Future aseguraba en un reel promocional que ha creado ‘The Real Me’ a raíz del sufrimiento de no poder «enseñar a la gente quien eres de verdad». Sin embargo, lo que nos dice su décimo álbum es que el icónico artista de Atlanta ha sido su yo real durante, al menos, los últimos 10 años.
El lead single del proyecto, que no contiene ninguna colaboración, y único adelanto era prometedor. En ‘Radio’, Future deja claro que la canción no es para las masas y entrega algunas frases realmente interesantes, como cuando dice que no poder estar de luto «es parte de ser un rey» o como cuando desmonta uno de sus mayores mitos al jurar que «las putas vienen para la inspiración, no es lo que parece».
Por otro lado, ‘If I Could’ destaca como la canción más interesante del LP, tanto por su ensoñador beat con vibras ochenteras como por el contenido de sus letras o la gran interpretación del artista. Future se muestra como una persona normal al hablar de sus hijos («El pequeño está intentando seguir mis pasos, pero necesita terminar el colegio / Les dije a mis hijos que fuesen mejores que yo, les dije la verdad») y tremendamente vulnerable al presentarse como alguien que no sabe expresar sus sentimientos a su entorno más cercano: «Amo a mi familia, es difícil decirles cómo me siento».
Si la mayoría del proyecto estuviese compuesto por canciones como estas, con el Future más clásico espolvoreado por el tracklist, ‘The Real Me’ podría haber sido un gran disco. La realidad es justo la contraria, por lo que la sensación final es que se trata de un álbum fallido. No es que el rapero de Atlanta vaya en piloto automático, porque es un grandísimo especialista en lo suyo. Así lo muestra en temas como ‘Fukk A Interview’, ‘Weight Up’, ‘Trench Coat’ o ‘Tank Top Pluto’. Lo que ocurre es que no ofrece absolutamente nada nuevo, ni temática ni musicalmente.
De hecho, cuando intenta adentrarse en estilos más cercanos al pop hacia el final del LP los resultados son terribles. Ni siquiera la imaginativa producción de Pharrell consigue levantar el claro intento de hit que es ‘Alice’, que resulta repetitiva y pesada desde la primera escucha. La performance de Future también deja mucho que desear, al igual que el desanimadísimo beat, en ‘Hollywood’. El experimento se asemeja al de ‘DIE TRYING’ de Drake y PARTYNEXTDOOR, pero con la diferencia de que absolutamente nadie, ni siquiera el oyente más casual, se va a tragar esta versión del rapero.
El resto del LP bascula entre el Future más misógino -‘California Girls’ comparte concepto con el clásico de The Beach Boys, pero sin ningún tipo de encanto-, el más genérico y el más atrevido, en el peor sentido. El exageradísimo falsetto de ‘2018’ es criminal, pero al menos te puedes echar unas risas. Por otro lado, la frescura del etéreo beat de ‘Build A Bitch’ es eclipsada por su casposa temática. Si el Future de verdad es así, que nos den el de pega.
SIENNA es un cantante y compositor valenciano que cuenta con tres discos publicados y ha construido un sonido que lo emparenta con algunas de las propuestas más populares del indie-rock español, como Vetusta Morla, Viva Suecia o el Alizzz más guitarrero. La fuerza de sus canciones y una personalidad vocal muy marcada lo convierten en un artista con potencial para dar un salto importante en cualquier momento.
Entregado a las grandes emociones, su música combina guitarras y sintetizadores con una interpretación llena de carácter. Esa fórmula ha llevado a temas como ‘Épico y mortal’ a bordear los 5 millones de reproducciones en Spotify, mientras que ‘Esto no es el cielo’ formó parte de la banda sonora de la reciente adaptación de Física o Química.
Desde 2017 ha publicado los álbumes ‘Trágico y fugaz’, ‘Tiempos de impacto’ y ‘Trance’. Ahora amplía su discografía con ‘LINCE’, un nuevo trabajo que presentará en una gira por distintas ciudades españolas entre noviembre y febrero del próximo año, más las que quedan por confirmar. Las entradas están a la venta.
En este disco, SIENNA incorpora nuevas texturas electrónicas, como demuestra el corte synth-pop ‘X los siglos de los siglos’, sin renunciar a las guitarras que siempre han definido su propuesta. De hecho, ‘Afilado’, su último sencillo, es probablemente la canción más directa e inmediata del álbum.
Si en ‘Loco’ apuesta por un tono más íntimo y en ‘Garra’ abraza una producción más distorsionada, ‘Afilado’ se sitúa más cerca de esta última. Es una composición de indie-rock vibrante que remite a bandas como Placebo y hace de la intensidad emocional su principal motor. La voz aparece deliberadamente en primer plano para que cada frase llegue con total claridad.
La canción aborda la necesidad de protegerse de quienes utilizan sus propias heridas como excusa para justificar el daño que provocan a los demás. Más que un tema sobre el enfrentamiento, ‘Afilado’ reivindica la importancia de poner límites y preservar el propio equilibrio emocional. En palabras del propio SIENNA: «AFILADO habla de protegerte, de anticiparte, de estar alerta. Nadie debería estar vigilante pero, en ocasiones, no puedes permitir que las heridas de los demás se proyecten sobre ti».
Cupido se han caracterizado siempre por cantar al amor hasta bordear lo autoparódico, incluso realizando lanzamientos, anuncios o conciertos por el Día de San Valentín. Su nuevo álbum le da una vuelta al concepto de la formación. Sin el fantasma de las relaciones abiertos -por el recelo de sus letras, no les pega-, se llama ‘Amor compartido’ porque se compone de colaboraciones. De esta manera, pretende ser un recorrido por la música popular latinoamericana contemporánea, representando un viaje, un diálogo, un «amor compartido» entre países como España, México, Chile, Argentina, Puerto Rico, Guatemala y Estados Unidos.
Las vacaciones más exóticas nos las trae Cuco, que aparece en una especie de bolero llamado ‘Maldito Cupido’, un tema que hace sonar el desamor habitual de las canciones del grupo más doliente, quizá debido al piano. Un instrumento que también es protagonista de ‘Dolor de muelas’.
Pero también hay rastro de vaporwave en esa petición de ayuda titulada ‘Parada del bus’ que se han marcado junto a Little Jesus; o incluso algo de rumba catalana de la mano del viejo amigo Kinder Malo en el desarrollo de ‘Calle de la pena’. Un tema muy españolete que lamenta que dos amantes no hayan quedado ni como amigos.
Ese dramatismo propio del carácter romanticón de las letras de Cupido continúa siendo lo mejor de sus discos, da igual el estilo. Guitarras, teclados y diferentes ritmos han construido la identidad del grupo sin lugar a dudas, pero la música no puede prevalecer sobre las letras cuando estas incluyen pasajes tan canallitas como los que escuchamos en ‘Troleo’.
Esta colaboración con l0rna es uno de los singles principales del álbum, lleno de gracietas («desde que te fuiste no sé dónde meter los dedos»), muestras de independencia («No te necesito pa poder eyacu-«) y discusiones de corte pimpinelesco, como ese momento en que la artista invitada y Pimp Flaco discuten sobre quién de los dos es más tóxico. Gana él, después de desaparecer una noche y aparecer el día siguiente con el Instagram cargado de nuevos contactos.
También arranca una sonrisa esa ‘404’ en la que DrefQuila rima «Mi sueño es morir de asfixia debajo de ese cu» con «ataúd». Y resulta muy peliculera -y muy pegadiza, por extensión- la onomatopéyica ‘Ouch :-(‘ firmada con Usted Señlemelo, en la que Pimp Flaco recibe golpes hasta sangrar e implora: «no es dinero, son tus besos lo que pido». El pop-rock carpetero del tema que abre el álbum junto a Álvaro Díaz, el repaso costumbrista de los días de la semana de ‘LMXJVS-D’ o la dulce voz de Zoe Gotusso en ‘más valen cien pájaros volando que uno en mano’ impiden que la fórmula de Cupido se agote, una vez más. Llegará un día en el que la llama del amor empiece a extinguirse, como en todo «amor compartido». De momento, no termina de pasar.
Cupido están de gira por varias ciudades este año. Entradas para Madrid, Zaragoza y Bilbao, aquí.
Las novedades de hoy 17 de julio vienen evidentemente marcadas por el esperado lanzamiento de Gracie Abrams. Pero no es el único disco que merece la pena destacar, ya que también podemos escuchar los nuevos trabajos de Eartheater, Steve Lacy, su colega Syd, Yard Act, Nia Archives, Lido Pimienta, Helado Tropical o incluso Tricky. Entre los lanzamientos curiosos llegan la reedición de ‘Daydream’ de Mariah Carey con motivo de su 30º aniversario y el nuevo EP de Gala Nell.
Mientras Cupido completa su disco con el añadido del tema que faltaba, conocemos también nuevos singles de Carly Rae Jepsen (en plan Jungle), Brandon Flowers (en plan country), Kelly Clarkson (en plan Pink) o Tinashe (en plan Tinashe).
Esta última ha anunciado su disco ‘Popstar’, y no es la única que ha arrancado campaña esta semana: también Leon Bridges, Beck y Echo & the Bunnymen han anunciado disco en los últimos días, mientras que Julia Jacklin lo había hecho anteriormente. Por no hablar del nuevo recopilatorio de David Bowie.
Siguen adelantando sus próximos lanzamientos beabadoobee, Rose Gray y Overmono, además de Queens of the Stone Age, cuyo Josh Homme hace doblete en el single de Mastodon. Hoy destacamos en portada el estupendo debut de Claudia Arenas, y su compañero de OT 2025 Guillo Rist también estrena un single de corte electrónico.
El pop nacional en español deja novedades notables de Bloodstein, BRAVA con Leo Tucadamo, Karmento, Kristina, Euskoprincess, Blackpanda o un nuevo tema de Maria Arnal, que sucede a su disco de este año y sigue esa misma línea.
Uno de los «tontos» mencionados en el último single de Parquesvr, ‘Tonto‘, ha visto rescindido su contrato con Burger King. La cadena ha puesto fin a su colaboración con El Xokas tras una bochornosa semana de declaraciones polémicas.
Entre las perlas del streamer, presumir de haber «ganado más en una promo de Burger King que tus padres en 20 años trabajando» durante una discusión en directo y asegurar que no le compensaría salir con Ester Expósito por sus ideas políticas. Decía que preferiría salir «con un seis», en un alarde de autoestima admirable.
Burger King ha anunciado que rompe su relación con el creador de contenido al considerar que sus recientes declaraciones «no representan los valores» de la compañía. La marca también ha retirado su imagen de la campaña Grand King, que compartía con Marta Díaz, Peldanyos y Marina Rivers.
La polémica ha llegado incluso al Congreso. La diputada de Compromís Águeda Micó ha respondido a las palabras de El Xokas sobre Ester Expósito recuperando una frase popularizada por Mariang (La Pija y la Quinqui): «Hay que empezar a llamar tonto de mierda a los tontos de mierda». Un lema que conecta con la canción mencionada al principio de este artículo.
Se desconoce cuánto dinero ha llegado a cobrar El Xokas por la campaña, aunque cuesta imaginar que fueran menos de unas cuantas decenas de miles de euros. En cualquier caso, algo nos dice que su frase sobre haber ganado «más en una promo de Burger King que tus padres en 20 años trabajando» no ha envejecido muy bien.
No es habitual que Robert Smith utilice el Instagram oficial de The Cure para pronunciarse sobre asuntos ajenos a la música. Sin embargo, el cantante ha roto esa línea para cargar públicamente contra la FIFA por el nuevo espectáculo del descanso de la final del Mundial, inspirado en el formato de la Super Bowl.
Tras la publicación de la cuenta del grupo sobre el halftime show, con un cartel de órdago que incluye a Justin Bieber, Shakira, Madonna y BTS-, Smith ha respondido que le parece todo un circo: O en sus palabras: “AAAAAAAAAAAAAAAAAAGH… #Breadandcircuses #MUGWANK #pleasejustfuckoff”.
Más tarde ha aclarado que su enfado no iba dirigido contra los artistas, sino contra la idea misma de convertir el descanso de una final del Mundial en un gran show comercial. También ha criticado la participación de Donald Trump en la ceremonia de entrega del trofeo, confirmada por el presidente de la FIFA, Gianni Infantino, a quien Smith ha llamado despectivamente “infantosser”. «Tosser» es un insulto británico muy común que significa algo así como «imbécil» o «capullo».
Smith, que recientemente ha actuado en el Primavera Sound al frente de The Cure, también sorprendió hace unas semanas al aparecer por sorpresa junto a Olivia Rodrigo para interpretar en directo el tema que ambos comparten, ‘what’s wrong with me’, lanzazo oficialmente una semana después.
Claudia Arenas pasó de ser la primera nominada de Operación Triunfo 2025, imponiéndose finalmente a Iván Rojo, a convertirse en la quinta finalista de la edición. Lo consiguió gracias a su bonito timbre y a su formación musical, evidente no solo en su habilidad para tocar el piano, sino también en su gusto musical, que la llevaba a competir con canciones tan poco habituales como ‘Overjoyed’ de Stevie Wonder. Por supuesto, su versión de ‘Latin Girl‘ de Emilia se viralizó en plataformas y llegó a las listas oficiales, siendo el único tema de aquella edición en conseguirlo.
El debut de Arenas era, por tanto, muy esperado. Aunque su primera apuesta fue el sencillo ‘gran error’, publicado tras su salida de la Academia, era de esperar que, junto a Sony Music, preparase un lanzamiento de mayor envergadura para presentar oficialmente su carrera. Ahí entra ‘Como un imán’.
‘Como un imán’ es la canción de corte acústico con la que Arenas se reintroduce al público. La luminosa composición, creada entre otros junto a la artista revelación Paula Felices, se sostiene sobre una base de voz y guitarra para, después, envolverse en armonías vocales y sutiles efectos electrónicos. Sin embargo, al contrario que en varios de los sencillos surgidos de la edición, aquí no prima tanto la arquitectura de la producción como el brillo de la melodía.
Más cercana a los momentos acústicos de Billie Eilish que a las fáciles comparaciones con Taylor Swift u Olivia Rodrigo, ‘Como un imán’ es una canción romántica que expresa una profunda devoción por la persona amada, aunque queda ligeramente lastrada por esa tendencia, tan habitual entre muchos artistas jóvenes actuales, a arrastrar e incluso casi balbucear las frases. Arenas canta al miedo que siente cuando esa persona no aparece en sus sueños y al deseo de despertar cada día a su lado.
Ese idealismo que transmite la letra queda reflejado en el sonido, que evoca una especie de realismo mágico. Y realismo mágico es, precisamente, lo que propone el logrado videoclip, en el que Arenas aparece inmersa en distintas situaciones cotidianas tratadas desde una perspectiva surrealista.
Julia Garner y Mark Foster han puesto fin a su matrimonio tras más de seis años juntos, según una fuente citada por People. La actriz de ‘Ozark’ y el líder de Foster the People se conocieron en el Festival de Sundance de 2013, comenzaron su relación años después tras contactarse a través de Instagram y se casaron en 2019 en una discreta ceremonia en el Ayuntamiento de Nueva York.
La separación coincide con un gran momento profesional para Julia Garner, que en los últimos años ha estrechado su relación con Madonna. La actriz fue elegida para interpretar a la cantante en el biopic que finalmente quedó aparcado y, este año, ha aparecido en el videoclip de ‘Bring Your Love’, el lead single de ‘Confessions II‘, encarnando a la Madonna joven.
Por su parte, Mark Foster continúa al frente de Foster the People, la banda responsable de éxitos como ‘Pumped Up Kicks’, ‘Houdini’, ‘Sit Next to Me’, ‘Imagination’ o ‘Coming of Age’, además de joyas como ‘Nevermind’. Durante su boda con Garner, el músico le sorprendió interpretando una composición inédita, ‘Lovers in a Stream’, escrita expresamente para el primer baile de la pareja.
Aunque algunos fans han relacionado canciones de ‘Paradise State of Mind‘ con Garner, Foster nunca ha confirmado que sean autobiográficas. El disco incluye temas sobre nuevas etapas como ‘Chasing Low Vibrations’, otros sobre el deseo como ‘Feed Me’ y declaraciones de amor como ‘The Holy Shangri-La’ («Oh, my love / We’ll be together»). En general, Foster ha preferido mantener sus letras en un terreno más universal que confesional.
Echo & The Bunnymen, el grupo al que conocimos por clásicos del post-punk y la new wave como ‘The Killing Moon’, ‘The Cutter’, ‘Seven Seas’ o ‘Lips Like Sugar’, vuelve con ‘Apples For Isaac’, su primer disco de canciones inéditas desde ‘Meteorites‘ (2014), esto es, 12 años.
Los de Liverpool llevan años dando largas al álbum, entre la pandemia y el perfeccionismo habitual de Ian McCulloch, que quería que las letras fueran, en sus propias palabras, «crípticamente importantes». El resultado es un disco grabado junto al batería de Blondie, Clem Burke, fallecido el año pasado, y dedicado a su memoria.
El primer adelanto, ‘Brussels Is Haunted’, recupera el dramatismo y la épica melancólica que hicieron de Echo & The Bunnymen una de las bandas más influyentes del rock británico de los 80. No va a destronar a ‘The Killing Moon’, pero tampoco parece que lo pretenda.
Más de una década después de su debut, de la maravillosa ‘River’ y de participar junto a Beyoncé en la película de ‘Lemonade’, las hermanas franco-cubanas Lisa-Kaindé y Naomi Díaz, más conocidas como Ibeyi, continúan ampliando su trayectoria. ‘Offering‘ es su primer disco independiente y, probablemente, uno de los álbumes más luminosos y agradecidos, tanto en lo musical como en lo espiritual, que escucharás este verano. Ibeyi lo presentarán en España el 30 de noviembre en La Paloma (Barcelona) y el 1 de diciembre en la Sala But (Madrid). Las entradas están a la venta. Aprovechamos la ocasión para reunirnos con las hermanas y hablar sobre ‘Offering’, la industria musical, la independencia artística y el verdadero significado de la palabra «espiritualidad».
¿Cómo han sido los últimos cuatro años para vosotras?
Naomi: Han sido años con mucho movimiento; bastante difíciles, pero también muy felices. Paramos durante un tiempo para reflexionar, saber qué queríamos y cómo y con quién queríamos hacerlo, porque ya llevábamos diez años en este negocio. Como en la vida, a veces uno tiene que parar, vivir, pensar y continuar. Este álbum recoge todas las emociones que hemos pasado en los últimos cuatro años, en orden. Empieza con la rabia, después sigue con la tristeza y llega a la aceptación y al descubrimiento de que la vida es bonita.
La reflexión, claro, os ha llevado a hacer un disco. ¿En qué momento decidís que esto iba a ser así?
Lisa-Kaindé: Nos gustan los discos y los sentimientos nos suelen nacer en forma de canciones. Cuando hicimos ‘Moshpit’ nos dimos cuenta de que estábamos haciendo un disco, porque encontramos el nuevo sonido de Ibeyi.
Naomi: Este álbum es el final y el principio de algo. Estamos expandiéndonos y marca el comienzo de una nueva etapa.
Destacáis ‘Moshpit’, que es la canción más agresiva del disco. ¿Por qué es un tema clave para vosotras?
Lisa-Kaindé: Es la canción que libera la rabia, y eso siempre es importante: poder expresar la rabia que uno lleva dentro. También era importante escribirla porque, en ‘Moshpit’, hay una frase que dice: «No more pleasing, I’m the horizon». Significa: «Yo soy el camino, ya no complazco a nadie». Hubo algo en este disco de volver a alinearnos con lo que queríamos de verdad, sin miedo a lo que pasara. La canción nos dio la energía para tener el coraje de salir ahí fuera así.
¿Qué habéis descubierto de vuestra creatividad ahora que sois independientes?
Lisa-Kaindé: Hemos descubierto que somos capaces de respaldarnos a nosotras mismas. Al ser las únicas que creemos en el proyecto y las que ponemos el dinero, me di cuenta de la fuerza y la fe que tenemos en nuestro arte. También hemos descubierto que tenemos mucha hambre artística y muchísimas ideas. Siempre lo supe, pero cuando tienes que hacerlo todo tú misma, constatas que realmente puedes seguir adelante.
Dentro del sistema de la industria musical, ¿os encontrasteis complaciendo a otras personas o negociando demasiado a nivel creativo?
Naomi: Nunca tuvimos que hacer eso, pero uno tiene que cambiar y creemos que ser independiente es el futuro. Si puedes intentarlo, lo haces.
¿Qué canción del disco descubrió su verdadera importancia para vosotras después de terminarla?
Lisa-Kaindé: ‘Offerings’. La hicimos en un estudio durante tres horas, con unos tipos que habíamos conocido tres segundos antes. Nunca los volvimos a ver ni hemos vuelto a hablar con ellos. Es la canción más friki del disco, pero de repente nos dimos cuenta de que eso era lo más importante: poner el foco en dar, en la ofrenda, y no en la reacción del mundo, en si le va a gustar a la gente o no. Solo en ofrecer algo que es importante para mí. Por eso el disco se llama así.
Hay varias referencias a deidades yorubas y egipcias, por ejemplo en ‘Aset’ o en la introducción. ¿Qué significado tienen para vosotras dentro del disco?
Lisa-Kaindé: La mitología y la religión yoruba forman parte de nosotras y de nuestra sangre, y siempre estarán presentes en nuestros discos. No es algo consciente; simplemente surge.
Naomi: Si aparece, aparece. Si no, no lo forzamos.
Lisa-Kaindé: ‘Aset’… Me encanta la mitología en general y me ayuda a decir cosas que jamás me habría atrevido a expresar de otra manera. Fue una especie de «ego trip» poder decirlas. Pero después pasó algo mágico: estábamos cantando esa canción en el estudio y me di cuenta de que esa canción no era sobre mí, sino sobre Naomi. Supe que ella bailaría en el videoclip, que iba a canalizar ese sentimiento. ‘Aset’ puede ser cualquier mujer que se libera. Fue muy bonito escribirla.
Naomi: Este disco siempre fue muy real, muy personal. En el primero hablábamos de nuestro padre, de nuestra hermana, que murieron, de nuestra madre… hablábamos más de nuestra historia. Este habla de nosotras durante estos últimos tres años. No es algo lejano: es el presente. Lo escribíamos cada día, mientras estábamos en el estudio. Es algo palpable. No hablamos de una historia de hace diez años, sino del momento que estábamos viviendo. Por eso el tracklist sigue un orden cronológico respecto a lo que íbamos sintiendo.
Es evidente que el disco se divide en una primera parte con más rabia y una segunda más calmada, pero vosotras decís que eso surgió de forma natural.
Naomi: Creo que la mayoría de los álbumes empiezan tranquilos y van ganando fuerza. Retrospectivamente, me parece interesante haber hecho el recorrido contrario: empezar con rabia y terminar con paz.
«Sin espiritualidad no se puede sobrevivir en esta industria. Es muy jevi. Hay que tener fe. Hay que saber quién es uno para mantenerse centrado»
En el disco mezcláis idiomas, como siempre, pero me pregunto si hay ciertas emociones que os salen más en un idioma que en otro.
Lisa-Kaindé: Hay canciones que tienen que ser en español y otras que tienen que ser en francés. Cada idioma tiene su propia energía. Por ejemplo, ‘La tendresse d’un mot’ no podría haber sido en español. Es nuestra primera canción íntegramente en francés y nos sentimos muy desnudas. Somos nosotras abriendo de verdad el corazón.
Naomi: El español es mucho más poético que el inglés. Por ejemplo, la canción con pablopablo, ‘Good Life’… cuando intentas traducirla es una catástrofe.
Lisa-Kaindé: El inglés es mucho más directo, más «straight to the point».
Antes hablábamos de las deidades yorubas. Quería saber si para vosotras la espiritualidad es compatible o incompatible con estar en la industria musical.
Lisa-Kaindé: Naomi tiene muchos problemas con la palabra «espiritualidad»; no le gusta nada. Creo que siente que ser espiritual no significa rezar cada día o poner incienso. Ella expresa su espiritualidad bailando, por ejemplo.
Naomi: Creo que la palabra se ha vuelto viral y que mucha gente, cuando piensa en espiritualidad, piensa solo en una cosa, en la imagen que ve en las redes sociales. Yo nunca utilizo esa palabra.
Lisa-Kaindé: Volviendo a tu pregunta, sin espiritualidad no se puede sobrevivir en esta industria, que es muy jevi. Hay que tener fe. Hay que saber quién es uno para mantenerse centrado, vivir el presente. Todo eso es espiritualidad. Hay que encontrar la pasión y la belleza en lo que uno hace.
Naomi: Para algunas personas la espiritualidad puede estar en un club de striptease haciendo twerking, en los cuencos tibetanos, en viajar o en hacer el amor.
¿Os incomoda que se os asocie con esa palabra porque os etiqueta?
Lisa-Kaindé: A mí no me molesta en absoluto. Yo sí me considero muy espiritual. A Naomi le cuesta un poco más.
Naomi: Sí, porque no me gustan las etiquetas, pero entiendo que la palabra se utilice.
Lisa-Kaindé: No es que la etiqueta no sea cierta; simplemente creo que habría que ampliar su definición.
¿Percibís que la industria romantiza vuestra condición de hermanas y pasa por alto vuestras individualidades?
Naomi: Creo que ahora la gente empieza a saber quién es quién. Primero con ‘Aset’, que representa más mi energía, y ‘Offerings’, que representa la de Lisa. Somos gemelas, es normal, pero también es nuestro trabajo mostrar quién es cada una.
Lisa-Kaindé: Y también es nuestro trabajo crecer individualmente para poder enseñar esas dos partes. Somos muy diferentes.
¿Hay alguna influencia importante para vosotras que la prensa casi nunca mencione?
Naomi: Me encanta la arquitectura y el diseño de muebles. Siempre quiero que los videoclips se rueden en lugares arquitectónicamente muy bonitos y que la gente los descubra. Quizá dentro de unos años me veáis diseñando sillas o muebles.
Después de una década de carrera, ¿qué expectativas ajenas os cuesta más ignorar?
Naomi: Eso ya lo hemos dejado atrás. No es que no existan las expectativas, pero ahora estoy mucho más relajada.
Lisa-Kaindé: Este disco es como un mapa, porque todo el mundo vive lo que contamos en las canciones: tener bajones, preguntarse hacia dónde va… Queríamos mostrar que tener ego y ser vulnerable pueden convivir perfectamente.
Clean Bandit será la gran estrella internacional del programa del Pride Barcelona, encabezando un cartel que ya ha sido desvelado prácticamente al completo y que reunirá a artistas de pop, música urbana, electrónica, drag y cabaret repartidos entre los escenarios de Plaça Universitat y Passeig Lluís Companys (Arc de Triomf).
El grupo británico, responsable de éxitos globales como ‘Rather Be’ o ‘Symphony’, encabeza una programación en la que también figuran algunos de los nombres más destacados del panorama nacional y de la escena LGTBIQ+.
Entre las principales confirmaciones aparecen Gala, Metrika, Kate Ryan, Beth, María Peláe, Leire Martínez, Julieta, Zahara Rave, María Escarmiento, Martin, Las Ketchup, Kristina, Luna Ki y Tony Crox & Lucycalis, que conforman la primera línea del cartel.
A ellos se suma una segunda tanda de artistas con Quinieta, La Terremoto de Alcorcón, Sharonne, Pastora, Ricky Merino, Sofía Martín, Pupi Poisson, Roser, Selena Leo, Euskoprincess, Joanna Crass, Papa Topo y Sandra Monfort.
El cartel se completa con una amplia representación de propuestas musicales y de la escena drag y cabaretera: DJ Ashtattz, Putilatex, FERRXN, Sombra Alor, Markos, Turista Sueca, Khansa, Megane Mercury, Vidda Priego, Clover Bish, Missla Blank, Marina y más.
El cartel también confirma que los conciertos volverán a repartirse entre los escenarios de Plaça Universitat y Passeig Lluís Companys (Arc de Triomf), mientras que la manifestación recorrerá el trayecto entre ambos espacios bajo el lema «Totes les realitats, un sol orgull».
El Pride Barcelona 2026 se estructura en varias fases a lo largo del verano. La agenda social se extiende del 27 de junio al 16 de julio, con actividades culturales, reivindicativas y comunitarias que preparan el ambiente previo a la celebración principal.
El 16 de julio tendrá lugar el pregón, que marca oficialmente el inicio de los actos centrales, seguido de varios días de fiesta del 16 al 19 de julio. Dentro de este marco, la manifestación del Orgullo se celebrará el 18 de julio.
Entre los días 30 de julio y 1 de agosto se celebra una nueva edición de SonRías Baixas, a tan sólo 20 minutos de Vigo y Pontevedra. El festival cuenta con una zona de acampada a 800 metros de la playa y del recinto. Tenéis toda la información detallada en su web. JENESAISPOP repasa lo más importante de su cartel, una celebración del pop nacional, en toda su diversidad.
Zahara «Rave»
El tour que está realizando Zahara este año es diferente al de ‘Lento ternura’ y a su vez distinto a la «rave» que exhibió hace unos años. Esta es una celebración de la cultura LGTBIQ+ que cuenta con un mensaje de Samantha Hudson desde las pantallas, así como con guiños a hits de la música electrónica de los años 90 (The Prodigy) o de nuestros tiempos (Lorde). No falta tampoco su eterna colección de hits, definitivamente el plato fuerte del viernes 31 de julio.
Alcalá Norte
El gran grupo revelación de los últimos 3 años en España encabezará la jornada del jueves 30 de julio. Alcalá Norte continúan tocando naturalmente todos los éxitos de su debut, como ‘La vida cañón’ o ‘La calle Elfo’, pero la novedad es que ya tienen preparado un segundo álbum del que han adelantado dos temas: ‘Los llamados pitagóricos’ y ‘El hombre planeta’.
Barry B
Barry B está en uno de los momentos más dulces de su carrera. Por un lado las canciones de ‘CHATO’ y las de ‘INFANCIA MAL CALIBRADA’ siguen bien pegadas, y por otro, ha seguido sumando temas interesantes. Tanto su último single ‘Silverado’ como su nueva colaboración de corte folky junto a Gara Durán, ‘Una casa en el Teide’, han tenido una acogida estupenda.
Gara Durán
Hablando de Gara Durán, su carrera está siendo claramente ascendente, camino a un disco largo que habría de llegar a finales de este año. Si junto a Barry ya deslumbró en esa maravilla llamada ‘El lago de mi pena’, y con Natalia Lacunza en la bellísima ‘Placer de vivir’, en solitario ha despuntado especialmente en la country ‘Mi loco cowboy’, ya una de las Mejores Canciones de 2026. Si Barry B actúa el viernes 31 de julio, Gara lo hará el sábado 1 de agosto.
La M.O.D.A.
También un ramalazo country tiene ‘No te necesito para ser feliz’ y gran parte del repertorio de La Maravillosa Orquesta del Alcohol. A todas luces el concierto más multitudinario del sábado 1 de agosto, será una exhibición de éxitos en España, como ‘1932’ y ‘Héroes del sábado’, ambos doble platino en nuestro país.
La Pegatina
El mismo sábado será el turno de La Pegatina, con fama de contar con uno de los directos más potentes de las últimas décadas en España. Ecos de ska, música latina y guiños a otras canciones populares conocidas por todos aparecen en un show que Gabriel Carey explicó hace poco de la siguiente manera: «Se va a la farra y farra es lo que hay».
Biznaga
El mismo sábado habrá una muestra de rock underground como alternativa de la mano de Biznaga. La banda continúa paseando las canciones del contestatario y generacional ‘¡AHORA!’, en el que contraponían «entusiasmo» a «desencanto» y proponían la «disidencia». Seguro que tampoco faltan canciones antiguas como ‘Madrid nos pertenece’ o ‘Contra mi generación’.
Juventude
Uno de esos grupos pequeños que pueden convertirse en grande poco a poco son el dúo JUVENTUDE, que han viralizado recientemente gracietas como ‘La motillo’ -la de «pero mira cómo beben los peces en el río»- o la grandilocuente ‘Morir en primavera’. No hay festival que se les resista y en SonRías Baixas podréis verles exactamente el jueves 30 de julio.
Veintiuno
Tras éxitos como ‘La vida moderna’ -el gran himno contra el poliamor de nuestros tiempos- o ‘Dopamina’, Veintiuno preparan ahora algo gordo de cara al 4 de septiembre. Será entonces cuando llegue ‘El último baile de delirio y equilibrio’, un disco que incluirá colaboraciones con artistas tan variados como Rufus T. Firefly, Grande Amore, DJ Nano y Siloé, Yarea… Ya pueden escucharse la mitad de los temas, entre otros el que tienen con Repion. Actúan el jueves 30.
Ultraligera
Finalmente, otro de los grupos más exitosos de los últimos tiempos, Ultraligera, serán protagonistas el viernes 31 de julio. Su álbum, ‘Pelo de foca’, ha sido uno de los «sleepers» más sonados de Promusicae en los últimos meses, llegando a rondar el top 75.
Continúan los lanzamientos póstumos de David Bowie coincidiendo con el décimo aniversario de su muerte. El próximo 18 de septiembre, Parlophone publicará ‘The Shel Talmy Recordings’, una recopilación de grabaciones realizadas en 1965, cuando el artista todavía se hacía llamar Davie Jones.
El disco reúne 22 canciones grabadas junto al productor Shel Talmy (The Who, The Kinks), entre ellas diez temas y maquetas inéditos hasta ahora. El lanzamiento incluye además colaboraciones con Jimmy Page y el pianista Nicky Hopkins, y ya puede escucharse una de las canciones rescatadas, ‘I Want Your Love’.
Entre las diez grabaciones inéditas destacan varias maquetas nunca publicadas, como ‘Today’, ‘I Live in Dreams’ o ‘Bars of the County Jail’. No hay ningún bombazo oculto de la etapa más conocida de Bowie, pero sí un valioso documento de sus primeros pasos como compositor e intérprete.
Además de material en solitario, ‘The Shel Talmy Recordings’ recupera grabaciones de Bowie con las bandas The Manish Boys y Davie Jones & The Lower Third, justo antes de adoptar definitivamente el nombre artístico de David Bowie. El recopilatorio llega un año después de ‘I Can’t Give Everything Away (2002-2016)‘, la caja dedicada a la última etapa de su carrera.
01 You’ve Got A Habit Of Leaving (2026 Remaster)^
02 I Want Your Love ^
03 Cupid ^
04 I Pity The Fool (2026 Remaster)+
05 Baby Loves That Way (2026 Remaster)^
06 Keep Up With The Jones (Instrumental) ^
07 Leave Her To Me ^
08 I’ll Follow You^
09 You Gotta Tell Her (2026 Remaster)^
10 Take My Tip (2026 Remaster)+
11 Certain Woman *^
12 Today (Demo) –
13 I Want My Baby Back (Demo) (2026 Remaster)-
14 I Live In Dreams (Demo) –
15 Bars Of The County Jail (Demo)-
16 That’s Where My Heart Is (Demo) (2026 Remaster)-
17 I Do Believe I Love You (Demo) –
18 You’ve Got A Habit Of Leaving (Alternative Overdub/Vocal) (2026 Remaster)^
19 I Pity The Fool (Alternative vocal take) (2026 Remaster)+
20 Baby Loves That Way (Alternative Vocal Take) ^
21 Take My Tip (Alternative Vocal Take) (2026 Remaster)+
Dua Lipa se ha posicionado a favor de la llamada «revolución de los flamencos», el movimiento que lleva más de seis semanas protestando en Albania contra un macroresort de 1.600 millones de euros impulsado por inversores liderados por Jared Kushner, yerno de Donald Trump, e Ivanka Trump. La artista, nacida en Londres y criada en parte entre Kosovo y Albania, ha calificado las protestas de «inspiradoras».
El problema no es solo el resort en sí. La indignación viene de que el Parlamento albanés cambió la ley a finales de 2024 para permitir construir en espacios naturales protegidos, entre ellos la isla de Sazan y la península de Zvërnec, dos reservas de gran valor ecológico, y lo hizo sin ningún proceso de consulta pública. Ese es el punto que más ha criticado la cantante.
«Lo que me preocupa es que el Gobierno pueda cambiar la ley para eliminar la protección ambiental sin ningún tipo de consulta pública», ha dicho Lipa en su podcast Service95. Mientras el primer ministro Edi Rama vende el proyecto como una oportunidad histórica para el país, las protestas no dejan de crecer e incluso desde la Unión Europea se ha advertido de que este tipo de decisiones pueden complicar la candidatura de Albania para entrar en el bloque.
No es la primera vez que Dua Lipa se moja en asuntos políticos. En los últimos años ha sido una de las artistas pop más visibles en su apoyo a Palestina, reclamando un alto el fuego en Gaza y utilizando sus redes para denunciar la situación humanitaria.
Pop star Dua Lipa speaks out about the Albania protests: “I find it so inspiring to see how much people really care.” Albanians have been protesting against the billionaire takeover of their public lands for the last 6 weeks. Jared Kushner and Ivanka Trump are planning to build two luxury resorts in Albania’s coastal areas, including Sazan, Albania’s only island.
Se reanuda el goteo de noticias relacionadas con el nuevo disco de Lana Del Rey. ‘Stove‘ ya estaría casi acabado y su autora no solo ha revelado que su envío a imprenta es inminente, sino que ha mostrado su supuesta portada de corte floral, con Lana posando en medio.
La imagen está subida dentro de un carrete de nueve fotos y aparece en noveno lugar. En el décimo figura la imagen de un vinilo desconocido. En su texto, Lana revela que, aparte de ‘Stove’, con los años ha emergido un «disco secundario», que sería el que aparece en esa última imagen. Un trabajo que define como «una especie de comentario sobre todo lo que ha estado pasando, la paciencia que ha hecho falta y la confianza que he tenido que tener para entender que no todo lo que no funcionaba era culpa mía».
Sobre ‘Stove’, Del Rey asegura que el álbum «es precioso y permanece exactamente como fue concebido». Lo llega a definir como «un disco clásico», del que el público ya conoce una buena parte gracias a sus conciertos, «aunque no todas las canciones». La cantante aprovecha para agradecer la implicación de todos los colaboradores que han participado en el proyecto.
Pero la parte más llamativa del texto llega cuando explica que, durante el largo proceso de creación, fue tomando forma otro álbum distinto. Según cuenta, ese «disco secundario» nació casi de manera inevitable y reúne canciones surgidas de las dudas, la esperanza y la necesidad de empezar de cero. Si ‘Stove’ estaría arraigado en el crecimiento y la alegría, este segundo trabajo habría acabado «salpicado» por composiciones nacidas de la incertidumbre y la comprensión de que los nuevos comienzos implican empezar completamente desde cero.
Lana añade que necesita aproximadamente un mes más para terminar de ensamblar este segundo proyecto y enviar ambos álbumes a fabricar en vinilo. «Ha llevado el tiempo que tenía que llevar», escribe, antes de agradecer de nuevo la paciencia de sus seguidores. La artista concluye describiendo ambos discos como «dos de las piezas de las que me siento más orgullosa».
Justo antes de su reciente concierto en Madrid, con todas las entradas vendidas, Oklou recibió a JENESAISPOP en un camerino de la sala La Riviera. La artista francesa tuvo un 2025 espectacular gracias al éxito de culto de ‘choke enough’ y continúa ganando admiradores en 2026 con su gira, que se extenderá hasta octubre. En medio de todo esto, hablamos con ella sobre cómo está afrontando esta nueva etapa de su vida, su manera de construir atmósferas a través de la música o su elección de escribir en inglés en vez de en su idioma nativo.
Tu mixtape ‘Galore’ ya recibió bastante atención, pero ‘choke enough’ ha sido tu gran salto hacia un público mucho más amplio. ¿Cómo ha afectado este éxito a tu vida, tanto personal como artísticamente?
Personal y artísticamente están muy conectados. Sinceramente, creo que lo he gestionado bastante bien. En realidad, el hecho de estar embarazada, dar a luz y pasar por el posparto hizo que no pudiera implicarme al cien por cien en toda la campaña del álbum. Hice todo lo que era necesario, pero también intenté protegerme. Me ahorré gran parte del estrés que supone estar constantemente expuesta, conceder muchísimas entrevistas y participar en toda la promoción. De hecho, ni siquiera estaba disponible para seguir todo lo que ocurría alrededor del disco en internet. Obviamente fui consciente de muchas cosas, pero también tenía que centrarme en mi salud y en mi bebé. Sabía que el álbum estaba funcionando bien, pero pude mantener cierta distancia respecto al estrés que todo eso podría haberme provocado.
Más allá de eso, estoy muy agradecida y también muy sorprendida. No sabría explicar exactamente por qué ha sido un éxito, pero creo que el equipo con el que trabajo hizo una gran labor de promoción, además de que a la gente realmente le ha gustado la música. Al final es una combinación de muchos factores y estoy muy feliz.
¿Cómo ves ahora el álbum, después de un año? Recuerdo que en una entrevista anterior con nosotros comentabas que había una canción de ‘Galore’ con la que no estabas del todo satisfecha. ¿Hay algo de ‘choke enough’ que cambiarías hoy?
Mi opinión sobre ‘choke enough’ no ha cambiado desde que salió. Tengo muy claro qué cosas considero acertadas y cuáles no. Hay muchas decisiones que habría tomado de otra manera. Lo sentía mientras hacía el álbum, durante la mezcla y también cuando se publicó. Hubo decisiones que tomé yo y otras que, en cierto modo, tuve que aceptar. Digo «tuve que aceptar» porque sentía que no tenía el control absoluto sobre todo el proyecto. Por eso digo que habría hecho algunas cosas de otra manera, aunque también forma parte del proceso. Eso no significa que no me guste el disco. Al contrario, adoro todas las canciones. Lo que quizá habría afinado un poco más es la forma en que el álbum cuenta su historia. A veces siento que va en muchas direcciones distintas y ese es el único aspecto que creo que podría haberse pulido mejor. Pero nunca habría publicado canciones que no me gustaran.
«El hecho de estar embarazada, dar a luz y pasar por el posparto hizo que no pudiera implicarme al cien por cien en toda la campaña del álbum»
Hay algo de tu forma de producir que me parece muy interesante. Tus canciones están llenas de pequeños detalles y, al mismo tiempo, resultan muy minimalistas. Todo lo que suena parece estar ahí por una razón. ¿Cómo es ese proceso de decidir qué sonidos eliminar y cuáles conservar?
Gracias por decir eso, porque creo que es cierto. Es curioso porque mi amigo Casey, que es coproductor de mis discos, me envía muchas veces su música precisamente para eso. Sabe que probablemente voy a decirle: «Eso no hace falta. Eso tampoco. Quédate solo con lo que realmente es necesario y significativo». Creo que es una forma muy útil de trabajar en cualquier disciplina artística, aunque depende de cuál sea tu objetivo creativo. Para mí es una manera muy eficaz de llegar a una idea precisa de cómo quiero que suene la música y de lo que realmente quiero expresar. Cada elemento de una canción tiene una energía, unas referencias y un significado propios. Cuando entiendes eso, dejas de pensar simplemente en si algo «encaja». No se trata de que encaje, sino de lo que transmite.
El álbum tiene una energía muy propia de los años 2000. Es una estética que está volviendo con mucha fuerza al pop actual. ¿Qué te atrae de esa época? ¿Te consideras una persona nostálgica?
Muchísimo. Creo que el regreso de la estética y el sonido Y2K tiene una explicación muy sencilla: la gente que ahora tiene entre 25 y 35 años está reviviendo su adolescencia. Me parece algo completamente lógico. Después esa estética acaba convirtiéndose en tendencia y ahí es donde creo que hay que ser coherente. Si recurres a referencias de una determinada época, tienen que significar algo para ti. No me parece interesante limitarse a replicarlas; lo importante es apropiárselas y darles un sentido propio. Y sí, siempre he sido una persona muy nostálgica. Creo que eso también se refleja en mi música.
«El regreso de la estética y el sonido Y2K tiene una explicación muy sencilla: la gente que ahora tiene entre 25 y 35 años está reviviendo su adolescencia»
Pasando a las letras, ¿te sientes más cómoda escribiendo sobre tus emociones en inglés? ¿Te planteas hacerlo algún día en francés?
Lo he intentado muchas veces, pero para mí es un ejercicio muy difícil. Me exijo demasiado y siento que todavía estoy muy lejos de dominar mi propio idioma como una herramienta poética. Sinceramente, ni siquiera creo que llegue a hacerlo algún día. Podría cantar en francés un texto escrito por otra persona sin ningún problema, pero escribirlo yo misma es completamente distinto. Para mí es casi otra profesión. Cuando escribo en inglés tampoco trabajo siempre sola. Algunas canciones sí las he escrito de principio a fin, pero nunca sé realmente cuánto valen esas letras. Con la música sí sé perfectamente qué significa lo que hago y si funciona. Con las letras no tengo esa seguridad. Por eso necesito apoyarme en Casey y en otras personas cuya lengua materna es el inglés para que me digan si una frase suena natural o no. No tengo esa intuición que sí tendría si escribiera en mi propio idioma. Siempre me pregunto: «¿Esto está bien? ¿Suena natural?». Pero, al mismo tiempo, eso también me da cierta libertad. Como no soy plenamente consciente de todos los matices del idioma, me resulta más fácil dejarme llevar sin juzgarme tanto.
Hablando de Francia, ¿hay artistas franceses que quizá no sean tan conocidos fuera del país y que creas que merecen mucha más atención?
Muchísimos. Aunque últimamente he estado un poco desconectada de la escena porque ya no tengo tanto tiempo para ir a conciertos o descubrir música nueva. Diría, por ejemplo, mi guitarrista, cuyo proyecto se llama Détente. También Jazz Lambaux, que estuvo conmigo de gira y ofrece un directo fantástico en el que mezcla instrumentos tradicionales como la gaita con una propuesta muy personal.
También recomendaría a mi amiga Vickie Cherie, que escribe canciones pop y también me acompañó en la gira. Y DJs como Crystallmess, que es productora y además organiza exposiciones de arte. Es una artista con muchísimo talento.
Hace poco también compusiste junto al músico Robin Coudert la banda sonora de la película de animación ‘In Waves’. ¿Cómo surgió ese proyecto y cómo fue la experiencia?
Empecé a involucrarme en el proyecto en 2021. Me pidieron escribir la música para un tráiler que necesitaban para conseguir financiación. En la animación todo lleva muchísimo tiempo y ese tipo de materiales son fundamentales para sacar adelante la producción. Acepté el encargo, pero enseguida me di cuenta de que no podía hacerlo sola. Nunca había compuesto una banda sonora de ese nivel y los requisitos musicales eran muy exigentes. Había que escribir para orquesta y trabajar con un lenguaje completamente distinto al que utilizo normalmente. Puedo crear mis propios sonidos y desarrollar mi universo musical, pero una banda sonora requiere otras herramientas: trabajar con arreglistas, entender cómo adaptar la música a la imagen y dominar un proceso que yo todavía no conocía. Sentía que no tenía la experiencia suficiente para afrontar un proyecto así por mi cuenta. Por eso se incorporó Rob Coudert, que tenía mucha más experiencia. Hemos trabajado juntos en este proyecto durante varios años y ha sido una primera experiencia fantástica. Me encantaría volver a componer para cine.
Cuando haces música, ¿el cine suele servirte de inspiración? ¿Hay películas que influyan en la forma en la que compones un álbum o una canción?
Sí, creo que sí. A veces la influencia es muy evidente y termina apareciendo incluso en las letras. Estoy convencida de que todo lo que experimentas acaba formando parte de la música que haces: las películas, la música que escuchas, las personas que conoces, las emociones… Todo aquello que te conmueve profundamente termina reflejándose de una forma u otra. No siempre soy consciente de ello, pero ocurre. Por ejemplo, en ‘choke enough’ una de las inspiraciones fue ‘Los perros de la plaga (Plague Dogs)’, que incluso dio título a una de las canciones. En ‘thank you for recording’ la inspiración surgió de vídeos de catástrofes naturales que veía en YouTube, como tornados y otros fenómenos extremos. A veces la influencia es muy directa y otras mucho más inconsciente. Pero siempre termina apareciendo.
Para terminar, ¿estás trabajando ya en un nuevo proyecto? ¿Qué puedes adelantarnos sobre lo que viene después de ‘choke enough’?
La verdad es que todavía no he tenido tiempo ni de abrir el ordenador. Ahora mismo tengo un bebé, estoy construyendo mi casa, estoy de gira, necesito descansar y también pasar tiempo con mi familia. Como cualquiera, tengo muchísimas cosas entre manos.
Además, aunque no tuviera todas esas responsabilidades, siempre necesito cerrar completamente una etapa antes de empezar la siguiente. Me ocurrió con ‘Galore’: hasta el último concierto de la gira no fui capaz de pasar página desde un punto de vista artístico y sentir que podía empezar de cero. Ahora me sucede exactamente lo mismo con ‘choke enough’. Lo que sí siento, igual que antes de empezar este disco, es mucha ilusión por volver a descubrir sonidos nuevos. Empiezo a sentirme atraída por nuevas ideas y tengo ganas de explorar hacia dónde pueden llevarme. Estoy deseando volver a hacer música, pero todavía necesito un poco de tiempo.
Tres años después de publicar música nueva, Queens of the Stone Age regresan con ‘Easy Street’, un single que probablemente no se parece a lo que nadie esperaba de la banda de Josh Homme. No se ha anunciado un nuevo disco, pero esta canción abre una nueva etapa con un sonido sorprendentemente desnudo… y, ojo, imperfecto.
Si alguien la escuchara sin contexto, costaría identificarla como una canción de QOTSA. ‘Easy Street’ se acerca más a una canción de campamento, con palmas, armonías vocales e imperfecciones deliberadamente conservadas en la grabación, como si los Queens intentaran acercarse a lo que hacen -o hacían- Animal Collective o Dirty Projectors. Todo ello, eso sí, sin perder el magnetismo y la presencia vocal de Homme, que sigue siendo el centro de gravedad del tema. Quizá eso, y no tanto la reinvención musical, hace que el tema funcione.
La letra combina humor negro, frustración y autodestrucción con frases como «Just shut up and fuck me or shut up and go away» o «Drinking don’t help but it sure blocks out the help», mientras el estribillo invita a encontrarse en esa metafórica «Easy Street», un lugar donde «las llaves de la vida» llevan todo el tiempo escondidas debajo del sofá.
Homme ha explicado que la intención era precisamente escapar de cualquier acabado demasiado pulido: «Es una canción un poco divertida. Como cuando te das en el hueso de la risa: hace gracia porque duele y duele porque hace gracia. Estás hablando en serio, pero es divertido. La hicimos como harías una demo. Sin claqueta, dejando los errores. Se acelera, se frena, las palmas no son especialmente buenas, pero tampoco malas, y unas palmas imperfectas aportan esa humanidad que no puedes fingir».
Por ahora, Queens of the Stone Age no han confirmado que ‘Easy Street’ forme parte de un próximo álbum. Quien sí tiene disco en camino es Mastodon, cuyo nuevo trabajo, ‘Marrow Deep’, acaba de presentar su primer adelanto, ‘Snakes for Dinner’, una colaboración con el propio Josh Homme.
En los años transcurridos desde el pelotazo de ‘Nochentera’, el repertorio de Vicco se ha caracterizado más por la intención de asentar una marca y un sonido -ese synth-pop melancólico- que por intentar repetir a la fuerza el éxito de la que ha sido una de las mayores canciones del pop español del último lustro.
En ese sentido, hemos conocido singles tan dignos como ‘tequiero’, junto a Abraham Mateo, la inesperadamente conmovedora ‘Como Britney’ o los incluidos en aquel disco, ‘Noctalgia‘, que convencía casi al completo.
El nuevo single de Vicco es probablemente su intento más evidente de construir un hit del verano desde ‘Nochentera’. La buena noticia es que ‘Tiramisú’ está lejos de ser una copia de aquel tema y logra destacar por méritos propios.
Esta vez, Vicco recurre a un sonido disco-funky muy divertido que incluye cuerdecillas, graciosos efectos de sonido -como el tintineo que aparece en la segunda estrofa-, una dosis prudente de auto-tune y, sobre todo, un desarrollo pop muy agradecida que, como si estuviéramos en los 2010 -ahora que vuelven a ponerse de moda-, recurre a la clásica estructura de dos estribillos. El resultado es una canción que se siente completa, en lugar de construida a base de retazos pensados para viralizarse después en TikTok.
La producción, aunque no está exenta de detalles, nunca eclipsa una melodía súper pop que resultará demasiado familiar para los oyentes más exigentes, pero perfectamente válida para quienes no buscan en ella más que una canción fresca que saborear durante el verano.
Una canción muy Aitana tanto en sonido como en planteamiento. La única pega es que recurra a una letra que incluye rimas con tanto colorinchi como «volando pa’ Hawái / ya no pienso en tus eyes-eyes / y me siento súper nice», forzando el gancho. Claro que no seremos nosotros quienes cuestionemos el instinto para fabricar hits de la autora de ‘Nochentera’.
Meshell Ndegeocello, la bajista, compositora y cantante estadounidense que revolucionó el neo-soul y el R&B alternativo con discos como ‘Plantation Lullabies’ y ‘Peace Beyond Passion’, ya tiene listo su próximo trabajo, que será de versiones. Se llama ‘Synonym’, llegará el 18 de octubre a través del mítico sello Blue Note -casa de leyendas del jazz como Herbie Hancock, Wayne Shorter o Norah Jones- y reunirá un impresionante desfile de colaboradores.
El primer adelanto es una nueva versión de ‘I Knew You Were Waiting (For Me)’, el clásico que popularizaron Aretha Franklin y George Michael, ahora reinterpretado junto a Cynthia Erivo (‘Wicked’). En manos de Meshell y Cynthia, el éxito de 1987 exhibe el registro más contenido y delicado de Erivo, mientras el arreglo transforma la canción en un exquisito ejercicio de neo-soul sin perder nunca de vista su enorme melodía.
El resto del álbum mantiene la misma idea, revisitando canciones conocidas junto a invitados de lo más variado. Ahí están Cat Power en ‘Don’t You Want Me’, Chaka Khan en ‘Islands in the Stream’, ANOHNI en ‘I Got You Babe’, Willow en ‘Hunger Strike’ o Bill Callahan, acompañado de Chris Thile, en ‘With God on Our Side’. También aparecen nombres como Lianne La Havas, Moses Sumney, Robert Glasper, Nick Hakim, Brandi Carlile o Laura Lee.
Su anterior disco, ‘No More Water: The Gospel of James Baldwin’ (2024), fue un homenaje al escritor James Baldwin que mezclaba jazz, soul y spoken word.
Recordarás a Meshell por discos fundamentales del neo-soul como ‘Bitter’ (1999) o por colaborar con Madonna en su disco ‘Bedtime Stories‘ (1994) tras haber sido fichada en Maverick Records.
01. I Knew You Were Waiting (For Me) (con Cynthia Erivo)
02. Don’t You Want Me (con Cat Power)
03. Don’t Stop The Music (con Nick Hakim y Robert Glasper)
04. Islands In The Stream (con Chaka Khan)
05. It Ain’t Me Babe (con Madison Cunningham)
06. Always on Time (con Laura Lee)
07. Be Real Black For Me (con Emily King y Lizz Wright)
08. Don’t Look Any Further (con Lianne La Havas)
09. The Closer I Get To You (con Destin Conrad y Moses Sumney)
10. Golden Ring (con Brandi Carlile)
11. I Got You Babe (con ANOHNI)
12. Here We Come (Here He Comes) (con Evann McIntosh)
13. Guilty (con Ink)
14. Hunger Strike (con Willow)
15. With God On Our Side (con Bill Callahan y Chris Thile)
Tras el 2-0 de España contra Francia y el pase de la selección a la final del Mundial, TikTok ha encontrado una nueva banda sonora para la celebración. ‘Bad Romance’ de Lady Gaga se ha convertido en una especie de himno no oficial de la victoria española por una curiosa confusión con la letra de su estribillo.
El motivo no tiene nada que ver con el fútbol, sino con un mondegreen, el nombre que recibe ese momento en el que entendemos mal la letra de una canción. En el estribillo del clásico de 2009, Gaga canta «I don’t wanna be friends» («No quiero que seamos amigos»), aunque a muchos les suena exactamente igual que «I don’t wanna be French» («No quiero ser francés»).
Con la rivalidad entre España y Francia como contexto, internet ha hecho el resto. Especialmente TikTok se ha llenado en las últimas horas de vídeos de la celebración española, de los jugadores franceses abandonando el campo y hasta de bromas que sustituyen el cruasán por una tostada con tomate y jamón al ritmo de ‘Bad Romance’, tal y como relata Eldiario.es.
‘Bad Romance’ incluso se ha colado en el top 100 de las canciones más escuchadas en España en Apple Music gracias al fenómeno viral, concretamente en el puesto 90. La plataforma no mueve tantos usuarios como Spotify, pero tampoco es un logro menor.
Por supuesto, Lady Gaga nunca dice «I don’t wanna be French». Pero eso no ha impedido que ‘Bad Romance’ vuelva a sonar por todas partes. Este mismo año, JENESAISPOP la ha elegido la mejor canción de toda la carrera de Lady Gaga, en un especial sobre su carrera.
La última vez que escuchamos un disco nuevo de Beck, faltaban apenas unos meses para que se desatara la pandemia mundial. ‘Hyperspace‘ se publicó en noviembre de 2019 y su gira por Reino Unido y Europa continental tuvo que ser cancelada a causa del coronavirus.
En los casi siete años que separan aquel lanzamiento de hoy, Beck ha publicado varios sencillos en solitario y ha colaborado con artistas tan dispares como Phoenix o Hinds. Ahora, por fin, se conocen los detalles de su nuevo trabajo, ‘Ride Lonesome’, que se publica el 18 de septiembre.
Como quizá adivines por su título, ‘Ride Lonesome’ supone un giro hacia los códigos del country y la música de raíces estadounidenses. Ya pudimos comprobarlo con la canción que da nombre al álbum, publicada hace dos meses, construida sobre guitarras acústicas, líneas twang, armonías envolventes y una atmósfera desértica que traducía la «soledad» del título.
‘In the Night’, el nuevo sencillo, está disponible desde hoy. De nuevo, Beck se vale de guitarras acústicas, arreglos de cuerda y armonías para construir una sosegada balada de pura Americana que destaca, sobre todo, por su escalofriante sección orquestal. Escrita sobre una persona que se ha convertido en un recuerdo, es una composición exquisita tanto en su melodía como en su instrumentación. Gustará quizá no tanto a los seguidores de Beck, como a quienes disfrutan de este estilo.
‘Ride Lonesome’:
01 Ride Lonesome
02 Run Away
03 In the Night
04 Failed Words
05 Bleed
06 Disappearing Act
07 For Your Love
08 Slow Canyon
09 It Ends Right Here
10 Falling Through My Hands
11 If You Don’t Know What Love Is
12 Beyond the Light
Ariana Grande, a pocas semanas de publicar su nuevo disco, ‘Petal‘, sigue promocionando su línea de cosméticos r.e.m. beauty. Su última idea para vender el famoso bálsamo labial Blur Butter ha sido aprovechar uno de sus talentos menos explotados, pero también uno de los más divertidos. Ariana se ha puesto a imitar voces.
Ya la hemos visto clavar a Céline Dion, Shakira o Britney Spears en televisión. Esta vez, sin embargo, Ariana se ha venido arriba con el universo de Harry Potter y se ha puesto a interpretar, uno tras otro, a varios de los personajes de la saga.
El vídeo, grabado claramente entre risas -se escucha a gente de su equipo partiéndose detrás de la cámara-, demuestra que Ariana cambia de registro con una facilidad pasmosa. Lo mismo se convierte en el apesadumbrado Dobby que en una Bellatrix Lestrange completamente desquiciada. Tampoco faltan Harry, Ron o Hermione.
No hace falta decir que Ariana no imita las voces del doblaje, sino las interpretaciones originales de las películas. Clava no solo el timbre de cada personaje, sino también su marcado acento británico.
Solo hay un personaje que se le resiste un poco: Severus Snape. Ariana intenta poner voz al profesor de Pociones, pero acaba rompiéndose de risa antes de terminar la frase. Ella misma sabe que esa imitación todavía necesita un par de ensayos más.
El pelo ha sido un elemento muy visible de empoderamiento (perdón) durante los últimos tiempos. Se ha visto en la cultura ball, en los conciertos de Beyoncé, en el «ponytail» de Ariana Grande, en casi todos los looks de Rosalía o en aquella actuación de Lady Gaga en los Grammy presentando ‘Born This Way’. Baste recordar el drama que supuso que Katy Perry se lo cortara en la era ‘Witness’.
En la historia particular de Benidorm Fest no ha sido menos importante, desde el «helicóptero» de Melody a a la larguísima trenza de la actuación de Fusa Nocta. Para Blanca Paloma, su trenza es un «símbolo de identidad, memoria y transformación», con «cada hebra del pelo representando experiencias, vínculos y emociones que se entrelazan para construir lo que somos».
Así, el pelo termina convertido en metáfora recurrente a lo largo de las letras de este debut, bien sea en representación de la sensualidad («tú me soltabas el pelo, yo a ti la imaginación», en ‘Lo fugaz’), bien en representación del amor («até mi trenza a tu senda», en ‘Contigo’), bien en representación de ruptura («me corté con tijeras la trenza para olvidarme de ti», en ‘Trenza mía’).
La música de Blanca Paloma Ramos Baeza ha ido probando suerte en torno a la new-age, el neo-folclore y el sonido Mecano en los singles sueltos publicados en los últimos 5 años. No en vano, ha realizado varias bandas sonoras en el entorno de RTVE. En verdad, todos estos estilos están relacionados y son coherentes con lo que encontramos ahora en su puesta de largo, un álbum que de manera muy elegante prescinde de ‘EAEA‘, el tema que en Eurovisión solo el jurado logró comprender, pero que era la mar de digno y dejó una actuación pulcra, con sentido y de perfecta ejecución.
Desde que publicara ‘Secreto de agua’, el escudero de la artista ha sido siempre el autor José Pablo Polo, que incluso la acompañó en su nominación al Goya o suele tocar en sus directos, y ese es casi el único crédito que encontramos en ‘Trenza mía’ además de ella misma, en cuanto a composición y producción.
Juntos desarrollan un universo intimista y bastante minimalista, comenzando y terminando el álbum a piano -de ‘Contigo’ a ‘Tiene tu nombre’-, con unos textos que suelen apelar a la ruptura y a la búsqueda de la sanación. «No me acostumbro a este vacío, todo me lleva a estar contigo». «El fuego abrasa y no me quema, fue su latido el que me guió».
La apasionada y a la vez comedida interpretación vocal de Blanca Paloma las dota de emoción, aunque es verdad que lo mejor de ‘Trenza mía’ ocurre cuando la producción se suelta un poquito la melena. ‘Lo fugaz’ empieza como una canción pop-rock de La Oreja de Van Gogh y sin embargo termina embadurnada de electrónica. ‘Sentaíta en la escalera’, que parecía flamenca, tiene su explosión breakbeat, con voces robóticas a lo Guille Milkyway o Daft Punk. Y más que esa ‘Tarara loca’ con Rocío Márquez que dura demasiado poco, el highlight del álbum es esa bachatita llamada ‘Tu recuerdo‘ que podría aparecer en una película de Pedro Almodóvar. Puede que no haya un hit enorme aquí, pero no cabe duda de que Blanca Paloma ha encontrado un sonido propio y su espacio en El Tragaluz, el sello especializado en neo-folclore, conocido por los fichajes de Vicente Navarro, Karmento o Calequi y las Panteras.
El biopic de Michael Jackson que termina en los tiempos de ‘Bad’ -todo el mundo espera una segunda parte– ha seguido batiendo récords este verano. Ya en junio se convertía en el biopic musical más exitoso de todos los tiempos, al superar los 911 millones de dólares recaudados por ‘Bohemian Rhapsody’.
Ya va por los 1.000 millones, pese a las críticas nefastas de la cinta: 38% en Rotten Tomatoes y 39/100 en Metacritic. En España casi 3,3 millones de espectadores han generado 24 millones de recaudación, siendo indudablemente uno de los grandes booms de 2026.
El director Antoine Fuqua ha celebrado los 1.000 millones de dólares en recaudación, indicando que es un reconocimiento «humilde» a «los increíbles productores, elenco, equipo técnico y socios». «Este logro pertenece a todos aquellos que se unieron para honrar a uno de los artistas más grandes que el mundo haya conocido jamás (…) Este hito histórico es testimonio del poder perdurable del cine para unirnos y es un capítulo de la historia del cine que jamás olvidaré».
Tres meses después del estreno de ‘Michael’, 7 canciones continúan en el Global Diario de Spotify, encabezadas por ‘Billie Jean’, que ha sido número 1 de esta tabla durante 19 días y aún continúa en el número 6.
Otros temas que continúan fuerte en la lista diaria son ‘Beat It’ (14), ‘Chicago’ (40), ‘Don’t Stop Til You Get Enough’ (61), ‘Human Nature’ (70), ‘Smooth Criminal’ (122) y ‘Bad’ (162).
Además, tanto ‘Thriller’ como ‘Bad’ aparecen destacados en las listas de álbumes más populares cada semana. En la lista Global Semanal de Spotify, ‘Thriller’ aparece en el puesto 4, por encima del nuevo álbum de Madonna (ha llegado a ocupar el 2º lugar); dos ediciones distintas de ‘Bad’ están en los puestos 17 y 18; ‘Off the Wall’ en el 84; ‘XScape’ en el 129; y ‘Dangerous’ en el 200.
Con todos estos datos, Michael Jackson se sitúa como el 5º artista más escuchado del mundo en Spotify, cuando hace unos años era fácil verle rondar el top 75.
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