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Sin haber alcanzado la popularidad de sus colegas Four Tet y Caribou, Floating Points se ha convertido en uno de los productores de electrónica más prestigiosos del momento. A la delicatessen que era ‘King Bromeliad’ había que sumar después otras como ‘Nuits Sonores’ y ‘Elaenia‘, su debut oficial, lo consolidaba en el panorama con un álbum muy personal en el que exploraba su formación clásica y su gusto por el free-jazz con una gran visión dirigida al espacio exterior. Fue uno de los mejores discos de su año.

El regreso de Floating Points se ha producido este pasado mes de octubre después de cuatro años, pero ‘Crush’ ha sido completado en tan solo cinco semanas según ha explicado el propio Shepherd, debido a que ahora cuenta con un estudio mejor equipado. De hecho, parte la maquinaria nueva a la que ha echado mano recientemente ha sido fundamental en cuanto a ciertos sonidos explorados en el largo. Cabe mencionar en este caso el sintetizador Rhodes Chroma, tan difícil de programar que el autor de ‘For Marmish’ hubo de pedir a su ingeniero que construyera una aplicación de iPad para controlarlo desde ahí; y el sintetizador modular BUCHLA, que el músico y neurocientífico se agenció tras engancharse a un álbum de krautrock y que usó por primera vez en directo durante su gira con The xx, durante la que actuó ante públicos de “20.000 personas”. Las sesiones dieron lugar a la música más “agresiva y obtusa” que Shepherd había creado hasta el momento, en parte porque este sintetizador también es bastante difícil de usar en vivo, lo cual para él supuso todo un reto; y a través de esa perspectiva ha creado Floating Points este nuevo largo que no en vano lleva el título de ‘Crush’. Aunque esa agresividad siempre venga contrastada con momentos de serenidad y belleza, y nunca sea tan “obstusa” como parece.

Sin ahondar realmente en el jazz esta vez, ‘Crush’ no abandona la música clásica y algunas de sus pistas más estimulantes se producen dentro de esa fusión entre clásica y electrónica. El diálogo entre orquesta y ambientaciones de ‘Falaise’ logra con poco abrir un cielo inmenso ante el oyente, mientras ‘Requiem for CS70 and Strings’ parece llorar el fin del mundo sonando como un artefacto sonoro a punto de desintegrarse. De hecho, el cambio climático ha sido una preocupación de Shepherd durante la composición de ‘Crush’ y una de sus pistas más agresivas -aunque también menos interesantes- se titula ‘Environments’. Sin embargo, ‘Crush’ no es una obra conceptual, sino más bien una exploración estética tanto de la nueva maquinaria de Shepherd como de esas inquietudes que han plagado su cabeza durante su creación, lo cual incluye el Brexit o la inmigración (la cinematográfica ‘Sea-Watch’ está inspirada en Carola Rackete, la capitana de barco alemana que este año ha desafiado a Italia entrando en aguas territoriales con 42 personas inmigrantes a bordo).

El gran single de ‘Crush’ es ‘LesAlpx’, que sí termina de dar rienda suelta a esa agresividad hallada por Floating Points en el álbum en una composición épica, de intrigante progresión y llena de claroscuros, en la que la dureza casi sísmica de sus ritmos y el elemento celestial de sus ambientaciones se cruzan en un entramado de sonido clínico pero también muy melódico. La exquisita ‘Last Bloom‘ también despunta en ‘Crush’ sonando a un cruce entre Aphex Twin y los primeros múm, realzando su elemento preciosista; y las sorpresas las dan ‘Anasickmodular’ y ‘Bias’ con sus ritmos UK Garage; la primera mediante una producción envolvente que Shepherd decide entorpecer hacia el final; y la segunda mediante una producción suprema en cuanto a gusto y desarrollo, que no extraña sea la más popular del disco en Spotify. ¿A qué espera Floating Points para producir a alguna estrella del pop?

El hecho que ‘Crush’ funcione mejor como obra que admirar más que escuchar en bucle significa que este no va a ser el próximo álbum de electrónica que haga “crossover” en escenarios y medios especializados, cual Jon Hopkins. Esto no quiere decir que ‘Crush’ esté exento de momentos emotivos como ‘Sea-Watch’ ni de singles potentes como ‘LesAlpx’, pero el experimento de ‘Apoptose Pt. 1’ y ‘Apoptose Pt. 2’, que presentan el sonido de un sintetizador BUCHLA yendo a su aire y la melodía de un Rhode Chroma sonandno por debajo, creando una composición literalmente amorfa y sin dirección; no es demasiado interesante, como tampoco una segunda parte del disco quizá demasiado enfocada en su lado ambiental. El propio Shephard ha reconocido que ‘Crush’ no es un disco perfecto, pero también cabe lamentar que, con esta asimilación de la agresividad perpetrada por Shepherd en el álbum, un poco de la originalidad hallada en ‘Elaenia’ se haya perdido por el camino.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘LesAlpx’, ‘Last Bloom’, ‘Anasikmodular’, ‘Bias’, ‘Falaise’
Te gustará si te gusta: Four Tet, Caribou, Jon Hopkins
Escúchalo: Spotify

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¿Puede una parodia de “modernos resabiados” triunfar en 2019? https://jenesaispop.com/2019/11/17/376494/puede-una-parodia-de-modernos-resabiados-triunfar-en-2019/ https://jenesaispop.com/2019/11/17/376494/puede-una-parodia-de-modernos-resabiados-triunfar-en-2019/#comments Sun, 17 Nov 2019 10:53:18 +0000 http://jenesaispop.com/?p=376494 Contra todo pronóstico, hace tiempo que el chándal se ha instalado entre músicos sobre todo gracias a la música urbana, por mucho que Rusos Blancos se empeñaran en hacer del grito “Nosotras no llevamos chándal” una de las cumbres de su carrera (‘Supermodelo’ llegó a aparecer en ‘Física o química’ aka FOQ). Y ahora una […]

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Contra todo pronóstico, hace tiempo que el chándal se ha instalado entre músicos sobre todo gracias a la música urbana, por mucho que Rusos Blancos se empeñaran en hacer del grito “Nosotras no llevamos chándal” una de las cumbres de su carrera (‘Supermodelo’ llegó a aparecer en ‘Física o química’ aka FOQ). Y ahora una superbanda llamada Chaqueta de Chándal, formada por gente que estuvo en Surfing Sirles, Santa Rita y lo:muêso, ha debutado con un disco llamado ‘Gimnasia menor’. El grupo, que ha pasado un par de veces por nuestra playlist de música nacional y latinoamericana Sesión de Control, está despuntando sobre todo con ‘El amigo del mal’ y un tema llamado ‘A moderno resabiado no le mires el dentado’.

No es el mundo de qué es “moderno” y qué no, qué es “underground” y qué no, el más actual que me puede venir a la mente. No estamos en 1994 ni en 2003. Sin embargo, estos debates siempre apasionarán a algunos, y la verdad es que a Chaqueta de chándal le ha salido un gran pepino de base kraut que sí, “pasa del Primavera Sound”, se desinteresa por “lo vulgar, quinielas, Sálvame y Bisbal” y rima “acro-yoga” con “estar en boga”, pero podría hablar de vampiros, caballos o física cuántica, que funcionaría exactamente igual.

El grupo formado por Guillem Caballero, Alfonso “Pocho” Méndez y Natalia Brovedanni se sirve de las sonoridades de la psicodelia sesentera tanto en voces y armonías como en efectos, mientras el vídeo subraya el carácter satírico de nuestro protagonista, jugando con la autenticidad y la hipocresía de la industria musical. Tras pasar por Sidecar en Barcelona, Chaqueta de Chándal actúan el viernes 29 de noviembre en la Sala Wurlitzer de Madrid.

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Tindersticks: “Nunca nos sentimos cómodos en los 90 de Londres” https://jenesaispop.com/2019/11/17/376303/tindersticks-nunca-nos-sentimos-comodos-en-los-90-de-londres/ https://jenesaispop.com/2019/11/17/376303/tindersticks-nunca-nos-sentimos-comodos-en-los-90-de-londres/#comments Sun, 17 Nov 2019 10:45:05 +0000 http://jenesaispop.com/?p=376303
  • "Hay gente joven que siente que el mainstream no tiene nada que ver con ellos"
    • "Cada disco debería idearse como un vinilo, porque un disco es una forma de arte, limitada por su fisicidad"
    • "Los últimos 10 años han sido mucho más gratificantes que los primeros"
    • "Nunca pensé en ser el cantante cuando empecé a hacer música, me dejé llevar"

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    Stuart A. Staples parece una persona tranquila como ha sido siempre la música de Tindersticks. De visita promocional en Madrid para hablar del nuevo álbum de la banda, ‘No Treasure But Hope‘, el artista muestra su entusiasmo con la última etapa del grupo, pero siempre desde la absoluta calma. Justo este jueves ha cumplido 54 años (aunque la entrevista tuvo lugar hace unas cuantas semanas, por lo que no tenemos ocasión de felicitarle), y no tiene por tanto ningún reparo en hablar de la época en que no era consciente de lo que estaba haciendo, en la que topó con la profesión de cantante casi por accidente o de la que considera infravalorada en Tindersticks. ‘No Treasure But Hope’ será presentado en 2020 en nuestro país en las siguientes fechas: el 23 de febrero en Vigo, el 25 de febrero en Barcelona, y el 14 de marzo en San Sebastián. Foto: Richard Dumas.

    Has dicho que ‘Pinky in the Daylight’ es tu primera canción de amor sin peros, ¿hay lugar hoy en día para las canciones de amor puras, sin ironía?
    Ni idea (carcajadas). No estoy acostumbrado a escribir canciones así, pero no tienes poder de elección sobre lo que escribes. Las canciones pasan, y hay una responsabilidad con el momento en que las haces y las entiendes. ‘Pinky in the Daylight’ no era tan diferente a ‘No Treasure But Hope’, pero esta última viene de un momento de desesperación. No estoy acostumbrado a que me vengan las canciones en momentos de alegría, pero hay que ser honesto con ese momento. Tienes que abrir tu corazón ante una canción así, no sé si es más difícil ahora que somos muchos más cínicos, que estamos más informados… pero es interesante.

    ¿Te consideras un romántico?
    Es una de esas palabras… Quizá. ‘Pinky in the Daylight’ es definitivamente un momento romántico. Odiaría pensar en mí mismo como un devoto del romanticismo, pero tampoco sé si no me catalogaría como romántico.
    Te pregunto también, aparte de pensando en el origen del romanticismo o su vigencia, porque la banda me parece que ha sonado siempre romántica en los detalles, o incluso en los momentos que escoges para escucharla. No sé si te molesta.
    Está bien. Si escuchas cualquier música y conecta contigo, si hace sentir algo a una parte de ti, está haciendo lo que tiene que hacer, sea lo que sea.

    Me he leído un libro sobre Tinder, en el que la periodista, que ha escrito para The Guardian, cita un artículo de hace décadas en el que decía que en el futuro lo romántico estaría muy mal visto. ¿Lo entiendes así?
    Todos necesitamos sentir una conexión con alguien, independientemente de cómo sea. No uso Tinder, es un mundo ajeno para mí (carcajadas), pero la gente necesita a la gente y tienes que apañártelas para conectar. Cuando era joven, había maneras de tener sexo rápido sin ningún significado y también otra cosa. No hay gran diferencia. La finalidad es la misma.

    ¿No ha cambiado el modo como vemos el amor?
    Me gusta pensar que es una necesidad esencial para nosotros, que hay que aceptar.

    Hablemos de la belleza, en “Pinky” hablas de haber encontrado una “nueva belleza”. La canción inicial se llama ‘For the Beauty’. ¿Dónde has encontrado esa “nueva belleza”?
    Al escribir estas canciones, algo que he sentido profundamente es la relación que hay entre el mundo de la belleza y el dolor. El disco habla de cómo necesitas mantener la esencia de la belleza, teniendo que ser capaz de lidiar con el dolor. El disco existe en ese espacio, en intentar mantener esa esencia. En este momento hay mucho dolor en el mundo, y personalmente, intentar mantener la esencia de la belleza es un objetivo.

    “Al escribir estas canciones, algo que he sentido profundamente es la relación que hay entre el mundo de la belleza y el dolor”

    ¿Por eso vemos un mapa en la portada, como guía o lugar?
    Las canciones fueron escritas en Ítaca, una pequeña isla de Grecia, donde he pasado bastante tiempo en los últimos años.

    ¿Vives allí, no?
    Parte del tiempo. Escribir el disco allí, rodeado del Mediterráneo, ha alimentado el disco. Fue un sitio idílico de libertad para mí, pero que ahora no puedo evitar ver que se ha visto mancillado. No pude evitar que esa relación empapara el disco. Va sobre la relación de una pequeña y bonita isla del mundo y la isla de la que vengo.

    ¿Qué opinas de la escena musical en Reino Unido ahora que no vives allí? Siempre habrá gente como Richard Hawley, ¿pero qué te parece la música de hoy?
    Creo que algo está empezando a pasar. Hay gente joven con cosas que decir, de maneras distintas. Ahora hay un espacio para cosas, mientras el mainstream está desviándose hacia otro espacio. Hay gente joven que siente que el mainstream no tiene nada que ver con ellos. Algo está empezando a pasar, gente como Black Midi o The Murder Capital, gente que hace sus propias cosas y a su manera.

    “Hay gente joven que siente que el mainstream no tiene nada que ver con ellos”

    Porque el mainstream está lleno de solistas, casi no hay grupos…
    Por eso lo digo. Los artistas solistas están al final de todo un proceso. Eso no tiene nada que ver con gente joven que quiere hacer cosas con su propio lenguaje y eso es lo que yo espero. Las cosas están siguiendo su curso después de todo lo que han movido la televisión y los “talent shows”. Es el momento de que la gente joven haga lo que quiera a su manera.

    Has dicho que sabes que ya no sois una banda joven ni de moda, pero que conectáis más con la gente que nunca. ¿Qué quieres decir? ¿Sientes que conectas con la gente joven?
    No quería decir eso. Yo escuchaba a Magazine y a Joy Division de joven, pero no por eso dejaba de escuchar a Tom Waits. Lo que quería decir es que cuando eres joven, pasan las cosas y no las entiendes, ni tampoco tus relaciones. Vives una explosión de creatividad, de energía, y entras así en la música, aunque seas outsiders como nosotros. Haces un disco y la gira, un disco y la gira, y así te pasas 10 años. Hicimos 5 discos en 10 años. Se transforma en un proceso. Siempre intentas por supuesto expresarte y mostrar tus ideas.

    Pero estos últimos estos 10 años han ido más de explorar la música, de pensarla, unificarla, es cuando la comprendes y aprecias. No hablo de ser menos experimental, o desear menos lo que haces, sino de ir en distintas direcciones, mirar diferentes cosas… Está siendo mucho más enriquecedor que los primeros 10 años, que era más sobre la industria. No es que piense que formara parte de la industria, pero sí se tomaban decisiones, y yo era parte de un proceso. Y ahora manejamos las cosas que nos conducen, es más enriquecedor. Hace 10 años, cuando volvimos, decidimos no mirar nunca atrás. Ahora estamos en una situación en la que la música que hacemos, sobre todo los dos últimos discos, se está alimentando a sí misma. Es mucho más gratificante que los primeros 10 años.

    “Los últimos 10 años han sido mucho más gratificantes que los primeros”

    ¿Crees que este es un buen álbum para que alguien escuche a la banda por primera vez?
    Es acogedor. El último, ‘The Waiting Room’, con todo lo que me gusta, era más bien como una pregunta: te pide entrar para poder apreciarlo. Era más duro entrar. Y este es más acogedor. No es que lo haya buscado así, pero por el modo en que se ha hecho, ha salido. Hemos sido más humanos, hemos tenido una conexión entre los cinco, hemos jugado con la música… Es cálido. No entiendo muy bien por qué es así, porque se ha hecho muy rápido, pero confío en las canciones y en las personas. Y se ha convertido en algo muy acogedor.

    Has dicho que no quieres mirar el pasado, pero no puedo evitar preguntarte por los 90, cuando se debatía si vuestra verdadera obra maestra era el primer disco o ‘Curtains’, ¿qué piensas ahora?
    Cuando hicimos los dos primeros discos, los hicimos de manera totalmente inconsciente. Sin nadie que opinara, sin ninguna influencia exterior. Era nuestra música pura por sí sola. Fue muy especial. No te das cuenta de que nunca te va a volver a pasar. Los seis nos juntamos en un momento de la vida y algo pasó, durante años pudimos mantenerlo y luego empezamos a ser conscientes, y empezó a ser un trabajo. Tu vía de escape se transforma en tu trabajo, y empiezas a ser consciente del poder que tienes y de las maneras de hacer música. Algo se fue de nuestra música desde ‘Curtains’ hacia adelante. Estábamos intentando encajar, éramos las mismas personas con los mismos anhelos, pero no teníamos esa libertad inconsciente de hacer música. Por eso los primeros discos son tan especiales a pesar de las imperfecciones.

    “Me gustan todos nuestros discos por diferentes razones, pero tanto en los dos primeros como en los dos últimos veo que ha pasado algo especial, aunque sean cosas muy diferentes”

    Dicho esto, para los dos últimos, hemos podido hablar, tener conversaciones, y ese pequeño fuego que se apagó empezó a renacer. Con Dan McKinna, que toca el bajo y el piano, y Earl Harvin, que toca la batería con nosotros desde hace 10 años, hemos ido reconstruyendo y reconstruyendo. Con ‘The Something Rain’ (2012) y ‘The Waiting Room’ (2016), algo ha pasado cara a la libertad y a nuestro subconsciente. Me gustan los dos últimos. Me gustan todos los discos por diferentes razones, pero tanto en los dos primeros como en los dos últimos veo que ha pasado algo especial, aunque sean cosas muy diferentes.

    ¿Alguno que veas especialmente infravalorado?
    ‘Simple Pleasure’ fue un riesgo y muchos de nuestros seguidores lo encontraron difícil. Para mí fue importante porque queríamos romper con todo. Si no lo hubiéramos hecho, no estaríamos aquí. Sobrevivimos. Es un disco especial en nuestra discografía.

    El disco nuevo parece estar pensado para formato vinilo. Se nota en el paso de ‘Carousel’ a ‘Take Care In Your Dreams’. Pero vosotros sois de los 90. Los 90 no fueron tanto del vinilo…
    A principios de década, sí.

    “Cada disco debería idearse como un vinilo, porque un disco es una forma de arte, limitada por su fisicidad”

    Pero muy a principios…
    Fue en ‘Simple Pleasure’, en el 99, cuando Island dijo que no merecía la pena hacer los vinilos porque no se vendían. El peor momento fue ahí. Los vinilos siempre han sido muy importantes. Cada disco debería idearse así porque un disco es una forma de arte en sí misma. Y está limitada por su fisicidad. No es coincidencia que en los discos clásicos encuentres una balada al final de cada cara porque ahí es cuando la energía empieza a bajar. Todos los discos clásicos se han ideado así. No digo que todos los discos tengan que hacerse así, pero para este álbum, era importante pensar según la energía de vinilo. En estos tiempos, un disco parece una manojo de canciones sueltas por ahí, pero para mí sigue vinculado a algo físico. Se puede hacer un disco doble y no digo que tenga que ser así, pero es importante la intención de lo que estás intentando hacer y ‘No Treasure But Hope’ está muy equilibrado así.

    Has dejado la canción titular para el final, una canción pequeña e intimista. Se puede entender por qué musicalmente, ¿pero también tiene que ver con la letra?
    Sí, por supuesto, no todo son las dinámicas. ‘For the Beauty’ siempre fue el inicio del disco desde la segunda vez que la tocamos, por las palabras. Y ‘No Treasure But Pleasure’ siempre fue la última. Cuando Dan y yo la grabamos era solo piano y voz, necesitaba algo de luz, por eso la última cosa que se grabó fue una celesta, porque si no, era inasumible: quería poner algo de esperanza. Como decía sobre ‘Pinky in the Daylight’, esta era la esperanza última, la positividad, una forma de conexión. Y ‘No Treasure’ y ‘For the Beauty’ son lo opuesto. Para mí son desoladas, y vienen de momentos de desolación respecto a este momento en el que todos estamos viviendo.

    Por cierto, ¿cómo suena la palabra “Pinky” en inglés? ¿Hay humor en ella?
    Es muy inusual, se usa poco. Mi mujer es pintora, le interesa muchísimo la luz. A lo largo de los años, no he podido evitar interesarme por la luz también, por cómo los colores cambian, o cómo la luz cambia. Esta idea de canción es sobre cómo algo puede ser “rosa” y “carmesí” a la vez.

    ¿No suena cursi?
    No, no es la palabra. Porque si fuera “cursi” tendría que ser de uso común, tienes que estar acostumbrado a oírla. Tengo playlists con la palabra “cursi”, y no tengo problemas con eso, sé lo que es (risas). Pero no es esto. Es algo que quería meter porque me hace sonreír y “pinky” es más bien una extraña palabra.

    En algunos momentos del disco he pensado en las baladas de Nick Cave, y no puedo evitar pensar que él va a hacer conciertos en arenas y vosotros no porque os diferencian las canciones de rock, que le permiten mostrarse como una bestia sobre el escenario.
    Nick se lo merece. Y tiene lo que ha buscado. Para mí en los 80 él y los Bad Seeds fueron una inspiración gigante, antes de formar siquiera Tindersticks. Luego perdí esa conexión, pero creo que ha alcanzado lo que se ha puesto como objetivo. Básicamente. Pero no es lo que yo quiero. Es diferente. Es a lo que te conduce, lo que buscas.

    ¿Y tú has conseguido lo que querías?
    ¡No! (risas)

    ¿Y qué era?
    Para mí… no estoy diciendo esto en base a Nick, no tiene nada que ver. Para mí va más sobre estar comprometido y sobrevivir (risas) No es tan fácil que pasen 25 años, ser capaz de despertarme por las mañanas y concentrarme en lo que me interesa. Para mí es eso, aunque suene como un objetivo modesto, pero es como nací y como me educaron. Estar comprometido, sentir cosas, explorarlas y sentirme animado a hacer más cosas es lo que necesito como tipo de artista. Operamos de manera diferente.

    “Nunca pensé en ser el cantante cuando empecé a hacer música, me dejé llevar”

    Vosotros habéis sido una banda de culto, sobre todo gracias a Rockdelux, no sé si conoces el medio o es igual en otros países. ¿A qué crees que se debió en aquella era pre-internet? Nunca fuisteis la típica banda de MTV…
    Sí, es más o menos igual en todas partes. En los 90’s hubo un momento en que eres esta cosa de la que todo el mundo quiere hablar y que todo el mundo oye. Pero nunca nos sentimos cómodos en los 90 de Londres, era un sitio extraño aunque la gente se ponga nostálgica por aquello. Nos sentíamos muy marginados respecto a por qué hacíamos música. Ahora, hacemos lo que necesitamos hacer, y tenemos gente que nos apoya. Sin esa gente apoyándome, no sería capaz de levantarme por las mañanas y pensar en lo que quiero hacer ese día. Puede sonar modesto pero es eso en resumidas cuentas. Alguien como Nick ha alcanzado lo que ha querido, y lo nuestro es muy diferente.

    Finalmente, ¿cómo has vivido la evolución de tu voz en estos años?
    Nunca pensé en ser el cantante cuando empecé a hacer música, me dejé llevar. Era más como “necesito hacer cosas” y una de las cosas que tenía para ello era mi voz. La primera vez que pude grabar en un estudio era mi voz y ya está. Después de los 3 primeros discos, no estaba tan contento, en los dos primeros no lo pensaba, decía “esto es el sentimiento”. En ‘Simple Pleasure’ me lo empecé a tomar en serio, y me sentía un poco frustrado. Estaba el campo de la escritura, de la música, de la producción, de la mezcla… y en ‘Simple Pleasure’ pensaba que mi voz estaba muy por detrás del nivel de escritura. Ahora no lo pienso mucho, es como existe y ya. En ese sentido es algo más subconsciente. Si sientes algo, es que hay algo. Y si no sientes nada, no hay nada.

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    Acid Arab / Jdid https://jenesaispop.com/2019/11/16/375805/acid-arab-jdid/ https://jenesaispop.com/2019/11/16/375805/acid-arab-jdid/#comments Sat, 16 Nov 2019 12:55:11 +0000 http://jenesaispop.com/?p=375805 Acid Arab se han convertido en uno de los mayores secretos a voces de los últimos tiempos gracias a su fusión de electrónica con sonidos de la música tradicional árabe, mirando a países como Argelia, Marruecos o Yemen. El debut de los parisinos Guido Minisky y Hervé Carvalho, ‘Musique de France‘, fue una pequeña revelación […]

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    Acid Arab se han convertido en uno de los mayores secretos a voces de los últimos tiempos gracias a su fusión de electrónica con sonidos de la música tradicional árabe, mirando a países como Argelia, Marruecos o Yemen. El debut de los parisinos Guido Minisky y Hervé Carvalho, ‘Musique de France‘, fue una pequeña revelación en 2016 gracias a temas tan sugerentes y magnéticos como ‘Stil’ o ‘La Hafla’, y desde su publicación, los franceses no han dejado de tocar por todo el mundo, incluyendo este mismo año una aparición en el Sónar.

    Sin que nadie deba entender que Acid Arab estén haciendo algo particularmente revolucionario cuando la labor de sellos como Awesome Tapes from Africa o Habibi Funk sirve para recordarnos que ya en los 70 y 80 había artistas en el Norte de África y en Oriente Próximo produciendo música muy interesante y original con sintetizadores (y los sigue habiendo en la actualidad, A-WA y Omar Souyleman son dos de los ejemplo más obvios); aunque sin restar mérito al hecho que no tantos artistas han aproximado la cultura de club occidental a estos territorios, los franceses han tenido la ocurrencia de llamar su nuevo disco ‘Jdid’, “nuevo” en árabe. La nota de prensa disponible en Bandcamp indica que algunas de las pistas de ‘Jdid’ ofrecen una “interpretación retrofuturista” de la música raï argelina, pero la pregunta es cuán interesante es esta interpretación y qué consiguen hacer con ella Acid Arab y los artistas invitados a su disco, entre los que encuentran los argelinos Radia Menel y Sofiane Saidi, el sirio Rizan Said, el tunecino Ammar 808 o el turco Cem Yıldız, intérprete del mencionado ‘Stil’, el mayor éxito del grupo. La respuesta es que ‘Jdid’ logra, en este sentido, ser una obra digna de escucha, si bien irregular.

    Llama la atención desde el principio que Acid Arab (ahora un trío con la inclusión en sus filas del tecladista argelino Kenzi Bourras) han limado sus producciones para hacerlas sonar mucho más finas y elegantes que las presentes en ‘Musique de France’. Eso se traduce en que, a menudo, nombres como el de Matthew Dear vienen a la cabeza al escuchar temas como ‘Staifia’ o ‘Ejma’, y no necesariamente para bien: aunque el concepto de Acid Arab es más o menos original, sus producciones electrónicas no lo son tanto, y por tanto ‘Club DZ’ (sin “featurings”) es completamente anodina y las nigerinas Les Filles de Illighadad (que llegaron a tocar en España) suenan algo desaprovechadas en la oscura ‘Soulan’. Sin embargo, Acid Arab sí logran crear interesantes laberintos sonoros en ‘Rajel’ con Ammar 808, sorprender con el crujiente ritmo roto de ‘Nassibi’ con Amel Whaby o incluso traer convincentemente a la ácida ‘Électrique Yarghol’ el sonido de este instrumento tradicional árabe (el arghul, una especie de antepasado del clarinete originario de Egipto). Sin embargo, las cumbres de ‘Jdid’ son las que evocan de verdad esos paseos por los “almacenes suburbanos y sótanos humeantes de Orán y Estambul” de los que habla la citada nota; ‘Ras El Ain’ con Rizan Said y la synth-pop ‘Malek Ya Zahri’ con Cheikha Hadjla, sonando al final, son atmosféricas y subyugantes. Donde el resto de ‘Jdid’ suena algo voyeurístico, estos temas sí suenan más integrados en la cultura en la que buscan sumergirse.

    Calificación: 6,5/10
    Lo mejor: ‘Malek Ya Zahri’, ‘Ras El Ain’, ‘Nassibi’, ‘Électrique Yarghol’
    Te gustará si te gusta: A-WA, Omar Souleyman, Rachid Taha, en general la unión de música electrónica y tradición
    Escúchalo: Spotify

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    La Canción Del Día: Josef Salvat te invita a su laberinto de redes sociales personal, con homenajes a Madonna y Björk, en el vídeo de ‘modern anxiety’ https://jenesaispop.com/2019/11/16/376292/josef-salvat-te-invita-a-su-laberinto-de-redes-sociales-personal-con-homenajes-a-madonna-y-bjork-en-el-video-de-modern-anxiety/ https://jenesaispop.com/2019/11/16/376292/josef-salvat-te-invita-a-su-laberinto-de-redes-sociales-personal-con-homenajes-a-madonna-y-bjork-en-el-video-de-modern-anxiety/#comments Sat, 16 Nov 2019 12:15:45 +0000 http://jenesaispop.com/?p=376292 Josef Salvat ha vuelto tras cuatro años con un nuevo single que habla sobre la “ansiedad” que produce la adicción a las redes sociales. Se titula precisamente ‘modern anxiety’ y presenta un sonido bastante tropical-pop a la moda (de hace unos años) que no deja de estar hecho con buen gusto, a lo que hay […]

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    Josef Salvat ha vuelto tras cuatro años con un nuevo single que habla sobre la “ansiedad” que produce la adicción a las redes sociales. Se titula precisamente ‘modern anxiety’ y presenta un sonido bastante tropical-pop a la moda (de hace unos años) que no deja de estar hecho con buen gusto, a lo que hay que añadir que su melodía es todo un “grower”.

    El sonido playero de ‘Modern Anxiety’ hace que la canción pueda ser pinchada en sesiones y fiestas con total comodidad, pero el mensaje de la canción tiene un punto deprimente como da a entender su mismo título. En la primera estrofa, Salvat canta que en la noche anterior era “guapo y joven”, pero que al día siguiente “no sabe quién es” y que carga con un “enorme peso” sobre su espalda. Por un lado, Salvat utiliza estos animados ritmos y ambientes tropicales para envolverte en una burbuja de felicidad y relajación, pero por el otro expresa cosas tipo “hoy me cuesta respirar” o “esta vida moderna se está llevando lo mejor de mí”, creando un contraste francamente adictivo.

    Todo este drama no se ha trasladado visualmente a un videoclip oscuro y lleno de “ansiedad”, sino a uno bastante divertido y con mucho sentido del humor. Sucede dentro del propio teléfono móvil de Salvat, por lo que recuerda a otros clips similares como el de ‘Llámame más tarde‘ de C. Tangana y Rosalía (que tras publicarse en 2016, permanece desaparecido por algún motivo), y dentro de ese bombardeo loco de Whatsapps, stories de Instagrams y TikToks que llegan casi a la vez, cabe un par de homenajes musicales a Madonna y a Björk. Ojo también a la tierna escena final, y no dejéis de escuchar la segunda canción que ha dado a conocer Salvat junto a ‘modern anxiety’, ‘alone’.

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    ‘Ritmo’ de Black Eyed Peas y J Balvin: los caraduras del pop atacan de nuevo https://jenesaispop.com/2019/11/16/376380/ritmo-de-black-eyed-peas-y-j-balvin-los-caraduras-del-pop-atacan-de-nuevo/ https://jenesaispop.com/2019/11/16/376380/ritmo-de-black-eyed-peas-y-j-balvin-los-caraduras-del-pop-atacan-de-nuevo/#comments Sat, 16 Nov 2019 11:54:30 +0000 http://jenesaispop.com/?p=376380 Parte de la redacción valora el exitazo del momento, 'Ritmo' de Black Eyed Peas con J Balvin.

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    Parte de la redacción valora el exitazo del momento, ‘Ritmo’ de Black Eyed Peas con J Balvin.

    “Black Eyed Peas vuelven a mostrar en ‘Ritmo’ que cuando buscas “sinvergüenza” en el diccionario deberían salir sus caras. Entiéndase “sinvergüenza” en su primera acepción, como sinónimo de “bribón”. Entiéndase “briba” como “holgazanería picaresca”. Tras años de debatirse entre no hacer nada y fusilar sin ningún disimulo a Daft Punk contra la voluntad de estos, su gran idea ha sido 1) samplear una canción de éxito de los 90 tras el pelotazo de ‘Con calma’ y 2) contar con el Rey Midas del pop actual, J Balvin, para un verso en castellano. ¿Se puede ser más vago? Citando a Albert Rivera, “sí se puede”: hay quien ha detectado un sample de ‘You Know You Like It’ de AlunaGeorge y DJ Snake, no acreditado. ¿Pero es que no había algo más discreto? ¿Qué será lo siguiente? ¿Un sample de ‘What Is Love’ con la base de ‘212’? Mejor no dar ideas. Citando la letra “haters pa’ la tumba, nosotros pa’ la rumba”, y aprovechando la mención a Rosalía, voy a ponerme ‘Milionària‘. Sebas E. Alonso.

    “Que Black Eyed Peas son unos auténticos caraduras de la música pop lo saben hasta las ratas que pueblan los almacenes de cualquier discográfica, grande o pequeña. Y arrimándose al sol que más ha calentado en cada momento han construido una carrera. Quizá no respetable, ni admirable, pero que les ha hecho millonarios… y que les mantiene en ese estatus una vez más con ‘Ritmo’. Porque, dicho esto, aunque este tema con J Balvin parezca (y sea) una obviedad y un saqueo, es una obviedad y un saqueo que se le ha ocurrido a ellos (bueno, a will.i.am, productor único de la pieza) antes que a nadie, y es inevitable mover el cucu a su son. Y Balvin, como él mismo dice, pone fuego en casi todo lo que toca. Eso sí, los versos del mismo will.i.am y Apl.de.ap nos los podían haber ahorrado”. Raúl Guillén.

    “Tiene guasa que Black Eyed Peas busquen su porción del pastel latino/caribeño cuando el español hablado por will.I.am. en el Cruïlla no pudo ser más cutre. Entonces me preguntaba si habíamos echado de menos a los BEP porque parecía que tenían mucho temazo reivindicable y ‘Dirty Bit’ en directo de repente había sonado hasta bien, pero al escuchar esta canción y su sample chapucero vampirizado de mala manera, me dan ganas de volver a echarlos muuuuuucho de menos. Unos cuantos años o unas cuantas décadas. Will, ¿es que ya no te interesa hacer las maravillas que hacías antes?”. Jordi Bardají

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    Duro cruce de comunicados entre Taylor Swift y su ex compañía: ¿podrá la cantante usar en TV sus viejas canciones? https://jenesaispop.com/2019/11/15/376393/taylor-swift-frustrada-por-no-poder-cantar-sus-canciones-viejas-alude-a-chantajes-y-amenazas-y-pide-ayuda-a-sus-fans/ https://jenesaispop.com/2019/11/15/376393/taylor-swift-frustrada-por-no-poder-cantar-sus-canciones-viejas-alude-a-chantajes-y-amenazas-y-pide-ayuda-a-sus-fans/#comments Fri, 15 Nov 2019 20:00:31 +0000 http://jenesaispop.com/?p=376393 Taylor Swift, que ha sido confirmada en la próxima edición de Mad Cool y además hoy viernes estrena una de las canciones pertenecientes a la banda sonora de ‘Cats’, la película en la que aparece, sigue en un barro legal con Scooter Braun y Scott Borchetta, el conocido mánager de estrellas y el propietario de […]

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    Taylor Swift, que ha sido confirmada en la próxima edición de Mad Cool y además hoy viernes estrena una de las canciones pertenecientes a la banda sonora de ‘Cats’, la película en la que aparece, sigue en un barro legal con Scooter Braun y Scott Borchetta, el conocido mánager de estrellas y el propietario de la discográfica Big Machine, respectivamente. Este año, ambos se han convertido en socios tras la compra del primero del sello que editó los primeros discos de Swift, agenciándose los derechos de las canciones. Swift planea regrabar su discografía para recuperarlos.

    Pero la cosa se ha complicado, y Swift ha publicado un comunicado en Twitter para explicar la situación y pedir ayuda a sus fans. La cantante asegura que planeaba cantar un popurrí de sus grandes éxitos en la próxima edición de los American Music Awards, pero que Braun y Borchetta se lo están impidiendo al alegar que esta decisión implicaría que está re-grabando esos éxitos antes de lo permitido. Además, la cantante se ha visto forzada a desvelar que Netflix lleva tiempo preparando un documental sobre ella porque ambos ejecutivos están bloqueando en él el uso de esas canciones. La artista añade que Braun y Borchetta solo permitirán el uso de sus canciones en el documental de Netflix si ella no sigue adelante con su plan de regrabarlas e insinúa haber recibido amenazas por su parte a través de su equipo: “les han dicho que pare de hablar de ellos”.

    Swift añade: “El mensaje aquí está claro, quieren que me comporte como una niña buena y que me calle, pero esto NO ESTÁ BIEN, ninguno de estos hombres ha compuesto una sola de esas canciones ni ha contribuido a crear la relación que tengo con mis fans”. La autora de ‘Bad Blood’ acusa a ambos de estar “ejerciendo un control tiránico sobre alguien que solo quiere cantar las canciones que ha escrito” y pide a sus fans que contacten en masa a Scooter Braun y a Scott Borchetta para “hacerles entrar en razón”. También les pide que escriban a los artistas que estén al amparo del mánager, pues está segura que también “se preocupan por otros artistas y por su trabajo”. Entre esos artistas se encuentran Ariana Grande, Justin Bieber o Demi Lovato, aunque Swift no da nombres.

    Según The Verge, la petición de Swift ha provocado que se estén compartiendo públicamente los teléfonos móviles e incluso las direcciones físicas de ambos ejecutivos, pero el medio no ha podido confirmar que sean las verdaderas. El comportamiento de los fans tiene un término, “doxing”, que se usa para “referirse a la práctica de investigar, recopilar y difundir [en las redes sociales] información sobre una persona que fue específicamente seleccionada con un objetivo concreto o como una vendetta”.

    Desde Big Machine niegan las acusaciones de Swift indicando que “lo que ha contado no existe. Desde que Taylor decidió dejar Big Machine el pasado otoño, hemos continuado atendiendo sus peticiones de licenciar su catálogo a terceras personas mientras promociona su nuevo disco, en el que no hemos participado. Estamos muy sorprendidos de leer las afirmaciones de ayer basadas en información falsa. De ninguna manera dijimos que Taylor no pudiera actuar en los AMAs o hemos impedido su especial de Netflix. De hecho, no tenemos el derecho de impedir que actúe en directo donde quiera”. Desde Big Machine, aseguran que Taylor debe “millones de dólares y múltiples activos a la compañía, que tiene 120 empleados que han ayudado a lanzar su carrera”. El equipo de Taylor ha respondido que es Big Machine quien le debe 7,9 millones de dólares en concepto de royalties no pagados durante varios años.


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    ‘Yo soy Dolemite’: Netflix resucita a Eddie Murphy y lo coloca en la carrera de los Oscar https://jenesaispop.com/2019/11/15/376483/yo-soy-dolemite-netflix-resucita-a-eddie-murphy-y-lo-coloca-en-la-carrera-de-los-oscar/ https://jenesaispop.com/2019/11/15/376483/yo-soy-dolemite-netflix-resucita-a-eddie-murphy-y-lo-coloca-en-la-carrera-de-los-oscar/#comments Fri, 15 Nov 2019 15:51:58 +0000 http://jenesaispop.com/?p=376483 Rudy Ray Moore podría haber sido el Ed Wood de la blaxploitation. Tenía su mismo entusiasmo y fuerza de voluntad, y su misma falta de talento. La gran diferencia es que Moore tuvo éxito. Mucho. Aunque le costó. Con 40 años, Moore era un dependiente de una tienda de discos de Los Ángeles que había […]

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    Rudy Ray Moore podría haber sido el Ed Wood de la blaxploitation. Tenía su mismo entusiasmo y fuerza de voluntad, y su misma falta de talento. La gran diferencia es que Moore tuvo éxito. Mucho. Aunque le costó. Con 40 años, Moore era un dependiente de una tienda de discos de Los Ángeles que había fracasado en su intento de convertirse en cantante y monologuista. Pero en 1970, su suerte cambió. Conoció a un divertido vagabundo que hacía rimas obscenas sobre un proxeneta llamado Dolemite y decidió apropiarse del personaje y de sus historias. En poco tiempo, gracias al boca-oreja, se convirtió en un cómico de culto entre el público afroamericano proletario. Grabó tres discos y actuó por todo el país.

    Pero Moore quería ser famoso de verdad. En 1974 decidió invertir todo lo que había ganado en financiar su propia película. No sabía nada de cine ni de kung-fu, estaba medio calvo y bastante fondón. Sin embargo, escribió y protagonizó ‘Dolemite’ (1975), una película sobre un chuloputas con peinado afro y experto en kung-fu. Fue la primera de cuatro con el mismo personaje: ‘The Human Tornado’, ‘Shaolin Dolemite’ y ‘The Dolemite Explosion’. Aunque eran cutres y simplonas, la combinación de sexo, violencia, humor –muchas veces involuntario- y un genuino espíritu de barrio, funcionó. Conectó con el público negro de los guetos y se convirtió en la alternativa cómica y grosera de iconos del género como Shaft, Coffy o Priest, el traficante de ‘Super Fly’ (1972).

    No es de extrañar que una figura de este tipo despertara el interés de la pareja de guionistas Scott Alexander y Larry Karaszewski. Juntos han escrito algunos de los biopics más interesantes de las últimas décadas: ‘Ed Wood’ (1994), ‘El escándalo de Larry Flynt’ (1996), ‘Man on the Moon’ (1999), ‘American Crime Story: El asesinato de Gianni Versace’ (2018)… ‘Yo soy Dolemite’, dirigida por Craig Brewer (‘Black Snake Moan’, ‘Footloose’), se centra en los años de ascenso a la fama de Ray Moore. Y lo hace utilizando un distendido tono cómico que le va muy bien a la historia y al personaje. Ese humor, junto a un ritmo narrativo estupendo y una banda sonora llena de temazos funk y soul, es lo que permite hacer digerible, incluso agradable, una propuesta que es bastante previsible y convencional. En ese sentido, la película recuerda a la reciente ‘The Disaster Artist’ (2018). Una mezcla de biografía bienintencionada, crónica de una época (los primeros 70), cine dentro del cine, y apuntes sobre la creación artística y la imprevisibilidad del éxito.

    Pero ‘Yo soy Dolemite’ es sobre todo un traje hecho a medida para Eddie Murphy. Tras una década encadenando fracasos artísticos y comerciales (sus últimos títulos puede que ni te suenen, ‘Mr. Church’, ‘Mil palabras’, ‘Imagine’…), el actor negro más taquillero de la historia hasta la llegada de Will Smith ha resucitado de la mejor manera: explotando su indudable talento cómico en una película de gran solidez dramática. Murphy, que era fan de Moore en su juventud, es consciente de estar ante uno de los grandes papeles de su vida. Y no lo desaprovecha. Aunque el Oscar al mejor actor de este año lleva una sonrisa siniestra pintada en la cara, no sería raro que Murphy se colara entre los cinco nominados. 7.

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    El éxito de León Benavente: de “Tengo el país que me merezco” a las camisetas falsas https://jenesaispop.com/2019/11/15/376374/el-exito-de-leon-benavente-de-tengo-el-pais-que-me-merezco-a-las-camisetas-falsas/ https://jenesaispop.com/2019/11/15/376374/el-exito-de-leon-benavente-de-tengo-el-pais-que-me-merezco-a-las-camisetas-falsas/#comments Fri, 15 Nov 2019 15:28:26 +0000 http://jenesaispop.com/?p=376374 León Benavente actúan dos noches seguidas en La Riviera con todo agotado con semanas de antelación. La sala madrileña acoge a unas 2.000 personas, lo cual está muy bien, pero son muchas menos que las que están acostumbradas a ver al supergrupo de Abraham Boba y compañía en festivales. Y festival por el que han […]

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    León Benavente actúan dos noches seguidas en La Riviera con todo agotado con semanas de antelación. La sala madrileña acoge a unas 2.000 personas, lo cual está muy bien, pero son muchas menos que las que están acostumbradas a ver al supergrupo de Abraham Boba y compañía en festivales. Y festival por el que han pasado, festival en el que han arrasado. Las razones son dos y bien cristalinas: el rodaje que les dio en su momento trabajar de una manera o de otra con Nacho Vegas, Tachenko, Schwarz y La Buena Vida; y un repertorio cada vez más nutrido de éxitos que agradan tanto entre la tradición indie del país como en la nueva generación, más abierta a la electrónica o incluso a un pequeño rapeado. Un dato: la telonera anoche fue una DJ, Bihotza, y hoy lo será Le Parody. Foto: Juan Pérez-Fajardo.

    El sonido del cuarteto en La Riviera es alucinante. Las letras tienen una función secundaria en la banda pese a su vistosidad, por detrás de la melodía y la base rítmica. De hecho, en la sencilla escenografía de cortina dorada de fondo y dos alturas, la batería aparece elevada, como queriendo decir que aquí todo irá de ritmo. Bases electrónicas se lanzan pregrabadas en algunos temas y Boba azota una percusión extra por ejemplo en ‘Ayer salí’, última antes de los bises. Sin embargo, aunque los textos no sean lo más importante del grupo, es fundamental para la guía del show lo bien que se entiende todo lo que entona el cantante de la banda, y cómo puede seguirse el hilo narrativo de cada canción aunque no te la sepas.

    En cuanto al repertorio, si ya en la gira anterior era de lo más ameno, ahora lo es más aún incorporando los temas del excelente ‘Vamos a volvernos locos’. Tras abrir con ‘Cuatro monos’, el grupo se deshizo enseguida de canciones tan carismáticas como ‘Amo’ -sin Eva Amaral, pues no hubo artistas invitados, no hacían falta-, su nueva obra maestra ‘Como la piedra que flota’ o la que quizá sea su mejor canción, ‘La ribera’. ‘Ánimo, Valiente’ se reservó para la mitad del set y ‘Ser brigada’ y ‘Gloria’ fueron, seguidas, la catarsis en el bis final.

    “Tengo el país que me merezco” fue una de las frases más coreadas por motivos evidentes, al igual que el subidón de ‘Aún no ha salido el sol’ o Boba cantando desgañitado como un predicador en las últimas, ya agonizando, en ‘Disparando a los caballos’, fueron otros “highlights”. Pero también otras canciones aparentemente más modestas como la raphaelesca ‘Estado provisional’ o la ‘Canción del daño’ funcionaron muy bien. No hubo tregua en los 85 minutos de concierto, una gira de éxito tal que hasta se vendían camisetas falsas de León Benavente a 10 euros en la puerta de La Riviera, más baratitas que en el puesto del “merchan”. Como cuando vienen los grupos internacionales. 8.

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    Grimes avanza con la atmosférica ‘So Heavy I Fell Through the Earth’ su nuevo disco, que saldrá en febrero https://jenesaispop.com/2019/11/15/376464/grimes-avanza-con-la-atmosferica-so-heavy-i-fell-through-the-earth-su-nuevo-disco-que-saldra-en-febrero/ https://jenesaispop.com/2019/11/15/376464/grimes-avanza-con-la-atmosferica-so-heavy-i-fell-through-the-earth-su-nuevo-disco-que-saldra-en-febrero/#comments Fri, 15 Nov 2019 14:29:55 +0000 http://jenesaispop.com/?p=376464 Grimes ha anunciado al fin su nuevo disco, que como apuntaban los comentarios de la propia Claire Boucher dejados a sus fans en Instagram, saldrá ya en 2020. La fecha es el 21 de febrero, por lo que en realidad solo quedan tres meses para que el mundo conozca el esperadísimo sucesor de ‘Art Angels‘, […]

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    Grimes ha anunciado al fin su nuevo disco, que como apuntaban los comentarios de la propia Claire Boucher dejados a sus fans en Instagram, saldrá ya en 2020. La fecha es el 21 de febrero, por lo que en realidad solo quedan tres meses para que el mundo conozca el esperadísimo sucesor de ‘Art Angels‘, uno de los mejores discos de 2015.

    La versión definitiva del quinto álbum de Grimes, que ya se había filtrado en internet en mala calidad y con algunos títulos cambiados, será el más corto de su carrera en cuanto a pistas (10 en total) pero no en cuanto a duración (su debut de 2010, de 11 pistas, duraba media hora). ‘We Appreciate Power’ con HANA, que avanzaba el proyecto en septiembre de 2018, aparecerá simplemente en la edición deluxe del disco, junto a los singles oficiales ‘Violence’ con i_o y el nuevo, ‘So Heavy I Fell Through the Earth’, ya disponible.

    ‘So Heavy I Fell Through the Earth’ es un tema bastante atmosférico y ambiental como apuntaban las primeras valoraciones de los fans. Incluso tiene un punto new-age. En Spotify está disponible en su versión “arte” y en su versión “algoritmo”.

    01 So Heavy I Fell Through the Earth (Art Mix)
    02 Darkseid ft. 潘PAN
    03 Delete Forever
    04 Grimes ft. i_o
    05 4ÆM
    06 New Gods
    07 My Name is Dark (Algorithm Mix)
    08 You’ll miss me when I’m not around
    09 Before the fever
    10 IDORU

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