50.-The Magnetic Fields / i: Para las personas que habían sufrido la sobredosis de esas decenas y decenas de canciones del álbum triple entre las que siempre hay alguna que no recuerdas, ‘i’, aun incluyendo canciones totalmente nuevas, funciona como un bonito recopilatorio del grupo, en tanto que contiene lo mejor de sus cualidades desarrolladas durante los 90. Volviendo a dar vueltas alrededor de un concepto (en esta ocasión todas las canciones comienzan con la letra “i” y aparecen en el CD en riguroso orden alfabético), Stephin Merritt logra hacer de los trapos sucios del corazón una obra de arte, otra vez.

49.-Antony & The Johnsons / I Am A Bird Now: Las canciones de Antony, desde la celda en la que parece hallarse permanentemente, suenan completamente universales. La frase inicial del disco “Espero que alguien cuide de mí cuando muera” o esa canción en la que se canta sobre lo insoportable que es que los pájaros mueran, son cuestiones con las que todo el mundo puede empatizar. O más allá, las melodías creadas a través de su piano, o los instrumentistas del disco, entre los que destacan (sólo por su popularidad sobre el resto) Devendra Banhart o Joan Wasser, son preciosas.

48.-Feist / The Reminder: Hay discos inmediatos, que en el momento en el que los escuchas sabes que van a ser un bombazo. Y hay otros, como el último de Feist, que quizá por su carácter más lo-fi no llaman tanto la atención, pero que se han terminado convirtiendo en una maravilla. El tercer disco de estudio de la canadiense ha conseguido ir encandilándonos con el paso del tiempo, gracias a sus canciones y melodías melancólicas, como ‘Past In Present’, ‘The Limit To Your Love’, ‘Intuition’, ‘Brandy Alexander’, o a ese gran himno del amor frente al dinero que ha llegado a ser, poco a poco, ‘1 2 3 4′.

47.-Madonna / Confessions On A Dancefloor: Harta del fiasco ‘American Life’ y preocupada por su imagen pública de cara a sus hijos, como reconocería en las entrevistas promocionales, Madonna decidió hacer un disco sin política para que todo el mundo lo pasara bien, empezando por ella misma, a juzgar por las fotos en las que en una discoteca de Nueva York, pinchó y bailó como loca sus propios temas unos días antes de la edición del álbum. Un disco sin baladas,ni cortes entre canción y canción, que se traduciría en uno de los más completos, hedonistas y falto de pretensiones de su carrera.

46.-Róisín Murphy / Overpowered: En ‘Overpowered’, Róisín se desliga de Herbert y concede el honor a Jimmy Douglass, Dan Carey y Andy Cato (Groove Armada). Sí, estamos ante un disco electrónico y -a pesar de nuestras reticencias iniciales- ante una verdadera sucesión de trallazos capaces de tumbar a cualquiera, tirando del mejor funky, disco o house, y, casi por primera vez en la historia, con la misma vocación melódica que estética.

45.-Niza / Canciones de temporada: Para buscar el disco de estudio que mejor ha casado las melodías pop con estructuras bossanova, arreglos electrónicos y ensoñadoras cuerdas, no hace falta irse a la Francia de Claudine Longet ni al Brasil de Astrud Gilberto ni a la Suecia de Jay-Jay Johanson. Roberto y Silvia, entre Madrid y Barcelona, lo lograron con ‘Canciones de temporada’, un álbum sin mácula que años después de su edición sigue ilusionando como el primer día.

44.-Animal Collective / Merriweather Post Pavillion: ‘Sung Tongs’, ‘Feels’ y ‘Strawberry Jam’ han sido aclamados como cumbres de un género que ellos mismos han parido y que probablemente nadie podrá usurpar, en el que caben el pop, el folk, el hip hop, el house, el rock, la world music, la psicodelia y mil cosas más; y en ‘Merriweather Post Pavillion’ parecen continuar puliendo esa amalgama, cada vez más reconocible y cohesionada, conformando un núcleo brillante y precioso, que tiene un sabor dulce y duradero.

43.-Sr Chinarro / El mundo según: La llegada de Sr. Chinarro a Mushroom Pillow, tras el fiasco de paso por Sony BMG, irónicamente supuso un giro definitivo hacia el pop en su carrera. Después de un par de singles claros en ‘El fuego amigo’, la tendencia se confirmaba en ‘El mundo según’, lleno de estribillos certeros y letras que se entienden pero que, como advierte el título del CD, no dan la espalda al antonioluquismo.

42.-Fuck Buttons / Tarot Sport: Andrew Hung y Benjamin John Power siguen haciendo tanto ruido como en el disco anterior, pero donde aquel, hacia su final, terminaba resultando un tanto predecible y se desinflaba un pelín, este no nos ha dejado tregua. Y sirva como ejemplo la última pista, ‘Flight Of The Feathered Serpent’, la canción más bailable que han hecho, en la que se encuentran My Bloody Valentine con Underworld, nada menos.

41.-The Antlers / Hospice: Uno de los grandes aciertos de ‘Hospice’ es su comienzo, el precioso prólogo instrumental que, recordando a los Godspeed You! Black Emperor que pusieron banda sonora a ‘28 días después’, nos pone inmediatamente en situación del jodido dramón que nos espera, seguido además de la susurrada ‘Kettering’. Y ambas horrorizan lo mismo desde su inspiración “ambient” que la intensidad post-rockera de otros momentos del disco (como el centro de la misma ‘Kettering’). Porque precisamente ‘Hospice’ destaca por lo bien integrados que aparecen los distintos recursos sonoros: ‘Shiva’ parece una canción de cuna, el principio de ‘Wake’ salido de una película de los años 40 y ‘Thirteen’ podría estar cantada por la Feist más celestial.

40.-Benjamin Biolay / Rose Kennedy: El tema central ‘Rose Kennedy’ habla sobre la soledad y en ‘Los Ángeles’ vuelve a haber referencias a “la rutina”. El disco parece querer decirnos que la vida de Rose Kennedy no fue demasiado entretenida y probablemente los 104 años que vivió se le hicieron pesados incluso a ella misma. Pero nada similar puede decirse de este disco, en el que las canciones prescindibles son muy pocas. Desde su primera escucha te das cuenta de que Benjamin es uno de esos músicos privilegiados capaces de escribir, producir y arreglar canciones con una facilidad absoluta.

39.-Spoon / Ga Ga Ga Ga Ga: De todos los excelentes discos de Spoon en estos últimos diez años, este es el más conciso, completo y luminoso de todos, que sirvió al cuarteto de Austin para situarse junto a Yo La Tengo y Wilco en el grupo de las más grandes bandas americanas de esta década, pero ellos pueden presumir de ser una de las pocas bandas del mundo que ha conseguido sintetizar pop accesible y riesgo en un único concepto.

38.-Deerhunter / Microcastle – Weird Era Co: Deerhunter han conseguido una obra enorme, que no es sino un emocionante compendio, casi un manual de consulta, del out-rock norteamericano de los últimos cincuenta años: desde Bo Diddley, pasando por la Velvet, la psicodelia de 13th Floors Elevators, la no wave, Sonic Youth, Yo La Tengo, Pavement, The Flaming Lips, Liars… hasta Deerhunter.

37.-The Hidden Cameras / The Smell Of Our Own: En 2003 un disco folk de letras gays obscenas hasta para el más depravado conseguía críticas entusiastas en medios heterosexuales como Rockdelux y poco más que tibias en medios gays como Shangay. ‘The Smell Of Our Own’, ‘Nuestro Propio Olor’, que el título ya se las traía, venía a defender la teoría de que las letras no importan. Puedes estar cantando sobre hacerle un dedo a un tipo la noche antes de tu boda en un cuarto oscuro y la gente puede percibir que estás cantando: “Que sueñes con los angelitos”.

36.-Low / Things We Lost In The Fire: Low habían sido durante los 90 una de las bandas precursoras del slowcore, junto a otras formaciones como Galaxie 500. En ‘Things We Lost In The Fire’, de 2001, supieron hacer este estilo, caracterizado por su minimalismo y su crudeza, más asequible, ofreciendo canciones preciosas que incluso se podían tararear. No era un disco de pop ni Low daban con él la espalda a sus raíces. Simplemente en medio de la bruma y la densidad de las guitarras y la oscuridad surrealista de las letras, les salieron unas cinco de esas canciones que, de tan buenas, superan cualquier tipo de barrera que pueda suponer un género.

35.-Nacho Vegas / Actos inexplicables: El carácter acústico del debut de Vegas en solitario hace destacar unas letras que hablan de desamor y muerte, siempre rodeados de tabaco y drogas (por supuesto las imágenes del libreto del disco le muestran fumando), y que encuentran en Gijón la metáfora perfecta para ambientar su pesadumbre. La primera vez que oímos la voz de Nacho en el álbum es para hablar sobre el “frío de su país”, “al norte del norte”, donde él busca a una persona “con la mente” aunque no la “alcance a ver”…

34.-Beirut / Gulag Orkestar: Quizá Beirut no sea gran cosa para los seguidores de Gogol Bordello o Goran Bregovic. Zach grabó su primer disco en Nuevo México cuando sólo tenía 19 años y lo publicó con 20, pero sería tonto decir que lo más fascinante del álbum es que lo realizara a tan tierna edad. Lo más fascinante de su obra es lo que tiene de universal. Su debut ‘Gulag Orkestar’ es de los que marcan desde la primera escucha, cuando ya maravilla tanto que difícilmente se puede olvidar.

33.-El Guincho / Alegranza: En algunos momentos la música de El Guincho parece íntimamente relacionada con el house, al menos en sus estructuras o ritmos (’Prez lagarto’, ‘Kalise’) y con la música africana en pistas como ‘Cuando maravilla fui’. La presencia de excelentes melodías incluso de corte retro como ‘Palmitos Park’ redondea el concepto: la verdad es que con El Guincho da gusto ser “latin”.

32.-Junior Boys / So This Is Goodbye: Cuando empiezas a escuchar música electrónica y lo comentas con tus amigos más rockeros, siempre hay algún escéptico que piensa que no puede transmitir lo mismo que un solo de guitarra “desgarrado” o una sección de cuerdas “envolvente”. Hay muchos discos de música electrónica completamente viscerales a lo largo de la historia, pero muchos aprendimos que los sintetizadores también podían hacer pupa gracias a ‘Walking Wounded’ de Everything But The Girl y ‘So This Is Goodbye’ ha hecho este favor a una nueva generación de seguidores de la música pop.

31.-The National / Boxer: The National, banda de Ohio afincada en Brooklyn (por supuesto), tras su primer álbum como profesionales en Beggars Banquet (’Alligator’, en 2005) tenía ante sí el tópico papelón de demostrar que semejante disco no era sólo un espejismo. Y no solo superaron las expectativas sino que se marcaron un discazo dando una vuelta de tuerca a su sonido. Porque donde en ‘Alligator’ encontrábamos intensidad basada en la potencia rítmica y en la electricidad, lo que aquí demuestran es que poseen la misma capacidad para calar hondo a través de la delicadeza y el matiz.

30.-Triángulo de amor bizarro / Triángulo de amor bizarro: Letras crípticas y muy personales, imágenes políticas y religiosas, frases para la posteridad y unos títulos como para enmarcarlos se acompañan de estudiadísimas melodías en las que el ruido es el principal componente. Como dijimos en su momento, recogiendo hoy el guante que en su día lanzó Fernando Alfaro y nadie supo o quiso recoger.

29.-The Postal Service / Give Up: ‘Give up’ es una joya de principio a fin. Uno de esos discos que salen una vez cada cierto tiempo, en los que no hay ni una sola canción mala. Uno de esos discos que puedes escuchar mil millones de veces, de los que nunca te cansas, y que valen tanto para un roto como para un descosido. Da igual que estés limpiando tu casa, trabajando, en el transporte público o follando: ‘Give Up’ tiene la propiedad mágica de adaptarse a cualquier momento.

28.-The Last Shadow Puppets / The Age Of The Understatement: Escuchar la voz de Alex Turner en directo con los Arctic daba muchas ganas de que se involucrara en un proyecto todavía más retro y psicodélico. Y The Last Shadow Puppets es eso de alguna manera. Los Arctic ya tiraban del blues, pero los Puppets tienen unas influencias más variadas. El primer single, ‘The Age Of The Understatement’, parece recién salido de un spaghetti western, ‘Standing Next To Me’ tiene algo de easy-listening sesentero, ‘I Don’t Like You Anymore’ tiene una parte muy Stereolab, mientras que ‘In My Room’ es medio tenebrosa y por momentos casi gótica, en el buen sentido de la palabra. El proyecto está abiertamente influido por las primeras grabaciones de Scott Walker y David Bowie.

27.-The xx / The xx: Es un tópico comenzar una crítica de The xx diciendo que “menos es más”, pero hay algunos grupos que todavía no son conscientes de ello. El cuarteto de Londres utiliza recursos estilísticos similares a The Raveonettes o Chris Isaak, pero sin ningún exceso, reduciendo cada una de las partes a la mínima expresión y obteniendo en consecuencia un sonido mucho más sofisticado para sus tristes canciones sobre amor y sobre sexo.

26.-The Avalanches / Since I Left You: Muchos discos se han basado en samples después de ‘Since I Left You’, también algunos otros antes. Pero la diferencia entre The Avalanches y el resto, que va de DJ Shadow a Richard X pasando por Beastie Boys, Kanye West, Girl Talk o Jens Lekman, con el que tienen por cierto un sample en común de Enoch Light, la explicaron ellos mismos sin querer en una entrevista: el grupo no escucha un sonido o una canción que les resulta atractivo y lo toman para la suya, sino que es un conjunto de sonidos el que les inspira un tema, que a su vez puede desembocar en el lugar más insospechado a partir de otros samples.

25.-Cat Power / You Are Free: ‘You Are Free’ es el mejor álbum de toda la discografía de Cat Power, porque contiene una mezcla de esa fiereza incontrolada e impredecible de sus primeros años pero también la clara intención de agradar, de ser querida y escuchada. En ‘You Are Free’ esa bipolaridad confluye en un singular remanso de belleza exuberante sin caer en convenciones ni resultar demasiado estándar (como sí ocurre, en mi opinión, con sus dos últimos álbumes).

24.-The Knife / Silent Shout: The Knife lo conforman dos hermanos, Karin y Olof Dreijer, y las funciones de cada uno están muy bien diferenciadas y aplicadas: ella se encarga de las letras y él de la música. Ambas partes se compenetran perfectamente en un concepto que termina de redondearse en su estética. Olof, que vive en Berlín “porque en Suecia no hay clubs”, sólo escucha techno, ambient y minimal, música sin voces. En una entrevista para Pitchfork que ahora resulta histórica (casi toda la información de la Wikipedia viene de ahí y el grupo es muy poco dado a aparecer en público), cuenta que a veces no entiende lo que canta su hermana. Y tanto si se entiende como si no, da igual. Con letras o sin ellas, los sonidos de The Knife son casi más propios de un maravilloso aunque oscuro mundo paralelo.

23.-Jens Lekman / Night Falls Over Kortadela: Jens Lekman es tu hombre, sin duda. ‘Night falls over Kortadela’ empieza a lo grande, con emociones tamaño adolescente en ‘And I Remember Every Kiss’ para continuar con la misma temática en la bailable ‘Sipping on the sweet nectar’. Sea mediante arreglos easy-listening como en este último tema, medio caribeños (’Into Eternity’), electrónicos (’I’m leaving you because I don’t love you’), con coros de música negra (’Kanske Ar Jag Kar I Dig’) o desde una perspectiva folk más arraigada (’Shirin’); Jens suena absolutamente romántico, contundente y deliciosamente honesto.

22.-M.I.A. / Kala: En ‘Kala’ todo funciona desde la adictiva ‘Bamboo Banga’, la más reguetón, hasta su solvente dueto final con (adivinad…) Timbaland, pasando por el trance hop de ‘Hussel’ (¿KLF, quizá?), la psicodelia de ‘20$’ (con estribillo robado del ‘Where Is My Mind?’ de Pixies!!!), la pegajosa ‘World Town’ (con esa flauta hindustaní loca) y los dos mejores temas del álbum, ‘XR2′ (un ‘Bucky Done Gun’ V2.0 sin estribillo) y ‘Paper Planes’, un temazo pop con un estribillo gobernado por disparos y el sonido de la caja registradora (get it?).

21.-PJ Harvey / Stories From The City, Stories From The Sea: ‘Stories From The City, Stories From The Sea’ habla de la frustración en la vida y de la infelicidad en los mismos términos en los que lo hacía Kurt Cobain. Las ganas de resolver todo con una pistola en ‘Big Exit’, la canción que abre el álbum, no aparecían tan patentes desde el ‘Nevermind’ de Nirvana; la búsqueda del amor y del éxito ocupa las primeras líneas de ‘We Float’, el amargo tema que lo cierra. En temas como ‘Horses In My Dreams’, PJ busca cierta purificación espiritual y aunque no todos suenan tan terriblemente dramáticos como ‘This Mess We’re In’ (algunos parecen quedarse con lo bueno del pasado sin más, como ‘You Said Something’), la incomprensión ante lo que nos depara nuestro sino está presente en cada segundo del disco. “No me puedo creer que la vida sea tan compleja, cuando todo lo que quiero es sentarme y verte desnudarte”, canta en ‘This Is Love’.

20.-Christina Rosenvinge / Tu labio superior: La propia Christina ha asegurado en algunas entrevistas que escribiendo estas canciones, sentía que las palabras, las melodías, los arreglos, todo encajaba de forma intuitiva, casi mágica, lo que la llevó a pensar que por fin había aprendido de verdad su oficio. Sin ánimo de desilusionar, a mí eso me suena más a inspiración, esa que se dice que abunda especialmente cuando el artista vive momentos convulsos en su vida. Y aunque es palpable y real que esta obra es la consecuencia de muchos años de esfuerzo y trabajo, también es innegable que sus conflictos en la vida personal (su divorcio de Ray Loriga, padre de sus dos hijos; su nueva vida como soltera; su no confirmada relación efímera con Nacho Vegas…) palpitan y alimentan todas y cada una de las canciones del álbum.

19.-LCD Soundsystem / LCD Soundsystem: James Murphy, bandera principal de ese cruce entre punk y funk que ha dado lugar a una de las etiquetas que más vergüenza da pronunciar en voz alta, pero no por ello menos interesante, ha definido uno de los mejores “revivals” de los últimos años. Ese que mete ingredientes ya conocidos en una Thermomix para crear algo con un sabor nunca antes experimentado. Y lo peor, es que lo suyo es puro pop de lo más digestivo. Como resultado, las producciones del grupo en su sello, el ya antológico DFA, representan el sonido de la electrónica de esta década.

18.-Astrud / Gran fuerza: Una sucesión de melodías perfectas y canciones redondas, con un Manolo que canta cada vez mejor y un Genís que va aprendiendo a ser buen músico, convirtiendo a Astrud en un grupo absolutamente fetiche para el pop de la época, un pop nacional que con la aparición coetánea de discos de Ellos, Chico y Chica, Carlos Berlanga o la llegada de Fangoria a 40 Principales viviría un 2001 histórico.

17.-Klaus & Kinski / Tu hoguera está ardiendo: Es fascinante seguir descubriendo el álbum de Klaus & Kinski y darte cuenta de que en todo lo que tocan hay algo que hacen bien o muy bien. El bolero con estribillo de ranchera está excelentemente resuelto. El final de ‘Ronnie O’Sullivan’ o las guitarras de ‘Lo que no cura mata’ podrían producir en directo tanta angustia como los típicos muros de sonido de My Bloody Valentine, mientras que por supuesto los momentos naíf, como ‘En la cama’, la dulce voz de Marina se los come con patatas. Y la misma versatilidad muestran en unas letras que nunca son tan ingenuas como parecen y para muestra ‘Mengele y el amor’, en la que a pesar de lo controvertido del tema, no resultan inelegantes.

16.-Goldfrapp / Felt Mountain: La influencia de Portishead es evidente en el recuerdo a las bandas sonoras del cine clásico y en las orquestaciones, aunque el modo en el que está tratada la voz de Alison es muy diferente a las maneras de Beth Gibbons. La voz de Alison se eleva a los cielos buscando un efecto también más fantasmagórico que angelical, pero en su caso deliberadamente hermoso y sexual.

15.-The Cardigans / Long Gone Before Daylight: A pesar de lo aparentemente meloso, como siempre, el disco contendría un lado ciertamente oscuro y pesimista que se revela en las letras y en el título del álbum. En cuanto a temática, las canciones centrales son, sin duda, ‘Lead Me Into The Night’ y ‘03.45: No Sleep’. ‘Lead Me Into The Light’ habla sobre ir a la deriva, pero gustosamente, en lo que parece un ejercicio masoquista sobre la necesidad del ser humano de buscar el sufrimiento (”llévame hacia la oscuridad, por favor apártame de la luz”); mientras que ‘03.45: No Sleep’, situada en una noche de insomnio, insiste en lo mismo, añadiendo al final una nota un tanto absurda en medio de este drama medio emo, totalmente típica de Nina.

14.-Vampire Weekend / Vampire Weekend: Vampire Weekend pasarán a la historia como el grupo más famoso de la reciente ola de africanismo. Los hilos del indie-rock con raíces en este continente llevaban moviéndose varios años, por ejemplo con la edición del disco de Mali de Damon Albarn, pero además de hacer un producto más pop y entendible por las masas, los neoyorquinos sabrían llenar sus himnos de referencias “cool” perfectas para las revistas de tendencias. Hacían un disco de debut interesante, con trasfondo “arty”, pero a la vez intrascendente. En una palabra, perfecto. Algo que en otro estilo habían hecho muy bien Franz Ferdinand.

13.-Belle & Sebastian / Fold Your Hands, You Walk Like A Peasant:‘Fold Your Hands Child You Walk Like A Peasant’ fue el último disco de Belle & Sebastian para Jeepster y es la consecución del sonido que practicaron durante los 90, una época en la que sería difícil decidir qué álbum de Belle & Sebastian es mejor. Esta vez sin guiños electrónicos, aunque ‘Nice Day For A Sulk’ podría haber sido una inspiración para la generación de grupos de sonido juguetón lo-fi tipo Casiotone, vuelven a producir preciosos subidones de cuerda y viento (’Woman’s Realm’, impresionante final de disco con ‘There’s Too Much Love’). Después se acabaría el universo del grupo sin vídeos ni conciertos, con singles extraidos que sustituirían a los EP’s llenos de inéditas, se iría Isobel… pero seguiría siendo muy duro escoger qué disco de Belle & Sebastian molaría más, al adoptar la banda con éxito los sonidos glam en el excelente ‘The Life Pursuit’. En todas sus formas, nuestra redacción al completo sigue adorando a B&S.

12.-Franz Ferdinand / Franz Ferdinand: En todos los sentidos, Franz Ferdinand, para horror de la gente que odia las tendencias, se convertirían en el grupo perfecto. Su dominio del ritmo y la excelente coordinación entre guitarrazos y golpes de batería les situarían a la cabeza del revival post-punk. Pero además, sus pintas a lo Dior Homme les darían más de una portada en las revistas de moda. A veces no sabías si estabas viendo un desfile de Hedi Slimane o una foto promocional de los chicos. Para más inri, inundaron toda su imagen de arte vanguardista, citando el dadaísmo, el deconstructivismo y el arte moderno ruso y holandés como favoritos, desde las portadas de sus singles a sus vídeos, terminando de cerrar un proyecto totalmente “cool” y definitivamente perfecto.

11.-Wilco / Yankee Hotel Foxtrot: En 2009 Jay Bennett fallecía mientras dormía en su casa de Urbana, Illinois. Seguramente, se fue con la desazón de no haber logrado reconciliarse con Jeff Tweedy, el hombre con el que trabajó codo con codo durante 7 años para cambiar las reglas del rock and roll norteamericano. Juntos grabaron seis álbumes clave para la música de este siglo, entre ellos la obra culminante de su colaboración profesional y su relación personal, el cuarto álbum de estudio de Wilco, ‘Yankee Hotel Foxtrot’. Un disco que conjuga a la perfección clasicismo y experimentación, que se vale de complejos trucos de estudio para amplificar el impacto emocional de sus canciones y que confirmó el talento de Jeff Tweedy como la mejor noticia para el rock norteamericano después del ocaso del grunge.

10.-Hot Chip / The Warning: Hot Chip es el grupo más “cool” que puede venir a la mente. Sus singles molan, sus letras molan, sus portadas molan, sus vídeos molan, producen ellos sus discos y molan y el cantante, tan pequeñito, tenemos un amigo que dice que le encantaría tener de adorno en el salón de su casa. ‘The Warning’, su segundo álbum, sonaba indiscutiblemente a su sello, DFA, pero añadía toques indietrónicos, soul y deprimentes que sólo habíamos visto en James Murphy de manera muy aislada.

9.-Nosoträsh / Popemas: A Nosoträsh, como a Vainica o a Gloria Fuertes, les ha encantado siempre recurrir a la cotidianeidad para hablar de su dolor, pero lo hacen de una manera muy particular, a menudo rozando un surrealismo fetichista casi incómodo, como en la favorita ‘Polilla’, en la que guardan la piel del amado en un armario y la sacan año tras año para protegerse del frío acechante… cada vez con menos éxito porque se la están comiendo los bichos del armario. ‘Tan sólo por los besos’ habla simplemente de una pobre muchacha esperando bajo la lluvia, pero la imagen de un río bajo los pies, por el que “bajan barcos de colillas que se encallan en la esquina de una vieja alcantarilla” te deja preguntándote en qué desagüe ha terminado el amor que estabas esperando. Las canciones, que son gigantes de por sí, se redondean en la producción de Ibon Errazkin, que da por ejemplo a ‘Corazón colilla’ un sonido tribal que sienta perfectamente a lo que cuenta el tema.

8.-Portishead / Third: Portishead se han enfrentado en ‘Third’, un título tan imaginativo como el de su segundo álbum, a un reto similar al que se enfrentaron Radiohead después de ‘OK Computer’: volver a hacer un buen disco que suene a sí mismos para repetir la cumbre creativa y comercial del grupo, pero sin que repetir la misma fórmula sea una opción planteable. Curiosamente, tanto la estrategia de este álbum en cuanto a su producción como el grado de consecución, son similares a los de ‘Kid A’. Daba un poco igual lo que hicieran porque sabemos que sólo con oír a Beth Gibbons hablando de un vino que no ha podido olvidar (’Small’) se nos iban a poner los pelos de punta. Pero resulta que además musicalmente han hecho algo sorprendente.

7.-La Buena Vida / Hallelujah!: Desde sus inicios en Siesta, La Buena Vida siempre habían querido contar con una orquesta como las de Dusty Springfield, Love y la Motown. En una entrevista de la época reconocían que si no lo habían hecho antes, había sido porque no disponían de la posibilidad económica. Esta vez sí y el resultado es mucho más maduro que el de sus primeras composiciones, muy alejado de lo que fueron Le Mans, y mucho más cercano al acabado perfecto del folk adulto, que en los últimos tiempos también ha practicado gente como Sufjan Stevens. Aunque desde luego uno de los grandes aciertos de ‘Hallelujah’ es que tampoco abusa de los recursos de que disponía, y cuando una canción sólo requiere de voz, guitarra y piano, como ‘Después de todo’, el resto calla.

6.-Radiohead / In Rainbows: Cuando nos enfrentábamos a la crítica de ‘In Rainbows’ en octubre de 2007, lo definíamos como “una consecuencia lógica en su evolución”, como si “sus tres álbumes anteriores hubieran supuesto un aprendizaje sonoro que deviene en esta obra”. A todos los efectos, este disco era la consecución definitiva del sonido Radiohead, ese que habían buscado en ‘Amnesiac’ y ‘Hail To The Thief’ y sí, había emocionado a unos, pero había dejado indiferente a otros. Aun reconociendo que ‘In Rainbows’ no es el disco más experimental ni ambicioso de Radiohead, quizá sí sería el más Radiohead de todos, el que nos recordaría que el grupo no era Aphex Twin ni era R.E.M., sino quizá, algo justo en medio.

5.-Primal Scream / XTRMNTR: Primal Scream habían sido shoegazers, Mani venía de Stone Roses, le habían pegado al acid, al rock clásico y al dub. Decíamos cuando repasábamos su discografía que con ‘XTRMNTR’, el grupo se pasaba de los porros a las pastillas. ‘Swastika Eyes’, una de las canciones favoritas de cualquier persona que la haya escuchado con cascos a todo volumen, supera cualquier cosa que, tontamente, hayamos podido llamar “trallazo” alguna vez, nosotros o un ravero en el Festival de los Monegros, como muchas otras del álbum que la contenía, subversivas y anti-todo.

4.-Amy Winehouse / Back To Black: Las letras no pueden ser más adecuadas para un género que nunca paró de dar vueltas alrededor del amor y la supervivencia. A su lenguaje a veces salvaje y callejero Amy les añade un toque aún más descarado, muy de nuestro tiempo. En ningún momento se corta ni un pelo. ‘Just Friends’, tras ‘Me & Mr. Jones’ (que parece referirse a un novio que le duró poco, Alex Jones-Donelly), ratifica ese punto autoparódico “somos un desastre”, “qué tipo de mierda es esto” tan inherente al soul. Canta cosas totalmente clásicas, como “necesitamos tiempo para arreglar esta mierda juntos antes de que empeore / Quiero tocarte pero simplemente duele”, aunque ‘Back To Black’ da completamente la campanada, con todo lo “torch song” que es, y con ese par de acordes de piano fatídicos y dolorosos que se repiten desde el principio, arranca con “no dejó tiempo para el arrepentimiento / mantuvo su polla húmeda / era su apuesta segura de siempre”.

3.-La Casa Azul / El sonido efervescente de La Casa Azul: Hay quien no podrá soportar una canción como ‘Chicle cosmos’, ni por su título ni por su melodía petarda, pero como los éxitos de la música disco, los temas de Guille terminarán siendo himnos de autoafirmación (”tú me gustas y yo sé que el tiempo te hará ver que en realidad no soy tan feo”) para una generación que defenderá siempre la complejidad de su sonido y la dificultad de sumar arreglos de pop japonés a lo Pizzicato Five con el electropop, California o el easy-listening sesentero. El disco va a cumplir 10 años y sigue sin existir compositor que le haga sombra en su estilo.

2.-Sufjan Stevens invites you to: “Come On Feel The Illinoise”: Aunque parezca obvio decirlo, ‘Illinoise’ es realmente un disco sobre ‘Illinois’. Si no se es bilingüe se puede disfrutar de las estupendas melodías y arreglos de compositor absolutamente prolífico, pero ningún análisis exhaustivo del contenido de este álbum puede pasar por alto el elevadísimo número de referencias a personajes históricos, guerras, presidentes de Estados Unidos o pequeños pueblos relacionados con este estado. Un simple vistazo a las letras deja claro que aquí el concepto no es una excusa o una coartada intelectual: lo es todo. O Sufjan sabe mucho sobre Illinois o desde luego se documentó durante meses. Más allá de Chicago se recurre a ciudades del tamaño de Soria o incluso a pequeños pueblos de 300 habitantes para contar una historia, como es el caso de la canción de los zombies, ‘They Are Night Zombies!! They Are Neighbors!! They Have Come back from the Dead!! Ahhhh!’, una de las mejores del álbum, que se dedica a citar varios de esos pueblos. Puede que nunca hayas llorado en una furgoneta conduciendo desde Nueva York a esta ciudad, pero igual no te hace falta ni escuchar lo que está cantando para adivinar su significado, ¿verdad?

1.-The Strokes / Is This It: Está todo dicho sobre ‘Is This It?’ Se ha escrito tanto sobre él que hasta los fans del disco estamos aburridos de leer lo mismo. Pero casi 10 años después de su edición original y de tanto debate, no queda tiempo para pensar en si por mucho que decidieran grabar el álbum en un pequeño estudio de Nueva York, Albert y Julian fueran en realidad niños de papá que se conocieron con 13 años en un colegio de Suiza (Albert es hijo de Albert Hammond y Julian de una Miss Dinamarca y un empresario textil medio catalán); o de pensar en si causaron más daño que beneficio a la escena motivando a ese centenar de imitadores que todavía hoy nos siguen torturando con su mediocridad; o de pensar si eran demasiado monos con sus Converse y sus pitillos como para ser buenos músicos. Podríamos hablar de la luminosidad de algunas melodías o del aire retro de la producción del álbum, que a cargo de Gordon Raphael, está más que logrado, bebiendo del rock y sonando clásico y moderno al mismo tiempo. Pero no. Lo que ha quedado para la historia no es que el disco sea esencial en esta década por devolver el rock a las ventas millonarias y a las listas de los críticos. Lo que queda para la historia es lo contagioso de los punteos de Albert en ‘Someday’ o ‘Last Nite’, la furia de ‘Take It Or Leave It’ o sobre todo, el desgarro con el que Julian Casablancas, que es uno de los grandes vocalistas de nuestra generación, canta sobre las cosas que nos preocupan a todos. Y eso es grande en esta década o en cualquiera.

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100.-Arcade Fire / Funeral: ‘Funeral’ intenta dar un pequeño respiro al hombre de esta década, que sobrevive angustiado por la sensación de miedo con la que se le bombardea (”People say that you’ll die faster than without water” cantan en ‘Rebellion (Lies)’), abriéndole los ojos (”Sleeping is giving in, so lift those haeavy eyelids”) y animándole a despertar y a unirse, como “un millón de pequeños dioses causando un millón de tormentas que oxiden” todo a su paso. ¡’Wake Up’!

99.-Felix Da Housecat / Kittenz & Thee Glitz: Hay un factor que hace del disco una joya como reflejo de la sociedad moderna, en todos los sentidos de la palabra, que nos ha tocado vivir. ‘Kittenz & Thee Glitz’ es un disco sobre la fama, como famosos parecían querer ser los asistentes a las discotecas de pop de la época, cada uno siempre a una cámara de fotos pegado. “Imagina mi cara en una revista”, “algún día podrás visitarme en mi apartamento en una colina, como en ‘Sensación de vivir’” y “un día seré una gran estrella” son algunas de las frases que canta Miss Kittin en la pieza central del disco, ‘Madame Hollywood’, y lo que parecía pensar también la generación Fotolog posando desde sus cuartos de baño.

98.-Vive la fête / Nuit blanche: ‘Nuit Blanche’ es un acierto sin mácula. ‘Touche Pas’, ‘Maquillage’, ‘Maladie D’un Fou’, ‘Mr. Le Président’ o la canción que cierra el disco, ‘Adieu’, son grandiosas. Es innegable que estamos ante uno de los discos más notables que hemos escuchado nunca en relación con aquel movimiento, ahora ya bastante olvidado, el electropop, también gracias al gusto que tienen Vive la fête por cantantes franceses de la era “chanson” como Gainsbourg.

97.-Rufus Wainwright / Want: ‘Want One’ y ‘Want Two’, concebidos como lo fueron originalmente, como un único disco llamado ‘Want’, constituye, por goleada, la obra más barroca del compositor canadiense -aunque ya en ‘Poses’ apuntaba maneras-. Rufus se encontraba en plena orgía compositiva, no paraba de trabajar como un loco y de componer canciones. Y lo mejor de todo: muchas de ellas grandiosas.

96.-The Pipettes / We Are The Pipettes: ‘We Are The Pipettes’, promovido por su guitarrista Monster Bobby (¿será su mano la que sujeta el cartel “we are” de la portada?), fue un brillante debut en el que destacan, sobre unas espectaculares cuerdas soul, el gran himno metamusical ‘Pull Shapes’, canciones sobre cuelgues tan bonitas que parecen canciones de amor y otras sobre pasiones bajas como los celos o el sexo sucio detrás de una apariencia pulcra.

95.-Hercules & Love Affair / Hercules & Love Affair: Las influencias de Andy Butler se remontan a los años 70, de los que saca prácticamente todas las ideas y las pone en práctica con bastante maestría, facturando pequeñas joyas que hay que ir descubriendo poco a poco. ‘Raise Me Up’, por ejemplo, es el típico grower que -tras varias escuchas- termina enganchando como el mejor de los singles. Y lo mismo pasa con las repetitivas ‘Athene’ y ‘Hercules Theme’, en esta última, en especial, consiguiendo que los arreglos de viento destaquen poderosamente incluso por encima de las voces.

94.-Bon Iver / Forever Emma Forever Ago: Esta tremenda obra, un grower en toda regla, consigue trasladarte a través de espeluznantes números como ‘Flume’, ‘Skinny Love’ (ese ‘I told you to be patient’ casi duele), ‘Blindsided’ o ‘The Wolves (Acts I & II)’ a esa lejana cabaña aislada por la nieve, que curiosamente acaba siendo un cálido y confortable refugio para un invierno frío.

93.-The White Stripes / Elephant: El golpe de efecto de ‘Seven Nation Army’ fue el espaldarazo definitivo para el dúo. Todo el mundo admiraba y amaba ya a los White Stripes. Todo el mundo quería escuchar ‘Elephant’ y ‘Elephant’ era mucho más que ‘Seven Nation Army’. Hay quien acusa a la cuidada producción de las guitarras o los coros de ir en detrimento de la frescura y urgencia de sus primeras obras, pero es evidente que todo era en aras de obtener un sonido aún más evolucionado y personal.

92.-Coldplay / Parachutes: En su época, ‘Parachutes’ no era más que una segunda parte de ‘The Man Who’ de Travis. Se dice que básicamente atrae a los fans de los Beatles que sólo escuchan nueva música que se parezca o a los que rechazan a los Radiohead más electrónicos. Con el tiempo, Coldplay demuestran su enorme personalidad y talento en una carrera que, a pesar de los baches creativos, apunta a la grandeza de U2. Lleguen adonde lleguen, en su caso el primero sí que siempre será su álbum con más encanto.

91.-Chico y Chica / Status: “Sea cual sea el tema, siempre acabamos con lo vuestro”, cantaban Astrud en ‘Todo nos parece una mierda’ refiriéndose a El Dúo Estático, esto es, el primer grupo que formó Chico. Fue una norma circa 2005. Como en ‘La naranja mecánica’ y de forma un poco sectaria, hordas de gente modificaban su vocabulario para pasar a citar constantemente frases de Chycha. ¿Cuántos grupos pueden presumir de que sus fans hablen como ellos?

90.-Lily Allen / Alright, Still: Quizá por su variedad de estilos y de influencias, que pasan por el hip-hop, el jazz, el easy-listening, el reggae y el old ska, y por sus letras, tan atrevidas como románticas, a sus 21 años Lily se convirtió en uno de los mejores “fenómenos MySpace”, gracias a la chispa de singles como ‘Smile’ y ‘LDN’ y un divertido “background” formado por venganzas y relatos de chunguismo en un club cualquiera.

89.-Iron & Wine / Our Endless Numbered Days: Este es, probablemente, un disco imposible de superar por el propio Beam (al menos no lo logró con el posterior, ‘The Shepherd’s Dog’). Su coherencia conceptual, la belleza de sus arreglos, lo evocador de su sonido, la universalidad y Poesía (esa mayúscula no es una errata) de sus textos y la magia de sus canciones, suponen sin duda una de las cumbres musicales de la música folk (y del pop, sin duda) de este siglo.

88.-Múm / Finally We Are No One: Quizá por lo que termina calando tan hondo ‘Finally We Are No One’ es porque es un disco de manual para encerrarte en tu cuarto, ponerte unos cascos y dejarte llevar. Y no por lo relajante que puedan tener los sonidos ambientales de canciones como ‘The Land Between Solar Systems’, sino porque de alguna manera supone un profundo viaje en el tiempo hacia tu pasado o al interior de ti mismo.

87.-The Decemberists / Picaresque: De todos los discos que podamos incluir en este especial, ‘Picaresque’ es uno de los que mejor historias nos ha contado. El tercer álbum de Decemberists venía presentado por un single contra la guerra de Irak, y aunque ‘Sixteen Military Wives’ era un temazo, pobre de aquel que renunciase a oír el resto del disco pensando que iba a encontrarse con una sucesión insoportable de temas protesta. Colin Meloy, cantante y compositor de la banda, tenía muchas más cosas que aportarnos.

86.-Kylie Minogue / Fever: Fuera suerte o no, que da igual, lo indudable es que esta es una de las obras claves del pop de todos los tiempos. Una sucesión de hits excelentemente producida que ya hubieran querido para sí esas Lolitas medio poperas medio underground (por aquello de que no venden nada) del palo de Sophie Ellis-Bextor, Annie o Rachel Stevens.

85.-Patrick Wolf / The Magic Position: Si su primera entrega era una recopilación de las canciones que había escrito de adolescente y la segunda la búsqueda de un hilo conductor que hiciera de su álbum un todo más homogéneo, ‘The Magic Position’ seguía también un concepto. Esta vez Patrick hablaba sobre superar los baches de una relación amorosa y salir victorioso adelante. Con un nuevo tinte y una portada colorida a más no poder, Patrick Wolf enviaba su mensaje más optimista.

84.-Yo La Tengo / And Then Nothing Turned Itself Inside-Out: Tras su brillante etapa eléctrica de mediados de los 90 (que a su vez sucedía a su etapa acústica de finales de los 80 y principios de los 90), Yo La Tengo encontraron su versión más enfocada y heterogénea en ‘I Can Hear The Heart…’, picoteando del noise, el country, la bossa, el electropop, el folk o el funk para concentrarlos en una propuesta perfecta. Su sucesor posee esa misma inquietud por conglomerar muy diferentes sonidos, pero en este caso ‘And Then Nothing…’ lo hace desde una perspectiva tranquila. Es, de largo, su disco más reposado y melancólico.

83.-Bill Callahan / I Wish We Were An Eagle: Bill Callahan, (Smog), Smog o como él tenga a bien bautizarse, es sin paliativos el autor más sólido del rock norteamericano de esta década. Rotundamente. Desde ‘Dongs Of Sevotion’ (que ha pujado duramente en nuestros fueros internos por ser escogido como Disco De La Década en lugar del que nos ocupa), ‘Rain On Lens’, ‘Supper’, ‘A River Ain’t Too Much To Love’, ‘Woke On A Whaleheart’ y, finalmente, este ‘Sometimes I Wish We Were An Eagle’, editado en abril de 2009, se han ido sucediendo estos años unos a otros, constituyendo una carrera sin mácula. Cada álbum de Callahan es un retrato de un momento vital, único y absolutamente coherente. Por eso este último disco es su mejor obra de la década, por ser precisamente el último (topicazo eternamente repetido por los músicos), por ser consecuencia de toda su obra anterior.

82.-Grizzly Bear / Veckatimest: Veckatimest es el nombre de una isla inhabitada frente a Cape Cod, lugar en el que el grupo gestó la forma de estas canciones, en un viejo caserón de la abuela de Droste. ‘Veckatimest’ cumple rotundamente con esa voluntad por sacar brillo a sus canciones que se intuía en esos directos, aunque no es un álbum de digestión sencilla. Y tras varias escuchas uno cae en que ese es precisamente el premio y el fin de tal esfuerzo, aprender a disfrutar de sus rincones, recrearse en sus mil detalles y efectos, en esos sonidos viejos que regalan música nueva y brillante.

81.-The Delgados / Hate: Pocos grupos juegan con las subidas y bajadas en intensidad como lo lograron los Delgados en este disco, además desde un prisma bastante pop. El grupo que la prensa llamó “los primos depresivos de Flaming Lips” supo entregar una de esas obras tristes pero reconfortantes que todo el mundo entiende a la primera, provocando un grado de identificación en su patetismo tal que a veces hasta se te escapa una tímida sonrisa.

80.-Björk / Vespertine: Sin prescindir de los habituales Mark Bell, Marius DeVries y Guy Sigsworth, el álbum cuenta con un buen montón (una marca de la casa) de excelsos colaboradores para las producciones y programaciones. Martin Gretschmann (Console, The Notwist), Thomas Knak, Matthew Herbert y Matmos fueron los más conocidos nombres del personal técnico a cargo de las producciones, programaciones, bases y mezclas. Dirigidos por la mano astuta de la islandesa, tejieron un bello y espeso manto de bases, clicks & cuts y microscópicos glitches entrelazados con exquisitas orquestaciones, gélidos coros de otro mundo e instrumentos de otro tiempo como el clavicordio, el arpa o las cajas de música.

79.-La Costa Brava / Llamadas perdidas: Quizá no tuvieran el mejor sonido ni las canciones más brillantes, pero La Costa Brava tenían algo que enganchaba más allá de lo que pudieron representar sus componentes en la música de otro momento del panorama musical nacional: portadas bonitas y llamativas, mezcla exquisita del pop de todas las décadas, letras nada convencionales… Un disco que supuso un punto de inflexión en la historia de la ya extinta banda, dejando canciones enormes que todavía hacen vibrar los escenarios.

78.-Chucho / Diarios de petróleo: Chucho fue una gran banda, que aportó una excelsa variedad de matices a las canciones de Alfaro durante sus 10 años de vida, que plasmó toda su pericia, merced a la espectacular producción de Kaki Arkarazo, en estos diarios. Sin perder el genuino carácter que conocimos en Surfin’ Bichos, armonizaron a la perfección en estas 28 canciones la bossa-nova (’Un agujero excéntrico’, ‘Calígula en Río’), el noise (’(San) Juan Autista’), los guiños a la electrónica (’Vapor de alma’) o la canción infantil (’Chapoteosis de chiquillos en la bañera’, ‘El que apaga la luz (Eclipse)’). Pero lo que realmente deslumbra de ‘Los Diarios…’ es ese espectacular pop-rock orquestal que vertebra el Fragmento Principal, de una factura pocas veces oída en este país (y diría incluso que en otros), que enardece el alma y llena de sentimientos positivos.

77.-Dominique A / Auguri: Musicalmente, con la ayuda de Sacha Toorop, Dominique A está aquí más a la altura de las penurias que nunca. Nunca sabremos hasta qué punto Dominique A se inspiró en su ex Françoiz Breut para escribir las letras de este disco. Y la mayoría son lo suficientemente abstractas como para ser interpretadas de manera bastante libre, pero una cosa está clara al prestar atención a lo que nos cuenta ‘Auguri’: su autor las ha pasado y las ha hecho pasar putas.

76.-M Ward / Trasfiguration: Matt Ward logra en estas quince canciones sublimar su fórmula para acercar el folk y el blues de entreguerras al indie pop, sacando petróleo de la baja fidelidad, jugueteando con el ruido ambiente, meciéndonos con su suave y discreta voz, eligiendo los pasajes instrumentales perfectos para cada transición del álbum… Si no es su mejor álbum hasta la fecha, sí es el primero en el que demuestra estar unos palmos por encima del montón.

75.-Jenny Lewis With The Watson Twins / Rabbit Fur Coat: Jenny Lewis había grabado coros para The Postal Service (Jimmy Tamborello protagoniza un cameo en el vídeo de ‘Rise Up With Fists!!’), incluso llegó a aparecer en el vídeo de ‘We Will Become Silhouettes‘ y ha trabajado en otros momentos de su carrera con artistas tan destacados como Elvis Costello, pero nunca ha llegado a emocionar como lo hace en este disco, de raíces americanas, no sólo en su sonido folk y country, sino en sus letras sobre desamor y engaño.

74.-La Mala Rodríguez / Malamarismo: Mala Rodríguez perfiló un estilo, casi único en el mundo, situado a medio camino entre el flamenco y el hip-hop, en ‘Lujo ibérico’ (2000). En ‘Alevosía’ (2003), especialmente en ‘La niña’, quizá su mejor canción, perfeccionó el potencial comercial masivo a lo producciones de Missy Elliott, entre el trallazo rapero y el electro; y en su última entrega hasta la fecha, ‘Malamarismo’, hizo el disco conjunto definitivo, un álbum en el que sin renunciar a sí misma, algo que no ha sido una opción, se mostraba más pop que nunca.

73.-The Field / From Here We Go Sublime: Con casi 66 minutos de duración, ‘From Here We Go Sublime’ es una brillante aproximación al mundo de la electrónica en el que se movía Willner en ese momento. Cientos de capas y repeticiones hacen que el LP se mueva entre diversas corrientes y géneros musicales, entre los que destacan el minimal techno, el trance y el acid. Pero sin embargo, también se trata de una conjunción entre pop, rock y electrónica, porque Willner también samplea (de un modo velado, pero lo hace al fin y al cabo) composiciones de Lionel Ritchie, Kate Bush o My Bloody Valentine.

72.-Robyn / Robyn: Las Sugababes matarían por tener algún día un disco tan completo, coherente y la mitad de bueno que este (un greatest hits no cuenta, es trampa), con guiños al electro, al j-pop, al R&B o, como las grandes, a sí misma. Y no nos linchen, pero nos atrevemos a decir que puede que estemos ante la nueva Madonna, si es que necesitáramos otra.

71.-Kanye West / Late Registration: Los discos de Common, Lupe Fiasco o Gnarls Barkley más o menos coetáneos mostrarían el mismo interés por el sampleo, siempre tan ligado al hip-hop, pero entre todos ellos Kanye West terminaría destacando como el fusilador más moderno y versátil, recurriendo en este segundo disco al blues y al easy-listening, y en el siguiente a música blanca electropopera. ‘Graduation‘ sería también un disco importante en la carrera del hip-hop por abrirse camino a nuevos géneros, pero ‘Late Registration’ sería más exquisito en la selección de samples y en su conjunción con las propias aportaciones de Kanye para dar un sentido muy concreto a las canciones.

70.-Saint Etienne / Finisterre: ‘Finisterre’ no fue muy bien acogido por los fans, ni por la crítica en general, en lo que es el trabajo más infravalorado de los siempre infravalorados Saint Etienne. Lo que en principio iba a ser la banda sonora para un documental con una visión más realista, más centrada en los suburbios, de Londres, terminó siendo un álbum más del grupo, con el documental publicándose a los dos años por problemas con la discográfica. Y esto despistó a mucha gente. Se creyó que el disco hablaba sobre Londres, que era el particular homenaje que le hacían a su ciudad de la que siempre afirman estar enamorados, pero no dejó ver a mucha gente que las referencias a Londres estaban ahí porque, en verdad, estaban hablando de ellos mismos.

69.-Damien Rice / O: Damien Rice es un llorica. Un cantautor pasado de rosca que añade cuerdas en sus estribillos y en las últimas estrofas grita más que en las primeras. En dos palabras: lo peor. Pero los críticos de música en sus oficinas suelen olvidar que hasta los indies también lloran en los cines viendo películas de Jude Law y Julia Roberts. Y lo cierto es que la música y la voz de Damien Rice llevan a las personas de la mano por donde él quiere. Muy fácilmente respondemos a los estímulos de su música: un quiebro de voz y la piel de gallina, un grito de repente y escalofríos. Paradojas de la vida, el irlandés abandonó su primer grupo, llamado Juniper, porque su discográfica quería que sus composiciones fueran más comerciales.

68.-Carla Bruni / Quelqu’un m’a dit: Producido por Louis Bertignac, todos los temas del álbum tienen algo reseñable: bonitos arreglos de guitarras o piano, una voz que sin ser especialmente bonita -por supuesto, nada prodigiosa- trasmite el descaro, la nostalgia o la sensualidad que requieren sus letras. Éstas, entre el humor y la melancolía, se apoyan en muchos recursos literarios, que para eso están, y con los que se consiguen canciones redondas.

67.-Moloko / Statues: Tras separarse como pareja, Moloko, en lugar de no verse más, tuvieron la genial idea de seguir adelante como grupo. Por supuesto llegaron a grabar un solo disco, pero en la grabación debió de arder Troya, porque vaya disco y vaya letras. No son brillantes por sí solas, pero en compañía de unos arreglos excelentes que aportan y quitan intensidad a continuos reproches y excusas, elevan ‘Statues’ a la categoría de disco de ruptura imprescindible, demostrando que la música electrónica puede ser tan intensa o triste como otra cualquiera.

66.-Carlos Berlanga / Impermeable: La contradicción entre querer ser famoso pero querer permanecer aislado del mundo exterior, entre querer ser querido por la gente pero no confiar en nadie, es una constante en la carrera de Berlanga y también en ‘Impermeable’, la canción. “Estoy cerrado al mundo que me ha traicionado, ya no quiero sufrir más”, canta en este tema. Otras pistas revelan la misma desazón, desilusión, frustración y sufrimiento, pero, salvo alguna excepción como el amarguísimo final de ‘Cul de Sac’ y su letra “Sin remedio vamos a sufrir”, no suelen perder el sentido del humor. Al final ‘Impermeable’ suena alegre. ¿Acaso suena triste el precioso “¿Quién se acordará de él?” de la fantástica ‘Manga por hombro’ final?

65.-The Streets / A Grand Don’t Come For Free: ‘Original Pirate Material’ probablemente es el mejor disco de los Streets, pero hay otra revolución en su carrera que la crítica nunca alabará. La del día en que Mike Skinner acabó para siempre con la concepción del hip-hop como un género pedante, machista y violento para demostrar que también podía ser tierno, emocionante y llorica hasta lo patético. ‘A Grand Don’t Come For Free’, un disco conceptual que trata sobre todo la historia de una ruptura sentimental, estuvo en la lista de los peores discos del año para algunos medios, pero desde que se editó en 2004 es uno de esos álbumes terapia para mucha gente, que nunca se olvidan.

64.-Morrissey, You Are The Quarry: Probablemente sin ‘Morrissey, You Are The Quarry’ (atentos a la coma de la portada), hoy no estaríamos hablando de Morrissey. El disco tiene sus detractores incluso entre sus fans, especialmente entre los que, por edad, tienen muy clavados ‘Viva Hate’ y ‘Vauxhall And I’, o también los que defienden el carácter experimental o más alejado de su sonido de discos como ‘Your Arsenal’. Sin embargo, es innegable que con este álbum Morrissey volvió a conquistar a una nueva generación de fans después de 7 años, que se dice pronto, de “silencio”.

63.-Lindstrøm / Where You Go I Go Too: La música de Lindstrøm bebe tanto de las bases disco de Giorgio Moroder como de la música ambiental a lo Vangelis o Jean Michel Jarre. En algunos de sus fragmentos vinculada al minimal de The Field y en otros a la Ibiza de finales de los 80 (un referente musical histórico en todo el globo, qué fuerte), quizá demuestre que ambos medios no están tan lejos. Porque podemos recurrir a lo de siempre, a las formas más espirituales o primitivas de nuestra música, como podría interpretarse parte de la obra de Tangerine Dream, para proyectarnos hacia el exterior, hacia el espacio sideral.

62.-Godspeed You! Black Emperor / Lift Yr. Skinny Fists Like Antennas To Heaven: Ya se sabe que un poco de actitud acorde a tu “producto” puede convertirlo en una obra artística. Y es lo que ha pasado claramente a una banda que nunca se dejó (de)caer en la comercialidad y a la que rara vez le picó el gusanillo de tocar en festivales por unos cuantos miles de dólares. Así, sus guitarras rugientes suenan en todas las pistas más ásperas, sus momentos más minimalistas más desamparados. Adiós, Godspeed. Hola, mito.

61.-Camera Obscura / Let’s Get Out Of This Country: Han pasado los años y han llegado, con la expectación correspondiente, nuevos trabajos con los que se han reforzado como banda y nos han convencido de que lo que hacían iba en serio. Algunos nos sentimos muy afortunados de ser contemporáneos de Tracyanne y los suyos y haber sido testigos en primera fila de la magia de canciones como las suyas, las que perduran toda la vida.

60.-Miqui Puig / Casualidades: ‘Casualidades’ era el primer disco en solitario de Miqui después de Los Sencillos, a los que está dedicado el álbum en su libreto. Como artistas invitados aparecen Suzette de Les Très Bien Ensemble y Silvia Niza, entre otros, y también Diego Vasallo haciendo coros en ‘Tipo loft’ y Jeanette en ‘La **** canción de amor en la que el chico gana’. El álbum, publicado por Naïve en la misma era en que triunfaban con la edición del primer disco de Carla Bruni, es una exquisita mezcla de los gustos que interesan a Miqui, pero sobre todo un excelente conjunto de buenas canciones.

59.-Cut Copy / In Ghost Colours: Su álbum de debut, ‘Bright Like Neon Love’, data de 2004. Y lo mejor es que el pastiche que creó el trío (entonces cuarteto) australiano fue tal, que para nada nos imaginábamos que su segundo disco, de nombre ‘In Ghost Colours’, sería un acierto del calibre que es. Nada nos hacía presagiar que en pleno 2008, este compendio de electrónica, new wave, synthpop ochentero y acid sonaría arrebatador en las pistas de baile. Y mucho menos que sus quince pistas conformarían un sólido disco de la década.

58.-TV On The Radio / Dear, Science: Pocos álbumes están tan equilibrados en sus influencias y tienen un tracklist tan bien dispuesto como ‘Dear Science’. Temas de sonido más funky como ‘Crying’ o ‘Golden Age‘ van alternándose con otros más agresivos como la inicial ‘Halfway Home’ o el mejor single, la trepidante ‘Dancing Choose‘, de raíces hip-hop, mientras que un tercer tipo de excelente nivel termina de evitar que el disco tenga temas de relleno. Nos referimos, por supuesto, a las baladas, como las bonitas ‘Family Tree’ o la post-triphop ‘Love Dog’.

57.-The Raveonettes / Pretty In Black: ‘Pretty in Black’ llegó en una época en la que la reivindicación de los girlgroups estaba empezando a ser una realidad como lo fue en la década de los 80. Bandas prefabricadas como The Pipettes ya estaban haciendo de las suyas y viejas glorias del género se preparaban para lanzar sus álbumes de regreso. Este álbum no sólo deja patente todo esto con el estilo que desde siempre trabajaron The Raveonettes sino que además lo ratifica con una larga lista de factores que confluyen en el álbum.

56.-Fleet Foxes / Fleet Foxes: La portada del álbum es el cuadro ‘Proverbios Neerlandeses’ del pintor renacentista Pieter Bruegel y seguramente no es una elección casual. Brillante cromatismo, habilidad con los claroscuros, detalles que rozan la exageración, espiritualidad, calidez… Esas características se perciben por igual en la obra del pintor flamenco y en la de estos cinco chicos de Seattle. Su folk tradicionalista está fundamentado en los discos que escuchaban en su adolescencia, la colección de discos de unos padres norteamericanos nacidos durante el baby-boom: Crosby, Still, Nash & Young, Dylan, Beach Boys, Simon & Garfunkel, Joni Mitchell, The Zombies… pero en él también se perciben ecos de música coral, barroquismo (je!), world music o bandas sonoras.

55.-Adam Green / Friends Of Mine: Usando las armas del folk y de lo clásico para hacer un disco de todo menos “folk” y “clásico”, Adam Green renunció al lo-fi de Moldy Peaches para ahora sí, escribir 15 temazos que podían encantar a cualquier fan del folk anglosajón y, por las novedades aportadas, también al que no lo era.

54.-The Go! Team / Thunder, Lightning, Strike: A veces la música negra es la referencia clara en algunos arreglos de cuerda o en las voces infantiles. Otras aparecen guitarras a lo Placebo como en ese principio de ‘Junior Kickstart’, pero siempre se acaba imponiendo el sonido Go! Team, que bebe de muchas cosas para terminar definiéndose a sí mismo. Su fuerza se redondeaba además en los potentes directos de la banda, en los que Ninja canta todas las letras en directo y toma todo el protagonismo sin dejar en ningún momento de pegar saltos y botes de todos los colores.

53.-McNamara / Rock Station: La Movida, esa palabra hoy tan cansina, no siempre fue motivo de sobreexposición. Puede que a lo largo de esta década, con homenaje de la Comunidad de Madrid incluido, muchos se hayan subido al carro de la reivindicación de este período hasta matarnos de aburrimiento, pero en 2001, recién estrenado el nuevo milenio, eran muy pocos los que se atrevían a reconocer públicamente su admiración a semejante referente cultural. La poesía urbana de enredo de McNamara es lo que hace grande a un álbum desenfadado con miles de referencias al mundo moderno homosexual que, por aquel entonces, no se podía mover con la libertad a la que hoy estamos acostumbrados.

52.-Vincent Delerm / Les Piqûres d’Araignée: Vincent decía en una entrevista de la época que si bien sus dos primeros álbumes habían sido escritos canción por canción, para ser tocadas en bares, este tercero tenía por primera vez una sensación de conjunto. Y eso se nota. Por supuesto muchas de las piezas contenidas son dignas de sonar todas las noches en un piano de Montmartre, casi como los mejores temas de Jacques Brel, pero además esta vez existe una sensación de conjunto que despierta el interés por el álbum de estudio al completo y no sólo por unas cuantas pistas.

51.-Broadcast / Haha Sound: Lo que diferencia a Broadcast de otros grupos de Warp es que sus ambiciones experimentales nunca les nublan la vista. La suave voz de Trish Keenan es la guinda de unas melodías sobresalientes. En ‘Valerie’, inspirada en una película checa de terror de los 70, ‘Valerie and Her Week of Wonders’ (el cine es una gran influencia en sus vidas, gracias a un amigo que tiene un videoclub friqui en las proximidades de su casa y no les cobra por alquilar), queda claro que la banda no se dedica a las maquinitas sin más, mientras que ruido y delicadeza se mezclan de forma idónea en ‘Oh How I Miss You’, casi sólo una repetición de la frase titular.

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Veinticinco años después de su fundación, Yo La Tengo son una banda de total vigencia, como demuestra el éxito de su aclamado duodécimo álbum, ‘Popular Songs‘. El matrimonio formado por Ira Kaplan y Georgia Hubley, unido desde 1992 con James McNew, ha sido y sigue siendo un ejemplo de fidelidad a sí mismos y a su amor por la música pop y rock, obteniendo como resultado la admiración de cada vez más y más gente. No quedan muchas bandas que puedan presumir de seguir sumando (nunca restando) fans de tantas generaciones diferentes. En 2000, cuando parecía haber alcanzado una cima con ‘I Can Hear The Heart Beating As One’, el trío de Hoboken volvió a pasmar con ‘And Then It Turned Itself Inside-Out’, un disco de nuevo distinto a todo lo que habían hecho hasta el momento, de nuevo surgido desde su profunda pasión por la música.

Tras su brillante etapa eléctrica de mediados de los 90 (que a su vez sucedía a su etapa acústica de finales de los 80 y principios de los 90), Yo La Tengo encontraron su versión más enfocada y heterogénea en ‘I Can Hear The Heart…’, picoteando del noise, el country, la bossa, el electropop, el folk o el funk para concentrarlos en una propuesta perfecta. Su sucesor posee esa misma inquietud por conglomerar muy diferentes sonidos, pero en este caso ‘And Then Nothing…’ lo hace desde una perspectiva tranquila. Es, de largo, su disco más reposado y melancólico.

Recurriendo a menudo a teclados analógicos en detrimento de las guitarras, hay en cortes como ‘Everyday’, ‘From Black To Blue’, ‘Our Way To Fall’, ‘Tired Hippo’ o ‘Saturday’ esa especie de ambiente de improvisación propio del jazz hermanado con el post-rock de los entonces influyentes Tortoise, propiciado por la producción del asiduo Roger Moutenot. Solo en ‘Cherry Chapstick’ la electricidad se desboca al estilo de ‘Decora’ o ‘Big Day Coming’, eventualmente al servicio de una melodía muy Sonic Youth. Posiblemente esa dosis tan pequeña hace que se disfrute aún más.

Pero en ‘And Then Nothing Turned Itself Inside-Out’ la tónica general está en canciones como ‘The Crying Of Lot G’, una melancólica balada un poco ’50s en la que Ira parece airear abiertamente sus problemas de pareja con Georgia, ‘Last Days Of Disco’ o ‘Our Way To Fall’, ambas piezas de jazz-pop exquisito que parecen recrearse en cómo fue el día en que Ira conoció a Georgia o las primeras sensaciones al enamorarse. Ese camino, que culmina con los casi 18 minutos acústicos de ‘Night Falls over Hoboken’, tiene su mejor baza en la preciosa balada clasicista ‘Tears Are In Your Eyes’, cantada por Georgia con suma delicadeza, que intenta dar un aliento a quien está al borde de perder la esperanza.

Yo La Tengo son, por encima de todo, fans del pop y el rock de todos los tiempos, unos absolutos eruditos amantes de The Beatles y del más polvoriento 7″ editado por el más oculto sello de soul, de The Kinks y de Mission Of Burma, de Sun Ra y de Love… Ese profundo amor por la música queda plasmado en cada uno de sus discos, bien mediante menciones explícitas, versiones (el último de sus discos de covers se publicó en 2008 bajo el nombre de Condo Fucks) o guiños ocultos, y ‘And The Nothing…’ no es una excepción. Su título es un extracto de una frase de Sun Ra, en ‘Our Way To Fall’ mencionan ‘I Can’t Explain‘ de The Who y en ‘Last Days Of Disco’ a Anita Ward. Incluso dedican una de las canciones más celebradas del álbum, ‘Let’s Save Tony Orlando’s House’ (titulada como una película de Troy McClure), a imaginar una divertida historia en la que Frankie Valli, que hizo famoso el tema ‘Dawn’, amenaza muerto de celos con quemar la casa de Tony Orlando, que alcanzó cierta fama con su grupo Dawn. Y en el capítulo de versiones, su personal adaptación del clásico soul ‘You Can Have It All’ de George McCrae ha acabado por ser uno de los números favoritos para sus fans. Especialmente divertida era la versión coreografiada que hacían a principios de la década.

‘And Then Nothing Turned Itself Inside-Out’ es aún hoy, diez años después, un álbum de largo recorrido, para paladear con calma. Y Yo La Tengo representan el triunfo de los músicos que aman su propia música tanto como la de los demás y ese amor, afortunadamente, les es devuelto por cada vez más y más fans. Y que siga siendo así, por favor, por muchos años.

Hoy en día Björk parece haber perdido (al menos en parte) el crédito crítico que ella misma se ganó a pulso con tres obras capitales del pop electrónico editadas en la última década del pasado siglo. A veces da la sensación de que cuando un artista parece intocable e inalcanzable, el más leve flaqueo parece dar vía libre para que nos abalancemos sobre él como lobos furiosos. ‘Volta’, publicado en 2007, fue ese traspiés que, precedido por el valiente pero no totalmente acertado ‘Medúlla’, dio pie al ensañamiento con la figura de la artista islandesa, convertida incluso en objeto de mofa (a veces con mucha gracia, eso sí) por su histriónica personalidad y su estatus de semidiosa del pop. Y eso que esta década comenzó de forma excelente para la ex Sugarcube.

Tras protagonizar en 2000 ‘Bailar en la oscuridad’ de Lars Von Trier (su primera y última -dice- película) por la que obtuvo la Palma de Oro a la mejor actriz en Cannes y una nominación al Oscar (aquella gala en la que hizo célebre aquel horrendo vestido-cisne) a la mejor canción por ‘I’ve Seen It All’, junto a Thom Yorke, incluida en la notable banda sonora de la película (su álbum titulado ‘Selmasongs’), Björk se embarcó en la grabación de su disco más intimista y delicado hasta la fecha. Huyendo del “big beat” que presidía sus primeros álbumes y de la heterodoxia de ‘Homogenic’, buscó un concepto sonoro más cohesionado que transmitiera las ideas de “hogar” e “invierno” (palabras sinónimas para un islandés, supongo), buscando reflejar su estado emocional de entonces, como un delicado ejercicio de introspección.

‘Vespertine’ logra con creces esa meta, merced a unas bases de electrónica tremendamente orgánicas (valga la paradoja), que tenían una referencia clarísima en la indietrónica de sus paisanos Múm. Sin prescindir de los habituales Mark Bell, Marius DeVries y Guy Sigsworth, el álbum cuenta con un buen montón (una marca de la casa) de excelsos colaboradores para las producciones y programaciones. Martin Gretschmann (Console, The Notwist), Thomas Knak, Matthew Herbert y Matmos fueron los más conocidos nombres del personal técnico a cargo de las producciones, programaciones, bases y mezclas. Dirigidos por la mano astuta de la islandesa, tejieron un bello y espeso manto de bases, clicks & cuts y microscópicos glitches entrelazados con exquisitas orquestaciones, gélidos coros de otro mundo e instrumentos de otro tiempo como el clavicordio, el arpa o las cajas de música.

‘Hidden Place’ fue el primer single del álbum y tiene una cierta reminiscencia con ‘Human Behaviour’. Profundamente enamorada de Matthew Barney, Björk habla aquí de ese lugar oculto e invisible en el que se convierte una relación de amor entre dos personas, un inexpugnable refugio emocional. No es la única canción del álbum dedicada a su relación con el artista norteamericano. ‘Pagan Poetry’, el sublime segundo single del álbum, es una exaltación del deseo y la sexualidad, justo en ese momento de pasión iracunda a punto de estallar. Su polémico vídeo, censurado en la MTV americana, tiene de todo: una Björk yaciente mientras le hacen el sexo, un vestido de Alexander McQueen con los senos descubiertos, lleno de perlas cosidas a la piel de su cuerpo, una felación sugerida…