Javiera Mena no sólo logró una colaboración internacional como la de Jens Lekman para ‘Sufrir’, sino que ahora la canción ha sido remezclada por Totally Sincere. Se trata del proyecto formado por Connor Hanwick (batería de The Drums y actualmente también involucrado en The Pains Of Being Pure At Heart) y Peggy Wang (la chica de The Pains Of Being Pure At Heart). El veraniego resultado no tiene casi nada que ver con ninguno de los artistas mencionados.
Os recordamos que Javiera Mena actúa hoy viernes 15 de junio con Hidrogenesse en Madrid.
Habíamos escuchado el primer single del nuevo disco de Yeasayer, ‘Fragrant World’, que saldrá a la venta a finales de agosto. Pero no estábamos preparados para el viaje psicodélico que es en realidad el videoclip de ‘Henrietta’. Descrito por ellos mismos como “una viñeta para tomar drogas”, cuenta con visuales, entre caleidoscópicos y mareantes, obra de Yoshi Sodeoka. Y tras acabar su visionado, si no has tomado drogas, quedarás igual que si lo hubieses hecho.
Si el otro día comentábamos que Nelly Furtado había hecho otro videoclip para su último single, ahora es Avicii quien hace lo mismo. Ya conocíamos el vídeo de ‘Silhouettes’, pero ahora tenemos otra versión. Mucho más cinematográfica que la anterior, se trata de una historia de cambio de sexo con el DJ sueco en el papel de un cocinero en televisión, dando una pista sobre el argumento en una metáfora nada sutil.
Usher presenta videoclip para el otro segundo single de su último disco, ‘Looking 4 Myself’. Si ‘Scream’ es el lado dance, ‘Lemme See’ representa su vertiente más R&B. Acompañado del rapero Rick Ross, el cantante se monta una historia de secuestro, con tatuajes que tienen vida propia y pechos bien descubiertos.
Además, durante su visita a Londres, se pasó por el inevitable programa de la BBC y dejó constancia de su talento como músico haciendo una versión de ‘Pumped Up Kicks’ de Foster The People. Bastante inesperada, por lo diferente de su apuesta y por ver a Usher aporreando la guitarra, como un rockero cualquiera.
A falta de material nuevo, tendremos que conformarnos con esto. Bon Iver publicará la próxima semana un EP en directo que recogerá varias actuaciones y que formará parte de las célebres series de iTunes Sessions. El lanzamiento estará compuesto por 7 temas, incluyendo una versión de ‘Who Is It?’ de Björk que ya pudimos ver y escuchar hace tiempo.
El tracklist del EP será este:
1.-Beth/Rest
2.-Michicant
3.-Holocene
4.-Minnesota, WI
5.-Hinnom, TX
6.-Wash
7.-Who Is It?
Bon Iver estará visitando nuestro país el próximo mes de julio con la inexplicable colaboración de Beth Orton como telonera el 27 de julio en Barcelona. El 22 estará en Bilbao con Sam Amidon.
Os dejamos con una grabación, bastante decente, de la versión del tema de Björk que el grupo interpretó en directo el pasado verano.
nudozurdo actúan este sábado 16 de junio en el Ocho y Medio de Madrid, presentando un nuevo EP que supone su regreso tras el parón de la gira de ‘Tara motor hembra’. JENESAISPOP regala cinco entradas individuales a los primeros que escriban un mail a jenesaispop(k)gmail.com indicando su nombre y apellidos. Puedes escuchar su último single, ‘Chico promo’, aquí.
En los primeros 80, el funk y el disco ya no eran patrimonio de los negros y muchas bandas blancas lo usaban como aderezo en propuestas más o menos arriesgadas que dieron origen a la new wave y a su lado oscuro, la no wave neoyorquina. Bandas como Liquid Liquid, The Flying Lizards, The Waitresses, James Chance & The Contortions, Tom Tom Club o ESG (estas sí eran negras) se salían por la tangente o hacían directos temas pop, pero siempre con las hoy clásicas escalas de bajo funky. El grupo de Brooklyn Friends se erige en su debut ‘Manifest!’ en heredero de aquellos grupos, solo que adaptándolos al consumo inmediato del pop de hoy.
Con singles tan directos como ‘Friend Crush’ y ‘I’m His Girl’ (una especie de homenaje a ‘Rapper’s Delight’ de The Sugarhill Gang) alborotaron lo bastante como para que la prensa musical los expusiera como uno de los hypes de este 2012 a seguir de cerca. Así, el quinteto comandado por la voz de Samantha Urbani tenía muchas cosas que demostrar en ‘Manifest!’, cuyo single ‘Mind Control’ resultaba convincente, aunque menos inmediato que los previos. Con desiguales pinceladas de R&B (‘A Thing Like This’), afro-indie (‘Sorry’, ‘Stay Dreaming’), disco (‘Ideas On Ghosts’), no-wave (‘Ruins’) y punk-funk (‘Va Fan Gör Du’), el álbum redunda en esa recuperación del funk como preciado objeto de baile.
Lo mejor de ‘Manifest!’ es que los ya mencionados singles siguen casi tan frescos como el primer día que los escuchas, y que cortes como ‘Sorry’ o ‘Home’ son muy resultones, pero eso no logra maquillar sus faltas. La secuenciación es bastante mala, logrando que sus menos de cuarenta minutos se hagan largos, y con la peor ubicación para un single ever: ‘Mind Control’ es el último tema. Además, hay varios cortes a los que parece que les falta un hervor más, un gancho que convenza definitivamente. Así ocurre con ‘Ideas On Ghosts’, que podría ser un temazo memorable de tener un estribillo en condiciones, o ‘Proud/Ashamed’, claramente el tema más flojo de un disco que termina por resultar más aburrido de lo que intuíamos por su entretenido directo. ‘Manifest!’ se queda así a medio camino de todo: ni apuestan por hacer hits rotundos, ni por el lado transgresor de la escena neoyorquina de hace tres décadas, a la que tanto recuerdan. Así, existiendo hoy día bandas como Twin Sister o YACHT, no parece que Friends vayan a conseguir su relevancia.
Calificación: 5,8/10 Lo mejor: ‘I’m His Girl’, ‘Friend Crush’, ‘Mind Control’. Te gustará si te gusta: Twin Sister, Yacht, ESG. Escúchalo: Spotify
Rafael Berrio es probablemente uno de los autores más interesantes que ha dado el pop del País Vasco. Pionero del original «Donosti Sound» con UHF, continuó su carrera con los proyectos Amor a Traición y Deriva. La gran sorpresa llega con ‘1971‘, un álbum conmovedor e impecable con el que muchos realmente lo descubrimos, esta vez bajo el nombre de Rafael Berrio. Actualmente se encuentra en plena grabación de un nuevo álbum con la dirección técnica de Jose María Rosillo y con la inestimable colaboración de Joserra Senperena (que ha trabajado con La Buena Vida, Duncan Dhu, Jabier Muguruza o Alondra Bentley por citar algunos de la interminable lista de nombres). Se prevé su salida para finales de este año o principios del que viene. Además, acaba de arrancar junto a Maite Arroitajauregi de Mursego el proyecto ‘Phantasma’, una delicatessen de textos musicados (o canciones recitadas, según se quiera ver) con una puesta en escena de gran peso visual.
Errante, bohemio, amigo de sus amigos, humilde, apasionado, cercano y gran conversador es como se muestra Rafael Berrio en la charla que mantuvimos con él recién terminada su jornada de grabación. Charlamos sobre sus influencias, sobre su nuevo disco, su trayectoria y sobre aquella explosión pop a finales de los 70 y primeros 80 que se dio en San Sebastián y posiblemente cambiara el rumbo de lo que más tarde se convertiría en uno de los más importantes referentes musicales para muchos de nosotros. Hoy viernes 15 de junio tenemos una nueva oportunidad para disfrutar de su directo. Estará actuando en el Rincón del Arte Nuevo a las 22:00h, en la castiza calle Segovia de Madrid.
Te pillamos recién salido del estudio ¿cómo va la grabación del nuevo disco, de nuevo con Joserra Senperena?
Rafael Berrio: «Llevamos 3 días, estamos todavía en la primera fase. Tenemos 11 canciones nuevas que van a ser muy potentes.»
¿No llevas más canciones para descartarlas luego?
RB: «No, no, lo llevo siempre todo muy cerrado. Ufff… eso de componer 20 canciones es un disparate, me cuesta un montón.»
Y además con esa intensidad…
RB: «Razón de más. Si canciones puedes hacer con cuatro acordes, pero yo es que soy muy maniático…»
Háblanos de esas nuevas canciones.
RB: «‘La alegría de vivir’ está incorporada en el repertorio en directo desde hace tiempo. Hay 2 canciones que ya las tenía con el disco de ‘1971’, que fueron las últimas en salir y no entraron en el disco. Luego hay una canción que hemos hecho a medias Mikel Erentxun y yo, ‘Sé libre, sé mía’, letra mía y música de Mikel. Y después 8 nuevas. Están todas en la onda de ‘1971’. Este disco lo he hecho más rápido, hasta ahora me llevaba casi 5 años hacer un disco, pero -aun así- creo que éste va a ser definitivo.»
¿Será un disco continuista?
RB: «Sí, pero será quizás más afrancesado. Hay como 4 valses -aunque yo no sabía que eran valses hasta que Joserra Senperena me lo dijo, claro- un poco al estilo de Jacques Brel.»
Eres un gran apasionado de los cantantes franceses, ¿cuáles son tus favoritos?
RB: «Barbara me parece la mejor. Mejor incluso que Brel, que puede acabar siendo muy teatral y engolado. Aznavour también es grandísimo, me encanta. De Gainsbourg, aunque participé en un disco de versiones suyas en euskera, no te creas que conozco tanto su obra. Eso sí, para la próxima vez ya prometo alejarme de esto y hacer un disco de rock.»
Sí, porque en algunos conciertos te hemos visto hacer algunas versiones más rock de las canciones de ‘1971’…
RB: «Al principio lo presenté en formato trío, más próximo al sonido del disco, con piano, viola y guitarra, pero últimamente estoy girando solo en plan cantautor, que es muy cómodo.»
Un formato que te permite recitar, que es algo que te encanta, ¿no?
RB: «Sí, realmente me gusta más que cantar. Precisamente acabo de estrenar en San Sebastián -dos días antes de venir a Madrid- ‘Phantasma’, un proyecto con Maite Arroitajauregi (Mursego) que consta de trece números recitados. Lo presentamos en la última edición del Homeless Festival en un teatro maravilloso de un seminario fantasmagórico. Maite toca la loop station sobre textos recitados, un piano Bontempi de juguete, una melódica y, sobre todo, el chelo y yo la guitarra eléctrica. Todo con unas videoproyecciones con nuestros propios «fantasmas»… bueno no voy a decir más. Es una cosa muy arty, muy neoyorkina.»
¿Vais a mover este proyecto, ‘Phantasma’?
RB: «Sí, esto fue como un preestreno, en otoño queremos girar y, a ser posible, traerlo a Madrid. Eso va a generar un pequeño conflicto con la salida del nuevo disco, pero voy a intentar retrasar un poco el disco para poder salir a girar con ‘Phantasma’.»
¿Y también vais a grabarlo?
RB: «No, es sólo para escenarios, no queremos grabarlo. Es más un espectáculo, diría que de terror… pero es más una misa nihilista que otra cosa.»
Entonces, ¿te consideras más músico o letrista?
RB: «Creo que no conviene ser buen letrista. Cuesta mucho hacer la música, tanto como la letra, y si eres muy buen letrista nadie se acuerda luego de ella. Muchas poesías musicadas no funcionan en absoluto. Jamás diré que hago poesía, hago canciones.»
Pero, por ejemplo, a Leonard Cohen se le considera poeta…
RB: «Ya, pero tiene grandes melodías… Bueno, más que melodías, tiene grandes tonos. Sobre todo es eso, el tono. El caso de Cohen no es el mismo que el de Brassens, más poeta que otra cosa, por ejemplo.»
El cambio a ritmo de vals en ‘Las mujeres de este mundo’ recuerda bastante al Cohen de discos como ‘I’m your man’, ese es el tono al que te refieres, ¿no?
RB: «Sí, ése es un arreglo de Joserra.»
Joserra Senperena: «Y el de ‘Mis Amigos’ es de Rafa. Músicalmente pasan muchas cosas. Como normalmente en el pop a las letras no se le dan importancia por eso llama la atención, pero son las dos cosas.»
RB: «Yo primero hago las letras, pero hasta que no encuentro la música que encaja perfectamente no paro, no me conformo.»
Respecto a letras, es complicado ver una carga referencial tan grande como ‘El amor es una cosa rara’, con los homenajes claros a -entre otros- Miguel Hernández, Gabriela Mistral o Fernando Pessoa.
RB: «Sí, esa canción en concreto es un acertijo de poetas.»
Pero en ‘Mis amigos’ acudes al “spleen” baudeleriano… ¿No te da miedo que cosas como esas se entiendan y se pierda parte de tu universo referencial?
RB: «Me da igual, yo escribo para mis amigos. Esa canción yo la escribí pensando especialmente en Diego Vasallo.»
La mayoría de lectores de esta web sólo conocerán a Diego Vasallo por Duncan Dhu.
RB: «Diego es mi amigo. Tiene una carrera admirable, interesantísima, sabiendo muy bien lo que quiere. Pero Joserra lo conoce de mucho antes y lleva colaborando con él desde hace muchos años. Musicalmente estamos en el mismo tipo de canciones. Nos une el uso de valses, la importancia de las letras… He cantado ‘La vida mata’ de Diego y la siento como mía.»
JS: «Pero yo creo que musicalmente sois muy diferentes, Diego es más sencillo, y, además, sus canciones no tienen ni rastro de humor, es negro como el carbón.»
RB: «Yo creo que sí que se ríe algo de sí mismo, de una cierta decrepitud, una especie de regodeo de la decadencia.»
¿Y el disco de Diego Vasallo con Roger Wolfe?
RB: «Ese disco es una clara influencia para el proyecto de «Phantasma». Cuando yo vi recitar a Roger Wolfe dije: «esto es lo que yo quiero hacer».»
Hablando de gente de la escena de San Sebastián, como Diego Vasallo… A UHF, tu primer grupo a principios de los 80, se le considera Donosti Sound. Para la mayoría de la gente de nuestra generación, Donosti Sound es La Buena Vida, Le Mans…
RB: «Eso es el segundo Donosti Sound, casi con más repercusión. Son cosas distintas aunque no tenemos nada en contra. Yo admiro mucho a Ibon Errazkin desde Aventuras de Kirlian, por ejemplo. Eran muy frescos, como lo que hacíamos nosotros pero en bueno. El primer Donosti Sound coincide con la movida madrileña, la transición y esas «pequeñas movidas» que hubo por toda España. A nosotros nos influenciaba tanto la nueva ola como el punk. La etiqueta la inventó Santi Ugarte (Santi Records) en el 79 u 80.»
¿Y qué pasó con ese movimiento?
RB: «Es un tema delicado. Veníamos de los cantautores protesta vascos y el rock sinfónico, a los que despreciábamos. Nosotros fuimos como un relámpago pop entre eso y el rock radical vasco, que arrasó con todo. Pero nosotros cantábamos en español, llevábamos los pelos de colores, nos perdía la imagen, estábamos en otra movida muy diferente al rock radical, que era más político y a mí particularmente me horrorizaba. Duncan Dhu era una cosa un poco diferente, algo posterior, pero provenía de ese primer Donosti Sound.»
Pero tú eras punk, ¿no?
RB: «Sí, pero no me interesa el punk político del rock radical. Lo más punk que hay para mí es la Velvet. Es mi influencia más importante. En Amor a Traición estábamos especialmente obsesionados con Lou Reed, por ejemplo. Les he visto en directo incluso, en París en el 93… aunque ahora ya no puedo escucharlos, me da una pereza horrible.»
¿Y después, desde UHF hasta ‘1971’?
RB: «Nos hicieron luz de gas. Estuve todos los años 80 en la sombra en locales de ensayo mientras que el rock radical de expandía. En San Sebastián -una isla con respecto a la provincia- siempre se ha hecho pop, pero no se le prestaba atención. O, si se le hacía algo de caso, era desde Madrid. Y me da rabia porque en los 80 monté Amor a Traición y teníamos un repertorio cojonudo.
En el 91 me grabaron mi primer disco, con Amor a Traición y en el 94 saco ‘Una canción de mala muerte’. Sigue llamándose Amor a Traición pero no está el guitarrista. Aquí conozco a Diego Vasallo que financia el disco a través de su discográfica Galerna.
En el 99 grabo ‘Planes de fuga’ bajo el nombre de Deriva, con el sello valenciano Criminal Records. Yo creía que ya tenía por fin una compañía, pero el dueño desapareció para siempre, dejó todas sus cosas, su familia y se esfumó para siempre. Sólo se sabe que está vivo.»
Ya y el disco se llamaba ‘Planes de fuga’…
RB: «No existen copias, es un disco muy raro. Lo produjo mi buen amigo Iñaki de Lucas (productor de La Buena Vida, por ejemplo) que por entonces se había comprado unos aparatos digitales y quería probarlos a toda costa. Así que acabamos haciendo una cosa así con máquinas, samples, efectos con la voz, rollo trance… como electro rock.
Luego ya ‘Harresilanda’ en 2005 y también bajo el nombre de Deriva y con Iñaki de Lucas. Pero ya mucho más orgánico, como un precedente de ‘1971’. Me junto con Joserra Senperena y me anima mucho a componer, haciendo que trabaje de manera más sistematizada. Joserra es un músico de partitura que entiende el lenguaje del rock. En el País Vasco este disco tuvo algo de éxito e hicimos un videoclip de ‘Algo delicado y difícil’. Este disco lo compuse en una caravana.»
¡Una caravana!
RB: «Más o menos, de 2000 a 2005 estuve viviendo en una «mobile home» en mitad de la nada, sin buzón ni nada. La verdad es que me gusta vivir en sitios raros. Antes estuve cuatro años viviendo en un despacho de abogados. Una habitación de oficina con todo eléctrico, con el baño en el pasillo…»
Esas aventuras nos recuerdan a lo que comentaste alguna vez que de provenías de una familia de gitanos vascos…
RB: «Sí, la familia de mi padre eran gitanos vascos, errabundos, y hablaban erromintxela, una especie de mezcla de romaní y euskera. Mi hermano es periodista y estuvo unos años investigando el tema. Mis padres vivían en París, porque en la familia de mi madre emigraron todos allí, pero regresaron cuando nació mi hermano.»
¿Tu hermano se puede considerar tu pigmalión?
RB: «Sí, desde luego. Mi hermano es poeta secreto, que no publica, y escribió algunas letras de Amor a Traición. Ahora no emite ningún juicio, ni bueno ni malo, sobre mi música. Yo creo que no le gusta.»
Y después de ‘Harresilanda’ ya llega ‘1971’, con tu nombre.
RB: «Me lo tomé más en serio gracias a Joserra. Me ha sorprendido que le haya gustado a generaciones posteriores. Me parece muy gracioso que salga en un sitio como JENESAISPOP cuando yo mismo me considero un carroza que no está al día de nada.»
Justamente respecto a tus influencias, ¿nos hemos dejado algo?
RB: «Bob Dylan también me gusta muchísimo. Y me gusta escuchar Radio Clásica. Pero no soy muy de influencias, tengo unas lagunas enormes, escucho muy poquita cosa. Y de unos años a esta parte no escucho nada. Me encanta oír hablar a Joserra Senperena y Diego Vasallo porque siempre están a la última y tienen una cultura musical enorme, de antes y de ahora, pero yo no conozco nada.
Además en mi casa estoy condenado a no escuchar música, estoy escribiendo letras y si pongo música me despisto. Creo que no conviene componer muy influenciado por otras cosas, yo prefiero seguir una línea personal. Y reconozco que si escucho algo muy bueno, me desmoralizo un poco.»
¿Vives profesionalmente de la música?
RB: «¡No! Bueno este año vivo un poco mejor pero yo siempre he sido ama de casa. También es que soy muy sobrio, siempre al borde de la bohemia. Ahora vivo en una buhardilla en San Sebastián que perteneció a mi abuela.»
¿Qué te gusta más componer, grabar o actuar en directo?
RB: «Actuar me trastorna mucho, me da pereza, por lo que no toco casi nada, aunque a veces te lo pasas bien. Grabar me gusta mucho, el sonido, ver cómo se va construyendo un disco. Pero creo que lo más bonito del oficio es estar tú solo en el local de ensayo… es la creación pura. Aunque todo es angustioso, eh.»
Tu disco se ha agotado y tu discográfica Warner no lo reedita ¿cómo ves la industria musical?
RB: «No me parece mal que todo se haya convertido en algo más amateur. Como yo nunca me he sentido músico ni del oficio ni nada… siempre he estado como al margen, me financio mis propios discos y cobro una miseria de Autores. A mí la situación actual me parece lo normal. Entiendo que la gente profesional se queje muchísimo y acusen la crisis pero a mí lo cierto es que no me afecta porque nunca me he dedicado profesionalmente a esto, cosa que -aparte- debe de ser horroroso. La verdad es que yo siempre he compuesto con el único objetivo de impresionar a mujeres y complacer a mis amigos. » Carlos Úbeda y Angèle Leciel
Los amantes de la electrónica, el house y el electropop tienen una cita este fin de semana en la sala Razzmatazz. La nueva edición de This Is Hardcore reúne a nombres consagrados de la electrónica como Boys Noize –que está de celebración con el séptimo aniversario de su sello Boysnoize Records- Breakbot o Para One.
Breakbot y Victor Aime, ambos del sello Ed Banger, nos ofrecerán una muestra de lo que suena en el país vecino. En una de estas fiestas nunca puede faltar el electropop. De eso saben bastante Punks Jump Up con sus remezclas para artistas como Gossip, Lykke Li o Digitalism. Filthy Dukes, Baio (miembro de Vampire Weekend) o Clock Opera harán el resto. Esta es la estupenda ‘1 Out Of 2’ de Breakbot.
Tampoco el sábado 16 habría que perder de vista a Light Asylum, cerca del techno épico y clásico (Yazoo, Ultravox) con voz de barítono. Recientemente ha colaborado con Matias Aguayo. This Is Hardcore se celebra a lo largo de todo este fin de semana en Barcelona.
El mercado del streaming despunta cada vez más, en parte gracias al éxito de algunas plataformas que han llevado a este formato a ser uno de los más populares en la era en la que todo lo hacemos por Internet. Muchos usuarios ya no se plantean siquiera descargar música, porque la pueden encontrar en la mayor parte de estas plataformas, y con el beneplácito de la industria. Biit es una de las aplicaciones que ha entrado en este juego, con una clara diferencia con respecto a las demás: es de factura española. Tras siete meses de vida y haber alcanzado casi un millón de descargas, la empresa ha decidido remozar la aplicación y abrazar un modelo de negocio diferente: desaparece la publicidad por completo y sus usuarios pasarán a un modelo freemium similar al de otras plataformas del mercado, en el que el servicio es gratuito pero puede mejorarse a cambio de un módico precio. Hablamos con Carlos de Otto, David Cano y Vicente García (Fundador, Director de Contenido y Responsable de Comunicación, respectivamente) sobre el mercado de la música, su industria y el papel del streaming en el presente y futuro de nuestra experiencia musical.
¿Pasa el futuro de la música necesariamente por el streaming?
Existen formas diferentes de disfrutar de la música, y es necesario diferenciar el instrumento del fin en sí mismo. El fin es escuchar música, lo más variada posible y en todo tipo de formatos, y para eso el streaming es un instrumento más. Desde el punto de vista de negocio, no obstante, no se puede salvar un negocio que ha desaparecido, que es el que existía en los ’90. Se vendía mucho de un producto con unos márgenes tremendos, y ahora estamos viviendo un cambio profundo que afecta a todos los aspectos. Un ejemplo son los contratos 360, que incluyen venta de entradas, discos, merchandising… El problema al que nos enfrentamos es que la industria de la música no ve que las plataformas de streaming sean equiparables al nivel de ingresos del formato físico.
¿Y cómo ha sido vuestra relación con las discográficas? ¿Cordial o una tortura?
Para nosotros no deja de ser una relación con un proveedor: ellos nos surten de contenido. Pero esta relación tiene algunas peculiaridades, porque son pocos y están asociados por lo que tienen condiciones de partida con las que hay que jugar. La cuestión es que hay un debate en la calle que se ha complementado con algunos problemas de comunicación que no han hecho sino amplificarlo.
¿Qué es lo más importante para el cliente de Biit desde que se baja la aplicación?
Tener siempre sus temazos. Buscamos que, cuando alguien arranca la aplicación y escucha una canción, las siguientes le satisfagan.
La retirada de la publicidad, ¿viene propiciada por las quejas de los usuarios o porque el usuario está dispuesto a pagar por eliminarla?
La respuesta ideal sería que el usuario está dispuesto a pagar por el servicio, aunque siempre hay otros motivos. Vivir de la publicidad es complicado y encima al usuario le molesta, por lo que pensamos que era mejor no molestar a la mayoría con algo que no gusta, que no se valora.
¿Ha cambiado el modo de consumir música? Al fin y al cabo vuestra aplicación se centra más en canciones que en álbumes completos…
Absolutamente, pero ese es un cambio que lleva en el mercado alrededor de una década. Desde que aparece Napster y la música se digitaliza, la unidad de consumo mínima se convierte en la canción. Aunque esto es nuevo para España, porque en otros países el mercado del single tiene mucho éxito.
Definidme en una palabra el catálogo de Biit.
Ecléctico.
¿Cuál es el proceso que seguís para incluir una canción o un artista?
Tenemos algunas fuentes: desde listas hasta publicaciones de todo tipo, pasando por los charts internacionales. Siempre intentamos ir de lo más nicho o lo más independiente a lo más mainstream, por lo que no podemos olvidar tampoco algunas revistas adolescentes, que pueden llegar a ser parte de nuestro público con potencial. Hay que hacer un trabajo importante a la hora de liberarte de prejuicios, ir más allá del gusto personal, porque algunas canciones sabes que tienen que estar.
¿Y en qué os basáis para crear un canal?
En los géneros que más se consumen, pensando en un público que va desde los 15 hasta los 25-30 años de media (aunque tenemos usuarios de todas las edades). Básicamente intentamos afinar, pero también arriesgarnos un poco de cuando en cuando, que es importante.
¿Hay bandas independientes (en el estricto sentido de la palabra) en Biit?
Sí, claro. Basta con que nos contacten y nos envíen el material en el formato que precisamos. Nos llega de todo, y buscamos que nuestro catálogo sea útil y tenga sentido, por lo que a veces tenemos que hacer una pequeña selección.
¿Y cómo funciona la remuneración de los artistas?
En realidad esta remuneración la gestionan las discográficas, las entidades de gestión y la SGAE. Nosotros pagamos de manera agregada, y en función de los diferentes acuerdos de cada artista con las entidades de gestión y las discográficas, ellos se reparten el total, aunque nosotros desconocemos en qué porcentajes. Nuestro trabajo acaba después de informar de la música que se escucha para pagar acorde con nuestra licencia.
Claro que, si realmente los servicios de música en streaming se instalasen, sustituyendo a todas las demás formas de consumir música y el artista pudiese vivir de eso y de los conciertos, podrían acceder directamente al servicio, o a través de una entidad de gestión, desapareciendo la discográfica. Pero entonces la promoción se la tendrían que hacer otros, porque la realidad es esta: las discográficas siguen jugando un papel importante en el mercado porque son las únicas que siguen apostando por artistas nuevos.
Gracias a Dios, hemos tenido la suerte de ver a Elizabeth Fraser actuar en directo, por ejemplo como acompañante de Massive Attack. Pero ahora la mítica voz de Cocteau Twins ha anunciado el que será su primer concierto desde 1998. Según el NME, presentará nuevo material (sin fecha de edición), así como reinterpretaciones de canciones de Cocteau Twins, el próximo sábado 4 de agosto en Bath Pavillion. Este show será un calentamiento de las dos noches que tiene vendidas en el Royal Albert Hall más adelante en agosto, como parte del festival Meltdown, diseñado por Antony Hegarty.
Como Elephant, como AlunaGeorge, Alpines es un dúo británico mixto que mezcla canciones abiertamente pop y electrónica más o menos actual. En este último caso, Catherine Pockson y Bob Matthews apuestan por la elegancia y la sofisticación como seña de identidad, haciendo brillar la personal voz de ella (cuyos gorgoritos recuerdan claramente a los de Florence Welch) en unas canciones con cierta tendencia a lo épico en las que encontramos esa electrónica ligera y sugerente que The xx hicieron exitosa. En ‘Cocoon’, además, aportaban unos breakbeats que la hacían realmente interesante.
Después de un EP de colaboraciones con productores como Hoax, Dark Sky y Maya Jane Coles, esta misma semana han publicado su nuevo single, ‘Empire’, en el que acentúan con percusiones esa vertiente pomposa y adoptan una imagen neo-étnica entre Niki And The Dove y el folklore búlgaro que, la verdad, no sabemos bien a dónde llevará. De momento no se ha concretado la edición de un álbum de debut que, suponemos, no tardará mucho en llegar.
St Vincent y David Byrne ya habían avanzado que tramaban algo juntos. Ese algo juntos se materializará en forma de disco colaborativo el próximo 11 de septiembre. Se llamará ‘Love This Giant’ y de momento puede descargarse gratis la estupenda ‘Who’, más cerca de él que de ella (melódicamente es bastante Talking Heads, incluso un poco ‘Burning Down The House’), y de algunas producciones de Matthew Herbert Band. No sorprende nada que The Dap-Kings estén también en otra pista, ¿verdad?
Hay gira conjunta en octubre por Estados Unidos, por lo que un San Miguel Primavera Club pegaría mil.
1.-Who
2.-Weekend in the Dust
3.-Dinner For Two
4.-Ice Age
5.-I Am An Ape
6.-The Forest Awakes
7.-I Should Watch TV
8.-Lazarus
9.-Optimist
10.-Lightning
11.-The One Who Broke Your Heart (feat. The Dap-Kings and Antibalas)
12.-Outside of Space & Time
St Vincent actúa el 20 de junio en Barcelona, el 21 en Donosti y el 22 en el Día de la Música en Madrid.
Tras el single ‘Gun Has No Trigger‘, del que se estrenó un vídeo recientemente, Dirty Projectors avanzan otro tema más de su nuevo álbum, ‘Swing Lo Magellan’, a la venta el 9 de julio. Se trata de ‘Dance For You’, un corte menos bailable de lo que avanza su título pero también prometedor en su conjugación de sus típicas guitarras, programaciones electrónicas y unas deliciosas cuerdas que brillan en la segunda mitad de la canción.
Best Coast no se rinden a pesar de que el hype en torno a la banda parece haberse desinflado un poco desde su debut. Su nuevo paso es un vídeo bastante payasete para el tema titular de su último álbum, ‘The Only Place‘. Incluye sandías, cheerleaders, televisores rotos por estrellas del rock y, por supuesto, sol, mucho sol…
En la primera entrevista que concedieron los dos Beastie Boys restantes tras la trágica muerte de Adam Yauch, contaban que Adam había querido grabar semanas antes de su fallecimiento. Es de suponer que ese material algún día verá la luz, pues para eso se grabó. Pero hay más. Mario C, productor del grupo durante los 90, desde ‘Paul’s Boutique’ (1989) hasta ‘Hello Nasty’ (1998), ha concedido una entrevista al NME en la que habla sobre el material inédito correspondiente a aquella época.
«Hay mucho material extra de cada disco aparte de ‘Paul’s Boutique’. De hecho he revisado hace poco algunas cosas que no fueron utilizadas para ‘Hello Nasty’ y definitivamente hay dos o tres pistas que no se utilizaron que podrían ser utilizadas», aclara. Sobre cuándo sería eso, no hay noticia, pero Mario C cree que todavía es «demasiado pronto» y que hay que esperar. No cree que sea en un futuro cercano.
Hace unos días Pet Shop Boys dieron a conocer una de las canciones de ‘Elysium’, el nuevo disco que sacarán en otoño, pero si no te satisfizo, hay esperanza. Según This Is Not Retro, que a su vez cita a la famosa revista Music Week, el dúo editará el primer single verdadero, el día 6 de agosto. Se llamará ‘Winner’. De momento os dejamos de nuevo con ‘Invisible’.
Por increíble que parezca, ‘Liquorice’ es sólo el segundo videoclip de Azealia Banks tras pegar el pelotazo con ‘212’. Pero todo lo que en aquel era sencillez y encanto, en esta ocasión es sofisticación y presupuesto. Rodado por Rankin y con estilismo de Nicola Formichetti, conocido por su trabajo junto a Lady Gaga (Azealia ha roto hace poco de manera amistosa con el mánager que compartían), el clip adopta la estética del western y se llena de banderas de los EE UU y referencias sexuales. A pesar de una Azealia estilizada al máximo y explotando su lado sexy, el clip no alcanza el nivel icónico de su clip de debut. Y eso que unos cuantos planos míticos sueltos tiene.
Os recordamos que Azealia Banks actúa en breve en el Día de la Música de Madrid.
Con sus dos magníficos álbumes previos a este, ‘Shallow Grave’ y ‘The Wild Hunt‘, el sueco Kristian Matsson, El Hombre Más Alto Del Mundo, hacía valer esa premisa que dice que si una canción es buena, es capaz de defenderse solo con una guitarra y una voz. Con tan raquítico ejército, The Tallest Man On Earth supone una propuesta quizá un poco loca en estos tiempos en los que los productores son casi estrellas del pop. Aunque en su nuevo álbum, ‘There’s No Leaving Now’, es cierto que Matsson se esfuerza por ampliar sus medios y dar más riqueza en el estudio, a través de suaves baterías, teclados y guitarras que doblan a la rítmica, nunca traiciona su espíritu: todas estas canciones tienen la calidad necesaria para poder ser interpretadas en vivo a pecho descubierto, solo con su personal voz y su finger-picking.
Como decía, en este su tercer álbum (especialmente en su primera parte), The Tallest Man On Earth obra la irrupción de distintas capas de guitarras, percusiones, teclados, y hasta alguna flauta ocasional, en canciones como ‘To Just Grow Away’, ‘Revelation Blues’ o el single ‘1904‘. Sin embargo, aunque embellecen las canciones, estos arreglos no son cruciales en el resultado final: lo que al final destaca es el hueso, melodías arrebatadoras y poderosas, preciosas. La prueba es que la diferencia entre los cortes mencionados y otros más austeros, como ‘Leading Me Now’, ‘Wind And Walls’, ‘On Every Page’, ‘There’s No Leaving Now’ o ‘Bright Lanterns’ es nimia. El efecto emocional de todos, incluso aunque la mayoría de las veces su enrevesada poesía resulte inaccesible, es muy similar: conmueven irremediablemente. Solo cabe, quizá, apuntar a cierta reiteración en temas como ‘Criminals’ o ‘Little Brother’ que, aunque son bonitos, pecan de predecibles y desgastan un poco el conjunto.
Por más que le moleste, su color de voz y su paleta de acordes folk, le volverán a reportar nuevas (y justas) comparaciones con Robert Zimmerman. Sin embargo, además de lo injusto que resulta ignorar la fuerte influencia en su música de otros autores como Nick Drake o Harry Nilsson, su espartano y genuino posicionamiento estético es realmente loable, conformando una propuesta que este disco consolida de manera exquisita. No resultará raro que alguien pueda escuchar este álbum (con un título que remite directamente a un cambio de actitud vital, a un enfrentamiento a las dificultades contrapuesto al escapismo de viejas canciones) y le resulte indiferente. La propuesta de un simple tipo cantando y tocando una guitarra es indudablemente manida. Pero la apropiada atención revela que Matsson no es otro más, porque pocos logran alcanzar la magia para estremecernos como lo hace The Tallest Man On Earth.
Calificación: 7,7/10 Lo mejor: ‘1904’, ‘Revelation Blues’, ‘Bright Lanterns’, ‘Leading Me Now’. Te gustará si te gusta: Laura Marling, Josh Ritter, Nick Drake. Escúchalo: Spotify
El Low Cost está a punto de cerrar el plazo de inscripción para su concurso de bandas maqueteras, patrocinado por Budweiser. El premio es tocar en el escenario principal del festival, el mismo de Placebo, Suede o Kasabian. En ediciones anteriores ganaron Varry Brava (edición 2010) y Modelo de Respuesta Polar (edición 2011)
La inscripción es a partir de un «me gusta» en el Facebook de Budweiser. A partir del sábado 16 de junio comienza la fase de votación pública. Entre los inscritos están Francis White, Helsinki y Niño Burbuja, entre otros.
Kiko Rivera, que hace poco alcanzó el top 10 de ventas en España con su single ‘Quítate el top’, acudió anoche a ‘Gran Hermano. La Revuelta’ para presentar su tema para la selección española de fútbol.
Toda esta puesta en escena tan «loser» para una canción irónicamente llamada ‘Victory’ le pareció bien a Mercedes Milá, más que acostumbrada a la peor selección musical posible de la televisión, la que suele llevar su programa. Sin embargo, el playback, no. En su posterior visita a plató, la tomó con Kiko Rivera por «no cantar en directo». Bastante humillante.
Kiko Rivera no supo contestarle en el momento, pero hoy ha tomado su Twitter para recordarle a Mercedes Milá que él no es cantante sino DJ y que en la televisión normalmente las actuaciones son en playback. En estos momentos el tema es top 27 en iTunes España, gracias a la promoción recibida en el programa.
Buenos dias amigos decir que estoy un poco disgustado con lo que paso anoche y acalarar a la presentadora de gh que yo no soy cantante.
El cine de Wes Anderson siempre ha levantado sospechas entre la crítica. Demasiado excéntrico, demasiado preciosista, demasiado modernete para tomarlo en serio. “¿Revelación o timo?” pensaron los pocos que descubrieron (en DVD, aquí no se estrenó) ‘Academia Rushmore’ (1998). “¿Moda pasajera o talento duradero?” debatieron los que vieron la exitosa ‘Los Tenenbaums. Una familia de genios’ (2001). ‘Life Aquatic’ (2004), ‘Viaje a Darjeeling’ (2007) y ‘Fantástico Sr. Fox’ (2009) no despejaron las dudas: el cine de Anderson contenía toneladas de personal poesía, sí, pero atrapadas en una red de rígido, asfixiante formalismo.
Hasta hoy. Igual que la tormenta que barre la isla donde se desarrolla ‘Moonrise Kingdom’, la arquitectura esteticista de la nueva película de Anderson por fin se agrieta. Las goteras aparecen en forma de exacerbado romanticismo, angustia “peterpanesca” y nostalgia pop. Sus principales rasgos estilísticos siguen intactos, pero están mejor engarzados narrativamente que nunca. El uso expresivo de los colores, el gusto por los uniformes retro (aquí el de los scouts), la imagen icónica de Jacques Cousteau, las largas panorámicas y travellings y, por supuesto, la utilización de las canciones (Anderson es el único que podría competir con Tarantino como dj cinematográfico), carecen del subrayado exhibicionista de otras películas. No están por encima del argumento, sino a la misma altura del algo irregular guión escrito junto a Roman Coppola.
Por ejemplo, cuando los niños protagonistas bailan la maravillosa ‘Le Temps de l’Amour’ de Françoise Hardy, la acción dramática no desaparece bajo las notas de la canción. Al contrario, la dotan de significado y se elevan juntas dando lugar a una de las escenas de amor más poéticas e inolvidables del cine reciente. Y así con todo. Las canciones de Hank Williams que escucha el personaje de Bruce Willis sirven para caracterizarlo y transmitir la enorme tristeza que lleva consigo. Los objetos que porta la niña protagonista –el tocadiscos portátil, los prismáticos, los libros de aventuras- no son simples fetichismos vintage, son artículos poéticos con una significativa función dramática.
Con ecos de Salinger y retórica de relato de aventuras a lo Enid Blyton, ‘Moonrise Kingdom’ es una película sobre adultos infantiles y niños maduros, sobre el enfrentamiento entre dos formas de ver el mundo: la romántica y la cínica, la soñadora y la desencantada. Pero, sobre todo, la última película de Wes Anderson es una evocadora mirada al recuerdo de las emociones vividas por el primer amor. Una conmovedora fábula romántica, teñida de color mostaza y humor amargo, que nace de una simple pregunta: “¿qué sensación tuviste la primera vez que te enamoraste?” 8,5.
Titular facilongo para el nuevo invento de Milton de Dënver, uno de los grupos chilenos más exitosos en nuestro país. Con su proyecto Nueva Orleans, acaba de estrenar en Club Fonograma una canción nueva llamada ‘Mediterráneo’, anticipo del que será su primer lanzamiento. Más nihilismo rodeado de temática evidentemente marina (¿recordáis ‘Olas gigantes‘?), con la voz invitada de varias ballenas y sonidos entre el synthpop y el trance, que juegan tanto con los 80 como con los 90.
En una sesión realizada en exclusiva para The Guardian, Sarah Cracknell de Saint Etienne (sin los chicos) ha estrenado una canción que de momento se llama ‘Jan Leeming’, pero que cuando encuentre su edición oficial en la versión americana de ‘Words & Music‘, tendrá un nombre de verdad. El tema ha sido escrito junto a Debsey Wykes (Dolly Mixture), que les hace coros en directo, y demuestra de nuevo que el grupo se mueve mejor en las distancias cortas.
Si el otro día comentábamos que Nelly Furtado había hecho otro videoclip para su último single, ahora es Avicii quien hace lo mismo. Ya conocíamos el 
En los primeros 80, el funk y el disco ya no eran patrimonio de los negros y muchas bandas blancas lo usaban como aderezo en propuestas más o menos arriesgadas que dieron origen a la new wave y a su lado oscuro, la no wave neoyorquina. Bandas como Liquid Liquid, The Flying Lizards, The Waitresses, James Chance & The Contortions, Tom Tom Club o ESG (estas sí eran negras) se salían por la tangente o hacían directos temas pop, pero siempre con las hoy clásicas escalas de bajo funky. El grupo de Brooklyn 
Rafael Berrio es probablemente uno de los autores más interesantes que ha dado el pop del País Vasco. Pionero del original «Donosti Sound» con UHF, continuó su carrera con los proyectos Amor a Traición y Deriva. La gran sorpresa llega con ‘
El mercado del streaming despunta cada vez más, en parte gracias al éxito de algunas plataformas que han llevado a este formato a ser uno de los más populares en la era en la que todo lo hacemos por Internet. Muchos usuarios ya no se plantean siquiera descargar música, porque la pueden encontrar en la mayor parte de estas plataformas, y con el beneplácito de la industria. Biit es una de las aplicaciones que ha entrado en este juego, con una clara diferencia con respecto a las demás: es de factura española. Tras siete meses de vida y haber alcanzado casi un millón de descargas, la empresa ha decidido remozar la aplicación y abrazar un modelo de negocio diferente: desaparece la publicidad por completo y sus usuarios pasarán a un modelo freemium similar al de otras plataformas del mercado, en el que el servicio es gratuito pero puede mejorarse a cambio de un módico precio. Hablamos con Carlos de Otto, David Cano y Vicente García (Fundador, Director de Contenido y Responsable de Comunicación, respectivamente) sobre el mercado de la música, su industria y el papel del streaming en el presente y futuro de nuestra experiencia musical.
St Vincent y David Byrne 
Tras el single ‘
Best Coast no se rinden a pesar de que el hype en torno a la banda parece haberse desinflado un poco desde 
Por increíble que parezca, ‘Liquorice’ es sólo el segundo videoclip de Azealia Banks tras pegar el pelotazo con ‘
Con sus dos magníficos álbumes previos a este, ‘Shallow Grave’ y ‘
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