia en algunas pistas?
Porque molaba y porque queríamos darle su espacio en el disco. Tampoco era plan de hacer una ruptura radical.

Al principio, con tanta colaboración, pensamos que Reina Republicana sería un súper grupo, pero en realidad, es básicamente el tuyo, ¿no?
En un principio cuando empezamos a sonar en Radio 3 o aparecer en diferentes blogs, no teníamos una formación estable. Así que Guille Mostaza o Banin nos ayudaron a grabar el disco. Estuvimos unos días en casa de J grabando esos temas y haciendo uso de su piscina. De hecho, grabar esta primera demo fue la excusa para bajar unos días a Granada y visitar a los amigos que tenemos por allí. Creíamos que esas canciones no iban a gustar a nadie, y de repente la bola fue creciendo y terminamos firmando por Limbo Starr, que era el sello al que estábamos intentando cortejar. A pesar de que ya tenemos una formación más o menos estable, seguimos trabajando con Banin, Guille, etc. De hecho seguro que acaban ayudándonos en directo en cuanto surja la oportunidad. En todos los grupos hay alguien que lleva el mando, y parece que me ha tocado a mí, pero este disco es el resultado del duro trabajo de mucha gente.

¿Cómo completaréis un concierto teniendo sólo 10 canciones? ¿Barajáis versiones, tenéis descartes?
Estamos trabajando en canciones nuevas, de las cuales alguna vamos a estrenar este viernes en la fiesta del Popfest. También tocamos la versión de Daniel Johnston que acaba de aparecer en un disco tributo. Poco a poco vamos teniendo temas nuevos.

Habéis dicho que habéis tirado muchas canciones, ¿cómo eran? ¿Queríais hacer un disco cortito sí o sí?
No teníamos clara la duración del disco, y hablando con David de Limbo Starr y Albaro de El Columpio Asesino, nos recomendaron hacer un disco de debut directo y concreto. Las canciones que desechamos fueron de las primeras que hicimos, más rollo The Pastels o Beat Happening. No estaban muy definidas…

El nombre del grupo es contradictorio, ¿os veis contradictorios a vosotros mismos en esencia?
Claro que es contradictorio, como la misma esencia de la monarquía democrática. Pero en nosotros no hay nada contradictorio, aunque sí confuso por momentos, y la confusión es sexo, como bien sabían Sonic Youth.

Normalmente el tercer disco es el más difícil para un grupo, en el que se suele plantear un cambio, pero para vosotros que sois tan eclécticos, ¿ha sido igual?
Alejandro: “Quizá sí es cierto que es el más difícil. Bueno, el difícil es el primero porque es cuando no eres nadie. Con el segundo tienes una cuota de público asegurada. Haces un poco mejor lo que ya has hecho antes. Pero ahora cualquier decisión se mira con lupa. Se dice que o te reiteras o que no arriesgas demasiado. Inseguridad la vas a tener siempre”.

Si el primer disco es para convencer y el segundo para consolidarse, ¿el tercero para qué es?
A: “El de la madurez no es, ese será el cuarto. El quinto será el directo en algún lugar de Tokio y el sexto es el doble, pero el tercero…”
Marina: “A lo mejor es el de permitirte algunas licencias porque ya has mostrado todas tus cartas”.
A: “Hombre, supongo que si conseguimos hacer un tercer disco a un nivel aceptable no hace falta convencer de que algo de calidad en la voluntad que tienes, hay. Al primer disco es muy clásico catalogarlo como hype y todo el mundo espera a ver si aguantas el segundo porque como el segundo sea una mierda, es que el primero salió bien de casualidad”.

¿Cómo calificaríais este nuevo álbum?
Alejandro: “Este disco es más lineal, menos disperso. En general los grupos empiezan siendo lineales y luego se van dispersando. Nosotros, al revés. Hemos empezado dispersos y luego nos hemos centrado en el sonido que somos nosotros. Por eso este disco es menos ecléctico. Bueno, entre comillas. Para nosotros la música de por sí es variada. Pero los contrastes ahora son menos extremos. El principio del disco anterior estaba pensado para contrastar. Por el contrario, en este las tres primeras son más electrónicas: todas empiezan con un arpegio de sintetizador”.

También hay canciones orgánicas…
A: “Lo que quería decir es que la forma de trabajar es electrónica. Hay canciones orgánicas pero son una minoría. Nuestra forma de trabajar es bastante compleja y se parece más a un productor de electrónica que al típico grupo de cuatro tíos. La gente cuando viene a vernos se piensa que está todo grabado, pero hay una arquitectura a la hora de sacar los sonidos muy compleja”.
M: “Los teclados están automatizados, de manera que se van mezclando más alto o más bajo, van cambiando los tipos de sonidos…”.
A: “Los discos son muy variados, no somos como Wave Pictures, que son muy guay, pero lo nuestro es más exuberante. Llevamos a un tío con varios tipos de sintetizadores y toca dos cosas a la vez, con una mano, una; y con otra, otra. Además, controla un sample aparte con las cosas que yo he metido previamente. Es una locura de trabajo. No es como Madonna bailando con un karaoke detrás. Además de llevar un violín en directo, el teclista ha doblado antes las cuerdas con un efecto rollo mellotron, para emular una sección orquestal. Son trucos de producción. Es muy pesado de hacer previamente”.

En el disco también hay guitarras más fuertes y más cuerdas…
A: “Quizá se hacen las cosas pensando que las vas a tocar en directo. La parte rítmica es todo programación, las guitarras tienen mucho delay, usamos muchos sintes, tenemos una voz lánguida que canta flojito… Usas lo que tienes en el estudio sabiendo que vas a girar. Estás condicionado por lo que tienes”.

Parece claro que tenéis a Pilar a las cuerdas, ‘La duda ofende’ parece hecha para ella…
A: “Hay mucha cuerda en el disco por todas partes. Hay algunas más protagonistas y hay otras más empastadas, más mezcladas con otros instrumentos que parece que no están pero están ahí”.

¿Los sonidos electrónicos han influido en la portada del disco?
M: “No, la portada la pensé en función del nombre. Quería darle un rollo “soviet”. Es bastante obvio el rollo proletario. Seguro que mis profesores me hubieran dicho: “esfuérzate un poco más”, aunque a mí me gusta mucho”.
A: “Tiene reminiscencias ideológicas, el yunque flamenco, el golpe, el drama… Herreros y fatigas es una calle de Murcia, pero tiene connotaciones poéticas interesantes. Remite a algo añejo, costumbrista…”.
M: “Fatiga es una técnica de herrería”.
A: “Es una forma de moldear el metal”.
M: “Yo no lo sabía”.

La canción de ‘Contrato’ parece la que más casa con la portada.
M: “Sí, pero es una relación casual. Ahora que lo dices, lo pienso y sí, porque habla del sometimiento, pero no estaba pensando en ‘Contrato’ cuando la hice”.
A: “Él lo dirá por las portadas de Stereolab, el minimalismo…”

Ponéis 14 canciones siempre, ¿es por alguna razón?
A: “No, de hecho hemos hecho descartes, hemos materializado un par de temas más, pero al final dijimos: “vamos a dejarlo en 14 otra vez, ¿qué más da?”. Hay algunas que casi se han terminado, pero no se ha grabado la voz”.

Me dijeron de vuestro sello que llegasteis a manejar como 30.
A: “30 no sé, ideas empezadas quizá más de 20. Igual hay cuatro o cinco que empiezas pero no llegas a terminar”.

¿De qué depende que no sigas adelante con una canción?
A: “Lo vas viendo por el camino. A veces se estancan. Nosotros no maquetamos, pero a veces Marina graba las voces, vemos cómo queda y les coge rabia. A veces hemos dejado fuera canciones que igual eran mejores. Lógicamente nos podemos equivocar”.

El tracklist a veces parece lleno de guiños a discos anteriores. Por ejemplo, ‘Sobria y serena’, que era la canción friqui del disco anterior, ocupa casi el mismo lugar que ‘Cumbres profundas’, muy metalera. ‘Carne de Bakunin’ era la 5 y ahora la 5 es ‘Poderoso caballero’. El pasodoble y el bolero eran la 4, que ahora es ‘Soneto’. ¿Todo esto es consciente?
A: “No lo había pensado. El final del disco suele ser cuesta abajo. El principio va de menos a más. Hacia la mitad hay cierta dispersión, con géneros menos ortodoxos y luego se vuelve a subir. ‘Cumbres profundas’ no la veo friqui, la veo muy My Bloody Valentine, aunque luego se desarrollara por otro lado”.

¿Incluís conscientemente autorreferencias, por ejemplo en ‘El día de los embalsamados’ a ‘Muerte en Plasencia’?
A: “En ese caso no. Igual en otra canción… Lo que sí repetimos son cuestiones de producción o sonidos, casi como libro de estilo y con ciertos límites, que sabes que tendrás que cambiar en el futuro, pero que te puedes permitir en un tercer disco. Para el cuarto disco, no sé si quizá ya tienes que dar un giro para no repetirte”.

¿Hay algún género que no estaríais dispuestos a abordar o con el que no os atreváis?
M: “Yo no me atrevería a hacer lírico así muy ortodoxo porque no lo haría bien. A lo mejor Alejandro no está de acuerdo”.
A: “A priori ningún género tiene nada de malo. Lo que nos puede resultar sonrojante es la ideología que hay detrás, y con ello me refiero al mensaje, a la estupidez, a que no haya nada detrás diciendo algo interesante. Puedo escuchar un disco de Bisbal y si está haciendo un tema con arreglos de bachata, pues me parece bien, pero luego escuchas que está cantando tonterías y ya no me gusta”.
M: “Y no es sólo lo que digas, sino lo que transmitas. La música es como un objeto, y no es lo mismo comprarte un exprimidor del chino que uno de Philippe Starck. Hay un lenguaje subyacente que dice cosas, y en el caso de Bisbal, dice caspa”.

¿Y no os asusta resultar demasiado cultos para la masa? Me refiero a que utilizáis referencias de la cultura clásica o históricas que, según qué círculos, no se entenderán.
A: “Pues no lo sé, porque otras veces nos acusan de lo contrario, de ser demasiado chanantes y humorísticos. Ya no sabemos a quién hacer caso”.

Hay una cita en ‘Dos males tienes’ a ‘Dos gardenias’. Supongo que os gusta en serio y que no es irónico, ¿verdad?
M: “Sí”.
A: “Hombre, claro”.

¿Por qué parece tan raro reivindicar el folclore español o latino?
A: “Es una cuestión conceptual que tenemos aquí. En España escuchamos música del folclore anglosajón, pero es perfectamente lícito utilizar otras formas de música popular. Así que nosotros hacemos esto simplemente porque nos gusta el folclore español, aunque hay muchas cosas que nos gustan que obviamente no meteríamos en el grupo porque no tendrían nada que ver, como la música renacentista, aunque me gusta la música clásica. Es decir, me puede gustar el flamenco y cierta música folclórica latinoamericana y como es música popular del siglo XX digo: “¿Por qué no la podemos meter en un disco? ¿Por qué tiene que ser todo anglosajon? ¿Qué tiene de malo?”. En nuestros discos sí puede tener sentido por ejemplo, el vodevil o la música melódica italiana. La música popular es la que antes era de transmisión oral y ahora se convierte en música de masas que transmiten la radio y la televisión. Y no toda es anglosajona. A saber cómo será la música tradicional dentro de 30 años cuando Estados Unidos no sea la primera potencia”.

El nombre del grupo, la inclusión de figuras clave de su historia, citas expresas… ¿Vuestra fascinación por la cultura alemana a qué se debe?
M: “A Alejandro le gusta mucho la historia y la literatura”.
A: “Es un poco casualidad, pero es cierto que hay muchas referencias alemanas. Lo de Goethe es porque era un chiste un poco lerdo pero nos venía muy bien para ilustrar esta canción que queríamos hacer romántica, pero como se entiende el romanticismo de verdad, el literario”.
M: “Claro, con sus suicidios, su tuberculosis, sus paseos por el cementerio”.
A: “Lo que es un romántico de verdad, no Jennifer Lopez ni Meg Ryan ni Tom Hanks. Y Goethe es un precursor de ese movimiento y la excusa perfecta para hacer el chiste. El nombre de Klaus & Kinski es porque nos fascinaba su locura, lo de Mengele es porque es una historia lo suficientemente sórdida como para trenzar una historia que partiendo de lo casual llegara a lo universal. Mi estilo es refugiarme mucho en el humor y en el sarcasmo, en lo tétrico… Lo de Hitler es lo mismo, es que es un personaje fascinante, de los más fascinantes del siglo XX. Si hubiera vivido en la Alemania de 1933 evidentemente no habría caído en su discurso, pero entiendes que hipnotizara”.

¿Grabáis en un estudio en casa?
A: “Sí, el 95% en todos los discos los he grabado en casa. Luego también trabajamos con nuestro técnico, las voces las hacemos con él, algún instrumento… Para mí es cómodo: puedo hacer la mayoría en casa y luego tengo una persona de confianza para contrastar cosas”.

El estudio tiene que ser apañado, porque no tenéis el sonido clásico de lo-fi habitual de los grupos que graba en casa.
M: “Es un trastero con ventanas”.
A: “Es Palestina, minúsculo”.
M: “Al principio era el estudio de los dos, había un armario, una cama… La cama ahora es una litera donde poner cosas y mi mesa ha desaparecido”.

Bueno, nena, pero el grupo es de los dos…
A: “Es que para ella cuando estoy en el estudio es como si no estuviera trabajando, es como si estuviera en el Facebook”.
M: “Yo casi tengo prohibida la entrada. Ahora tengo que hacer las portadas en el salón”.

¿Cómo vas pasándole las canciones a Marina? ¿En grupos o una a una?
A: “Ella inevitablemente lo va escuchando todo porque enciendo los monitores”.
M: “Pero oigo el mismo bucle de 7 segundos 60 veces. La versión completa de la canción la escucho casi cuando el resto. Él tiene una canción pensada, me la enseña, la canto, me dice que “sí se puede”, “no se puede”, graba sus cosas y…”
A: “Y entonces es cuando ella dice: “no me gusta”, “no está a la altura”, “esto es una mierda”".

Marina, ¿nunca cambias cosas de las letras? Hay cosas muy tuyas, para cualquier persona que te lea en Twitter o Facebook, como lo de Ángel Cristo.
A: “Sí las cambia, lo que pasa es que tenemos el humor en común, muchas frases hechas…”
M: “Lo de ‘Deja el odio para después de comer’ por ejemplo era mío”.
A: “Tira muchas letras para atrás”.
M: “Yo soy muy brusca. Sé que él se exige mucho y está mal que lo diga yo, pero es que a mí me parece que el nivel está muy alto, por eso cuando veo que algo no está a su altura se lo digo”.
A: “A veces repito letras y luego lo he agradecido porque ella es como un editor exigente”.
M: “Hay un toma y daca. Hay canciones que han tenido tres letras, como ‘Daño cerebral’”.
A: “‘Daño cerebral’ desde el principio tenía esa. Tú dices ‘La pensión’”.
M: “Partamos de que no soy cantante. Hay cosas que me salen, como ‘Daño cerebral’, pero hay veces que me cuesta hacerle entender que yo no puedo cantar ciertas cosas porque yo no estoy al nivel de ellos”.

Pusiste en Facebook que había un tema que te costaba cantar, ¿cuál era?
M: “‘Sacrificio’. Hay una parte que es muy aguda y tendría que ganar mucho en confianza para hacerla en directo”.
A: “Igual en los acústicos”.
M: “Es una canción para ponerme delante del espejo, como se ensaya la lírica”.
A: “La llevamos ensayada. Quedaba bien con el violín y la guitarra española, pero reconocemos que era un hueso salir en Radio 3, cuando te está oyendo tanta gente, cantando eso”.
M: “‘In The Goethe’, que es más difícil también, me resultaba más asequible”.
A: “Lo que vemos claro es que podemos tener dos tipos de concierto distintos. Si quieren que sea algo sencillo podemos actuar en un formato que no sea tan ruidoso aunque llevemos alguna base. Y por otro, hay otro directo más de sala, con guitarras eléctricas, bases más fuertes. No tiene nada que ver uno con otro”.

¿Cuál es la canción favorita del resto de músicos?
M: “De Paco es ‘La duda ofende’”.
A y M: “A Antonio le gusta ‘Cumbres profundas’. Antonio es muy importante en el grupo, hace todo lo complicado, al ser teclista y tener dos manos, da mucho juego. La gente se piensa que lo que hace es muy fácil, pero él es pianista, toca la guitarra y el ukelele. Lo que pasa es como es tan tranquilo… Él destaca más por guapo”.
M: “Pili no lo sé. Es muy educada y positiva, le parece todo bien”.

¿Habéis conseguido vivir de la música?
Marina: “No, qué va. Tenemos trabajos normales”.
Alejandro: “Ese es un poco nuestro drama. Ahora estamos bien porque con la salida del disco tenemos algunos conciertos, pero el verano ha sido dramático. Mucha gente se sorprendía porque se pensaban que nos iba genial. Pero estamos agobiados como media España. Bueno, menos, porque yo tenía trabajo. Igual los meses que estás tocando puedes vivir, pero los cuatro siguientes no”.
M: “La vida útil de un disco en cuanto a conciertos son ocho meses o un año, a lo sumo”.
A: “Si ganas mucha pasta, pues puedes ahorrar. Pero nuestro caché no es tan grande como para dejar nuestros otros trabajos”.

Pero se presenta una buena perspectiva: gira, festivales…
A: “Sí, pero ahora ni se venden discos y con la crisis casi no se dan conciertos y se toca cada vez menos. Sí, hay festivales, pero los consolidados. Y la gente te dice: “¿Que no vivís de esto? Pero si habéis salido en Radio 3 y en todos los lados. Si vosotros no vivís de esto, entonces ¿quién vive?”. Y dices: “pues chico…”"
M: “Algún Fran Perea, o La Oreja de Van Gogh…”
A: “Es que la gente no sabe cómo están las cosas. La gente ve a Pau Donés y a Alejandro Sanz, y se piensa que así estamos todos, pero no es así…”

Entonces no estáis de acuerdo con esa justificación de la gente que dice: “yo me descargo el disco, que ya pago bastante en los conciertos”. ¿Hasta qué punto es eso verdad?
A: “Es que para vivir bien de la música de los conciertos tienes que tener un estatus alto y tocar mucho, aunque no hayas vendido nada”.
M: “Pero bueno, normalmente viene todo junto. Piensa por ejemplo en Russian Red, que vende mogollón de discos y eso le ha llevado a dar muchos conciertos siempre llenos y a aumentar su caché con entradas de 30 euros. Nosotros no sé cuántos discos hemos vendido, pero puede que 2.000, no sé”.

Marina, ¿cómo fue cantar ‘Recuerdo de Zamora’ de Anntona? Y a ti, Alejandro, ¿te gusta verla cantar con otros?
M: “Me gusta un montón, me alegré de que él pensara en mí. A Manu le quiero mucho, que cuente conmigo para mí era muy guay. Si no me lo hubiera dicho él, yo le habría dicho: “Ay, payo, yo quiero cantar”. De su disco es la que más me gusta”.
A: “A mí la canción me gusta mucho, además todo lo que canta por ahí me toca editarlo a mí, como lo de Pumuky”.

¿Tenéis claro qué canciones no vais a tocar en esta gira, teniendo ya tres discos?
A: “Tocaremos este disco entero prácticamente, igual unas 12″.
M: “De las viejas hay canciones que me quedan mal. Hay canciones que aunque molan, como ‘La mano de Santa Teresa’, ‘Por qué no me das tu dinero’ o ‘Nunca estás a la altura’, yo destaco demasiado. Renunciaría a ellas no porque no me salgan bien, sino porque tengo demasiado protagonismo y nos hace más mal que bien tocarlas”.
A: “‘Nunca estás a la altura’ es de las que tenemos que tocar siempre, la gente la está esperando… Aunque en realidad el primer disco es una recopilación de canciones que habíamos ido grabando a lo largo de años. Se convirtió en disco pero no estaba pensado para ser tocado”.
M: “También hay canciones que nos gustan pero que al técnico le dan mucho trabajo, tipo ‘Ley y moral’. Las que tienen mucho ruido no nos favorecen porque dan problemas de sonido…”
A: “Bueno, el otro día me decía lo contrario: “¿No vais a tocar ‘Ley y moral’?”.

Si se siguieran haciendo las galas de ‘Murcia, qué hermosa eres’, ¿os llamarían para actuar como embajadores de la región?
M: “No creo, aunque con el dinero con el que se hacía la gala esa ahora se hace el SOS, así que en realidad sí que cuentan con nosotros”.
A: “Claro, es que un día se dieron cuenta de que aquello no servía de mucha promoción para Murcia y que lo que cortaba la pana ahora en España son los festivales de grupos raros que meten a 40.000 personas en la ciudad unas fechas en las que de otra forma no iría nadie”.
A: “No somos embajadores de Murcia, porque si hubiera nacido en Cuenca amaría a Cuenca, pero eso no se puede evitar, quieres a tu madre porque es tu madre. Pero ya”. Sebas / Claudio.

¿Qué podremos oír en vuestro paso por España? Mezclaréis la electrónica de ‘Drums and Guns’ con el sonido más clásico de ‘C’mon’?
Será algo muy clásico, muy minimal, más enfocado al sonido de ‘C’mon’. También incluiremos algo de teclado, pero será básicamente guitarra, bajo y batería, sin componentes electrónicos.

El nombre del disco sugiere movimiento, un contraste con el nombre de tu banda, Low. ¿Por qué elegiste titularlo así?
Sí, es una especie de encuentro entre contrarios. Me gusta la idea de la acción y la comunicación cara a cara, la cercanía, comunicarte con el que tienes enfrente. El disco querría decir algo así como “ven conmigo”.

La primera palabra que vino a mi cabeza al escuchar el álbum fue “bonito”. ¿Era esa la intención, crear algo que pudiéramos definir así?
Después de ‘Drums and Guns’ queríamos hacer algo en la dirección opuesta, algo que sonara más íntimo, sin ruido. Creo que una canción que representa bien el disco es ‘$20′, queríamos conseguir ese ambiente íntimo y que fuera muy bello.

¿Por eso elegisteis a Matt Beckley como productor, para conseguir esa intimidad, en lugar de Dave Fridmann, que ha colaborado con vosotros en los últimos álbumes?
Así es, aunque en realidad Beckley se incorporó en la fase de la mezcla, que hizo en su apartamento de Hollywood, California. Pero sí, pensábamos que él era adecuado para conseguir ese sonido que buscábamos.

Grabasteis ‘C’mon’ en el mismo estudio que ‘Trust’, el Sacred Heart Studio, que es una antigua iglesia católica. ¿Buscabais el mismo sonido?
El estudio está a cinco minutos de mi casa, y además es barato, así que no había mejor opción. Puedes pasarte grabando dos o tres días seguidos, descansar un poco, regresar y seguir grabando. Es un buen lugar. Pero no queríamos conseguir el sonido de ‘Trust’, porque era un disco lleno de rabia, y este es más cercano, más íntimo.

‘Drums and Guns’ era vuestro álbum político pero ‘C’mon’ es mucho más introspectivo. Sin embargo, viendo tal y como está el mundo ahora parece que dan ganas de seguir el camino de tu anterior disco.
Sí, ‘Drums and Guns’ era una lucha para decir que algo está pasando, pero encuentro que hay más verdad en algo que puedes decir a otra persona, cara a cara. La política es comunicación con la masa y buscábamos algo más directo. Puedes hablar de las mismas cosas cara a cara y será más verdadero. La violencia se convierte en algo personal.

En el Primavera Sound de 2010 tocasteis el ‘The Great Destroyer’ al completo. ¿Cómo os sentisteis, fue una oportunidad de desquitaros tras cancelar parte de la gira de aquel álbum?
Bueno, nos lo sugirieron y nos gustó la idea. Disfrutamos mucho ese concierto porque pudimos tocar canciones que normalmente no tocamos. Fue extraño porque no es el formato al que estamos acostumbrados, un espectáculo diferente, pero fue muy divertido.

Llevais casi veinte años de carrera y nueve álbumes. ¿Qué opinas de vuestros primeros discos?
Están bien, pero éramos muy ignorantes grabando. Los escuchas y dices “podría haberlo tocado mejor” pero no nos arrepentimos de lo que hicimos. Después de todo, tuvimos mucha suerte de haber podido hacer lo que hemos querido y fuimos muy felices haciéndolos.

¿Los cambios en la industria musical en estas dos décadas os han afectado?
Estamos aparte de todo eso, siempre hemos hecho lo que hemos querido. Siempre hemos sido una banda de directo, girando continuamente, así que nos mantenemos gracias a eso.

¿No sientes que esta industria, o la cultura musical, tiene unos valores muy alejados a los tuyos propios?
Bueno, la gente de la música es mucho más espiritual de lo que se piensa. Ellos tratan de hacer un mundo mejor, de entenderlo, de entender qué es lo que pasa a su alrededor… En realidad es como una iglesia. No hay necesidad de luchar ni nada de eso. El rock and roll es espiritual, es el Evangelio (rock and roll is Gospel). Se trata de un lenguaje que todos conocemos.

Hablando de gospel, ¿hay novedades con respecto a Retribution Gospel Choir?
Sí, hemos terminado un EP de cuatro canciones, que verá la luz la misma semana que Low llega a España. Esperamos hacer algo más y salir de gira, pero es una pena porque de momento no podemos debido a ciertos problemas legales del batería… por la marihuana (risas).

El favorito en las primarias republicanas de Estados Unidos es Mitt Romney, candidato que además es mormón como tú. ¿Qué opinas de Romney y de la importancia del credo religioso en la política?
Parece una buena persona aunque es un conservador y yo tengo ideas más liberales. De todas formas, América se ha convertido en un sistema de dos partidos, un sistema muy feo, en el que en realidad no hay mucha diferencia entre unos y otros. América está dirigida por el dinero, por los ricos. Y la actitud americana va por un mal camino, todo es egoísmo y codicia. Hay una cantidad ilimitada de recursos en América pero son propiedad de unos pocos. Con respecto al tema religioso, he de decirte que a la gente no le gustan los mormones. Nos tienen miedo porque creemos en algo, realmente creemos.

Pero hay mucha gente que cree en algo.
Sí, pero no de la misma forma. Creen en sus curas y demás pero nosotros creemos en Dios. Todo lo que sé es que hay cosas que no se dicen porque quedarías mal, pero que se piensan. Por ejemplo, la gente no dice “negrata” pero lo piensa.

Es decir, que son racistas pero no lo dicen.
Exacto, y en los medios hay programas que se esfuerzan en decir lo malos que son los mormones. La ignorancia asusta a la gente, pero nadie quiere oír esto.

Foto: Sara Kiesling.

¿Os tuvieron que insistir para realizar una reedición de ‘La fuerza’ o teníais claro que la queríais hacer?
Luis y Montse (Elefant) querían editarla y a nosotros nos apetecía regrabarla en estudio.

¿Tuvo algo que ver la oportunidad de hacerle un vídeo al fin?
En realidad no, la grabamos antes de decidir la canción de la que haríamos el videoclip.

¿Rescataréis más canciones antiguas en un futuro en algún otro formato?
No es nuestra intención, pensamos en grabar nuevas canciones.

¿Por qué escogisteis ‘Mi chica preferida’ para este single y no otra de las canciones que conocíamos, como ‘Mami’ y ‘Sólo el amor podrá salvarnos? ¿O fue cosa de Elefant y a vosotros os daba igual?
Fue cosa nuestra, nos gusta esa canción y no nos quedamos contentos con la primera grabación.

¿Con qué canción contribuiréis a los splits de Discos Walden?
Con dos canciones nuevas de las que preferimos no revelar nada. Sólo os diremos que una suena un poco electropop.

Discos Walden es un subsello de Gramaciones Grabofónicas, ¿seguiréis pajareando entre unos sellos y otros o vuestro sueño es asentaros con uno solo?
Hasta ahora hemos aceptado las ofertas que nos han parecido interesantes. Por otro lado, sí, nos gustaría pertenecer a un sello discográfico siempre que resultase beneficioso.

¿Planeáis un disco largo, en vinilo, o en algún otro formato? ¿Cuáles serán vuestros próximos pasos?
Vamos teniendo canciones nuevas y nuestra idea es grabar un nuevo disco. En las últimas canciones (las de Discos Walden) hemos trabajado con unos productores con los que nos gustaría hacer un disco largo.

Canciones como ‘Nena’, entre otras muchas otras, suenan mucho a la Movida madrileña, casi más que ningún otro grupo. Pero vosotros ni siquiera sois de Madrid, ¿os sentís muy influidos por esta corriente?
No especialmente. Sí que compartimos cierta actitud con algún grupo de la Movida, pero nos hemos dado cuenta ahora, no es nada premeditado. Además no es necesario ser de Madrid para eso. Seguro que tú tienes algún producto Apple y no resides en Cupertino.

‘El bosque’ es una canción bastante diferente en este EP, ¿podemos esperar canciones más turbias o kraut en el futuro del grupo?
Las canciones salen de algún sitio, a menudo están condicionadas y responden a un estado de ánimo. Nos parecía un bonito cierre para el EP. Sebas, no veo el punto kraut al que aludes.

Este fin de semana hay un sinfín de conciertos en Madrid en Siroco, Nasti, Costello y también en Barcelona en el Apolo, etc… ¿creéis que la “escena” vive un momento excepcional o siempre se ha hecho buena música?
No creo que ahora se haga mejor música que antes, la verdad, no lo sé. Desconozco si se hacen más conciertos en la actualidad que en tiempos pasados. Es cierto que de un tiempo a ahora hay mucha más gente relacionada con la música, no necesariamente músicos, especialmente en el indie. Puede ser una respuesta a las actitudes de hoy en día. No hay duda de que la difusión de la música y todo lo que le rodea a través de internet, posibilita un circuito continuo que, a su vez, supone un negocio extraño. Se ha llegado al punto de que los grupos tienen que pagar por tocar.

¿Quién se ha roto una mano justo antes de este bolo? Acabamos de ver la instantánea en FB…
Sólo fue un pequeño esguince que no le impedirá rendir plenamente en el concierto del sábado. Ha sido Javi emulando a Genesis de Psychic TV….

¿Qué le ha parecido a Amaia el disco de Reina Republicana? ¿Y al resto del grupo? El estilo, mucho más preciosista, no puede estar más lejos de Kokoshca…
Creo que suena bien y después de todo el esfuerzo que les ha costado, me alegro mucho. Personalmente sólo entiendo una manera de hacer la música y es la manera de Kokoshca.

Foto: Iker Insausti

Acabas de llegar de Reino Unido de tocar con un par de miembros de Belle & Sebastian, ¿verdad? ¿Cómo ha ido?
Sí, con Stevie y con Bob. Ha ido genial. Charlie, Pablo y yo teníamos miedo por ver si la cosa caminaba o no, pero sonó muy bien desde la primera canción. En el concierto de Glasgow estaba muy nerviosa, porque pensaba en la escena musical de la ciudad y estar metida allí con ellos me superaba un poco. No fui capaz de disfrutarlo. Londres en cambio fue una de las mejores noches de mi vida. El Union Chapel es impresionante.

¿Qué pasó para que fuera tan bien?
Veníamos de un bolo que no había salido todo lo bien que queríamos. En un concierto, el 50% depende del sitio, de la acústica, de cómo te sientes, de cómo te acoge la gente de la sala… En Londres todo fue favorable, tenía amigos entre el público y fue espectacular. Había el balance perfecto entre españoles e ingleses y el público estuvo muy animado. Bueno, todo lo animado que se puede estar con mi música. Lo notaba sobre todo al final de las canciones.

¿Y en Glasgow? ¿Te sigues poniendo nerviosa antes de actuar? ¿Te veías venir lo que podía pasar?
Sí, no lo había dicho antes, pero sí, estas cosas te las vas viendo venir. Sentía que había una barrera, quería estar allí, estaba muy contenta, pero hay veces que eso te bloquea. Me planteé si quería seguir haciendo esto si no iba a ser capaz de disfrutarlo. Tenía la sensación de que quería que acabara cada canción. Pero no, fue algo excepcional, se me pasó enseguida.

¿Qué te decían Belle & Sebastian al respecto?
El primer concierto de Belle & Sebastian en Londres fue en el Union Chapel y Stevie me contó que ellos antes no tocaban, pero que cuando tocaron allí todo el mundo ya conocía sus discos y que el público estaba animadísimo, tipo “el concierto de su vida”. Por lo visto, hubo un solo de trompeta y el público se vino tan arriba que Stevie me dijo que se tuvo que girar porque no podía asimilar lo que estaba pasando. Stevie y Bob han tocado en todo tipo de sitios y tienen mucha experiencia. Tienen una gran falta de prejuicio, aportan muchísimo. He vuelto de viaje como distinta, como queriendo disfrutar del escenario.

Sobre el show de Glasgow, ¿te dijeron: “muchacha no ha sido para tanto” o directamente no se habló del concierto?
Sí, sí se habló. Después del concierto, en la primera hora, sólo hablas del concierto. Stuart de Belle & Sebastian vino a un ensayo y luego al concierto. Impone mucho, ya había conocido a los demás, pero no deja de completar el mito que Belle & Sebastian por lo menos es para mí. Yo estaba con las orejas gachas y no quería que nadie me hablara. Pero me dijo que le encantó, que de lo que había visto en la sala era de lo que más le había gustado y que cómo era posible que Stevie y Bob estuvieran sonando tan bien, que no entendía nada (risas). Luego Stevie me dijo que Stuart era súper exigente y que no lo había dicho por decir.

Dijiste en Buenafuente que conociste a Belle & Sebastian por una amiga, ¿no? Y que no tenías noción del indie o del no indie…
Carmen es una “musiquitas”, una amiga de la universidad, de Traducción. Hasta ese momento escuchaba lo que me gustaba, que solía ser lo que ponían mis padres. Música de otra época, no escuchaba mucho la radio. Y Carmen estaba metida en escenas de manera prematura, porque de adolescente había tenido amigos mayores. En la universidad aprendí mucho a nivel musical. Cuando introducía conceptos como “indie” yo simplemente lo escuchaba y decía: “esto está genial”.

¿Qué disco de Belle & Sebastian fue o de qué época estamos hablando exactamente?
No llegué en un disco concreto. Ella me habló del grupo, me puse a buscar en internet y escuché ‘The Boy With The Arab Strap’ y ‘Tigermilk’. Después, ‘The Life Pursuit’, el más eléctrico. Estos son los tres que más he escuchado, tampoco soy una gran seguidora de toda su discografía. Me gusta lo que ellos evocan, más que nada.

¿Qué te dijo Carmen cuando se enteró de que trabajarías con ellos?
Alucinó bastante, porque yo soy fan, pero ella es muy, muy fan. Conoció a uno de los chicos de su vida en el Ocho y Medio porque se preguntaron cuáles eran sus grupos favoritos y uno dijo: “The Smiths y Belle & Sebastian” y el otro contestó: “¡¡los míos también!!”. Para ella fue una parte de su vida importantísima, y cuando escucho Belle & Sebastian no puedo excluir esta historia.

¿Cómo llegaste exactamente a trabajar con el grupo y Tony Doogan?
Al final fue una casualidad. Yo quería grabar con Dave Fridmann (NdE: pone cara de no dar crédito ella misma). Él no podía, pero su representante conoce a Tony. Me dijo que Tony era de Europa, que estaba más familiarizado con este tipo de música, que le había pasado las maquetas y que estaba interesado. Miramos quién era y nos dijimos: “¿cómo no hemos pensado en él antes, si es más adecuado?”. Hablando con él me pregunté si podría haber alguna colaboración de Belle & Sebastian y sin que me diera tiempo a preguntarlo, me dijo que Stevie, Bob y Richard podían tocar en el disco. Me dije: “¡qué fuerte!”. Desde que lo supe hasta que comenzamos a grabar pasaron dos meses que fueron fantasía pura. El momento previo a grabar lo recuerdo lleno de magia.

Recuerdo que hubo un anuncio de grabación con ellos y una fecha de edición aproximada sin haber grabado el álbum, ¿cómo puede ser esto? ¿Tan claro teníais que iba a salir todo bien?
Yo no sé si estaba clarísimo. Las discográficas se aventuran y si luego no sale, no pasa nada, se lanza un single o algo así, pero al final todo fue como la seda. En mi primera grabación fue todo distinto, con los músicos del primer disco no tengo contacto, salvo con Brian. Pero esta vez he tenido la sensación no sólo de que he disfrutado sino de que me llevo a las personas. Tony es colega, después he hecho con él otras canciones, como ‘Conquer The World’, y sé que con Stevie y Bob hay un vínculo bonito para contar los unos con los otros.

¿Por qué dices que el primer disco fue completamente diferente?
Yo estaba en la universidad y tenía que ir con Brian a Córdoba. Los músicos que tocaban eran colegas de Fernando Vacas a los que iba llamando y no se compartía más que esa practicidad de la grabación y hasta luego. Charlie Bautista vino a Glasgow, nos encerramos muchas semanas, compartíamos una rutina, una vida y eso puede propiciar que te lleves mal o todo lo contrario: que el resultado sea bueno, que se puedan hacer conciertos después de un año con la gente que ha grabado el disco, etcétera.

¿Nadie relacionado con el primer disco, los músicos o Fernando, te ha dicho qué le parece tu último álbum?
Bueno, eran músicos andaluces de la plantilla. He perdido el contacto, que es algo que no quiero que me pase esta vez porque es importante para defender o hablar del disco. Este es como el novio bueno, el novio diferente.

¿Volverás a trabajar con el mismo equipo en tu próximo disco?
No lo sé, pero sé que está todo abierto.

¿Cuánto cambiaron las canciones con Tony?
El trabajo de Tony ha sido espectacular porque ha captado la esencia de la maqueta y mis palabras: “quiero que suene clásico pero que se note que lo hemos hecho este año. No busco que sea “súper oldie”, pero sí que tenga un tinte que te recuerde a algo todo el rato”. Me gusta escuchar cosas más contemporáneas, pero en este disco quería algo más al uso. Tony ha sabido llevar eso al terreno de cada canción, con un hilo conductor que eran las voces y donde Charlie ha hecho una labor importantísima, inventando líneas de coros que dan unidad al disco.

Supongo que te referías a canciones antiguas, pero ‘The Sun, The Trees’ recuerda mucho a ‘We Are The Sleepyheads’ de Belle & Sebastian. ¿Os disteis cuenta?
Nos dimos cuenta mientras sucedía. Es una especie de homenaje directo a la participación de Bob, Stevie y Richard. La canción era mucho más lenta y Tony quería darle un giro. Algunas canciones empiezan a dejar de gustarte mientras las grabas, pero esta Tony no quería dejarla porque creía que se podía hacer algo bastante bueno. Stevie hizo un riff, muy “shaky”, encajó, nos gustó y añadió la parte final de los coros. Esta canción es Stevie. Stevie es persona favorita 2011 desde febrero. Persona del año. Es un tío tan especial, con tan buen gusto musical, tan honesto, generoso, genuino… Sólo quieres quererle mucho y compartir cosas con él todo el rato. Hay gente que te aporta tanto que trasciende todo lo demás. No somos súper amigos, no nos gustamos, pero hay algo que trasciende todo eso.

Él ha sacado un disco, ¿te lo ha pasado o no es de ese tipo de personas que te da la brasa con lo suyo?
No es de ese tipo de personas. Me preguntó si tenía para poner vinilos y me dijo que me traería uno a Madrid. Tocaré el sábado con él, Bob, Charlie, Pablo y Brian.

¿Charlie Bautista sigue en tu grupo?
No ha desaparecido del todo. Ya no giro con él de manera fija, pero colabora.

¿Y eso?
Bueno, por cambiar de formato, dar aire y… por un montón de cosas buenas. Todo por un cambio necesario que me pide el cuerpo a mí y también se lo pide a él.

En un concierto me extrañó oírte decir: “Somos Russian Red”.
En el escenario somos así, lo que pasa es que las canciones las hago yo, es un proyecto mío. Es verdad que es una banda de músicos contratados, pero teníamos algo bonito que sucedía, y que como dejó de suceder… Mis canciones tienen la misma progresión de acordes, que es lo que yo sé hacer, pero la música es transmitir un sentimiento. Si algo deja de pasar en el escenario, tienes que cambiarlo, pero mientras eso pasaba éramos Russian Red.

¿Cómo se te ocurre volver a llamar a Brian Hunt?
Brian y yo hemos mantenido el contacto y nos hemos llevado bien. Cuando las cosas empezaron a dejar de funcionar en la banda, que no pasa nada, no hay ningún tipo de oscurantismo y es algo de lo que se puede hablar con normalidad, fui un día al Prado con Brian y se lo conté. No se me ocurrió recurrir a él, pero un día con Pablo empecé a pensar… Yo quería hacer música con amigos, simplemente me gustaba cómo tocaban aunque no fuera perfecto, y había ido perdiendo esto por el camino. Con Pablo me gusta tocar y nos entendemos, y como tampoco conozco muchos más músicos, pensé en Brian, a él le apeteció y así ha sido.

¿Qué te pareció lo de su disco ‘I Lost My Glasses‘? ¿Pensaste: “¡Dios mío, no puede ser!”?
Me llamó y me lo dijo, a él le encantan los detallitos de los discos en los que colabora quien había colaborado en otro sitio y así. A mí no me podía importar, tiene gracia. Tiene bastante gracia. Le dije: “claro que sí, llámalo como quieras”.

Estás rodeada de gente que tiene grupos, conoce la escena, muchísima experiencia. ¿Qué te han dicho de meterte en este fregao de hablar de política?
Viajar tanto como este año te vuelve tranquilo y libre para hablar de las cosas. Como sabrás, se me hizo un test y a partir de ahí se generó toda la historia, sobre cosas que no había ni mencionado. Aluciné porque nunca habría imaginado lo que podría pasar, me hizo sentir más importante de lo que era y que evidentemente no soy. Pasó porque me posicioné a un lado concreto. Si hubiera elegido otro lado, no habría pasado nada. Luego en El País contesté una entrevista que no quería contestar porque era meterme en otro embolado, pero leí las preguntas desde Shangai, las contesté sin saber si las enviaría y cuando terminé dije: “sí, la mando”. Al final creo que fue para bien, abrió un debate, y soy incapaz de tomármelo como algo negativo.

¿Volverás a hablar de política?
No, hablo sobre el hecho, pero no me meto en materia, no me apetece. Porque se convierte en un reclamo para todas las entrevistas y me aburre. Me acabo de dar cuenta de que no te he contestado a la pregunta (risas), me he ido por las ramas.

Te lo preguntaba porque en mitad de la promo, que se hablara tanto de esto… Alguien en el grupo o en Sony te tuvo que decir: “¿pero para qué te metes en esto, chica?”
Nadie, absolutamente, me puso las cosas como las estás poniendo tú. Piensan que si se genera esto por algo que yo contesto es algo que no puedo controlar. Básicamente recibí apoyos. De todas formas, al final las fuentes a las que recurres son siempre las mismas y cuando lees algo así, tienes la sensación de que algo es más grande de lo que es.

En España una artista como tú puede vender 15.000 copias, que no es nada para alguien que empieza a moverse en el entorno internacional. De hecho, tocas más fuera. ¿Cuán importante es para ti el público español?
Hombre, el público español me ha visto crecer (risas). No, en serio. Todo salió desde aquí, mis primeros conciertos en Madrid… Hay algo especial y bonito que sucede en casa, pero para mí es más importante salir fuera. Siempre he querido vivir fuera, me encanta viajar y todo lo que representa. Cuando estoy fuera, a veces me voy a la cama del hotel y pienso: “guau, qué afortunada soy”.

¿Hay alguna conexión entre ‘Tarantino’ y ‘Nick Drake’ y los personajes? Por más vueltas que le doy a las letras…
No hablan de ninguno de ellos. Eran títulos de batalla cuando las escribí porque “me recordaban a”. Nick Drake lo estaba escuchando mucho, y el tipo de arpegios y oscuridad, tenían que ver con esa canción, así que la llamé así en el ordenador. ‘Tarantino’ igual. Me dio pena desprenderme de esos títulos.

‘Mi canción 7′, un bonus track, tiene un punto más salvaje, más tribal, menos 50s. ¿Seguirás por ahí?
Hay una vertiente en las canciones que hago, que es más cruda, no sé si recordarás ‘Walls Are Tired’ del primer disco, que al principio parece más dura e inaccesible. ‘Mi canción 7′ representa ese tipo de canción, pero en general tiro por la melodía facilonga.

¿Tienes canciones nuevas ya?
Estoy haciendo canciones con eléctrica y piano y no influye sólo en el sonido, sino en los acordes que te salen. Bueno, el piano lo toco de oído. Me compré un piano por el gusto de tocar una canción que me gustaba de una película, Charlie me enseñó. Hago canciones que me van sonando bien a mí. Somos mi piano y yo… (sonríe)

¿Qué película era?
‘A Woman Under The Influence’ de John Cassavetes. Cuando sale ella andando por la calle, yéndose a un bar, canta una canción, sale un piano y ella tarareando, me parece tan increíble que decidí concederme un capricho.

Realmente mencionas muchísimo a Charlie Bautista, ¿tocará en el siguiente disco?
Todavía no sé qué es el próximo disco, cuando acabe la gira este año me quiero ir a vivir a Los Ángeles. Allí tengo amigos y veré si sucede algo. Es una ciudad de la que hay que aprovecharse, hay que ir sin tomársela en serio. Me apetece mucho ir.

Haces versiones de todo tipo: Leonard Cohen, Joe Crepúsculo, Queen, Elvis… no sé por cuál empezar a preguntarte.
Algunas son pura necesidad, me gustan esas canciones y necesito tocarlas. Esa canción de Joe Crepúsculo me flipa. Lo de Elvis y Leonard Cohen fue un proyecto de la discográfica que te proponen y si molan, los haces. Lo de Queen vino de Sony Japón. Son muy friquis y querían algo muy diferente. Como era para Japón, pues sí que se hizo, pero si hubiera sido para España quizá no lo habría hecho.

RUSSIAN RED – LA CANCIÓN DE TU VIDA from WAAAU.TV on Vimeo.

¿Sabes si le gustó a Joe Crepúsculo tu versión?
Sí, me dijo que le había gustado.

Hace unas cuantas semanas escribiste en Twitter: “las listas del año y su puta madre”. ¿Qué querías decir?
Era un agobio. Todo se convertía en una posición y me hizo gracia. Twitter está para expresarte así, para ponerse ñoño… De hecho sigo sólo a 80 personas, porque no quiero que me peten el feed con mierdas (risas). Puse eso porque no hacía más que ver listas por todas partes y yo no le daba importancia, sino que me preguntaba por qué todo se convierte en una puta lista. Me decía: “madre mía, qué energía”. Había gente que me decía: “claro, eso es porque no estás en ninguna”, pero no era por eso.

Hombre, has estado en prácticamente todas…
Si no lo decía por eso…

¿Con el primer disco no te pasó?
No tenía Twitter (risas).

¿Es cierto que hubo un festival que no quiso acoger tu concierto con Belle & Sebastian como músicos?
Cómo te gusta…

Bueno, me parece una pena que no se haya visto ese espectáculo.
Había un festival en el que nos hacía ilusión volver a tocar y no nos querían. Como Belle & Sebastian tocaban, preguntamos: “¿os gustaría si fuéramos con ellos como músicos o no es lo suficiente molón?”. Y dijeron que no.

¿Pero por qué?
No sé, la gente se mueve en rangos…

¿Es porque estás en Sony?
No creo. Cat Power por ejemplo no está en un sello pequeño.

¿Habrá más vídeos de este disco? La verdad es que después de los primeros no está tan claro cuáles serían los singles. ‘Brave Soldier’ y ‘The Memory Is Cruel’ son más “growers” que singles, quizá, aunque son de mis favoritas.
Qué bien, de las mías también. Sí, nos vamos la semana que viene a Venecia a rodar ‘Everyday, Everynight’. También hemos grabado ‘My Love is Gone’, que saldrá más a nivel web. Lo ha hecho un amigo que se llama Virgili. El de ‘Everyday, Everynight’ lo ha elegido la compañía porque querían un medio tiempo. Estaban entre ese y ‘January 14th’.

Foto: Eskenaziencursiva.

La apertura del disco es enérgica con el sonido beat de ‘Come Closer’. Sin embargo, tras ‘Rearrange’ se asoma la juguetona y brillante ‘My Fantasy’. ¿Te sientes más cómodo en los medios tiempos o en los temas más acelerados?

Me gustan ambos tipos de canciones, aunque si tuviera que elegir, me quedo con las más rockeras. Precisamente ‘Come Closer’ es mi favorita del disco, pero quería que hubiera variedad, mostrar otra de mis caras.


Uno de los aspectos que dejas muy claro es la importancia de acertar en las colaboraciones: Noel Gallagher, Gruff Rhys de Super Furry Animals y Clémence Poésy, entre otros. Por no hablar de Alex Turner, con el que firmas hasta seis temas. ¿Cómo surgió la colaboración de Noel Gallagher en ‘My Fantasy’ y, sobre todo, ¿cómo crees que sería la canción sin él?

Pues surgió de una manera muy simple: se pasó por el estudio y en una tarde dejamos todo listo. Sin él la canción habría quedado más o menos igual, pero se nota su toque.


Al escuchar el disco al completo, uno se da cuenta de que hay ciertas similitudes con el de The Last Shadow Puppets. El toque western de ‘The Age of The Understatement’ sigue vigente en canciones como ‘Kingcrawler’ o ‘Better Left Invisible’. ¿Consideras este tu verdadero sonido tras haber estado en una banda?

Sí, todos estos elementos que asoman por el disco, como el aire western, son parte de mi sonido, es música que siempre me ha gustado y siempre había estado ahí de un modo u otro.


Aparte de los Puppets, ¿crees que alguna vez volverías a formar parte de un grupo o ya serás solista para siempre?

No, creo que las cosas se van a quedar como están. Me encanta la situación en la que me hallo, estoy disfrutando mucho.

Y ahora, después de haber sacado disco con tres proyectos diferentes, ¿cómo te ves en cada uno? ¿Hay un Miles para cada proyecto?
Bueno, tanto con unos como con otros han sido unos años muy buenos. Para volverse loco de contento, en realidad.

¿Has notado una evolución en tu manera de componer con el paso del tiempo?
Creo que he mejorado, pero eso es algo normal. Cuanto más compones, mejores son las canciones y te conviertes en mejor compositor también.

Te preguntan a menudo por el nuevo disco de Last Shadow Puppets, pero no pareces decir nada en claro, ¿con qué frecuencia hablas con Alex Turner de él? ¿No habláis mucho de él para que pueda volver a ser improvisado o preferís no generar demasiada expectación?

Sí que hablamos de ello, y nos pondremos con el disco en el momento adecuado. Ahora mismo, tanto Alex como yo estamos bastante ocupados con nuestras respectivas historias.


Parece que con ‘The Colour Of The Trap’ hayas intentado hacer un repaso a la historia musical británica. Pop sesentero, el glam rock de Marc Bolan asomándose en ‘My Fantasy’, algo de psicodelia y britpop de los noventa en ‘Rearrange’. ¿Era tu intención recorrer en cierto modo las diferentes etapas?

Sí, así es. Quería hacer un disco juntando todo lo que mencionas, porque forma parte de lo que me ha influido a lo largo del tiempo. Quería reflejarme en este disco.


Las letras del disco siguen siendo muy personales. En ‘Take The Night From Me’ hablas de la frustración que produce perder el gran amor o cómo el amor te parece algo extraño en ‘Counting Down The Days’. Al final uno no puede evitar hablar de emociones, ¿no? ¿O te genera cierto rubor?

Cuesta hablar de estas cosas, sí. No todo son experiencias personales, pero también quería hablar de cosas que no me han pasado.


’Happenstance’, con la actriz Clémence Poésy, revitaliza en cierta forma los duetos al estilo de Nancy Sinatra y Lee Hazlewood o, salvando distancias, Serge Gainsbourg y Jane Birkin. ¿Has sido fan de este tipo de duetos?

Me apetecía hacer este guiño a duetos clásicos del tipo Serge Gainsbourg y Brigitte Bardot. Siempre he sido muy fan de todas estas parejas artísticas.

Lo de grabar en los míticos estudios Konk no fue casualidad, ¿no? El disco tiene una clara influencia de los Kinks en canciones con aire sixties como ‘Come Closer’.

Algunas de las canciones sí que las grabamos allí, pero no todas. Es un sitio fantástico, pero no tiene por qué ser esencial grabar allí para conseguir ese determinado sonido.


¿Echas de menos algo más de rock’n'roll en el panorama musical actual?

Por supuesto, ojalá estuviese más presente en las listas de éxitos mainstream, pero ahí estamos nosotros para que vuelva a donde pertenece. Ese es nuestro plan y creo que lo estamos consiguiendo.


Adelántanos alguna sorpresa de tu visita a nuestro país junto a los Arctic Monkeys, ¿te acompañará Alex Turner en alguna de las canciones? ¿Volverás a unirte a ellos en ’505′?

Sí, creo que me subiré con ellos.

¿Qué formato va a tener tu concierto?
Tengo una banda estupenda, excitante, puro rock and roll. El disco suena así gracias a ellos, es una de las mejores cosas que hay. Me encanta tocar con ellos, es como una droga, los echo de menos cuando no hemos tocado juntos más de dos días.

¿Te gusta también dar conciertos acústicos?
También está bien, pero sobre todo me gusta que haya una banda y subir el volumen.


En una entrevista para NME, Alex confesó que su grupo se había planteado en varias ocasiones pedirte que formaras parte de los Arctic Monkeys, ¿aceptarías?
Es algo halagador, pero cada uno hacemos lo nuestro y yo prefiero estar al frente de mi proyecto. Es mejor estar cada uno en su sitio y trabajar juntos de vez en cuando.

¿Sigues en contacto con los demás miembros de The Rascals?
Hace tiempo que no hablamos, pero sé por otras personas que les va bien, que están contentos con lo que hacen.

Por último, ¿cómo se presenta el futuro, aparte de la gira?
Hay material nuevo en camino, de cara a grabar un nuevo álbum. Es excitante no parar de hacer cosas.

Pero Bebe no es Melendi. El día que un sello independiente de Madrid, que ahora ayuda con su promoción, me llamó para que escuchara su nuevo disco porque era “muy diferente”, sonó como una buena idea para mí. Los lectores de JENESAISPOP habían escogido el notable ‘Y.‘ como uno de los discos más destacados de 2009 y ‘Un pokito de rocanrol’ es, en efecto, un disco arriesgado, producido por un habitual del equipo de Gonzales y Feist, Renaud Letang, que ha dirigido por el buen camino una evolución digna de análisis. ‘Un pokito de rocanrol’ sale a la venta el 7 de febrero y sigo ardiendo en deseos de escucharlo en su versión final. Desde el 10 de febrero, hay una gira programada por toda España.

Una de las cosas que me gustó de tu nuevo disco la vez que lo escuché es la contundencia y personalidad que tienen casi todas las canciones. Basta escucharlas una vez para recordarlas o poder tararearlas, ¿has descartado cosas?
Qué bien, no, no he descartado nada. Había otras cosillas, pero acabadas sólo eran esas.

¿Cómo surge una canción tan rítmica como ‘K.I.E.R.E.M.E.’? ¿La tenías hecha de antes o es una canción de estudio?
La hice en mi casa. La letra la empecé en un taxi después de conocer a Renaud. Salí tan arriba, que me puse a escribirla a partir de una batería. Pero la melodía la acabé en mi casa. Al final la canción no tiene nada que ver con la primera idea pero el “pum-pum-pum-pum” me llevó por ahí.

¿Cómo conociste a Renaud? He oído en algún lado una historia que parece como inventada.
Me lo propuso el AR de Francia, Jorge, que se lo dijo al AR de Madrid. Me dijo que había un tipo que molaba mogollón con el que podía hacer buenas migas. Fui, me senté allí, me puso un trozo de canción que estaba haciendo para Saul Williams y me dijo: “vamos a probar”. ¿Qué historia inventada dices tú?

Una que dice algo así como que pasabas por allí.
Ah, eso está en el EPK, en el vídeo. Es mi humor (risas).

¿Conocías a gente que hubiera trabajado con Renaud?
Antes de conocerlo, no, pero cuando llevábamos tiempo currando, me entero de que el disco que más me ha acompañado en la furgoneta lo ha producido él, el ‘Solo Piano’ de Gonzales. Es acojonante. Y había trabajado con Feist, que también la he escuchado mogollón, y con Micky Green, que el año que parí, su disco me lo regaló un colega de Universal y me encantó. La verdad es que no me había puesto a mirar quién había trabajado en esos discos y fue como: “hostia, qué guay, los planetas se juntan”.

¿Cambió mucho el disco que tenías pensado antes de entrar al estudio con respecto al disco que ha salido?
No, no cambió ninguna canción porque las hice todas para eso. ‘No me acostumbro’ y ‘Mi guapo’ eran las más antiguas, venían hechas de haberlas improvisado en el local con los chicos. Pero las demás las hice para el disco. ‘Sabrás’ la acabé en París, en el sofá de fuera del estudio. ‘Yo fumo’ la acabé en uno de los hoteles de allí. Tenía otra, pero me dije: “paso de esta otra”. Como estaba en la terraza fumándome un cigarro porque no se podía fumar en otro sitio, terminé la idea que tenía hace mucho tiempo de “yo fumo, tú fumas, él fuma, nosotros fumamos”.

¿Tus amigos no fumadores no ven que esta canción pueda ser una ofensa?
No, mis amigos no me dicen eso. Muchos no fumadores no entienden por qué no se puede fumar en los bares. No digo en lugares de trabajo, ¿pero en los lugares de ocio?

¿Esta canción te la tomas como un canto a la libertad, como una broma o es en serio?
No sé, no me planteo eso, simplemente escribo lo que me sale. Para mí escribir es una forma de expresión. Entonces, es lo que pienso.

La canción es divertida, pero puede resultar polémica…
A la gente le gusta la polémica, pero más polémico es que no se pueda fumar. Yo no he sido la que ha prohibido fumar.

¿Tienes la sensación de que ha gustado el single, ‘K.I.E.R.E.M.E.’?
A unos sí y a otros no.

¿Pensabas que iba a funcionar algo mejor? Yo sí.
Yo sí, pero ha habido algo que ha impedido que ocurriera.

¿Te refieres al vídeo de la Sala El Sol del concierto para prensa? ¿Te parece que está sacado de contexto?
Totalmente, es un corta y pega, tú verás si está sacado de contexto.

Yo estuve en el concierto y ni se me ocurrió contárselo a alguien o algo así, no me pareció como noticiable, se me olvidó, pero luego…
Claro, porque si pasa en un concierto donde no haya periodistas, no habría pasado nada. Es humor negro. ¿Hola? Estamos en un concierto.

La verdad es que la idea de hacer una rueda de prensa después de un concierto -antes, sí lo he visto- no es muy buena para ningún artista, pero mucho menos contigo, como eres…
La primera que cometió el error fui yo, por ser condescendiente. Soy muy tajante con las cosas que no quiero hacer. Salir de repente lo veía absurdo, pero como la gente está implicada, pensé en hacerlo. Después de haber hecho presentación del disco, adrenalina hasta arriba, de la presión de todo el tiempo invertido para trabajar, con la prensa ahí de por medio… Evidentemente me pongo de los nervios y salgo como salgo. Además no me gusta hablar en público porque me da mucho pudor… Una manera de expresarte es “buaaaaagrh”. Luego la gente cree cualquier cosa, no le importa si está sacado de contexto. Pero bueno, esto no tiene ninguna importancia. Así es la vida, no pasa nada.

¿Te gusta hacer entrevistas?
No, pero tampoco soy desagradable y entiendo que forma parte de mi trabajo y lo hago. Yo soy agradable con quien es agradable conmigo. Si desde que alguien entra por la puerta veo que es desagradable, me mantengo recta y tranquila. Por lo que no me gustan las entrevistas es porque no veo necesario explicar tanto mi trabajo, no porque no me gusten los periodistas, aunque muchas veces no han puesto mis palabras o han puesto titulares innecesarios. Pero a esto yo creo que no hay que darle mucha más bola.

Con la que se lió en internet, algo tienes que decir…
Te lo agradezco y por eso lo estoy diciendo, pero a la vez le doy la justa importancia porque al final están consiguiendo lo que querían.

OK, última pregunta, pues, al respecto. El “que os follen bien”, ¿es un halago o es como “¡que os follen!”?
¡Es un halago! No hay nada mejor que follar bien. Si hubiera dicho “que no os follen”… pero no hay nada mejor que un buen sexo.

Poco después de esto, vi en la Wikipedia que eras Tauro, ¿crees que tiene algo que ver con esto o estas cosas te parecen una tontería?
Claro, y la carátula del disco va por ahí, ya la verás.

Cuando salió ‘K.I.E.R.E.M.E.’ me la puse como 10 ó 20 veces seguidas. Tengo amigos que dicen que por primera vez van a escuchar un disco tuyo, pero otros no se explican que me pueda gustar “algo tan horrible”, ¿por qué crees que esta canción genera tanta animadversión?
(se ríe) No lo sé, yo creo, por lo que he leído, que la gente me prefería cantando ‘Razones’, cosas más tristes, compungidas, dramáticas… y esta canción es muy alegre. Es aparentemente muy simple. Me dicen que no está nada currada. Bien, bien… (NdE: pone cara de decir que no es tan simple). No se puede gustar a todo el mundo.

Se puede decir que es una de tus canciones más electrónicas, pero en realidad, por lo que vi en directo o he leído, no, ¿verdad?
No hay nada de electrónica en el disco. Sólo ‘K.I.E.R.E.M.E.’ tiene un pequeño detalle, pero todo lo demás es tocado. Quería que fuera todo tocado, a diferencia de los discos programados con Carlos Jean, que fue maravilloso, pero ahora quería que todo estuviera en vivo, con una energía más natural.

¿Renaud va a hacer la gira contigo?
No, por Dios, vino a la presentación y a lo mejor viene a algún concierto. Me gusta que venga para que me oriente con los sonidos, pero él va a lo suyo, que ya tiene bastante. Él tiene muchísimo trabajo. NO-PARA. Además, no le gusta mucho subirse al escenario. A él le gusta estar allí, en el estudio.

Has dicho que este disco no es para romper con tu pasado y que de hecho el segundo era diferente al primero, ¿te comprometes así a hacer un cambio con cada disco o crees que has encontrado tu sonido con ‘Un pokito de rocanrol’?
No creo que haya encontrado mi sonido. Soy muy cambiante, escucho mucho tipo de música, seguramente igual-igual no será, pero no lo sé. Siempre he hecho las cosas que he querido porque he querido. El siguiente a lo mejor se parece a este o a lo mejor no.

En este álbum hay más temas de la Bebe de siempre, como ‘Adiós’, ‘Mi guapo’ o ‘Sabrás’.
Sí, son más suaves.

¿En esta etapa tienen tanto peso para ti estas canciones, las tocarás, o no las consideras centrales esta vez?
No, son todas. A mí todas las canciones me gustan muchísimo. Hombre, depende del momento. ‘No me acostumbro’ o ‘Qué carajo’ son de las más compactas. En ‘Qué carajo’ hemos conseguido meter exactamente los sonidos que hemos buscado, pero eso tampoco significa que nos gusten menos las otras. Cada una pedía un sonido diferente.

¿Me ha parecido oírte decir en alguna entrevista o en el concierto que ‘Qué carajo’ la has hecho para desagradar? Cuando la escuché en El Sol terminé pensando: “que acabe ya”.
No, dije para descargar, no para desagradar. El estribillo sí puede ser eso que tú dices, pero las estrofas son muy suaves, pausadas. La última parte dice: “si vienes buscando guerra, te la vas a tragar, hoy no pienso despeinarme, vengo en son de paz”. Pero sí considero que el que escuche el disco entero en el coche terminará pensando: “cállate un rato” (risas) porque son canciones rápidas, fuertes.

En el concierto se estrenó el vídeo de ‘Me pintaré’, que tiene una estética muy chula, ¿qué ha pasado con él?
He querido guardarlo para otro momento y ahora sacar otra cosa.

¿Qué vídeo te gusta más de los dos?
Son diferentes. El de ‘K.I.E.R.E.M.E.’ es divertido, relajado.

Hay puntos de este disco que me recuerdan a cosas súper underground tipo Maluca o Rita Indiana, o también a M.I.A. ¿Las conoces?
A Rita Indiana sí la conozco. Lo de M.I.A. me hace mucha gracia porque el disco no se parece a M.I.A. ni de cachondeo.

Has dicho que escuchas mucha música, ¿a qué te referías?
Últimamente el Cantajuegos (risas). El descubrimiento del verano ha sido Pony Bravo. Me encantó Aloe Blacc en la Joy, un gran descubrimiento.

¿Te gusta la música negra, no?
El mundo negro me priva.

¿Este disco lo ves como una reacción al Cantajuegos?
Tú dices que ‘K.I.E.R.E.M.E.’ es M.I.A., pero para mí es Cantajuegos y Pocoyó. No es que se parezca, te lo pones y no se parece en nada, pero tiene que ver con la energía que dan los niños, tiene esta cosa como de niña rabiosa, mimosa y tontona, aunque habla de cosas más fuertes de lo que parece, pero hablado con un humor más infantil. Es muy “Choco-choco lala, Choco-choco tete”. Me tiro todo el día con el ratón Martín en la puta cabeza (risas).

¿Has pensado en adaptar tus viejas canciones al nuevo sonido?
Estamos en ello, lo estamos montando. Hay cambios de tuerca y en los ensayos se va viendo, pero cuando se va recomponiendo el show de verdad es durante los conciertos. Ahí es cuando toman forma. Pero sí, ya estamos empastando. Estamos trabajando sobre todo en las canciones del disco nuevo. Tienen que quedar muy finas porque el disco ha quedado muy fino. Las frikadas empiezan a salir en directo.

¿Es importante para ti no dejar fuera hits?
No. En la gira anterior no tocaba ‘Malo’, por ejemplo, pero ahora la cantaré más de una vez.

Es más adaptable al nuevo sonido.
No es por adaptable. Es porque ahora te apetece, ahora te cansas de cantar las mismas cosas. Ahora que tenemos más, jugaremos más.

¿Te gustan Twitter y Facebook? ¿Llevas tú tus cuentas?
Facebook sí. Si escribe alguien de mi equipo de trabajo es para poner información de los conciertos en tercera persona. Se nota cuando escribo yo porque es mi lenguaje, pero no estoy todos los días metida en Facebook y tampoco es necesario. Tengo otras cosas que hacer.

Cuando leo las verdaderas salvajadas que se escriben sobre ti en internet, me pregunto qué pensarás de ello, aunque supongo que teniendo un hijo o una hija pequeños, no estarás muy encima de estas cosas…
Aunque no tuviera hijos, no estaría. Antes tampoco lo hacía.

‘Y.’ me pareció una especie de obra maestra del perroflautismo, ese concepto horroroso, por el rollo “no sé qué quiero hacer”, “voy a dejarme llevar” que contenía, ¿te desagrada?
Yo nunca he sido perraflauta en mi vida, pero no me ofende, me hace gracia. Porque vaya por ahí con una furgoneta no significa que sea perroflauta. Esta expresión la escuché por primera vez cuando vine a Madrid, a esta gente siempre la he llamado “los punkis”. Pero vamos, tenías que ver mi furgoneta, llena de flores y perfume: parece un palacete.

¿Estás preocupada por cómo funcionará este disco?
Lo justo, que sea lo que tenga que ser. No hay matemáticas. Lo importante es que cuando hagamos los conciertos, presentemos algo que a la gente le guste, y que cuando la gente lo escuche lo haga con el corazón y sin prejuicios, pero lo que pase es una lotería. Cuando alguien me dice lo bien que va a ir algo, yo pienso: “yo qué sé cómo va a ir”. Soy muy escéptica, lo que sé es que si quieres algo, hay que currárselo, como en todos los trabajos. Luego, aunque a mí me parezca el mejor disco de mi vida, resulta que a la gente le gusta otro disco que no ha sido musicalmente tan potente. El que quiera, que lo escuche.

Me acaba de decir tu jefe de proyecto que quieren sacar el disco en Francia a finales de marzo.
Sí, tocaremos, estamos trabajando en eso, pero ahora estamos trabajando aquí y ya veremos con quién trabajamos allí. Pero vamos, es lo que mola, aventuras. Con el primero hicimos una gira por EE UU y mientras aquí llenábamos, allí iban cuatro gatos, pero eso mola. La gente no te conoce o sólo va público latino, menos en San Francisco, que eran más anglosajones. Lo que mola es que la gente que esté le coja el rollo.

Foto: Rafa Gallar

¿En qué formato estaba el último disco que has comprado? ¿CD, cassette, vinilo o digital?
Hace no mucho compré un vinilo (con el CD dentro). Era para un regalo.

¿Crees que algún día volverá el CD como ahora ha vuelto el vinilo, como dicen nuestros padres?
Es posible, pero para eso primero tendrían que dejar de fabricarse, luego echarse de menos, para después encontrarse como joyas de coleccionista, y puede que entonces…

¿Qué disco recuerdas con más cariño de tu niñez o de tu adolescencia?
Burning: ‘Bulevar’ (1980).

¿Hay alguna cassette que recuerdes con especial cariño?
Las que me grababan mis amigos. Había una que llevaba a los Stray Cats en la cara A y a Chet Baker en la cara B, que solía poner banda sonora a mis tardes y noches (respectivamente) en los primeros 90.

¿Hay algún disco que hayas comprado más de una vez?
No, eso sólo lo he hecho con pares de zapatos.

¿De qué disco esperabas mucho y has terminado odiando?
De la expectativa al odio hay un largo camino que nunca termino de recorrer.

¿Qué disco no deberías haber prestado nunca?
No lo recuerdo, luego probablemente ninguno.

¿Por qué disco pagarías mucho dinero a día de hoy?
Por el décimo disco de estudio de Burrito Panza.

Ahora reeditáis vuestro disco en vinilo, ¿era el formato que más ilusión os hacía?
Es el más elegante de los posibles, ¿quién renunciaría a él teniendo la posiblidad?

¿Para cuándo deberíamos esperar vuestro próximo disco?
Si todo va bien, a finales de este año. Estamos peleando para que se edite en cassette.

¿Tenéis canciones nuevas?
Sí, y con ellas un montón de ilusión y ganas de darles forma (o formato).

En ‘Something To Die For’ habéis buscado un sonido más electrónico, más orientado a la pista de baile, si cabe. Algunos de estos elementos han estado presentes a lo largo de vuestra carrera pero, ¿qué os llevó a dar este paso?
Para nosotros no ha sido un paso forzado. No nos hemos llegado a plantear si debíamos hacer algo nuevo, ha sido bastante natural. En todo caso no somos una banda a la que le guste repetirse. La primera canción que compusimos para el nuevo álbum fue la que le da título y todas las demás giran alrededor de ella. Fue como el patrón a seguir.

Habéis producido vosotros mismos vuestro último disco. ¿En algún momento os habéis arrepentido o es una decisión de la que estáis orgullosos?
Estamos muy orgullosos, es la mejor decisión que podíamos haber tomado. Intentamos trabajar con productores para este álbum, pero llevamos catorce años en esto y sabemos lo que queremos con nuestra música. Creo que siempre hemos intentado encontrar la persona idónea para llevarnos por el buen camino, pero hoy en día no necesitamos a nadie externo al grupo. Sabemos quiénes somos y qué necesitamos y podemos hacerlo nosotros mismos sin que nadie interfiera en el proceso. Evidentemente nos hemos llegado a asustar en situaciones similares, pero esta es la vez que menos miedo hemos tenido.

¿Creéis que siempre será así o para la próxima ocasión os dejaréis producir por alguien?
No tenemos ni idea de lo que pasará en el futuro, pero lo más seguro es que el próximo álbum lo produzcamos nosotros también porque estamos muy cómodos teniendo el control sobre todo lo que nos rodea. Tenemos nuestro propio sello, producimos nuestra propia música. Creo que cuanto más control se tiene sobre el proceso, mejor es el resultado.

¿Se os ha ocurrido producir a otra banda de pop? En Suecia hay tantos grupos que alguien ha tenido que llamar a vuestra puerta.
No pasamos demasiado tiempo en Suecia, pero yo sí que he estado produciendo y componiendo con diferentes artistas alrededor del mundo. Era algo que te inspira y te ayuda para tu propio grupo.

¿Quién os gustaría o habría gustado que remezclara alguna de vuestras canciones?
No lo sé, creo que es más importante el resultado que el nombre que haya detrás de la remezcla. No obstante, me gustan mucho The Prodigy y me encantaría que remezclaran alguna de nuestras canciones.

‘Diana’ puede ser un himno para mucha gente, sobre todo para el público lésbico, pero no es habitual de vuestro setlist según vemos en internet, ¿y eso?
En los conciertos intentamos tocar un set que tenga cierta coherencia y a veces hay canciones que no encajan. Ésta, concretamente, es una canción divertida de tocar, pero a veces llega a cansar tocar las mismas canciones una y otra vez, así que a veces la cambiamos por otras.

En canciones como ‘It’s So Easy’ jugáis con el trance, que últimamente ha dejado muchos éxitos en radio del tipo Rihanna (‘Only Girl’, ‘We Found Love’), ¿os sentís cerca de este tipo de producciones?
Sí, de hecho me siento muy cercano a este tipo de producciones. Solía pinchar tecno en sesiones de dj mucho antes de que se pusiera de moda en EE UU, de hecho iba a fiestas rave en 1992, hace veinte años. Al componer esa canción me acordé de aquellos tiempos.

Hay dos canciones, ‘Won’t Let Them Tear Us Apart’ y ‘The Best Of Me’, que al escucharlas da la sensación de que sobra un minuto al final. ¿A qué viene esa especie de coda que hay a partir de ahí?
No sé, a veces no seguimos un patrón concreto. Escribimos canciones fijándonos en nuestros propios sentimientos, sin seguir las reglas.

¿Qué os parece que el eurodance llene las listas de éxitos y las radios incluso en América? Hace unos años era inimaginable.
Para mí el eurodance es un chiste. Siempre ha sido música mala de la que reírse, al menos así era a mediados de los noventa. Y ahora, no sé cómo ha podido pasar, pero es un sonido que está de actualidad, cuando hace quince años era poco más que un chiste. Hay alguna canción que está bien, pero es un estilo demasiado facilón para mí.

Canciones como ‘The No No Song’ creemos que podrían haber gustado un poco a los seguidores de Katy Perry o Blink 182, ¿os desagrada esta comparación?
Para nada. Blink 182 son unos tíos guays, hemos girado con ellos y también hemos coincidido con Katy Perry. No la conozco personalmente pero la respeto como artista y no tengo ningún problema con que se nos compare con artistas así.

El año pasado tocasteis en Madrid en el Dcode acompañados de un montón de bandas independientes, con gente como los Eels o Band of Horses, ¿os sentís cómodos en este tipo de escenarios?
Nos encantan los festivales de verano, son los más divertidos de todo el año. En eventos así te puede escuchar gente que no te conocía antes. No solo nos gusta tocar en este tipo de festivales, sino también ir como público.

¿Os consideráis una banda alternativa o un grupo de pop cercano a Abba, Aqua, A-ha, o algo así?
Creo que somos una banda alternativa. En el tercer disco puede que fuéramos más pop, pero por lo general somos más alternativos, porque no seguimos las reglas.

¿Qué diferencias vamos a encontrar entre los conciertos de vuestra nueva gira y los de los festivales?
Evidentemente vamos a tocar un set más largo que el de un festival. Es una atmósfera distinta, porque la gente solo viene a vernos a nosotros. También es algo más íntimo.

Algunas de vuestras canciones salieron en ‘Scream 4′, ¿cómo llegaron hasta allí?
Muy sencillo, se pusieron en contacto con nuestro management y les cedimos las canciones. Es una película clásica, así que nos pareció una gran idea.

Por lo que leemos, ‘Tony The Beat’ suele ser interpretada en el bis, ¿ha llegado el momento en que os habéis cansado de la canción o la disfrutáis como el primer día?
No, no, me encanta la canción, especialmente la remezcla de Rex The Dog, que tiene un sonido más de club. Probablemente sea mi favorita para tocar.

Seguramente no sea la primera vez que os lo preguntan pero, ¿elegisteis vuestro nombre por la banda británica The Sound o no tiene nada que ver?
No tiene nada que ver. Nos pusimos el nombre por un club de Londres al que íbamos.

¿Qué proyectos tenéis por el futuro? ¿Algún vídeo más? ¿Tenéis composiciones nuevas?
El futuro pinta muy bien, pero por ahora estamos centrados en la gira, que nos va a tener ocupados todo el año.

Foto: Leane Mueller.

¿Cómo has terminado haciendo una gira por España sin ni siquiera haber sacado un disco?
Es más una mini gira de dos conciertos. Me preguntaron si quería ir a España a tocar mis canciones y por supuesto dije que sí. Espero poder volver pronto de nuevo.

Nos acabamos de enterar de que el disco sale el 15 de febrero, así que suponemos que ya está terminado. ¿Cuándo lo acabaste y cuánto tiempo te ha llevado?
Lo acabamos a mediados de noviembre y nos llevó casi nueve meses.

Amanda Mair “House” by Labrador Records

¿A qué suena? ¿A música bailable como ‘House’ o más chill y tropical como ‘Someone That Is You’?
Diría que es más chill. Tiene un toque de synth-pop indie con programaciones distintivas y a veces un toque de melodías asiáticas. Mi voz y las melodías ponen un toque melancólico a la música. Espero que os guste.

¿Habrá nuevos singles o remixes?
Saco el tercer single, ‘Sense’, el 1 de febrero.

¿Vas a grabar algún vídeo para ‘House’ o ‘Doubt’?
Iré a Gotemburgo la semana que viene para grabar un vídeo para mi tercer sencillo, ‘Sense’.

Desde que publicaste ‘House’, se ha podido encontrar muy poca información sobre ti en internet, ¿y eso?
Creo que es porque nunca he tenido MySpace o un blog y no tengo una web donde puedas encontrar información sobre mí.

Hemos escuchado las versiones a piano de ‘I Will Remember You’ y ‘You’ve Been Here Before’. ¿Aparecerán tal cual en el álbum? ¿Habrá muchas baladas?
Hay dos canciones que serán las versiones a piano, ‘Skinnarviksberget’ y ‘You’ve Been Here Before’.

¿Habrá canciones en sueco?
No, sólo en inglés.

¿De quién son los coros en ‘House’?
De Philip Ekström, que también ha escrito unas pocas canciones del disco.

¿Cómo has llegado a Labrador? ¿Cuánto se ha implicado Johan Angergård en el disco? ¿Ha tomado decisiones fundamentales?
Todo empezó cuando conocí a Tom Steffensen hace tres años y grabamos tres versiones en su estudio de Estocolmo. Fue mi madre quien me preguntó si quería grabar unas cuantas canciones, para pasarlo bien. Tom había tocado la batería con Johan, presidente de Labrador Records, en Club 8. El verano de 2010 Tom me llamó y me dijo que pondría mis versiones a Johan. Según Tom, Johan dijo que quería escuchar más cosas mías. El pasado invierno firmé un contrato con Labrador Records. Así empezó todo. Realmente tengo que agradecérselo a mamá.

Amanda Mair “Doubt” by Labrador Records

Tus canciones no suenan como si tuvieras 16 años. ¿Has evitado hacer un disco adolescente o sólo te preocupaba ser tan honesta como pudieras?
No, no he planeado eso. Como las canciones no están escritas por mí, creo que es importante sentir que me identifico con ellas, así que he intentado ser tan honesta como he podido.

Hemos leído que tienes 16 años ya durante unos cuantos meses, ¿exactamente cuándo naciste?
¡Nací en 1994, así que este verano cumplo 18! Pero es verdad que cuando firmé con Labrador tenía 16.