Seis trabajadores han acabado en el hospital después de sufrir un accidente mientras desmontaban el escenario del concierto que Ed Sheeran ofreció el sábado en Detroit. El incidente tuvo lugar ya de noche, cuando el equipo trabajaba en el Ford Field tras el último concierto del cantante en la ciudad.
Por lo que ha trascendido, una carretilla elevadora perdió el control en una zona de acceso para vehículos del estadio y golpeó a varios trabajadores. Los afectados se dirigían a tomarse un descanso cuando se produjo el accidente, que movilizó a los servicios de emergencia alrededor de las 23:00.
Los seis fueron trasladados a distintos hospitales. Dos se encontraban inicialmente en estado grave y otros cuatro permanecían estables, aunque ninguno sufrió heridas que pusieran en peligro su vida. Uno de los trabajadores tuvo que pasar la noche ingresado.
Ford Field ha anunciado que está revisando lo sucedido y que colaborará tanto con las autoridades como con los responsables de la producción. El estadio, de momento, ha evitado especular sobre las causas del accidente mientras continúa la investigación.
Tras el éxito de su última edición, celebrada este fin de semana en Torremolinos, el Canela Party ya mira hacia su 20º aniversario. El primer avance de cartel incluye a Maria Arnal y paco te quiero, dos de los nombres nacionales destacados de 2026 gracias a sus discos ‘AMA‘ y ‘Hay un pez naranja en el suelo del metro‘.
Entre las confirmaciones internacionales están Agriculture, DITZ, Nothing, Ratboys y Rolling Blackouts C.F., mientras que Rodrigo Cuevas y la banda de Castellón de la Plana Perfecto Miserable representan la cuota nacional, además de la diversidad de géneros.
Y es que el Canela Party volverá a apostar por uno de sus grandes reclamos: los disfraces y ese ambiente de carnaval tan distintivo. El aniversario se celebrará los días 26, 27 y 28 de agosto de 2027 en Torremolinos. El primer cupo de abonos, a precio especial reducido, saldrá a la venta el viernes 4 de septiembre a las 10 horas.
Quitarse el apellido es casi un cliché cuando una estrella del pop inaugura una nueva era. Lo hizo Janet, lo hizo Britney y ahora parece que le toca a Miley Cyrus, que ha empezado a presentarse simplemente como Miley. Además, ha borrado todas sus publicaciones de Instagram, otro clásico movimiento de “nueva era” que deja bastante claro que algo está a punto de pasar.
De momento no hay música nueva, pero sí varias pistas: ha publicado fotografías de su rostro con un filtro rojo y su nueva era ya aparece en periódicos, con carteles enviados junto a ejemplares de Los Angeles Times. Todo esto llega apenas unos días después de la muerte de Dolly Parton, su madrina y una de las personas más importantes de su vida.
El regreso llega solo un año después de ‘Something Beautiful‘, su anterior disco, y será su primer álbum para Atlantic Records, después de más de una década bajo el paraguas de Sony Music, primero con RCA y después con Columbia. ‘Something Beautiful’ fue un sonado flop, muy lejos de las cifras que se esperan de una estrella del tamaño de Miley.
Miley ya habló brevemente de este disco en una entrevista con Wondaland publicada el 27 de julio. Lo definió como «una historia de amor», aunque no exclusivamente romántica: el amor propio y una sensación de paz son algunos de los temas que recorren sus tres últimos discos. El álbum tendrá 10 canciones y contará entre sus colaboradores con su prometido Maxx Morando.
Por ahora seguimos sin título, fecha o single, pero las señales se acumulan: nuevo nombre, Instagram vacío, estética roja, apariciones en prensa y nuevo sello. Y todo ello justo cuando Miley acaba de despedir a Dolly Parton. Parece que la nueva era está a punto de empezar.
Como comentamos en nuestro artículo de los Grammys, Ella Langley es la gran favorita en la categoría de Best New Artist, y es gracias a ‘Choosin’ Texas’. Ahora la canción acaba de hacer historia: ha alcanzado su 20ª semana en el número 1 del Billboard Hot 100, convirtiéndose en el tema no navideño que más tiempo ha pasado en lo más alto de la lista. Así, ‘Choosin’ Texas’ supera las 19 semanas de ‘Old Town Road’ de Lil Nas X y Billy Ray Cyrus y ‘A Bar Song (Tipsy)’ de Shaboozey.
Con 20 semanas, ‘Choosin’ Texas’ ya es la segunda canción con más números 1 en la historia del Hot 100, solo por detrás de ‘All I Want for Christmas Is You’ de Mariah Carey, que suma 22. Ella podría alcanzar o incluso superar ese récord en las próximas semanas, aunque cuando llegue la Navidad, Mariah volverá, como cada año, a reclamar su trono. ‘All I Want for Christmas Is You’ ha acumulado esas 22 semanas en lo más alto durante distintas temporadas navideñas.
Desde España pueda resultar un poco difícil calibrar semejante fenómeno, ya que ‘Choosin’ Texas’ ni siquiera ha entrado en nuestra lista oficial de singles, ni parece que vaya a hacerlo en un futuro cercano. España nunca ha sido un fuerte para el country.
Fuera, sin embargo, es otra historia: además del número 1 en Estados Unidos, ha sido número 3 en Reino Unido y número 1 en Irlanda, Australia, Canadá y Nueva Zelanda. También ha llegado al top 10 en Países Bajos y al top 5 en Noruega, además de entrar en las listas de numerosos países de Europa y Latinoamérica.
Así que sí, Ella Langley, gran favorita a Best New Artist en los próximos Grammys, tiene ahora otro pequeño objetivo por delante: destronar a Mariah Carey, aunque probablemente solo hasta que llegue la Navidad.
Tiny Habits son Cinya Khan, Maya Rae y Judah Mayowa, tres músicos que se conocieron en 2021 estudiando en Berklee y que pronto llamaron la atención por sus cuidadísimas armonías vocales. Entre sus fans se encuentran Elton John, que está en todos los fregados, y David Crosby. Los han apodado «prodigios de las armonías», nada menos.
Después de publicar el EP ‘Tiny Things’ (2023), llegó su debut, ‘All For Something’ (2024), y ahora acaban de sacar ‘Keepers’, un segundo disco en el que amplían su sonido hacia el soul, el R&B y el disco sin perder esas armonías que son su gran seña de identidad.
Entre las canciones de ‘Keepers’ está ‘Love Ruins Everything’, un adorable corte retro-disco con ecos de Earth, Wind & Fire. La letra habla de esa trampa bastante universal por la que, cuando llega el amor, te obsesiona y acaba ocupándolo todo: “When it’s happening, it’s that or nothing else”. Y cuando se termina, te deja desamparado, haciendo que aquello que parecía tan importante parezca que “was all for nothing”.
La gracia es que la música no parece demasiado preocupada por semejante tragedia. Las armonías de Tiny Habits y los metales suenan joviales y luminosos, convirtiendo esta pequeña canción sobre el desastre sentimental en algo bastante más parecido a una celebración. Porque sí: el amor lo arruina todo, pero al menos se puede bailar.
Hay algo poético en que una banda llamada Interpol sea una de las más preocupadas por denunciar la deriva del mundo. En el preciso instante en que Paul Banks nos hablaba durante una entrevista reciente del auge de la derecha, de la expansión de bulos, de las dificultades para diferenciar entre realidad y “fakes” en la red, las calles de Madrid se llenaron de sirenas de policía y ambulancias.
Oliendo la cercanía del fin de nuestros tiempos, estas nuevas canciones de Interpol están escritas desde las puertas de un abismo cada vez más cercano, el que aparece mentado de manera explícita en ‘Darling Thoughts’. Hablan de soldados enterrados sin que sus familias sepan dónde se encuentran (‘Wounded Soldier’). De cómo caemos como sociedad con la conspiranoia y el terraplanismo de «arriba es abajo» (‘So Does the Reindeer’).
Hay algún espacio para la esperanza, materializado en el optimismo de ‘Wake Up’. “Es posible que un día me despierte”, asegura Paul Banks. También ofrece cierto confort ‘Iron City’, dedicada a Nueva York, siempre un oasis progresista en medio del conservadurismo estadounidense, y ahora más que nunca, con la llegada a la alcaldía de Zohran Mamdani. “Puedo sentir tu amor, ciudad de hierro / Puedo construirte”.
Son estas, dos canciones muy importantes para comprender lo que son Interpol en 2026. ‘Wake Up’ representa la garra post-punk con que los conocimos en los 2000, también presente en ‘See Out Loud’ -con una estrofa entonada por Daniel Kessler- y en ‘Wings on Fire’. Y por su parte ‘Iron City’ representa su voluntad de ofrecer cosas nuevas, esta vez ejecutada por el meticuloso Andrew Wyatt (Rosalía, Charli XCX) en los arreglos. En este tema es responsable de las campanillas que tintinean cada vez que aparece el estribillo, como lo es de que tantas grabaciones huyan del rock clásico para ofrecer otras texturas. Las que libran a estos Interpol adultos de seguir queriendo ser The National.
Las cuerdas al final de ‘Ever the Actor’ o todo el halo conseguido en el tema titular y de apertura, ‘This Mirror Weighs a Ton’, están entre lo mejor de este álbum. Como también los puntuales coros que Juliet Seger-Banks -esposa de Paul- aporta tanto en esta canción como en la gran gema perdida del disco, ‘Enemy’. No es la canción más crítica, contestataria, ni obvia. Al contrario, se recrea en el cripticismo como tantas letras de Paul Banks. Y sin embargo es una de las más emocionantes en melodía y arreglos.
Llegados a su 8º álbum, Interpol no han dado con esa obra sin relleno que proclaman. Uno esperaba algo más potente para cerrar un disco con tantas aristas que el prescindible ‘Sudden’. Lo que sí tienen son cosas importantes que decir. No están aquí ni por inercia ni para repetirse: tienen mensaje y un objetivo.
Hace 30 años, Tupac Shakur era asesinado a tiros en Las Vegas después de asistir a un combate de boxeo en el MGM Grand. El rapero viajaba en coche junto a Suge Knight cuando otro vehículo se puso a su altura y abrió fuego. Shakur murió seis días después, con solo 25 años. Durante décadas, el caso se convirtió en uno de los grandes misterios sin resolver de la historia del hip-hop.
Ahora, por primera vez, una persona ha sido condenada directamente por el asesinato. Un jurado de Las Vegas ha declarado culpable a Duane “Keffe D” Davis, de 63 años, de organizar el ataque. La fiscalía sostiene que Davis buscó venganza después de que Tupac y su entorno agredieran a su sobrino Orlando “Baby Lane” Anderson, considerado durante años uno de los principales sospechosos del caso.
Davis, que reconoció haber estado en el coche desde el que se efectuaron los disparos, siempre ha negado ser quien apretó el gatillo. Fue detenido en 2023 y se convirtió en la primera persona arrestada directamente por el asesinato de Tupac. Su sentencia está prevista para el 13 de octubre y podría enfrentarse a cadena perpetua.
Ha muerto David Fair, co-fundador junto a su hermano Jad de Half Japanese, uno de los grupos más libres e inclasificables surgidos del underground estadounidense. Fair falleció este sábado 29 de agosto a los 74 años a causa de un cáncer, según ha confirmado su hermano a Rolling Stone.
Los Fair empezaron Half Japanese en su dormitorio y publicaron sus primeras grabaciones caseras en 1977. Su música mezclaba ruido, pop, experimentación, versiones delirantes y una filosofía completamente DIY, especialmente visible en su célebre texto «How to Play Guitar», donde defendía que aprender a tocar consistía, básicamente, en olvidarse de las reglas.
Aunque Jad fue siempre el principal motor creativo del grupo, David participó de forma intermitente y desarrolló también una carrera como artista visual, productor y músico en solitario. Half Japanese acabaría convirtiéndose en un grupo de culto, con fans como Kurt Cobain y una invitación de Nirvana para abrir varios conciertos de su gira de ‘In Utero’ en 1993. El mito quiso además que Cobain llevase una camiseta de Half Japanese cuando murió.
En España hemos podido ver a Half Japanese en varias ocasiones, entre ellas en Primavera Sound en 2011 y en GetMAD! en 2017.
Quevedo junto a Elvis Crespo y Quevedo junto a Nueva Línea mantienen el número 1 y el 2 de la lista de singles española, pero la noticia de la semana está justo debajo: ‘Bby WOW’, de Karol G junto a Judeline y rusowsky, sube del top 10 al número 3.
El tema ya parecía uno de los más frescos de ‘No me arrepiento de sentir tanto’ desde el principio, gracias a ese sample de ‘Move Ya Body’, y el público ha terminado de confirmarlo: ‘Bby WOW’ está creciendo a toda velocidad. Ya ha llegado al número 1 global de Spotify y esta semana sube al 38 del Billboard estadounidense.
Para Karol G, acostumbrada a acumular números 1 en España y Latinoamérica, quizá no sea el mayor acontecimiento de su carrera. Para Judeline y rusowsky sí. Es, con diferencia, el mayor éxito de ambos, aunque llegue en forma de colaboración. Judeline había alcanzado el top 15 con ‘Imperio’, su colaboración con Duki, mientras que ‘Romero santo’ con Dellafuente había llegado al 35, ‘Com Voce’ con Amaia al 37 y ‘Zarcillos de plata’, ya en solitario, al 69. ‘Zarcillos de plata’ y ‘Canijo’ han reportado a Lara Fernández sendos Discos de Oro.
rusowsky ya tenía más experiencia con los hits veraniegos: ‘Malibu’ llegó al número 6 y todavía se mantiene alrededor del top 50 de las canciones más escuchadas. ‘Bby WOW’, sin embargo, juega ya en otra liga.
Las otras dos entradas de la semana son también urbanas: Brytiago debuta en el 72 con el R&B subacuático de ‘Estoy Pa’ Ti’, mientras que Myke Towers coloca en el 78 el simpático reguetón con vientos metales de ‘Carita Feliz’.
El podio de la lista de álbumes española se mantiene una semana más sin cambios: Quevedo sigue en el número 1 con ‘El Baifo’, Bad Bunny continúa en el 2 con ‘Debí Tirar Más Fotos’ y Omar Courtz completa el top 3 con ‘Por Si Mañana No Estoy’. Más abajo, la actualidad viene marcada por varias entradas y, sobre todo, por el discreto debut de Sam Smith.
‘Hazel Eyes’ entra en el número 23, un resultado bastante flojo para alguien que hace no tanto colocaba ‘Unholy’ en todas partes. Y conviene recordar que Sam Smith viene de una trayectoria comercial muy potente: su debut, ‘In the Lonely Hour’, fue un auténtico superventas internacional, mientras que ‘Gloria’, publicado en 2023, llegó al número 1 en Reino Unido y al 7 en Estados Unidos.
Ahora ‘Hazel Eyes’ no ha llegado al top 10 en ningún país: su mejor dato es el 11 en Suiza y en Reino Unido, su principal mercado, se queda en el 21, debido a la falta de singles de éxito. En Estados Unidos ni siquiera se espera que entre en la lista. Hay algún resultado algo mejor, como el 14 en Escocia o el 18 en Alemania, pero es evidente que la era posterior a ‘Unholy’ ha perdido muchísimo fuelle y ‘Hazel Eyes’ no está consiguiendo devolverle el estatus de fenómeno pop.
La mayor entrada de la semana, eso sí, es para ENHYPEN, que coloca ‘The Sin : Bliss’ directamente en el número 20, ayudado por su diversidad de ediciones físicas. El K-pop vuelve así a tener una presencia destacada en la lista española.
Entre las nuevas entradas aparece además Twenty One Pilots, cuyo ‘More Than We Ever Imagined (Live in Mexico City)’ debuta en el 45. Y hay una reentrada especialmente significativa: The Weeknd vuelve al número 49 con ‘Hurry Up Tomorrow’, coincidiendo con la proximidad de sus conciertos en España, que han dejado impresiones desiguales.
El Phe Festival celebra los próximos 4 y 5 de septiembre su 11ª edición en Puerto de la Cruz, Tenerife. El festival define esta edición como la más completa de su historia reciente, con un cartel que reúne artistas internacionales, nacionales y canarios y que, en buena parte, se mueve al margen de los estilos tradicionales. Una apuesta por la diversidad, la apertura y la multiculturalidad que vuelve a marcar la programación del festival portuense. Desde JENESAISPOP, medio oficial del festival, repasamos algunos de los artistas que no deberías perderte este año. Los abonos para Phe Festival 2026 ya están disponibles en su web.
Ibibio Sound Machine
Una de las propuestas musicales más singulares desde hace rato, Ibibio Sound Machine es el proyecto británico liderado por Eno Williams dedicado a la fusión más enérgica posible de afrobeat, funk, electrónica y post-punk. La combinación de los ritmos africanos con sintes, bajos funk y actitud punk convierte sus canciones en auténticos himnos de baile, siempre con la poderosa voz de Williams al frente. Su energía bailable e himnos como ‘Concept of Love’, ‘The Talking Fish’ o ‘Electricity’ prometen grandes momentos.
Fat Dog
El festival tinerfeño apuesta muy claramente en su cartel por Fat Dog, banda londinense que lleva el punk hacia terrenos de techno, electrónica y rave con resultados tan electrizantes como la genial ‘Shit Love‘ o ‘Cancel Me (I’m Tired)’, todo un banger dance-rock que te llevará directo a la era dorada del bloghouse. Su directo frenético y su debut ‘Woof’ los han convertido en uno de los nombres más excitantes de la nueva escena británica.
Getdown Services
Otro de esos grupos británicos nacidos de la rama del post-punk pero que hacen otras cosas, los de Bristol se han hecho un nombre con la sumamente sexy ‘Dog Dribble’ y han consolidado su propuesta con el disco ‘Massive Champion‘, publicado este mismo año. Ahí encontramos temas tan chulos como ‘The Radiator’, que exponen su mezcla de post-punk, funk, spoken word y electrónica bailonga. Una propuesta descaradamente divertida y hedonista, con un directo pensado para bailar tanto como para dejarse llevar por su peculiar sentido del humor.
Rufus T. Firefly
Reconocidos muy merecidamente con el Premio Ruido a Mejor Disco del Año, Rufus T. Firefly continúan presentando el excelente ‘Todas las cosas buenas‘ por España y esta vez Tenerife podrá escuchar en vivo maravillas como ‘Canción de Paz’ o ‘La Plaza’, además de descubrir uno de los mejores y más emocionantes conciertos de la escena nacional actual. Geordie Greep, de Black Midi, los miraba «embobado» en el Canela Party.
FAEDA
Nadie puede dudar de la apuesta del Phe Festival por las guitarras en esta edición, y otro de los grupos del cartel que representan esa línea son los escoceses FAEDA, que no te puedes perder si te gusta el rock de regusto emo, melodías intensas y guitarras afiladas; si te gusta todo eso, es posible que escuches ‘All Thorns No Roses’ y te enamores ipso facto. Ojo: aún no han publicado disco.
Natalia Doco
Entre las propuestas de la programación ligadas al folclore destaca la de Natalia Doco, cantante argentina afincada en París que mezcla el folclore latinoamericano con espiritualidad, raíces ancestrales y sonidos contemporáneos. Su catálogo incluye joyas de ecos chanson como ‘Respira’, mientras en ‘Quédate Luna’ se va a la pista de baile. En Phe presenta las canciones de ‘Hacha’, su nuevo álbum, en una propuesta entre lo folk, lo ritual y lo experimental.
Alexis Taylor (Hot Chip)
Vocalista y cofundador de Hot Chip, además de productor y DJ en solitario, Alexis Taylor desgranará en Phe su nuevo disco en solitario, ‘Paris in the Spring’, que en temas como ‘I Can Feel Your Love’ mantiene la clase electrónica y pop de su proyecto principal. Sus sesiones recorren disco, house, electro, techno, soul y boogie, conectando la tradición de la música de baile con la electrónica contemporánea.
ARXX
El dúo queer de Brighton formado por Hanni Pidduck y Clara Townsend puede dar el salto próximamente gracias a la inmediatez pop, punk y grunge de canciones como ‘Ride or Die’ o ‘Crying in the Carwash’. La potente energía guitarrera de ARXX garantiza un gran show de rock que ganará nuevos fans, después de que el grupo haya compartido escenario con artistas como Yungblud o Fletcher.
Choclock
Una de las promesas surgidas en Canarias en la última década dentro del ámbito de las músicas urbanas, Choclock ha labrado una carrera de varios discos explorando los límites del R&B, el hip-hop y el indie y otros sonidos internacionales; la mutante ‘Caprese’ -entre el R&B y el freestyle ochentero- o la sensualidad de ‘True Love’ se cuentan entre las joyas de la discografía de este artista, que ha colaborado con nombres como Dellafuente o Cruz Cafuné.
Barry B
Uno de los nuevos ídolos del rock alternativo nacional, sobre todo desde el viral de su enorme single con Carolina Durante, Barry B llega a Tenerife para presentar ese nuevo disco que debe suponer su gran salto, y del que se desprenden sencillos como ‘Silverado’ o, últimamente, ‘Se Pega Igual’. Y no sabemos si esa maravillosa colaboración con Gara Durán irá también en el disco de él. Tras ‘Chato‘ y el EP ‘Infancia Mal Calibrada’, Barry B cada vez más arriba.
Cristina Llanos, voz de Dover, ha roto su silencio con ‘La noche cayó y ya nadie puede salvarme’ (La Esfera de los Libros), un diario en el que repasa algunos de los episodios más duros de su vida. El Mundo publica un adelanto del libro, que llega este jueves a las librerías.
Llanos relata con crudeza el maltrato sufrido por parte de su padre, incluyendo insultos, golpes y otras situaciones violentas, y cuenta también la agresión sexual que sufrió a los 18 años por parte de un vecino, tras la que comenzaron años de depresión e ideaciones suicidas. Sobre estas últimas, escribe: «Vivo porque, aunque me avergüence admitírmelo a mí misma, no tengo huevos para matarme». El libro aborda también la anorexia, que sufrió durante distintas etapas de su vida, y su relación con el alcohol y los medicamentos.
El libro aborda también la fibromialgia, que terminó afectando a sus cuerdas vocales y provocó que Llanos abandonase los escenarios, así como la muerte de su hermano Mariano en 2023 y la de sus padres.
En ‘La noche cayó y ya nadie puede salvarme’ hay espacio igualmente para sus opiniones políticas, que prometen ser bastante polémicas. Llanos se declara feminista radical, en una posición cercana a la que en inglés se denomina «TERF», carga contra la actual Ley Trans y cuestiona que una legislación que, según ella, «desprotege» a las mujeres pueda considerarse una buena ley.
El diario incluye además reflexiones sobre otros asuntos políticos y sociales, entre ellos su posición favorable a Israel, según adelanta El País, aunque esta parte no aparece en el avance publicado por El Mundo.
El plazo para enviar propuestas a los Grammy terminó el 21 de agosto. Podían entrar discos publicados hasta el 28 de agosto, así que ahora ya está todo en manos de la Academia. Las nominaciones se conocerán en noviembre, pero las primeras predicciones empiezan a dibujar un panorama bastante claro.
Ella Langley parece tener Artista revelación en el bolsillo gracias al enorme éxito de ‘Choosin’ Texas’ en Estados Unidos. Es la gran favorita de una categoría en la que también se espera a Sienna Spiro, Aubrey Hobert y a su hermano Malcolm Todd, Slayyyter, Geese, ADÉLA, Role Model y Dominic Fike. Puede haber alguna sorpresa, pero Langley parte con ventaja.
En Grabación y Canción del Año la pelea se la podrían disputar ‘Choosin’ Texas’, ‘Where Is My Husband?‘, ‘The Fate of Ophelia’, ‘I Just Might‘, ‘The Cure‘, ‘The Great Divide’, ‘Stateside’, ‘Dracula‘ y ‘Man I Need’. Todas ellas están entre las canciones que más aparecen en las quinielas.
Con Taylor Swift surge el debate de si ‘I Knew It, I Knew You‘ tiene más posibilidades que ‘The Fate of Ophelia’. Hay quien apuesta claramente por la primera para Canción del Año, aunque resulta raro tratándose de una canción infantil: tendría más sentido en una categoría visual.
Donde parece haber bastante menos duda es en Olivia Dean, aunque quizá no tanto en Álbum del Año. ‘Man I Need’ tiene muchas papeletas para aparecer en Canción del Año y ‘The Art of Loving‘ apunta a Mejor Álbum de Pop Vocal. Después de un año enorme, sería raro que la Academia la ignorase.
En Álbum del Año, en cambio, una de las candidaturas que parece más sólida es la de Olivia Rodrigo. Su disco ha tenido el respaldo de la crítica y del público, aunque su problema será decidir cómo repartir sus cartas entre pop y rock/alternativo. En pop tiene a Olivia Dean enfrente y en rock/alternativo puede encontrarse con Phoebe Bridgers. ¿Y repetirá Charli con «MFF» la jugada de ‘brat’, o mejor mandarlo a las categorías alternativas? ¿Sabemos ya si es rock o no?
Con Tame Impala ocurre algo parecido. ‘Loser’ podría funcionar en rock/alternativo, mientras que otras canciones pueden buscar hueco en electrónica. Aquí también habrá que decidir dónde poner las mejores cartas. La elección de categoría puede ser casi tan importante como la canción.
Mejor dúo de pop tiene además una candidata que parece especialmente fuerte: ‘Stateside’ de PinkPantheress y Zara Larsson. Tame Impala y Jennie con ‘Dracula’ también pueden estar ahí, igual que Sam Fender y Olivia Dean u Olivia Rodrigo y Robert Smith.
¿Qué hay de Madonna? Nadie sabe si apostará realmente por ‘Danceteria’ o ‘I Feel So Free’ en las categorías solistas. ‘Bring Your Love’ iría a dueto pop. Madonna parece tener posibilidades, sobre todo, en las categorías dance, aunque ahí Slayyyter también aparece entre las apuestas y la competencia en esta categoría puede ser brutal.
‘Dracula’, precisamente, parece demasiado electrónica para encajar cómodamente en pop. Si Tame Impala y Jennie deciden llevarla a Mejor grabación dance, tendrán que enfrentarse a Madonna y Slayyyter.
En R&B también pueden aparecer Kehlani, Bruno Mars y Ravyn Lenae, mientras que queda la incógnita de Ariana Grande. ‘petal’ no es el mejor disco de su carrera, pero eso no significa que vaya a desaparecer de los Grammy. Como mínimo, uno de los dos singles parece tener una nominación asegurada.
En Mejor disco alternativo también pueden entrar Lily Allen, Geese o el disco de Alabama Shakes que acaba de salir, tres nombres que merece la pena vigilar cuando lleguen las nominaciones.
Y luego está Rosalía. ‘LUX‘ merece Álbum del año, no solo una candidatura en las categorías latinas: una nominación en la categoría principal sería la forma lógica de reconocer el alcance que ha tenido el disco. El precedente de Bad Bunny sitúa ‘LUX’ como gran candidato en la categoría más importante.
Falta hasta noviembre, pero la fase realmente importante ya ha terminado. Los artistas ya han decidido qué presentar. Ahora queda descubrir qué ha convencido a los votantes y, sobre todo, quién ha sabido jugar mejor con las categorías.
Shakira es la autora de la tribuna de hoy en El País, dedicada a las razones por las que ha decidido llevar a cabo una residencia de 12 conciertos en la capital española. La artista colombiana comenzará la retahíla de conciertos en el estadio Shakira a partir del 18 de septiembre. Ella explica que eligió Madrid porque aquí «la inmigración latina no es tolerada, es celebrada».
La artista cuenta que todo «empezó cuando vi a nuestra gente perseguida por el solo hecho de ser latina, familias obligadas a vivir con miedo». Sin embargo, asegura que eligió «responder con una celebración». Esta se trata de la residencia que llevará a cabo durante los meses de septiembre y octubre en Madrid.
Shakira asegura que no es «de las que reniegan del futuro», pero muestra preocupación por la época actual que vivimos y que tiene «una capacidad inédita de aislarnos»: «La soledad se ha convertido en una epidemia silenciosa que los médicos ya miden como cualquier otra enfermedad», continúa. La colombiana recuerda que la cultura latina «convirtió el dolor en ritmo» y durante los próximos párrafos se centra en celebrar la «latinidad» presente en nuestro país.
Lo que quiere celebrar Shakira en Madrid es lo bien que «nos quedó estar tan mezclados»: «Llevo en la sangre a los españoles que vinieron de América, en las caderas el ritmo del Medio Oriente de mi padre, y la resiliencia de los pueblos originarios de esta tierra», asegura.
Por último, la artista propone no hablar solo de hispanidad, sino de «latinidad», ya que esta clasificación no se «queda corta para todo lo que somos»: «El español es latino; el portugués, el italiano y el francés también», aclara. Esta termina con un resumen de todos los puntos tocados, declarando, mientras homenajea a Gabriel García Márquez, que «en Madrid somos todos latinos», que «la soledad no tiene por qué durar cien años» y que «las estirpes que aprenden a abrazarse sí tienen una segunda oportunidad sobre la tierra».
flowerovlove ha lanzado su primer álbum de estudio, que tiene el gran título de ‘MINI SKIRT WARRIOR’. La artista londinense, de nombre real Joyce Cisse, ha ido construyendo un nombre durante los últimos años en el mundo del pop a base de grandes adelantos, desde ‘BOYS’ hasta ‘breaking news’, y no defrauda en su último lanzamiento.
Cisse cuenta que ‘MINI SKIRT WARRIOR’ trata sobre «las primeras veces». Irónicamente, muchos se acordarán de la primera vez que escucharon ‘girls will be girls’, la Canción del Día. La colaboración de flowerovlove y WILLOW empieza como una tierna pieza acústica sobre la experiencia compartida de ser una mujer joven: «Sentir que a veces eres demasiado / Las amigas dicen que él se lo pierde».
Sin embargo, con la llegada del estribillo, el tema producido por WILLOW, PomPom y la propia artista británica se convierte en un épico banger de pop. En su verso, WILLOW describe a la mujer como una «hermosa y grotesca criatura», de la que emana tanto amor como un toque «letal»: «Ella será tu profesora, el futuro, ella es líder», canta.
‘girls will be girls’ se trata del focus track de ‘MINI SKIRT WARRIOR’. Su toque emocional, indagando en la idea de que, aunque flowerovlove haya tardado dos años en grabar este disco en realidad se trata del producto de 21 años de vida, es también el perfecto cierre para el álbum.
A semanas de lanzar su esperado tercer álbum, a vista de los magníficos adelantos de ‘Dis-le’ y ‘What You Want’, Angèle ha anunciado el único concierto que llevará a cabo en nuestro país en 2027. También será su primera vez actuando en el Sant Jordi Club de Barcelona, el próximo 28 de abril.
‘INSTINCT’ estará disponible a partir del próximo 16 de octubre junto al nuevo single ‘Une seule vie’. Este se trata de otro banger de pop electrónico más. Esta vez, centrado en la fugacidad de la vida: «El tiempo está pasando y vemos nuestras vidas escapándose por nuestros dedos / Ni siquiera sabemos por qué», canta la artista belga en el genial estribillo del tema.
La nota de prensa del LP de Angèle describe ‘INSTINCT’ como un «álbum construido en torno a la reconexión con la intuición, esa parte de nosotros que existe antes de las expectativas, la actuación y el ruido externo». En ‘Une seule vie’, Angèle plantea que solo el amor puede llenar el vacío de nuestras vidas y no «las fiestas», «la bebida», «el baile» o «los riesgos». Es por eso que la artista nos anima a aprovechar el tiempo de la mejor manera que podamos para no «convertirnos en lo que no queremos ser». Al final, tenemos «una sola vida».
Las entradas para el concierto de Angèle en Barcelona saldrán a la venta el sábado 5 de septiembre a las 11h en Live Nation, Ticketmaster y El Corte Inglés. Habrá dos preventas: una para usuarios de SMusic el jueves 3 de septiembre a las 10h y otra de Live Nation el viernes 4 de septiembre a las 10h.
Tracklist:
1. Instinct (intro)
2. Dis-le
3. Au revoir
4. Une seule vie
5. Trop (ft. Soulwax)
6. On verra
7. What You Want (ft. Justice)
8. Je compte
9. F4ck 4ever
10. Tout décider
11. Je sais
12. Love Triangle (ft. Caroline Polachek, SebastiAn)
13. NYC Blues
El festival de Olivia Rodrigo, Daisy Chain Fields, se ha celebrado con un gran éxito durante este fin de semana, juntando en el mismo recinto a algunas de las mejores artistas de toda la industria: Chappell Roan, Doechii, Mitski, Garbage… y la propia Olivia, claro. Ella es la que ha protagonizado dos de los momentazos de esta primera edición, junto a dos icónicas artistas.
La primera sorpresa fue la salida de Stevie Nicks durante el set de Olivia Rodrigo para interpretar ‘Landslide’ juntas, pero lo más emocionante acabaron siendo las palabras de la cantante invitada sobre Olivia: «Me recuerda a mí, cuando tenía su edad hace cien años. Es fascinante que haya podido hacer todo esto, porque es muy difícil, no tenéis ni idea, montar todo esto con tantas personas», declaró Nicks en el escenario.
No fue la única invitada del día. Karen O se vio obligada a cancelar su set por una «emergencia familiar», por lo que Rodrigo llenó el hueco reuniéndose con Alanis Morissette para realizar un dueto de ‘Ironic’. Sara McLachlan tampoco faltó a la cita, cantando ‘Building a Mystery’ y ‘Angel’, dedicada a Dolly Parton, con la autora de ‘you seem pretty sad for a girl so in love’.
La recaudación de fondos fue un éxito absoluto, juntando 10 millones de dólares solo con las ganancias del festival y sumando otros 10 millones gracias a la donación especial de Melinda French Gates. Hoy mismo, Olivia Rodrigo aseguraba en su página de Instagram que «ver Daisy Chain dar sus frutos ha sido la mayor alegría de mi carrera».
this is what it looks like when females and the feminine leads 🙌🏻 @oliviarodrigo 🙌🏻 🌼⛓️💥🌾 thank u so so much for inviting me to sing ironic with you. and the gorgeous experience @daisychainfield is. 🫶🏻🫶🏻 and you are. pic.twitter.com/B4TZkOa9bQ
Afghan Whigs cumplen cuarenta años de carrera y lo celebran sacando su décimo disco, ‘Soft Control’, cuatro años después del estupendo ‘How Do You Burn?’.
La producción vuelve a correr de la mano del líder Greg Dulli y Christopher Thorn. Pero ‘Soft Control’ no alcanza las cotas de su predecesor: es un disco continuista, esforzado, simpático y agradable de escuchar. Nada menos. Pero tampoco nada más. ‘Soft Control’ es otra muestra de músculo y oficio de la banda, pero por más escuchas que le des, le falta algo.
Llámalo garra, llámalo feeling. La producción es muy pulida. Demasiado. Quizás ese sea el problema: suena sorprendentemente a ese rock con electrónica de finales de los 90 y principios de los dosmiles, con todo debidamente bien colocado. A las canciones les falta la habitual garra soul; necesitarían más suciedad y un punto de espontaneidad y frescura. Incluso la voz de Greg Dulli, seña de identidad del grupo, parece algo más suave y domesticada.
Estábamos acostumbrados a sus cargas de profundidad sentimental en forma de trallazos de rock regados con soul, pero Dulli ha abandonado la retórica de las relaciones tormentosas y tóxicas: él mismo lo admite en esta entrevista en The Guardian. Por eso, en vez de fiereza, aquí encontraremos calma y cierta irónica resignación.
‘Soft Control’ es un disco bastante risueño, de canciones más bien breves. Y aun así, The Afghan Whigs son capaces de pergeñar pequeños clásicos, como ‘House of I’, con ese riff inicial, tan marca de la casa y esos “doo-doo-doo” tan infecciosos del estribillo. También recuperan el espíritu de los Whigs de los 90 en ‘My Lover’: un desértico inicio de country americana que contrasta con la épica en el estribillo, aunque el tratamiento eléctrónico de la voz y de los solos de la guitarra lastran un poco, pero sin empañar, una genuina (y breve) muestra de pasión. O la balada’ The Deepest Part of the Darkest Shadows’, algo efectista, sí, pero también efectiva, con un Dulli doliente.
Donde sí se alinean los astros es en ‘Mariah Luster’, un medio tiempo tenso y esperanzador, luminoso, con unos acertados arreglos orquestales, unos agradecidos trombones y sin apenas manierismos que empañen. Porque unos The Afghan Whigs repeinados y domesticados siguen siendo The Afghan Whigs, al fin y al cabo.
Festival Gigante ha celebrado una nueva edición en Guadalajara, con un llamativo 53% de mujeres en su cartel. Si el jueves pudo verse a Ángela González, Estrogenuinas o Tere! y el viernes a Repion (aunque los cabezas eran La M.O.D.A. y Ultraligera), lo del sábado fue algo que destacar y celebrar. Seguro que el viernes hubo más afluencia de público, ¿pero qué hay de la diversidad y la variedad artísticas?
La jornada de ayer estuvo dominada por artistas femeninas hasta el punto de presentar 4 conciertos consecutivos protagonizados enteramente por artistas femeninas en los escenarios principales. Y a cuál más diferente, a cuál más completa como propuesta. Queralt Lahoz se benefició de actuar mientras se ponía el sol, el típico concierto que va de menos a más a medida que se hace de noche, animado también por la versatilidad de la artista. Empezó más bien rapeando, como una sucesora de Mala Rodríguez, enseguida introdujo temas más R&B, de hecho en ocasiones incorporó samples de clásicos como ‘Gypsy Woman’, ‘Say My Name’ e hizo twerking con ‘Work’ de Rihanna. Pero tampoco esquivó otras influencias como el flamenco, el bolero o incluso el EDM. Lo cual es lo mismo que decir que acaparó cualquier género ante la atenta mirada del público.
Javier Bragado
Muy solvente en voz y asistida por tres músicos/as, Queralt Lahoz fue todo simpatía, cargando contra los narcisistas, preguntando quién era de barrio porque «si vienes de barrio, sabes cómo se mueve» o animando a quienes fueran «del colectivo» a levantar la mano, porque quería dedicarles ‘En otro lugar’.
Aunque lo mejor fue que, al ver a un grupo de personas disfrazadas de pollo, Queralt identificó que estaban de despedida de solterx, cuando en realidad era una promoción de huevos Dagu. Los azafatos de huevos Dagu animaron a los asistentes y terminaron súper entregados al pogo como estaba pidiendo la artista. Esperemos que les hayan pagado en sintonía con el momento delirante que inspiraron.
A continuación, el nuevo espectáculo de Belén Aguilera, en el que aúna la parte lírica de ‘Anela’ con su nuevo EP ‘mediterrania‘ y también viejos hits. Quizá estos últimos son los más perjudicados de su nuevo repertorio, incluso algunos sonando de manera apresurada en forma de «medley». El foco está puesto en una nueva concepción teatral según la que Belén se concentra en cantar y bailar, dos músicas acompañan a los instrumentos clásicos, y un grupo de bailarinas aparece y desaparece en función de lo que pida la canción. ‘Eclipse’ deja una de las fotografías más impresionantes con todo el cuerpo de baile alrededor de la cantante, mientras que ‘Dama en apuros’ es obligatorio que la defienda sola.
El concierto de Aguilera arranca con su particular adaptación de ‘Hijo de la luna’ de Mecano, y en verdad son recurrentes los guiños a otros clásicos populares. ‘Licántropo’ contiene elementos de ‘Thriller’ de Michael Jackson y ‘Loba’ de Shakira’; ‘Galgo’ de ‘Porcelain’ de Moby, y otra de las canciones que aparece es ‘Moi… Lolita’ de Alizée. Belén se emociona especialmente al recordar que su tema ‘Soledad’ está dedicada a su abuela, no solo a la soledad en sí, y agradece la entrega de un público quizá más acostumbrado a sonidos indies. Se vieron muchas camisetas de Viva Suecia o Siloé, aunque ninguno de los dos tocaba. Javier Bragado
Esa emoción por los que ya no están empapó especialmente el concierto de Ginebras. El grupo del cartel del sábado más próximo en estilo a la línea editorial del viernes, y a la línea de Gigante en general, no dudó en desplegar su colección de grandes éxitos. Siempre con un sonido apabullante que todo lo llenaba, ‘Alex Turner’ en los primeros instantes de show, luego temas tan vistosos como ‘Desastre de persona’, ‘Ansiedad’ o ‘Paco y Carmela’ y finalmente ‘La típica canción’ conformaron un concierto entretenido y de carácter festivo. Uno no sabía si a Sandra se le estaban saliendo las tetas de verdad como aseguraba o esa solo era una excusa para atacar a toda hostia ‘Cosas moradas’ porque ese era el color de su top.
Pero si el grupo afirmó que nunca olvidaría el concierto de ayer, fue por el momento en que Magüi le dedicó el tema precisamente titulado ‘Gigantes’ a su madre, que acaba de fallecer. Visiblemente emocionada, tuvo unas palabras para su padre, sus tías estaban por allí, agradeció el apoyo incondicional de su compañera Sandra, y algunas canciones después continuó lanzando mensajes sobre la manera de seguir adelante y dejar atrás las «mochilas» que arrastramos. Era imposible no empatizar con ella en un momento tan duro, o menospreciar el poder que tiene la música para hacernos sentir unidos. Buena falta hace. Javier Bragado
Durante la parte tecno de ‘Con las chicas en Berlín’ las propias Ginebras avanzaron la rave que preparaba Zahara, y fue una de las más exultantes que le hemos visto, quizá porque la artista se ha mudado a la provincia de Guadalajara. El concierto empieza con el nuevo remix de ‘Nuestro amor’ y la «Liturgia» de Samantha Hudson que celebra a las personas que supuestamente tenemos un «glitch»; y después alterna grandes éxitos propios adaptados al formato electrónico (‘Merichane’, ‘Hoy la bestia cena en casa’) con samples de Lorde, Prodigy y versiones.
La gran sorpresa de esta era es la adaptación de ‘Soy rebelde’ de Jeanette en plan balada, que luce mucho después de la nueva exhibición grotesca de cómo se lleva una mujer con un policlín. Y el show acaba como siempre con una versión extendida y desmadrada de ‘berlin U5’ y ‘Esto no es una canción política’. Ambas tan puestas de drogas que parecen ‘Swastika Eyes’ de Primal Scream. Zahara con sus bailarinas se mezcla entre el público, pega botes y maneja a la masa a su antojo. Es un verdadero triunfo que sea el público de un festival independiente el que se adapte al arriesgado show de la artista -que va del desenfreno total a la delicadeza de un arpa de Marta Movidas-, en lugar de al revés.
A alguien se le ocurrió suceder la rave con una sesión de Chimo Bayo a las 1.30 de la madrugada, y lo cierto es que funcionó. Sin descanso, desde el instante en que Z acabó en el Escenario Vibra Mahou, Chimo ya estaba hablando en el Escenario Gigante para que la menor cantidad de público posible desertara, y hits como ‘La tía Enriqueta’ y ‘Así me gusta a mí’ no tardaron en aparecer.
También lo hizo algún tema ajeno, por ejemplo de Underworld, aunque la gran ganadora de lo suyo era esa imagen del productor de la Ruta proyectada, robotizada, destruyendo el Edificio Schweppes de la Gran Vía madrileña… mientras portaba una camiseta que decía «HU-HA». Javier Bragado
Dominic Fike está en su mejor momento. Después del tardío éxito de ‘Babydoll’, llegando al número 1 global de Spotify ocho años después de su lanzamiento original, el artista estadounidense está preparado para lanzar su tercer disco, titulado ‘How To Quit Smoking’. El primer adelanto sigue la línea guitarrera de su último hit, pero con una clara intención pop. ‘Wallflower’ es la Canción del Día.
‘How To Quit Smoking’ habría sido «escrito, interpretado y producido en tiempo real en la carretera». ‘Wallflower’ no es solo el primer adelanto, sino la canción que abre el disco y se puede apreciar esa urgencia que provoca la vida en la carretera. Esta está llena de afiladas guitarras y coros beatleianos, dando como resultado un tema de pop total, desde el prisma del rock.
El título de la canción, al igual que la película y novela ‘The Perks of Being A Wallflower’, apela a esas personas que son tímidas e introvertidas, y que en ambientes sociales evitarán a toda costa ser el centro de atención, manteniéndose alejados de la acción porque «el puto mundo está hecho de alambre»
En el tema, llenísimo de estímulos melódicos, Fike cree que cierta persona es también un «wallflower», pero se equivoca: «Te tomé por alguien que se anda con rodeos, por un marginado, por un cobarde y un gallina / Vale, ven a ser mi jefe», canta en el estribillo.
Paul Thomas Anderson, ganador del Óscar a Mejor Director y Mejor Película por ‘Una batalla tras otra’, ya ha anunciado la que será su próxima película: Cameron Winter, en directo en el Carnegie Hall. El vocalista de Geese se consagró el pasado diciembre como uno de los artistas más jóvenes de la historia en agotar el prestigioso recinto de Nueva York, entrando en una lista de nombres de la talla de Joan Baez, Bob Dylan o David Bowie. ¿Qué ve Paul Thomas Anderson en Cameron Winter? El futuro.
Anderson no es el único gran cineasta conquistado por las composiciones de Winter, ya que Benny Safdie también se ha encargado de coproducir la película. ‘Live at Carnegie Hall’ estará disponible en plataformas a partir del próximo 9 de octubre, mientras que las entradas para la cinta saldrán a la venta el 17 de septiembre. Está por ver si alguna distribuidora española se anima a llevarla a nuestro país.
Qué mejor ocasión que esta para recomendar 5 canciones esenciales con las que empezar a conocer la discografía de Cameron Winter, que por el momento se reduce a su debut, ‘Heavy Metal’, y dos sencillos extra. Si no te gusta Geese, no te preocupes. Esto no tiene nada que ver.
Cameron Winter tenía claro que debía alejarse todo lo posible de cualquier cosa que pudiese recordar sónicamente a Geese. Así, la canción que abre su debut inmediatamente suena como algo sacado del cancionero de Van Morrison o Leonard Cohen, mientras el artista de 24 años deja claro con sus dos primeras frases que ‘Heavy Metal’ trata sobre el dolor que conlleva crear: «Seguiré rompiendo tazas hasta que mi mano izquierda tenga mala pinta / Hasta que mis milagrosas drogas escriban la canción milagrosa».
Por un lado, Winter está emocionado por tener en su poder «las líneas de bajo del futuro», pero por otro, sabe que toda su ambición se puede convertir en autodestrucción. Este se compara fatídicamente con Brian Jones, que murió en su piscina semanas después de haber sido echado de su grupo: «Como Brian Jones, nací para nadar / Hacia el mes pasado / Hacia los Rolling Stones / Hacia nosotros / Nadando solo».
Love Takes Miles / Nausicaä (Love Will Be Revealed)
Mas allá del sufrimiento y la desesperación latentes en la mayoría de sus temas, Cameron Winter también tiene grandes canciones de amor en su repertorio. También son las más pegadizas. ‘Love Takes Miles’ fue nombrada la mejor canción de 2025 para Pitchfork, pese a haber salido en 2024, y ‘Nausicaä (Love Will Be Revealed)’ suena hasta más inmediata que la primera.
Acompañada de las melodías y líneas de teclado más pop de ‘Heavy Metal’, esta se inspira en el pasaje de ‘La Odisea’ en el que Nausicaä encuentra al protagonista en su peor momento y lo cuida, básicamente a cambio de nada, para contar una historia sobre el amor incondicional, puro y duro, y con el mejor falsetto de Winter: «Soy ciego y tú eres fea / Es tan fácil quererte», canta. A Nolan se le olvidó adaptar esta parte.
Cancer of the Skull
Cameron Winter no puede parar de crear y eso le raya muchísimo. Su rutina durante el proceso era levantarse de la cama, salir al jardín de la casa del productor Loren Humphrey, escuchar Belle and Sebastian y ‘Teachers’ de Leonard Cohen y «quererme morir por saber que nunca iba a escribir algo tan bueno». Por eso, sus canciones son «100 bebés feos a los que no puedo alimentar», producto de la «religión demente» a la que reza.
Demostrando su valor como arreglista, el joven neoyorquino sigue la senda de Sufjan Stevens construyendo de forma gradual todo un ensamble de clarinetes, trompas y saxofones en la que puede ser la canción más imponente de su debut. Aunque Winter diga lo contrario, está lejos de ser obra de «las manos de un principiante».
Drinking Age
Winter escribió ‘Heavy Metal’ entre los 21 y los 22 años, describiendo esa época de su vida como «un poco borrosa»: «No sabría decir a qué estaba adicto y a qué no, pero sí diré que el Wellbutrin ha sido un puto regalo de Dios», declaró en su momento. ‘Drinking Age’ es un producto directo de esos tiempos convulsos.
Con tan solo piano y voz, Winter entrega un devastador relato ‘coming of age’: «Hoy he conocido a quién voy a ser de aquí en adelante / Y es un trozo de mierda». Es fácilmente lo más desolador que ha hecho Cameron en solitario, pero también una de las favoritas del público. En parte, por ser la que más libremente muestra sus excentricidades en el micrófono, con esos balbuceos finales.
$0
La canción más larga de ‘Heavy Metal’, llegando casi a los 7 minutos, comienza y acaba con los momentos más desconcertantes de todo el proyecto. Entre medias, un pacífico y bucólico mar de teclas. Destilada a más no poder, ‘$0’ pone toda la atención en su sencillo y conmovedor estribillo, otra muestra de la gran originalidad lírica de Winter: «Me estás haciendo sentir como un dólar en tu mano / Me estás haciendo sentir como un hombre de cero dólares».
‘$0’ termina, de manera totalmente inesperada, con una epifanía: «Dios es real, Dios es real / No estoy bromeando, Dios existe de verdad». Cuando The Guardian le preguntó directamente por el significado de esta parte, Cameron se tomó una «larga pausa» y después de «casi un minuto entero» de silencio, contestó: «Simplemente… El de arriba merece una mención de vez en cuando, ¿no?».
Ya estaba claro que ‘BbY WOW’ era el hit inesperado del último disco de Karol G. Ahora, es también la razón por la que Judeline y rusowsky han conseguido su primer hit mundial, al posicionarse en el primer puesto del top 50 Global de Spotify: «Estoy tiesa, no entiendo nada», ha declarado la artista andaluza en redes.
Tras este nuevo hito, Judeline se convierte en la primera artista española en conseguir una canción número 1 en el mundo. Rosalía se quedó cerca con su dueto con Bad Bunny en ‘LA NOCHE DE ANOCHE’, que llegó al número 2, y en solitario con ‘DESPECHÁ’, que alcanzó el séptimo puesto. Por otro lado, Aitana pudo posicionarse en el número 35 del top con ‘SUPERESTRELLA’.
La reacción de la artista de Los Caños de Meca en su perfil de TikTok no tiene ningún desperdicio: «Me he levantado de la siesta y he visto que la canción con Karol es número 1 mundial. No entiendo nada. No estoy siendo consciente de la magnitud que es estar en una canción número 1, que mi nombre esté ahí. Qué coño, que soy de Barbate, qué me estás contando», ha declarado entre lágrimas.
Por supuesto, también es el primer hit global de rusowsky, pero no es la primera vez que un artista español llega a lo más alto. Ya lo hizo Íñigo Quintero con ‘Si No Estás’, por loco que parezca, y lo repitieron Quevedo y Bizarrap con su sesión 52, extraoficialmente titulada ‘Quédate’. Este lo ha celebrado con un post de Instagram en el que no se ha complicado: «Soñando», ha compartido.
Abel Tesfaye lleva 4 años con la gira After Hours Til Dawn. Fue una de aquellas directamente afectada por la pandemia, pensada originalmente para centrarse en el maravilloso ‘After Hours’ y viéndose obligada a retrasarse e irse actualizando con el paso de los años y los lanzamientos de ‘Dawn FM’ y sobre todo ‘Hurry Up Tomorrow’. El artista canadiense ha llegado hasta el punto de de dejar caer que será el último tour bajo el pseudónimo de The Weeknd. En este sentido, su regreso al Riyadh Air Metropolitano de Madrid sí se siente como la espectacular culminación de toda su trilogía. Quizás, incluso, de toda su carrera.
El show comienza con las llamas envolviendo la imponente estatua dorada de Hajime Soroyama que se erige sobre el centro del escenario, dividido de nuevo en tres secciones: la tarima principal, con restos de una ciudad totalmente arrasada; el paso intermedio y el escenario B, pensado exclusivamente para fomentar la cercanía con el público. Unos figurantes con túnicas rojas y máscaras doradas abren las puertas de la «ciudad». Modo secta total. The Weeknd no protagoniza una entrada triunfal. Más bien, el público se da cuenta de que está ahí, portando una máscara con los ojos iluminados de rojo. Debe ser lo único no grandilocuente de este concierto.
Desde el principio, sin importar que todavía fuese de día, todo se inunda con láseres, luces, fuego (mucho fuego) y absolutamente cualquier elemento digno de aparecer en una superproducción de este calibre. Es casi abrumador durante el estribillo de ‘São Paulo’, que desplegó la mayor cantidad de llamas que había visto nunca en un concierto. Hasta unos minutos después, cuando ‘The Hills’ la superó totalmente. Si bien el concierto se mantiene totalmente fascinante a nivel visual, concluyendo con una traca final en la que los fuegos artificiales se suman a la mezcla en ‘Moth To A Flame’, los efectos especiales casi nunca van ligados a una narrativa. Para eso, hace falta un concepto. Ya ocurría en su anterior versión de la gira. Aunque en algún momento aparezca un agujero negro en la pantalla y la estatua empiece a humear, aquí lo importante son las canciones.
En esto, The Weeknd no defrauda. El setlist se recibe como un recorrido a través de todas sus eras y sencillos, con las canciones desperdigándose y fluyendo sin descanso a lo largo de dos horas de show que se pasan absolutamente volando. Hay una atención especial puesta en su último disco, como es obvio, y pasa muy de puntillas por ‘Kiss Land’, incluyendo un snippet de ‘Professional’ durante el turno de ‘Save Your Tears’. Lo único que me faltó fue ‘In Your Eyes’, una de sus mejores canciones. Y no es que Tesfaye la incluyese en otras fechas. Su setlist es rígido. El tío hizo 5 fechas en Wembley y no cambió ni una coma.
El sonido, por raro que parezca, acompañó. La voz del artista deslumbró desde el inicio con ‘Baptized In Fire’ y ‘Open Hearts’, pero sobre todo se benefició de los momentos más tranquilos del espectáculo. El canadiense se luce, realmente lo da todo, durante ‘Given Up On Me’ y ‘Niagara Falls’, así como en la sucesión de hits protagonizada por ‘I Feel It Coming, ‘Die For You’, ‘Wicked Games’ y ‘Call Out My Name’. Sin embargo, lo que consigue con su voz no lo llega a replicar del todo con su personalidad, siendo totalmente aséptica. The Weeknd hace lo que debería hacer una superestrella de su nivel, básicamente. Ser correcto.
Sí que Abel tiene el poder cómico de cantar lo que sea de forma angelical, recurso que utiliza en varias ocasiones y que siempre es muy efectivo. ¡Y no es el único momento gracioso del show!. Alguien de su equipo ha sido muy inteligente al inventarse algo que resulta natural, divertido y viral a la vez, como es la sección en la que Tesfaye baja a cantar ‘Out Of Time’ con alguien del público. Él canta maravillosamente la primera mitad del estribillo y la otra persona no da ni una nota. Perfecto. Sin embargo, la sensación de que The Weeknd vive en otro plano de la realidad es bastante presente durante el resto del show.
Ya sabíamos que él no es el artista más carismático ni el más elocuente, y desde luego ya hemos visto sus habilidades actorales. Es por esto que los instantes en los que asegura que «la primera noche es la más importante y tenemos que asegurarnos de que sea mejor que la segunda y la tercera» o repite que ama a Madrid por décima vez se sienten algo más falsos de lo normal. Aunque parece que ha mejorado ciertos aspectos respecto a la versión anterior de la gira, sigue habiendo una enorme necesidad de sensibilidad por su parte. Es una pena que no exista ningún tipo de peso emocional relacionado con su destructivo álter ego. Irónicamente, y acorde a sus letras, lo único que le falta a The Weeknd para tener un show de 10 es un corazón.
La experiencia humana puede llegar a ser muy compleja, pero en realidad, todo acaba por reducirse a los mismos grandes temas recurrentes: el amor, la familia, la fe. En su quinto álbum en solitario, la vocalista de SAULT vuelve a ejercer de profeta, enviando mensajes gratificantes y convenciendo al oyente de que todo va a salir bien al final si se es fiel a uno mismo. ‘Gentlewoman’ sigue la estela de sus anteriores trabajos, y como todo ellos, está cargado de emoción soterrada, de una calma que abraza y protege.
En la portada, Cleo Sol aparece en la oscuridad al lado de una puerta abierta, por donde se escapa la luz: una imagen que captura no solo el mensaje esperanzador que lanza, sino también el efecto que su propia música consigue. Las primeras notas de piano de ‘I Only Look to You’ son como si un cielo encapotado se abriera. La dulzura de su poderosa voz inunda una composición minimalista en la que se dirige a dios, con el corazón lleno tras sentirse al fin en paz consigo misma. La producción de Inflo, su marido y colaborador frecuente, ofrece a la cantante un espacio privilegiado para desplegar su calidez, envolviéndola en sutiles arreglos atmosféricos. Aunque en ocasiones haya muchos elementos en las canciones, la sensación nunca es abrumadora ni explosiva, sino más bien como si Cleo Sol estuviera cantándote directamente al oído.
En ‘Sweet Thing’ hay coros, percusiones, metales y cuerdas, y sin embargo, no hay ningún momento en el que la instrumentación quite protagonismo a la voz. En el álbum, igual que en el catálogo de la cantante, todo es elegante, clásico, delicado. A medio camino entre el neo-soul y el R&B, canciones como ‘Gentlewoman’ destacan por la depuración en la producción y unas melodías seductoras. Más recargada e igual de efectiva es ‘Imagine’, un suculento festín para los oídos, con capas y capas de instrumentos, reverb y una interpretación vocal que quita el hipo.
Sin ningún interés por la inmediatez, Cleo Sol e Inflo construyen un trabajo que no depende de ganchos fáciles y que se engrandece en los pequeños detalles. Pese a lo que pueda parecer en una primera toma de contacto, la paleta sonora que manejan está lejos de ser unidimensional. Es una colección de canciones compacta y cohesiva, pero también variada.
El gospel de ‘Let Me Cry’, en el que la artista defiende su derecho a expresar vulnerabilidad tras un día duro, es uno de los momentos más luminosos gracias a los melismas de su voz, los coros y la elegancia del piano. Tras ese momento de espiritualidad, ‘Family Ties’ baja las cosas a tierra con un sintetizador inquietante y una letra menos cristalina de lo que acostumbra. Aquí se retrata una discusión familiar cargada de rencillas: “En tu enfado me muestras donde yace tu lealtad”. Algo de esa decepción continúa en la espléndida ‘Their Smiles Are Not The Same’, todo un viaje que comienza con un simple patrón de percusión y acaba por convertirse en un imponente número en el que vuelve a aparecer el coro, al que se le junta una orquesta de violines, piano y guitarra eléctrica. Igual de grande se siente el R&B guitarrero de ‘All Because of Love’ que se extiende hasta los seis minutos.
En contraste con estas catarsis, ‘Honest Talk’ destaca por su simpleza instrumental, con tan solo una guitarra acústica y ligeros toques de piano. En su letra, Cleo Sol vuelve a su habitual filosofía positiva: “Nuestro amor es un lugar especial / superaremos cualquier cosa”. Otro gran acierto es cuando la artista apuesta por incorporar ritmos latinos a las composiciones. ‘Force of Love’ coquetea con la sensualidad del dancehall, dando lugar a uno de los momentos más pegadizos del proyecto. Mientras que la bossa nova de ‘Sentimental Love’ invoca con éxito a la mismísima Sade.
Con 15 canciones y superando la hora de duración, ‘Gentlewoman’ puede intimidar en un primer acercamiento, pero enseguida, la belleza de las composiciones, la producción exquisita y la portentosa técnica vocal de Cleo Sol ejercen un poder hechizante. Es un álbum épico y pausado, totalmente ajeno a cualquier moda o tendencia: música delicada y triunfal, hecha para perdurar en el tiempo.
