Francisco Javier Álvarez, más conocido como Beret, ha sido detenido en la tarde de este jueves en Sevilla por una supuesta agresión sexual. Así lo ha adelantado la Cadena SER, que también cuenta que el artista ha pasado a disposición judicial esta misma tarde y puesto en libertad provisional por unos hechos ocurridos en la ciudad andaluza el pasado mes de abril.
El juez ha impuesto como medidas cautelares la prohibición de comunicarse y/o acercarse a menos de 500 metros de la denunciante. También se le ha retirado el pasaporte durante tres meses. Hace dos días, el artista sevillano cantó delante del Papa León XIV en su visita a España.
Beret empezó a ser conocido a partir del gran éxito de temas como ‘Lo siento’ u ‘Ojalá’, que hoy en día acumulan cientos de millones de reproducciones en plataformas como Spotify, hasta que en 2019 fue fichado por Warner Music.
Ellie Goulding tiene un nuevo disco entre manos, ‘I Know Too Much’, que verá la luz el 4 de septiembre. Su último álbum, ‘Higher than Heaven‘, apareció en 2023, y desde entonces ha mantenido su presencia comercial gracias al éxito dance ‘Miracle‘ junto a Calvin Harris.
¿Qué ofrece Goulding en esta nueva etapa? El primer adelanto, ‘Black Prada Dress’, denota un regreso al pop más mainstream, y si estás pensando en ‘Delirium‘, su disco de 2015, vas por buen camino, ya que este álbum es mencionado en la letra.
Lejos de los estilos tropicales de aquella época y de los más alternativos de sus inicios, ‘Black Prada Dress’ ofrece un conjunto de ideas musicales bien integradas dentro de una fórmula pop que nos lleva de una intro pianística hasta un crescendo que desemboca en la euforia.
La mezcla de melodías ultrapop, hooks infalibles, ritmos jersey club y pegadizos teclados new wave, todo ello envuelto en una producción atmosférica y accesible, parece por momentos algo forzada en pos de la comercialidad. Por ello, ‘Black Prada Dress’ suena algo calculada, aunque disfrute pop da un rato.
La letra parece hablar de un amor tóxico: el de los fans. Solo así se explican frases tan literales como “I’m trying to be a Hollywood baby, cause you make me feel like London hates me” o la dramática “Don’t want the pills, but you kinda make me think I need ‘em”. Ellie, deja Twitter.
La mención a ‘Delirium’ llega en el pasaje “Taste of fire on my tongue, arms up high delirium”, y otros versos dejan clara la intención lírica, situándose entre la confesión pop y la denuncia directa. “You know every single button to press, only you could call me trashy in my black Prada dress” es la sonora rima central, la del estribillo.
La obsesión tóxica del fandom queda reflejada en el pasaje “You’re in my head, you’re in my mind, you’re everywhere like all the time / Is this the way it’s s’posed to be / It doesn’t feel like love to me”. Goulding contesta al odio con amor, en forma de canción pop con claros aires de hit.
Desde que, en los años 90, en plena edad de oro de las top models, George Michael reuniera en sus videoclips ‘Freedom! ’90’ y ‘Too Funky’ a algunas de las supermodelos más famosas del momento, la pasarela se consolidó en el imaginario audiovisual como un espacio de comentario social y político, un escenario simbólico donde proyectar discursos sobre la fama, el poder, el consumo o el feminismo.
El polémico videoclip ‘American Life’ de Madonna y Jonas Åkerlund, concebido como una furiosa sátira política, y la divertidísima película ‘Zoolander’ de Ben Stiller, en clave de parodia, fueron algunos de los hitos más destacados de esa evolución.
En el clip ‘SS26’, Charli XCX recupera la pasarela de moda como campo semántico (SS26 es el acrónimo de Spring/Summer 2026). La cantante recrea el ajetreo de las semanas de la moda parisinas, la estética de los desfiles, los backstage, los fotógrafos, los maquilladores y las primeras filas ocupadas por celebridades de la industria, para satirizar una cultura obsesionada con la fama y la visibilidad.
La presencia de Carine Roitfeld, Anthony Vaccarello y Michel Gaubert resulta muy significativa porque no son simples cameos de celebridades. Representan tres pilares fundamentales del sistema de la moda: la prensa especializada (Roitfeld, ex directora de Vogue), las grandes casas de lujo (Vaccarello, director creativo de Saint Laurent) y la construcción estética de los desfiles (Gaubert, diseñador musical).
La pasarela se convierte así en la metáfora perfecta de una sociedad que, como sugiere la canción, desfila alegremente por una “pasarela que va directa al infierno”.
The Strokes han retrasado el lanzamiento de su disco ‘Reality Awaits‘, que iba a salir en dos semanas, el 26 de junio, y se ha programado ahora para el 24 de julio. Ahora saldrá el mismo día que, por ejemplo, el nuevo disco de Charli xcx, o los nuevos de Shania Twain o Tyla.
En el mismo anuncio, los neoyorquinos han confirmado un gran concierto en casa el 2 de octubre en Flushing Meadows Corona Park, con un cartelazo que incluye a Beach House, TV on the Radio y Fcukers como artistas invitados. Las entradas tendrán preventa desde el 17 de junio y venta general el 18, con descuento para residentes de Queens durante el periodo inicial de venta, para quien nos lea desde Nueva York.
En España, os recordamos que la banda de Julian Casablancas actuará el 20 de octubre en el Palau Sant Jordi dentro de su gira internacional de presentación del disco, manteniendo así su única fecha confirmada en el país dentro de este nuevo tramo de conciertos.
Una de las satiristas más afiladas del mundo actual que tenemos, SVSTO (Carla Parmenter) ha vuelto estos días con el lanzamiento de un nuevo single que lleva totalmente su marca: ‘Bar Manolo‘ es una reivindicación de la sencillez a golpe de electroclash, construida en torno a la imagen del típico bar español que permanece impermeable a la gentrificación. Precisamente de la crisis urbanística hablaba ‘Mil €‘, mientras que la performance del feminismo radical estaba presente en esa ‘Venganzza’ que tenía como referentes lo mismo a Virginie Despentes que a la rave alemana.
Con motivo del lanzamiento de ‘Bar Manolo’, SVSTO es la nueva invitada a la sección comisariada por Jägermusic «Meister of the Week«, donde los artistas ahondan en aficiones no relacionadas con la música. SVSTO elige hablar de su fascinación por la Factory de Andy Warhol -que no por Warhol- y sus musas, entre las cuales se encuentran Nico o la mil veces referenciada Edie Sedgwick.
¿Por qué decides hablar de las superestrellas de Warhol?
En mi época de la uni estaba bastante obsesionada, hasta el punto de que hice el trabajo final de carrera sobre posmodernismo y las pelis de Warhol. Me atraía el hecho de que iba más sobre los personajes y la performance que sobre contar una historia con principio, nudo y desenlace. Tengo que decir que, más que el personaje de Warhol, me fascinaba el concepto de la Factory y de la contracultura en el Nueva York más decrépito de finales de los 60 y 70. También el hecho de rodearte de locas. I can relate.
¿Te identificas con alguna en concreto?
A ver, la mayoría eran niñas ricas que se habían rebelado. Las que más me gustaban eran Viva, que es una de las pioneras en hacer videoarte, y por supuesto Candy Darling (“no soy una mujer auténtica, pero ¿a quién le interesa la autenticidad?”) y Jackie Curtis. La Jackie, aparte de tener las mejores cejas del universo, era una performance viviente. Cada año se casaba con uno diferente y hacía bodorrio. Y claro, Nico, con su voz de haberse fumado 500 Ducados, me encandiló totalmente. Pensé: ah, ¿que se puede cantar mal y tener un grupo? Allá que voy.
Warhol exhibió a sus superestrellas en sus películas underground, como ‘Flesh’, ‘Heat’ o la controvertida ‘Blue Movie’; ¿cuál sería para ti la mejor película de Warhol?
Es fuerte pensar que las vi todas porque realmente son infumables. Parece ser que mi capacidad para prestar atención no estaba completamente devastada en 2010. Pero sí, recuerdo ‘Flesh’, ‘Heat’ y ‘Trash’ como las que más me gustaron. Cuando cumplí 22, mis padres me regalaron un viaje a París para ir a ver una expo de Warhol, y recuerdo que proyectaban la película de su amigo durmiendo durante 8 horas y estuve un buen rato viéndola. Fascinante, porque ahora no puedo ni acabar de ver un reel.
«La mayoría de superstars de Warhol eran niñas ricas que se habían rebelado»
¿Crees que las Warhol Superstars eran realmente “actores” o más bien personas interpretándose a sí mismas dentro del universo Factory?
Yo creo que la gracia era eso, que no sabías si estabas viendo un documental de gente completamente ida o si era una parodia de ellos mismos. Igual eran las dos cosas a la vez.
¿Cuánto de realidad y cuánto de ficción percibes en las películas de Warhol?
Un profesor que tuve decía que no existe la realidad en el cine. Los documentales también son ficción porque siempre hay una intención detrás, y el hecho de que decidas colocar la cámara en un lado u otro ya es manipular la realidad, igual que lo que decides montar.
¿Warhol explotaba emocionalmente a sus musas o les ofrecía una plataforma de visibilidad que no habrían tenido de otra forma?
Creo que las dos son verdad. Por un lado, alzar a personas queer y disidentes al estatus de superstar en aquella época me parece genial, pero no creo que ninguna acabara mejor de lo que estaba antes. Y Warhol tenía una pinta de ser una bicha que flipas.
Edie Sedgwick es la superestrella warholiana más influyente, inspirando trabajos de The Velvet Underground, Lady Gaga o un disco entero de Alizée. ¿Cómo explicas esta fascinación por ella? ¿Qué la diferencia de las otras “musas”?
A mí lo que me pasa con Edie es que tuvo este revival hipster millennial y la hemos visto hasta en la sopa. De ella me quedé con el look de ir en bragas y medias.
¿Las superestrellas de Warhol han inspirado la obra de SVSTO u otros de tus proyectos?
Sí, a nivel estético sobre todo. También estaba obsesionada con los primeros tres álbumes de The Kills, que bebieron mucho de The Velvet Underground, y me flipaban sus letras. Y también me interesaba cómo Warhol, en vez de crear cosas de 0, cogía imágenes ya existentes y las recontextualizaba. Esto, de manera obviamente muy mamarracha, es algo que nos gustaba hacer con Las Bistecs. Por ejemplo, coger un trozo de poema de Machado y ponerlo en una canción electrónica. Sorry, Machado, en realidad eso no tiene perdón.
«Alzar a personas disidentes a superstars en aquella época me parece genial, pero no creo que ninguna acabara mejor de lo que estaba antes»
Fue muy sonado el caso de Valerie Solanas, que intentó matar a Warhol. ¿Crees que su atentado contra Warhol debe leerse como un acto político, psicológico o una mezcla de ambos?
En mi tema ‘Venganzza’ tenía un verso dedicado a Valerie Solanas, pero al final no lo puse. Ella escribió el manifiesto ‘SCUM’, que literalmente quería, entre otras cosas, aniquilar el sexo masculino. Disparar a Warhol no fue un acto político por eso, fue porque tenía la paranoia de que este le quería robar un manuscrito.
Hay verdaderas curiosidades en el grupo de superestrellas: Bibbe Hansen es la madre de Beck, Ultra Violet es la madre de Gaby Hoffmann (‘Girls‘)… ¿Hay alguna que quieras destacar y que la gente conozca menos?
No sé mucho sobre ella, pero me acuerdo de su nombre, que me parece increíble: International Velvet. ¿Hola? Ponerte International de nombre me parece ideal.
Si la Factory hubiese existido en la era de las redes sociales, ¿qué superestrella crees que habría sido influencer hoy?
Creo que ellas hubieran sido antiinfluencers porque de wellness nada jajajaja.
Aunque su relevancia mediática en España ya no es la que era, Gwyneth Paltrow sigue siendo un rostro de primer nivel en Estados Unidos. La actriz, ganadora del Oscar y empresaria al frente de Goop, ha protagonizado una nueva campaña publicitaria para un proyecto inmobiliario de lujo en Israel que le está trayendo una considerable oleada de críticas. El anuncio presenta una visión idílica y aspiracional del país en un momento en que la guerra en Gaza continúa, casi pareciendo sacado de uno de los episodios más inquietantes de ‘Black Mirror‘. Digamos que esto ya no se presta tanto al chiste fácil como cuando Goop vendía una vela con olor a vagina.
El spot comienza con Paltrow despertándose en su apartamento de Nueva York. Entre comentarios sobre lo difícil que es madrugar tan ingeniosos como «hasta mi café necesita un café», la actriz sale a correr por Central Park. Porque sí, el anuncio se ha rodado en Nueva York, no en Israel.
Tras una secuencia de imágenes pulidas e impecables, casi incómodamente estilizadas, Paltrow sale a la calle vestida con un elegante traje blanco, se sube a un coche con chófer y, cuando este le pregunta si se dirige a Nueva York, ella responde sonriente: «Herzliya, Israel». A continuación, la campaña presenta 51 Park, un complejo residencial de lujo de dos torres situado junto a un parque en esta ciudad costera al norte de Tel Aviv.
Los titulares sobre una supuesta «campaña de desprestigio contra Gwyneth Paltrow» no se han hecho esperar, mientras la actriz -que está casada con el productor judío Brad Falchuk- no se ha pronunciado en redes, por el momento. Algunos ya le dedican apelativos como «reina del genocidio» o, haciendo un juego de palabras con su nombre, «Gwenocide».
La sensación de realidad paralela es evidente: Paltrow vende una fantasía de bienestar, exclusividad y lujo completamente aislada del contexto político y humanitario que domina la conversación internacional sobre Israel desde hace más de un año. Tiene mucho de ‘Black Mirror’ esta versión tan cuidadosamente filtrada de la realidad, tanto que acaba resultando extraña e inquietante.
Lizzo, figura clave en el discurso sobre la aceptación corporal y el amor propio, publica su nuevo álbum en un momento profesional complejo, marcado por el deterioro de su imagen pública a raíz de diversas acusaciones, algunas ya desestimadas y otras aún en proceso.
Aprovechando que Lizzo ha popularizado la palabra “bitch”, el disco decide llamarse de esta manera, pero el material rara vez está a la altura de su desafío. Las composiciones, correctas, no esconden hits potenciales a la altura de ‘About Damn Time‘ o ‘Truth Hurts’, y cabe preguntarse cuánta gente en la industria ha dado la espalda a Lizzo para proteger su propia reputación.
En este escenario, Lizzo hace lo que puede con lo que tiene. Lo que tiene, eso sí, es una gran voz que exhibe a lo largo del disco, sobre todo en el drama R&B de ‘Little Black Cat’, sobre una infidelidad. Incluso la escuchamos tocar la flauta en ‘Too Nice’, interludio dedicado a una amistad rota que incluye la frase: “I pay the checks, but nobody checks on me” (“yo pago las facturas, pero nadie me pregunta cómo estoy”).
Lizzo no pasa página exactamente de las polémicas en ‘BITCH’, pero las afronta sin entrar en detalles que no interesan a nadie y sin aburrir como Drake en su último disco. Y aunque no evita el tono victimista en algunas letras, como las de ‘Like a Crime’ o la misma ‘Too Nice’, al menos ofrece distintos puntos de vista musicales: ‘A Toast’, una simpática balada a piano tipo musical de Broadway dedicada a quienes le «han hecho daño», mantiene cierto ánimo victorioso y abre el disco.
No contiene ‘BITCH’ ningún hit claro simple vista, y precisamente esa es la mayor ausencia del disco. El entusiasmo disco-funk de ‘Happy 2 Be’ se acerca, pero no lo consigue plenamente, mientras que el Minneapolis funk de ‘That Grrrl’ o la balada Motown ‘Whose Hair Is This’ se quedan en correctos ejercicios de estilo.
‘Bitch‘, reciente single, samplea el éxito de Meredith Brooks y, sin ser un despropósito, no logra reinventar el sample ni tampoco presenta la producción neo-soul más imaginativa, aunque se agradece el intento de hacer algo diferente. En ese sentido, la mejor canción del disco es sin duda ‘GOODMORNING!’, que, cerrando el LP en clave ye-yé sesentera, hace preguntarse por qué no se ha explorado más ese camino.
La sensación de que Lizzo ha hecho un disco mediano, no brillante, pero tampoco tan desastroso como comentan algunos medios, la corrobora el single ‘Don’t Make Me Love U‘, que fusila sin rubor dos éxitos muy conocidos de los 80, ‘Like a Virgin’ y ‘Billie Jean’. En comparación con los propios éxitos de Lizzo también se queda corto, pero la canción tampoco es catastrófica.
El ímpetu new wave de ‘She Stole My Man’ y el sample de ‘Sexy Lady’ de UBC aportan variedad a un disco que curiosamente nunca suena tan pícaro y descarado como promete su título: más bien encontramos a una Lizzo creativamente algo estancada y tratando de ofrecer un producto fácilmente digerible, pero carente del ingenio y la garra esperados de la creadora de la frase “I just took a DNA test, turns out I’m 100% that bitch”. Aquí, la bitch está a un 60%.
El séptimo disco de Vince Staples encuentra al rapero californiano experimentando con la música rock. Históricamente, este es un género que no ha casado del todo bien con el hip hop, pero a Staples le sienta de perlas. En el segundo adelanto de ‘Cry Baby’, ya disponible, Vince se rinde ante las injusticias del mundo. ‘White Flag’ es la Canción del Día.
Staples elige en ‘White Flag’ un beat más cercano al R&B y al soul que al rock, al contrario de lo que mostró en ‘Blackberry Marmalade’. Esto le da espacio al artista para que en todo momento se encuentre en zona de nadie: rapea y canta a la vez.
Este habla de cómo «el amor se convierte en guerra» mientras relata episodios de racismo y abuso policial, desde estar esposado «en el asiento de atrás» hasta ser tratado como un alienígena: «Cuando los cercos ven a un joven hombre negro en la carretera / ¿Por qué me tratan como si fuera un OVNI?». Staples no tiene otro remedio que sacar la bandera blanca: «No quiero pelear más».
El mensaje de la canción se hace todavía más explícito en el videoclip, en el que Vince pinta una bandera estadounidense de blanco, hasta que no queda ningún color visible, y procede a tirotearla con un rifle de asalto.
Alessia Cara ha hecho limonada. Después de ser rechazada en varias ocasiones para protagonizar el famoso formato de NPR, la artista canadiense ha decidido hacer su propio concierto casero. Lo ha titulado Giant Desk.
«Tiny Desk se ha negado a tenerme en el programa muchas, muchas veces, así que decidí hacer mi propio programa. Tiny Desk, mi mesa es más grande que la vuestra», dice Cara al principio el vídeo. Esta ha replicado hasta la marca de agua de NPR que aparece en todos sus vídeos. Claro, ahora lo que pone es «CARA».
El set comienza con una dulce versión de ‘Middle Ground’, del disco ‘In The Meantime’, y continúa con una versión minimalista de ‘I’m In Trouble’, sacada del último disco en directo de la artista. Desde luego, lo que demuestra Alessia Cara con este movimiento, además de una gran creatividad, es que podría haber tenido un hueco perfectamente en el formato de NPR. Estas versiones en directo son más que respetables.
David Harbour, expareja de Lily Allen, ha hablado por primera vez sobre la experiencia de escuchar su tumultuosa ruptura narrada en forma de disco. El actor de ‘Stranger Things’ apenas había hablado sobre el tema, pero se ha abierto sobre la situación en una nueva entrevista con Variety.
Lo primero que ha dicho Harbour al ser preguntado por ‘West End Girl’, el disco de Lily Allen en la que la artista describe cómo el actor le puso los cuernos, es que fue «raro»: «Creo que el privilegio de todo artista es usar su experiencia para crear arte, y la respeto por hacer eso», asegura.
Este se niega a «decir mucho más» por ser su «vida privada»: «A pesar de que mucha gente no me permita tenerla, yo la valoro, y también valoro las vidas de la gente con la que interactúo de forma privada», ha declarado. Harbour no tiene intención de combatir lo que cuenta Allen en el disco, pero sí matiza sus propias palabras: «Las historias son complejas y por eso digo que respeto su creación del arte para canalizar su experiencia. No fue mi experiencia», sentencia.
En la misma entrevista, el actor admite que sufrió una crisis nerviosa a finales de 2025 que le causó actuar de forma «errática»: «Me avergüenzo de ello», cuenta. «Siento que, para algunos de nosotros, nuestras virtudes están estrechamente conectadas con nuestros males», finaliza el actor. Lily Allen estará este año en Bilbao BBK Live, del 9 al 11 de julio.
Uno de los comebacks destacados del año es el de Interpol, que lanzará a finales de agosto su primer disco en cuatro años. ‘This Mirror Weighs a Ton’ sale el día 28 de ese mes y se presenta como un trabajo que «no es una reinvención, sino una evolución», según la propia nota de prensa, en el que Paul Banks y compañía exploran nuevos matices dentro de su sonido habitual.
De los dos sencillos publicados hasta ahora de ‘This Mirror Weighs a Ton’, curiosamente el que más convence es el que prueba una fórmula diferente a la habitual, mientras que el que menos lo hace es el que suena a lo de siempre.
En el primer caso hablamos del corte titular, que además abre el disco. Dentro del estilo lírico impresionista típico de Interpol, ‘This Mirror Weighs a Ton’ parece hablar sobre aislamiento, soledad y anestesia emocional, utilizando la metáfora de un espejo como reflejo de uno mismo, una imagen difícil de afrontar. Musicalmente estamos ante una balada sombría y apesadumbrada, pero dotada de una melodía emotiva con ecos de los Radiohead de ‘Nude‘ e incluso cierta querencia dream-pop o slowcore. Ahí encontramos a Interpol acertando en la exploración de un sonido diferente.
No se puede decir lo mismo del siguiente adelanto, ‘See Out Loud’, que, subiendo las revoluciones, suena más a repetición de la fórmula. Ni siquiera el hecho de que Daniel Kessler cante la segunda estrofa evita que la canción resulte genérica. En contraste con ‘This Mirror Weighs a Ton’, la energía de ‘See Out Loud’ se eleva y da forma a una canción luminosa que nos sitúa en ese estado de exaltación propio de las «cinco de la mañana». «Me empiezo a sentir pixelado», canta Banks.
Sin embargo, se agradecería algo más de riesgo y menos de lo que parece un intento de complacer a los fans de toda la vida. De hecho, resulta divertido descubrir en los comentarios de YouTube que los «interpals» no se ponen de acuerdo sobre a qué etapa del grupo remite el tema. Unos escuchan ecos de un disco, otros de otro. En cualquier caso, la canción suena a algo que Interpol ya ha hecho antes, y seguramente mejor, si ese parecido es todo lo reseñable del tema.
Repasamos la carrera de Florence + the Machine con motivo de su actuación en Mad Cool. La banda de Florence Welch presentará allí lo mejor de su reciente disco ‘Everybody Scream‘ junto a sus grandes éxitos el jueves 9 de julio. Es el mismo día que actúan Lorde, Jennie, Zara Larsson, CMAT o Charlie Puth. En otras jornadas se podrá ver a otros cabezas de cartel como Foo Fighters, Moby, Wolf Alice, Nick Cave, Pulp, David Byrne o Halsey.
Esta vez no nos hemos comido la cabeza y, en compañía de nuestro redactor Fernando García, repasamos toda la discografía de Florence + the Machine en orden cronológico. La dividimos entre 3 discos más accesibles, los primeros, y 3 en los que merece la pena prestar atención a las letras. En el debate planteamos cuál es su mejor disco y SPOILER, no, no es el que Metacritic indica que lo es.
Que el recopilador internacional de críticas haya terminado valorando ‘Dance Fever‘ (84/100) o incluso ‘Everybody Scream‘ (81/100) por encima de sus primeros discos solo sirve como reflexión sobre lo que han cambiado los tiempos. ¿Se atreverían hoy en día The Guardian o Pitchfork a volver a publicar lo que en su día publicaron sobre trabajos como ‘Ceremonials‘ u hoy hemos aprendido a valorar más a las artistas femeninas que en 2010?
En la redacción hacemos mejor valoración de su debut, pese a que ‘Kiss With a Fist’ terminó pintando poco por allí; a ‘Ceremonials‘, ‘Shake It Out’ aparte; o a ‘How Big How Blue How Beautiful‘, que a algunos nos parece el mejor, aunque no sea el que más haya vendido.
No esquivamos la calidad de sus videoclips, sus problemas con el alcohol, sus vaivenes con la fama y su facultad de performer, que seguramente sea lo mejor que tiene. En breve tendremos ocasión de comprobarlo. Como curiosidad, recordamos el día que pudimos entrevistarla y nos dijo que le gustaban Beyoncé y Lady Gaga «como guilty pleasure». Adivinamos que cambió de opinión cuando colaboró con esta última.
Rozalén actuó este pasado domingo 7 de junio ante el Papa León XIV en el Movistar Arena, en un acto compartido con otras personalidades como Antonio Banderas o Carolina Marín. Aunque ella misma asegura en un comunicado de Instagram que sabe que no tiene que «dar explicaciones», la artista albaceteña ha explicado y defendido su interpretación de ‘Y busqué’.
Lo primero que hace es dar las gracias a aquellas personas que han entendido «lo simbólico y lo reparado que ha sido para mí y para mi familia que alguien como yo cante frente al Papa». Después, procede a explicar su historia familiar, contando que es hija de «un sacerdote secularizado tras diez años por enamorarse de mi madre» que organizaba todo tipo de actividades culturales y deportivas en su pueblo. Lo describe como «un hombre de paz y mediador».
Rozalén continúa explicando su relación con la Iglesia, la misma que la puso «a cantar, a actuar, a meterme en voluntariados, a tener conciencia social y a ser inclusiva». A continuación, también aborda «la parte oscura de la institución» que es «de sobra conocida e indefendible», y también la razón por la que habría recibido críticas la cantautora.
«Son escalofriantes los casos de pederastia. Ni comparto sus posturas ante el papel de la mujer, el colectivo LGTB, aborto, muerte digna…», aclara Rozalén. Por otro lado, sí esta a favor de «la posición antibelicista, la preocupación por la IA y la empatía ante los inmigrantes». Ella asegura que cuando le ofrecieron la oportunidad pensó en su familia y en su padre: «Ha sido como honrarle por los años que sé que fueron duros para él».
Rozalén termina el comunicado con una lección: «Aprendo con los años que no es justo generalizar. Solemos quedarnos con la parte superficial de las cosas, pero tantas veces, rascando un poquito, logramos comprendernos».
Tiene razón Manuel Carrasco cuando afirma que la prensa se fija más en lo de fuera que en lo de dentro; solo así se explica que nos enfrentemos a discos como los de Maisie Peters, casi igual de arduos que los suyos. Peters canta en inglés, pero sus metáforas simplistas, arcos narrativos binarios y composiciones previsibles no engañan a quien les preste un mínimo de atención.
Peters es una de las sensaciones pop de los últimos años más apegadas al folk de Taylor Swift. ‘Florescence’ es su tercer disco y el que más lleva al extremo esta fórmula, ya que abandona por completo los experimentos electrónicos de su trabajo anterior, ‘The Good Witch’ (2023), aunque la falta de ambición compositiva acaba siendo un lastre en un álbum demasiado repetitivo.
‘Florescence’ utiliza los códigos instrumentales del country y el folk, inclinándose hacia una fórmula de cantautora pretendidamente seria. Las melodías y los arreglos de guitarra, cuerda, violín y metales son competentes y agradables, así como el vocoder puntual en ‘Audrey Hepburn’, pero las canciones resultan planas y sobreproducidas, algo evidente en la balada acuática ‘If You Let Me’ con Marcus Mumford o en esas percusiones de ‘Vampire Time’ que fuerzan la épica emocional.
Estructuralmente, las canciones de ‘Florescence’ siguen formas pop muy cerradas, incluso fácilmente remezclables en clave electrónica. Pero Peters parece obsesionada con el crescendo fácil, recurriendo a él una y otra vez a lo largo de 15 temas, mientras la mayoría de pistas repiten desarrollos predecibles. Y lo mismo ocurre con unas letras llenas de dicotomías simples y metáforas banales.
Centradas siempre en los vaivenes del amor romántico desde una lógica de buenos y malos, las canciones de ‘Florescence’ usan imágenes muy directas y accesibles, pero también tan cuestionables como “el amor era un mito, ahora es mi café de la mañana” (‘Audrey Hepburn’), “fui tu pedestal y lo único que me diste fueron astillas” (‘Kingmaker’), “me sacaste del mercado y ahora yo te llevo al Ritz” (‘My Regards’) o “te pienso en lugar de comer, y ahora peso menos que cuando te conocí” (‘You You You’), equiparándose a lo peor que el pop mainstream puede ofrecer.
Como narradora, Peters adopta un punto de vista adolescente, por lo que quizá el target sea otro, pero la adolescencia nunca estuvo reñida con la profundidad, como demuestra Lorde. Las canciones de ‘Florescence’ resultan sencillamente inmaduras para una persona de 26 años, como lo son las de Drake teniendo él casi 40. ‘Mary Janes’, por ejemplo, es una bonita canción folk con trompeta, pero su mensaje “no soy como las otras chicas” recuerda al peor Ed Sheeran, y la comparación no es casual, ya que comparten productor: Joe Rubel. Peters no es como las it girls de las redes, pero juzga a quienes sí lo son.
Más sospechoso resulta que Peters se sitúe siempre en una posición moralmente superior frente a los sujetos que analiza. El ejemplo más claro es ‘Houses’, la única canción de su discografía 100% escrita por ella. Entrega una buena melodía y un concepto interesante centrado en un “loser”, pero su análisis del personaje es superficial, moralizante y poco empático. En ‘Questions’, con un estilo más Natalie Imbruglia, lo pone en bandeja: “¿te sientes que has perdido el único buen puerto en tu tormenta? Ahora vives una vida miserable”. Ella es el puerto, el refugio, claro, pero con estas letras, ¿nos fiamos de ella?
Las imágenes en blanco y negro (“You were the god and I was the puzzle”; “I was the redwood, you were the flame”) son recurrentes en ‘Florescence’ y contradictorias. “I hate the afterparties, I want forests”, canta Peters, pero nunca desarrolla esos bosques que tanto menciona, prefiriendo insistir en las mismas imágenes sentimentales de siempre. ‘Old Fashioned’ le permitía cierta mala baba, pero este retrato de un hombre que persigue a chicas más jóvenes vuelve a ser literal (“Meanwhile you swan around and hunt the college towns”) y poco ocurrente.
‘Say My Name Is Your Sleep’ es quizá la canción mejor resuelta del conjunto: explora el deseo de atormentar a un ex incluso después de la ruptura sobre un country pop contenido y eficaz. Aun así, piezas como ‘Audrey Hepburn’ o la final ‘Nothing Like Being in Love’ -cuyos pianos recuerdan más a ‘Evermore’ que a ‘Folklore’-, o estribillos como el de ‘Flat Earther’, están abordados con gusto, si bien su fórmula de pop-folk optimizado para el consumo rápido acaba agotándose, después de casi 50 minutos.
El problema es justamente ese: si el mainstream anglo pretende vendernos profundidad envuelta en folk, se agradecería que fuera profundo de verdad, y no el enésimo reducto de Taylor Swift que no da la talla. Habrá quien se sienta identificada con sus historias, pero las composiciones de Maisie Peters agradecerían menos tics y más matiz en su próximo trabajo. Nada peor que un disco pretencioso que no está a la altura de su propia pretenciosidad.
Si una banda nueva suena como si estuviera totalmente formulada desde el segundo cero, es muy probable que detrás de su formación se escondan integrantes con cierta experiencia. Es el caso de Paycheque, un nuevo dúo de synthpop formado por Allison Goldfarb (que no Alison Goldfrapp) de Geranium y Jackson MacIntosh de TOPS y Drugdealer que quieren llevarte al lado oscuro.
Su música recuerda a la época en que las propuestas de gente como Nite Jewel, Tennis o Class Actress llenaban los blogs de esperanza, y de esperanza va la cosa, porque el grupo tiene apenas seis singles publicados y ningún álbum de estudio. Su debut oficial homónimo se publica en dos días.
Aunque la propuesta de Paycheque, que incluye títulos que evocan el glamour de los 80 como ‘Camouflage’, se inclina hacia los sintes noir y cierta sensibilidad underground en la producción, remitiendo a la estética de las bandas del mítico Italians Do It Better, como Chromatics o Glass Candy.
Si te gustan todos estos grupos no te puedes perder el glamour decadente de ‘Temporary Love’ ni el delicioso new wave de ‘Generic Actress’, aunque el tema que elegimos como Canción del Día hoy es el más reciente, ‘Heatwave’.
‘Heatwave’, que de momento solo está disponible en YouTube, aúna ritmos post-disco y guitarras eléctricas con un estribillo que es puro suspense y seducción. La atmósfera de antro ochentero decadente está perfectamente perfilada a lo largo de la canción, y mientras el grupo reconoce que la pieza está inspirada por artistas como Saada Bonaire y Gina X Performance, afirma -sin intención de presumir- que el arreglo de guitarra lo grabaron en una sola toma. Frescura ochentera, en 2026.
Jack White ha vuelto a poner en preventa su nuevo disco sin anunciarlo previamente. Su séptimo álbum en solitario, ‘Frozen Charlotte’, se pondrá a la venta el 10 de julio, aunque no hay anuncio oficial ni campaña previa. White sigue moviéndose por la industria como si internet no existiera.
Siguiendo la línea de ‘No Name‘, su disco de hace dos temporadas, ‘Frozen Charlotte’ se ha ido dejando caer casi a escondidas, y no viene solo: ya se ha publicado un nuevo tema, ‘Dollar Bill’, que se suma a los singles anteriores ‘G.O.D. and the Broken Ribs’ y ‘Derecho Demonico’.
‘Dollar Bill’ se debate entre una calma tensa y explosiones de energía eléctrica que irrumpen como un cortocircuito, mientras la letra parece girar en torno a la relación entre deseo, poder y dinero. Una de sus líneas lo deja claro: “She did it for the love / And a dollar, a dollar bill”. Musicalmente, White entrega otro competente tema de rock ‘n roll clásico, interesante por su dinamismo.
Según la descripción del propio producto en la web del sello, el álbum reúne 13 canciones grabadas en Nashville con la banda habitual del músico -Patrick Keeler, Dominic Davis y Bobby Emmett- y promete una mezcla de rock crudo, blues abrasivo y urgencia caótica marca de la casa.
Mientras tanto, el ex-White Stripes sigue con varios proyectos en paralelo: además de una gira que lo llevará por Europa, Reino Unido y Estados Unidos, presenta una exposición artística en Londres. Aunque las críticas no acompañan: The Guardian le ha dado 1 estrella y la ha calificado de infantil e «inviable».
Desde sus inicios con el videoclip ‘At the Bottom of Everything’ (Bright Eyes, 2005), Cat Solen ha demostrado ser una de las artistas visuales especializadas en animación más interesantes de su generación.
Su especial de comedia ‘Chris Fleming: Hell’ (2023) y, sobre todo, la serie de HBO ‘The Shivering Truth’ (2018-2020), han confirmado un universo creativo inconfundible, articulado en torno a una imaginería surrealista que oscila constantemente entre lo perturbador y lo cómico.
Su impresionante trabajo para el nuevo videoclip de Olivia Rodrigo promete situarla definitivamente en el radar del gran público. Visualmente, ‘The Cure’ parece situarse en algún lugar entre los mundos animados de Henry Selick o Wes Anderson, el imaginario artesanal y naíf de Michel Gondry, la estética lanuda del videojuego ‘Unravel’ (2016) y los estilizados espacios hospitalarios de ‘La cura del bienestar’ (2016), la serie ‘Ratched’ (2020) o el célebre cuadro de Frida Kahlo ‘Henry Ford Hospital’.
Todo este aparato visual está al servicio de la idea central del videoclip: la materialización física de la ansiedad emocional. Rodrigo interpreta a una suerte de enfermera sexy y Marie Curie pop que busca la cura para los corazones “deshilachados”. El problema es que ella misma padece esa dolencia, que se manifiesta a través de una especie de body horror poético y textil.
El giro final pone el último pespunte a la metáfora. Cuando la cámara se aleja, descubrimos que el hospital no era más que una gigantesca maqueta, una especie de casa de muñecas construida a partir de cartón, hilos y decorados artesanales. La aparición de una Olivia “real”, que observa y finalmente destruye ese universo en miniatura, sugiere que todo lo visto hasta entonces no era más que la representación física de su propio corazón “descosido”. La única forma de sanar consiste precisamente en derribar el escenario mental donde ha intentado encontrar una cura imposible.
La lista de singles española sigue dominada por Quevedo, que al final está triunfando más con ‘La Graciosa’ (top 1) que con ‘Al golpito’ (top 2), aunque ambas han alcanzado la cima. Bad Bunny continúa reescalando dada su residencia en Madrid, pero «solo» llega al top 3 con ‘Baile inolvidable‘, que ya fue número 1 en su momento y acumula 5 platinos.
Ariana Grande, que ha sido número 1 en Reino Unido y Estados Unidos con ‘Hate That I Made You Love Me’, tiene una modesta entrada en España. Llega tan sólo al puesto 31 y la perspectiva no es demasiado esperanzadora para la próxima semana, pues ya ha caído al puesto 66 en Spotify España.
Como es habitual con los temas en inglés, Ariana resiste mucho mejor en el Global de Spotify, donde mantiene el top 1 por 7º día no consecutivo. El tema ha sido top 4 en Alemania, top 9 en Francia y top 24 en Italia, por lo que España le da uno de sus peores datos internacionales, aunque no el peor, que sería el de Bélgica (38).
En realidad, la entrada más fuerte de la semana es el remix de ‘De lejitos’ de Jay Wheeler y Omar Courtz. Es puesto 19 y además se disparará la semana que viene, pues ha subido al número 3 en Spotify.
El dúo satírico de rap Los Diozes, que sube al número 4 en discos en su primera semana completa, sitúa varios temas en listas: ‘Cheki’ entra en el 33, ‘Payas’ en el 51, ‘To perdío’ en el 79 y ‘Mardosa’ en el 93.
La última entrada es la de Myke Towers, que llega al puesto 46 con ‘Una ná más’.
Paul McCartney acaba de conquistar por 24ª vez el número 1 en las listas británicas con un proyecto diferente. Su álbum ‘The Boy of Dungeon Lane‘ ha vendido más de 33.600 unidades esta semana. De esos 24 números 1 en Discos en UK, 15 fueron con los Beatles, 6 en solitario contando este, y el resto con Wings o Linda McCartney.
Además, el disco de Macca ha sido número 2 en Alemania, número 4 en Francia y ha caído en el puesto 5 en Australia y en Estados Unidos. En España tiene que conformarse con el puesto 7 por detrás de todo el urban de Quevedo, Bad Bunny, Omar Courtz, Bad Gyal y Los Diozes, que suben del puesto 8 al puesto 4. Pero peor entrada dio al ex Beatles Italia (top 10).
En verdad la entrada más fuerte de la semana en España es la de Manuel Carrasco, que llega al número 3 con ‘Pueblo salvaje I’. Es decir, no logra conquistar al top 1 como en otras ocasiones, debido a la fortaleza de Quevedo y Bad Bunny, que continúan dominando, en ese orden.
Jay Wheeler llega al puesto 13 con ‘La voz favorita’, mientras Ariana Grande es top 14 con la edición 10º aniversario de ‘Dangerous Woman‘. Otra entrada destacada es la de La La Love You con ‘¿Por qué me miráis así?’, que llega al número 36.
El resto de novedades en España se completa con el pop de origen urbano de L’haine’, top 38 con ‘El odio siempre gana’; Aespa con ‘Lemonade – The 2nd Album’, que es número 57; el 10º Aniversario de ‘El último hombre en la tierra’ de Coque Malla en el puesto 93; y ‘Live from Asbury Park 2024’ de Bruce Springsteen en el 97.
Buena entrada internacional para Boards of Canada
Detengámonos un momento en Boards of Canada, que aparecen en el puesto 72 español con el complicado ‘Inferno’. Entrada que se debe sobre todo a su buena aceptación en la subtabla de vinilos, donde es incluso número 20.
Hay que destacar que el top 3 conseguido en Reino Unido por Boards of Canada es la mejor marca de su carrera, pero no el top 29 conseguido en Estados Unidos (su anterior álbum fue top 13 del Billboard 200). ‘Inferno’ puede presumir de haber sido especialmente entendido en Australia (3) y Alemania (4), un milagro para su estilo.
Madonna se sustituye a sí misma en el top 1 de JNSP, pues ‘I Feel So Free’ recibe el 34% de los votos en Instagram, frente al 33% de ‘Bring Your Love’. La entrada más fuerte es la de Ariana Grande en el top 3, seguida de PinkPantheress. Judeline y Lola Young quedan a las puertas del top 10, mientras Anni B Sweet y Jungle entran al top 20.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
El fatídico jueves de Primavera Sound, un rato antes de que la lluvia y los vendavales desencadenen una crisis programática que provocará varias cancelaciones importantes -aunque el festival continuará con la mayoría de los conciertos previstos-, me reúno con JADE en una pequeña sala de un hotel de Barcelona para comentar su primera era como artista en solitario. Cuando salgo del hotel empieza a llover y todavía no soy consciente del drama que está por venir, aunque al final tampoco resulta para tanto (desde fuera, al menos).
La era de JADE viene marcada, por supuesto, por su debut, ‘That’s Showbiz Baby!‘, su primer trabajo como solista tras el parón de Little Mix, una de las girl bands más populares de la historia del Reino Unido. ‘That’s Showbiz Baby!’ es, además, uno de los mejores discos de 2025 por la forma en que aborda sin tapujos la industria musical mientras sirve auténtica «pop perfection» por el camino.
JADE, que acaba de aterrizar en Barcelona, me recibe maquillada y no puedo evitar fijarme en sus preciosas uñas de gel con efecto cristal. Relajada y muy agradable en la conversación, hablamos sobre lo que ha significado esta era para ella o sobre su reciente colabo con Lily Allen. También confirma que no ha escrito para Madonna, a pesar de los rumores.
Hablamos hace un año. ¿Qué sensaciones tienes de la era ‘That’s Showbiz Baby!’ un año después?
Me siento increíblemente orgullosa de todo. Creo que ha funcionado muy bien e incluso ha superado mis propias expectativas. Especialmente en Estados Unidos ha sido increíble ver cuánta gente ha conectado con el disco. Tenía miedo de las reacciones porque es mi debut en solitario y nunca sabes qué va a pensar la gente. Las canciones son más personales de lo que estoy acostumbrada a compartir, así que me imponía bastante respeto darlas a conocer. Me ha encantado crear el show, toda la estética de la era… me ha encantado todo. Como compositora en solitario, después de Little Mix, ¿has encontrado alguna fortaleza como compositora?
Me he dado cuenta de que soy mejor de lo que pensaba, sobre todo escribiendo letras. He visto reacciones muy positivas a mis letras y a mis conceptos, y ha sido bonito descubrir que quizá soy bastante buena en eso específicamente. No estaba tan acostumbrada a escribir letras más biográficas, rebeldes, pícaras o incluso controvertidas. No solo disfruté mucho haciéndolo, sino que también he comprobado que se me da bien.
¿Cómo has encontrado el equilibrio entre presentar un concepto de disco atractivo para el gran público que, sin embargo, está basado en hablar de forma honesta y transparente sobre el lado negativo de la industria musical?
He escrito muchísimas canciones sobre muchos temas. Cuando empecé a escribir en solitario me sentía un poco perdida; no sabía sobre qué escribir. Me sentía bastante en paz y no encontraba un tema claro. Entonces pensé: ¿cuál ha sido el amor de mi vida? Y me di cuenta de que había sido la industria musical. Sabía que en mi debut tenía que sorprender a la gente, así que decidí llevar esa idea tan lejos como pudiera.
¿Los temas de ‘The Encore’ son los que más encajaban con el concepto o los que más te gustaban musicalmente?
Son ambas cosas. Algunas canciones de ‘The Encore’ estaban escritas para el álbum original, pero no entraron en el repertorio definitivo, así que las reelaboré y decidí incluirlas en la reedición.
¿Cuáles?
‘Best You Could’ y ‘Tar’ estaban escritas para el disco original.
¿Y ‘Church’?
‘Church’ es una de las nuevas. Después del éxito de ‘That’s Showbiz Baby!’, quería volver al estudio y desarrollar un poco más todo aquello, escribir una especie de carta de agradecimiento a los fans que han formado parte de este viaje.
«MNEK suele recordarme que ‘Break My Soul’ de Beyoncé llevaba ocho años escrita cuando salió. Si una canción está destinada a encontrar su lugar, lo hará»
¿Qué temas dejaste fuera?
Muchísimos. Pero escribiré música nueva y descubriré cuál es la identidad del próximo disco; entonces podré volver a esas canciones antiguas y ver cuáles encajan. Siempre me da pena dejar temas en el cajón, pero MNEK, por ejemplo, suele recordarme que ‘Break My Soul‘ de Beyoncé llevaba ocho años escrita cuando salió. Si una canción está destinada a encontrar su lugar, lo hará.
¿Qué has aprendido durante el proceso de creación de este disco que aplicarías en el siguiente? ¿Y qué error no repetirías?
Irónicamente, una de las cosas negativas fue volver a quedar absorbida por todas esas emociones negativas sobre las que estaba escribiendo en las canciones: buscar validación constantemente, preguntarme qué pensaba la gente… Sin quererlo ni esperarlo, estaba otra vez ahí. Y no me di cuenta hasta meses después. Supongo que es lo que pasa en las relaciones tóxicas: antes de que te des cuenta, vuelves a estar atrapada en ellas.
Al empezar como solista tenía muchísima presión y hasta me alejé de las redes sociales. En cuanto a lo positivo, encontré mi propia voz y me di cuenta de que confiar en mi intuición siempre va a ser la respuesta correcta. Prefiero que algo fracase por una decisión mía que depender de la decisión de otra persona y que tampoco funcione.
Ahora que miro atrás, quizá no habría lanzado ciertas canciones, pero en general ha sido una era experimental. He construido una base de fans increíble gracias a este disco y estoy muy orgullosa de ello.
«Sé que otros artistas me utilizan como referencia en sesiones de composición y también para sus videoclips»
¿Sientes presión por ofrecer música pop más sofisticada o elevada?
Sí que siento un poco esa presión, simplemente porque hoy en día hay muchísima música y la industria está saturada de artistas. Intentas escribir algo que nadie haya escrito antes. Estamos en una época en la que es muy difícil reinventar la rueda.
Bueno, tú has reinventado algo, ¿no? ‘Angel of My Dreams‘ fue un poco shock.
¡Supongo que sí! Sé que otros artistas me utilizan como referencia en sesiones de composición y también para sus videoclips, lo cual es genial. Tengo que recordar que las canciones mías que realmente conectaron con la gente nacieron cuando no me estaba esforzando demasiado, cuando simplemente estaba siendo yo misma. No estaba intentando impresionar a nadie; simplemente las hice.
Accidentalmente o no, has ofrecido algo que quizá faltaba dentro del contexto actual
Sí, aunque a veces también escribes canciones más sencillas y eso está bien. Cuando saqué ‘Plastic Box‘ pensaba que la gente la consideraría demasiado simple, pero les encantó y se convirtió en una de las favoritas de los fans. También porque el concepto de la canción es bastante peculiar.
¿Cuál es el secreto para samplear con buen gusto, como haces en ‘Before You Break My Heart’?
Hay muchísimas canciones malas con samples…
¿Por ejemplo?
No voy a dar nombres (ríe). Creo que tienes que reinventar la canción o tener una conexión emocional real con ella. Cuando sampleamos ‘Before You Break My Heart’, utilizamos mi propia voz cantando esa canción cuando era niña, y ese era el elemento diferente.
Después le dimos la vuelta al concepto para hablar de tu yo más joven y de ese conflicto de intentar reencontrarte contigo misma. Mis fans saben que adoro a Diana Ross y la música de Motown. Creo que eso tiene más trabajo detrás que simplemente coger un sample de hace treinta años, ponerlo sobre una base dance y esperar que sea un éxito. Aunque, siendo sinceros, muchas veces acaba funcionando. Un género que me inspira mucho en este sentido es el hip-hop: a veces escuchas una canción y ni siquiera te das cuenta de que contiene un sample.
Hay un rumor que dice que escribiste una canción para Madonna.
¡Ojalá! Me encantaría. Voy a manifestarlo.
«Hay muchas canciones con samples malas que se convierten en éxitos »
Acabas de colaborar con Lily Allen en un remix de ‘Beg for Me’. ¿Por qué se eligió precisamente esa canción para el remix?
Ella me propuso dos canciones. Decidimos que en ‘Beg For Me’ podía aportar una perspectiva interesante, poniéndome en la piel de una amiga o confidente de la narradora. Cuando participo en un remix, tiene que haber una buena razón para hacerlo. Tengo que admirar al artista y lo que representa.
En Tiny Desk comentaste que hubo momentos en los que te sentiste especialmente vulnerable. ¿Cómo afrontaste esa actuación? ¿Te sentías vulnerable por el formato acústico o porque era algo nuevo?
Estaba de gira en ese momento. Mi espectáculo es muy brillante y espectacular, con mucho baile y muchas luces. Y al día siguiente estaba grabando Tiny Desk a las diez de la mañana. Me recordó a cuando era más joven y tenía que actuar en pequeños locales, en situaciones bastante incómodas y sin apenas medios técnicos. Creo que eso me hizo retroceder mentalmente y me generó ansiedad. Además, tampoco tuvimos mucho tiempo de ensayo. Pero cuando lo veo ahora, creo que estuvo bien. Es un recordatorio de que no debería darle tantas vueltas a las cosas.
¿Hubo alguna canción que pensaste que no había salido bien y luego te diste cuenta de que sí había funcionado?
Hubo una canción que finalmente se quedó fuera del repertorio porque no la habíamos ensayado lo suficiente: ‘Church’. Soy perfeccionista y Capricornio; si siento que algo no puede hacerse al máximo nivel, prefiero no hacerlo.
Me sorprendieron especialmente ‘Silent Disco’ y ‘Plastic Box’, porque estaba muy nerviosa, pero funcionaron muy bien. Todo el mundo se sorprendió con la loop station. Creo que simplemente tengo que recordar lo poderosa que soy y lo buena que soy en lo que hago.
Los memes se han hecho realidad. El Papa León XIV y Bad Bunny han celebrado una reunión privada este pasado lunes en el Santiago Bernabéu, con motivo de la coincidencia de ambos en la capital española. Así lo ha confirmado el diario ABC, que también ha descrito el encuentro como «breve».
La juntada se produjo después del masivo acto papal que tuvo lugar en el estadio del Real Madrid, que acogió a más de 70.000 personas y contó con las actuaciones musicales de David Bustamante, Diana Navarro, Daniel Diges o Íñigo Quintero. Según informa ABC, por desgracia no se distribuirán fotografías del encuentro. Seguramente, para evitar la creación de memes.
Ya el propio León XIV bromeó en unas declaraciones a la CNN sobre coincidir con Bad Bunny en Madrid: «Si se enfrentan a la pregunta de si quieren ver a Bad Bunny o si quieren ver al Papa, creo que muchos irán a ver a Bad Bunny, pero creo que también habrá unos cuantos aquí para ver al Papa y eso dice algo», comentó.
Sienna Spiro, una de las voces revelación del último año, ha anunciado la gira ‘My House Tour’, con la que actuará en nuestro país por primera vez. La artista británica actuará el próximo 29 de marzo de 2027 en la Paral·lel 62 de Barcelona y el 30 de marzo en La Riviera de Madrid.
El impacto del baladón ‘Die On This Hill’ es innegable, llegando al top 10 de varios países y situando a Spiro como una de las artistas con más proyección del pop británico. Las comparaciones con artistas como Olivia Dean, o incluso Adele, no han tardado en llegar.
La gira de Sienna, con la que recorrerá Norteamérica, Asia, Australia, Nueva Zelanda, Reino Unido y Europa, vendrá después del lanzamiento de su álbum debut, ‘Visitor’, que se publicará en Capitol Records el próximo 3 de julio.
Las entradas para los conciertos de Sienna Spiro en España se podrán adquirir en preventa, que se dará a partir del miércoles 17 de junio a las 10h para usuarios de Live Nation, o en venta general. Estas estarán disponibles el jueves 18 de junio a partir de las 10h, en Live Nation y Ticketmaster.
Pedro Almodóvar ha anunciado el lanzamiento de su primera novela, titulada ‘El hombre que solo escribía en los aviones’. No es el primer proyecto literario del aclamado director, ya que este debutó con su libro de relatos, ‘El último sueño’, en 2023. La novela estará disponible a partir del próximo 29 de octubre.
La editorial Reservoir Books estará detrás de la publicación de la novela, sobre la cual han dado varios detalles en relación a su trama. El libro seguirá la historia de Flavio Guijarro, un hombre que ha acumulado diferentes aficiones a lo largo de su vida, ninguna de largo recorrido. La interpretación es la disciplina que más tiempo ha pasado desarrollando, hasta que descubre que su verdadera vocación es… la escritura.
Reservoir describe la novela como «sorprendente, libresca y muy apasionada» y además revela que la narración es «sinuosa». Así es presentado el libro en su página web: «Un tapiz de experiencias y lecturas, de tramas inventadas y de ideas prestadas que sirven de cimiento a una obra sorprendente, libresca, ansiosa y muy apasionada».
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