‘Eyes Full’ no es el primer álbum de la vanguardista Zoh Amba, uno de los nombres más importantes de la escena del jazz neoyorquino, pero sí es el primero en el que cambia su intenso saxofón por las guitarras del country alternativo. ‘Another Time’ es la Canción del Día.
En un disco lleno canciones situadas en algún punto medio entre el folk clásico y la americana moderna, ‘Another Time’ destaca como la joya melódica del LP. La canción que te gustará aunque no disfrutes de las demás. Sin embargo, lo primero que llama la atención del tema es la cruda voz de Amba.
Esta canta sobre un colega o conocido al que ha visto «hablando con los perros otra vez» o preguntándole a Dios si está cerca. En la segunda estrofa, queda claro que la artista está hablando sobre alguien que está buscando desesperadamente algo de esperanza en su vida: «Estabas tocando la guitarra en la calle / Estabas mirando a todos los ojos que pasaban / Estabas buscando a Dios».
‘Another Time’ no pretende reinventar la rueda, pero tiene elementos de sobra que apreciar. Los fans de Bob Dylan disfrutarán tanto de la libertad vocal de Amba como de los múltiples riffs que recorren el tema, mientras que los oyentes de Adrianne Lenker identificarán inmediatamente una voz vulnerable y tremendamente poderosa a la vez.
Rosalía ha dado su primer concierto en Argentina en la gira de ‘LUX’ y no ha perdido la oportunidad para pedir perdón, de nuevo, al público tras lo ocurrido con el repost a un vídeo de Mia Khalifa en el que esta llamaba «perlas» a los argentinos. La artista catalana ha ido de frente: «Tremenda cagada, tú», ha soltado.
La primera de las cuatro fechas de Rosalía en el Movistar Arena de Buenos Aires fue aprovechada por la artista para abordar el polémico tema que ha rodeado sus redes durante las últimas semanas: «Madre mía, que lío el otro día», comentó. Esta cuenta que estaba «scrolleando, sin mirármelo mucho», reposteó el vídeo y poco después se arrepintió: «Nunca fue mi intención, de verdad, me sabe fatal lo ocurrido».
Entonces, la artista aprovechó para compartir un recuerdo de su primera visita al país, en el Lollapalooza de 2019: «Me acuerdo que abría el show de ‘El mal querer’ con ‘Pienso en tu mirá’ y recuerdo oír toda esa multitud cantando», antes de ponerse a entonar el tema en ese mismo instante. «¿Cómo yo podría tener un sentimiento negativo hacia un lugar como este?», concluyó.
El sábado de Low Festival estuvo marcado por una afluencia de público mucho mayor que la del viernes y por una breve amenaza de lluvia que, por suerte, no fue a más. Cayeron unos pocos goterones que parecían anunciar tormenta, pero todo quedó en un susto. El cielo permaneció encapotado durante horas, reteniendo el calor incluso bien entrada la noche. No fuimos pocos quienes habríamos agradecido un chaparrón, aunque el recuerdo del pasado Primavera Sound nos hace ser prudentes con lo que deseamos.
El Parque Antonio Soria se llena de camisetas de grupos, especialmente entre los fans de The Hives -muchos sorprendentemente jóvenes- y Love of Lesbian: Las camisetas del Club de Fans de John Boy aparecen por todas partes: basta caminar unos metros para cruzarte con otra.
La presentación de ‘Un golpe de suerte’ de La Paloma combina nuevos himnos como ‘Sale el sol’ o ‘Sé lo que quiero’ con con la ya imprescindible ‘La edad que tengo’, una de las canciones más coreadas por sus seguidores, y también con puntuales reflexiones sobre la actualidad política que vienen muy a cuento. No serán los únicos en aludir durante la jornada al ático de Ayuso, pero ellos lo hacen para reivindicar el Madrid más popular. Tras mencionar el ático y mostrarse inconformes con que «esta peña represente la ciudad que han levantado nuestros padres y abuelos», aseguran que «no se la van a quedar nunca» antes de introducir ‘Bravo Murillo’: «Habla de ese Madrid que no es la puta mierda que están consiguiendo que sea, y ojalá vuelva».
Rober
En paralelo, el concierto de The Hives es un oasis de euforia donde solo existe la diversión y los problemas del mundo quedan aparcados. Tampoco hay demasiado espacio mental para otra cosa cuando ves a Per «Pelle» Almqvist sacudirse de un lado a otro del escenario como un poseído, convertido en una auténtica bola de fuego humana y en una ametralladora de gritos y escupitajos. Ellos comparecen, como un bloque, vestidos con trajes negros de vivos luminosos blancos que se iluminaban durante el concierto, un detalle futurista que contrasta con la inmediatez rock ‘n roll de su música.
El show de The Hives no solo suena perfectamente engrasado, con guitarras afiladas y ritmos trepidantes. Pelle vuelve a demostrar que es uno de los mejores showmen del rock, hablando un español más que digno durante todo el concierto para insistir una y otra vez que en un show de The Hives el silencio no tiene cabida o presentar ‘Hate to Say I Told You So’ como una canción con «un riff famoso en todo el mundo» y «un gran hit» que el grupo va a tocar porque ama a su público.
Es entonces cuando empiezan a caer las primeras gotas e incluso se dejan ver algunos relámpagos en el cielo. Por suerte, la descarga garajera de The Hives continúa sin contratiempos hasta rematar con la apisonadora final de ‘The Hives Forever Forever The Hives’, que eleva todavía más la intensidad de un concierto ya de por sí frenético.
También funciona como vía de escape el show de Ojete Calor, que ironiza sobre ellos mismos, el público y la sociedad en general con el humor ácido que les caracteriza y sin cortarse un pelo. En Torrevieja insisten en «lo fea que es la ciudad», «incluso más que Benidorm», hablan de la «traición» que ha supuesto el cambio de recinto y rebautizan la localidad como «Torreviejoven» antes de marcarse su ya habitual medley de versiones, acompañado de un delirante discurso sobre un supuesto MTV Unplugged y una broma sobre Daniel Sancho. Aquí cabe todo.
Frente a unos monólogos sobre las redes sociales o la moda de la ropa de segunda mano que hacen gracia la primera vez, aunque quizá no tanto la segunda, las canciones siguen siendo el verdadero fuerte del dúo. Ahí están los tiros subnopop de ‘Extremismo mal’, la versión de ‘Agapimú’ y, por supuesto, una ‘Mocatriz’ convertida ya en himno popular que el público canta de pe a pa.
Rober
Uno de los grandes reclamos nacionales de la jornada, Love of Lesbian, ofrece en Low uno de los últimos conciertos de la Hermandad Tour antes del parón anunciado, cuyo alcance todavía se desconoce. Como siempre, la energía es de celebración y comunidad -de eso va precisamente ‘La Hermandad’- y el repertorio vuelve a apoyarse en las grandes emociones y en largos desarrollos instrumentales que convierten el concierto en una pequeña odisea musical.
No hace falta recordar que ‘Incendios de nieve’ y ‘Algunas plantas’ siguen siendo himnos, que ‘Contradicción’ ya juega en esa misma liga o que las canciones de ‘Ejército de salvación’ conviven perfectamente con los clásicos. El concierto transcurre sin grandes sorpresas hasta que llega, ya al final, la esperada reflexión sociopolítica de Santi Balmes.
Los conciertos de Love of Lesbian casi pueden fecharse por la reflexión que comparte Balmes en cada gira. Esta vez habla de la sobreinformación, menciona la crisis migratoria de Ceuta, los incendios de Madrid y la polémica del ático de Ayuso antes de introducir ‘Allí donde solíamos gritar’. Explica que el exceso de información «impacta» pero también «anestesia», y plantea la canción como una forma de liberar emociones que, de otro modo, quedan embotelladas. Como siempre, el concierto termina convertido en una celebración colectiva y, al grito de «¡Viva la democracia, viva la cultura!», el Club de Fans de John Boy vive un último baile antes del descanso.
Rafa Galán
El concierto de Ultraligera confirma el enorme crecimiento del grupo en apenas tres años. Con un solo disco publicado, ofrecen algo muy parecido a un gran concierto de rock mitómano, con Gisme convertido en un rockstar con potencial de sex symbol, una imagen que él mismo explota actuando sin camiseta, igual que el resto de la banda. También sorprende lo cerca que por momentos se sitúan del metal y del hard rock a través de algunos riffs, aunque en el fondo sus canciones siguen siendo indie de toda la vida. Las primeras filas, mayoritariamente femeninas, evidencian además el tipo de fenómeno en el que se ha convertido la banda.
Entre canción y canción recuerdan que llevan tocando juntos desde los 16 años y que ahora están cumpliendo un sueño. El momento más emotivo llega con ‘Cuando todo vaya mal’, dedicada a quienes han perdido a un ser querido. Mientras Gisme canta la canción, una fan rompe a llorar en primera fila: hasta ahí llegan las emociones que despierta la banda, tan pronto en su carrera.
Podrán lloverles las críticas por ir de sobrados, pero se agradece que alguien se lo crea tanto sobre un escenario. No, no ocurre tanto. Podemos discutir la voz afectada de Bunbury, demasiado bunburiana, o debatir la calidad de las canciones, pero resulta difícil negar que montan un espectáculo de rock tremendamente entretenido. Mantienen la energía al 200% incluso después de un viaje de 16 horas en autobús desde Galicia hasta Alicante, y Gisme ejerce de frontman de los pies a la cabeza: aparece con gafas de sol, termina sin camiseta y acaba trepando por la torre de sonido. Otro grupo cuyo éxito nos ha pillado por sorpresa y que, como The Hives, probablemente podría despedirse diciendo: Hate to say I told you so.
Como Kasabian la noche anterior, Editors también ocuparon la franja de las dos de la madrugada. Los británicos demostraron que siguen siendo una apuesta segura en un festival gracias a un sonido que mezcla post-punk e indie rock con naturalidad y que, de vez en cuando, pisa el acelerador para ganar pulso festivalero. Un universo oscuro y elegante, sostenido por la autoritaria voz de Tom Smith y por una banda que sonó impecable. La cuidada disposición de los músicos sobre el escenario, con teclados y percusión repartidos a ambos lados, junto a un llamativo diseño de luces, terminó de dar empaque a un concierto a la altura de su trayectoria.
‘Danceteria’ de Madonna sigue siendo lo más votado en JENESAISPOP, pero ya no obteniendo el 90% de los votos, sino el 70% frente a ‘Camera’ de Charli XCX, quien vuelve a quedar en el número 2 de nuestra lista semanal. Ningún tema de este año de Charli ha conseguido llegar al top 1, que la artista no repite desde ‘Guess’. En todo caso, ‘Camera’ es la entrada más fuerte, aunque también llegan al top 10 Eartheater, ADÉLA, Chico Blanco y Strokes. Quedan a las puertas Ganges y Sam Smith.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
Las Nietas del Charli pertenecen a esa estirpe de músicos capaces de silenciar una pequeña sala únicamente usando sus dos voces y sus dos guitarras. Como Pauline en la Playa, María y Raquel Rubio son hermanas, en este caso de Madrid, y recuerdan sobre todo a una banda que también constituía una familia, en aquel caso un matrimonio, los trágicamente desaparecidos Low.
A los autores de ‘Things We Lost in the Fire‘ recuerda el gusto por lo acústico de Las Nietas del Charli, el uso que hacen de los silencios y de una parca percusión, que de manera muy aislada aporta Borja Barrueta.
La producción de Campi Campón (Jorge Drexler, Vetusta Morla, Natalia Lafourcade, Valeria Castro) sabe dejar todo el protagonismo a las voces y letras de las Rubio, que se recrean en la sensación de intimidad cuando susurran, murmullan o comienzan algunas pistas riendo o contando «un, dos, tres». Justo ‘Distancia’ es una de sus piezas más relevantes, el retrato de una escena de amor, de alcoba, y sobre todo de protección hacia el ser que queremos: «Cómo quiero ver tu cara / Pasearme con los dedos / Y ver cómo te entra el sueño / Ir sacando con cariño, el veneno».
A lo largo de esta composición, hay un par de cambios en ritmos y registros, siendo el tarareo del último minuto y medio el más sobrecogedor. Porque las canciones de Las Nietas del Charli no tienen prisa por terminar ni por llegar a un lugar concreto. Muchas duran 5 o incluso 6 minutos, desafiando las modas actuales. Ni en una playlist de moda les ha preocupado estar. La mejor puede ser ‘Rabia‘, una de las más vehementes y expresivas, en la que más posibilidades encierran sus voces, protestando contra el uso de la violencia. La cruda percusión, ausente en la mayor parte del tracklist, impacta más precisamente por ese motivo.
No necesariamente hablan sus letras de amor o «rabia». También hay espacio para la mitología (‘Lauri’), el aprendizaje (‘Camino’ convierte el «temor» en algo que «como el sol, quema, pero da calor») o las supersticiones procedentes de nuestro folclore (‘Conjuro’).
Hay algo de tradición nacional, hay algo de tradición anglosajona, pero sobre todo hay mucha paciencia y mucha calma para transmitir sus inquietudes con un lenguaje muy personal y ciertas dosis de misterio. Es difícil penetrar en la letra de ‘Trece’, pero ‘Montaña’ podría ser un alegato a favor de ser un poco intensa («No pide perdón la montaña, no he visto disculparse al mar / entonces por qué me avergüenzo de mi inmensa profundidad»), y ‘Pájaro de plata’, una canción de ánimo hacia la libertad.
Fana Hues es una de de las artistas de R&B más infravaloradas de Estados Unidos, capaz de mezclar melodías duraderas con una gran creatividad. No por nada fue descubierta en ‘SWEET / I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE’, una de las mejores canciones de toda la carrera de Tyler, the Creator.
La artista está a punto de lanzar su cuarto disco, probablemente el más anticipado de su recorrido gracias a unos adelantos prácticamente perfectos. Mientras que ‘Recognize’ adopta un sonido vintage cuya melodía por momentos recuerda al ‘Man In The Mirror’ de Michael Jackson, ‘Sweet n’ Sour’ es la Canción del Día.
Tras su lanzamiento, se convirtió directamente en la canción de ruptura por excelencia del verano de 2026, aunque mucha gente se tiene que enterar todavía. Hues decora el pegajoso estribillo con unos preciosos «fuck you» en los coros mientras canta sobre el «amargo final» de la relación, pero también la posibilidad de «volver a amar». Ella está harta de toda la «mierda» de su ex.
Lo peor de ‘Sweet n’ Sour’ es lo corta que es. Aun así, en sus dos escasos minutos de duración la artista se encarga de mantener la cosa interesante cambiando y transformando melodías constantemente, además de presentando una producción ligera y envolvente, como la mejor brisa veraniega. ‘Catch n’ Release’, el cuarto álbum de Fana Hues, estará disponible el próximo 4 de agosto.
Pedro Sánchez ha compartido, a través de un vídeo en su cuenta de Instagram, las canciones que están acompañando su verano de 2026. Descrita como «bastante ecléctica», la playlist incluye un poco de todo: Charli xcx, Madonna, Gorillaz, Stereolab y hasta el reggaetón de ‘EL BAIFO’.
Hay una buena cantidad de indie rock en la lista, con Sánchez incluyendo canciones de Dry Cleaning, Cora Yako, Joyce Manor, Placebo o Triángulo de Amor Bizarro. Es la categoría más abundante. Sin embargo, el pop le sigue de cerca con las inclusiones de ‘I Feel So Free’, ‘SS26’, ‘Tantas Cosas’ de Melani o ‘Caught In a Jam’ de Portraits of Tracy.
Sánchez llegó a asegurar en La Pija y La Quinqui que no podía «con el reguetón». Aun así, el último disco de Quevedo ha convencido al presidente hasta el punto de incluir ‘EL BAIFO’ en su lista. A nivel nacional, destacan las menciones a Depresión Sonora, Ángel Stanich, Anna Ferrer o Minibús Intergalàctic.
Tantas ediciones después, costaba no buscar el Guillermo Amor. El Low Festival ha estrenado este viernes una nueva etapa en Torrevieja, dejando atrás Benidorm y ofreciendo una experiencia nueva de festival. En el Parque Antonio Soria todo queda más cerca, tanto los escenarios como las barras y los sonidos, que a ratos se solapan entre sí. Algo sobre lo que bromea Javier Ferrara, de Parquesvr, mientras Ginebras actúan al mismo tiempo.
Mientras Torrevieja se asienta como nuevo punto de encuentro para los lowers, el ambiente es tan efusivo como siempre y el recinto, muy compacto, se recorre con facilidad. Entre los detalles más agradecidos están los nebulizadores repartidos por el pasillo de los food trucks, especialmente útiles durante las primeras horas de la tarde, ya que el Parque Antonio Soria es básicamente una gran explanada asfaltada sin apenas barreras naturales.
El público pone de su parte para que la experiencia recuerde lo máximo posible a la tradición del Low, y la concentración de escenarios hace que cada artista reúna a una cantidad considerable de gente. Ahí conviven, por ejemplo, la intensidad emocional en blanco y negro de Iván Ferreiro y el tecnicolor de Papa Topo. Mientras el primero alterna repertorio de Los Piratas y su carrera en solitario entre guitarras y emoción desbordante, los segundos tiran de coreografías de inspiración anime, colorido y puntuales dardos al pinkwashing y al fascismo, ya que ‘Por España’ vuelve a formar parte del repertorio. Todo ello dentro de un concierto que bebe de la canción melódica española incluso cuando temas como ‘Nunca digo no’ se ponen especialmente punk.
Diego Jurado
También podemos hablar del magnetismo indie de Veintiuno, otro de esos grupos que han ido creciendo durante una década hasta convertirse en uno de los reclamos habituales del circuito festivalero casi sin hacer ruido. Sin haber desarrollado una personalidad especialmente singular dentro del indie nacional, han firmado canciones tan populares como ‘La vida moderna’, y su directo agradece la variedad que aportan temas como ‘Cabezabaja’ o ‘La llorería’. Diego Arroyo, además, ejerce de maestro de ceremonias con sus habituales reflexiones entre canción y canción, incluida una invitación a vivir porque «la vida son dos días y ya es casi mediodía».
Con públicos muy bien repartidos entre ambos escenarios, queda claro que el público no viene solo por los cabezas de cartel y que muchos terminan la jornada habiendo descubierto nuevos favoritos. También llama la atención el escenario de electrónica, una estructura circular abierta de 360 grados, una especie de pabellón sin paredes bajo el que se sitúa la cabina del DJ. Durante la noche llegan a sonar cosas como un remix hardcore de ‘Ave María’ de David Bisbal, porque hace tiempo que dejamos atrás el postmodernismo.
Diego Jurado
El indie de Veintiuno da paso a la perfección pop de Fangoria, que reformulan el espectáculo visto el año pasado alrededor del material de ‘La verdad o la imaginación‘. Del nuevo álbum apenas recuperan unos pocos temas, empezando por el corte titular y continuando con ‘Me voy’, que, sin alcanzar el impacto de ‘Dramas y comedias’, encaja con naturalidad entre clásicos como ‘Geometría sentimental’.
Entre las novedades del espectáculo destaca el simpático medley formado por ‘Bailo’, ‘Bailando’ y el «bailando, bailando» de La La Love You, además de la escenografía de un salón moderno para ‘Consecuencias’. La parte central del concierto pierde algo de fuerza con momentos como la versión en español de ‘Heroes’ de David Bowie, pero recupera el pulso gracias al remix house de ‘¿A quién le importa?’. Para cerrar, quizá ‘Ni tú ni nadie’ habría agradecido una revisión algo más elegante. La irrupción de fuegos artificiales tras el concierto fue, en cualquier caso, un broche muy celebrado.
La madrugada era un reto para Ginebras, y ellas lo sortearon como nadie, multiplicando su habitual dosis de energía punk-pop. Alimentadas tanto por sus seguidores de las primeras filas como por quienes seguían el concierto sentados en el suelo para recuperar fuerzas, desplegaron su habitual desparpajo entre el griterío punk de ‘Billy Max’, algún giro inesperado hacia el perreo y la pachanga latina y un momento especialmente emotivo, con lágrimas incluidas, al dedicar unas palabras a una persona cercana al grupo que atraviesa una situación complicada. Un viaje de emociones con el que Ginebras volvió a demostrar su capacidad para levantar el ánimo del público.
Mientras tanto, en el otro escenario, Parquesvr presentaban ‘Tonto’ y otros temas con un Javier Ferrara desatado, recorriendo el escenario de un lado a otro y descargando una energía casi inagotable. Por momentos recordaba a unos Future Islands pasados por el filtro del punk. El suyo fue uno de los conciertos más divertidos de la jornada.
Rafa Galán
En otro volantazo del pop al rock, el gran reclamo internacional del viernes era otro favorito del festival: Kasabian. Resultó llamativo que el grupo británico no apareciera hasta las dos de la madrugada, una decisión que prolongó la permanencia del público en el recinto hasta bien entrada la noche.
Kasabian tenía una misión: levantar a un público que, a esas horas, ya llegaba con menos energía. También convencer a los lowers de que Sergio Pizzorno es un gran frontman tras la salida de Tom Meighan. Lo consigue. Pone todo de su parte, animando a los asistentes a subirse a hombros de sus amigos o pidiéndoles que se agachen para saltar con más fuerza unos segundos después. Que el «Low» se vuelva «high», dice. Lo de siempre, sí, pero sigue funcionando.
Y también funciona un repertorio prácticamente infalible en su mezcla de guitarras, ritmos explosivos y sintetizadores. Tras una introducción con ‘Hey Jude’ de los Beatles, ‘Club Foot’ ofrece una apertura apoteósica, mientras que el reciente ‘Superpowers’ planta cara sin complejos a los clásicos del grupo. La buena acogida de ‘Release the Pressure’, su colaboración con Calvin Harris, y el cierre con ‘Fire’ resumen bien lo vivido en esta primera jornada del Low en Torrevieja: una noche en la que rock, pop y electrónica convivieron con naturalidad en el estreno de una nueva etapa para el festival.
El próximo 2 de octubre Fat Dog publican su segundo disco, ‘Cancel Me (I’m Tired)’. El primero, ‘WOOF’, contuvo éxitos como ‘Running’ o ‘King of the Slugs’.
Fat Dog pueden aproximarse al sonido de The Rapture o Sleaford Mods, indistintamente. Se puede ver en los dos adelantos que llevábamos de este álbum: el corte titular, que dicen que se ha inspirado en John Lennon pero no puede estar más pensado para las discotecas; y ‘Go Fuck Urself’, una adaptación punkie -totalmente sui generis- del sonido Human League.
‘Shit Love’, el tercer single que estrenan hoy, es nuestra Canción del Día. Fat Dog despliegan toda su energía en esta producción a medio camino entre Primal Scream y The Streets, que captura perfectamente ese «vivir deprisa» a que se enfrentan todos los grupos debutantes. La letra va de marrón en marrón, desde «es una pesadilla que viene a por mí» y «no sabía que ser un cabrón era lo tuyo» a «¿estás intentando acabar conmigo?»… pasando por «es lunes, no es mi día más divertido». El estribillo habla todo el rato de «cocinar con gas», acentuando la sensación de peligro que tiene toda la percusión.
Quizá sirva como pista de su inspiración, la vida a que se han enfrentado los 7 miembros de Fat Dog, según la nota de prensa de Domino:
“En algún momento de esa gira, todos sufrimos algún tipo de pequeño colapso”, dice Chris, que recuerda haber perdido la cabeza en Los Ángeles, dándose cabezazos contra la pared mientras llevaba puesto un casco de fútbol americano (…) El líder de Fat Dog (Joe Love) se casó en Las Vegas tras pedirle matrimonio a su novia en San Francisco. “Dimos un concierto ante dos personas en Las Vegas”, recuerda Joe, “y al día siguiente me casé”. Y así, con el Elvis deprimido resonándole en los oídos, Joe llegó a casa y comenzó a trabajar en el segundo álbum de Fat Dog». Este es el resultado:
Hoy se publica el 8º álbum de Ariana Grande, no muy esperado en tanto que la suponíamos inmersa en su carrera cinematográfica. Se trata, en cualquier caso, de un álbum muy breve, de poco más de media hora de duración, que ha grabado junto a su productor habitual, Ilya. El todopoderoso Max Martin ha contribuido en 3 pistas, entre ellas, cómo no, los dos singles, ‘hate that i made you love me‘ y la propia ‘petal’ que se promociona hoy.
‘petal’ se había promocionado como un disco «un poco salvaje» y «experimental», en el sentido de que no pensaba adscribirse a ningún género concreto. En las letras, Ariana ha afirmado expresar emociones que antes le daban «demasiada vergüenza o reparo», con cierto espíritu de «mandar a la mierda todo». Esa «rabia sin filtros» no se materializa en cambio, en una producción más rugosa: esencialmente estamos ante un álbum de R&B, muy agradable de escuchar, sin exabruptos.
‘stay’ destaca enseguida por su producción burbujeante y ‘oh well’ tiene una base drum&bass, así como ‘freak’ es una de las producciones de Ilya que más intriga generan: comienza a la guitarra y después se olvida de ella para entregarse a unos teclados atmosféricos. A esa altura del álbum es obvio que la creación de ambientes y texturas prima sobre la búsqueda de hits. El paso al interludio se produce sin que apenas te des cuenta.
Tras los brillantes autocoros de Ariana Grande en la bonita ‘like i do’, destaca lo pegadizo que es el corte titulado ‘never get over me’ y lo uptempo que es la guitarrera ‘bad thing’, impidiendo que la secuencia caiga en el ostracismo. El álbum se cierra con ‘nowhere, nobody’ dejando como interrogante si este será uno de los álbumes favoritos de Ariana Grande del público.
En nuestro foro de Ariana Grande, Me_Adri se queja de la brevedad del álbum, aunque elogia el sonido del mismo de forma particular: «me suena como a un acuario. Es un poco The Weekend en un acuario». ElPomoDeRosie cree que «para ser un álbum de dolor y rabia, susurra demasiado y chilla muy poco». Y ElPajarito asegura que «le ha gustado» pese a algún altibajo: «Al final vuelve a remontar con ‘never get over me’ y no vuelve a bajar. Es que htimylm, petal, stay, big feelings, never get over me, bad thing, nowhere nobody… me encantan!»
Los fans más longevos de Kanye West conocen de sobra lo que es la decepción. Al contrario que en el escenario o en el estudio, el indefendible y visionario artista siempre se supera a sí mismo: cuando le arrebató el micrófono a Taylor Swift en los fatídicos VMAs de 2009, cuando desechó los potencialmente mejores álbumes de su carrera, cuando se declaró trumpista y aseguró que la esclavitud fue «una elección»… La lista es larga.
Empecé a escuchar su música en 2019, aprendiéndome su discografía enterita a tiempo para vivir en directo su conversión al cristianismo en ‘JESUS IS KING’. Aquello fue una decepción a nivel musical, pero nada comparado con lo que vendría después. Nos quejábamos de sus angelicales misas de góspel con el Sunday Service, pero éramos felices y no lo sabíamos.
Los oyentes de Ye entonces se dividieron en pre y post-‘Vultures’, con los segundos representando el porcentaje más joven de su público. Por la energía con la que se recibió el mediocre hit número 1 de ‘CARNIVAL’, gran parte de los asistentes del concierto también pertenecía a este grupo. Me gustaría pensar que, al igual que para mí, para muchos este deplorable capítulo no fue uno más, sino un antes y un después. Mientras Kanye se jactaba de su impunidad publicando teasers de canciones tituladas ‘Heil Hitler’ o ‘Gas Chambers’ -irónicamente, esta se convirtió después en la pegadiza ‘ALL THE LOVE’-, era difícil seguir sintiendo la misma inspiración y motivación que desprendían sus primeros trabajos.Estadio Riyadh Air Metropolitano.
Tras pedir perdón y atribuir sus acciones a un trastorno bipolar, cuyo origen sitúa en el accidente de coche que sufrió en 2002, Kanye anunció su primer show en España en 20 años por el lanzamiento de ‘BULLY’. La víspera del concierto fue extraña. Sentía una falta de hype que parecía impensable hace 5 años, producto de un sentimiento de traición directa a los ideales promovidos en discos tan esenciales como ‘The College Dropout’ o ‘Graduation’. Se podría decir que perdí la fe.
Mi malestar moral no fue la única consecuencia de las insensatas palabras del estadounidense. Así, 40.000 asientos del Metropolitano se llenaron ayer con los extranjeros náufragos de la cancelación de la gira en Francia, Polonia, Suiza, Italia y Reino Unido, con cada territorio citando como motivo directo el agresivo antisemitismo de West. Los españoles, por otro lado, puede que no se enterasen ni de que había concierto porque la promoción del espectáculo había sido totalmente nula. Para cuando Kanye pisó la lona, todavía quedaban cientos de entradas disponibles.
La relación tóxica que tenemos los fans pre-‘Vultures’ con Ye es de estudio. Mostrándose perezoso, soso y distante, de alguna manera consiguió que durante el show no pensásemos en ninguna de las múltiples carencias que este presentaba. La media bola del mundo sobre la que se pasea, el autotune de André Troutman, las luces y la pirotecnia (espectacular, todo sea dicho). Esto es todo lo que tiene que ofrecer uno de los artistas más importantes de nuestra era. El show no tiene más. Las canciones, con muchas de ellas siendo acortadas abruptamente («Tengo otras 100 como estas»), son las que sostienen totalmente un concierto que también se siente corto.Estadio Riyadh Air Metropolitano.
El catálogo de Ye es uno de los mejores que cualquier artista puede tener y, por difícil e injusto que parezca, es capaz de provocar el olvido más profundo: el caos y la euforia de ‘On Sight’ y ‘Blood On The Leaves’, la doble ración de ‘All Of The Lights’, el desfile de clásicos con ‘Jesus Walks’ o ‘Flashing Lights’, la trascendental ‘Ghost Town’… Tuvimos la suerte de que Kanye priorizó los mejores discos de su carrera, de ‘MBDTF’ a ‘Yeezus’, dejando a ‘Vultures’ y ‘BULLY’ como meras anécdotas. El concierto fue totalmente irregular, pero la música nunca decayó.
A la vez que la amnesia invadía nuestras mentes, el recuerdo de por qué Kanye significa tanto para muchos de los que estábamos allí se hizo notar cuando rapeó la fundamental ‘Through The Wire’ de principio a fin o cuando desempolvó su MPC para ‘Runaway’. Prácticamente, ninguno de nosotros habíamos visto a Ye en directo y momentos como estos representaban la razón por la que habíamos asistido a la cita. Esta fue una de las frases más repetidas al salir del concierto: «Era ahora o nunca».
Mis acompañantes y yo estuvimos de acuerdo en todo lo que no nos gustó del concierto, desde el horrible sonido -sobre todo en las canciones construidas con samples-, hasta el anticlimático y desaprovechado escenario. Uno de mis amigos preguntó si alguno se sentía decepcionado. Todos dijimos que no. Una vez más, Kanye se sale con la suya.
Pocos artistas se atreven a competir con Ariana Grande en las listas de álbumes. Hoy todos los focos estarán puestos sobre ‘petal’. Aun así, hay artistas underground que no viven para las listas y no tienen miedo de sacar sus discos. Son, por ejemplo, Arca, The Durutti Column y Shearwater, entre otros. De todos ellos podéis escuchar una pista en nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend«.
Sí hay una lista interesante de artistas que avanzan sus próximos trabajos. Tenemos a Blonde Redhead, por ejemplo. Tove Lo edita el tercer sencillo de ‘ESTRUS’, el álbum que verá la luz a la vuelta de vacaciones, el 18 de septiembre.
Remi Wolf publica su primer tema en 2 años. Cardi B saca su primera canción en solitario desde su álbum de 2025. Se llama ‘AH HA’. Otro que vuelve es Four Tet, mientras en España sorprenden con nuevo single Sr Chinarro, Roy Borland, Rakky Ripper, Ruslana o Kiko Veneno, entre otros.
Entre las curiosidades, la colaboración de Lykke Li con Swedish House Mafia o la de Robyn con Zara Larsson. También os ofrecemos novedades de Wolf Alice, Slayyyter, Ellie Goulding… Nadia Rose adapta ‘Milkshake’, el gran clásico de Kelis.
Este año, Martin Garrix está en pleno rollout encadenando colaboraciones con artistas de primer nivel. Primero llegó ‘Repeat It’ junto a Ed Sheeran; después ‘Bizarre’ con Madonna para el disco de ella; y ahora es el turno de ‘Fireflies’, un tema que reúne a los cuatro miembros de U2.
Aunque se presenta como una colaboración entre Garrix y la banda irlandesa, ‘Fireflies’ lleva cocinándose desde hace 6 años. Quizá por eso no suena especialmente contemporánea ni intenta acercar el universo del DJ neerlandés al de U2. Más bien al contrario: parece una canción de U2 producida por Martin Garrix.
Se nota en ‘Fireflies’ el mimo que le han puesto a la producción, por ejemplo en los riffs de guitarra de las estrofas, el crescendo hacia el estribillo o el sutil autotune que asoma en la voz de Bono. También resulta efectiva en su tono romántico, aunque tire de imágenes tan familiares como «born for the summer skies / the light that’s in each other’s eyes / fireflies». Es una canción bonita.
Lo que cuesta más defender es que esta colaboración justifique su propia existencia. Si ‘Bizarre’ encontraba una sinergia evidente entre Garrix y Madonna, en ‘Fireflies’ apenas se percibe el choque de dos mundos. El resultado recuerda incluso al rock de estadios de The Temper Trap, herederos declarados del sonido de U2, dando la curiosa sensación de que la banda acaba sonando a quienes antes sonaban a ella.
Las colaboraciones entre artistas de perfiles tan distintos suelen ser más interesantes cuando obligan a ambos a salir de su zona de confort. Se puede discutir si la etapa EDM de Coldplay dejó más tropiezos que aciertos —’Something Just Like This’ era horrible-, pero ‘A Sky Full of Stars’ con Avicii sí era maravillosa. ‘Fireflies’ apunta a esa magia, pero al final juega demasiado sobre seguro.
Pocas reediciones pueden despertar tanto entusiasmo como la de las «Ashram Tapes» de Alice Coltrane, no solo porque estas cuatro cintas llevaban décadas descatalogadas, sino porque durante todo ese tiempo han permanecido envueltas en un aura casi mítica. Grabadas entre los años 80 y 90, cuando la compositora se apartó de la industria musical para fundar una comunidad espiritual en California, reunían canciones devocionales en las que el jazz espiritual, los cantos hindúes, el góspel, los órganos y unos sintetizadores sorprendentemente cósmicos convivían en un sonido que, escuchado hoy, parece adelantado a buena parte del ambient contemporáneo.
Hasta ahora solo había sido posible acceder a una parte de este material. La recopilación ‘The Ecstatic Music of Alice Coltrane Turiyasangitananda’ -en cuya portada aparece una pequeña Doja Cat vestida de rosa- recuperó varias canciones en 2017, mientras que ‘Kirtan: Turiya Sings’ (2021) rescató la primera de las cintas, aunque en una mezcla temprana distinta de la original. Matador Records publicará ahora por primera vez las cuatro «Ashram Tapes» completas, respetando las mezclas, el orden de las canciones y las portadas con las que fueron concebidas. Dejarán de ser cintas remotas, casi inencontrables, para volver a circular.
A diferencia de piezas ya clásicas de su discografía como ‘Huntington Ashram Monastery’, publicada por Impulse! en 1969, estas cintas nunca fueron producidas para formar parte del mercado musical. Alice Coltrane las grabó, editó y distribuyó exclusivamente entre los miembros de su comunidad espiritual, al margen de cualquier sello y sin intención de comercializarlas. Eran, en esencia, lanzamientos DIY, concebidos para acompañar una práctica religiosa y artística, no para venderse en tiendas ni mucho menos para sonar modernos o para poblar listas de lo mejor del año.
Quizá por eso resulta tan sugerente que, décadas después, esas mismas cintas se hayan convertido en objetos de culto perseguidos por coleccionistas -un usuario comenta en el Instagram de Pitchfork que había llegado a encontrar una copia en Discogs con unos gastos de envío de 600 euros- y acaben siendo recuperadas por uno de los sellos independientes más influyentes del mundo. Hay algo irónico, y también bonito, en que una música creada deliberadamente al margen de la industria termine convertida en uno de los acontecimientos discográficos del año.
Existe la tentación de reivindicar las Ashram Tapes como discos «adelantados a su tiempo», una especie de proto-ambient o de electrónica espiritual antes de que existieran esas etiquetas. Pero esa lectura dice probablemente más de nosotros que de Alice Coltrane. Ella no parecía interesada en sonar moderna, ni experimental, ni mucho menos cool. Había abandonado la industria musical y utilizaba sintetizadores, órganos y coros porque eran las herramientas con las que podía dar forma a una experiencia religiosa y artística. La modernidad de estas cintas es, en cierto modo, un accidente.
Lo curioso es que temas como ‘Atma Rama’, con sus sintetizadores ascendentes y una atmósfera casi extraterrestre, u ‘Om Shanti’ consiguen provocar una sensación cercana a lo trascendental incluso en oyentes completamente ajenos a la práctica religiosa para la que fueron concebidos. Como ocurre con Fairuz, el qawwali de Nusrat Fateh Ali Khan o artistas contemporáneas como Arooj Aftab, la fe puede ser el origen de la música, pero no limita su capacidad para emocionar.
Han pasado más de dos años desde que Lana Del Rey pronosticara que la industria musical se movía hacia el country, y hoy ese futuro ya es presente. El Grammy a Álbum del Año para ‘Cowboy Carter‘ no ha supuesto el final de la tendencia; al contrario, en los últimos años hemos asistido al ascenso de Morgan Wallen y Ella Langley, a los regresos al género de Kacey Musgraves o Taylor Swift y a incursiones country de artistas de lo más inesperados. Ahí entra Brandon Flowers.
Volcado en la última década en The Killers, Brandon Flowers publicará el próximo 21 de agosto su primer disco en solitario en más de diez años y todo apunta a que será un álbum de country. Y con «todo apunta» nos referimos a que eso es exactamente lo que ofrecen sus dos sencillos de adelanto, con sus más y sus menos.
Por un lado está ‘Plans’ y por otro ‘Paradise’. La primera es una composición de country plácido en la onda de Glen Campbell, que no escatima en cuerdas lujosas, coros femeninos ni la inevitable armónica. Su letra mira con nostalgia a los sueños de juventud y a los planes que nunca llegaron a cumplirse.
La segunda eleva ligeramente la energía con banjos, guitarras eléctricas y esos mismos coros, construyendo un sonido de country rock clásico con un discreto pulso disco. ‘Paradise’ retrata la rutina de un trabajador que sigue persiguiendo un paraíso que siempre parece quedar fuera de su alcance.
En ningún caso Brandon Flowers reinventa el country con estas dos canciones de ‘Thrasher’, aunque ambas resultan buenos ejercicios de estilo y, sobre todo, elegantes en su ejecución. La mayor baza sigue siendo la voz de Flowers, por encima de unas composiciones que tienden a lo convencional y de unas letras que, quizá por su falta de especificidad, resultan tan universales como vagas.
Últimamente el Mercury Prize ha alternado entre premiar a artistas prácticamente desconocidos frente a favoritos evidentes y reconocer a grandes superventas, como ocurrió el año pasado con Sam Fender.
Esta vez, una de las grandes protagonistas de las nominaciones es Olivia Dean, que sitúa ‘The Art of Loving’ entre los 12 finalistas. Aunque el titular más llamativo puede ser la primera nominación al Mercury Prize en la carrera de Paul McCartney, gracias a su reciente ‘The Boys of Dungeon Lane‘.
Entre los discos más celebrados del año destacan ‘THIS MUSIC MAY CONTAIN HOPE.‘ de RAYE, ‘THAT’S SHOWBIZ BABY!‘ de JADE y ‘Emotional Junglist‘ de Nia Archives, un álbum que ha entrado por los pelos al cumplir el requisito de haber sido publicado antes del 17 de julio.
La representación del rap corre a cargo de Dave con ‘The Boy Who Played the Harp’, mientras que Suede aportan la veteranía con ‘Antidepressants’. La gran curiosidad es la presencia de ‘HELP(2)‘, el disco colectivo impulsado por War Child Records.
Mientras la lista se completa con otros títulos como el de Florence + The Machine, llama especialmente la atención la ausencia de ‘West End Girl‘ de Lily Allen, sin duda uno de los discos británicos más comentados y aclamados del último año. Más aún teniendo en cuenta que su anterior álbum sí logró una nominación al Mercury pese a tener bastante menos impacto.
También podrían discutirse las ausencias de Harry Styles o el maravilloso ‘Essex Honey‘ de Blood Orange, pero la de ‘West End Girl’ es la más inexplicable. En cualquier caso, enhorabuena a los artistas nominados y que gane el mejor.
Nominados Mercury Prize 2026
Dave – ‘The Boy Who Played the Harp’
Dove Ellis – ‘Blizzard’
Florence + The Machine – ‘Everybody Scream’
JADE – ‘THAT’S SHOWBIZ BABY!’
Knats – ‘A Great Day In Newcastle’
Kojey Radical – ‘Don’t Look Down’
Nia Archives – ‘Emotional Junglist’
Olivia Dean – ‘The Art of Loving’
Paul McCartney – ‘The Boys of Dungeon Lane’
RAYE – ‘THIS MUSIC MAY CONTAIN HOPE.’
Suede – ‘Antidepressants’
War Child Records – ‘HELP(2)’
Si ya has consultado nuestro repaso a las joyas escondidas que no conviene perderse en Low Festival 2026, llega el momento de poner el foco en algunos de los grandes nombres del cartel. Kasabian, The Hives, Editors, Fangoria y La Casa Azul encabezan una edición que volverá a reunir a algunas de las bandas más importantes del pop y el rock nacional e internacional. Como medio oficial del festival, en JENESAISPOP repasamos qué puedes esperar de cada uno de estos conciertos antes de que arranque el festival en Torrevieja. Quedan poquísimas entradas.
Kasabian
Muy poco después de haber ofrecido el concierto más multitudinario de su carrera en Finsbury Park (Londres), el pasado 4 de julio, Kasabian está listo para presentar en Torrevieja el material de su nuevo disco, ‘ACT III’, que sale el mes que viene. Si te preguntas si están tocando su single dance con Calvin Harris, ‘Release the Pressure‘, sí que lo hacen, pero tampoco faltan sus grandes éxitos guitarreros.
La Casa Azul
Antes de vivir uno de los mejores años de su carrera, cuando en 2027 se presente en dos arenas de Madrid y Barcelona, La Casa Azul visita Torrevieja para desplegar su brillantísimo repertorio de éxitos pop y, de paso, seguramente avanzar parte del repertorio de su próximo álbum, ‘Fauna y flora subacuática’, que se ha hecho esperar seis años.
Iván Ferreiro
Una de las voces clave y con más personalidad del indie nacional desde mediados de los años 90, Iván Ferreiro presenta la gira ‘Hoy por hoy’, que ha inaugurado con el lanzamiento del EP de autoversiones homónimo. Tras la publicación del sorprendente ‘Trinchera pop‘ en 2023, ha pasado buena parte de los dos últimos años colaborando con artistas como Veintiuno, Maximiliano Calvo o Carey.
Editors
Uno de los grupos que ha definido el sonido del rock de festivales de las dos últimas décadas, Editors es otro de los grandes reclamos internacionales de un Low Festival que, a buen seguro, bailará éxitos como ‘Papillon’ o ‘Munich’, los cuales convivirán con los aires country rock de ‘The Rush’, que formará parte de su próximo álbum, previsto para octubre.
Love of Lesbian
A quien no entienda que Love of Lesbian continúe girando cuando a principios de este año anunció un parón de los escenarios, conviene recordarle que el grupo se comprometió a completar la gira ya acordada hasta septiembre. En todos estos meses ha ofrecido conciertos con toda la emoción que le ha caracterizado durante sus 25 años de trayectoria, sirviendo de ‘Ejército de salvación‘ para su público.
Fangoria
A colación del lanzamiento de su último disco, ‘La verdad o la imaginación‘, que ha dejado un single con la buena acogida de ‘Me voy’, Fangoria vuelve al Low para demostrar por qué es uno de los grupos más longevos del pop español. Evidentemente, buena parte del mérito está en un repertorio de éxitos incontestable, algunos creados junto a otro de los nombres destacados del cartel: LCA.
Ojete Calor
A medio camino entre el show de comedia y el concierto musical, de un concierto de Ojete Calor sales afónico y también con los ojos llenos de lágrimas de tanto reír. ‘Mocatriz‘ y ‘Opino de qué’ se encuentran entre los himnos populares que Aníbal Gómez y Carlos Areces han sido capaces de crear. Pero para entender su espectáculo, sus looks y su elección de versiones, hay que verlos.
The Hives
Uno de los grupos internacionales más queridos por el público español, The Hives visita Torrevieja cargado -o armado, no sabemos decir- con un nuevo disco bajo el brazo, ‘The Hives Forever Forever The Hives’, que aún no ha cumplido un año de vida y ha dejado el éxito ‘Enough Is Enough’. Que van sobrados de himnos festivaleros como ‘Tick Tick Boom’ casi no hace falta recordarlo.
Ultraligera
Convertido su álbum ‘Pelo de foca’ en uno de los mayores sleepers de los últimos años en España, Ultraligera ya está presentando su continuación, ‘Lapsus’, del que se conocen cinco sencillos, entre ellos el épico tema titular. El grupo apuesta ahora por un sonido más eléctrico y rock que, sin duda, está conectando con el público festivalero.
Sidonie
Ahora que el foro de JENESAISPOP ha abierto un nuevo hilo dedicado a la escena musical catalana, hay que recordar que Sidonie encaja perfectamente ahí con ‘Catalan Graffiti‘, su primer disco grabado íntegramente en este idioma. Es el álbum con el que llega al Low, aunque la gran pregunta es qué éxito dejará fuera del repertorio entre todos los que ha firmado en más de 20 años.
Nia Archives lograba con su debut ‘Silence Is Loud’ (2024) ser una de las pocas artistas en llevar el jungle a las nominaciones del Mercury Prize. Seguidora de Goldie y Roni Size, que ganaba el premio en 1997 por ‘New Forms’ junto a Reprazent, la artista se ha sumergido en ese tipo de beats que triunfaban antes de su mismo nacimiento, el cual se produjo en septiembre de 1999.
Su segundo álbum ‘Emotional Junglist’ es fiel a su estilo, como detectamos en singles como ‘Danger’, un deletreo a toda hostia que explora la sexualidad y los límites del amor tóxico; o ‘Vertical‘, una de sus producciones más directas, sobre el anhelo de volver a acostarte con alguien. «It’s an obsession / You open heaven», canturrea en uno de sus estribillos más memorables.
También hay que hablar de la primera vez en su carrera que ha realizado una colaboración para un álbum. Jorja Smith aparece en la exitosa ‘Get Me Down’ después de que ambas coincidieran en un remix de ‘Little Things’. A esa altura del álbum son más importantes las ambientaciones, las recreaciones de una atmósfera, y lo digo para muy bien, como prueba el buen resultado de una celestial ‘Train of Thought’ que podría haber firmado FKA twigs.
La esencia de Nia Archives está ahí, aunque cada vez es más noticia lo bien que se desenvuelve en otros géneros. Muchos son primos hermanos, casi todas sus referencias son 100% British. ‘This Could Be…’ es una de sus canciones más monas, como también lo es ‘Dance With Me 2nite’, temas en los que aflora su fe en el amor… y un timbre muy Lily Allen.
Donde Nia Archives ha terminado de conquistarme es en la honestidad con la que ha hablado de sus influencias en el «track by track» para Apple Music. Mientras otros artistas niegan escuchar otra música (mienten… o ellos se lo pierden), ella constantemente referencia sus gustos. «Esta me ha quedado muy The Streets», dice sobre ‘Feelingz Go Numb’. «Esta quería que fuera un poco Happy Mondays», dice sobre ‘Around the Bend’. «Esta es más Pulp», dice sobre ‘This Could Be…’. «Esta tiene la energía de Fugees», dice sobre ‘Almost Always’. «Esta es onda Joy Division», dice sobre ‘Lovers Grief’. Y así con prácticamente todas.
Podría ser el modo en que ha hecho el trabajo sucio para los periodistas musicales, o podría ser el modo en que se ha acordado varias veces de mencionar a Saint Etienne como influencia (‘Vertical’, ‘Train of Thought’), algo muy poco habitual, por desgracia. Pero no. Al final lo mejor es lo bien que ha construido las canciones. Cómo la guitarra trotona y los teclados de ‘This Could Me…’ transmiten el optimismo de la letra, cómo ‘Dance With Me 2nite’ cuenta algo parecido pero desde un día más melancólico, o cómo el disco sabe cerrarse con un bop como ‘Boys In Blue’. Quería despedirse con algo festivalero y quién mejor que James Ford (Arctic Monkeys, Depeche Mode) para producir esa despedida de un disco que quería ser electrónico, Brit Pop e indie al mismo tiempo.
Yard Act, la banda de post punk liderada por James Smith, acaba de lanzar su tercer disco. ‘You’re Gonna Need a Little Music’ representa otro paso hacia delante en el cambiante sonido del grupo, manteniéndose fiel a sus inicios, pero abriendo nuevos caminos más melódicos a la vez. ‘New Beginnings’ es uno de sus temas más pegadizos y también la Canción del Día.
El sucesor de ‘The Overload’ y ‘Where’s My Utopia’, según cuenta la propia banda, trata sobre las «8.3 mil millones de realidad que existen en este universo y el reconocimiento de la misión por encontrar una única verdad». ‘New Beginnings’ no va a resolver ninguna cuestión existencial, pero al menos va a hacer que te muevas.
James Smith se aleja en este tema de su estilo hablado para meterle algo de melodía a sus palabras, en consonancia con un tema que emana buen rollo y despreocupación por todos los lados. El estribillo, en el que Smith anima al oyente a purgar sus pecados y a gastar «tus ganancias en nuevos comienzos», recuerda directamente a los Blur de la era ‘Parklife’.
Otra de las influencias que citan, además de la banda británica, es Beck: «La primera nota de la canción es el mismo acorde que ‘Loser’, lo cual puse ahí como un guiño. Justin Meldal-Johnsen, productor del disco y exbajista de Beck, no se dio cuenta para nada. Él pensaba que la canción le recordaba a The Beatles», cuenta el vocalista en Instagram.
Linda Perhacs ha sido localizada con vida. Las personas que habían impulsado la búsqueda han confirmado que la artista de 82 años «está a salvo y en un nuevo centro de cuidados».
El grupo de amigos y colaboradores que había alertado de su desaparición ha agradecido el apoyo recibido a través de redes sociales: «La comunidad realmente se unió para garantizar el bienestar de Linda». También han señalado que compartirán más información cuando haya novedades.
La alarma se había disparado después de que su entorno asegurara no tener noticias de Perhacs desde hacía ocho meses. Su ex-mánager Laurel Stearns llegó a presentar una denuncia por desaparición ante el Departamento de Policía de Los Ángeles, mientras músicos como Robin Pecknold, líder de Fleet Foxes, o Julia Holter contribuían a difundir la búsqueda en redes sociales.
Perhacs publicó el álbum de culto ‘Parallelograms’ en 1970 y regresó en 2014 con ‘The Soul of All Natural Things’. En 2017 apareció ‘I’m a Harmony’, una recopilación de grabaciones inéditas realizadas entre 1966 y 1970.
La polémica de Rosalía y Argentina sigue viva… para el canciller argentino. Según recoge EFE, Pablo Quirno recordó el lío montado por el like de la artista española a un post de Mia Khalifa en el que llamaba «perlas» a los argentinos y aseguró que esta dio «marcha atrás» porque todo lo ocurrido le hizo «doler el bolsillo».
En dos días, este 1 de agosto, Rosalía dará el primero de los cuatro conciertos agotados que tiene programados en el Movistar Arena de Buenos Aires por la gira de ‘LUX’. Sin embargo, la semana pasada protagonizó una sonada polémica por darle like al post equivocado. En su momento, la artista se disculpó en Stories: «Le di a compartir porque sonaba ‘La Perla’ y ni leí lo que ponía, mala mía», explicó.
Ya que había muchos argentinos en redes ofreciendo sus entradas del concierto en venta tras lo ocurrido, ahora el canciller del país ha teorizado en una entrevista con radio Mitre que «el recule en chancletas» de Rosalía se dio «porque le empezó a doler el bolsillo». Esto solo fue una pequeña parte de su discurso, que trataba principalmente la supuesta campaña «antiargentina» que atribuye a las redes sociales.
Si le decías a alguien que ibas a la nueva gira de Morrissey, la posibilidad de que te dijera que no iba a haber concierto, era de 1. Nadie se creía que de verdad fuera a actuar. Tal es el historial del artista en cancelaciones, que en España dolió especialmente en aquel FIB cuando estaba en su mejor momento de popularidad, y hace poco con motivo del ruido en las fiestas de Valencia.
Hay que elogiar que Morrissey se haya subido al escenario en ocasiones en condiciones de salud muy malas, que se haya comido un cáncer en silencio, pero la comunicación en los días de Fallas fue muy mejorable, y ha dañado visiblemente una reputación ya herida por su confusa deriva política, un día próxima a la extrema derecha, al siguiente, todo lo contrario. Deriva que, recordemos, ha impedido una reunión de los Smiths al estilo de la de Oasis, según Johnny Marr.
También es pertinente recordar otra cancelación no tan alejada en el tiempo, la del año pasado en Madrid en Noches del Botánico, porque en ese recinto deben de caber unas 4.000 personas y poco más o menos ese es el público que Morrissey fue capaz de reunir en el Movistar Arena este miércoles 29 de julio.Sergio Albert.
Con la mayor parte del graderío cerrado e incluso la pista a medias, el concierto de Morrissey quedó un poco deslucido. Exactamente la misma cantidad de gente en el Jardín Botánico de la Complutense habría producido un llenazo y otro tipo de ambiente. En el Movistar Arena a la cosa le costó despegar: demasiados asientos libres, y demasiada gente sentada… que no había forma de que se levantara.
En estas condiciones adversas, el asunto solo podía elevarse comenzando con dos o tres hits, pero el artista tiene por costumbre ir de menos a más poco a poco, dejando que los ánimos se vayan caldeando a medida que, por otro lado, sus técnicos van mejorando el sonido. En verdad, el momento más atronador de la noche llega casi al final, con ‘Irish Blood English Heart’, pero no podemos tampoco quejarnos de «hits» porque el set incluye varios éxitos de los Smiths, como ‘Shoplifters of the World Unite’, la imprescindible ‘How Soon Is Now?’, la preciosa ‘I Know It’s Over’ o en el bis ‘There Is a Light That Never Goes Out’. Y también algunas de sus grandes perlas en solitario, como ‘First of the Gang to Die’ en la primera mitad, poco después ‘Now My Heart Is Full’ o en el último cuarto ‘Everyday Is Like Sunday’ -con una interpolación de ‘Cuándo cuándo cuándo’- y ‘Suedehead’. No sé qué más podíamos pedir, salvo ya caprichos personales.
Las canciones de su nuevo disco son pocas y escogidas y están bien integradas. Bromea con que ‘Zoom Zoom the Little Boy’ va a sonar en todas las radios, ‘Make-Up Is a Lie‘ cuela. Sorprende también la reivindicación de ‘Ringleader of the Tormentors’, un álbum medio perdido de 2006, pero ‘The Youngest Was the Most Loved’ no estaba nada mal, y suena especialmente bien el piano y el resto de músicos durante ‘Life Is a Pigsty’.Sergio Albert
Morrissey no parece en mala forma, en resumidas cuentas, al menos en la lejanía y sin pantallas. Él prefiere proyectar películas favoritas, a Oscar Wilde, y a toreros matando durante ‘The Bullfighter Dies’, el tema que asegura «va a representar a España en Eurovisión el año que viene» ignorando que seguramente no vamos a concurrir. Pero Morrissey sigue siendo Morrissey, con sus aciertos brillantes y sus sonados desaciertos. Es 100% Morrissey cuando en «There Is a Light» aparece con unas flores, las lanza al aire en el segundo verso, se quita la camiseta, se seca con ella el sudor y la termina lanzando al público. Que algunas cosas nunca cambien… 6.
La BBC informa de la muerte de Glen Hansard, músico irlandés ganador de un Oscar, a los 56 años, tras sufrir un accidente de moto en Dublín. El artista falleció en la madrugada del miércoles después de un siniestro con un único vehículo en Lower Road, en Lucan, al oeste de la ciudad, según ha confirmado la policía irlandesa, que busca testigos del accidente.
Hansard fue conocido como líder de The Frames y también por su aparición en la película ‘The Commitments’ (1991), donde interpretó a Outspan Foster. Su mayor reconocimiento llegó en 2008, cuando ganó el Oscar a Mejor Canción Original por ‘Falling Slowly’, el precioso tema que escribió junto a Markéta Irglová para la película independiente ‘Once’.
Además de su trayectoria con The Frames, Hansard formó junto a Irglová el dúo The Swell Season y desarrolló una carrera en solitario con discos como ‘Didn’t He Ramble’, nominado al Grammy a Mejor Álbum Folk en 2016. En 2024 actuó en el festival Noches del Botánico de Madrid.
Más allá de ‘Once’, Hansard era una de las figuras más respetadas de la música irlandesa contemporánea. Durante las últimas dos décadas compartió escenario con artistas como Bruce Springsteen, Joni Mitchell por su cumpleaños, Ed Sheeran, Eddie Vedder o los propios Pearl Jam. En 2023 protagonizó uno de los momentos más emotivos del funeral de Shane MacGowan al interpretar ‘Fairytale of New York’ junto a Lisa O’Neill y los miembros de The Pogues.
Su carrera también estuvo marcada por numerosas colaboraciones para el cine. Interpretó ‘Take the Heartland’ para la banda sonora de ‘Los juegos del hambre‘ (2012) y compuso ‘Come Away to the Water’, incluida en el filme en una versión de Maroon 5 y Rozzi Crane. Años después volvió a unir fuerzas con Eddie Vedder en ‘My Father’s Daughter’, incluida en la película ‘El día de la bandera’ (2021), dirigida por Sean Penn.
Hansard nunca dejó de publicar música. Tras editar ‘All That Was East Is West of Me Now’ en 2023, este mismo año había ampliado su discografía con el doble álbum de autoversiones en directo «Don’t Settle», dividido en facciones «este» y «oeste». Entre otras curiosidades de su trayectoria figuran un cameo como músico callejero en Los Simpson.
Era un guiño a su pasado. Nacido en Dublín en 1970, Hansard comenzó precisamente tocando en las calles de la capital irlandesa antes de alcanzar la fama. Era padre de un niño de tres años. Su equipo de representación ha comunicado que su familia está «profundamente conmocionada y rota de dolor» por la pérdida y ha pedido privacidad en estos momentos.
Kavinsky ha muerto a los 50 años. El artista francés, cuyo nombre real era Vincent Belorgey, ha sido hallado sin vida en su domicilio de París durante la noche del martes 28 de julio. Según las primeras informaciones, la causa podría haber sido un ictus, aunque se ha abierto una investigación para determinar el origen del fallecimiento.
Nacido en 1975 en Seine-Saint-Denis (Francia), Vincent Belorgey comenzó su carrera como actor antes de dar el salto a la música en 2005, animado por sus amigos Jackson Fourgeaud y el cineasta Quentin Dupieux. Ese mismo periodo publicó su primer sencillo, ‘Testarossa Autodrive’, inspirado en el Ferrari Testarossa que conducía en la vida real, y llegó a compartir gira con nombres como Daft Punk, Justice, The Rapture y SebastiAn.
Kavinsky era también un personaje de ficción. Sobre el escenario, Belorgey aparecía con la piel azul y los ojos rojos para interpretar a un conductor que, según su propia mitología, había muerto al estrellar su Ferrari Testarossa en 1986 y regresaba veinte años después convertido en un zombi productor de música electrónica. Sus canciones desarrollaban la historia de ese alter ego, una de las señas de identidad de su universo artístico.
Kavinsky era conocido sobre todo por ‘Nightcall’, su icónico tema de synthwave que alcanzó fama internacional tras formar parte de la banda sonora de la película ‘Drive‘, protagonizada por Ryan Gosling. La canción se convirtió en uno de los grandes himnos de la electrónica de la pasada década y ayudó a popularizar la estética retrofuturista asociada al artista. Últimamente, Lady Gaga la ha recuperado en un directo.
Tras el éxito mundial de ‘Nightcall’, Kavinsky publicó el sencillo ‘ProtoVision’ y, en 2013, su álbum de debut, ‘OutRun’, considerado uno de los discos fundamentales del synthwave moderno. Después de un parón de siete años, regresó en 2021 con ‘Renegade’, adelanto de su segundo álbum, ‘Reborn‘, publicado al año siguiente.
‘Nightcall’ volvió a vivir un enorme momento viral en 2024 cuando Kavinsky la interpretó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de París. La actuación hizo que la canción se convirtiera en la más buscada en Shazam en un solo día, confirmando el alcance intergeneracional de uno de los mayores clásicos de la electrónica del siglo XXI.
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