Esta canción tiene un punto escapista y optimista frente a un entorno lleno de adversidad y sufrimiento, ¿qué la inspiró?
Davis: “Ya desde los primeros acordes que empezó a trabajar Cris, la idea de una canción feliz me rondaba a medida que tomaba forma. La intención inicial era que fuese un tema de optimismo extremo, pero al final se fue tiñendo poco a poco de cierto tono de melancolía y tristeza. Así que puede que esto sea lo más cercano que podemos hacer a una happy song”.

Contiene elementos electrónicos y también guitarras de los grupos que aparentemente más os han influido (The Cure, etc), ¿os gustan por igual ambas facetas? ¿Hay miembros de Sundae más dados a una u otra cosa?
Davis: “Estas dos facetas ya casi que ni las diferenciamos, nos sale natural. Pasamos de My Bloody Valentine a Saint Etienne, de lo oscuro a lo más luminoso, de las guitarras a los sintes en un santiamén”.
Cris: “Bueno, es que yo creo que sonamos como sonamos precisamente porque nos gustan por igual. Muchas veces se habla de nosotros como un grupo de noisepop, y yo no me identifico para nada con esa idea. Suena un poco típico ya decir esto, pero yo nos veo simplemente como un grupo de pop, y hacemos canciones como las que nos gusta escuchar, y eso incluye muchísimas cosas muy distintas, de los Beach Boys a Trembling Blue Stars”.

¿A qué se debe el cambio de verano a invierno en el estribillo? ¿Qué es mejor? ¿Queríais reflejar la idea de contradicción en la letra porque os atrae como concepto?
Davis: “Al final cualquier excusa es buena para escapar, ya sea el verano o el invierno. Aunque al final vayan pasando las estaciones una tras otra y nunca nos atrevamos a dar el paso. Las pequeñas contradicciones en las letras son mi debilidad”.
Cris: “Yo lo veo más como muestra de paso de tiempo, y le veo como un sentido cíclico, como de continuidad, de algo que va durando en el tiempo y es cada vez más especial. Aunque yo siempre me imagino esta canción con nieve cayendo, así que seguramente tengo preferencia por el invierno”.

Al afrontar vuestro primer vídeo, ¿por qué habéis escogido ‘Verano – Invierno’ en lugar de otra canción de vuestro repertorio?
Cris: “Sigue siendo de mis favoritas, y quizás la canción que realmente definió lo que queríamos que fuera Sundae, porque fue la primera canción que hicimos solos Davis y yo. Es un poco el principio de lo que es Sundae ahora… pero la realidad es mucho más sencilla que todo eso, simplemente Yago (Partal, uno de los dos directores del vídeo) es fan de la canción y nos dijo que le haría mucha ilusión hacer un vídeo con ella, y ahí empezó todo”.
Davis: “Creo que fue a través de Víctor Algora como llegó la canción a Yago Partal. Después surgió la oportunidad de tenerla editada en vinilo, así que regrabamos la maqueta y conseguimos lo que consideramos la versión definitiva de ‘Verano-Invierno’. El vídeo y el single es una forma perfecta de enmarcar una de nuestras canciones favoritas”.

¿Alguna vez habrá un vídeo para ‘Fascículo nº 7′ o ‘Arte y ensayo’?
Cris: “Yo cambio de idea cada dos segundos, pero ahora mismo veo ‘Fascículo nº 7′ como una canción que está en su versión definitiva, y está publicada aunque sea sólo digitalmente, con lo que a no ser que algún día nos dé por recopilar estas canciones sueltas, así se quedará. Sin embargo, no estoy contento con cómo suena ‘Arte y ensayo’ del todo, y seguramente la regrabemos en el futuro, así que quién sabe…”
Davis: “Para un grupo como nosotros, tener un vídeo de la factura y calidad de ‘Verano-Invierno’ no es nada fácil. Así que si algún director nos propone hacer algo chulo para esas u otras canciones y la idea nos gusta podría ser”.
Cris: “Las dos canciones piden un vídeo a lo ‘Swallow’ de MBV, no?”

Esta canción se incluye en un 7 pulgadas, ¿qué canciones traerá y qué podéis contarnos sobre esas canciones? ¿Son nuevas, viejas, son de vuestras favoritas…?
Cris: “Será un 7″ a 45 rpm, con una canción por cada cara, como debe ser. La cara B será ‘Hacia atrás’, que es otra de nuestras favoritas también de siempre y que nos parece que es de las que mejor nos sale en directo con la formación nueva. Habrá una versión digital de regalo con el 7″ que añada un par de extras (versiones) y un pdf para que la gente se monte su cd en casa si quiere. Juan Carlos Mauri ha fotografiado a María para la(s) portadas(s) y va a quedar un disco muy, muy bonito. Eso sí, tampoco va a tener nombre”.

De momento habéis picoteado entre varios sellos con varias canciones sueltas o singles, ¿os interesa el formato álbum? ¿Creéis que lo habrá algún día y si sí, qué incluiríais en él de todas vuestras canciones sueltas?
Cris: “Aquí siempre discutimos. Davis siempre ha querido hacer un LP, yo sería feliz sacando sólo EP’s. Tenemos un contacto para sacar el LP de hace siglos, pero tampoco nos decidimos porque en la práctica también depende de que al sello le guste el LP terminado, añadiéndole el riesgo de que además es un sello de fuera y podemos encontrarnos con que no tenga suficiente distribución aquí… Además, hay que dedicarle mucho tiempo y siempre tenemos ofertas de aquí y allí para EP’s y nos acabamos dedicando más a ir grabando las canciones en pequeños conjuntos. Hoy por hoy, tenemos dos proyectos posibles: o un LP que recopile todas las canciones sueltas, o uno que tenga sólo material nuevo. Pero también es más probable que antes de todo esto saquemos un mini-LP.

Hace poco en el disco de Fernando Alfaro aparecía la expresión “Qué nos va a pasar”, como en esta canción. Nos preguntamos si esta pregunta se puede formar sin pensar en La Buena Vida, ¿a vosotros os parece que sí?
Davis: “Imposible. Cuando se terminó la letra, tenía ciertas dudas sobre si usar la frase o no. La canción de La Buena Vida es tan grande que me daba un poco de reparo. ‘Hallelujah!‘ es uno de mis discos preferidos.

Como grupo, en las fotos, dais una imagen de personas normales y sencillas totalmente shoegazer. El vídeo, en cambio, está protagonizado por gente arregladísima que en cierta forma parece vuestra antítesis, ¿os sentís identificados con los personajes que salen o buscabais cierto contraste a lo “verano/ invierno”?
Cris: “Bueno, es que somos personas normales pero también tenemos nuestro punto presumido, y nuestro punto moderno. Yo además siempre he pensado que es importante prestarle atención a la imagen, etc. No creo que eso sea incompatible con hacer la música que te gusta, y vivirla hasta el fondo. Una de las cosas que más me gustan del vídeo es que uno de mis sueños de hace años era tener un vídeo con gente bailando una canción mía, y me encanta que el equipo tuvo libertad total para hacer el vídeo que la canción les sugirió, sin que nosotros les propusiéramos nada, y al final me hace gracia que, sin saberlo, han hecho algo muy parecido a eso que tenía yo en la cabeza. Y tampoco se puede olvidar el homenaje directo y consciente a la escena de ‘The Breakfast Club’ que Davis remontó para proyectarla en un concierto en Sevilla y que acabamos subiendo a YouTube. Yo con lo que me quedo es con esa sensación de disfrute total, de pasar de todo e intentar aprovechar el momento, que desprende el vídeo.
Davis: “Yo, por mi timidez, estaría encantado de que los 5 chicos de ‘Verano Invierno’ protagonizaran todos nuestros vídeos, en plan saga interminable y que viviesen miles de aventuras y desventuras (siempre guapos y perfectos)”.
Cris: “Porque mira que son guapos todos, ¿eh?”.

Después de este single, ¿tenéis algún plan?
Cris: “Casi la primera incógnita es cuándo saldrá el single, porque en principio iba a estar para junio pero es más probable que sea ya para septiembre. Después, estamos coqueteando con la idea de hacer un mini-LP en 10″ con seis canciones, regrabando las cuatro que nos quedan pendientes de la primera y segunda demos (‘El cine’, ‘Arte y Ensayo’, ’92′ y ‘Alarma Nuclear’) y añadiendo dos nuevas que estamos montando. Esto en principio lo autoeditaríamos bajo nuestro propio sello Tape Echo Rds (que también coedita el 7″ de ‘Verano-Invierno’ con Discos de Kirlian). Pero seguro que si nos preguntas en 2 meses te decimos algo completamente distinto.
Davis: “Además tenemos varios conciertos para este verano, entre ellos nos hace mucha ilusión el del Limoges Popfest y yo ya estoy ensayando mis frases en francés”.

Las canciones del nuevo disco coparán la actuación sorpresa de la banda de Chicago esta noche en la sala Arena de Madrid, surgida tras la cancelación del festival Rock Coast de Tenerife, que debería haber tenido lugar este fin de semana. Las entradas se agotaron enseguida. Vistas sus últimas actuaciones en España y lo poco que le gusta hablar de su pasado, no es de esperar que se recree en sus grandes éxitos, resistiéndose a ser considerado, con cuarenta y cinco años, un dinosaurio del rock.

‘Zeitgeist’, tu último álbum, era más heavy que los demás discos de Smashing Pumpkins. ¿Cómo describirías ‘Oceania’?
Está en un punto intermedio entre todos los estilos de Smashing Pumpkins, no es heavy pero tampoco tan suave como ‘Ava Adore’, está más bien en el medio. Hay momentos fuertes y momentos bonitos, pero no es tan agresivo como ‘Zeitgeist’.

Hemos visto vídeos de canciones de ‘Oceania’ colgados en YouTube. ¿Su sonido en disco va a ser cercano a como suenan en directo?
No lo sé, probablemente es cosa mía pero es difícil de explicar, en el álbum hay más belleza de la que realmente se puede encontrar en directo, porque en directo todo tiene que ser más sencillo. Cosas como delays, incluir una tercera o cuarta guitarra… Incluso aunque pudieras recrear todos los detalles en el escenario, seguiría perdiéndose gran parte de ellos. Cuando tocas en directo tienes que intentar hacer una versión más simple de la canción, y a veces eso es bueno y a veces es malo.

En un principio iba a publicarse el pasado septiembre, ¿cierto?
Sí, lo que pasó es que lo terminamos y planeamos lanzarlo inmediatamente; pero la gente con la que hablamos nos dijo que era demasiado bueno para publicarlo de la manera que habíamos hecho hasta ahora con otra música. Tuvimos más reuniones, lo hablamos con más gente y de repente el interés por este álbum en la industria musical empezó a crecer. Tuvimos que frenar un poco todo para tomar decisiones, porque durante los últimos 5 o 6 años ha sido muy difícil saber qué camino tomar dentro del mundo de la música. Por primera vez desde hace tiempo el éxito de la música de algún modo nos ha hecho tomar muy buenas decisiones.

¿Cambia eso de algún modo el concepto de ‘Oceania’ como “álbum dentro de un álbum” dentro del proyecto ‘Teargarden by Kaleidyscope’?
Todavía lo considero parte de ‘Teargarden’. Todavía es importante para mí dado que estamos acabando el proyecto, pero creo que ‘Oceania’ no hubiera sido posible sin todo lo que he hecho en ‘Teargarden’. Para mí es como una evolución para volver a un lugar desde el que quiero hacer discos y estoy tan emocionado con la música como lo estaba cuando tenía veintitantos. Me está llevando un tiempo encontrar un lugar realmente orgánico y natural desde el que hacer música otra vez y no la típica tontería para la industria discográfica.

¿Cómo se relaciona este LP con los once EP’s que deben conformar ‘Teargarden by Kaleidyscope’?
Simplemente en lugar de hacer una canción cada vez y lanzar varios EP’s decidimos hacerlo todo en un disco. Cuando dije al principio todo aquello de los EP’s tenía también otras ideas sobre lo que serían otras maneras de llegar a los fans y mantenerme creativamente comprometido; algunas funcionaron y otras no lo hicieron en absoluto. No creo que los fans de Smashing Pumpkins estuvieran respondiendo de una manera realista y volver a la idea de un disco me pondría en el centro otra vez para intentar que la audiencia mirase nuestro trabajo bajo una luz diferente, porque de la manera en que estábamos funcionando nos estaba dejando en el olvido muy fácilmente. Un disco parece que suena muy oficial, sin embargo un EP es como “ah, es un single” o “cuatro canciones”. Consigues respeto a través de esa relevancia que te da el disco. Y comparar mi música con alguien que nunca ha tenido un hit o que acaba de lanzar su primer disco y por la fama se les da un cierto nivel de importancia, que no es real, es una manera de buscar otro tipo de atención. Sé cómo hacer música, he hecho música pop, pero cuando intentas crear buena música psicodélica o rock requiere algo más que cinco segundos y en la cultural musical desechable de hoy en día la manera de hacer que la gente preste más atención es enfrentarles con un disco. Si por ejemplo enseño una canción, en lugar de un disco, la gente tiende a mirarla de manera diferente a si es dentro de un disco, pero sigue siendo la misma canción. Todavía tengo que averiguar diferentes maneras de hacer que la gente escuche música, no es tan simple como si es buena o mala porque hay mucha buena música que nadie escucha.

Un disco es un concepto diferente a un EP, más allá de contener más canciones.
Sí, eso es, creo que es algo que sentimos profundamente.

¿Entonces ‘Teargarden by Kaleidyscope’ seguirá de la misma forma como lo ha hecho hasta ahora?
Sí, tengo muchas canciones que no han sido lanzadas, probablemente treinta o cuarenta, y si fuera vago simplemente las pondría como demos pero ya veremos, hay que ir paso a paso.

Un proyecto tan grande como este me recuerda al de otro artista de Chicago, Sufjan Stevens, que pretendía hacer un disco por cada estado de los Estados Unidos, pero al final se desdijo. ¿Tienes miedo de “aburrirte” antes de acabar ‘Teargarden’?
No, para nada. Porque la razón por la que quería hacer este proyecto es porque… Imaginemos que ‘Teargarden by Kaleidyscope’ está teminado, si hablase con alguien al respecto sería como “mira, empecé aquí y terminé allí y si sigues este camino puedes ver que algo ha ocurrido de aquí a allí”. Ese era el motivo de hacer ‘Teargarden’, quiero empezar aquí y terminar allí y que la persona que lo escuche pueda oír ese viaje. Es un poco más complicado que simplemente escuchar tres discos seguidos. Porque está todo ligado, hay canciones de ‘Oceania’ que te llevan de vuelta al principio de ‘Teargarden’. No se lanzaron pero las escribí, ¿entiendes? Hay una especie de ruta circular en este trabajo que conecta todo ‘Teargarden’. En lo que respecta a cómo funciona el mainstream no me importa si me creen o no. Si creen en ‘Teargarden’ o no, realmente no me importa, solo quiero que la gente escuche la música.

Smashing Pumpkins ha viajado desde el indie rock de sus inicios hasta estas trazas psicodélicas pasando por un sonido más metalero. Resulta difícil etiquetaros.
Para mí eso son tonterías.

¿Qué clase de música escuchas ahora? ¿Influye en tu propia música?
Sobre todo clásica, Beethoven y Bach.

¿No escuchas nuevas bandas?
No escucho nuevas bandas, para nada. El otro día escuché esta banda… Best Coast. Muy buenos, sí. Pero no, no busco nuevas bandas, dejé de hacerlo hace mucho tiempo.

Ahora muchas bandas miran hacia los 90, tratan de recuperar ese sonido, reivindican el legado de los Smashing Pumpkins.
(se ríe) Para mí todo esto simplemente no tiene nada que ver con lo que estoy haciendo ahora mismo. Si alguien viene y me dice que le encantan Smashing Pumpkins, ‘Ava Adore’, bla, bla… me siento halagado pero ya está, no tiene nada que ver con lo que hago ahora mismo.

En el vídeo en que explicabas las reediciones de ‘Gish’ y ‘Siamese Dream’ se te veía muy ilusionado.
Sí, por supuesto, porque es mi música.

Cuando me dijeron que te entrevistara, se me vino la cabeza la posibilidad de veros a vosotros tocando el ‘Siamese Dream’ en directo en algún festival, coincidiendo con el veinte aniversario de su publicación. ¿Os han hecho ofertas para tocarlo?
Diría que no, no me interesa. No tengo ningún interés en el veinte aniversario del disco, en tocarlo. Nada, cero.

En un mensaje que se puede leer en la web de Smashing Pumpkins dices que ‘Siamese Dream’ cambió tu vida.
Sí, lo hizo. Pero estás diferenciando algo que hice y lo que hago ahora mismo. Estoy orgulloso de lo que hice pero estoy igualmente orgulloso de lo que hago. Y para hacer lo que hago hoy no vivo en el pasado. Si alguien quiere hacerlo puede escuchar los discos, ver los vídeos, pero yo no vivo en el pasado. Si estuviera viviendo en el pasado estaría escuchando a Beethoven (risas).

Sí, pero ¿en qué forma lo hizo?
Fue un paso adelante artísticamente, fue el momento en el que forjé mi propio estilo de canción, de música. También estaba intentando encontrarme a mí mismo pero a la vez me dije: “puedo escribir una canción como ‘Silverfuck’ pero también puedo escribir una canción como ‘Today’”. Y eso es muy raro en el rock, tener estilos tan opuestos, porque normalmente la gente tiene un par de estilos y tocan siempre las mismas cosas. Fue muy importante para mí reivindicarme como hombre, persona, artista y por eso es por lo que cambió mi vida. Pero no quiero volver ahí y revivirlo es muy aburrido.

Preparando las reediciones, ¿qué sentiste al volver a escuchar esa música?
No entiendo todo esto, siento como que me estás preguntando sobre mi pasado como si hubiera algo que no llego a comprender. Creo que tienes una idea que no es la mía. Tuve que escuchar la música para elegir las canciones, seleccionar las caras B y lo disfruté, fue genial, grandes recuerdos, estaba orgulloso y pensaba: “ah esa es una buena canción”. Había suficiente distancia para poder ver claramente que estaba muy orgulloso de lo que habíamos hecho. Pero eso no quiere decir que volvería a trabajar en aquellos Smashing Pumpkins otra vez. Cuando la gente me pregunta por los viejos Smashing Pumpkins no sé qué decir, no es malo, sencillamente ya no soy esa persona y la gente quiere que sea esa persona porque les hace sentir bien, porque les recuerda a algo del pasado, pero es como un dibujo animado. Si hiciese las mismas cosas no creo que estuviese hablando contigo ahora mismo.

¿Habéis empezado a ensayar ya con la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia?
No, hasta que no lleguemos a Murcia no lo haremos. Estamos haciéndolo todo por MIDI, ellos nos mandan los arreglos y nosotros trabajamos con el ordenador.

¿Va a cambiar vuestra forma de tocar o es la orquesta la que se adapta a vosotros?
¡Cambia totalmente! Es un proyecto que llevamos trabajando casi un año, desde el verano pasado. La gente del conservatorio se puso en contacto con nosotros y la propuesta inicial era un concierto con canciones de Vetusta Morla adaptadas a orquesta sinfónica pero en el que nosotros no participábamos. Pero nos pareció muy interesante y al final cada profesor escogió una canción del grupo e hizo una versión para orquesta sinfónica. Son doce o trece canciones arregladas para orquesta y nosotros estamos adaptándonos a ellos con nuestro equipo. Pero no queremos hacer las canciones tal y como suenan en el disco y meter una orquesta detrás, no nos gusta el rollo hortera de banda tocando con guitarras eléctricas y detrás la orquesta en plan épico. Queremos ver de qué manera podemos cambiar la instrumentación: hay canciones en las que apenas tocamos, otras en las que solo hay voz, otras en que tocamos todos pero la instrumentación cambia…

La orquesta hace los arreglos y vosotros os adaptáis a ellos, entonces.
Sí, respetamos lo que cada uno nos manda al ser un proyecto solidario, no es como si fuera un disco 100% de Vetusta Morla en que quieres que salga todo como tienes en la cabeza. Aunque no suene exactamente como quieres tú, tienes que respetar que es un proyecto colectivo. Hemos dado unas pautas generales, luego hemos recibido los arreglos -como son arreglistas diferentes, cada uno entiende la música de una u otra forma-, ha habido algunos con los que nos hemos quedado a la primera y otros que hemos trabajado más a través de internet, con MIDIs, etc., sugiriendo cosas hasta que hemos llegado a un punto en el que todos nos sentimos cómodos tocando. Está siendo muy divertido porque algunas canciones se han respetado mucho pero otras son muy distintas y es como si estuviéramos haciendo una versión de Vetusta.

Además, la visión de estos profesionales supongo que es muy enriquecedora.
Totalmente, nosotros estamos aprendiendo mucho. Somos una banda de rock y casi todos somos autodidactas, trabajando con bloques muy establecidos, estrofas y estribillos. Su mundo es completamente distinto, tiene partes apasionantes y es complicado, por lo que tenemos que readaptarnos a su forma de trabajar. A nivel melódico aportan mucha riqueza y nos hacen ver nuestras canciones desde otro punto de vista, no solo la base con batería y bajo, las guitarras haciendo unas historias y la voz estando por arriba… Es como un todo, date cuenta de que vamos a estar casi noventa músicos en un escenario. Va a ser algo muy bonito, la verdad.

Sentir ochenta músicos detrás tiene que ser impresionante. Vuestra música se presta a este tipo de arreglos, con muchos detalles, ¿os gustaría continuar con esta senda en el futuro? El concierto se grabará al menos…
Es un momento muy especial como para no dejarlo registrado. Hay canciones que con estos arreglos han ganado mucho más, parecen casi una banda sonora. Las combinaciones de orquesta y banda que más nos han gustado han sido en las que se integran los dos como un único grupo. No es como una orquesta que está por detrás y hace un colchón. En ese sentido, lo mejor que se ha hecho es el directo de Portishead en Nueva York que grabaron ya hace unos años. Hemos intentado trabajar con esa idea, hay una parte muy orgánica y muy clásica, pero nos gustaría introducir algo que lo complemente, más sucio. En esas estamos, aunque haya sido una locura, merece la pena.

Hace poco tuiteasteis el hashtag #YoVoy12M. Junto al concierto benéfico os muestra como una banda comprometida, ¿veis necesario, como banda influyente, implicarse en este tipo de eventos?
El compromiso es más una decisión como ciudadano que como miembro de un grupo. Cuando ese apoyo lo compartimos los seis, decidimos darle voz en el nombre de la banda. En el caso de Lorca, es bonito y positivo que tu trabajo ayude a otros, y si además te enriquece, como es el caso, mejor. También hemos participado en proyectos de apoyo para pacientes de enfermedades relacionadas con el VIH, para el pueblo saharaui, etc. Supongo que cuando tienes un Twitter al que le das un botón y te leen noventa mil personas estas cosas se amplifican más, pero si tuviéramos cien seguidores haríamos lo mismo.

¿Estuvisteis en la manifestación del 12M?
Yo no estuve porque estaba fuera, pero sí a la del domingo en Sol y el resto del grupo estuvieron casi todos.

Hablando de revoluciones, ¿cuál es la revolución pendiente en la industria musical?
No sé si llamarlo revolución, evolución, no sé… Para intentar evolucionar, hacer obras en cualquier ámbito artístico que estén acordes a los tiempos que vives, tienes que ser una persona con los ojos muy abiertos e intentar ser multidisciplinar. Cuanto más sabemos del mundo en el que vivimos y cómo funciona el sistema somos más libres. El “Antiguo Régimen” musical partía de unos artistas semisagrados que no tenían que preocuparse por nada y existía un escudo gigante que era la discográfica, los managers e intermediarios que se repartían el dinero y hacían que esa persona no se preocupase ni de dónde se fabricaban sus discos. Con la caída de ese “Antiguo Régimen” y con la llegada de un nuevo modelo que tiene que crecer todavía, ha cambiado radicalmente. Ahora, la mayor parte de la gente que ha sacado un disco se ha tenido que trabajar todos los aspectos, llegar a un acuerdo con un tío que le hace la distribución, ir a la fábrica para ver cuánto vale fabricar un disco, se pagan el disco y tienen que buscar estudios… Ahora, cualquier persona que tiene un grupo posee un conocimiento global de toda la estructura musical mucho más amplio que esa estrellita que se formó hace 15 o 20 años. Para mí, ese ha sido el cambio más grande, la toma de conciencia de todos los engranajes. Somos más libres a la hora de decidir cómo queremos hacer nuestra música, moverla y hasta dónde llegar. Por ejemplo, nosotros hemos tomado algunas decisiones que no sé si serán las más acertadas pero nos hacen sentir mejor, como no hacer música para anuncios, no queremos que nuestra música se vincule directamente a un producto o una marca, aunque luego vayas a un festival y tengas el anuncio de una cerveza detrás. Tienes ese anuncio dentro de tu trabajo normal, que es actuar. Son muchos factores que permiten guiar tu carrera, y hace unos años esa carrera venía guiada por gente muy alejada de ti.

De hecho, formasteis vuestra propia discográfica, Pequeño Salto Mortal, para publicar vuestro material. Has comentado cuánto tiene que tener de “empresario” un músico, esas labores que antes delegabas en alguien y de las que ahora te tienes que encargar tú.
Hombre, la palabra empresario a veces la pensamos como algo peyorativo, es más bien “responsable de tu trabajo”. La labor del músico no se limita a tocar encima de un escenario, yo creo que hay una responsabilidad en las canciones y sobre los discos. Si tu disco lo venden en una tienda a 24 euros, la manera en que tú haces ese disco está siendo desvirtuada en esa tienda porque lo ponen a precios abusivos. Tú, como músico, tienes responsabilidad en el precio. Implica hacer un trabajo extra y a veces es complicado, porque tienes que hacer números, encargarte de cómo sale un disco, de gestionar cómo haces una promoción… Son horas de decisiones pero al final miras atrás y aunque hayas cosas en las que hayas estado equivocado, al final has seguido los pasos que querías seguir.

Una de esas decisiones fue colgar en streaming ‘Mapas’ antes de salir a la venta y fue un éxito, disco de oro, el puesto veinticinco de los más vendidos de 2011, aunque no sé si estas listas siguen interesando o son un vestigio del pasado.
Son datos. Nosotros echamos cuentas para que podamos seguir haciendo discos y vivir de esto, no miramos las listas de ventas semanalmente pero está claro que cuando te dicen que tu disco ha sido uno de los más vendidos del año y te van saliendo las cuentas te sientes muy afortunado. También piensas que la estrategia de poner ‘Mapas’ para que lo escuche todo el mundo no ha sido tan descabellada porque lo que tú ofreces en un disco es algo distinto. Intentamos que quien compra ese disco no solo compra la música sino un objeto que gusta tener en casa y eso se valora. Hoy en día, acceder a un archivo mp3 o a una canción en internet es cuestión de segundos, pero si te lo curras haces algo apetecible para que la gente lo compre, pues al final hace el esfuerzo. No podemos olvidar que estamos en un momento complicado y se compran muchos menos discos y se va menos a los conciertos que hace un año.

¿Cuánto creéis que le debéis a internet en la difusión de vuestra música?
Está bien pero al final no deja de ser un medio. Para que un grupo funcione en internet tiene que tener canciones y directos. Aunque fuera minoritario porque solo tocábamos en Madrid, el directo funcionaba bien, llenábamos. A nivel mediático y discográfico había un poco de desinterés por el grupo, pero a nivel de público la cosa funcionaba muy bien. Llegó un momento donde se juntó todo, sacamos un disco y gracias a internet la gente pudo acceder a él, los conciertos empezaron a ser en lugares más grandes y todo eso fue una bola de nieve que se fue haciendo cada vez mayor. Cuando llegaron los premios y los reconocimientos, no obstante, ya existía una gran respuesta de la gente. Los medios, para este tipo de cosas, llegan tarde. En el momento en que te saca un telediario sales en todos los demás porque se alimentan unos de otros. Respondiendo a la pregunta, internet ha sido importante pero como otras tantas cosas.

En algunos lados todavía se sigue viendo a Internet como un enemigo.
Internet ha cambiado la manera de entender el negocio y quien lo tenía lo ha perdido. A quien te lo quita lo ves como un enemigo, pero no creo que internet sea en sí mismo ni un enemigo ni un amigo, es un medio, el más importante que existe en la actualidad, y habrá que utilizarlo de la forma más apropiada, tanto los usuarios -para escuchar música y compartir sus canciones-, los músicos -para hacer su trabajo- y la industria, o lo que queda de ella, para intentar hacer rentables sus productos. No creo que internet vaya a acabar con las discográficas, que siguen sacando tajada. Las compañías que compraron las discográficas, como Sony, Virgin y demás, son las que se enriquecieron vendiendo CDs y DVDs vírgenes y dentro de unos años la discográfica al uso no será la que estamos acostumbrados a ver sino la empresa que te instala el ADSL en tu casa, que ya están empezándose a meter en un montón de movidas relacionadas con la música: Terra tiene cosas, sobre todo en Sudamérica, y tendrás a Vodafone y a otros. Son los que se están adueñando y enriqueciéndose con la música “gratis”, porque la música en internet no es gratis, estás pagando una línea ADSL a Telefónica. Quien se está enriqueciendo con esto no son los músicos ni las discográficas sino las compañías telefónicas.

Cambiando de tema, acabáis de venir de una gira que os ha llevado por Londres, Estados Unidos y México. No es la primera vez que salís de España pero sí la primera en que dais tantos conciertos seguidos fuera de España.
Normalmente, cuando salíamos fuera íbamos a sitios concretos, Argentina, México… Era algo puntual, y esta vez era la primera vez que tocábamos en una ciudad, volvíamos al aeropuerto, tocábamos en otra ciudad y así. Ha sido muy intenso pero muy importante. Hemos llevado canciones a sitios que ya habíamos estado, como México, y nos hemos dado cuenta de que la cosa funciona cada vez mejor. Luego, en otros que a priori no estaban en nuestra imaginación, como Londres, donde llegamos a una sala y había 2.500 personas, un montón de gente…

México suele ser el punto de inflexión para muchas bandas que están alcanzando otro nivel, lo señalan como la experiencia internacional más importante.
Es la puerta al sur de Estados Unidos y también a Sudamérica. Tiene una manera de entender la música y un público que va a conciertos, con ganas increíbles de ver bandas en directo, muy acostumbrado además a que vengan bandas españolas. En el Vive Latino hemos estado con Napoleón Solo, Manos de Topo, El Columpio Asesino… Es un sitio muy agradecido, desde el momento en que te cogen cariño allí es muy difícil después que te olviden. Hemos notado, además, que a medida que vamos, llenamos salas cada vez más grandes. Era la primera vez que íbamos a Tijuana, que fue increíble, y también en Los Angeles, Chicago, Nueva York. Era en salas modestas, de 400-500 personas, y con mucha presencia de inmigrantes españoles y de hispanohablantes pero también un porcentaje de gente local que de alguna manera ha llegado al grupo, no sabemos muy bien cómo.

Tocasteis en el South By Southwest. ¿Cómo es aquello?
Yo no he visto nada igual nunca, hay ciento y pico escenarios a la vez, muchos de ellos en garitos, y aparte de la programación oficial, tienes a gente tocando por la calle. Son como unos sanfermines del rock, todo lleno de gente desde por la mañana -mucha duerme en la calle-, no para de haber música… A nivel de espectador es muy bonito, una ciudad tomada por la música durante una semana. A nivel musical, es complicado dar calidad en un ambiente tan masificado, y para el músico es un poco estresante porque no haces los conciertos en las condiciones que querrías. Pero como espectador es una experiencia impresionante, por allí pasa todo el mundo, y si no ha pasado este año ya lo hará el que viene.

Un par de preguntas más. Mirando hacia atrás, ¿os habéis planteado qué hubiera pasado con Vetusta Morla de no alcanzar este éxito masivo al que habéis llegado?
Sí, claro, durante todos los años que estuvimos “picando piedra” pensabas en el futuro, pero todo tiene que ver con la ilusión. Cuando te ilusiona hacer canciones, juntarte y el momento del ensayo es especial, dar un concierto lo es también… Mientras eso está ahí, hay gasolina. Cada año que pasábamos teníamos un incentivo, una grabación, un viaje, estuvimos a punto de haber grabado el primer disco mucho antes. Pasaba el tiempo y la respuesta de la gente era muy buena aunque no era masiva, y todo nos daba alas para mantener la ilusión. No sé lo que hubiera pasado, a lo mejor llegaba un momento en que te planteabas, no dejar de tocar, pero sí dedicarle tanto tiempo porque tenías que ganarte la vida por otro lado, como todo el mundo, compatibilizar el trabajo con los ensayos y los conciertos.

Tenéis anunciados conciertos hasta julio. ¿Hasta cuándo va a durar la gira? ¿Pensáis ya en grabar material nuevo?
Estamos pendientes de volver a América pero lo más probable es que termine después del verano en España, en octubre. No es seguro pero no queremos hacer una gira mucho más larga porque ya hemos pasado por casi todos los sitios y tenemos pendiente material nuevo que queremos empezar a trabajar. Además, es bueno dejar una temporada de barbecho para que la gente te eche de menos y puedas volver con fuerza.

¿Probáis los temas nuevos en directo?
Todavía no los hemos montado en el local. Ahora es complicado porque con el primer disco sí que tocábamos canciones inéditas pero ahora las que dejamos sin tocar de nuestro repertorio anterior te las piden y es más fácil tirar de esas canciones que se han caído del repertorio que probar tema nuevo. Está bien probarlos, no solo para ver cómo reacciona la gente sino cómo te sientes tú al tocarlos, ya que no es lo mismo que en el local de ensayo.

No tenéis fechas definidas para grabar todavía.
Como tampoco tenemos fecha de salida de nada… El disco lo tendremos cuando estemos contentos con las canciones que haya y tenga sentido empezar a grabar.

De las muchas formas en que presentas tu directo (sola, banda, distintos músicos), ¿con cuál te sientes más cómoda? ¿Cuál crees que es el que tu público disfruta más?
Depende, mucha gente me dice que disfruta más cuando yo estoy sola, otros se aburren, depende de qué prefiere la persona. Últimamente me he sentido muy cómoda sola con un teclado Casiotone. Me gusta variar, pero en mis discos mis canciones están llenas de arreglos. Por eso me gusta tocarlas con banda, para entregar algo parecido, aunque las canciones desnudas también tienen su gracia. Es difícil llevar un show de música electrónica al vivo, más aun siendo solista. Tendrías que tener a 8 músicos para sonar parecido, por eso hay que buscar opciones y yo siempre estoy en esa búsqueda.

La gira de tu último disco te ha llevado por un montón de países. ¿Te sientes integrada en la escena de tu país o, por el contrario, un poco desarraigada?
Últimamente me siento más integrada a muchos lados, a México, a España… Cuando llego a Chile, poco comparto con otros músicos porque más veo a mi familia, mi novia y amigos. Son mis semanas libres y me gusta descansar, ir a la montaña, al mar. Y mis amigos son más dj’s que músicos. Así que cuando más me meto en un entorno de escena es cuando viajo y ando de gira, sobre todo en México. Así que sí hay un sentimiento de desarraigo, aunque siempre me topo con chilenos.

Tus discos son muy electrónicos, pero a la vez los ritmos suelen ser bastante suaves, ¿te ves lanzándote a la pista del todo algún día?
Sí, me encantaría hacer cosas mucho más bailables, casi sin letra. Me encantaría hacer una canción como ‘Bailando’ de Paradisio, por ejemplo, donde pocas palabras y muchos arreglos de baile hacen que se cree una canción totalmente dance.

Creo que eres una artista “a la antigua usanza”. Además de tener mucho talento para lo musical, has hecho publicidad y uno se va de tus conciertos sintiendo que ha visto a una estrella. ¿Crees que, de cara a que tu música consiga una mayor difusión, favorece tener una personalidad tan atrayente?
Cuando se une disco o canciones que te gustan con una personalidad atrayente, ahí es cuando yo me hago fan de algo. La música habla por sí sola, pero tiene un valor agregado: que el que la ejecuta te simpatice. Es difícil pensarlo de mí misma… ¡pero gracias por decirlo!

He leído que estudiaste composición, pero también que te consideras autodidacta. ¿Tiene esto que ver con los instrumentos que tocas? ¿Con el software?
Antes de estudiar composición yo ya hacía mis canciones, sabía cómo trabajar con software. Una vez dentro de la escuela, aprendí de cosas clásicas a las que no hubiese llegado sola, de los grandes compositores, de teoría musical y contrapunto. Para mí fue un complemento increíble poder tener esas herramientas. No tuve especialización en instrumento en la carrera, así que tocar para mí ha sido autodidacta.

También creo que cantas muy bien, desde un punto de vista técnico. ¿Aprendiste en el coro o ha sido más cosa de ir corrigiendo con la experiencia?
No se me dio de manera innata cantar, de niña no cantaba, y mis primeras cosas eran instrumentales. Lo de cantar surgió como una necesidad de expresar mis letras y de querer hacer pop. Hace dos años que tomo clases de canto esporádicamente y han sido para mí lo mejor: aprender a respirar y a relajarme, a tener conciencia qué está pasando cuando cantas…

Quizá porque sé que te gustan veo muy clara la influencia de Camela y Mecano en tus discos. ¿Están tan presentes los sintetizadores por eso? ¿Con qué instrumentos compones principalmente?
Me gusta la energía de camela, los sintes que usan… Escuchar algo eurodance de calidad en español para mí fue lo máximo y Mecano para mí son la Biblia de las canciones, el universo entero del ser humano está en sus discos. Los sintes están presentes por ellos y también porque me parecen un elemento imposible de no ocupar con su amplia gama tímbrica. Los he escuchado en miles de otras bandas, en Aphex Twin y en Orbital, en Brian Eno… Yo compongo de diferentes formas, con el ordenador, con la guitarra, el sinte y a veces solo en mi cerebro.

¿Sientes presión por sacar un disco nuevo pronto? ¿Estás cansada ya de esta larguísima gira o te apetece seguir viajando?
Ya quiero parar, después de España parar un poco. Aunque todavía me quedan fechas afuera, me encantaría quedarme un largo tiempo descansando y depurando nuevas ideas para un tercer disco. No siento presión, pero sí quiero hacerlo.

¿Qué haces en un día normal, en casa? ¿Qué programas de la tele te gusta ver? ¿Eres hogareña o te gusta estar por ahí?
Soy muy adicta a internet, me la paso horas ahí, al punto de querer rehabilitarme. También me gusta salir a bailar, juntarme con amigos a escuchar música y soy hogareña sobre todo en el duro invierno de Santiago de Chile, ahí directamente hiberno.

Supongo que sabes que en España la situación económica y social es bastante fea. ¿Es Chile un país tan guay para emigrar como parece, si no eres geólogo o tienes alguna profesión relacionada con las minas?
En todos lados está complicado: en España, en Chile, en México… Cada uno con sus problemas. Yo cuando voy a España como latina me parece que están súper bien, claro, lo que veo superficialmente, pero al lado de Colombia, de Perú… los veo a años luz de progreso. Ustedes no ven eso porque no tienen el punto de comparación de nosotros. He visto muchos españoles en Chile últimamente, que han emigrado por falta de trabajo. Chile está mejor, pero es de los países con más desigualdad social del mundo, hay poco espacio para la cultura, pero cada vez hay más que ayer. Y claro, si eres geólogo o empresario te puede ir muy bien.

En tu opinión, ¿cuáles son las diferencias entre el primer álbum y el segundo?
La experiencia y la forma de trabajar. He estado mucho más implicada en el proceso de producción y sabía más. Creo que con el anterior estaban mis maquetas y lo que hicimos en el estudio y ahora todo forma parte de un mismo proceso. Las canciones se parecen más a los bocetos que en el anterior y creo que he llegado mejor a lo que tenía en mi cabeza en un principio. Trabajar con mi hermana ha sido clave, musicalmente es con quien mejor me entiendo.

Vuelves a colaborar con Ban Davenport. Si no hubiera sido él, ¿quién crees que hubiera sido? ¿Imaginas Linda Mirada sin sus aportaciones? ¿Sería tan distinto sin ellas?
No lo sé muy bien. Bart es uno más del proyecto, no es alguien a quien yo pague y me arregle las canciones. Es alguien con quien trabajo mano a mano, un buen músico que entiende de qué hablo cuando lo hacemos de canciones. Creo que eso es muy difícil de encontrar y no tiene precio.

¿Consideras tu proyecto ochentero, o por la complejidad de sonidos que tiene lo ves más 2012, en relación con los 80 pero también con otras cosas?
No voy a negar una obviedad y es que mi música está muy basada en la nostalgia. Escucho mucha música de todas las épocas pero es cierto que cuando hago canciones no puedo evitar recurrir a este tipo de texturas. Pero creo que es un disco actual, con una perspectiva mucho más amplia que sólo los 80′s.

¿Te ves cercana de alguna forma por el tipo de música que haces a Delorean, El Guincho, el nuevo pop chileno, la música tropical, el chillwave o a nada de todo esto?
Una gran parte de los grupos de ahora están influidos por la música que aquí se hizo en los 90′s, que a su vez eran grupos que hacían una interpretación de lo que ellos escuchaban entonces. Quizá Delorean y el Guincho son bandas que se alejan un poco de esta corriente, si es por eso, sí, me siento cercana a ellos. Respecto al chillwave, sí que creo que muchos grupos que la prensa ha clasificado como tal reciben gran influencia de grupos que yo escucho. Pero cuando saqué el primer disco nadie hablaba en esos términos, y considero que sigo haciendo lo mismo.

Últimamente hemos oído mucho saxo en el mundo del pop, ¿te ha gustado desde siempre?
Blue Nile, Roxy Music, Tears for Fear, Thomas Leer, Talk Talk, China Crisis, Orange Juice… Se me ocurre un largo etcétera de grupos maravillosos que usaban saxo, es como todo, depende del sonido que le des.

Supongo que te lo preguntarán mucho, pero no encontramos ahora mismo la respuesta en alguna otra entrevista: ¿por qué el título del disco y por qué sobre todo la foto de portada, sin el título impreso encima?
El título del disco es una broma de la infancia entre mi hermana y yo. Un anuncio de cosméticos en el que una mujer todo terreno citaba esta frase. No tiene título por cuestión de diseño, no cabía. El arte está basado en un anuncio de maquillaje que hizo Kazumi Kurigami en los 80′s con Gary Numan. Me tenía fascinada y pensé en ello para la portada. La portada y el interior se supone que son la misma foto desde ángulos distintos.

En el interior hay una imagen tuya con un traje de corte masculino. Nos ha hecho gracia porque el espejo parece un iPad de refilón y porque en una canción (la 2) tú haces de hombre. ¿Hay relación entre foto y tema? ¿Cómo surgió cada cual?
(risas) Es muy bueno lo del iPad, no lo había pensado y ahora no puedo pensar en otra cosa al ver esa foto. Yo creo que el arte del anuncio está basado en la portada de ‘The Pleasure Principle’. Simplemente me gusta la estética, es muy sobria. ‘Mientras la Música no Pare’ es una historia desde el punto de vista de la otra persona.

¿Qué importancia tienen para ti las letras? Una de las cosas que me suelen sorprender de tu proyecto es que al escuchar el disco uno se fija en las partes más “tontas”, pero al leerlas, muchas son bastante tristes, profundas, curiosas y originales…
Tienen tanta importancia como el sonido o la melodía, es decir mucha. Ya no solo por el significado. Intento que tengan cierto ritmo y musicalidad, puesto que es música pop lo que hago, pero no puedo limitarme a un estándar, necesito contar una historia y lo intento hacer de la forma más clara, sin rodeos ni metáforas.

Suponemos que la historia del cartero de ‘Adicta a nivel internacional’ es personal, ¿pero qué drama inspiró la letra de ‘Dinamo’ y cómo se te pudo ocurrir en la ducha, como contaste en Playground?
La historia de ‘Adicta’ partió de una experiencia personal pero iba camino de ser demasiado sórdida y opté por darle un giro hacia algo más naive aparentemente, pero es el peor de los dramas puesto que es una chica que vive una relación que sólo existe en su cabeza. En ‘Dinamo’ simplemente tenía alguna frase sobre el fenómeno de comunicación global. Simplemente intenté enlazarlas con sentido.

Nos pareció intuir por un mensaje que escribías en Twitter que no te gustaba que se dijera que tus letras son “costumbristas”, pero escribes sobre borracheras colectivas de un pueblo en ‘Aire’… ¿Todo un retrato social, no? ¿De qué forma perdió el control el pueblo aquel día?
Quizá no me expliqué bien, me refería a lo nuevo de acuñar ese término a la música. Pero es lo mismo que chillwave o dream pop: son términos que aparecen de pronto y se ponen de moda y tú piensas que no te estás enterando de nada. Lo del pueblo es verdad, eran las fiestas, había sangría para dar de beber a un país y en la tele no paraban de decir que venía un aire caliente de África. La gente perdió la cabeza, al menos los que tenía yo alrededor.

Cuentas historias vividas en las letras, pero a su vez son anécdotas algo irrelevantes (a veces trágicas). En general no parece que dejes ver mucho de ti misma como otros artistas que escriben sus canciones, no parecen las clásicas letras “autobiográficas”, ¿por qué crees que es? ¿Es Linda Mirada un proyecto con el que, sobre todo, divertirte o evadirse?
A mí me gustan las letras que cuentan historias, puedes recrearte en un estado de ánimo, pero a mí me interesa más la historia que hay detrás y la que ha provocado ese estado. Mis canciones hablan muchas veces de recuerdos y de frustraciones de la adolescencia que se mantienen con la madurez, aunque a veces escribo sobre cosas que leo y no tienen nada que ver conmigo.

Tu primer disco crece con las escuchas y este también. Es un “grower” en toda regla, ¿a qué crees que se debe tratándose simplemente de música pop? ¿Quizá por el volumen o los ecos de la voz, el tipo de producción, toda la música que escuchas tiende a crecer con las escuchas en lugar de impactar desde el segundo cero?
Esto lo voy a tomar como un cumplido, son los discos que crecen con las escuchas los que más me gustan… Me gusta mucho la música pop, creo que el buen pop gana con las escuchas. No me canso de escuchar ‘True Blue’ (el album entero) de Madonna y es puro pop. No me interesan las canciones con ganchos evidentes que sobre todo persiguen sonar en la radio.

Un ejemplo es el single ‘Secundario’, que mola pero es mucho menos inmediato que ‘San Valentín’. Es extraño, pero citando a tantos artistas pop como influencia y siendo tan pop, parece como si te importara poco que el resultado final fuera comercial, ¿Es así?
El único resultado que me importa es si una canción me convence cuando casi he terminado, lo demás viene después. De todas formas el pop engloba muchísimas cosas, casi la mayoría de lo que hoy en día escuchamos, no sólo lo que está hecho para sonar en la radio.

¿Puede influirte en ese sentido trabajar en un sello y ver día a día las dificultades que pasan los grupos hasta que consiguen vivir de la música? Es como si lo consideraras tan lejano que te da igual, cuando igual no lo es.
¿Lejano? Lo veo cada día, vivir sólo de la música en este país es improbable y lo triste es que muchas veces no depende del talento sino de otros factores.

Por otro lado, a pesar de la modestia de la autoedición y de la aparente falta de pretensiones, tienes un público muy fiel o al menos en nuestro site, generas un número de visitas propio de superestrella internacional… ¿en qué posición crees que estás artísticamente?
No lo sé, es pronto para saberlo, generar visitas no se traduce en discos y entradas vendidas, puede ser sólo curiosidad. Yo pongo mucho empeño en lo que hago pero no puedo forzar la maquinaria, llego a quien puedo llegar y lo hago lo mejor que puedo.

Part Time, que colabora en tu disco, es un artista de tu sello, ¿le conociste a raíz de eso?
No, le conocí cuando sacó su disco en cinta con otro sello. Cuando fichó con Mexican Summer ya habíamos hablado para que me hiciera una remezcla, a mí me gustaba mucho lo que hacía y Bart se lo comentó en una fiesta donde se encontraron (los dos son de San Francisco). Entonces él me mandó un mensaje a Facebook y a partir de ahí empezamos a hablar. Davida es un claro ejemplo de lo que hablamos, tiene un enorme talento y ahí está sin venir a tocar a Europa… ¿por qué? Pues me imagino porque Pitchfork y otros medios han pasado de él.

Artistas trabajando para un sello y publicando sus discos en otro han sido una constante: Irantzu Valencia, Clint, tú… ¿a qué crees que se debe esta rareza?
Bueno, sólo conozco a Tomás (Clint). Yo creo que ambos entramos a trabajar en música por afición aunque hicimos carreras que poco tienen que ver, y esa afición nos ha llevado también a tener proyectos musicales.

¿Habrá edición en vinilo del primer álbum, y de este?
Sí, habrá edición en vinilo. Espero que estén listos para el concierto de este finde.

¿Algún plan más aparte de la presentación en directo?
Creo que haremos pequeña gira después del verano. El disco sale en Japón ahora en breve y se distribuirá en Europa y Estados Unidos.

¿Los nuevos conciertos serán similares a los anteriores?
No, el repertorio es un poco más largo, le hemos dado la vuelta a un par de temas antiguos y yo voy ahora con dos teclados, María sigue con lo suyo, Miguel Núñez sigue a la guitarra, y Nahum García al bajo.

Personalmente, veo ‘Cuando suba la marea’ un poco torch song. ¿Es algo premeditado o surgió naturalmente?
Juan: “Somos muy impulsivos y bastante caóticos componiendo y casi no nos paramos a pensar en el carácter de lo que va surgiendo”.
Eva: “La primera idea de ‘Cuando suba la marea’ nació de repente tocando una acústica. Desde el primer momento vimos que nos pedía ese sonido a madera y a doce cuerdas que tiene. Cuando tocábamos la melodía sin la letra, nos parecía algo especial”.

A nosotros nos parece que es una de las canciones de sonido más Springsteen o Neil Young, sobre todo por esa armónica. Sin embargo, cuando os entrevistamos, decíais que no veíais esa influencia. ¿Cuál creéis que podría ser la inspiración de este sonido? ¿Quizá algo más clásico, tipo Yardbirds?
Eva, Juan: “Nos encanta que mencionéis a The Yardbirds y nos gustan muchas canciones de Springsteen y de Neil Young. Algunas de nuestras mayores influencias son las grandes canciones de los sesenta y setenta, los grandes de la música mexicana, la manera de cantar de Linda Ronstadt o la música argentina. Probablemente sea la canción con un corte mas clásico de ‘Hacia lo Salvaje’”.

La canción parece hablar del desengaño de la edad adulta, de ese momento en el que se te cae la venda de los ojos ante lo amargo de la vida. ¿O no?
Eva: “Habla de sentirse desnuda y carnal, del momento en que te liberas de lo innecesario y comienzas a contemplar tu existencia de una manera más relativa. Es una canción positiva. Es como cuando el protagonista de ‘Casablanca’ dice algo así como que los problemas de unos pequeños seres no importan, en medio de un mundo tan complicado”.

Aun así parece luchar por conservar un poco la inocencia, con ese “solía pensar que la vida es un juego, y la pura verdad es que aún lo creo”. ¿Os da miedo perder ese punto de vista?
Eva: “Creo que la vida es un poco como una partida de póker. Que puedes ser un buen jugador o tener la suerte del principiante, ir de farol o abandonar discretamente la partida, hasta puedes tener un as en la manga pero básicamente todos hacemos lo que podemos con las cartas que nos han tocado”.

Esa figura de tumbarse en la arena y que te lleve el mar recuerda al dramatismo de los poetas románticos. ¿Qué tipo de literatura os interesa?
Juan: “Hay temporadas, sobre todo cuando estamos viajando en las que leo todo lo que cae en mis manos y otras en las que no leo nada. Ahora estoy leyendo ‘Un buen chico’, una novela de Javier Gutiérrez. Soy muy “fan” de Juan Marsé y de Seamus Heaney”.
Eva: “La verdad es que cuando era adolescente me interesaba mucho el mundo trágico y decadente de algunos escritores como Baudelaire o Poe. Luego me colgué de la Generación Beat y ahora mismo me gusta más la narrativa que la poesía”.

¿El vídeo es de Lyona, verdad?
Juan: “Sí. Fue rodado en lugares donde había habido agua, como el parque acuático de L’acuatic en Sitges”.

Tras tantos meses de gira, ¿hay algo que cambiaríais en vuestro último álbum, ‘Shangri-La’?
No, en absoluto. Cada uno de los discos que hacemos es un documento que representa un momento en nuestras vidas. Grabamos ‘Shangri-La’ en tres meses, en tres lugares muy especiales para nosotros, lo que llamamos el “Utópico Triángulo del Oeste Americano”. Todas las canciones fueron escritas según eran grabadas y son una fiel representación de esos tres meses. Cuando veamos que hemos crecido y cambiado lo suficiente como personas, haremos otro disco que hable por nosotros. De momento, seguimos siendo los mismos.

El álbum tiene una visión no muy optimista del mundo de hoy (la idea de “estamos hambrientos”, “no hay futuro”, etc). Ahora que el mundo está todavía peor que el año pasado (estoy pensando en la crisis financiera), ¿haríais un disco más radical?
Eso honestamente es muy subjetivo; creemos que el disco es particularmente oscuro. La idea de ‘Shangri-La’ era explorar la utopía, como una idea, a través del proceso de grabar y escribir canciones. Literalmente, una utopía es un lugar hecho de ideas, algo que la gente hace cuando es tan fiel a su ideología que quiere llevarlo a la práctica en sus vidas. Como personas que hemos pensado en maneras de “recorrer el camino” de la filosofía personal, el concepto nos atraía. Utilizamos la grabación del disco como una vía para explorar esto. Para nosotros, la búsqueda y el trabajo van mano a mano. Al final, descubrimos que la utopía es insostenible, pero que puede que eso no sea algo malo. ¿Quién quiere vivir apartado del resto del mundo?

Me encanta el álbum, pero creo que ha funcionado por debajo de las expectativas. Esperaba que fuese vuestro disco definitivo tras tantos años en el mundo de la música (creía que os haría tan famosos como Hot Chip). ¿Estáis de acuerdo? ¿O quizás no teníais ninguna expectativa?
No teníamos expectativas. El hecho de poder sacar el álbum y poder hacer una gira por el mundo es más de lo que podíamos haber esperado nunca. Todo lo que nos interesa ahora es seguir trabajando.

Supongo que ‘Utopia’ y ‘Dystopia’ estaban llamadas a compartir el mismo vídeo, pero esto de compartir un mismo vídeo no es algo que sea muy común. ¿Cuándo os vino esta idea a la cabeza? ¿Sabíais desde el principio que eran los singles?
Grabamos ‘Utopia’ y ‘Dystopia’ antes que ninguna otra canción del disco. Fueron diseñadas como “sujetalibros”, enmarcando el contexto que queríamos explorar en el proceso creativo. Son dos extremos de la misma idea e indiscutiblemente una es la consecuencia de la otra. Creemos que es imposible crear una utopía práctica sin que finalmente se convierta en su opuesto. Los vídeos, que ilustran lo que sucede cuando intentas imponer tu propia “red” ideológica sobre el mundo, están diseñados para reflejar eso.

Nunca me ha gustado mucho la portada del disco (la blanca). ¿Por qué pensasteis que encajaría mejor con la música que la otra?
Tomamos una decisión consciente con la portada del álbum. Queríamos que pareciera más un libro que un disco. Por eso el LP y el CD tienen una funda anidada y elementos de minimalismo. Para nosotros, ‘Shangri-La’ es un documento que integra muchos elementos no musicales. Es como una especie de filosofía, un set de ideas, una conversación amplia que viene de un gran acuerdo de búsqueda. Queríamos crear un objeto que pudiera ser más grande que colores brillantes o trucos similares.

La banda tiene un gran sentido espiritual. ¿Iréis más allá con esta idea? ¿La religión es importante para vosotros ahora más que nunca?
No estamos tan interesados en la religión como podemos estarlo en tener conversaciones. Nos fascina cómo gente diferente vive sus vidas, cómo la gente trae significado a su existencia, cómo todos interpretamos la misma situación (estando solos en un universo infinito) de diferentes maneras. Siempre estaremos abiertos y tendremos curiosidad por la religión y sus implicaciones. Es una cuestión sin límites.

¿Qué significa Los Ángeles para vosotros? ¿Por qué dijisteis que la “utopía” puede estar allí cuando sacasteis el vídeo de ‘Shangri-La’?
Los Ángeles tiene una reputación muy mala. La gente en Estados Unidos cree que es una ciudad fea, muy contaminada y muy concienciada con la superficialidad. La noción de “utopía” de YACHT es que puede ser implementada en cualquier lugar y en cualquier momento, y esa es una experiencia temporal, no física. Situar la “utopía” en Los Ángeles es una ilustración del poder de la confianza en esto. Si puedes estar allí, es que puede estar en cualquier parte.

Vi un concierto vuestro en Berlín. Me pregunto si los alemanes o los holandeses os dirán algo del otro sentido de la palabra “YACHT” (yate).
YACHT es un acrónimo de Young Americans Challenging High Technology (“jóvenes americanos desafiando la alta tecnología). Para nosotros, no hay ningún elemento germano, más allá del origen de la palabra. Pero todo el lenguaje es un collage psicodélico de naciones y orígenes. No podemos pensar de forma demasiado literal en el origen de cada palabra, o de lo contrario nunca seríamos capaces de mantener conversaciones.

¿Ha cambiado vuestro setlist desde la última vez que vinisteis de gira?
Los shows de YACHT cambian constantemente. Diseñamos nuevos arreglos, nuevas presentaciones de vídeo multimedia, introducimos nuevas canciones y performances. Tenemos que cambiar el show todo el tiempo o nos aburriría. Nos aterroriza la idea de aburrirnos.

Una vez tocasteis en un museo de arte moderno en una ciudad cerca de Madrid. ¿Preferís escenarios así u os sentís más cómodos en clubs o festivales?
Tenemos la política de decir siempre que sí cuando nos proponen hacer conciertos, siempre que sea posible. Esto significa que hemos tocado en museos, clubs de rocks, barcos y tejados, en cuevas, para niños, para adultos, para nadie y a todas las horas de la noche. Todo lo que pueda hacer la experiencia de tocar en directo interesante y permita a la gente salir de sí mismos y experimenta un poco, está genial.

La música disco suele tratar el tema de la familia, con hermanos, hermanas, madres y padres; como vosotros. ¿Por qué creéis que es así?
La música disco tiene una larga historia sobre inclusión. ¿Qué es más universal y fácil de compartir que bailar?

Para alguien que sólo ha escuchado vuestros dos últimos álbumes, ¿qué álbumes o canciones de los primeros tiempos recomendaríais?
La verdad es que cada disco de YACHT es totalmente diferente. Hemos existido, de una forma o de otra, durante casi diez años. La música del principio fue hecha por sólo una persona, y la última por grupos de gente cada vez más grande, pero el espíritu siempre ha sido el mismo: viene de nuestros principios punk rock propios a una edad temprana.

¿Alguna idea sobre el nuevo álbum o de cómo sonará?
Tenemos varios proyectos en el horizonte, pero no podemos garantizar que sea algo musical. Para nosotros, YACHT es un nombre que damos a todo nuestro trabajo, lo que incluye textos, vídeos, música, diseño y una filosofía personal que ocasionalmente compartimos. Para la gente no interesada en la música (o en nuestra música), intentamos impartir nuestras ideas bajo diferentes formas y disfraces. No esperamos que a todo el mundo le guste, pero nos interesa ser exhaustivos. Es lo que queremos de los artistas que nos encantan, esa sensación de ser capaces de esconderse en una madriguera.

¿Teníais una meta clara al reuniros para hacer este disco, en cuanto a letras o música?
No, la verdad es que no, lo importante era alcanzar un lugar de gracia como grupo. Sólo queríamos ver si los cuatro podíamos reconectar entre nosotros como en el pasado y hacer un buen disco. Aparte de eso, creo que somos lo suficientemente listos como para saber que si hubiéramos intentado molderarlo demasiado, no habría salido bien.

He leído que la primera vez que os visteis para desarrollarlo, os salieron tres o cuatro canciones y partisteis de ahí.
Sí, así es.

¿Cuáles son esas canciones? ¿Están en el disco?
Sí. Bueno, no todas. La primera después de seis años fue ‘Battle In Me’, el single en Reino Unido. Cuando nos juntamos, hablamos, nos reímos, bebimos vino, comimos algo, nos emborrachamos y esa canción salió simplemente ensayando. Me venían las palabras y recuerdo pensar: “esto es exactamente lo que queremos hacer, si somos capaces de mantener este tipo de energía, haremos un buen disco y a la gente le encantará”. Bueno, o a alguna gente.

¿Ha sido duro hacer este disco?
No, porque pensamos de forma inocente, como principiantes, como tiene que ser. No te comportas como un icono, no fuerzas un resultado. Sólo dejas las cosas pasar, creo que eso es lo que te lleva a hacer buena música.

¿Por qué habéis escogido esa canción, ‘Battle In Me’, como single en Reino Unido?
Obviamente, como sacamos nuestro disco nosotros mismos, tenemos un equipo de gente en la que confiamos trabajando con nosotros. La gente de Reino Unido quería que el single fuera esa canción. Nosotros trabajamos muy duro para que todas las canciones fueran potentes y tuvieran mucha fuerza. Una de las cosas por las que la gente saca discos de mierda es porque sólo se preocupan de cuál será el primer single y el resto son “fillers”.

‘I Hate Love’ a mí me parece el single claro.
Eso es lo que a mí me parecía, pero nadie estaba de acuerdo conmigo, así que como yo sólo era una voz entre un montón… Pensé que era una buena introducción para el regreso de Garbage hoy en día. Creo que ‘Blood for Poppies’ es una buena opción de todas formas, también me gustaba. En cualquier caso, ‘I Hate Love’ todavía está ahí y puede ser un single en el futuro. Lo importante es que cada canción era bastante potente y sólo le gusta más a una gente o a otra dependiendo de lo que te atraiga a ti.

En Garbage hay cuatro personalidades muy fuertes con carreras aparte sólidas detrás y demás. ¿De qué manera conectáis entre vosotros? ¿Funcionáis como una democracia? ¿Os lleváis mejor dos a dos?
No, no sé, tengo diferentes relaciones con cada uno, por diferentes razones. Durante el tiempo en que no hicimos música, veía frecuentemente a Butch y a Steve. No solía ver a Duck, pero alguien podría decir que somos los que mejor nos llevamos, los que mejor conectamos y más nos parecemos. Es raro, nos necesitamos igualmente pero de manera diferente. No sé cómo explicarlo… Somos una banda rara.

¿Por qué?
Porque creo que… Bueno, lo primero. En el aspecto, si nos miras (risas) no parecemos una banda de rock. ¿Has visto el vídeo?

No, aún no se ha editado [en el momento de la entrevista faltan unos días]
Cuando lo veas lo entenderás. Parecemos un cásting raro de…, no sé, damos miedo, es como si viniéramos de otro siglo.

Y no el siglo XX.
Ya verás… Te vas a reír. También es verdad que somos mayores, no somos jóvenes vestidos de cuero, con guitarras colgando y botas. Somos raros, “nerdy” y “geeks”.

Pero tenéis una imagen muy sólida…
(interrumpe a carcajadas) Perdona, estaba pensando sobre mi banda. Muchas veces he pensado: “me encantaría que fuéramos esto o aquello”, pero esta vez he pensado más que somos increíbles. Es como si hubiéramos trabajado con David Lynch o Billy Wilder, mi voz es como de película de Tarantino. Tras tantos años, miré al grupo y pensé: “¡Estamos genial!”

¿Cómo habéis podido olvidar que hicisteis una canción para James Bond?
No, no lo habíamos olvidado. Sólo cómo tocarla.

Bueno, el “tweet” era bastante ambiguo…
Probablemente (risas). No escribimos esa canción, acuérdate, así que no es lo mismo.

Aunque suena muy Garbage a la vez.
Sí, pero nos pidieron que la hiciéramos, así que no es como olvidar algo que has escrito. Vamos a tocarla, no sé si la hemos interpretado en directo antes, pero mola tanto que tenemos que hacerla.

En los 90 leí que lo habías pasado muy mal escribiendo las letras del primer disco, ¿es así?
Es verdad, sí.

¿Con este disco ha sido igual? ¿Has sufrido con las letras?
No, nada de sufrimiento, ya no sufro en absoluto. Tenía mucha confianza en mí misma. Durante mucho tiempo sentí que no merecía estar donde estaba, me sentía como si no fuera lo suficientemente buena, como si no mereciera ser comparada con nadie, como si no tuviera nada que ofrecer. Finalmente acepté mis habilidades. OK, sé que no soy Bob Dylan, pero eso no significa que no sea buena escribiendo, que no pueda transmitirle cosas a alguien. He pasado por bastante y no me casé con ninguna idea de quién tenía que ser. Esta vez no quería terminar el disco, no quería irme del estudio.

He leído de qué habla ‘Blood for Poppies’, leo la letra, pero creo que no he entendido nada…, ¿de qué habla este disco?
(carcajada seca) Hay muchos temas. Muchos tienen que ver con la idea de ser raro, de estar al margen de algo y de querer entrar en un sitio. Es sobre la resurrección. Habla mucho sobre la idea de reiniciarte a ti mismo. ‘Blood for Poppies’ es un tema muy complicado, que surgió a partir de que leí un artículo. Habla sobre la situación en Afganistán, la lucha contra el tráfico de opio, sobre los talibanes luchando contra los estadounidenses, la gente cayendo a los pies de los soldados, los atentados… Habla sobre lo jodido de la situación, de cómo intentas pensar con tu cordura en medio de todo este caos. Todo lo que pasa allí es una locura por diferentes razones: corrupción, pobreza, dolor, confusión… No sé, es como un sueño extraño. En este disco me he obsesionado con el surrealismo y con el simbolismo del surrealismo. No quería escribir una canción literal sobre Afganistán, eso sería realmente aburrido, creo que tenía que ser más surrealista.

Habéis hecho canciones con un carácter social antes, como ‘Androgyny’, ¿pero alguna vez habíais hecho alguna tan política como esta?
‘Queer’ es política y ‘Sex Is Not The Enemy’ también es una canción muy política. Aunque no somos el tipo de banda que dice a la gente lo que tiene que pensar.

Por cierto, ¿qué os pasa con ‘Androgyny’? ¿Por qué no la tocáis ni estaba en el recopilatorio? ¿La odiáis?
Tenemos una conexión rara con esa canción por muchas razones diferentes.

¿Por qué?
(se lo piensa largamente)

¡No es tan mala!
No, no es mala. Me gusta y me encanta cómo quedó el vídeo. Es sólo que teníamos que escoger temas para que cupieran en el recopilatorio y esa no cabía. Hay que sacrificar a uno de los niños.

¿Qué pasó con tu disco en solitario? ¿Cuán cerca estuvo de quedar terminado?
Fuimos muy lejos con él, estuvo casi terminado, pero al sello no le gustó. Lo rechazaron porque creían que no era lo suficientemente pop. Yo no soy una chica pop y nunca lo seré. No soy muy fluida en pop. Yo trabajaba simplemente para mí, para lo que creo, para mis valores. No me importa si no hago otro disco nunca más. Hice una serie, en su lugar.

Pero hoy en día podrías haberlo sacado con tu propio sello, o a través de Internet… ¿Nunca va a salir?
No, probablemente nunca saldrá. Algunas canciones quizá, un par de ellas creo que seguirán conmigo. El resto es de una etapa de mi vida en la que quería rechazar algunas cosas concretas. Quería que fuera un disco muy íntimo: mi piano y yo, mi violín y yo. Algo pequeño. Y ahora quiero hacer ruido, he estado callada siete años, ahora quiero gritar.

Ese par de canciones que te gustan aún, ¿tienen nombres? ¿cómo son?
Sí, claro, que tienen nombres.

¿Y bien?
Bueno… prefiero que quede para mí. Quizá algún día sean públicas pero hasta entonces, prefiero que queden como parte de mi vida privada. Ahora quiero dejar eso atrás y sólo quiero pensar en Garbage. La etapa “funeral” se ha acabado.

Cuando salió ‘Version 2.0′, mi disco favorito de Garbage, hubo gente que dijo que era “demasiado electrónico”, ¿eso ha sido una presión para vosotros a lo largo de vuestra carrera?
Creo que con el tiempo pasamos a estar bastante confundidos sobre el rol que desempeñábamos, lo cual es muy peligroso para un artista. Perdimos la sensación de dirección sobre nuestra dirección y absorbimos muchas críticas. Lo que ha sido estupendo es que ahora sabemos exactamente lo que se supone que queremos hacer y nos sentimos bien. Lo hacemos todo a nuestra manera.

El tema ‘Felt’ suena diferente a vuestro sonido habitual, ¿qué lo inspiró? ¿De quién es?
Todos lo escribimos. Yo estaba en la cama, no estaba nada bien, me habían operado y tenía que guardar reposo. Pensaba en los grupos que me gustaban de adolescente y me di cuenta de que había olvidado por completo de Felt, estuve viendo fotos de Lawrence… Entonces los chicos, que estaban en el estudio, me mandaron un mail con una música que les había salido porque les gustaba y al oírla me vino la palabra “felt” (“seguro que has sentido algo”). Es sobre destruir tu mente para escuchar los sentimientos o al contrario, cuándo apagar tus sentimientos y escuchar a tu mente. Sobre cómo reconciliar ambas partes.

‘Beloved Freak’ tiene una de las melodías más dulces que recuerdo de vuestra carrera, ¿es tan dulce como parece u oculta un lado oscuro?
Es tan dulce como parece. Es una mano tendida para los que sufren: para mí, para el grupo, para nuestros fans, para todo aquel que sienta que no es aceptado de alguna manera.

Ya han pasado por el Actual de Logroño y el Festival do Norte de Vilagarcía de Arousa. Su próxima parada es el Territorios Sevilla, donde actuarán el viernes 18 de mayo. Además, está a punto el lanzamiento de una caja recopilatoria, ‘Desde El Jergón’, de seis CDs, con remasterizaciones, rarezas y un DVD de su concierto de despedida en 2002, así como un libreto de 114 páginas con textos de Josele Santiago y César Luquero y fotos inéditas.

Charlamos con Fino, bajista de la banda desde la publicación de su primer LP, ‘Ferpectamente’ (1986), también miembro de Clovis y Los Eterno y productor mítico del pop español de las últimas dos décadas (sí, el ‘Super 8′ de Los Planetas, pero también ha trabajado con Lagartija Nick, Mercromina, Los Deltonos, Meteosat…) sobre la vuelta de su banda de toda la vida.

Vuestro primer concierto de la gira fue en enero, en el Actual de Logroño.
Sí, en principio íbamos a empezar en verano pero surgió este y fue una manera de ponerlo todo a punto. Adelantamos la preparación, los ensayos, etc. y el resultado fue cojonudo, mucha gente de toda España se movilizó para venir a vernos. En el casco viejo ya al mediodía parecía que había un partido de fútbol, con mogollón de gente de cachondeo… Fue muy emocionante, estábamos un poco nerviosos pero en cuanto arrancamos el público disfrutó al máximo. Las canciones son las mismas de siempre, no hay ninguna revisión ni transformación, pero de pronto las tocas diez años después y siguen estando vivas, manteniendo su fuerza.

¿Qué sensación tuviste al juntaros por primera vez después de mucho tiempo en el local de ensayo?
Fue curioso. Personalmente, no había preparado nada porque había estado desconectado de Los Enemigos. De hecho, cuando escuché el último directo me sentía como si fuera otra persona quien tocaba. Incluso la forma que tengo de tocar con Los Eterno es diferente, pero fue conectar todo y el haber tocado diecisiete años juntos se notó; aunque nos hayamos tirado diez años sin hacerlo. Nos colocamos en el sitio y sabíamos los matices de cada uno. Hubo que estudiar algunas canciones, porque tienen sus complicaciones, pero la energía funcionó a la primera. Decíamos “vamos a tocar esta”, no la habíamos tocado en diez años y salía de arriba abajo, increíble. Cuando pensábamos era cuando nos equivocábamos [risas].

Josele dijo en una entrevista que, en sus conciertos en solitario, había chavales jóvenes que le pedían canciones de Los Enemigos. ¿Qué edades os habéis encontrado entre el público?
Había de todo, gente que conoció a Los Enemigos en los 90 y significaron algo para ellos, muchos ya con críos y menos pelo [risas]. Pero también había gente nueva, no nos hemos quedado estancados en el público de los 90.

Cuando os separasteis, dijisteis que ya habíais recorrido todo el camino que teníais en cuanto a gustos musicales comunes. ¿Habéis descubierto cosas nuevas al volver a tocar juntos?
No ha dado mucho tiempo a hacerlo porque nos hemos centrado en ensayar las canciones, preparar los conciertos… En principio siempre queda la puerta abierta de poder hacer algo, una improvisación, una canción, pero cada uno tiene sus proyectos personales. Josele hace sus discos, yo tengo mis historias con Cristina, con Clovis, aunque ahora lo tengamos un poco parado, y con Los Eterno; Manolo tiene sus historias con Los Freedom y Chema también, con ‘Sensormen’ [proyecto teatral de la compañía Yllana]. De pronto, por una casualidad, pensamos en hacer unos conciertos, además había demanda por parte de algunos promotores que hablaron con Josele y conmigo, y juntamos la banda que estuvo la mayor parte del tiempo.

Josele, Artemio, el primer batería, y tú os juntasteis en 2006.
Sí, en un concierto homenaje a Kike Turmix. Tocamos tres o cuatro canciones prácticamente sin ensayar, una tarde, y también hicimos una girilla de diez conciertos en homenaje a los veinte años de nuestro primer LP, ‘Ferpectamente’ (1986), en la que tocamos ese disco y alguna versión, porque el álbum original duraba treinta y cinco minutos. Los cuatro que estamos ahora llevábamos sin vernos juntos diez años, desde el 7 de abril de 2002, en nuestro último concierto, [en la sala La Riviera de Madrid]. No acabamos peleados, nos separamos llevándonos bien, pero ya no había ganas de seguir. Era un buen momento para nosotros pero mantener un grupo simplemente por eso hubiera sido terrible.

¿Cuándo comenzasteis a vivir de la música?
Creo que después de ‘La Cuenta Atrás’ (1991) fue cuando empezamos a tener más público. Es el disco que sonó más, en el primer mes ya vendimos 15.000 copias cuando de los anteriores habíamos vendido 2.000 o 3.000. Tampoco era mucho pero te permitía moverte más. Y a partir del cuarto disco pudimos vivir discretamente. No parábamos de tocar, estábamos girando todo el día, pero era lo que nos gustaba. Fue a partir de ‘Gas’ (1996), del séptimo disco, cuando veíamos que teníamos ya previstos al menos quince conciertos y podíamos hacer el cartel de una gira. Fuimos muy cabezones, queríamos tocar e intentar vivir de ello, aunque teníamos nuestros trabajos paralelos, y lo conseguimos.

Con todo lo que cuentas es loable tener la honestidad de separarse en vuestro momento más álgido: llenasteis tres días La Riviera.
Al fin y al cabo no estás por la pasta. Lo suyo es que puedas vivir de esto pero lo más importante es que estés a gusto haciendo música y sintiendo las canciones que haces, le das más importancia a eso que a cualquier otra cosa. De hecho, para hacer el último disco, en directo en un teatro, en plan acústico, pedimos la carta de libertad a Virgin y lo sacamos con un sello pequeñito que tenemos porque sabíamos que nadie iba a cuidarlo como nosotros. Lo editamos en vinilo doble, CD, DVD con un libreto de cuarenta páginas… Pedimos la carta de libertad para sacar ese material como nosotros queríamos sacarlo.

Ahora vais a publicar el DVD del último concierto de la gira de despedida.
Unos amigos gallegos grabaron nuestro último concierto con cuatro MiniDVs y nuestro técnico grabó el audio, aunque sin unidad móvil ni nada. Eso se quedó ahí para los nietos, guardado en el armario. Cuando nos juntamos, pensamos qué hacer con ese material y me dijo Josele: “Tú empiezas y al final te lías”. Total, que llevo cuatro meses con ello, es una locura. Se nos ocurrió incluir tres recopilatorios que recogen nuestra discografía con todos los sellos con los que hemos trabajado. Para colmo, a mí me gusta que las cosas estén hechas lo mejor posible y he buscado todos los másters, todas las bobinas. No sabes la locura que es encontrar el material, porque cuando ya has sacado el disco las cosas se olvidan, las compañías no guardan los archivos… Pero merecía la pena. Hemos intentado hacer una cosa bonita para que la gente se lleve una revisión de Los Enemigos lo más cercana a lo que fue y con algún material nuevo.

¿Qué sensación tuviste al mirar atrás y revisar esos diecisiete años de carrera?
Ha sido una sensación muy fuerte, al principio no me quería acercar y de pronto fue ir sacando cosas… Me daba un poco de vértigo pero llegó un momento en que me dije que si he estado diecisiete años de mi vida en esto no tenía que entrarle con miedo, incluso he contactado con los fotógrafos de cada época que nos hicieron las fotos de promo para que nos dieran otras versiones. Todo eso ha sido un pequeño viaje del que he salido sano y salvo [risas]. Ha sido muy intenso pero es que yo también soy muy obsesivo cuando me meto en un proyecto, descuido a los amigos y no salgo los fines de semana. Espero que el esfuerzo sirva para que la gente lo disfrute.

¿Cómo ves la discografía de Los Enemigos, ahora que la tienes reciente, con el paso del tiempo? Por ejemplo, ‘La Vida Mata’, que es vuestro disco más popular.
Fue el posicionamiento de Los Enemigos, Josele ya se consolidó como un compositor y letrista excelente. Con la distancia, ver cómo suenan los discos, tan diferentes entre sí, cómo están cantados o tocados, me ha resultado chocante, pero me ha hecho gracia porque evolucionamos para acabar sonando como suenan Los Enemigos en directo. No hay truco ni artificio. Con el paso del tiempo tienes otra visión, crees que se podían haber cambiado cosas pero salió así y eso es lo importante. Por ejemplo, con ‘Sursum Corda’ (1994) piensas cómo puede sonar tan sucio, pero es que así era nuestra vida en ese momento. Grabando de noche, saliendo a las siete de la mañana del estudio, estábamos bastante perjudicados, yo haciendo a la vez el ‘Super 8′ de Los Planetas… Ese disco, aunque lo remasterices, no va a sonar limpio en la vida [risas]. Salimos vivos de milagro. Con ‘Gas’ (1996) fue diferente pero también muy divertido, muy refrescante salir de Madrid, de estar todo el día en los bares, bebiendo y llevando una vida muy nocturna -con todo lo que conlleva-, y estar de pronto en medio del campo, asalvajados, comiendo de puta madre, tocando en directo desde las cinco de la tarde hasta las cinco de la mañana… Personalmente, después de todos los discos que he grabado o producido, es de los que más contento estoy.

A Los Enemigos se los asocia mucho al barrio de Malasaña (Madrid), desde finales de los 80 hasta principios de la década pasada. ¿Cómo era aquel barrio, cuando la Movida ya era algo del pasado?
Yo llegué en abril del 86 a tocar con Glutamato Yeyé, estuve con ellos ese verano nada más, y con Josele empezamos en septiembre u octubre, cuando acababan de grabar ‘Ferpectamente’ (1986) y se quedaron sin bajista. Yo estaba recién llegado de Almería, imagínate lo que era meterme en Malasaña… No viví la Movida, ya estaba cayendo y salía nueva gente, que le gustaba mucho la música, veías a Kike Turmix, por ejemplo, todos los días con singles, con vinilos, los bares -el King Creole, la Vaca Austera, la Vía Láctea…- eran como una ruta en que te encontrabas a todo tipo de gente, se hablaba mucho de música, había mucha cultura musical. Para mí fue un pelotazo en la cabeza, y con Josele y Artemio salía prácticamente todas las noches, de cachondeo, bebiendo y escuchando buena música, que es lo que siempre ha tenido Malasaña.

¿Tú crees que sería posible que un grupo como Los Enemigos naciera en la Malasaña de hoy?
¿Por qué no? Tampoco había muchos grupos como Los Enemigos en la Malasaña del 86. No sé qué decirte, es posible que sí pero ahora mismo hay demasiada tendencia a seguir la tendencia [risas]. También hay mucha más cultura musical, mucho más acceso, pero tampoco me sorprenden demasiadas cosas. Hay demasiados grupos con influencias “externas” y Los Enemigos eran un grupo de la calle, muy autóctono, con sus referencias americanas -rythm’n'blues, rock’n'roll, punk- pero a nivel de textos y demás era diferente.

Me contabas antes que salíais todos los días. Hace no mucho, Josele dijo que habíais abandonado el estilo de vida del rock’n'roll. La pregunta es, ¿el estilo de vida es básico para el rock’n'roll o es algo que está asociado y punto?
Estaba asociado en el momento, pero ¿sólo puedes hacer rock’n'roll de los veinte o a los treinta? Lo sigues haciendo a los setenta años, tío, si sigues teniendo inquietudes, si sigues queriendo contar cosas. El momento que nosotros tuvimos, finales de los 80 y los 90, fue así para nosotros pero no se tiene que extrapolar a nadie: porque estés saliendo todas las noches y poniéndote hasta las cejas no vas a hacer rock’n'roll. Ahora, no creo que sea muy fácil hacer rock metidito en casa todo el día con veinte años [risas]. Hay que tener un contacto con la calle, está claro.

En esa misma entrevista decía Josele que el discurso de Los Enemigos era muy negativo y que ahora no lo comparte. ¿Estás de acuerdo con él? ¿Es consecuencia de la madurez, de que nos volvemos más “conformistas”?
‘Hienas’ o ‘Desde El Jergón’ no tienen ninguna esperanza, o ‘Septiembre’, claro, cómo la va tener una canción sobre un tío que se quita la vida. No son esperanzadoras pero el enfoque general de Los Enemigos creo que sí lo era, no era destructivo. Decíamos lo que estábamos viendo, lo que sentíamos en el momento en que estamos viviendo. El poder expresar las cosas de esa manera ya era una forma de vivir. Por lo menos podemos decir que tuvimos la suerte de poder hacer lo que hicimos, que no es fácil. Me tengo que sentir, por cojones, orgulloso de ello. Sigo haciendo lo que me da la gana y mira los años que llevamos, luchando y sin perder la esperanza, con otros grupos, otros proyectos y otras historias, con las dificultades que hay. Vale que hay mucha crisis en la música pero desde que llegué aquí nunca vi que esto fuera de puta madre, sabíamos que lo que queríamos hacer en la vida estaba bastante jodido, pero luchando día a día estamos ahora donde estamos. Hay que sentirse afortunado. Decías que no era muy esperanzador el mensaje de Los Enemigos pero nuestra actitud era positiva, creo.

Estuviste compaginando Los Enemigos con tu faceta de productor para grupos como Los Planetas o Lagartija Nick. ¿Qué opinaban tus compañeros de banda de los grupos a los que producías?
Yo no tenía mi estudio pero me gustaba mucho observar el proceso de grabación. Me interesaba palpar la interpretación: No es lo mismo grabar a un mismo grupo un día y al día siguiente, no tiene nada que ver, y eso era algo que me atraía mucho. En cuanto tuve oportunidad, empecé a colaborar y dirigir grabaciones de gente que quizá no tenía tanta experiencia y, con lo poco que sabía, sacamos adelante esos discos. El primero de Deltonos, el de Lagartija Nick, el de Los Planetas… No podíamos imaginar lo que significaría el ‘Super 8′ para un generación. A mis compañeros les gustaban algunos y otros no. Tenemos un sitio en común donde todo fluye y después cada uno tiene unos gustos muy variados e incluso opuestos. Hombre, los que eran más rockeros le gustaban más a Josele, los que eran más indies los entendía menos, le gustaba menos esa música tan cíclica y que no tiene riffs… No recuerdo que dijeran de ningún disco que fuera la hostia [risas]. Producir era una válvula de escape que yo tenía y además aprendía muchísimo de los grupos a los que producía. Tengo cintas dibujadas de Florent con sus grupos favoritos del momento. Me intento informar de los gustos musicales de los grupos a los que produzco, aunque ya sean perros viejos y hayan grabado un montón de discos es una forma de romper el hielo.

Hablando de grupos, ¿qué discos te han llamado la atención últimamente?
Estos tres o cuatro meses han sido muy duros, chico, aparte de los másters de Enemigos, de maquetas, reescucharlo todo, etc. no he tenido demasiado tiempo y estoy volviendo a la realidad de la mano del último disco de M. Ward, me ha gustado mucho, siempre lo ha hecho; me gustó el penúltimo de Cass McCombs, de Vetiver, Bill Callahan… Ahora necesito escuchar música porque después de estar meses con la de Los Enemigos estoy un poco saturado, como cuando sales de una producción, de estar escuchando todo el rato lo mismo. Me compré el otro día uno de Lee Hazlewood, un clásico. Y de aquí me ha encantado el de Joaquín Pascual, el de Jonston, La Estrella de David, el Grupo de Expertos Solynieve, que han hecho una adaptación súper chula de una canción de Kevin Ayers…

Has puesto en marcha una editorial de libros sobre música, Libros de Ruido.
Sí, aunque con la crisis se ha retrasado un poco. Íbamos a lanzar el primer libro en mayo pero seguramente sea al final en septiembre u octubre, se trata de las memorias de Dean Wareham, de Galaxie 500, se llama ‘Black Postcards’, y además Dean nos ha hecho un capítulo extra para la edición española. Al ser novatos en esta aventura nos lo estamos tomando con tiempo, queremos hacerlo lo mejor posible y si todo va bien saldrá después de verano. La editorial será un complemento al sello Sones.

Atendiendo a las palabras de ambos, a la pasión con que hablan de su proyecto, al detalle que dan en cada una de sus frases (y por supuesto en su obra), es imposible no adorarlos, aunque sea por razones muy diferentes entre sí. Él parece el clásico perfeccionista, atento y minucioso hasta el extremo con cada palabra que pronuncia, diría que meditada. Se interesa por el origen del nombre de nuestro site, bromea y escucha atentamente tus opiniones: es todo amor. Ella muestra un carácter mucho más despreocupado, desinteresado y espontáneo. Está claro que está cansada de dar una y otra entrevista contestando a lo mismo desde Baltimore hasta el último rincón del globo.

No esperaba otro disco tan pronto después de tanta gira con el anterior (150 conciertos). Pensé que estaríais exhaustos y os tomaríais un descanso, ¿a qué se debe este lanzamiento tan prematuro?
Alex: “A algo de impaciencia y también a algo de frustración. Cuanto más giras, más rápido te cansas de las canciones viejas. Por nuestra manera de ser, cuanto más tocas las canciones viejas, más tienes la necesidad de generar nuevos sentimientos. Necesitaba hacer música nueva ya. Somos muy pasionales. No me gustan las vacaciones, nunca me voy de vacaciones. Me encanta la música, me gusta tocar en directo. No pienso en tomar descansos”.

¿Cuál es la canción más vieja de ‘Bloom’?
Alex: “La primera fue ‘Wild’, la segunda del disco. De hecho, fue escrita mientras mezclábamos ‘Teen Dream’”.

Esta es una de las canciones donde la guitarra se oye de forma más clara de todo el disco, ¿fue importante en algún sentido para lo que luego sería el álbum, siendo la primera?
Alex: “Quizá sí, es como si presidiera el resto. Su energía va de un sitio, que es terrorífico, oscuro, a otro, más relacionado con la autoaceptación. Nos gustan las canciones que van de un lugar a otro. No es como ‘Rolling In The Deep’ de Adele, con todos los estribillos sonando igual. Me gustan las canciones como viajes”.

¿Es un concepto que habéis querido seguir?
Alex: “No, no es un concepto porque no es algo intencionado. Es simplemente intuitivo. Es nuestro modo de expresarnos. Creo que hay algo malo en la música cuando la estructura es estrofa, estribillo, estrofa, estribillo… Es un límite para la manera de escribir. Nuestras canciones tienden a decir algo más, de manera natural queremos generar más y más sentimiento. Queremos pasar del odio a la reconciliación, no sólo expresar amor. La canción se convierte en una historia”.

¿Es algo que os ha llamado la atención desde el principio u os habéis ido encontrando con ello?
Alex: “No, es algo nuevo para nosotros, es algo que hemos ido observando que nos ha ido pasando. Sucede como con ‘Myth’, una canción sin estribillo, pero con un puente con mucha fuerza que muestra un sentimiento”.

Al mismo tiempo sí creáis frases en concreto que resultan muy pegadizas…
Alex: “El pop siempre va a estar ahí, como en este caso la repetición de la frase “Help me to name it”. Es poesía, es esa última frase la que une todo”.

¿Cómo describiríais vuestra evolución desde el primer disco?
Alex: “No sé, es muy duro describirlo, pero hemos ido de lo etéreo a algo muy físico. Nos sigue interesando la sensación de intimidad, pero ahora es algo más físico”.

Y siguiendo una línea de trabajo tan clara, ¿qué crees que traería el futuro?
Alex: “No sé, ni idea. Podría ser nuestro último álbum, nunca se sabe”.

¿Seguiréis tocando canciones incluso del primer disco?
Alex: “Sí, en el Primavera Sound tocaremos de todos nuestros álbumes. No somos ese tipo de grupos… Es algo egoísta para una banda dejar de tocar canciones viejas, sé por qué lo hacen y lo entiendo, pero tienes que respetar la razón por la que está ahí el público. Intentamos construir una historia con nuestro set sin despreciar ninguna de las etapas. Quizá reescribamos algo viejo, pero tenemos fans que han estado ahí desde el principio y no queremos perderlos”.

Me parece fundamental para entenderos como grupo que no fuerais excesivamente hypeados con el primer disco, ¿estás de acuerdo?
Alex: “Absolutamente. Es algo que veo en internet. Una banda tiene una buena idea y recibe demasiada atención mediática. En nuestras primeras cuatro o cinco giras no iba nadie a vernos y éramos horribles. Creo que tocamos para cuarenta personas en Moby Dick (Madrid), pero lo necesitamos porque no estábamos preparados para algo más grande. Así pudimos aprender a tocar, la voz de Victoria mejoró mucho… No merecíamos hype en el primer disco, las canciones eran buenas pero no tan buenas. Estoy muy contento de que no lográramos tanta atención con el primer disco, nos habría arruinado”.

¿Y ahora no es una presión que os siga tantísima gente?
Alex: “No creo que tengamos tanta presión, somos un grupo de tamaño mediano, podemos tocar para 400 ó 500 personas. Nos gusta tocar para esa cantidad de gente. Da miedo girar como un grupo demasiado grande. No creo que queramos ser muy grandes. No queremos estar en una posición donde los conciertos sean demasiado grandes. El sonido es horrible, nadie de verdad se lo pasa bien, nadie ve nada… Los festivales son diferentes porque la gente está en un modo diferente y va a ver a más grupos, pero si por alguna razón este álbum se nos va de las manos, dentro de un año te diría: “esto ya no es especial”. No sacamos discos para hacernos famosos y conseguir atención, sino porque nos gusta la música”.

¿Crees que la fama te influiría a nivel creativo?
Alex: “Quizá, ante todo queremos ser naturales y hacer lo correcto. No creo que este disco sea “poppy”. Nada de esta música va a salir en la radio, con gente cantando las canciones en el coche. No creo que nunca seamos una banda de estadios. Sólo queremos que la gente se emocione con una canción”.

Aunque no sonéis en la radio, ‘Myth’ es fácil que contecte con absolutamente todo el público alternativo. Yo creo que tendréis una buena entrada en el Billboard…
Alex: “Ya veremos, América es enorme, no sé para cuánta gente podemos tocar en Mississippi. No todo es como Nueva York. Nunca vamos a ser como Bon Iver o algo así”.

Creo que vais a tener que trabajar mucho para evitar la fama…
Alex: “Creo que ya lo hacemos, no hacemos anuncios y muchas cosas que podrían hacernos más famosos”.

¿Hay algún concepto en cuanto a las letras del disco?
Alex: “Victoria es la que escribe las letras, ojalá ella pueda unirse en un momento a la entrevista. No podemos decir que el tema sea la muerte, o el amor, o el miedo. Desde luego, algunas canciones hablan de la muerte, pero sus letras son muy abstractas…”

Sí, desde luego…
Alex: “Pero así es como escribimos la música también. Son historias pero no es una historia sobre algo específico, sino algo que escribimos de modo imaginativo. No queremos escribir cosas tipo Katy Perry: “me has roto el corazón y estoy triste”. No creo que tenga sentido para la música. Para nosotros es mejor que dé lugar a interpretarse en diferentes direcciones. Es algo obtuso, no narrativo. Pero sí, hay un sentimiento común en el disco, sin duda”.

¿Qué os hizo pensar que la portada encajaría con esa idea común?
Alex: “Victoria la escogió. Es una foto hecha con la cámara de un móvil. Creemos que tiene que ver con el sentimiento de todo el disco”.

(Victoria entra al fin y nos presentan)

Alex: “Estábamos hablando de la portada del álbum”.
Victoria: “Es una imagen que la gente puede interpretar. Dirán que es una cosa y otros dirán que es otra”.
Alex: “Es algo abierto que puede ayudar a construir la historia”.
Victoria: “Hay muchos gestos dentro del disco y la portada tiene una importancia limitada. Lo importante es el álbum en sí mismo. No digo en absoluto que sea poco importante, pero sólo es una introducción para lo que viene después. Es como una bandera”.
Alex: “Es como decir mucho, pero no decir nada en absoluto a la vez. En ocasiones se hace un artwork muy cuidado, pero el disco no es tan bueno. Lo que buscamos con la portada no es construir arte con mayúsculas, sino reflejar un sentimiento de un momento concreto. Para algunos artistas esto puede resultar etéreo, pero nosotros lo que queremos que sea es un pensamiento fugaz de camino a la música”.
Victoria: “Es como un color concreto, es algo muy inocente. Es lo que es. Tu percepción es importante, la de cada uno, y no queremos dar demasiada información”.

Como decía Alex que te sucede con las letras…
Alex: “Le he contado cómo escribes de un modo abstracto”.
Victoria: “El título puede venir dos años antes que la propia canción. Me encanta la palabra “lapislázuli” (en inglés “lapis lazuli”), pero hasta dos años después no me di cuenta de que “Lazuli” era la perfecta palabra para la canción que ahora hemos llamado así. Tenía mucha fuerza y color. Todas las canciones tienen mucho de imaginativa, pero esta en especial. Con la música nos pasa lo mismo, queremos que contenga la emoción de la canción. Los sentimientos son libres, el instinto es libre, pero no diría que las letras lo son, diría que simplemente no están al azar”.

Otros títulos como ‘Wherever You Go’ tienden más a lo concreto…
Alex: “Esa es la canción fantasma. Se la está llamando ‘Wherever You Go’, pero nunca quisimos llamarla de ninguna manera, aparece como pista oculta. Es una oda a nosotros mismos, recuerda a una canción vieja de nuestros inicios. Fue escrita hace años y luego la continuamos. No queríamos que se convirtiera en una gran canción”.

En ‘On The Sea’ el piano tiene un protagonismo muy raro en vosotros, ¿por qué fue así?
Victoria: “Es adecuado para esa canción. Con los sonidos intentas reflejar cómo suena tu idea, como tiene que ser, cómo puedes irla construyendo…”
Alex: “Esa canción es como la salida del álbum, aunque no me refiero al futuro, sino simplemente a la sensación de “salida”. Todo el disco está lleno de teclados y órganos y esta tiene piano y también cuerdas por primera vez. Es como la última canción de ‘Loveless’ o como las últimas canciones de ‘Rumours’ de Fleetwood Mac, que son acústicas. Son temas diferentes pero de alguna manera siguen teniendo cabida en el disco. En este caso, creo que su parte más bonita es el piano”.

¿Para vosotros es importante Baltimore? Me hace gracia que cada vez que entremos en vuestra web aparezca el lugar de donde sois.
Victoria: “Beachhouse.com ya estaba cogido, no hay otra razón”.
Alex: “Estamos orgullosos de Baltimore”.
Victoria: “Sí, pero desde el punto de vista musical, no creemos en el sonido Baltimore. Todos nuestros discos se han escrito allí, aunque no todos los hemos grabado, este último lo hemos grabado en Texas”.

¿Es cierto que tuvisteis que vender vuestras pertenencias para grabar vuestros discos?
Victoria: “Tendrá que haber sido una broma. Lo que sí es cierto es que una vez nos mudamos al estudio para grabar”.
Alex: “Bueno, yo me prostituí durante tres años para hacer el disco, me lancé a las calles (risas)”.

Vuestro disco se ha filtrado con dos meses de antelación. ¿Os dan igual estas cosas u os ha dolido?
Victoria: “No puedes impedir que la gente comparta archivos a través de internet”.
Alex: “Es como los otros, de hecho esta vez ha pasado más tarde que otras veces. ‘Devotion’ se filtró tres meses antes del lanzamiento. No estamos en esto para hacer dinero. La filtración es algo que esperamos. Lo más triste para nosotros es la idea de perjudicar a nuestros fans, los más fieles, los que más nos siguen, porque a veces no están todas las canciones, no se oye bien, no están las letras… No es la mejor experiencia para ellos, no es todo lo bonito que podría ser, sólo la mitad. Me siento triste por ellos, porque todo el trabajo que hacemos no es disfrutado por nuestros mayores fans de manera óptima. Es como abrir un regalo antes de Navidad”.

Tras el concierto en el Primavera Sound, ¿habrá gira por salas en Europa más adelante?
Alex: “Sí, definitivamente, parte en verano y parte en otoño. En mayo vamos a algunas ciudades en Europa, pero en España sólo a Barcelona, por lo que en realidad venimos a Europa dos veces. Quizá vengamos tres veces si la gente quiere”.

Beach House actúan en el San Miguel Primavera Sound. Una segunda parte mucho más reducida de esta entrevista será publicada en nuestra sección “El hit”.