Primavera Sound ha publicado los esperados horarios de su edición de 2026, que se celebra del 3 al 7 de junio, concentrándose del 4 al 6 la programación principal en el Parc del Fòrum de Barcelona.
El horario del jueves 4 de junio revela que uno de los primeros cruces destacados llega entre Ravyn Lenae (19:35-20:35) y Geese (19:45-20:45). Después hay choque total a las 20:50, cuando coinciden exactamente Alex G (20:50–21:50) y Oklou (20:50-21:50).
Más tarde, Mac DeMarco (21:55–22:55) se solapa con el inicio de Massive Attack (22:05-23:20), aunque ambos dejan vía libre a Doja Cat (23:35-1:05).
Entre los primeros solapes del viernes 5 de junio se encuentra el de Ethel Cain (19:45-20:45) y Rilo Kiley (19:50–20:50), mientras Addison Rae (21:00-22:00) tocará casi a la vez que Ralphie Choo (20:55-21:55): apenas cinco minutos de diferencia.
El bloque central, para sorpresa de nadie, lo ocupa The Cure (22:15-00:45), que además se cruza parcialmente con Jade (00:30-1:30). El concierto de 2 horas y media de The Cure se come enteros los de Amaarae y Role Model. PinkPantheress actúa justo después de JADE, sin solapes, de 1:45 a 2:45.
El sábado 6 de junio los fans tendrán que elegir por la tarde entre ver a Grace Ives (18:10-18:55) o a Depresión Sonora (18:00-18:45). Por la noche, The xx (23:40-00:55) coincide en parte con Marina (00:40-1:40), y esta, a su vez, con Gorillaz (1:15-2:45). Los horarios completos están disponibles en la web del festival.
Alcalá Norte siguen presentando su segundo disco, que saldrá en septiembre de este año. Mientras se reservan la confirmación de título y fecha exacta, la banda madrileña lanza un segundo single que sigue al fantástico ‘El hombre planeta‘.
Si aquel tema se inspiraba en la vida de Paganini, resultando uno de los temas más inmediatos y pegadizos de Alcalá Norte, ‘Los llamados Pitagóricos’ parece ofrecer una faceta igual de explosiva en lo instrumental, pero con mayor enfoque en la narrativa.
‘Los llamados Pitagóricos’ cuenta en tono satírico la historia de la hermandad de los pitagóricos y su sistema de vida dedicado al ascetismo, la filosofía y la ciencia. El enfoque es puro Alcalá Norte, llevando una información culta al terreno callejero: “A cuestas con el féretro / y sus manías frikis”. Para Alcalá Norte, los pitagóricos “van como endiosados”, “pa ellos no hay churrasco” y “tampoco comen habas”.
Las menciones a Crotona, la antitierra y los forasteros mirones subrayan el trasfondo histórico a la par que satírico de la letra, mientras el estribillo es un resumen de todo lo expuesto. La insistencia en que «no visten de lana» es casi cómica.
En clave de puro synth punk muy en el estilo de Golpes Bajos, destaca la energía capturada en el crescendo de guitarras y teclados. En principio no tan destacado como single del próximo disco, sí ofrece más de lo que es Alcalá Norte en contenido.
Charli xcx ha inaugurado recientemente una nueva era con el lanzamiento de ‘Rock Music‘, un tema atrevido aunque corto, que no ha entusiasmado a su público. Charli planea ya el lanzamiento de un segundo single, ‘SS26’, que verá la luz este mismo jueves 21 de mayo. Las siglas de ‘SS26’ responden a la frase ‘Spring Summer 2026’ y su letra ya está disponible.
La ha publicado la propia Charli en su perfil de Substack, donde de vez en cuando comparte alguna reflexión en forma de artículo. El texto de ‘SS26’ parece una crítica irónica y distópica del mundo del entretenmiento y la sociedad contemporánea, llevando el concepto de ‘Rock Music’ más allá.
El texto, cargado de ironía, se sitúa en un contexto apocalíptico (“When the world is gonna end no hope for any of it”) para construir un retrato cínico del mundo contemporáneo y su obsesión con las celebridades, la fama y el culto a la imagen personal.
La letra incluye críticas a la superficialidad de la moda (“Yeah we’re walking on a runway that goes straight to hell”) y a la cultura de la cancelación (“I was hacked / It was taken out of context obviously”), así como a la lógica de la disculpa obligatoria publicada para salir del paso, representada en la banal imagen de una «disculpa escrita en el blog de notas del móvil».
Entre los versos más llamativos destaca aquel en el que la artista alude al uso de la identidad como herramienta de branding comercial (“Think my politics could work as a press strategy / And my heritage could give me quite the USP”), en una reflexión sobre cómo lo personal se convierte en estrategia de marketing. Aunque quizá el más destacado sea aquel en el que se afirma que ya «ni la música, el cine o la moda podrán salvarnos». Para Charli, no solo ha muerto la pista de baile, sino también la cultura misma. Charli, destripando el sistema desde dentro, este jueves.
Aqua, autores de uno de los hits más míticos de los años 90, ‘Barbie Girl’, que vivió una segunda vida en 2023 gracias al megaéxito de la película ‘Barbie’, han anunciado su separación en un emotivo comunicado en el que aseguran que prefieren poner fin a esta etapa ahora, “mientras los recuerdos siguen vivos y el amor por nuestra música, nuestra historia y entre nosotros también sigue vivo”.
La noticia llega apenas diez meses antes del 30º aniversario de ‘Barbie Girl’ y del fantástico álbum debut de Aqua, ‘Aquarium’, uno de los mejores discos de 1997. ¿Sorprenderán de repente con una gira del 30º aniversario, como hacen tantos grupos que se separan? Lo dudamos: para que eso quedara bien, quizá tendrían que haberse separado un poco antes.
Todo fan de Aqua recordará que esta no es, ni de lejos, la primera vez que el grupo se separa. Originalmente anunciaron su ruptura en 2001, un año después del lanzamiento de su segundo disco, ‘Aquarium’. Se reunieron en 2007, publicaron un grandes éxitos en 2009 y lanzaron su tercer álbum de estudio, ‘Megalomania’, en 2011.
Tras esa etapa, el grupo volvió a entrar en un periodo de inactividad, aunque ha continuado realizando actuaciones puntuales en años posteriores. El éxito de ‘Barbie’ de Greta Gerwig los volvió a reunir, llevándolos a entrar de nuevo en las listas de éxitos y a actuar en festivales españoles como el BRAVA Madrid. Su último concierto tuvo lugar en la India el año pasado.
“Después de muchos años increíbles, hemos decidido cerrar el capítulo de AQUA como banda en activo”, afirman los daneses en el comunicado sus tres integrantes actuales: René Dif, Søren Rasted y Lene Nystrøm. “AQUA ha sido una parte enormemente importante de nuestras vidas y, juntos, hemos tenido la oportunidad de vivir mucho más de lo que jamás nos atrevimos a soñar. Hemos viajado por el mundo innumerables veces, conocido a muchísimas personas maravillosas, cantado junto a millones de ustedes y compartido recuerdos que llevaremos con nosotros para siempre”.
‘Barbie Girl’ y su sátira de la vida artificial estadounidense se han convertido en uno de los himnos pop más perdurables de las últimas décadas. Aunque la canción fue relanzada en 2023 con un remix junto a Nicki Minaj e Ice Spice, el tema original sigue acumulando la mayor parte de las reproducciones en plataformas. Además, fue objeto de una famosa demanda por parte de Mattel que finalmente quedó en nada.
Pero ‘Barbie Girl’ no fue el único single destacado de su repertorio, que también incluyó hitazos como ‘Doctor Jones’ o ‘Turn Back Time’, temas más infravalorados como ‘Roses Are Red’ y otros igualmente recomendables como ‘Freaky Friday’, ‘Cartoon Heroes’ o ‘Around the World’, ya contenidos en su segundo álbum, ‘Aquarium’ (2000). Aquel fue tan solo el segundo disco de su carrera, que sumaría un tercer álbum once años después, ‘Megalomania’, mientras sus integrantes se centrarían en desarrollar proyectos en solitario.
Triángulo de Amor Bizarro lo han vuelto a hacer. Quiero decir que han vuelto a ocultar como «tracks» canciones de mayor potencial y accesibilidad que alguno de los singles de adelanto de un disco suyo.
Si bien ‘Mi catedral’ se presentaba con uno de sus sencillos más comerciales, un ‘Sacrificio‘ que recordaba a The Cure, después jugaban al despiste con ‘Pat a tranca’. Pero es ‘Odio a mi generación’ la grabación que puede ser tan coreada en sus conciertos -o casi- como ‘Barca quemada’, su «no single» más popular. Es nuestra Canción del Día hoy.
El tema repite hasta la saciedad «odio a todos los de mi generación», añadiendo autocrítica «odio a todos los que son como yo». En breve tendremos oportunidad de hablar con Triángulo de Amor Bizarro sobre esta canción, pero desde su nuevo sello Sonido Muchacho anticipan que este tema corresponde a su faz «más combativa», aclarando que «no es un ajuste de cuentas generacional», sino «una negativa a acomodarse». Concluyen: «la rabia no es postureo; es una forma de higiene».
En esa línea va la letra sobre «los cuatro amantes del rey» que «saben a quién obedecer». También habla de alguien que «roba el oro de los pobres», lo que podría tener que ver con las oligarquías y el poder de las redes sociales, en los últimos tiempos, ultraderechizadas.
En Infobae, Isa Cea hablaba también del machismo: «De mi generación lo que más odio es el machismo interiorizado, pero cuando digo «Odio a mi generación» es un sentimiento de ir contra lo que existe, sea la generación que sea. Es muy importante tener criterio propio y sentido común, para no acabar mal de la cabeza». En cuanto al batería Rafael Mallo, habla de «ir contra lo normativo y salirse de donde está todo el mundo».
‘Mi Catedral’ será el Disco de la Semana en JENESAISPOP y se presentará por todo el país. La gira incluye numerosos festivales y también muchas salas de Granada, Bilbao, Oviedo, Sevilla, Albacete, Murcia, Santiago, Vigo, Toledo, Málaga, Barcelona y Madrid. Detalles, en su página web.
El Festival de Eurovisión ha perdido varios millones de espectadores en su edición 2026. Además de la salida de países como España y Países Bajos, dada la presencia de Israel, su seguimiento se ha desplomado de manera significativa en lugares tan estratégicos como Francia y Reino Unido. También la audiencia caía un 14% en el directo de Youtube, pese a que era la única alternativa para públicos como el español.
RTVE ideó para este sábado un programa musical alternativo de casi 3 horas, coincidiendo con el Día Internacional de la Convivencia en Paz que le ha salido bien sólo en parte. La audiencia no ha respondido especialmente, pues el programa solo obtuvo un 9% de share, quedando por detrás de ‘La Voz Kids’ o incluso del cine de Cuatro, aunque al margen de los resultados comerciales, la decepción de la cadena pública fue artística.
Si algo da Eurovisión es espectáculo y eso es lo que se echó mucho de menos en la apuesta de RTVE. Sobre todo porque en la edición navideña de «La Casa de la Música», Amaia sirvió, con una presentación muy cuidada y visual de ‘Aralar’, que pensamos erróneamente que sería el punto de partida de este especial. Pero nada que ver. La mayoría de artistas, como Mónica Naranjo, Pablo López, Siloé o Mikel Erentxun, optó por una presentación muy austera, volcada en la voz o en la canción, y no tanto en el espectáculo televisivo. Hasta esa bestia escénica llamada Chanel apareció tumbada, rodeada de colores ocres -ahora que se acerca el verano-, para reivindicar su medio tiempo ‘Es tan fácil’. Puede ser su mejor tema en un par de años, pero al sustituto de Eurovisión le pedíamos al menos un par de trucos escénicos que nos sorprendieran.
Entre los pocos que apostaron por una escenografía mínimamente imaginativa, José Mercé a techo descubierto; Ultraligera, tirando de garaje y fieles a sus raíces; o Miranda!, que pasaron de ser entrevistados en un sofá a ofrecer un videoclip de ‘Despierto amándote’, en una versión sin bailamamá. También se anunció que los argentinos realizarán la canción oficial de la Vuelta Ciclista, sellando la relación directa entre la participación en Benidorm Fest y la promoción en la televisión pública.
En la línea de Miranda! también ofrecieron una suerte de videoclip editado, con imágenes de diferentes tomas, Naiara y Samurai Jay; y optaron por el playback, pese a la insistencia de Jesús Vázquez de que el programa premiaba la voz en directo e incluso la música en vivo, Fangoria, Camela y Abraham Mateo. Este, al menos, en un currado medley entre Bee Gees y un tema propio -‘Qué tal te va sin mí’- que está siendo una de las actuaciones más vistas en Youtube.
Las tímidas cifras de reproducciones en el visor de Google revelan también que al programa le ha faltado un poco de calle, apenas representada por Metrika y esa cámara que la sobrevolaba a lo loco durante ‘El taser de mamá’. Pero ninguno de los artistas en el top 10 de discos o singles actualmente en España pasó por ‘La Casa de la Música’.
Rosalía ni iba a donar una de las actuaciones de su gira, como sí ha hecho Guitarricadelafuente -en una actuación muy poco viva, ultraprocesada y tratada, sin rastro de la crudeza de sus conciertos-. Tampoco se ha conseguido a Quevedo, Aitana o Bad Gyal. Mirando quiénes han vendido más álbumes en los últimos meses en nuestro país, también se echó en falta a bandas como Sanguijuelas del Guadiana, Alcalá Norte, Viva Suecia o Carolina Durante, que acaban de llegar milagrosamente al disco de platino con su tercer álbum. Van 40.000 copias de ‘Elige tu propia aventura’: tenían que estar aquí sí o sí.
Como probablemente también Dani Fernández, Carlos Ares, Yerai Cortés, Rodrigo Cuevas, Barry B, Amaral o el grupo de plena actualidad, La Oreja de Van Gogh. ¿No querían repetir respecto a lo visto en Navidad? Pues digamos Leire Martínez.
Nunca puede llover a gusto de todos con la selección de 20 artistas de nuestro país, pero quizá el método de selección debió ser siempre quien presentara las actuaciones más apetecibles y curradas para el espectador de un sábado noche. No puede ser que ‘La Revuelta’, que es un programa diario, sea capaz de ofrecer mejores shows.
El programa se abrió con la efectista actuación de Manuel Carrasco, llena de disparos, de objetivo y significado difusos, pero al menos diferente y, acto seguido, no falló acompañado de solo un piano, Raphael con ‘Qué sabe nadie’. Después, destacaron más bien quienes optaron por realizar versiones que quienes quisieron promocionar material propio de manera muy sosa. Natalia Lacunza cantó por Rocío Dúrcal, Juanjo Bona por Nino Bravo, y Alba Morena hipnotizó con dos temas de Mecano y un violín. Una pena que desde la realización no se enteraran de que no se llama Alba Moreno. ¡Alba Moreno es otra artista!
Así que para valorar ‘La Casa de la Música’ -para un programa de música que se plantea-, más que sobre las actuaciones, lo mejor es volver sobre sus intenciones primeras. «Estamos muy orgullosos de la posición de España en este conflicto», soltaron La Plazuela en mitad de su canción, mientras que Ana Belén escogió ‘Solo le pido a Dios’. El presidente del gobierno posteaba esa misma noche el mensaje «Sólo le pido a Dios que la guerra no me sea indiferente», en clara referencia al genocidio en Gaza, y en la entrevista, Ana Belén reivindicó la necesidad de no apartar la vista del telediario: «Quiero que esa realidad me haga daño». Al menos en eso RTVE no nos ha fallado.
Supongo que ha llegado el momento de que hablemos de Ella Langley, ya que su éxito ‘Choosin’ Texas’ lo está petando muy fuertemente en Estados Unidos, eso sí, porque en España su nombre ni nos suena. No sé si esto dejará pronto de ser así o si, a sus 27 años, aún se atreverá a hacer un crossover hacia el pop de masas como hizo Taylor Swift. Sinceramente, no lo creo: Langley ahora mismo es algo parecido a la versión femenina de Morgan Wallen. Y la comparación no es casual: ambos han colaborado y son amigos.
La cosa es que Langley está rompiendo récords. ‘Choosin’ Texas’ acaba de sumar su décima semana en el número 1 en Estados Unidos; ninguna cantante femenina de country lo había logrado, ni siquiera Swift. ‘Be Her’, su otro gran éxito actual, ocupa el top 2, lo que significa que Langley firma los dos primeros puestos del Billboard Hot 100, una hazaña muy poco habitual. Y por segunda semana consecutiva.
El perfil de Langley es menos controvertido que el de Wallen, al menos. Aunque Langley es cristiana confesa y expresa su devoción por Jesús en entrevistas o intervenciones públicas, su profesión pública de la fe se mantiene sutil en las letras, que en ‘Choosin’ Texas’ recurren a los clichés más manidos del country (drinkin’ Jack, Hank tunes, the Memphis blues), y en ‘Be Her’ describe una identidad aspiracional de alguien que cuida a su familia, su fe y bebe con moderación.
El envoltorio instrumental es tradicionalmente country-pop y resulta tan agradable como anodino, puro easy listening country melodioso pero narrativamente poco inspirado. Ponemos la mano en el fuego en que las últimas propuestas de Kacey Musgraves o Kevin Morby son infinitamente más interesantes en forma y contenido.
Charli XCX y Lykke Li protagonizan las entradas más fuertes de la semana en el top de JENESAISPOP, aunque lo hacen fuera de los puestos de cabeza. Estos continúan tomados por Madonna (33% de los votos y 27% con otro tema), Lady Gaga con Doechii (21%) y Martin (19%). Otras entradas interesantes son las de Tori Amos y KNEECAP.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
“El cielo es un lugar en la Tierra y sé que va a doler si llego yo primero”, dice Kevin Morby en ‘Badlands’, la emocionante apertura de su octavo álbum, ‘Little Wide Open’, producido por Aaron Dessner. El cantautor cierra su trilogía sobre el centro de Estados Unidos (compuesta por ‘Sundowner’ y ‘This Is a Photograph’) habiendo alcanzado un estado de paz, de tranquilidad con el mundo, aceptando que nuestro tiempo es limitado, y por ello, hay que disfrutar de la belleza del momento y de lo inmaterial; del amor, de la naturaleza, de las personas.
La máxima inspiración de Morby para este proyecto son precisamente esos espacios abiertos en el Medio Oeste americano, las vidas de la gente en poblaciones minúsculas devoradas por la inmensidad de un paisaje que ya de por sí tiene mucho de musical para él (el sonido de las cigarras, los trenes pasando, las sirenas avisando de un posible tornado). Mediante su fascinación por esta tierra, intenta desenmarañar lo que significa ser un artista estadounidense ahora mismo, mientras reflexiona sobre su propio momento vital, a punto de ser padre. Ser músico es también ser un poco nómada, y en todas esas idas y venidas, de viajar de un lado al otro del mundo, hay algo muy especial en regresar a casa.
Esto se refleja en la fantástica ‘Javelin’, en la que Morby, al llegar por fin a su hogar, se compara con una jabalina que ha viajado por el aire y por la carretera. A través de una luminosa melodía, habla sobre el inmisericorde paso del tiempo y sobre una posible boda con su pareja de hace años y futura madre de su hijo, Katie Crutchfield (de Waxahatchee). En ‘Die Young’ se dirige a ella, comentando lo mucho que han crecido desde que empezaron y lo lejos que han llegado en sus respectivas carreras. Sobre un precioso violín, el artista canta “Si morimos jóvenes, yo viviré a través de ti y tú a través de mí”.
En ‘Badlands’ ese retrato de la fugacidad de la vida adquiere un tono más grave, pero igualmente poético (“Bienvenido a las malas tierras, donde el cielo se expande y tú y yo caducamos”) con la ayuda en los coros de Justin Vernon. El folk rock de ‘All Sinners’ es otra extraordinaria exhibición del talento de Morby como letrista (“Que todos los pecadores sean perdonados, porque sería muy bonito volver a ver a todos mis amigos en algún cielo privado, en algún Idaho privado…”). La mismísima Lucinda Williams es la invitada de honor en ‘Natural Disaster’, una balada de guitarra acústica durante sus cinco primeros minutos que acaba con una gran coda de guitarra eléctrica y percusión.
Otro de los cortes más largos del proyecto es el que da nombre al álbum. Ocho minutos de emoción sosegada, acompañada de un magnífico toque de banjo en segundo plano, aportando una tonalidad country que nos traslada directamente a esos espacios abiertos rodeados de naturaleza salvaje. No es el único momento en el que uno se siente pequeñito escuchando a Morby, convertido aquí más que nunca en todo un trovador moderno americano. En ‘100,000’ su voz viaja tan cálida como un abrazo hasta acabar envuelta en una nube de batería; y los punteos de guitarra de ‘Cowtown’ evocan un sentimiento de devastación y soledad que encoge el corazón. Mucho más animada es la mandolina de ‘I Ride Passenger’, aunque su temática continúa siendo agridulce (“La casa huele a canela y al triste paso del tiempo”).
‘Dandelion’ se apoya sobre una melodía nostálgica y encuentra belleza en el cambio de las estaciones, en los altibajos de la vida. Por muchas inundaciones que lleguen, los dientes de león siempre sobreviven. ‘Field Guide for the Butterflies’ culmina el disco con la belleza y calidez de un riff de guitarra. Morby canta sobre la importancia de salir adelante frente a las dificultades, refiriéndose de nuevo a esa incertidumbre que sobrevuela constante e inevitablemente nuestras vidas. En ‘Little Wide Open’, el cantautor texano firma su mejor trabajo hasta la fecha reflexionando sobre la mortalidad y el tiempo con una poesía conmovedora.
Poco después de firmar la canción principal de la comedia de Prime Video ‘BAIT‘, Jorja Smith vuelve con un nuevo single que promete convertirse en uno de los más destacados de su repertorio, al menos por lo que supone como regreso a sus raíces dance.
‘What’s Done Is Done’ evita, además, convertirse en el típico sucedáneo de ‘brat’ que ha inundado el pop en el último par de años. Aquí Jorja se lanza de lleno al UK garage, pero lo eleva con una producción que no se queda en la mera nostalgia: cuerdas pulsadas que entran como flashes, una melodía de aires árabes que aporta dimensión y movimiento y una interpretación vocal que refuerza esa sensación de elegancia natural, casi instintiva, «cool» sin querer.
Ese mismo aire sofisticado atraviesa toda la producción de P2J, pulida y efectiva, y se extiende también a una letra que funciona como cierre emocional de una historia de amor que no pudo ser. Jorja constata lo inevitable: «lo hecho está hecho». La otra persona quería que Jorja siguiera siendo “la misma” de antes, aunque eso ya no era posible ni real (“you were still hoping that I’d stay the same”). A partir de ahí, la canción describe engaños y desencuentros (“Lied to me nicely”, “Some kind of love, I guess we’ll never know”), hasta desembocar en un estribillo que asume el final, aunque duela (“It’s the ending”, “Should have never let this run”).
El concierto de Kanye West en Madrid sigue adelante. El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha dejado claro este lunes que el Gobierno no promoverá la cancelación del show previsto para el 30 de julio en el Metropolitano, aunque ha definido como “repugnantes” las conocidas declaraciones antisemitas y de apología nazi del rapero estadounidense.
Durante una rueda de prensa en la presentación del programa Cine Vecino, Urtasun ha asegurado que los comentarios de Ye le parecen “completamente fuera de lugar”, pero ha recordado que no corresponde al Ministerio intervenir en la programación de conciertos privados. La pelota, por tanto, queda en el tejado de la promotora, igual que ya ha sucedido en otros países europeos donde el artista ha sufrido cancelaciones y vetos recientes.
La visita de Ye a España llega en uno de los momentos más polémicos de su carrera, si es que alguna vez ha dejado de vivir instalada en la controversia. Convertido ya en un personaje tan viral como tóxico, Ye presentará en España su nuevo disco, ‘BULLY‘, que supone una reconducción más artística que comercial. El concierto del 30 de julio será además el primero de West en nuestro país desde su actuación en Barcelona en 2006. Ha llovido…
FESTIAL! 2026 se celebrará del 21 al 23 de mayo en Alcázar de San Juan (Ciudad Real), consolidándose como una de las citas culturales más destacadas de Castilla-La Mancha. El festival combina música en directo, sesiones DJ y gastronomía en distintos espacios de la ciudad, como ya os hemos contado.
Ahora conocemos los horarios detallados. La programación arranca el jueves 21 a las 20:00 con la Fiesta de Bienvenida en el Auditorio Corazón de la Mancha, con actuaciones hasta las 23:30, destacando La Sonrisa de Julia (22:20). El viernes 22 la actividad comienza a las 13:00 en la Plaza del Ayuntamiento y continúa desde las 18:30 en el recinto principal, con una noche marcada por Niña Polaca (21:30), Lori Meyers (23:05) y Sexy Zebras (00:55), además de cierre de madrugada con Bita (02:20).
El sábado 23 la jornada empieza a las 12:30 con FUTURE FESTIAL! en la Plaza del Ayuntamiento y sigue desde las 18:30 en el recinto principal. La tarde y noche contará con Marlena (21:40) o Las Petunias (19:00), y culminará con Rigoberta Bandini (23:25), seguido de Sanguijuelas del Guadiana (01:35) y el cierre final de Chinches DJs a las 03:00. Así quedan los horarios completos.
Jueves 21 – Fiesta de bienvenida (Auditorio Corazón de la Mancha)
20:00 Alejo
21:05 Jaguayano
22:20 La Sonrisa de Julia
23:30 Maikie
Viernes 22
Mañana – Plaza del Ayuntamiento (FESTIAL! CLUB)
13:00 Stanz DJ
14:30 Superframe
16:00 Alex Curreya
17:30 Charanga
Tarde/noche – Complejo Polideportivo Municipal
18:30 Apertura del recinto
19:00 Modelo
20:10 Puño Dragón
21:30 Niña Polaca
23:05 Lori Meyers
00:55 Sexy Zebras
02:20 Bita
Sábado 23
Mañana – Plaza del Ayuntamiento (FUTURE FESTIAL!)
12:30 The Cbb
13:30 Oslo Ovnies
14:30 Niños Bravos
15:30 Sorpresa
16:30 Pop&Sito
18:00 Charanga
Tarde/noche – Recinto principal
18:30 Apertura del recinto
19:00 Las Petunias
20:10 Veintiuno
21:40 Marlena
23:25 Rigoberta Bandini
01:35 Sanguijuelas del Guadiana
03:00 Chinches DJs
Billy Corgan, líder del mítico grupo The Smashing Pumpkins, ha anunciado que celebrará el 30 aniversario de ‘Mellon Collie and the Infinite Sadness’ en Madrid.
Tras agotarse las entradas para la fecha del viernes 11 de septiembre en el Palacio Vistalegre de Madrid, se ha añadido una segunda cita el 12 de septiembre en el mismo recinto. Las entradas salen a la venta mañana 19 de mayo a las 12 horas.
Tras realizar siete funciones sold out el año pasado en Chicago, Corgan presentará este año el espectáuclo ‘A Night of Mellon Collie and Infinite Sadness’ en Europa. Así, uno de los discos más influyentes de los 90 será revisitado con los nuevos arreglos y orquestaciones de James Lowe y Billy Corgan, creando un espectáculo que fusionará rock, ópera, orquesta y coro.
«Tanto la ópera como el rock cuentan historias de emociones intensificadas, y estoy emocionado por que los fans de mi música y de la ópera tradicional puedan oír un trabajo realmente inspirado, ya que el equilibrio aquí es honrar ambas tradiciones de forma magistral», ha contado Corgan. El espectáculo contará con dos horas de duración, con intermedio incluido.
Las entradas estarán disponibles este jueves 14 de mayo a las 11h en mitaquilla.com, palaciovistalegre.com, entradas.com y El Corte Inglés. ‘A Night of Mellon Collie and Infinite Sadness’ también pasará por Londres, Amberes y París.
The Avalanches, el icónico duo australiano formado por James De La Cruz y Peter Whitford, han regresado con su primer sencillo en solitario en 10 años. Estos habían lanzado ‘Don’t Forget Your Neighbourhood’ y ‘All You Children’ en los últimos años, pero bajo las colaboraciones de Cola Boyy y Jamie xx. ‘Together’ es la Canción del Día.
Era imposible adivinar qué sonido elegirían The Avalanches para presentar su próximo álbum, el cual no ha sido confirmado todavía, pero ‘Together’ lo deja muy claro. El dúo australiano abraza el glitch y el pop electrónico en su nuevo single, que a la vez bebe de la nostalgia de la tecnología de la década de los 2000.
Lo primero que escuchamos en el tema es el doble click de un ratón y el mitiquísimo sonido de inicio de Nokia, que en esta primera parte es explotado bastante, finalmente incorporándose en la melodía. La base, llena de detalles electrónicos, es experimental, inocente y hermosa a la vez. Nokia no es la única marca que aparece en la canción, con el dúo sampleando un anuncio de Toshiba de los años 80 a modo de transición.
En esta segunda parte, Jessy Lanza, autora de ‘Love Hallucination’, canta sobre una «nueva alma» que está «creciendo» dentro de ella mientras se pregunta dónde fue «mi amor». En esta sección, el beat se llena de arpeggios y melodías, a la vez que los sonidos de cámaras haciendo fotos se suceden de forma caótica. La canción mantiene un equilibrio perfecto entre lo juguetón de su concepto y lo que queremos todos en un temazo. Desde luego, han merecido la pena todos estos años.
Kylie Minogue se encuentra en mitad de la gira de promoción de su próximo documental en Netflix, titulado ‘KYLIE’ y programado para su estreno el 20 de mayo. En una entrevista con The Sunday Times, se le ha escapado que está planeando hacer otra gira. Esta vez, en los escenarios.
Durante la entrevista con el medio norteamericano, le preguntaron a Kylie Minogue si tenía planes para celebrar sus 40 años de carrera, los cuales cumplirá el año que viene, con una gira. La australiana no se esperaba la pregunta, pero se achantó: «Probablemente no debería decir esto, pero sí», confirmó. En 2027 se cumplirán 40 años desde la salida de su cover de ‘The Loco-Motion’, que llegó al número 1 en Australia.
El documental de Kylie Minogue en Netflix contará su evolución de actriz a icono musical, así como sus desafíos personales, su forma de lidiar con la presión mediática y las pérdidas personales.
Shakira ha ganado la batalla a Hacienda. La Audiencia Nacional ha dado la razón a la cantante en su sonado caso de fraude fiscal, anulando el expediente que le obligó a abonar casi 55 millones de euros. Ahora, el organismo fiscal tendrá que devolver a la artista colombiana esa cantidad con intereses incluidos. En total, más de 60 millones de euros.
En 2011, la Agencia Tributaria consideró que Shakira era residente fiscal en España, por lo que le obligó a abonar millones de euros, además de imponerle varias sanciones económicas por no declarar en España. Sin embargo, el tribunal ha concluido que Shakira no tenía que pagar impuestos en España.
En su momento, Hacienda aseguró que la artista mantenía una «relación sentimental» en España al ser la pareja de Gerard Piqué. Sin embargo, el organismo nunca pudo demostrar que Shakira residiese en España durante más de 183 días al año, que es lo que exige la ley para que a alguien se le reconozca como residente fiscal. Así, la Audiencia Nacional ha dado la razón a la cantante.
Hay que recordar que Shakira llegó a un acuerdo con la Fiscalía en 2023, admitiendo que no pagó 14,5 millones de euros en impuesto en España entre 2012 y 2014, pese a que había pasado más de la mitad del año en el país. Entonces, la colombiana fue condenada a tres años de cárcel, pero se comprometió en su lugar a pagar una multa millonaria.
Una de las mayores caídas vino desde Países Bajos, que se había retirado del concurso pero decidió emitir la competición. La final obtuvo un 4,8% de cuota de pantalla y casi 800.000 espectadores de media, lo que representa una tremenda caída de 2.792.000 millones de espectadores respecto a los datos de la final de 2025. Reino Unido también experimentó una perdida de 1 millón y medio de espectadores, siendo la final menos vista desde 2010.
Por otro lado, los datos de Portugal apuntan a una pérdida de la mitad de espectadores, mientras que Francia es otro país que perdió más de 1 millón de televidentes respecto a lo obtenido en 2025. Además, si sumamos todo el público que ha perdido el concurso por la retirada de países como España, Irlanda y Eslovenia, Eurovisión habría perdido más de 12 millones de espectadores de media en 2026, respecto a los datos de estos países en 2025.
Los espectadores de YouTube también han bajado, aunque en menor medida. La plataforma ha registrado así una media de 955.712 espectadores con un pico de 1.314.391 personas, lo que representa una bajada del 14,74% respecto al año pasado.
Eso sí, todavía hay países en los que la audiencia sí ha subido, como en Austria, anfitrión del concurso: 62,4% de cuota y 1.504.000 espectadores de media. Ha sido la final más vista en el país desde 2015, que también tuvo lugar en Viena. Eurovisión también ha logrado una subida en Grecia, con 67.000 espectadores más que en 2025, y en Italia, que aumentó en 2,1 puntos de share y 277.000 espectadores.
Paul McCartney ha sido el invitado final de la temporada 51 de Saturday Night Live, llevando a cabo tres actuaciones diferentes. Se trata de la quinta vez que el artista británico hace de ‘musical guest’ en el programa, sin contar sus apariciones en el 40 y 50 aniversario. Como era esperable, ha sido muy emocionante.
Después de protagonizar una serie de sketches junto a Will Ferrell y Chad Smith, McCartney procedió a interpretar la emocionante ‘Days We Left Behind’, potente ya en sí misma, junto al batería de los Red Hot Chili Peppers. A estas alturas, poder ver cantar al artista en vivo sobre todos esos recuerdos es todo un regalo.
Las apariciones de McCartney en SNL llevan dándose durante 46 años, ni más ni menos. La primera fue en 1980, cuando interpretó ‘Coming Up’ junto a su mujer Linda. En esta ocasión, también ha interpretado esta canción, pero no es la única que ha repetido.
En 1993, McCartney volvió a visitar el programa junto a Linda, interpretando ‘Get Out Of My Way’, ‘Bike Like An Icon’ y ‘Hey Jude’. No fue hasta 17 años después cuando regresó al formato con toda la artillería pesada. Aquella fue la primera vez que interpretó ‘Band On The Run’, la cual ha despolvado en esta reciente ocasión. En 2010, también cantó ‘Jet’, ‘A Day In The Life’, ‘Give Peace A Chance’ y ‘Get Back’. Casi nada.
La última vez que Paul McCartney estuvo en el programa, promocionó su disco con las actuaciones de ‘My Valentine’, junto a Joe Walsh, y ‘Cute Me Some Slack’, con Dave Grohl y Krist Novoselic. Además, ‘Wonderful Christmastime’ formó parte de un sketch convertido en momento musical. Tampoco se perdió los especiales por el 40 y 50 aniversario, cantando clasicazos de la talla de ‘Maybe I’m Amazed’ y el final del medley de ‘Abbey Roado’, con ‘Golden Slumbers’, ‘Carry That Weight’ y ‘The End’.
El huracán ‘Michael’, con la estampida de Drake se ha tenido que topar. El biopic ha logrado reposicionar un montón de clásicos de Jackson en las listas globales, siendo ‘Billie Jean’ el tema más popular, hasta el punto de que en los últimos días ha subido al número 1 de la lista global de Spotify, sustituyendo a otro clásico, aunque no tan viejo: ‘Beauty and a Beat‘, de Justin Bieber y Nicki Minaj. En algún momento, el top 10 global ha llegado a componerse de mitad temas nuevos y mitad clásicos.
Entonces llegó Drake y, de un plumazo, desbancó a Michael del número 1 y copó todo el top 10 con su nuevo disco ‘ICEMAN‘. ‘Make Them Cry’ debutó este sábado en el número 1 global, seguido en el 2 por ‘Dust’ y en el 3 por ‘Ran to Atlanta’, ocupando ‘ICEMAN’ todo el top 50 de éxitos globales con temas de ‘ICEMAN’ y otros de sus otros dos discos publicados, ‘Maid of Honour’ y ‘Habibti’. En el segundo día, el hype ha pasado y ‘Billie Jean’ ha vuelto al número 1 global, aunque, en Estados Unidos, es Drake quien reina.
Por supuesto, los números de Drake son espectaculares: sumando 140,2 millones de reproducciones en su primer día, ‘ICEMAN’ ya ha marcado el mayor debut de 2026 para un álbum y el octavo mayor de toda la historia de Spotify. Drake ha desbancado a BTS, que mantenía el mayor debut de 2026 para un álbum con ‘ARIRANG‘. Los cuarto y quinto mayores debuts de 2026 en Spotify pertenecen a Harry Styles con 63 millones de reproducciones y Noah Kahan con 43 millones. Los otros dos discos publicados por Drake, ‘Maid of Honour’ y ‘Habibti’, se quedan lejos de sus cifras: el primero marca 29,1 millones y el segundo, 27,7 millones.
En cuanto al debut de singles, se ha generado una pequeña controversia con BTS, ya que Spotify había reportado inicialmente que ‘Make Them Cry’ había marcado el mayor debut de 2026 para un single, con 13,21 millones de reproducciones, pero el fandom de BTS ha disputado la información y ha forzado a Spotify a corregirla públicamente, ya que ‘SWIM’ de BTS sigue siendo el single con más reproducciones en su primer día del año: 14,64 millones. Casualmente, Drake referencia a BTS en ‘Make Them Cry’ en la frase: “I’m feeling like BTS ’cause it took the whole career for me to be Seoul discovered”. BTS se han grabado bailando la tontería.
Mayores debuts de singles 2026 en Spotify
#1. SWIM — 14.64M
#2. Make Them Cry — 13.21M
#3. Aperture — 12.47M
#4. Body to Body — 11.18M
#5. Dust — 10.92M
#6. Ran To Atlanta — 10.89M
#7. Whisper My Name — 10.72M
#8. drop dead — 10.7M
#9. Janice STFU — 9.58M
#10. National Treasure — 9.34M
Mayores debuts históricos de álbumes en Spotify
#1 THE TORTURED POETS DEPARTMENT 314M
#2 The Life of A Showgirl 250M
#3 Midnights 186M
#4 1989 (Taylor’s Version) 176M
#5 Certified Lover Boy 155M
#6 Un Verano Sin Ti 146M
#7 nadie sabe lo que va a pasar mañana 146M
#8 ICEMAN 140M
#9 MUSIC 139M
#10 Scorpion 132M
#11 UTOPIA 128M
#12 Speak Now (Taylor’s Version) 127M
#13 ARIRANG 112M
#14 For All the Dogs 109M
#15 Mr. Morale & the Big Steppers 100M
El duelo MJ vs. Drake es especialmente poético, dado que Drake es fan de Michael hasta el punto de que la portada de ‘ICEMAN’ homenajea al rey del pop. Además, sus referencias a MJ en su música han sido continuas: Drake ya lo mencionaba en ‘When to Say When’ en 2020 y, en su disco ‘Scorpion’, incluso lanzó un “featuring” con él incorporando un tema inédito del artista. Otro dato: Drake tiene la misma cantidad de singles número 1 en Estados Unidos que Michael, un total de 13, aunque el canadiense podría superar esa cifra gracias al éxito de los singles de ‘ICEMAN’. Seguiremos informando.
Requin Chagrin es el alias de la francesa Marion Brunetto, una multiinstrumentista que a lo largo de la última década ha producido cuatro excepcionales álbumes. Situado en la parte alta de la escena indie, es un proyecto que no ha llegado a dar el salto al éxito mainstream en su país a pesar de editar desde 2019 en KMS Disques, sello distribuido por Sony Music. Un destino que quizá es lo mejor –o lo más lógico– para una creadora que tiene clarísimas las cosas y que es difícil que se salga creativamente de su universo sonoro personal, un universo profundamente rico, musicalmente.
‘Décollage’ lleva publicado varias semanas y las críticas en Francia han vuelto a ensalzar un talento para la composición realmente excepcional, que combinado con su excitante paleta sonora hace de este nuevo disco otro gran triunfo. La fórmula de Requin Chagrin consiste en melodías directas al corazón envueltas en gasas de eco y guitarras con efectos, algo que la crítica tiende a encasillar –con cierto piloto automático– en ese vértice tan recurrido del dream pop y el shoegaze.
Para mí el proyecto de Brunetto es simplemente reverbcore. Montañas de eco y ambientes ensoñadores creados no en pos de la evocación por la evocación, sino como expresión de una melancolía muy evidente en su voz ocre y elegante, y todavía más en las letras. Además, lo contundente de sus baterías y guitarras la acerca mucho más al pop new wave de, por ejemplo, The Cars (con extra de reverb). También hay ecos de las piezas más reverberantes de Beach Fossils, o coincidencias con la audacia melódica de los La Femme más guitarreros.
‘Décollage’ pule y perfecciona un sonido que ha ido en ascenso desde aquella majestuosa ‘Sémaphore’ que conquistó nuestro corazón en 2019. Y parte de lo eficiente de esta nueva entrega es la precisión con la que está secuenciado: las tres primeras pistas, ‘Décollage’, ‘Parachute’ y ‘For You’ son bangers con impacto y sorpresas melódicas en sus excelentes estribillos. Tres pepinazos de pop que ponen el listón muy alto para el resto del disco: ‘Décollage’ resplandece en sus efectos chorus y flanger con ciertos ecos de The Cure, y ‘For You’ con su riff de guitarra al estilo de los grandes maestros galos del pop romántico twangy ochentero: Indochine. No es ninguna sorpresa por lo tanto que su líder –Nicola Sirkis– sea el dueño del sello que sigue apostando por Requin Chagrin, o que Marion y su banda suelan telonear a la icónica banda francesa.
En esta andanada inicial comprobamos también que la seductora bruma de texturas tan propia de Requin Chagrin sigue intacta, y enriquecida con sutiles capas de electrónica que envuelven muy bien las características letras de derrota, a menudo desesperanzada: “Al borde del mundo, contemplando las olas / llorando a mares, nos dejabas en la sombra / Cuando todo se derrumbe, arrojaremos todo lo que nos queda al azul”.
Ese listón inicial tan alto no decae conforme avanzamos: en la sección central, ‘Forever’ resulta un medio tiempo melódicamente de diez, con una cadencia rítmica excepcional (todas las baterías están tocadas por ella). ‘Coeur joie’ retoma el guiño a esos bajos staccato al estilo de ‘Electricity’ de OMD que ya habían aparecido en ‘For You’, complementados con guitarras procesadas muy ochenteras… pero siempre sin un atisbo de pastiche: Requin Chagrin no es un proyecto retro: suena contemporáneo, fresco, singular. Una anomalía pop.
‘BB’ vuelve a besar el cielo e incluso recupera esa rara avis del pop de comienzos del siglo XXI, el millenial whoop (con el apoyo vocal de Nicola Sirkis de Indochine) . En cuanto a ‘Ultra fort’ incorpora el necesario cambio-de-tercio-a-mitad-de-disco gracias a un protagonismo mayor de los sintes, sin olvidar el correspondiente estribillo con gancho.
‘Lucky Star’ abre la recta final del álbum mediante un curioso dúo con Sade Sanchez, vocalista del grupo californiano L.A. Witch (un grupo que nos ha visitado en directo muchas veces, un buen exponente del sonido reverbcore en su variedad garage-rock). Quizá no sorpresivamente, es la pieza menos seductora de todo ‘Décollage’. Podría ser su melodía más plana, o simplemente por el hecho de que acoger un elemento externo en este cosmos sonoro tan concienzudamente trazado y tan personal, altera negativamente su esencia.
Por suerte la canción ‘Voyager’ endereza el rumbo con un excelente loop baggy y texturas acústico-electrónicas bellísimas. En toda la sección final la melodía se repite en un remolino de ambientes vaporosos mientras ella canta esos melancólicos versos: “Nací en el aire de una noche de verano / Entre relámpagos y remordimientos / Ver cómo se alejan las luces es lo único que sé hacer, lo único que sé”.
‘Altitude’ trae de vuelta aires Indochinescos y es otra prueba más del talento compositivo de la francesa: la canción aguanta perfectamente minuto y medio de estrofas, riffs y preestribillos hasta la llegada de lo que es sin duda el mejor estribillo del disco. Los versos “Agárrame más fuerte / me arriesgaría a desaparecer / de nuevo en el viento” son cantados sobre una melodía inolvidable.
Sólo en la pieza final, ‘Rêveries’, se suelta Marion el pelo completamente con los sintetizadores, mostrando que sus presupuestos pop, su voz, sus inspiradas melodías, pueden funcionar también en un contexto netamente electropop. Sin embargo las guitarras forman parte tan inseparable de su personalidad musical que no pueden evitar hacer su aparición en el último minuto, un alarde final instrumental gloriosamente sumergido en reverb y delay. Una vez concluidas estas 11 canciones el eco de esas guitarras perdura en el corazón igual que el disco en sí: una colección de joyas de pop inolvidable.
Aldous Harding ha publicado este año ‘Train on the Island‘, que está siendo el Disco de la Semana en JENESAISPOP. ‘Train on the Island’ está siendo considerado su mejor disco, y una de las razones es que incluye peculiares gemas como ‘One Stop’ o el tema que nos ocupa hoy.
También hay otras razones: es uno de sus discos más accesibles -lo cual, en el mundo de Aldous Harding, no significa exactamente lo mismo que en otros artistas-. ‘Venus in the Zinnia’, el segundo single, apuesta por la tradición americana en lo formal, resultando uno de sus temas más luminosos e inmediatos. Hay apacibles acordes de guitarra acústica, destellos de teclado, piano de corte jazz y, además, el tema funciona como un dueto entre Harding y el cantautor galés H. Hawkline, que aporta una perspectiva diferente a la pieza.
Pero, mirada con lupa, la canción se enrarece. El título, al juntar las imágenes de “Venus” y la zinnia -una flor especialmente colorida-, transmite una sensación exagerada, casi onírica. La melodía de “I love what you’re wearing” resulta casi infantil y, aunque la voz de Harding suena clara y prístina, la letra vuelve a hacer uso de imágenes fragmentadas y surrealistas, transmitiendo una especie de disociación emocional (“It’s too late you’re right on time”), incomodidad performativa (“Dishonest art in me”) e incluso cierta oscuridad. A ello contribuye la referencia al “redrum” de ‘El resplandor’, que introduce un elemento de amenaza e inquietud bajo lo que, en apariencia, parece una canción feliz. Parece.
Bulgaria ha ganado la 70ª edición de Eurovisión celebrada en Viena gracias a la original actuación tipo videoclip de DARA con ‘Bangaranga’, que ha sumado 516 votos entre público y jurado, tras liderar en un primer momento las votaciones del público y después imponerse en las del jurado en una reñida disputa con Israel, que en principio lideraba las votaciones totales con 343 puntos. Bulgaria ha superado el mínimo necesario para imponerse al polémico país participante, que, como el año pasado, ha quedado en segundo lugar. Australia, en principio una de las favoritas, finalmente ha quedado en cuarto lugar, al imponerse Rumanía.
Ha sido una de las ediciones más controvertidas de su historia, la que menos países participantes ha reunido desde 2004 (34), especialmente marcada por la retirada de varios países en protesta por el blanqueamiento del genocidio en Gaza por parte de Israel, incluida España. De hecho, TVE ha vuelto a emitir el comunicado del año pasado antes de dar paso a su programa musical especial, y su única “presencia” en la gala ha llegado en un segmento sobre el origen histórico de las votaciones.
La gala, presentada por Victoria Swarovski y Michael Ostrowski, ha incluido varias menciones al poder unitario de la música frente a un mundo “con frecuencia dividido”, aunque la presencia de Israel en el certamen ha vuelto a despertar especialmente gritos de apoyo y abucheos muy audibles antes, durante y después de la actuación de Noam Bettan, especialmente durante las votaciones.
Finlandia, que partía como una de las favoritas gracias al momento del violín de Linda Lampenius y Pete Parkkonen, finalmente ha quedado en sexto lugar. Entre las mayores sorpresas de la votación se encuentran la buena actuación de Rumanía e Italia y el discreto resultado de Suecia, que ha terminado en el puesto 20, aunque es cierto que no llevaba una de sus mejores canciones. Comenta Eurovisión en los foros.
🇧🇬 | URGENTE: BULGARIA GANA EUROVISIÓN MIENTRAS ISRAEL QUEDA EN SEGUNDO LUGAR. pic.twitter.com/lqxKg8rwkm
Mientras esta noche Europa sintoniza Eurovisión, Países Bajos -que no participa este año por motivos conocidos- tiene algo mejor que hacer: asistir al inicio de gira de Harry Styles, anticipado en el show de presentación del disco estrenado en Netflix.
El Together, Together Tour ha arrancado esta noche en Ámsterdam dejando atuendos coloridos, puntuales visitas al piano o a la guitarra, carreras de una punta al escenario y, sobre todo, un setlist integrado por la práctica totalidad del irregular ‘Kiss All the Time. Disco Occasionally‘ salvo un par de temas y que ha incluido los hits de rigor, aunque no todos.
La gira que, de momento, no pasa por España, ha abierto con ‘Are You Listening Yet?’, cerrado con el esperado ‘As it Was’ e incluido éxitos actuales (‘Aperture’) y viejos (‘Fine Line’, ‘Watermelon Sugar’), aunque no cosas como ‘Lights Up’ o ‘Late Night Talking’.
A lo largo del set, además, se han integrado guiños a clásicos ajenos: ‘Taste Back’ se ha mezclado con ‘Born Slippy’ de Underworld y ‘Treat People with Kindness’ con ‘This Must Be the Place’ de Talking Heads. ‘Carla’s Song’ se ha mezclado brevemente con el tema propio de Harry ‘Satellite’. Os dejamos con el setlist de esta noche acorde a Setlist.fm:
Act I
Are You Listening Yet?
Golden
Adore You (extended outro)
Watermelon Sugar
Music for a Sushi Restaurant
Taste Back (contains elements of Underworld’s “Born Slippy”)
Coming Up Roses
Fine Line
Act II
American Girls (extended intro)
Keep Driving (shortened)
Ready, Steady, Go! (extended)
Dance No More (extended; with band intro)
Treat People With Kindness (contains elements of Talking Heads’ “This Must Be the Place”)
Pop (extended outro)
Season 2 Weight Loss (extended)
Act III
Carla’s Song (contains elements of “Satellite”)
Aperture (disco ball)
Encore
Matilda (with orchestra)
Sign of the Times
As it Was (alternate, extended version; reprise)
Que Drake perdió amargamente su beef con Kendrick Lamar lo sabe todo el mundo. Digamos que la onda expansiva de la hostia que le dio Kendrick a Drake cuando rapeó aquello de «Tryna strike a chord and it’s probably A minor» en el escenario de la maldita Super Bowl se notó hasta en España. Por supuesto, Drake no lo ha superado y son varias las referencias al asunto en ‘ICEMAN’, aunque este no es tanto un disco dedicado al beef en sí como otro donde Drake vuelve a exponer los mismos temas de siempre, revelando que a punto de cumplir 40 años parece haberse quedado sin cosas que contar. ‘ICEMAN’ ya se ha adueñado de las listas globales, irónicamente hundiendo a ese Michael Jackson homenajeado en la portada.
Genera una sonrisilla la pulla a Kendrick de ‘Shabang’, con esa rima «Am I upset? A bit / Last one you dropped was shit / I did press play on that ho / Mid, mid, mid, skip, skip». Siendo generosos, se podría decir que en momentos puntuales de ‘ICEMAN’ Drake parece tener algo parecido a un sentido del humor, aunque el humor pueda ser tan cringe como en ‘Make Them Cry’, el corte inicial, donde Drake hace un ademán de mostrarse vulnerable, contando que va a terapia solo para añadir que no se puede «tomar en serio» a su terapeuta porque está buena. Drake siendo Drake, una vez más.
Siendo justos, en esa misma canción, la más emocional de ‘ICEMAN’, son muchos los temas tratados, incluido el cáncer de su padre, que se revela en la letra. Pero los instantes reveladores se acaban aquí, ya que las letras y reflexiones de ‘ICEMAN’ vuelven a abordar los temas favoritos de Drake de sus últimos discos, la lealtad, la traición, la industria, el éxito o esas mujeres que le perciben como un «príncipe de Persia» -frase pronunciada por él mismo-, sin que se perciba evolución alguna ni en las historias ni en unos beats que no pueden sonar más funcionales y genéricos.
El disco de los tres publicados por Drake más enfocado en un estilo de trap clásico, ‘ICEMAN’ presenta a un Drake apelando a su público más fiel, desde luego no al masivo que encumbró ‘In Your Feelings’, ‘God’s Plan‘, ‘Toosie Slide’ o esa maravillosa ‘Passionfruit‘ que sigue en listas. Aquí, lo más parecido a un hit es el club trap de ‘Ran to Atlanta’ con Future y esa Molly Santana que se cree «Hannah Montana». El tema está bastante bien, aunque no es nada del otro mundo. Simplemente, su gancho «bring a friend for my friend» destaca en un océano de larguísimas reflexiones sobre la soledad en la cima que no sé muy bien a quién pueden interesar a estas alturas, sumando ya tantos discos que hablan de lo mismo.
A lo sumo destaca la pulla a DJ Khaled por su silencio sobre Palestina, tirada en esa ‘Make Them Pay’ que es cringe en otro sentido, ya que su melodía «I wanna be freeee» transmite una emotividad impostada al contrastar con el drama de la letra sobre lo «mala que es la industria» y los deseos de Drake de independencia. Irónicamente, es uno de los temas más pegadizos de un disco donde los detalles musicales interesantes se cuentan con los dedos de una mano. Y no siempre funcionan: la interpolación de ‘I Follow Rivers‘ de Lykke Li en ‘Janice STFU’ es sencillamente cutre, impropia de una megaestrella como Drake. O no, visto lo visto.
Al beat de ‘Whisper My Name’ se le percibe algo más de gusto y tacto y también al estilo trap estilizado y oscuro de ‘National Treasures’, donde Drake referencia la covid, tos incluida; pero ‘ICEMAN’ acaba engullido por su propia mediocridad y por lo repetitivo de sus trucos. El beat switch de ‘Dust’, que pasa de la melodía al hard trap, funciona, pero tantos cambios de ritmo a lo largo del disco, por ejemplo en esa ‘Burning Bridges’ donde el sopor empieza a imponerse, terminan quitándole la gracia a este recurso. Tampoco se entiende la inclusión del single ‘What Did I Miss?’ directamente sin mezclar, sonando a mixtape; ni mucho menos la de esa ‘Little Birdie’ con los vocals más chapuceros que recuerdas.
Cuando las ideas musicales de ‘ICEMAN’ convencen lo hacen porque suenan a un Kanye West ligerito en ‘Make Them Pay’ y ‘Shabang’, o porque ‘2 Hard On the Radio’ experimenta con los teclados y con los ritmos del Bay Area y el West Coast americanos, sampleando el ‘Too Hard for the Radio’ de Mac Dre. El disco, por desgracia, es un océano de ritmos trap olvidables, cambios de ritmo forzados y puntuales arreglos de piano o cuerdas que aportan una textura muy superficial, mientras Drake tira barras eternas llenas de bravuconería impostada, amenazas vacías y continuas pullas a colegas e industria que parecen no interesarle ni a él mismo.
Por redes dice alguien que Drake ha elaborado ‘ICEMAN’ en base a beats de productores emergentes que ha descubierto online. Por ahora no han sido acreditados, a pesar de que el álbum lleva horas en la calle, pero aunque la idea honra a Drake, la realidad es que casi ninguna de estas bases rítmicas sale reforzada gracias a su trabajo lírico ni a su, al final, tediosa presencia vocal. En otras palabras: hasta el beat menos estimulante funcionaría en manos de otra persona, como la historia ha demostrado tantas veces. En ‘Not Like Us’, por ejemplo.
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