En la mañana de este lunes 10 de agosto, un terremoto de magnitud 7,4 hizo temblar el oeste del país dejando tras de sí al menos 224 muertos y cientos de heridos a la hora de redactar esta noticia. David Bisbal se encontraba en Bogotá para grabar la primera edición de Operación Triunfo USA y ha contado en sus redes cómo vivió el seísmo.
Antes de dar sus declaraciones de forma sosegada, el cantante grabó un vídeo desde su habitación de hotel en el que se aprecia como la lámpara se mueve de lado a lado mientras este reacciona en directo: «Un terremoto, espero que no pase nada, Dios mío. Puta madre, por favor, virgencita…», se le entiende.
Al día siguiente, este contó que su primera reacción al despertarse con el temblor fue, naturalmente, «un poco de pánico»: «Después de un minuto aproximadamente pues todo acabó, empezaron a sonar un montón de alarmas por protocolo de otros edificios que estaban colindantes al mío», cuenta.
El terremoto no ha afectado de forma grave a la capital del país, en la que se encontraba Bisbal, pero sí ha hecho estragos en provincias del interior de Colombia: «Desde aquí quiero mandar un saludo y un beso enorme a las personas afectadas», concluyó el cantante. Por otro lado, el Gobierno ha confirmado que hay 164 españoles en el país que se encuentran «en paradero desconocido».
David Bisbal cuenta desde Bogotá cómo ha vivido el terremoto: «Estamos todos con el corazón en un puño» pic.twitter.com/tx9vCQP8v4
This Is Lorelei lleva siendo uno de los proyectos más interesantes del indie estadounidense desde hace más de una década. Tras años de álbumes y singles apilados en Bandcamp y del aclamado lanzamiento de su primer LP oficial, el álter ego de Nate Amos podría convertirse en la nueva estrella indie con su segundo disco. ‘Oh No Now My’ es la Canción del Día.
‘Box For Buddy, Box For Star’ fue un soplo de aire fresco en el mundo del indie rock norteamericano, con Amos demostrando una versatilidad fuera de lugar, también presente en Water From Your Eyes, su banda alternativa. Aquel proyecto incluía tanto autotune como americana de raíz, entre otros experimentos guitarreros, en temas tan inmediatos como ‘Dancing in the Club’ o ‘Where’s Your Love Now’. Ambas, regrabadas por MJ Lenderman y Waxahatchee, respectivamente, para el deluxe del LP.
‘The Singer In My Band’ será el segundo álbum oficial de This Is Lorelei y estará disponible el próximo 11 de septiembre. El disco es descrito por el padre de Amos, músico de bluegrass, como su álbum «beatnik en la carretera». Esto se ve claro en ‘Billy Came Back’, un primer adelanto situado en el reino del country folk, pero no tanto en ‘Oh No Now My’, más difícil de clasificar.
El riff que abre la canción es perpetuo, escuchándose durante la totalidad del tema y sin romper el bucle en ningún momento. Por encima, Nate Amos canta sobre su «Joey» mientras explora los diferentes significados y juegos de palabras que hay detrás de la palabra «miss», que puede significar echar de menos, perder algo o fallar. Lo mejor: con muy, muy poco, Amos consigue sacarse una melodía difícil de olvidar.
Cada vez que se estrena un remake de un clásico de Hollywood aparece entre la crítica la palabra mágica: “innecesario”. En la actualidad, dada la tendencia a convertir películas icónicas en series o miniseries, los reproches sobre su “necesidad” se han multiplicado. De hecho, el temor al rechazo que suscita la etiqueta remake ha llevado a muchas productoras a justificar estos proyectos apelando a su origen literario: no es un remake, eh, sino una “nueva adaptación” de la obra original.
‘Cape Fear’ (Apple TV) comenzó a ser cuestionada desde el mismo momento de su anuncio. La gran paradoja es que muchos de los reproches que está recibiendo ahora la serie ya los sufrió en su día la película de Scorsese (solo hay que leer las criticas tras su presentación en el festival de Berlín). ‘El cabo del miedo’ (1991) era un remake de ‘El cabo del terror’ (1962) que a su vez adaptaba la novela ‘Los verdugos’ de John D. MacDonald (reeditada este año en Debolsillo con el título ‘El cabo del miedo’).
En un ecosistema audiovisual plagado de secuelas, precuelas, reboots, spin-offs, remakes y universos expandidos, ¿de verdad tiene sentido seguir planteando el debate en esos términos? La cuestión debería ser otra: ¿existe una razón artística para hacer una nueva versión? ¿Aporta algo que justifique regresar a un material conocido? Un remake puede ser (suele ser) un refrito redundante, oportunista y perezoso, pero también puede ofrecer una relectura interesante desde otro punto de vista, otro contexto histórico o un formato diferente.
En el caso de las series, hay muchos ejemplos de remakes que son todo menos “innecesarios”. Por citar algunos de los más recientes: ‘Mr. & Mrs. Smith’ supera ampliamente a la película de 2005, ‘Fargo’ no tiene nada que envidiar al filme de los hermanos Coen e ‘Inseparables’ ofrece una relectura enormemente sugestiva del clásico de Cronenberg. Por no hablar de una versión de ‘El cabo del miedo’ que muchos parecen olvidar: ‘Cape Feare’, el divertidísimo segundo episodio de la quinta temporada de ‘Los Simpson’, que parodia la película de Scorsese.
‘Cape Fear’ no entraría en esta lista. La versión de Nick Antosca (‘Channel Zero’, ‘Nuevo sabor a cereza’), producida por Spielberg y Scorsese, no iguala ni mejora su principal referente, ‘El cabo del miedo’, ni tampoco ofrece una relectura particularmente interesante. Le faltan suspense y coherencia dramática, y le sobran subtramas de culebrón y sobreexplicaciones para espectadores con problemas de atención.
Sin embargo, es una versión muy disfrutable. Por tres razones. La primera es el dúo protagonista. Javier Bardem borda el personaje de Max Cady, logrando una mezcla muy divertida, sobreactuada para bien, entre seductor carismático, manipulador maquiavélico y psicópata zumbado. Amy Adams, por su parte, interpreta a una abogada defensora (el cambio más significativo con respecto a la película) y consigue transmitir muy bien esa mezcla de culpabilidad, miedo y determinación (destacar también a la prometedora Lily Collias, a quien descubrimos en la estupenda ‘Buena chica’; más discreto está Joe Anders, hijo de Kate Winslet y Sam Mendes).
La segunda es la atmósfera. ‘Cape Fear’ está situada en Savannah (Georgia), en plena temporada de huracanes y bajo un calorazo húmedo y sofocante. Sus mansiones, su vegetación exuberante (con el famoso musgo español colgando de los árboles) y su belleza decadente (acordaos de ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’) proporcionan un escenario de gótico sureño perfecto para una historia en la que, tras una fachada de respetabilidad, empiezan a aflorar secretos, culpa y violencia.
Y, tercero, su tratamiento audiovisual. ‘Cape Fear’ evita por completo la estética televisiva al uso. Abraza el exceso, el artificio y la deformación expresionista del modelo de Scorsese mediante una iluminación deliberadamente saturada y una combinación de recursos formales como zooms, barridos rápidos, distorsiones, ángulos inclinados, blanco y negro y negativos de color. Todo ello acompañado de la icónica música de Bernard Herrmann, cuya capacidad para generar una sensación de amenaza (un buen ejemplo de esta combinación de recursos es el prólogo en la piscina del octavo episodio) sigue intacta más de sesenta años después.
No hay demasiados cambios en la lista de singles española. Los cinco primeros puestos de la tabla son ocupados, en este orden, por ‘La Graciosa’ y ‘Al Golpito’ de Quevedo, ‘Dai Dai’ de Shakira y Burna Boy, ‘Superestrella’ de Aitana y ‘Pa ti toa’, de Ana Mena y Lola Indigo.
De las cuatro entradas que encontramos esta semana en la clasificación, la de Ariana Grande es de lejos la más alta. La artista estadounidense ha posicionado la canción ‘petal’ en el número 39. Es la única inclusión nueva del disco, que ha debutado en el primer puesto de la lista de discos española convirtiéndose en el primer LP de Ariana en lograrlo. ‘Hat That I Made You Love Me’, por otro lado, ha vuelto a entrar en lista, en el número 67.
Karol G ha conseguido la mayor subida de la semana, con ‘MATADORA’ subiendo más de 40 puestos en lista. El single de ‘NO ME ARREPIENTO DE SENTIR TANTO’ ha pasado del número 73 al 32, siendo esta su segunda semana en la tabla.
El resto de entradas las protagonizan el remix multitudinario de Fanta Rosario con ‘Si me hiciera el de la lengua’ (#55), Beny Jr con ‘Malandrin’ (#86) y Abraham Mateo, María Becerra y Big One con ‘Así’, que debuta en el puesto 90.
Últimamente las listas de éxitos lucen plagadas de éxitos viejos, lo cual hace que el impacto de ‘Love Me Not’ de Ravyn Lenae sea aún más meritorio. ‘Love Me Not’ ya tiene dos años de vida y se mantiene popular, pero hay que recordar que es un éxito que no viene de una legacy artist ni de una artista mainstream, sino de una cantante que hasta hace poco era conocida sobre todo en los circuitos R&B y alternativos. El mayor éxito de su debut suma 50 millones de streams. ‘Love Me Not’ supera con la gorra los mil millones.
Ravyn Lenae ha decidido surfear la ola publicando disco un año después del viral, y después de haberse presentado en festivales como Mad Cool. ‘Blue Island’, por supuesto, tiene guitarras y temas tan aparentemente pensados para los festivales como el trotón ‘In & Out’, que debería convertirse en un nuevo éxito para Lenae.
Pero el disco también tiene otras cosas. Llamado como el barrio de Chicago donde Ravyn Lenae nació y que solo visitaba de manera intermitente con su familia, el tercer disco de Ravyn Lenae pretende transmitir una idea de artista en curso. El sorprendente éxito de ‘Love Me Not’ inspira temas tan guitarreros como el pegadizo single ‘Handle’, pero hay una intención obvia de volver a los orígenes en temas de R&B como ‘Babygirl’, con Doechii, aunque en este caso dando más sensación de familiaridad.
Ravyn ha contado precisamente que el éxito de ‘Love Me Not’ le ha obligado a enfrentarse a los prejuicios tanto de puristas como de oyentes casuales que pensaban que era blanca por el sonido de la canción. En ‘Blue Island’ explora la combinación de guitarras y armonías R&B y soul elevado con su conocida habilidad para las melodías, y canciones como la pletórica ‘Familiar Dreams’ se resisten a ser encasilladas, mientras ‘Potential’ lleva esa fórmula hacia un final electrónico muy Björk.
Las canciones vuelven a dedicarse a los sinsabores del amor, con una Ravyn en ‘Saturday Night’ intentando recomponerse del amor, o en ‘Never Let Me Go’ extasiada sin poder disimular sus emociones. Situada entre el black pop de los 80 y el luminoso R&B de ‘Damita Jo’ de Janet Jackson, Ravyn Lenae sigue brillando en este estilo, aunque cortes como ‘Barriers’ o ‘Wish You Well’ redundan en las mismas ideas con resultados menos convincentes, y la ochentera ‘Find It One Day’ suena a cliché al final del disco. El sugerente sonido de ‘HYPNOS’ se ha esfumado casi por completo.
Ningún tema de ‘Blue Island’ es peor que la decisión de meter un audio de WhatsApp familiar en la por otro lado exquisita ‘Never Let Me Go’, que arruina completamente el vibe. Reuniendo un puñado de singles sólidos y otras joyas para fans del R&B alternativo, como ‘Sew Me Back Together’ o la canción de hoguera ‘Reputation’, con Dominic Fike, ‘Blue Island’ es un buen regreso que, sin embargo, corre el riesgo de homogeneizarse con el revivalismo ochentero y que podría haber salido con unos cuantos temas menos.
Ariana Grande debuta en el número 1 de álbumes en España con ‘Petal’. Es el primer número 1 de la artista en nuestro país, después de haberse quedado varias veces a las puertas con sus discos anteriores.
En España, ‘Petal’ entra directamente en el número 1, por delante de Quevedo, que baja al 2 con ‘El Baifo’, y de Bad Bunny, que cae al 3 con ‘Debí Tirar Más Fotos’.
Hasta ahora, el mejor resultado de Ariana en España había sido el número 2 de ‘Eternal Sunshine’, que además está certificado con 40.000 copias en nuestro país. ‘Thank U, Next’ llegó al número 3 y ‘Positions’ al 5. ‘Petal’ consigue por fin romper esa barrera y llevar a Grande al primer puesto de la lista española, gracias en parte a la falta de competencia.
En Estados Unidos, ‘Petal’ también ha debutado en el número 1 del Billboard 200 con 295.000 unidades equivalentes. De ellas, 168.000 corresponden a ventas puras del álbum. Es el 7º número 1 de Ariana Grande en Estados Unidos y su segunda mejor semana de ventas, tanto en unidades totales como en ventas puras. Además, ha vendido 96.000 vinilos, la mejor semana de su carrera en este formato.
Con este nuevo número 1, Grande iguala a Janet Jackson y Lady Gaga como las artistas solistas con el quinto mayor número de discos que han llegado al número 1 del Billboard 200.
Pero el éxito del disco va más allá. ‘Petal’ también ha sido número 1 en Reino Unido, Australia y Nueva Zelanda, además de liderar la lista de vinilos australiana. Es el sexto número 1 de Ariana en álbumes en estos tres mercados.
La lista española deja además otras dos entradas destacadas. ‘9 Months & 50 Hours’, la colaboración de Fred again.. y Latin Mafia, debuta en el número 25. Más abajo, en el 84, entra la banda sonora de ‘Heated Rivalry’, la serie de televisión, firmada por Peter Peter.
Hay algo bastante fuerte en que The Atlantic publique en 2026 un artículo preguntándose si Charli xcx es “la nueva Britney Spears” o “el nuevo Lou Reed”. Ahí va un dato que os hará sentir viejos: Britney Spears apareció como fenómeno pop hace casi 30 años. Lleva 10 sin publicar un disco, está retirada de la industria y acaba de volver a decir que no piensa volver. Y aun así seguimos preguntándonos quién es la nueva Britney.
The New York Times ya había dedicado en 2025 un reportaje al fenómeno de las nuevas Britney Spears del pop. La lista de candidatas se renueva constantemente. Addison Rae, Tate McRae, Ariana Grande, Aitana… Como si hubiera quedado una vacante que alguien tuviera que ocupar.
Pero Britney no dejó ninguna vacante. Este agosto se cumplen 10 años de ‘Glory’, su último disco, y este mismo mes Britney ha vuelto a explicar que no piensa regresar a una industria que la traumatizó. También ha contado que las cosas ya no son como cuando ella estaba ahí, cuando tenía que ser “too good” y no podía hacer prácticamente nada a su manera. Hoy, las pop stars pueden ser indies y nadie levanta una ceja. Mientras Spears habla de aquella etapa como algo de lo que no quiere volver a formar parte, su figura sigue apareciendo por todas partes en el pop actual.
Charli xcx, probablemente la artista pop más importante del momento, ha dicho que ‘Blackout‘ es su disco favorito ever y muchos han detectado su influencia en ‘brat‘. Charli tiene 34 años y pertenece a esa generación que creció con Britney. En ‘2007‘, además, canta sobre estar en casa, de adolescente, cantando delante del espejo. No es una canción sobre Britney, pero resulta difícil no pensar en toda aquella generación que aprendió a ser pop star delante del espejo viendo sus vídeos.
Y luego están las referencias calculadas de los artistas. Recientemente, Tate McRae ha utilizado durante su gira unos visuales que recuerdan muchísimo a la estética de ‘Britney’ (2001) y el debate se ha generado ipso facto. Tiene toda la pinta de haber sido premeditado: la conversación online también es promoción. Addison Rae es Britney, toda ella. Aitana ha metido un interludio de ‘Toxic’ en su gira. El fan service de Zara Larsson y Tyla al Britney Army es un canteo. Sabrina Carpenter ya había recurrido a Britney en los VMAs y hasta Rosalía evocó a Spears en el videoclip de ‘Bagdad’, una canción sobre el maltrato doméstico que samplea ‘Cry Me a River’. Incluso la portada del nuevo disco de Karol G ha sido comparada simultáneamente con las cubiertas de ‘In the Zone’ y del single de ‘I’m A Slave 4 U’.
Tate McRae is receiving criticism as many believe her new visuals are too similar to Britney Spears’ ‘Britney’ era visuals. pic.twitter.com/H1FoB4bpBZ
Todo esto hace que Britney funcione como una especie de capital cultural del pop, tanto estética como artística. Su nombre, su imagen y determinados momentos de su carrera se han convertido en referencias que los artistas explotan para expresarse. Britney ya funciona casi como una idea o un concepto que se puede utilizar dentro de una obra, con más o menos gusto: ‘Britney in 07’ de blackbear no es exactamente un homenaje; ‘Lucky’ de Halsey, sí. En España, Britney ha aparecido en canciones de Rigoberta Bandini o Vicco que hablan indistintamente de nostalgia o salud mental. Hasta una artista tan improbable como Florence + the Machine ha mencionado a Britney en ‘Morning Elvis‘. No son canciones sobre Britney, pero Britney funciona en ellas como una referencia cultural que los artistas utilizan para contar algo sobre sí mismos.
Ariana Grande es seguramente uno de los ejemplos más claros de esa herencia. Su voz está más cerca de las grandes belters, pero su forma de construir una superestrella pop tiene mucho de Britney. Aitana ocupa un espacio parecido en España. Tate McRae lo hace desde el baile. Addison Rae desde la transformación de una celebrity de internet en pop star. Tinashe tiene incluso la conexión directa de haber colaborado con Britney en ‘Slumber Party‘. Y aunque Zara Larsson o ADÉLA hayan mostrado más afinidad por Christina Aguilera o Beyoncé, también entran en esa tradición de cantante que tiene que ser a la vez intérprete, bailarina e imagen. Es un modelo que el K-pop ha recuperado y convertido en toda una estructura de industria, así que tampoco es algo que haya desaparecido con Britney ni que el pop occidental haya descubierto ahora.
Hay además una comparación muy personal que me viene a la cabeza cuando pienso en Britney, y es la de Vaslav Nijinsky. Es una asociación mía y no pretendo establecer ningún paralelismo biográfico entre los dos. Lo que me hace pensar en él es algo mucho más concreto: la manera de bailar. Britney era una bailarina extraordinaria cuando era joven, con una facilidad impresionante para ejecutar coreografías muy exigentes y hacer que parecieran naturales. De Nijinsky se ha hablado muchas veces en esos términos, por su técnica y por esa gracilidad que hacía que movimientos dificilísimos parecieran fáciles. También tenían cuerpos y condiciones físicas muy particulares para aquello que hacían.
Con los años, Britney perdió facultades como bailarina y su manera de actuar sobre un escenario cambió. Pero basta con volver a ver sus primeros vídeos y actuaciones para entender por qué hoy parece tan difícil de reproducir. Cuando se dice que Tate McRae o Addison Rae no tienen el “aura” de Britney, normalmente no se está diciendo que bailen peor. Se está hablando de ese poder que tenía Britney sobre un escenario y de una combinación muy concreta de técnica, físico y presencia.
Ya sea por el impacto que ha dejado o porque no deja de ser referenciada, Britney empieza a funcionar como funcionan otras figuras que han dejado de ser solamente artistas para convertirse en iconos. Marilyn Monroe o James Dean siguen siendo utilizados como referencias aunque sus carreras terminaran hace eones. Su imagen ya no necesita estar ligada a una obra concreta para tener significado. Con Britney todavía es pronto para saber si ocurrirá lo mismo, pero resulta llamativo que, una década después de su último disco y con la propia Britney insistiendo en que no quiere volver, su nombre siga tan presente.
Por eso la pregunta sobre quién es “la nueva Britney” puede entretenernos un rato o generar contenido viralizable, pero quizá no resulte muy útil. Britney puede aparecer como referencia estética, como modelo de pop star, como sample, como título de una canción o simplemente como nombre que permite a un artista hablar de sí mismo. Su influencia está dispersa en multitud de pop stars diferentes. Muchas de ellas han heredado partes de aquello que representaba Britney, pero no necesariamente necesitan convertirse en su sucesora.
No solo Florence + the Machine se inspira en Julian de Norwich para su trabajo. Susanne Sundfør también ha recurrido a la mística inglesa para su nuevo disco, ‘Revelations of Divine Love’, que sale el 2 de octubre.
El título viene del famoso texto de Julian de Norwich, escrito en el siglo XIV y centrado en el amor divino. Sundfør descubrió sus escritos mientras tocaba en iglesias junto al pianista y organista británico Kit Downes, con quien ha hecho este nuevo álbum. La conexión fue tan inmediata que Downes acabó convirtiéndose en colaborador de pleno derecho del proyecto.
Ya podemos escuchar el primer adelanto, ‘I It Am’, cuyo título también sale de los escritos de Norwich. Y es precioso, pero también deja bastante claro por dónde va este disco. No es un single pop al uso ni parece buscarlo: Sundfør se toma su tiempo, deja que la voz se deslice sobre las melodías de órgano y un coro celestial y construye algo mucho más meditativo y contemplativo.
‘Revelations of Divine Love’ continúa de alguna manera la exploración espiritual que Sundfør ya había iniciado en ‘Blómi’, su disco de 2023. El álbum fue grabado junto a Downes en noviembre de 2024 en una iglesia de Noruega, Bragernes Kirke, aprovechando precisamente su atmósfera reverberante y casi sagrada.
Ha muerto Frank Gálvez, músico y cantante conocido especialmente por haber formado parte de Gasca y por el proyecto que compartió durante años con Guille Mostaza, Mostaza Gálvez. La noticia la ha comunicado el propio Mostaza, que ha despedido a su amigo con un extenso y emocionado mensaje.
Gálvez, nacido en Barcelona en 1976, estuvo al frente de Gasca, banda que publicó el disco ‘Telescopio’ en Elefant a comienzos de los 2000 y que se convirtió en una referencia de culto dentro de la escena indie. Gálvez y Mostaza se conocieron precisamente en aquella época, cuando Gasca teloneó a Niza, grupo con el que colaboraba el entonces miembro de Ellos.
Años después, ambos terminarían compartiendo piso y estudio y haciendo canciones juntos. Así nació Mostaza Gálvez, proyecto que publicó el EP ‘Restos’ en 2016 y los discos ‘Vida y milagros’ (2017) y ‘Desventura’ (2020). En ambos, Gálvez y Mostaza alternaban las voces, mientras compartían también la instrumentación y la producción.
En 2023, Gálvez publicó además su primer disco en solitario, ‘Siempre te diré que sí’, editado por Subterfuge. El álbum reunía diez canciones y contaba con la producción de Guille Mostaza, además de la participación instrumental de Diego Perinetti.
Ha sido precisamente Mostaza quien ha dado la noticia. «Se me va un amigo, un compañero de vida, de piso, de estudio, de grupo, de escenario, de viaje, de risas y llantos», comienza su despedida. El músico recuerda a Gálvez como «un hermano», una persona de «humor excelso y energía a raudales» y «un talentoso desastre» con quien compartió 25 años de amistad.
«No había fachada ni disfraz en él», escribe Mostaza. «Si se puede hablar de alguien auténtico ese es Frank Gálvez». Y concluye: «Ahora el mundo es un poquito más gris sin él aquí».
En poco más de un mes se publica ‘AURA’, el nuevo disco de Amelie Lens, y el nuevo adelanto que conocemos del álbum es un serio pepinazo techno que incluye la participación de otra artista belga, Angèle.
Angèle está claramente en su era más clubby. De Amelie Lens ya nos lo esperábamos porque ella es productora de techno y raro es el festival en el que no pinche, pero Angèle ha pasado del pop a colaborar con Justice en ‘What You Want‘ y en ‘Dis-le‘ publicaba un banger ravero.
Precisamente en otra rave nos sitúa ‘Run’, el single que une a Amelie y Angèle, basado en un techno oscuro y ritmos trepidantes. La sensación de amenaza y peligro recorre el tema, mientras la voz de Angèle aporta la dimensión melódica.
‘Run’ es además muy contemporáneo en tanto está narrado por un personaje aparentemente computerizado, como si fuera una IA con «recuerdos programados» y un «amor sintético». Spoiler: al final se pregunta si no será «Human After All», una posible referencia al disco de los robots más famosos de la historia, Daft Punk.
Cuando Tame Impala lanzó ‘Dracula’ hace poco menos de un año, parecía claro que Kevin Parker proponía un himno para Halloween. Lo que pocos vieron venir es que acabaría convirtiéndose en uno de los mayores éxitos del último año a nivel global. Especialmente en Estados Unidos, donde la noticia ya dejó de ser que Tame Impala entrara en el Billboard Hot 100 por primera vez para pasar a ser que ‘Dracula’ había irrumpido en el top 5. Gracias al remix con Jennie, eso sí, pero la canción es la misma.
En números de Spotify, el remix de ‘Dracula’ con Jennie va por 459 millones de streams, mientras que el tema original lleva 537 millones. Casi la misma cantidad, y ambos figuran dentro del top 200 global de Spotify. En España, para que se entienda el alcance de la canción, ‘Dracula’ con Jennie ha sido número 1 en Los 40.
Y el éxito de ‘Deadbeat’ no acaba ahí, porque Tame Impala se acaba de anotar otro macrohit gracias a un tema que salió antes. ‘Loser’, el tema más guitarrero del disco, también se ha convertido en un hit. Lo ha hecho gracias a su destacado uso en la superproducción ‘Spider-Man: Brand New Day’: ha subido al top 10 de Spotify en Estados Unidos y está a punto de irrumpir en el top 10 global. Ahora mismo es top 11.
El impacto de la película es tal que ‘Spider-Man: Brand New Day’ sigue arrasando en taquilla y ya apunta a los 2.000 millones de dólares: Sony y el UCM baten récords, así que no extraña que ‘Loser’ se haya pegado a tanta gente que la está descubriendo al ver la película.
A pesar de las tibias críticas a ‘Deadbeat’, un disco que en JENESAISPOP sí reivindicamos y elegimos entre los mejores del año pasado, el sexto disco de Tame Impala se está convirtiendo en el más fructífero de toda su carrera en cuanto a hits. ‘The Less I Know the Better’, su mayor éxito, se coció a fuego lento con los años, pero ‘Dracula’ y ‘Loser’ solo han necesitado uno. Es posible que, en poco tiempo, las cifras de las dos versiones de ‘Dracula’ superen las de ‘The Less I Know the Better’ en las plataformas de streaming. Aunque será difícil, porque esta última también sigue entre las canciones más escuchadas actualmente.
El éxito de ‘Deadbeat’ ha convertido el disco de Tame Impala en un serio candidato a la nominación a Álbum del Año en los Grammy, según informa Hits Daily Double. La base es, evidentemente, el éxito de ‘Dracula’ y ‘Loser’, pero también debería serlo la calidad de canciones como ‘My Old Ways’ o ‘End of Summer’. Si tenemos que adivinar cuál será el próximo hit, apostaríamos por ‘Afterthought’.
Los momentos más memorables de la última jornada de Sonorama Ribera se han volcado a la emoción y al recuerdo, especialmente de Robe, con todo confluyendo en el gran concierto de Leiva.
La antesala del show más esperado de toda la 29ª edición del festival ya adelantaba parte de su contenido. Al igual que el año pasado, los nombres de todas las personas involucradas en la organización del evento se proyectaron en las pantallas, antes de proceder con el impresionante espectáculo de drones al son de ‘Si te vas’. Los ojos de Robe iluminaron el cielo de Aranda rodeados por un árbol floreciente. Poco después, la palabra “SIEMPRE” apareció adornada con todo tipo de banderas, desde la palestina hasta la LGTBIQ+.
Seguro que el legendario compositor de Extremoduro también estuvo bien atento a la interpretación de una de sus grandes canciones durante el set de Leiva, que se atrevió con una versión en solitario, solo él y una guitarra, de ‘El hombre pájaro’.
“Nunca he tocado esta canción y nunca he visto el momento adecuado. Él era tan bueno que tenía unas composiciones muy complejas, pero que parecían sencillas. Me he planteado cantarla muchas veces, pero siempre me he echado atrás ya en el escenario”, reveló Leiva antes de silenciar a los 40.000 asistentes presentes. También pidió perdón de antemano y avisó de que cabía la posibilidad de que se equivocara o de que parase la canción a la mitad. No solo era un reto técnico, sino emocional. Sin ser Robe ni pretender serlo, Leiva regaló el gran momentazo del festival.
Seguro que la presencia de este tema en el setlist tuvo que ver con la confesión que compartió momentos antes: “He tenido un día horrible, de dormir fatal por los nervios”, declaró. Está claro que por el resto del set no era. Leiva es un artista que, a estas alturas, está mas que consagrado como parte de la historia del rock español reciente. Para hacerse una idea del espectacular repertorio de hits que el madrileño tiene en su discografía solo hace falta saber que ‘Terriblemente cruel’ sonó a 15 minutos de empezar su set. Le sucedieron ‘Superpoderes’, ‘Breaking Bad’, ‘Pienso en aquella tarde’, ‘No te preocupes por mí’… Y la lista sigue.
Mas allá de los hits, que remató al final del concierto con los mayores hits de Pereza y ‘Como si fueras a morir mañana’, hay que ver a Leiva para hacerse una idea de la maestría que maneja encima de un escenario. Le acompaña una banda de rock con vientos y su hermano, Juancho de Sidecars, ocupándose de la mayoría de solos de guitarra. Eso sí, también demostró durante ‘Flecha’ que él también es un ‘guitar hero’. Uno también se da cuenta de la dimensión de su carrera en solitario, capaz de mantener un genial concierto de rock en el que hay un poco de todo. Si su colaboración con Elsa y Elmar es un experimento enraizado en la música disco, ‘Como lo tienes tú’ permite un throwback colectivo en sus últimos segundos al ‘Hey Jude’ de The Beatles.
Sonorama Ribera
Leiva fue la perfecta culminación de una jornada que comenzó con Valeria Castro y Belén Aguilera, con ambas artistas ofreciendo dos shows muy diferentes en forma y contenido, pero tremendamente similares en su altísima calidad. La popstar catalana presenta un espectáculo medido al milímetro, fluido y con ritmo, y que no se siente prefabricado de ninguna forma. Tiene todo lo que te esperarías de un concierto de pop -coreografías, hype, momentos de karaoke- pero todo está llevado con una gracia superior, empezando por la imponente voz de Aguilera. Esta brilla especialmente en ‘Soledad’, favorecida enormemente por las cuerdas que la acompañan.
Mientras que Belén navegó en todo momento entre el virtuosismo vocal y el pop más adelantado, Castro se plantó de forma estoica en el terreno del corazón. Con una energía contagiosa desde que pisó el escenario, la artista canaria transmitía agradecimiento con cada expresión facial. Las mismas que, unidas a su inmaculada voz, son las que provocan un sentimiento difícil de explicar: «He visto alguna cara llorando y yo siento que me toque ser la sensible de este festival», contó sobrada de humor. No es menos el mérito de las propias composiciones, plasmadas en directo con clarinete, violín, teclados, batería y guitarra. La unión de todos estos elementos es capaz de provocar lo más grande en mí y en los asistentes que me rodean, con unos secándose las lágrimas y otros a punto de producirlas al terminar la interpretación de ‘guerrera’.
Sonorama Ribera
La M.O.D.A. fueron los protagonistas secundarios de la jornada, pese a que hoy han triunfado por todo lo alto en la Plaza del Trigo, también con la presencia de Leiva. Contaba David Ruiz en la rueda de prensa del festival que estar esa noche programados en el escenario grande como teloneros del show principal es un testamento a su propia trayectoria. La primera vez que actuaron en Sonorama Ribera fue en 2011, para «30 personas»: «Hemos ido pasando por todos los escenarios ganándonos al público uno a uno, con ayuda del boca boca», recordó.
Si lo consiguieron es por la gran consistencia de sus conciertos, nunca dando un paso en falso con sus himnos particulares y muy a menudo prestando su espacio a causa de las que casi ningún otro artista hablaría encima del mayor escenario de Sonorama. Si en Río Babel defendieron la educación pública, en esta ocasión han querido dedicar ‘Campo Amarillo’ para animar a los que puedan a destinar «más medios y más dinero a lo que pasa cada verano en nuestra tierra», para no permitir «que se queme, que se olvide y que se abandone». Interpretada casi a capela, con una guitarra muy leve y un suspirante acordeón, fue el contrapunto perfecto al fiestón castellano que se vivió durante el resto del concierto. Lo de ‘Héroes del Sábado’ era totalmente cierto.
Cada agosto se viraliza ‘august’ de Taylor Swift, pero ahora la canción es noticia por otro motivo. El equipo de Donald Trump la ha usado para trolear a Taylor en TikTok, acompañando con ella un vídeo de Trump y Melania viendo fuegos artificiales. «Estoy seguro de que Taylor Swift estará súper emocionada de que usemos su canción», decía el texto que acompañaba al vídeo. Ahora, el vídeo se ha quedado sin sonido.
No ha sido el único. En otro post, el equipo de Trump tiraba de ‘Red’ para hacer otro chiste a costa de Taylor: «¿Sabías que Taylor Swift escribió un álbum entero sobre el color del Partido Republicano?». También se inventaban títulos de canciones a partir de la idea. Como en el caso de ‘august’, el audio ha desaparecido.
Así que, de alguna manera, Taylor les ha devuelto el troleo. No ha dicho nada públicamente, pero los audios de sus canciones han ido desapareciendo de vídeos de las cuentas de Trump y de la Casa Blanca. Y resulta curioso porque Swift lleva tiempo siendo relacionada con MAGA por su marido, Travis Kelce, y porque hasta ahora no había parecido demasiado preocupada por el uso de sus canciones por parte de la Casa Blanca. De hecho, después de su boda, la propia Casa Blanca ya se había burlado de la pareja.
Taylor no es la única que está hasta los mismísimos de Donald Trump y sus ocurrencias. En las últimas semanas, Katy Perry ha protestado por el uso de ‘Firework’ en un vídeo de la Casa Blanca relacionado con la guerra de Irán, mientras Sabrina Carpenter también rechazaba el uso de su música en contenidos de Trump.
Perez Hilton, el conocido blogger de celebrities, ha sido noticia recientemente tras ser ingresado en un hospital de Miami después de un incidente durante un directo de TikTok. Su familia ha confirmado ahora que está «grave pero estable» y que tendrá que someterse a una cirugía en los próximos días.
Hilton estaba haciendo un livestream cuando varios espectadores avisaron a los servicios de emergencia al ver que se estaba autolesionando. La policía acudió a su casa, donde lo encontró solo y con una importante pérdida de sangre. Ahora permanece ingresado bajo la llamada Baker Act de Florida, destinada a personas que atraviesan una crisis de salud mental.
TikTok asegura que detectó el directo y lo pasó a su equipo de moderación, pero un error hizo que tardaran en retirarlo. La plataforma dice que avisó a la policía y que cerró otros directos posteriores, además de bloquear la cuenta. De momento, no ha tomado ninguna otra medida relacionada con lo sucedido.
La familia de Perez Hilton, cuyo nombre real es Mario Lavandeira, ha pedido privacidad mientras se recupera. Su entorno asegura que el proceso será largo, pero que su estado es estable.
Entre los singles que nos han podido pasar por alto estos últimos meses, pero que recuperamos ahora, está ‘Heart Has to Work So Hard’ de Blondshell, primer adelanto de su próximo disco, ‘Violins’ (el tema homónimo se publicaba recientemente). La neoyorquina vuelve a moverse entre el grunge y el rock alternativo con una canción especialmente directa.
Sobre una batería contundente y guitarras grunge, Blondshell construye una melodía casi monocorde y un estribillo deliberadamente apático, transmitiendo una sensación de cansancio emocional y de estar atrapada en una dinámica que se repite. Esa contención hace que el tema gane fuerza poco a poco hasta desembocar en un solo de guitarra y un puente de melodía casi eufórica.
«My heart has to work so hard when you’re around», repite, mientras «You make this feel like labor» resume bastante bien el desgaste que atraviesa la canción.
Blondshell ha explicado que habla de amistad y traición, de quedarse atrapada en una dinámica y dejar que las cosas se enquisten. También de la confusión y el dolor de una amistad entre dos mujeres, pero de un amor tan duradero que acaba dejando espacio para la compasión.
La muerte de William Orbit ha desatado una oleada de despedidas de artistas que trabajaron con él o que reconocieron su influencia, en especial de Madonna, con quien el productor británico creó algunos de los momentos más importantes de su carrera.
Madonna ha dedicado a Orbit una extensa despedida en Instagram en la que recuerda cómo trabajar con él cambió su manera de entender la música. «Me di cuenta de que la música no tenía por qué encajar en categorías o géneros. Así que creamos los nuestros». La cantante recuerda que Orbit le hizo descubrir nuevas formas de cantar y escribir y que, durante las sesiones de ‘Ray of Light’, sentía que el estudio era «como una iglesia».
«Solo tú podrías haberme inspirado para escribir una canción como ‘Drowned World’ o ‘Swim’», añade Madonna, que describe a Orbit como alguien «de otro mundo» y «singular». También establece un paralelismo entre el productor y su hija Lola, nacida en aquella época: «De muchas maneras, tú fuiste mi «Ray of Light», como lo fue mi hija Lola».
Uno de los momentos más significativos del mensaje llega cuando Madonna reconoce que, aunque con los años siguió haciendo música con otras personas, «nunca te he olvidado ni he olvidado el tiempo mágico que pasamos juntos». La frase adquiere un significado especial después de que Orbit contara hace unos meses que había preparado un disco que consideraba una continuación de ‘Ray of Light’, pero que no había obtenido respuesta de Madonna. El productor llegó a explicar que había trabajado en un álbum entero con la idea de una segunda parte de aquel clásico, aunque finalmente había desistido ante el silencio de la cantante.
Madonna cierra su despedida llamándole «Billy Bubbles» y asegurando que tuvo «mucha suerte» de haberle conocido y de haberse «caído por la madriguera del conejo» junto a él.
Entre el resto de homenajes, Blur se han limitado a compartir un emoji de corazón roto, mientras que Melanie C, que trabajó con Orbit en su debut ‘Northern Star’, ha escrito: «Fue un honor trabajar con este gran hombre». Melanie Blatt, de All Saints, con las que facturó los éxitos ‘Pure Shores’ y ‘Black Coffee’, ha recordado que Orbit fue «una parte tan importante de nuestro éxito y nuestra historia».
Alex Kapranos, de Franz Ferdinand, ha destacado que Orbit «llevó luz a muchas vidas», mientras que Sleaford Mods han lamentado su muerte. Stuart Price, colaborador de Madonna en ‘Confessions on a Dance Floor‘ y este mismo año ‘Confessions II‘, disco que irónicamente contiene varios homenajes a ‘Ray of Light’, también ha publicado un extenso recuerdo en el que describe a Orbit como «amable, curioso, alentador» y siempre dispuesto a sugerir y apoyar.
En los comentarios del homenaje de Orbit también han dejado sus mensajes Fatboy Slim, que le ha definido como «un pionero y un caballero», Skin de Skunk Anansie, que recuerda haber bailado su música «durante décadas», y Alison Goldfrapp, que ha enviado su cariño a sus amigos y familiares.
Entre los artistas modernos que han reaccionado a la noticia también están Kelly Lee Owens, que ha asegurado que admiraba el trabajo de Orbit «desde toda la vida», y PinkPantheress, que igualmente ha lamentado su pérdida.
Poco más de un año después de ‘Tropicoqueta‘, Karol G le da continuación con un disco completamente ajeno a la estética caribeña de aquel trabajo y de su actual gira. No sabemos si por mantener el interés en la gira o por renovar la presencia de Karol G en las listas globales, el disco tiene toda la pinta de haberse armado deprisa y corriendo, con lo que ello conlleva.
El disco sale tras la ruptura de Karol con Feid («el verano rosa se convirtió en invierno»), y ‘No me arrepiento de sentir tanto’ se construye sobre un arco narrativo de duelo por esa relación fallida. Aunque el álbum empieza empoderado con el excitante funk brasileño de ‘Te Llevo To’, el recorrido emocional va desplazándose hacia un tono cada vez más melancólico hasta llegar a ‘Después de ti’, donde Carolina canta con toda la pena «después de ti se me acabó la vida». La acompaña Greg Gonzalez, de Cigarettes After Sex, en la preciosa balada que conocimos hace semanas.
Sin la coherencia interna ni la visión de conjunto de otros de sus discos, ‘No me arrepiento de sentir tanto’ no es el típico disco que escuchar para encontrar una mirada global, sino para descubrir gemas individuales. Los burbujeantes sintes de ‘Maybe’ destacan al inicio; después, la nana ‘Final Feliz’ resultaría bastante bonita incluso sin la producción de Oklou -que se nota bastante-; y ‘Bby Wow’, con Rusowsky y Judeline, es un fresh take del famoso ‘Move Ya Body’ de Nina Sky, en plan playero.
Pero la sensación general es de familiaridad, y ni siquiera las colabos más tochas destacan demasiado. Drake está gracioso cantando en español en ‘Ahí’, pero el estribillo de esta canción no puede ser más embobado. Y aunque ‘Still’, con Bruno Mars, es un bonito dream-pop, como balada de mechero resulta bastante obvia. Tanto como la enésima cumbia homenaje a Selena, ‘Alguien que te amaba’, que ha devuelto la composición a Pete Astudillo, compositor habitual de Quintanilla, pero no deja de ser una cumbia genérica más.
Aunque ninguno de los cortes contenidos en ‘No me arrepiento de sentir tanto’ es catastrófico, algunas ideas podrían haberse desarrollado mejor. ‘Eclipse’, como balada, parece la típica maqueta a piano previa a ser producida a lo grande, ya que Karol usa el mismo flow para ella que para todos sus reguetones. Y ‘Con quién andará?’ ya va a full sampleando a Jeanette, pero el mismo concepto ha dado mejores resultados, y menos obvios, en otras canciones recientes.
Tiene guasa que el tema con más potencial sea precisamente el que Karol no quería en el disco, ‘For You My Lova’. El gancho «a mí me sobran las ganas, a ti te sobra la ropa» no encaja demasiado en el arco narrativo del álbum, aunque podríamos decir que dentro del duelo también ha de caber una cana al aire. Los sintes casi navideños del tema y el beat de reguetón conforman un buen número caribeño para los clubs. En su estilo es bastante peor ‘Matadora’, que está teniendo cierto éxito, pero como reguetón no puede ser más estándar.
Sin un hit clarísimo de inmediato como fue ‘Si antes te hubiera conocido’, y sin que logre que destaquen especialmente las colaboraciones más potentes, Karol G entrega un disco correcto, con un puñado de temas rescatables y la escalofriante balada ‘Después de ti’ como principal hallazgo. Pero, al mismo tiempo, vuelve a plantear un supuesto disco conceptual que no es conceptual en realidad y que se queda lejos de reunir un grueso de lo mejor que ha grabado.
La palabra “himno” siempre se usa muy a la ligera. Aunque estos cánticos siempre han estado ligados a dioses, héroes, santos y líderes, los periodistas solemos usarlos para describir una canción que puede provocar la euforia colectiva, o simplemente para hablar de una gran canción. La RAE explica que un himno se puede entender como una “composición musical emblemática de una colectividad” capaz de “unir entre sí a quienes la interpretan”, así que no vamos tan mal encaminados. Ayer, esa colectividad fue todo el pueblo de Aranda de Duero.
La línea entre Sonorama Ribera y Aranda ya se ha difuminado completamente. La llegada del fin de semana, atrayendo a miles de personas más que los días previos, lo explica parcialmente, pero es que es imposible hablar de lo que pasa por las noches sin mencionar donde se cocina todo desde bien pronto por la mañana. Himnos modernos y pasados, desde ‘SUPERESTRELLA’ a ‘Un beso y una flor’, se sucedieron en la Casita que Mahou había instalado en la Plaza Mayor de Aranda, petada y a todo trapo desde primera hora.
Poco después, tras atravesar las calles del pueblo usando la camiseta de gamuza cada tres pasos, Arde Bogotá sorprendieron a las más de 5.000 personas que conocían el secreto peor guardado de la edición: su regreso a la icónica Plaza del Trigo. ‘La Torre Picasso’ o ‘Qué Vida Tan Dura’, convertidas en himnos de masas totales.
Sonorama Ribera
Love Of Lesbian tenían todas las papeletas para ser la gran actuación del viernes, dado el amor que siempre han recibido en Sonorama, pero eso es lo bueno de las grandes jornadas. Siempre deparan sorpresas. A base de himnos capaces de atravesar generaciones de oyentes, las necesarias declaraciones de Santi Balmes y una banda que nunca dio un paso en falso, el grupo catalán también regaló un show a la altura de su carrera. Este fue dedicado “a todos esos negacionistas del calentamiento global”, a los que Balmes invitó a volver al Sonorama para comprobarlo por ellos mismos (“Antes íbamos con rebequita”); a los “demasiados influencers y pocos lectores”; y a quien entiende la diferencia entre inteligencia, honradez y fascismo: “Tres cosas incompatibles”, sentenció el vocalista.
Son tantos los himnos que tienen en su repertorio que también tuvieron que tirar de algunos prestados en mitad de ‘Los toros en la Wii (Fantástico)’, como ‘Lobo-hombre en París’ o ‘Ritmo de la noche’, rebautizada como “lesbianos en la noche”. Todos ellos, fuente inacabable de nostalgia para gran parte de los asistentes. Puede que en el futuro los de Sexy Zebras, tan pegadizos como salvajes, también queden grabados en la memoria de sus fans. Sobre todo, cuando recuerden los miles de moratones que se llevaron por ellos.
Descubrí al grupo de Gabriel Montes, José Luna y Jesús Luna en uno de los escenarios pequeños de SanSan. Anoche, arrasaron el Sonorama desde el main stage, pero siempre fueron unos maestros del directo. La fórmula es simple: canciones incendiarias con una sensibilidad pop capaz de alargar su vida más allá del concierto. Empezando con lemas tan potentes como “mañana no existe” o “la muerte no es el final”, Sexy Zebras prepara a su fiel público para las verdaderas batallas de ‘Jaleo’, ‘Charly García’ o, por supuesto, ‘Pogo’. Todos ellos, himnos de tirarse al barro, de sentarse en el suelo a remar o de correr en círculos sin miedo a lo que pase a continuación. Otros, como ‘Nena’ o ‘Tonterías’, son himnos para cantar a pleno pulmón. Si no te las sabes, te bastaría escuchar el primer minuto para aprendértelas.
Sonorama Ribera
A esto apuntan los temas de Niña Polaca, que si bien no convencieron tanto como el resto de headliners, defendieron bien su repertorio y demostraron que cualquier persona tiene el derecho de elegir qué es un himno y qué no. A veces, es una elección personal. Así fue la entrega del público de Aranda en ‘San Francisco el Grande’, ‘Nora’ o, sobre todo, ‘Los días malos’. Por lo demás, el concierto fue correcto. No todos los shows tienen que ser grandes declaraciones ni experiencias trascendentes. Lo único que me chirrió fue el bajista destrozando su instrumento al final de la actuación. No estamos en los años 70 y, desde luego, la performance no lo justificó, por lo que se sintió un poco fuera de lugar. Estamos en 2026: ¿por qué no regalarlo?
Por la deriva rockera y certera que se había planeado en los escenarios principales, tenía sentido que Depresión Sonora fuese relegado a uno de los escenarios pequeños, pese a ser uno de los artistas con mayor proyección internacional del cartel. Ya sabemos que sus himnos existencialistas son esenciales. En algún punto entre el rock y otra cosa diferente también estaba Carlos Ares, el absoluto maestro de la jornada de ayer.
En cuestión de dos años, el artista gallego ha escalado toda la pirámide social de Sonorama Ribera, debutando en el festival en 2024 como parte de la programación del escenario El Charco. Al año siguiente, conquistó la Plaza del Trigo. Ayer, cabeza de cartel. En este mismo periodo, ha sacado los dos discazos que han cambiado totalmente su carrera y que han transformado su setlist para siempre.
20 minutos antes de comenzar la actuación, la gente ocupaba la pista como si Ares estuviera ya en el escenario. En este, los ojos se iban directamente a la palloza, una cabaña tradicional de Galicia, que estaba plantada en el medio y de la que después salieron los grandes músicos que acompañaron al gallego. Con riesgo de ser un poco cliché, lo primero que se me vino a la cabeza cuando este pisó el escenario fue Jesucristo. Hear me out: es su corte de pelo, es su outfit entero de blanco, pero también es la capacidad de mover a sus seguidores.
Sonorama Ribera
“Qué bien se siente estar sano de los oídos” cuando te encuentras en un concierto que es una delicia sónica en todos los sentidos, más allá de los temazos. Además de la calidad técnica, daba gusto ver la actitud de cada persona que se encontraba en la tarima, sin miedo a recorrérsela de un lado a otro instrumento en mano, como si se tratase de una pradera alpina. Poco más se puede pedir.
En lo estrictamente musical, Ares también excede. Es impecable su breve cover de ‘Pájaros de barro’, referenciada directamente en ‘Materia prestada’, así como el colofón de ‘Importante’ a puro violín. Sabes que estás escuchando verdaderos himnos modernos por cómo se cantan: ‘Aquí Todavía’, ‘Días de perros’, ‘Peregrino’… A mitad de esta última, una fiesta ya por sí sola, Sonorama seguía teniendo ganas de corear ‘La Boca del Lobo’, y ya era la tercera vez en el set que esto ocurría. La banda, rapidísima siguiendo con sus instrumentos los deseos de sus fans. La única pega fue que uno de los mejores conciertos del festival ocurriese tan temprano. A la próxima, que nos preparen con antelación.
En poco más de un mes tendremos entre manos ‘Day and Night‘, el nuevo disco de Carly Rae Jepsen, que será doble. Los dos primeros adelantos, ‘On Wire’ -con sus capas de guitarras distorsionadas- y ‘After All’ -con un sonido muy Jungle-, han podido convencer a medias, pero ese problema no debería repetirse con el tercer avance, ‘Don’t Leave Me on the Dancefloor’.
‘Don’t Leave Me on the Dance Floor’ es un tema hijo de ‘EMOTION‘ y ‘Dedicated‘, si bien el tono nocturno de la producción lo hace encajar en la segunda parte del disco, la dedicada a la noche. Es la canción del día.
‘Don’t Leave Me on the Dance Floor’ tiene la magia de esas canciones pop hechas para bailar y emocionar al mismo tiempo. Si la producción de CJ Baran -entre otros- mezcla bajos marcados y sintes futuristas en la línea de Daft Punk, la melodía es puro «pop perfection», con ecos de ABBA. El resultado es una canción pop redonda, de esas que recuerdan por qué Carly Rae Jepsen sabe hacer este tipo de canciones como pocas.
Carly da con la tecla musical a la vez que convierte la pista de baile en una metáfora sobre el miedo a quedarse a solas frente a la noche o algo más (¿el paso del tiempo? ¿la propia existencia?). «No me dejes sola en la oscuridad, te necesito en la pista de baile», implora Carly, que en la frase «recuerda lo que se siente al ser quien me lleva a casa» parece hablar de la necesidad de tener a alguien que nos acompañe y nos devuelva a un lugar seguro.
Ha muerto William Orbit, uno de los productores más importantes del pop de las últimas décadas. Su familia ha comunicado que Orbit falleció el pasado 23 de julio en su casa, a los 69 años, y ha pedido respeto para la privacidad de sus allegados.
La noticia empezó a circular anoche, cuando Étienne Daho la adelantó en Facebook. Sin comunicado oficial ni desmentidos, la confusión duró varias horas, hasta que la familia confirmó el fallecimiento de Orbit.
Aunque llevaba publicando música desde los años 80, con sus proyectos Torch Song y Bassomatic, Orbit quedará para siempre ligado a ‘Ray of Light‘, el disco con el que Madonna revitalizó su carrera en 1998. Su producción, sofisticada y luminosa, fue decisiva en el sonido de canciones como ‘Frozen’, ‘Ray of Light’ o ‘The Power of Good-Bye’, convirtiendo aquel álbum en uno de los mejores de la historia del pop.
Orbit y Madonna se conocieron en 1997 aunque antes Orbit había firmado varios remixes para Madonna. Ese año, la cantante recurrió a él cuando buscaba un nuevo rumbo para el disco que seguiría a ‘Evita’. De esa alianza nació ‘Ray of Light’, una colaboración que continuó en ‘Music’, en la BSO de ‘American Pie’ y, más de una década después, en ‘MDNA‘, donde Orbit produjo temas como ‘Gang Bang’, ‘Some Girls’ o ‘Masterpiece’.
El éxito de ‘Ray of Light’ convirtió a Orbit en uno de los productores más cotizados del pop. Firmó dos de los mayores éxitos de All Saints, ‘Pure Shores’ y ‘Black Coffee’; produjo buena parte de ’13’ de Blur, con clásicos como ‘Tender’ o ‘Coffee & TV’; trabajó con P!nk en ‘Try This’, incluido el single ‘Feel Good Time’, y también dejó su sello en proyectos de Britney Spears, Robbie Williams, U2, Beth Orton o Queen. En 2010 produjo además ‘The House’ de Katie Melua, uno de los discos más celebrados de la cantante británica.
Aunque siempre permaneció en un segundo plano, William Orbit ayudó a definir el sonido del pop de finales de los 90 y principios de los 2000. Su combinación de ambient, electrónica y melodías pop sigue resonando hoy en discos como ‘EUSEXUA‘ de FKA twigs o en el pop etéreo de Addison Rae, además de en buena parte de la generación de artistas que ha recuperado la electrónica emocional de aquella época.
Orbit había vuelto a los titulares hace apenas unos meses al revelar que había abandonado la idea de producir una especie de «Ray of Light 2». Aseguró que tenía un disco prácticamente terminado para Madonna, pero que la cantante nunca respondió a sus propuestas.
La familia ha dado a conocer la noticia a través de un breve comunicado en el que recuerda que Orbit «tocó la vida de muchas personas a través de su música, su amistad y su bondad». Ahí se incluyen generaciones de amantes del pop y la música en general.
Mykki Blanco, conocide por borrar las fronteras entre el hip-hop, el punk y la electrónica, presenta ‘NYC Dogs’, tercer adelanto de ‘CAFE PARADISO’, el álbum que publicará en septiembre.
Tras el dance-punk de ‘Butt Sex’ y el R&B alternativo de ‘Little Feet’, ‘NYC Dogs’ es una producción electro-punk que, entre punteos jangle, sintes rugosos y baterías insistentes, evoca las juergas del underground neoyorquino de tiempos pasados.
El estribillo repetitivo, «It was a dog in New York City», funciona como un mantra que celebra una Nueva York nocturna, queer y decadente, en línea con la estética glam y post-punk que inspira la producción.
El tema, como poseído por el espíritu de Iggy Pop, incluye varios ganchos memorables, como el alargado «hi-ayyyyyy» del estribillo, y un humeante arreglo de saxofón que enriquece la producción y, al mismo tiempo, contrasta con su sonido punk.
‘CAFE PARADISO’ será el primer álbum de Mykki Blanco desde ‘Stay Close to Music‘ (2022). Tras aquel lanzamiento y el EP ‘Postcards from Italia’ (2023), Blanco se apartó temporalmente de la música para cursar un máster en Bellas Artes en Suiza. El nuevo disco, producido junto a Drew «FaltyDL» Lustman, promete recorrer distintos estilos, del art pop a la música de club, en un trabajo concebido como «álbum de festival».
Por el día, Aranda de Duero se llena de música, pistolas de agua y calimocho. Barry B, como primera sorpresa de la Plaza del Trigo en esta edición, así lo presenció en su tierra natal. Por la noche, Sonorama Ribera sigue funcionando a toda máquina en el recinto principal, en el que ayer recibía a tres grandes cabezas de cartel: Rigoberta Bandini, Guitarricadelafuente y rusowsky.
Con Rvfv cerrando la noche, era evidente que se trataba de una jornada orientada al público más joven. Similar al día en el que se programó a artistas tan contrarios como Hombres G e YSY A hace dos años, ayer todo empezó con las actuaciones de Ramoncín y Nacho Vegas. El set del mítico cantautor fue de menos a más, tanto en la respuesta del público como en los arreglos de las canciones.
Los “shalalas” de ‘El hombre que casi conoció a Michi Panero’ despertaron las primeras reacciones palpables de un público que parecía asombrado en todo momento. De primeras, la actitud de Vegas en el escenario se puede confundir con desgana, pero rápidamente se entiende que en realidad está totalmente metido en su show. ‘La gran broma final’ y ‘La pena o la nada’, con una merecida ovación a mitad de tema fueron las canciones más disfrutables. Sobre todo, el concierto terminó de forma grandiosa con un brutal solo de guitarra acompañado del theremín de Vegas, que más que tocando un instrumento parecía estar haciendo hechizos con sus manos.
Antes de la explosión mainstream, que mantendría al público general en el mismo lugar durante casi 3 horas, la exploración de los escenarios pequeños mereció totalmente la pena tras los shows de Vera Fauna y El Nido. El rock cool, fresco y buenrollero de los primeros convenció desde el principio, pero no brilló como debía por una serie de problemas con los que la banda también se mostró honesta: “Hemos pasado por un pequeño problema técnico, pero, ¿a que nadie se ha dado cuenta?”. Minutos antes, un móvil se elevaba sobre el público con el siguiente mensaje: “SE ESCUCHA REGULAR”, orientado a la caseta de técnicos. Hasta ese momento, una guitarra apenas se escuchaba y las voces de los integrantes tampoco casaban como debían. Sin embargo, no tardaron en hacerse todavía más grandes con las veraniegas ‘Tu Voz’ y ‘No Me Digas La Verdad’.
La de El Nido también es una historia de éxito, siendo uno de los grupos que ha pasado de tocar en la programación diurna de Sonorama, a la Plaza del Trigo y al recinto principal. Los vi el año pasado en la sala Clamores, en un escenario enano, y en mi cabeza tenían tantos integrantes como La M.O.D.A., pero en realidad son solo cinco. Sí que tienen en común con este grupo que también son de Burgos y que triunfan allí donde van. Sin embargo, El Nido no difumina sus raíces castellanas con toques de pop rock, ni en las composiciones ni en la selección de instrumentos, nada habitual. Si te gustan las jotas y la música de tinte castizo, te encantarán. Si no, llevarías una buena hora esperando para ver de cerca la barriga de Rigoberta Bandini.
Sonorama Ribera
Al estar embarazada de nuevo, la artista catalana no se puede mover demasiado. Es por eso que el fuerte de su show es la conexión humana. La clave de esto es la cámara que Paula Ribó tiene integrada en su micrófono, regalándonos un primer plano de su cara que es tan cercano como hilarante. Asimismo, sus bailarinas y coristas juegan un papel importantísimo para mantener dinámico el concierto, lo cual se consigue durante la mayor parte.
El momento de ‘Amore Amore Amore’ regalando chupitos de vino al público es muy tierno, pero acaba haciéndose largo de más. Por otro lado, imposible no estar totalmente dentro durante la versión de ‘El amor’ de Massiel o cuando Rigoberta aparece derrotada en el suelo mientras canta “no te debería haber mezclado con alcohol” en ‘Siete días’. El chico que estaba detrás de mí no necesitaba tanto, asegurando que lo de “no sé hacer ni un huevo frito” en ‘Canciones de amor a ti’ representa “toda mi vida”.
La simpatía de Rigoberta siempre suele brillar en sus conciertos y ayer no fue diferente, contando como le extirparon el apéndice en Aranda de Duero después de una boda. Resulta que sus vómitos no tenían nada que ver con el alcohol. Además, fue tan maja de presentar una canción nueva que vamos a conocer “en muy poquito”. La música es lentilla y los acordes son algo oscuros, acorde a la letra: “Nunca escuchaste las cosas que dije, siempre pensándote que yo era un caniche”.
Sonorama Ribera
Después de los trallazos de ‘Ay Mamá’ y ‘Busco un centro de gravedad permanente’, lo último que me apetecía escuchar eran los hits pre-‘Spanish Leather’ de Guitarricadelafuente. Su show sigue estando entre dos mundos muy diferentes, aunque de primeras no lo parezca, convirtiendo el flow del concierto en algo totalmente irregular. No entiendo por qué el banger de ‘Port Pelegrí’ está entre ‘ABC’ y ‘Mil y una noches’, que no es que sean las más movidas de su repertorio. Es como de pasar de 100 a 0 en un segundo. Si a eso les sumamos un sonido muy mejorable que estropeaba los momentos más calmados y muchísimas pausas innecesarias entre canciones, está claro que no fue la gran noche de Álvaro Lafuente.
El diseño del escenario, lleno de espejos deformados, es prácticamente el mismo que llevó al Movistar Arena, pero es lo único que se mantiene de aquella gran presentación. Guitarrica necesita llevarse sus piscinas de barro y su potro marcado con el título del disco a los festivales. Sus pinitos con la guitarra eléctrica, y las interpretaciones de ‘Full time papi’ o ‘BABIECA!’, revitalizadísima tras la actuación en Jimmy Kimmel, molan mucho, pero se echa en falta algo más de aquella fantasía sexual en la que tanto brilló.
Sonorama Ribera
Lo de rusowsky no sé si se adhiere a esto, pero resultó ser el gran espectáculo de la jornada. Estábamos necesitados de sazón y Mediavilla nos la sirvió a través de una banda llena de coristas y músicos con peluquitas y los memes más Gen Z que te puedas imaginar, desde brainrot italiano hasta gorilas gigachad. En este contexto, en el que el artista se versiona a sí mismo en temas como ‘SOPHIA’, convertida en una romántica bachata, o ‘DAISY’, reimaginada como un precioso build up, sí es gracioso que casi todo lo que aparece en las pantallas sea pura IA. Lo cierto es que prácticamente todas las canciones del directo de rusowsky son muy superiores a sus versiones de estudio, como si se hubiesen terminado de producir en el mismo escenario.
Por alguna razón, solo las partes de mayor hype, desde ‘KINKI FÍGARO’ a ‘sukkKK!!’, se vieron perjudicadas por problemas técnicos que consistían en un parón breve, pero total, de la música: “Aranda, no sé que está pasando con el sonido”, soltó rus. A estas alturas, ya era difícil quedar mal y todavía tenía había varios ases en la manga: la salida de Ralphie Choo en ‘BBY ROMEO’, que a este ritmo lo raro será que la canten separados; el precioso vídeo recopilatorio de Rusia-IDK con ‘project tu culo’ y el poder de levantar un festival entero con ‘malibU’.
Hoy 7 de agosto sale el nuevo disco de Karol G, que ya comentamos por encima, y también ven la luz los esperados nuevos trabajos de Ravyn Lenae, Role Model, FLO o The Mountain Goats. En un terreno más underground aparecen nuevos lanzamientos de The Anchoress y Overmono.
La esperada colaboración entre Madonna y Kylie Minogue llega en forma de remix, y entre los singles destacados de la jornada encontramos estrenos de Carly Rae Jepsen, The Avalanches junto a Portraits of Tracy, Sam Smith, Susanne Sundfør o DIIV, que se dejan producir por A.G. Cook.
Abrimos la playlist con el dueto de Karol G y Bruno Mars, sorprendentemente chill; mucho más marchosa es la colaboración de Empress Of y Cecile Believe. También hay un curioso remix de Beyoncé y Jay-Z para ‘Morning Dew’. Otras novedades las firman Brandon Flowers, AKRIILA, Florence Road, Weezer, Rebecca Black, Amelie Lens junto a Angèle o fakemink, en modo trap bruto.
En cuanto a las novedades nacionales, echadle un ojo a los nuevos temas de La Milagrosa y Oslo Ovnis, en clave guitarrera; Admire, con su habitual sonido afrobeats; LaChispa, en modo neoflamenco; y el dueto de Arón Piper y Rampa, que entrega el freestyle ochentero de ‘Bucle’.
Con su gira Tropitour en marcha, Karol G publica el álbum que anunció por sorpresa la semana pasada: ‘No me arrepiento de sentir tanto’. La colombiana había ido dejando pistas con singles como ‘Después de ti’ o ‘Matadora‘, pero pocos esperaban que un disco completo llegara tan pronto después de ‘Tropicoqueta‘. Menos aún, con una lista de colaboradores de este calibre.
Por un lado está Drake, que canta en español en el reguetón con toques afrobeats de ‘Ahí’, uno de los grandes candidatos a éxito del álbum. Por otro, Bruno Mars acompaña a Karol en el dream-pop de ‘Still’, una canción que ella escribió antes de que el estadounidense se sumara al proyecto y que, según la propia Karol, no fue concebida «para el mercado».
Hay más nombres sorpresa. Rusowsky y Judeline aparecen juntos en ‘BBY WOW’, un tema muy ‘DAISY‘, aunque la participación de Judeline va mucho más allá: figura como compositora en varias canciones, entre ellas la relajada ‘Final feliz’, producida por Oklou. Karol G ha explicado que buscaba un sonido ligeramente más alternativo que el de su anterior trabajo, y varias canciones apuntan en esa dirección, aunque no todas.
Destacan, en ese sentido, el gusto por la producción de Tainy en la apertura, ‘Te llevas to’; el synth-pop burbujeante de ‘Maybe’; o la colaboración con Greg Gonzalez, de Cigarettes After Sex, que cierra el disco. En cambio, cortes como ‘Matadora’ o ‘For You My Lova’ se acercan a un latin urban mucho más convencional. De hecho, Karol ha contado que dudó hasta el último momento si incluir esta última en el álbum.
Sostenido sobre un arco narrativo inspirado en su ruptura con Feid, ‘No me arrepiento de sentir tanto’ recorre las distintas fases del duelo sentimental, desde la negación hasta la aceptación. Uno de los momentos clave es ‘Alguien que te amaba’, otra cumbia en la línea de las que Karol ya ha dedicado a Selena Quintanilla, con la particularidad de que ha sido escrita por Pete Astudillo, histórico compositor de Selena, que llevaba tiempo alejado de la composición.
Combinando esa búsqueda de nuevos matices con el regreso a los ritmos urbanos latinos de la autora de ‘Provenza‘, que parece inspirar directamente otro de los temas con más potencial, ‘Bebiendo lágrimas’, ‘No me arrepiento de sentir tanto’ funciona menos como un nuevo giro en la carrera de Karol G que como una recopilación de los sonidos que ha explorado en los últimos años. Entre ellos también hay espacio para la balada al piano ‘Eclipse’, publicada a solo unos días del eclipse del próximo lunes.
