Phoebe Bridgers regresa este verano con su primer disco en solitario en seis años, el tercero de su discografía. El sucesor de ‘Punisher’ se titula ‘Lost Weekend’ y estará disponible a partir del próximo 14 de agosto.
Antes del anuncio del álbum, Bridgers ha realizado varias actuaciones sorpresa en distintas salas norteamericanas, además de llevar a cabo un concierto improvisado en el Madison Square Garden en el que no se admitían teléfonos móviles: «Si alguno de vosotros se ha metido un Apple Watch por el culo para grabar el concierto, por favor no lo publiquéis en Internet. Me fío de vosotros», comentó la cantante.
Al día siguiente, Bridgers anunció el ‘Lost Tour’, también libre de móviles, con la presencia de Alex G en el tramo norteamericano y de Isaac Wood, exvocalista de Black Country, New Road, para la parte europea de la gira.
‘Lost Boys’ ha resultado una de sus canciones más melódicas y accesibles, quizá demasiado reminiscente del Sufjan Stevens de ‘Illinoise’, al que recuerda en arreglos, sobre todo en los vientos. Llama especialmente la atención la estética de su videoclip, que alterna elementos modernos como una moto, con otros medievales, como todas esas armaduras. Incluso a ratos se transforma en un videojuego.
En cuanto a la letra, ‘Lost Boys’ habla de la pérdida de la inocencia, sobre el renacer y el lugar al que vamos, y sobre la mezcla entre realidad y fantasía, exactamente lo que nos cuenta su videoclip.
El mismo jueves de Primavera Sound, en el que me reúno con JADE en un hotel de Barcelona, tengo la oportunidad, unas horas antes, de encontrarme con Grace Ives en otro hotel de la ciudad para hablar de su nuevo álbum. Digamos que, para cuando llega la hora de cubrir el festival, la lluvia y el viento no son la mejor bienvenida. Más tarde resultará que varios cabezas de cartel, entre ellos Doja Cat, tienen que cancelar por motivos de seguridad.
Las dos artistas mencionadas actúan sin problema, por suerte: Grace Ives, una de las actuales sensaciones del pop alternativo estadounidense, es una de las encargadas de abrir la tarde del sábado presentando su disco ‘Girlfriend’ ante lo que por fin se puede considerar un buen solazo. Ya no hay lluvia, sino calor. Grace actúa de negro y, justamente durante su actuación, se anuncia la aparición sorpresa de Olivia Rodrigo, quien asegura que ‘Girlfriend’ le «ha cambiado la vida», y a la que Ives va a telonear. En persona es algo tímida, pero luego se suelta; hablamos de adicción, proceso creativo o autopromoción.
He notado que los artistas nuevos recientemente usan mucho el patrón de breakbeat; se ha proliferado bastante en la música nueva, como en tu canción ‘Fire 2’. ¿Por qué crees que los nuevos artistas usan tanto este tipo de patrón de batería?
Creo que tiene la energía de la música de baile incorporada, como en el jungle. Tiene su propia energía, así que puedes dejarlo bastante espaciado encima. El beat de ‘Fire 2’ en realidad viene de un pack de batería.
Tu música tiene una vibra de producción descentrada y ruidosa, incluso los acordes de piano en ‘My Man’ suenan un poco desafinados. ¿Cómo encuentras el equilibrio entre hacer música pop que sea ruidosa, pero manteniendo la mezcla accesible y no demasiado sucia?
Creo que es una preferencia de mi gusto en el estudio. Me gusta un poco de suciedad, pero que siga siendo bello. El ruido, por supuesto, puede ser hermoso, pero normalmente he mantenido las cosas bastante limpias en el pasado. La música que escucho ahora es ambient y noise, así que estoy en ese punto. Cuando hice este álbum, la idea del ruido y la aspereza en mi propia música era algo nuevo en mi vida, así que no lo llevé demasiado lejos.
¿Qué música ambient estás escuchando?
¡Me encanta Laurel Halo! Es inspirador ver a una artista trabajar así, una artista que se permite cambiar tanto entre álbumes.
¿Qué álbum de otro artista le presentarías a la gente para que te conozca mejor?
[piensa un rato] Quizás un álbum temprano de Mitski. En sus primeros trabajos sonaba más dulce y melódica, y en ese sentido nos parecemos un poco en cómo las melodías impulsan la música.
Dices que has escrito este álbum después de tocar fondo debido al abuso de sustancias. ¿Qué idea errónea sobre las personas que sufren adicciones sigue existiendo?
Creo que la gente piensa que estamos rotos o atormentados. Cuando lo mencionan en entrevistas conmigo, pienso: “¡Estoy bien!”. Me miran con un poco de pena, como si sintieran lástima por mí. Personalmente, me siento mejor que en mucho tiempo. No hay razón para sentir pena por mí.
¿Cómo ha cambiado tu relación con la creatividad desde que estás sobria?
Creo que es más divertido. Me siento como una niña jugando, más fiel a mí misma. Puedo crear algo y al día siguiente pensar “eso no estaba tan bien”, sin culpar a circunstancias externas como el consumo de sustancias. Me siento más cómoda en el proceso y en aprender cómo trabajo. Estoy más presente.
Te mudaste de Nueva York a California. ¿Cómo ha influido ese cambio de entorno en el sonido del álbum?
En Brooklyn estaba bastante protegida y aislada, estaba cómoda y me encantaba estar en casa. Pero en California estaba fuera de mi elemento, en una especie de gran extensión de tierra donde todo se siente más grande. Me sentía más en control de mi vida individual, mientras que en Brooklyn estaba muy ligada a mi casa, a mi novio y a mis gatos. En California estaba sola, conduciendo, mirando las montañas, y me sentía muy pequeña, pero en plan bien.
¿Qué canción tuya pensabas que no iba a conectar, pero al final sí lo hizo?
Las canciones más lentas como ‘My Man’ y ‘Garden’ me costó aceptarlas porque pensaba que les faltaba energía, pero a la gente realmente le emocionaron. Me sorprendió que la gente las aceptara mientras yo estaba luchando contra ellas.
«A los artistas se les admira mucho por su juventud, te impacta más cuando alguien tiene 18 años o algo así»
Dices que confiar en tus productores es muy importante, especialmente John DeBold y Ariel Rechtshaid para este álbum. ¿Te sientes más cómoda diciendo cosas negativas que antes?
Mucho más… Al principio me preocupaba perder algo de control sobre el trabajo y que las cosas dejaran de ser mías. Temía que el proceso se me escapara de las manos y perderme la experiencia de hacer el álbum. Pero no fue así en absoluto. Ahora estoy más cómoda porque ya no tengo ese miedo. Estoy aprendiendo cómo es trabajar con otras personas.
¿No te daba cosa desaparecer durante tres años y luego volver? No porque te olvidaran, sino porque hay tanta música y los artistas nuevos reciben mucha atención.
A veces me frustraba lo que tardó en hacerse este álbum. Sí tenía miedo de perder la oportunidad de ser una artista joven. A los artistas se les admira mucho por su juventud, te impacta más cuando alguien tiene 18 años o algo así. Sentía que tenía que sacar algo para mostrar que era una gran artista joven. Me preocupaba ser olvidada, pero ya no tanto.
¿Cuál es un trabajito temporal que odiaste, pero del que más aprendiste?
Ser camarera. Fue muy duro. Aprendí que la gente es complicada, muy diferente entre sí, con necesidades distintas e intensas. Pero también me sentía parte del mundo. La gente en servicios es muy grosera contigo, pero aprendes muchísimo. Recuerdo que una vez me equivoqué con un pedido y me sentía fatal. Le dije a mi jefe: “Lo siento mucho, no volverá a pasar”. Y él me dijo: “Volverá a pasar, y está bien”.
«Todavía me siento algo disociada con todo lo bueno que me está pasando. No lo disfruto porque siento que no es real»
Estás teloneando a Gracie Abrams. ¿Qué parte de tu música esperas que conecte más con sus fans?
Gracie habla mucho de su salud mental, de sentirse diferente, oscura y decaída. Me identifico con eso y también escribo de forma parecida a veces. Espero que los fans conecten emocionalmente con mi música. También creo que sus fans saben reconocer buenas canciones pop, y espero que les gusten algunas de las mías.
Tienes una canción, ‘Neither You Nor I’, que me recordó mucho a ‘Human Behaviour‘ de Björk. Cuéntame el proceso.
¡La gente me preguntaba si había sampleado algo! Pero no, es original. Es una canción divertida y rara. Es una de las piezas fuera de la norma del álbum, no sigue una estructura concreta y su paleta sonora es extraña. No tenía que ser «bonita» en absoluto, me encanta que suene cool y algo “sucia”. Trata sobre estar en una pelea con alguien, sobre personas atrapadas en sus roles, en una especie de guerra fría esperando la violencia. Sobre darse cuenta de que las palabras y la pelea no funcionan. Es una pelea frustrante.
Hablaste con Hunter Schafer sobre no sentirte cómoda con la autopromoción, como entrevistas o TikTok, y que te sentías disociada con la idea de que a la gente le gustara tu música. ¿Ha cambiado eso para ti?
Estoy más cómoda con la idea de mostrarme, menos asustada de publicar y promocionar. Pero todavía me siento algo disociada con todo lo bueno que me está pasando. Siento que no es real. Lo de abrir para Gracie Abrams y Olivia Rodrigo, no lo estoy sintiendo tanto como debería porque me siento algo distante. Me siento separada de la artista y de la persona.
¿Algún artista con el que te gustaría colaborar?
Me encantaría cantar con Lana Del Rey, y también trabajar con Nourished by Time. Creo que funcionaría muy bien.
PJ Harvey se encontraba trabajando en su nuevo disco y un nuevo libro, al modo de ‘I Inside The Old Year Dying‘ (2023), cuando se cruzó en su camino otro proyecto. En concreto, el físico británico Brian Cox le pidió un tema para su gira ‘Emergence’.
La canción resultante se llama ‘Voyager’, en homenaje a la sonda espacial «Voyager 1» de Carl Sagan que se envió al espacio en 1977 para explicar el planeta Tierra a cualquier forma de vida extraterrestre inteligente que pudiera interceptarla.
La autora de álbumes tan célebres como ‘Rid of Me’, ‘Let England Shake‘ o ‘Stories from the City, Stories from the Sea‘, explica su nuevo proyecto: «Siempre me ha fascinado la nave espacial y sus viajes, y qué nos diría si pudiera hablar. Este fue el punto de partida para desarrollar la canción».
Continúa: «La canción ya había cobrado vida como parte del proyecto de mi nuevo álbum cuando Brian Cox me invitó a escribir una pieza para su nuevo show. Le mandé la canción en un audio para ver si le decía algo. Inmediatamente pensé en el sonido de la señal de Voyager volviendo a Tierra y con estas ideas dejé que la canción se desarrollara e hice el arreglo orquestal con Dario Marianelli».
Professor Brian Cox está acreditado al sintetizador, como también lo está en este instrumento y en la percusión, la misma PJ Harvey. Entre llamadas tipo «escucha mi señal, ¿la seguirás?», el «punto pálido azul» aparece en la letra como homenaje al libro homónimo de Carl Sagan, en concreto en la estrofa:
«Voyager, look back
At a pale-blue dot
All we don’t know
A flake of snow»
La belga Angèle, una de las cantantes pop más reivindicables de los últimos tiempos procedentes de Europa, continúa publicando nueva música. Si hace unos meses editaba una colaboración con Justice, ‘What You Want‘, que además remezclaban Fcukers y SG Lewis, desde esta semana seguimos en la pista de baile.
‘Dis-le’, nuestra Canción del Día hoy, es un banger que desde su mismo vídeo se sitúa en discotecas y raves, con un carácter tan salvaje que Angèle ha decidido situarlo en la naturaleza, con alguna referencia a Excálibur.
Angèle ha explicado en su newsletter que es una llamada a la libertad individual: «Concebí esta canción como una invitación a expresar nuestra voz interior, aquello que guardamos para nosotros mismos. Es un estímulo para romper el silencio, para liberarnos, para proclamar nuestra identidad individual con claridad y sin reservas».
¿Qué es lo que Angèle invita a decir en las martilleantes estrofas de la canción? «Di que te sientes sola, cansada, que no estás bien, dilo más fuerte, di que te duele, di quién te hizo daño, que te gustan las reinas o los reyes, que te da miedo el futuro».
Esta canción tan liberadora que invita a «seguir tus instintos y a vivir el momento» resuelve toda su tensión en una coda de pop de cámara, donde el protagonista de repente es un piano. Ahí el ambiente es más onírico mientras las imágenes en el vídeo se ralentizan para mostrar la huida del mal definitiva.
Madonna y Charli XCX han coincidido por primera vez después de haber tenido un pequeño «beef» en redes. Todo empezó cuando Charli XCX dijo que la pista de baile estaba muerta, en referencia a que su nuevo disco será más rock. Mucha gente en las redes relacionó la declaración con la campaña de ‘Confessions II’ de Madonna, que propone la pista de baile como tabla de salvación para «los tiempos oscuros que vivimos». Madonna llegó a responder en Instagram que «si sentías que la pista de baile estaba muerta, quizá no estabas escuchando la música adecuada».
Charli XCX se vio obligada a responder que se refería tan sólo a su necesidad de dejar ‘BRAT’ detrás. Y citaba ejemplos de música de baile que le está gustando mucho, como Slayyyter. Recientemente, veíamos una publicación de Charli en la que compartía ‘Hollywood’ de Madonna y esta pinchaba en «me gusta». ‘American Life’ es una influencia evidente en el vídeo de ‘SS26’. La reconciliación se fraguaba.
Y finalmente se materializaba ayer durante la Semana de la Moda de París. En el desfile de Yves Saint Laurent, alguien decidía sentar juntas a Madonna y a Charli XCX en una primera línea llena de famosos en la que también cabían Kate Moss, Arca, Stuart Price, Connor Storrie, Debi Mazar, su hija y muchos otros.
Lo que es más, en el Club Confessions que anoche se organizaba en París, se vio a Charli XCX en la cabina de DJ junto a Madonna, disfrutando de ‘Hung Up’ y otros temas. Esta vez, y a diferencia de lo sucedido en Los Ángeles, no se pincharon canciones inéditas de ‘Confessions II’.
Cabe preguntarse si esto ha sido un «beef» de verdad, un malentendido o una broma entre amigas. Madonna y Charli XCX comparten sello (Warner), equipo de estrategia (Special Offer) y directores de videoclip (Torso). Sin duda Madonna se está inspirando en el márketing de guerrilla de la era ‘BRAT’ y Madonna ha sido siempre una influencia reconocida para Charli.
Os recordamos que analizaremos toda la era ‘Confessions II’ en un podcast con público en la Sala El Sol el miércoles 8 de julio. Las entradas están a la venta en DICE.
Now You Know Why We Sent You That Link: Madonna Lights Up Saint Laurent in Paris An hour ago we gave you the link to watch the Saint Laurent show live — and now you know exactly why. Madonna is in the front row in Paris tonight, and for a Confessions II campaign built entirely… pic.twitter.com/tHOm0Pgsaj
‘THIS MUSIC MAY CONTAIN HOPE.‘ tiene un lugar reservado entre lo mejor de 2026. No ha sido un disco exento de polémica, de hecho ha obtenido alguna crítica tibia en medios como The Guardian, pero a su vez ha reafirmado que RAYE es una artista especial, de esas que no puedes confundir con nadie más. Ni siquiera con Amy Winehouse. Por eso le dedicamos el nuevo episodio del podcast REVELACIÓN O TIMO.
RAYE empezó componiendo para otros artistas, colaboró incluso con Charli XCX y cantó en temas dance como ‘Regardless’ con Rudimental o ‘Bed’ con Joel Corry y David Guetta. Tuvo una salida traumática de Polydor, que la había fichado en 2014, y finalmente emprendió su propia carrera en solitario.
‘My 21st Century Blues‘ fue su debut de verdad, un álbum crudo en el que habló de abusos, de los problemas para aceptar su cuerpo, de homofobia y política en unas letras directas e incómodas a veces, muy poco habituales en el mundo del pop. Allí consiguió viralizar hasta los mil millones de streams el tema ‘Escapism’.
Justo cuando algunas voces afirmaban que los 6 Brits que había recibido por su debut eran algo exagerado, RAYE se ha sacado de la manga un nuevo clásico, ‘WHERE IS MY HUSBAND’, y un álbum complejo de 73 minutos que no sigue la estela de esta canción ni mucho menos. Como mucho en «Lover Boy».
Luego RAYE ha preferido idear algo parecido a su propio musical, con su presentación (‘Girl Under the Grey Cloud’), su despedida (‘FIN’), sus momentos barrocos (‘Winter Woman’, ‘Click Clack Symphony’) y sus momentos ligeros (‘Life Boat’, ‘I Hate The Way I Look Today’). Lo analizamos en el capítulo de esta semana. Uno de los últimos de esta temporada, antes del cierre, que grabaremos en vivo en la Sala El Sol el próximo 8 de julio.
‘Camisa de Fuerza’ es el primer disco de Kase.O en 10 años. Este es, a la vez, el sucesor de ‘El círculo’ (2016), uno de los discos más queridos de la historia del rap nacional. Las reacciones al álbum, que vuelve a juntar al artista zaragozano con raperos tan clásicos como Nach o Violadores del Verso, han sido totalmente dispares, con algunos usuarios en redes opinando que «no hay uno que rapee así» y otros asegurando que da «vergüenza ajena».
Al margen de esto. el regreso de Kase.O también ha servido para que uno de los raperos más respetados de nuestro país se pronuncie sobre un tema que ha dado mucho que hablar en los últimos meses: el rap facha. Ibarra tenía claro lo que quería decir en su rueda de prensa: «Si eres facha te jodes y no puedes escuchar rap. Todo no se puede en la vida. El rap es un movimiento obviamente antirracista, porque todos nuestros ídolos son racializados. Entonces, si eres racista no puedes escuchar rap, no pasa nada», ha recogido Europa Press.
Las declaraciones públicas de Ibarra de los últimos años no han sido tan bien recibidas como estas. Recordemos que tanto sus palabras sobre la «paguita» de los jóvenes como su decisión de no cancelar sus conciertos en los festivales respaldados por el fondo proisraelí KKR ya provocaron una ola de reacciones negativas en redes. Aunque en esta última ocasión se disculpó por el «mal rollo» que había creado, sus palabras no lo acabaron de arreglar del todo: «Tengo un lema para todos estos puritanos, inquisidores, policías de la moral, radicales y fascistas que me han apaleado y humillado», soltó en el Río Babel del año pasado, el cual no pertenece al fondo KKR. Es por esto que su visión ideológica sobre el rap ha sido más que bienvenida por la opinión pública. Además, llega en un momento totalmente clave.
«Deja de ser fascista y vente al rap, pero todo no se puede», continuó el zaragozano. Este también ha asegurado que, en sus 40 años de carrera, no pensaba ver «raperos de derechas». El rap facha ni siquiera se puede considerar un movimiento, porque sus referentes son muy pocos, pero sí ha hecho el suficiente ruido como para que su existencia se convierta en un motivo de debate público.
Algunos de los nombres que seguramente Kase.O tenga en mente son Santaflow, participante en varios actos de VOX y autor de letras como «quiero pegar al mariconazo de Jorge Javier»; Angie Corine y El Jincho, que podría afrontar 13 años de prisión después de, presuntamente, agredir sexualmente y drogar a una menor con discapacidad del 41% y grado 1 de dependencia reconocido.
Si lo dice hasta Kase.O, por algo será: «Es de tener poca personalidad defender ideas políticas de un partido político cuando puedes decir lo que quieras sin tener que defender unas siglas. Básicamente eso es lo que tengo que decir: si eres fascista no puedes escuchar rap, prohibido, no te dejamos», concluyó Ibarra.
Mushroom Pillow publicará después del verano el tercer disco de Morreo. El dúo formado por Jose Carlos Luna y Germán Marchena, conocido por la influencia tanto de la psicodelia pop de los años 60 y 70 como por cierta querencia por el folclore patrio por la vía de Smash, publicaba hace unas semanas la introducción al álbum, ‘Bienvenidos’. 2 minutos y medio de presentación uptempo y sintes locos para adentrarnos en la nueva era.
Hoy JENESAISPOP estrena el vídeo del verdadero primer single, ‘Locos por el ritmo’, que reconocen como su «canción más yeyé hasta la fecha». Ya solo por todos los cambios melódicos en su estribillo merece ser la Canción del Día.
‘Locos por el ritmo’ se reconoce inspirada en ‘1, 2, 3, al escondite inglés’ de Iván Zulueta, pues su argumento se asemeja mucho a la narrativa de la canción. Explican: «Más allá de la referencia cinéfila, este tema es un recordatorio para nosotros mismos de no perdernos. Ni nuestra esencia ni nuestro estilo. En algún momento sentimos que nos estábamos alejando de eso, y tuvimos claro que necesitábamos recuperar nuestro sonido y nuestra forma de ver la música».
Continúan: «Bajo esta premisa, volvimos a lo que mejor sabemos: los años 60 y 70, pero no cogiendo a los grupos clásicos de siempre, sino a las bandas que los adaptaron a su manera y que tanto nos han marcado, como Niza, La Casa Azul o Aventuras de Kirlian».
El resultado es una de sus producciones más explosivas y coloridas -lo cual es mucho decir para los autores de ‘Mambo’-, en parte por lo elevado de los bpm’s. Al fin y al cabo esto iba de estar «locos por el ritmo». Melodía y arreglos nos llevan a los tiempos de Algueró y Trabucchelli, es verdad que con cierto prisma de presente. El catálogo de Elefant, Elastic Band o incluso el trabajo de Lori Meyers y Anni B Sweet con Temples pueden venir a la cabeza.
La letra tan meta lleva efectivamente a las intenciones de Guille Milkyway, afirmando que «el pop es el único que nos puede salvar». Apuesta incluso por imponer una «superioridad moral». El vídeo es igualmente una reivindicación de lo retro en colores, grano y textura, con instrumentos vintage, trajes cruzados y targets. El homenaje a los 70 se materializará hasta en el título de este tercer álbum, que podemos adelantar que será ‘Plato Combinado’.
El próximo miércoles 8 de julio grabaremos en directo un episodio del podcast Revelación o Timo, con asistencia de público, en la Sala El Sol de Madrid. Las entradas están a la venta en DICE a 12 euros + gastos, solo para los primeros compradores. Después, pasarán a costar 15 € + gastos. Actualización: las entradas «early birds» se agotaron en 2 horas. Están a la venta las ultimísimas entradas.
A partir de las 20.30 horas, analizaremos la campaña de promoción de ‘Confessions II’ el primer disco de Madonna en 7 años. Comentaremos la actuación en Coachella, la de Times Square, el corto de 10 minutos lleno de cameos, o la recuperación del márketing de guerrilla. Del «Club Confessions» a Grindr. Evidentemente, analizaremos también el disco, que para entonces ya estará en la calle.
Al término del podcast, retiraremos las sillas, pincharemos el álbum ‘Confessions II’, en modo discoteca, íntegro y sin interrupciones, y terminaremos con una playlist de hits del resto de su discografía. Estaremos hasta las 0.30, cuando hay otro evento en la Sala El Sol. Estos serán los horarios aproximadamente.
20.30 horas: Apertura de puertas.
20.45 horas: Podcast en vivo.
22.30 horas aprox: ‘Confessions II’ pinchado íntegro en formato club.
23.35 horas aprox: Hits de Madonna y amigas.
0.30 horas: Fin de Fiesta «We Have a Confession». Empieza otro evento en la Sala El Sol.
Como era de esperar, Bb trickz no solo no dejó la música a finales de 2024 -aunque pudo ser un sentimiento genuino el que tuvo en ese momento, eso no lo sabemos- sino que utilizó aquel anuncio para promocionar un nuevo single y después siguió publicando música de forma casi constante, incluyendo el estupendo EP ‘80’z‘, que incluía la viral ‘Super‘; un proyecto colaborativo con Depresión Sonora, un single con Emilia, el mini EP de 5 minutos ‘lechita’ y ahora un nuevo EP que dura exactamente 12 minutos. Y a esto se le acaba de sumar un nuevo single suelto, ‘ponte perrita’.
‘Sugarhiii’ no es exactamente el disco más azucarado de la carrera de Bb trickz por el hecho de que es el más enfocado en el rock y la electrónica. Lo que podemos considerar el eje central de su propuesta artística, la mezcla de buen y mal gusto, vuelve a articular esta nueva y brevísima colección de canciones.
Cuando digo mal gusto me puedo referir al descaro deliberado de sus letras, más próximas en forma al urban: si alguna vez pensaste que jamás escucharías una expresión como «soy una bambi, el toto me combina con los pantis» en un tema de ecos indie-rock, shoegaze y post-punk, ‘Le le’ viene a demostrar que es posible. También me refiero al griterío histérico de ‘Gafas de sol’, que concluye el EP con bien de zapatilla.
El gracioso tema que abre ‘Sugarhiii’ confirma que el mayor acierto del EP es su faceta rockera, no tanto la electrónica. En el primer sentido hay que elogiar la transformación que se hace de ‘Lovefool’ de los Cardigans en ‘A la mala‘, que cuenta con producción de Hudson Mohawke. En un tono más oscuro, ‘Dame más!!’ pone el acelerón con ecos de darkwave e invitaciones a que «rebotes el culo».
Los temas centrados en el club ocupan un tramo central menos inspirado. ‘Pa bailar’ no da tanto «veneno» como promete la propia Belize, ‘Te gusto?’ es prácticamente una extensión de este tema, sin el gancho de su colabo con Charli xcx, y ‘Hooka Love’ se diferencia apostando por un estilo más próximo al dark tecno, pero la canción se queda en un efímero gesto.
De nuevo destaca el estilo que desprenden las producciones a cargo de Outlaw, entre otros, a pesar de la brevedad de los tracks. Y Bb trickz sigue siendo una presencia entre hipnótica e incómoda que, con rimas como la de ‘Gafas de sol’, te saca una risa: «oliendo pop, soy pop star, toda mi clica son pop stars, se hacen clic, suena pop, lo tengo swift, lolipop». Lo de ‘ponte perrita’ ya es next level.
Manuel Carrasco acaba de ofrecer un concierto en La Cartuja de Sevilla y ha contado con la participación de David Bisbal, que apareció como invitado especial para interpretar junto a él ‘La reina del baile’, uno de los sencillos que Carrasco lanzó en 2024. Sin embargo, muchos espectadores han preferido comentar el estilismo de ambos cantantes recurriendo a insultos homófobos, y todo por llevar tirantes ajustados y algún toque drapeado.
«Qué gays van vestidos», «vaya asesores de imagen que tiene el Manu», «dos señoras muy elegantes», «creí que eran travestis» o «Carrasco tiene un pie fuera del armario» son algunas de las lindezas que supuestos seguidores les han dedicado en Instagram. Estos son solo algunos de los comentarios recopilados por el influencer Antonio González en esa red social.
Al margen de la insinuación de que existe una forma de vestir específicamente asociada a los hombres homosexuales -y de que eso tenga alguna connotación negativa-, cabe recordar que ni Bisbal ni Carrasco son homosexuales. Una muestra de hasta qué punto los prejuicios de género siguen operando es que la homofobia también afecta a personas heterosexuales, aunque ciertos representantes públicos decidan ignorarlo.
@universalspain NOCHE III de @Manuel Carrasco en el Estadio de La Cartuja de Sevilla. Noche de Corazón Salvaje 💘. 👑 Y se marca un junte salvaje con @davidbisbaloficial ♬ sonido original – universalspain
Si hay un realizador de videoclips al que le gusta jugar con referentes fílmicos, ese es Christian Breslauer. Como ya demostró en sus homenajes a ‘Kill Bill’ u ‘¡Olvídate de mí!’, el director floridense vuelve a echar mano del imaginario cinematográfico para construir la estética del vídeo de ‘hate that i made you love me’, primer sencillo del nuevo disco de Ariana Grande, ‘Petal’.
Ya desde los títulos de crédito, Breslauer sitúa al espectador en un universo que remite a las cabeceras de terror y thrillers de serie B de los años cincuenta. La tipografía amarilla (como el vestido de Ariana), pintada como a brochazos sobre un cielo tormentoso, anticipa la combinación de romance, humor negro y elementos sobrenaturales que vertebra todo el videoclip.
El protagonismo de Justin Long, convertido casi en un icono del cine de terror contemporáneo gracias a títulos como ‘Barbarian’, ‘Tusk’ o ‘Jeepers Creepers’, refuerza esa lectura. Su presencia funciona como un pellizco cómplice para el espectador familiarizado con el género y contribuye a situar la historia en un territorio a medio camino entre el thriller psicológico, la comedia de terror retro y el cuento moral de fantasmas sobre la culpa y sus consecuencias.
A ello se suma una estética que combina el suburbio idealizado de los años cincuenta con ecos de las comedias sobrenaturales clásicas tipo ‘El espíritu burlón (1945) o ‘Me casé con una bruja’ (1942). Ariana encarna sucesivamente a la chica de la curva, el espectro de casa encantada y la novia fantasma vengativa, tres figuras emblemáticas del imaginario fantástico que convierten el videoclip en una pequeña antología de fantasmas femeninos con ganas de ajustar cuentas.
James Blake ha compartido una reflexión sobre el estado actual de la industria musical que vuelve a ser bastante deprimente. El artista que tan crítico ha sido con el funcionamiento de la industria musical, que desfavorece a compositores como él, habla ahora de la desconfianza generalizada en torno a los datos, la crítica y la propia autenticidad de la música.
En concreto, Blake critica los comentarios positivos de fans en redes sociales, muchos de los cuales son “fake” y pretenden construir una narrativa de entusiasmo en torno a un artista que influye en la percepción del público. También señala la artificialidad de las cifras de YouTube y otras plataformas de streaming, “porque los sellos compran reproducciones” o “recurren a granjas de bots para impulsar el descubrimiento”.
Aunque Blake apunta a la artificialidad de los comentarios y del descubrimiento, también reconoce que este tipo de prácticas en el entretenimiento “siempre han existido”. Se ha visto recientemente en el caso de Geese.
Donde Blake es más discutible es en su acusación de que las críticas de discos están “compradas” por sellos discográficos porque los “blogs y las revistas han dejado de ganar dinero”. Aunque después indica que no pretende generalizar, sí sugiere que la “prevalencia del algoritmo y los bots” facilita la manipulación de audiencias.
El artista resume así su visión del ecosistema musical actual: “Si eres artista, recuerda que en 2026 no hay ni una sola parte del sistema que no esté manipulada. Probablemente estás haciéndolo mejor de lo que crees”.
Blake ha provocado la respuesta de al menos un reconocido periodista musical, el estadounidense Philip Sherburne, que no se ha mordido la lengua: “James Blake es un imbécil si realmente cree que los medios creíbles (sí, aún existen) funcionan así”, y subraya que medios “respetables” como Pitchfork o The Guardian no publican críticas pagadas.
El músico Jacques Greene, por su parte, comenta que en Europa ha visto por primera vez medios que piden dinero por “cover features”, y Sherburne responde criticando la práctica por ser poco ética al difuminar la línea entre publicidad y contenido editorial.
Blake ha puntualizado que, aunque sabe que siguen existiendo periodistas que no cobran por sus críticas, son cada vez más raros. “Me siento mal por los críticos mal pagados y periodistas con integridad”.
James Blake took to his Instagram story to call out the state of the music industry's metrics, one by one.
"Can't trust a review because blogs/mags stopped making money so journalists now get paid off by labels…can’t trust a comment section…YouTube numbers…streaming… pic.twitter.com/jw0AZ79rpD
Olivia Rodrigo ha anunciado Daisy Chain Fields, su propio festival de música, que se celebrará el 29 de agosto en Irvine, California. La cantante llevaba años soñando con organizar un evento así y, sí, lo has adivinado, ha tomado como referencia el el mítico Lilith Fair, que ya en los 90 convirtió en realidad un festival integrado exclusivamente por mujeres.
El cartel estará formado exclusivamente por artistas femeninas o bandas lideradas por mujeres. Entre los nombres destacan Chappell Roan, Doechii, Mitski, Bikini Kill, Garbage, The Breeders (teloneras de Olivia durante la gira de ‘GUTS’), Katseye, Santigold y Rachel Chinouriri, además de invitadas especiales como Stevie Nicks, Karen O y Sarah McLachlan.
Los beneficios netos de las entradas se destinarán a organizaciones que trabajan por los derechos y la salud de mujeres y niñas, entre ellas Planned Parenthood o Center for Reproductive Rights. Además, ningún artista cobrará beneficios por su actuación.
Olivia Rodrigo logra ser lo más votado esta semana en JENESAISPOP, al obtener el 51% de los votos en Instagram con ‘stupid song’. Es su primer top 1 en nuestro top 40 semanal. Cada canción en esta era ha ido gustando más que la anterior: ‘drop dead’ llegaba al número 5, y luego ‘the cure’ al número 2. En álbumes anteriores, ‘vampire’ entró al puesto 3 contenida por ‘Padam Padam’ de Kylie y una de las colaboraciones de Amaia con Alizzz. Un par de años antes, ‘drivers license’ quedaba en el puesto 14.
Aparte de Olivia Rodrigo, la entrada más fuerte estos días es la de Avalanches con Jamie x, que aparece por el top 5. Belén Aguilera y Ellie Goulding llegan al top 20. Otras entradas en lista son las de Paycheque, Tinashe, Joshua Idehen y Vince Staples.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
Las novedades musicales de la semana están marcadas por Olivia Rodrigo. La artista es número 1 de álbumes en España y, como ya os hemos contado en el análisis de la lista de Discos, ha metido hasta 11 temas en el top 100 oficial español de canciones. ‘stupid song’ es número 17.
Pero la entrada más fuerte es ‘Pa ti toa’ de Ana Mena con Lola Indigo, directa al top 12. Es una buena entrada para ambas, aunque queda fuera del top 10 a diferencia de ‘Madrid City’ que fue top 8, o ‘Carita triste’ con Emilia, que fue top 6.
Y la noticia de la semana la vuelve a dar Shakira con Burna Boy. En marcha el Mundial de Fútbol, ‘Dai Dai’ sigue subiendo y pasa del puesto 10 al puesto 4, representando la subida más fuerte estos días. Eso sí, por lo que se ve en Spotify España, el número 1 continúa lejos y en manos de ‘La graciosa’ de Quevedo. Como curiosidad, el Waka Waka’ reentra en el puesto 92 en España, certificado como 5 veces platino.
Completan las entradas de la semana ‘BNB’ de Young Miko con Clarent en el 23; ‘Contigo na más’ de Luar La L con Dei V, Bryant Myers, etc en el puesto 60; ‘Cabernet’ de Mora en el 65 y ‘Se le ve’ de Kybba, Ryan Castro, Bad Gyal y Topboy en el 87.
Bad Bunny no ha podido desbancar a Quevedo del número 1 en España, ni actuando 12 veces en nuestro país. Al fin y al cabo ‘Debí tirar más fotos’ salió hace más de 70 semanas.
Quien sí logra desbancar a Quevedo, en concreto después de 7 semanas de reinado de ‘El Baifo‘, es Olivia Rodrigo, que ya había sido top 1 por aquí con sus dos primeros álbumes. ‘you seem pretty sad for a girl so in love‘ es el nuevo número 1 de discos en España y no solo eso, sino que además, 11 de las 13 canciones del álbum entran en la lista de singles. Son las siguientes:
17 (E) stupid song
36 (81) the cure
43 (E) honeybee
46 (RE) drop dead
55 (E) maggots for brains
57 (E) what’s wrong with me
61 (E) my way
66 (E) u + me
73 (E) LESS
75 (E) expectations
88 (E) begged
El huracán Olivia Rodrigo no consiente que haya demasiadas novedades en el mercado anglosajón. Bebe Rexha tiene que conformarse con el puesto 63 en nuestro país con ‘Dirty Blonde‘. Y Yes con el puesto 95 con ‘Aurora’. Este último álbum ha alcanzado el puesto 42 en UK, pero Bebe Rexha únicamente ha sido número 71 en Reino Unido. Sí, ha llegado más alto en España.
Los Delinqüentes han llegado al puesto 45 con la reedición de ‘El sentimiento garrapatero que nos traen las flores’. Cruz Cafuné, al puesto 59 con ‘Me muevo con Dios’, Lérica al número 68 con ‘Kien me presta una guitarra?’ y Feid al puesto 100 con ‘El moco verde’, un EP de tan solo 5 canciones.
Carly Rae Jepsen había inundado en los últimos días su perfil de Instagram con publicaciones de coloridas y estéticas imágenes acompañadas de escritos, horas y ubicaciones, casi a modo de diario personal. Estaba claro que tramaba un comeback y ahora se confirma. Sin embargo, el regreso será aún más satisfactorio para sus fans de lo esperado, ya que el nuevo disco que acaba de anunciar es doble.
‘Day and Night’ se compondrá de 24 temas: los 12 primeros estarán reunidos en la sección «Day» y los 12 restantes en la sección «Night». Algo parecido a lo que hizo Miley Cyrus en ‘Endless Summer Vacation‘, aunque, de momento, Carly Rae no ha dicho que su álbum sea conceptual. La fecha de lanzamiento es el 18 de septiembre.
Según la nota de prensa recogida por Variety, la parte «Day» es «orgánica y cruda, con instrumentación en directo y toques de pop psicodélico inspirado en los años 70». Por su parte, «Night» es «exploratoria e intensa, y se adentra en un universo elegante de dance pop impulsado por sintetizadores».
Jepsen, que ha sido madre recientemente, ha colaborado con Tavish Crowe, Kyle Shearer, Nate Cyphert y Cole M.G.N. (su marido) en este nuevo proyecto. El primer avance ‘On Wires’ sale este viernes.
Ha muerto Clive Davis, una de las figuras más influyentes de la industria musical estadounidense, a los 94 años. El ejecutivo discográfico ha fallecido este lunes en Nueva York después de haber sido hospitalizado el pasado viernes por una infección respiratoria.
Pocos ejecutivos discográficos tuvieron tanto impacto en la historia del pop como Clive Davis. Fue presidente de Columbia Records, después fundó Arista Records, y su nombre aparece ligado al descubrimiento y desarrollo de algunos de los artistas más importantes del pop contemporáneo.
Entre los talentos que fichó e impulsó destacan Whitney Houston, de quien fue uno de los principales mentores, y también nombres tan dispares e icónicos como Bruce Springsteen, Billy Joel, Santana, Aerosmith, Janis Joplin, Pink Floyd, Barry Manilow o, más recientemente, Alicia Keys.
Ganador de cinco premios Grammy e incorporado al Rock and Roll Hall of Fame en el año 2000 en la categoría de no intérprete, Davis continuó vinculado a Sony Music durante las últimas décadas de su vida como director creativo.
En un comunicado, la familia de Davis ha destacado tanto su legado en la industria musical como su faceta personal. Sus familiares han recordado que, pese a su enorme éxito profesional, siempre dio prioridad a su familia y a las personas más cercanas.
Madonna protagoniza la portada de verano de Interview Magazine, en promoción de ‘Confessions II’, que sale ya el viernes de la semana que viene, dentro de 10 días. Además de unas fotos en las que «crea un nuevo personaje» como sugiere la introducción a su nuevo disco, en concreto una mujer que ha llamado Dee Dee, ha concedido obviamente una entrevista.
En ella da los detalles de cómo surgió este álbum, cuando se fue descartando su biopic con Universal por problemas de presupuesto. «Encontré la manera de hacer la película por menos dinero en Serbia, pero no creo que les entusiasmara la idea… Quizás simplemente no creyeron en mí. Una de sus primeras reacciones fue: «No creemos que aguantes en Serbia más de cuatro días». Y yo les dije: «¿Habéis leído el guion?». Toda mi vida ha sido una lucha por la supervivencia. No me voy de vacaciones». Fue entonces cuando Netflix le propuso otra cosa. «Estaba en el limbo cuando Netflix se me aproximó para hacer una serie. Y ese iba a ser otro proceso largo, porque no podía usar el guión que tenía con Universal a menos que lo comprase al precio de un extorsionador, aunque yo lo hubiera escrito. Mejor ni preguntes».
Dándose cuenta de que tardaría mucho tiempo en encontrar el/la guionista adecuado para la serie, decidió hacer un disco con Stuart Price. La idea era que, en tiempos tan oscuros, la gente necesitaría música de baile, por lo que pensó en ‘Confessions II’. «Me dije que tenía que ser tan bueno o mejor que el primero. He hecho otros discos, como ‘Ray of Light’ con William Orbit o las cosas que hago con Mirwais. Me encantan todos, pero mi sonido con Stuart… ni siquiera es algo que tengamos que pensar. Sintonizamos. Eso es lo que creo que pasó. Y es lo que producir significa para mí. Pones en común tus gustos, conocimiento, tu visión, y a una gente que está alineada contigo». No obstante, Madonna reconoce que ha estado 15 años sin ver ni hablar con Stuart Price.
En cuanto al disco, se compone de confesiones, y habla de la muerte de su hermano o su madrastra, con quien tuvo una relación muy complicada, aunque también hay canciones simplemente de diversión, como ‘Love Sensation’. Otro tema son las redes sociales, y lo que le deprime usar Instagram «más de 10 minutos». «Si miramos Instagram durante 2 horas, realmente pensamos que hemos estado con alguien. Es una actividad profundamente perturbadora».
Madonna sorprende al hablar de un tema hecho con Arca y Stuart Price que no estará en el álbum, ‘What Will Save Me’, pero sí estará la colaboración con Stromae ‘My Sins Are My Savior’, descrita como «una fantasía de los 90 sexy y profunda», y otra llamada ‘The Test’ con su hija Lourdes León que promete ser más profunda que ‘Superstar’. «Mi hija se me aproximó con la idea de escribir una canción juntas como forma de reparar nuestra relación. Fue un momento muy importante y consolidó la idea de que este era el momento de hacer este disco».
La artista cuenta historias hilarantes sobre cómo consiguió que el DJ de Danceteria la pinchara con un poco de cocaína y la complicidad de Debi Mazar, aunque quizá la declaración más interesante la deja hablando del tema con Stromae, sobre el qué dirán: «Solía importarme mucho porque pensaba: «No puede ser que la gente sea tan estúpida. No lo entienden. Hago muchas cosas provocativas pero siempre hay una razón detrás, que nadie se molesta en investigar, lo que te hace tirar la toalla sobre los seres humanos. Te das cuenta de que la gente no tiene pensamiento crítico. No examinan lo que ven ni lo que oyen. No miran las sutilezas ni las capas. Y no lo hacen sobre todo si viene de una mujer. Picasso era una mierda para las mujeres y se comportaba como un cretino, pero era un pintor brillante. La gente lo pasa por alto porque era un gran pintor. No me estoy comparando con Picasso, pero cuando una mujer lo hace… la gente es ahora un poco más abierta de mente sobre las mujeres que hacen cosas provocativas».
DELLAFUENTE ha dejado claro en X que su nuevo disco no es una despedida de ningún tipo: “Los que decís que ‘BRIGADO,’ es una despedida, que buya tenéis??”. Desde luego, no es toda la culpa de quien lo dice. El último disco del misterioso artista granaíno comparte la vibra melancólica del ‘Hurry Up Tomorrow’ de The Weeknd, sin llegar a ser un funeral; está lleno de menciones al agotamiento y la reconstrucción, y termina con una carta de agradecimientos. En el contexto de su carrera, viniendo de hacer historia tras vender casi 120.000 entradas para sus dos fechas en el Metropolitano, también tendría sentido que esto fuese un final. La nota de prensa dice que se trata de un comienzo. En realidad, es un punto de inflexión.
Este cambio de rumbo viene representado por varios elementos, siendo el más notable la única colaboración que incluye el proyecto, 3NOC, un álter ego del propio DELLAFUENTE (Pablo Enoc Bayo Ruiz). Su equipo describe a 3NOC como “una nueva identidad dentro del universo sonoro” del artista, concretamente su “visión musical más orgánica”. Efectivamente, ‘La vida te da sorpr3sas’ y en especial ‘Mi modo de vida’ muestran una faceta del granaíno nunca vista. Ambos temas coinciden en la influencia de los ritmos caribeños y en su intersección con las melodías flamencas, con lo que el artista ya había experimentado sutilmente en el pasado e indaga de forma más incisiva en este LP. ‘BRIGADO,’, siendo un proyecto muy variado y casi un compendio de todas las caras del andaluz, se parece más a ‘Lágrimas pa otro día’ que a cualquier otro disco anterior.
Sin embargo, lo que no tenía ese LP eran las grandes instrumentaciones y arreglos de vientos y teclas que sí se presentan en esta ocasión. ‘Mi modo de vida’, en concreto, es el clímax absoluto del disco y la culminación de la faceta más salsera de DELLAFUENTE. En la letra, Enoc rinde homenaje a su esposa e hijos, además de declararse en paz con la vida: “No me preocupa el dinero, pa mí es un medio, no un fin”. Es la invitación al baile y la celebración después de un tracklist que va de menos a más, tanto en calidad como en BPMs.
La primera mitad de ‘BRIGADO,’ no tiene nada que ver con las secuencias más desenfadadas del artista. Es justo lo contrario. ‘Vida en PNG’ da comienzo con un dramático bolero en el que el granaíno canta sobre volver “a caer” y no poder ver “el fondo de esto”. La mayoría de canciones que le siguen también muestra esta cara más reflexiva, íntima y, en definitiva, más lenta del artista, pero no todas resultan tan interesantes como esta intro. ‘Na me sabe a na’ y ‘Modo avión’ se asemejan al DELLAFUENTE clásico en su producción y funcionan bien dentro de que no presentan nada nuevo. ‘2:3 Filipenses’ sigue con las revoluciones bajadas, pero los arreglos de cuerdas lo dan todo para que sea una de las baladas más bonitas del disco.
Son justamente las canciones más movidas de esta sección las que no acaban de encajar. Un merengue del Xino es una sorpresa, pero que tenga tan poca sustancia como ‘Me olvido’ es una decepción. Por otro lado, el problema de ‘Sin explicacion3s’ tiene que ver con su posición en el tracklist. Este reggaetón tenía que ir en segundo lugar para mantener atenta a la gente, pero está lejos de ser una de las mejores canciones. También contiene alguna frase que no parece que haya venido de DELLAFUENTE, sino de Pol Granch: “Sin darme cuenta todo cambió / Saqué de la playlist nuestra canción”.
Eso sí, la segunda mitad de ‘BRIGADO,’ es todo un banquete. ‘Espíritu Santo’ es uno de los tracks que más luz arrojan sobre el lugar mental del artista en este disco: “Me gusta imaginar que soy desconocido y la única intención de conocerme es que te hizo gracia lo que dije”, canta en la primera línea. Este continúa queriendo “matar esa versión de mí que tú estás alabando” o jurando que le da “seguridad esta inseguridad”, además de dejar frases tan icónicas e hilarantes como “Me dicen no es pa’ tanto, yo les digo no es pa’ tontos”. Es la mejor versión del DELLAFUENTE que ya conocemos, capaz de mantenernos pegados a los cascos solo por lo que dice. El efecto es el mismo en ‘Caravaggio’, el hit indiscutible del disco en el que el granaíno se declara no humano de una forma fascinante: “A veces quisiera sentirme humano y supongo hacer cosas que hacen los humanos / Como criticar a la espalda, ser individualista, querer ser famoso y buscarlo siendo artista”. ‘El baile del agua’, por otro lado, es capaz de hacer olvidar los instantes más flojos del álbum por su mezcla de emoción y producción maximalista, casi rozando el EDM.
‘Agradecío’ son los títulos de crédito de un álbum que va y viene en su primera parte y que es capaz de crear escuela con lo que sigue, pero que resulta emocionante en casi todo momento. Así debería tomarse esta canción, que no por casualidad también fue el primer adelanto. DELLAFUENTE dice estar “agradecío de lo que me está pasando, de ser padre, hijo y espíritu santo”, muy en su línea, pero también da las gracias por todo lo malo, por “cada llanto” y “cada muerte”. Está totalmente listo para la próxima etapa de su carrera: “Estoy agradecido y lleno”. De todo lo que ha perdido, lleno.
De acuerdo con El Diario de Sevilla, la expresión “tesquiyá” es “la interjección con la que podemos expresar desacuerdo o incredulidad cuando nos dicen algo que consideramos falso o exagerado. Procede de la pregunta retórica ‘¿te quieres ir ya?’ o ‘¿te quieres ir ya por ahí?’, dicha de manera contraída, con un toque de ironía y con una dicción propia de Cádiz”.
Una variación de esta forma, ‘Teskiya’, titula el nuevo single del gaditano CURRO, que es uno de los mejores de su carrera y la Canción del Día de hoy.
El autor de ‘A Toro Pasao‘, una de las mejores canciones de 2025, vuelve con un tema alegre y muy rítmico, marcado por una melodía coreable y rumbera y por un espectáculo de producción repleta de palmas y percusiones y detalles instrumentales, como los tensos arreglos de cuerda o vientos que emergen sutilmente en varios puntos de la canción.
Con ecos también al funk carioca y matices de latin club, que en ningún caso diluyen el espíritu festivo y comunitario de la canción, ‘Teskiya’ sirve además como afirmación de la independencia de CURRO, que tiene muchas novias y novios pero advierte: “yo no me caso con nadie, no me vale cualquier cosa”. Eso sí, se postula como boyfriend material: “Soy lo que quieren las madres / educado, guapo y exclusivo / un premio pa’l que le toca”, dice el genial estribillo.
La cosa se complica en la segunda estrofa, que incluye la rima: “tengo todo lo bueno que de un gran hombre se espera / menos dinero, sírvase usted lo que quiera”, y lo que parece la confesión de un desorden emocional: “Soy algo inestable, pero fiel compañera / juro, el día que cambie / quedarme una vida entera”. Hasta que llegue el amor de su vida, que no pare la fiesta.
Kylie Minogue vuelve a colocarse en el radar del cine tras confirmarse su participación en el nuevo proyecto del director galés Jamie Adams, donde compartirá reparto con Quentin Tarantino, que también aparecerá frente a la cámara, como actor.
El filme, aún sin título ni sinopsis oficial, se está rodando en Gales y ha sido descrito como una «pieza de estilo improvisado», según Variety, muy en la línea del cine “Nouvelle Vague” que caracteriza a Adams. En las últimas semanas, el equipo ha sido visto grabando escenas en la localidad de Porthcawl, parece que en torno a un funeral y velatorio.
Para Kylie Minogue, este nuevo papel suma otro capítulo a una filmografía breve pero muy variada, donde ha alternado cameos icónicos y papeles de culto. Entre sus apariciones más recordadas están su debut en ‘The Delinquents’ (1989), su mítico salto pop en ‘Street Fighter’ (1994), su participación en ‘Moulin Rouge!’ (2001) o su inesperada reaparición cinematográfica en ‘Holy Motors’ (2012) de Leos Carax.
En cuanto a Tarantino, su participación como actor no es ninguna rareza: el cineasta ha aparecido ocasionalmente como actor sus propias películas, como ‘Reservoir Dogs’ o ‘Pulp Fiction’, además de diversos cameos en proyectos de otros directores.
Anthony Fantano es uno de los periodistas musicales más influyentes de internet. Si sus más de 3 millones de suscriptores en YouTube no bastan para demostrarlo, el creador de contenido al frente de The Needle Drop acaba de publicar una entrevista presencial con nada menos que Olivia Rodrigo.
Quien posiblemente nunca estará en esa posición es Halsey. El crítico puntuó su último disco, ‘The Great Impersonator‘, con un 1 sobre 10 y lanzó una crítica demoledora hacia la calidad de las canciones y sus «egocéntricas» letras, que calificó poco menos que de pataletas adolescentes y como ejemplos de «síndrome del personaje principal». Muchos fans señalaron la «insensibilidad» de este comentario, debido a que que ‘The Great Impersonator’ está profundamente marcado por los problemas de salud que Halsey ha atravesado en los últimos años, incluido un tratamiento de quimioterapia para combatir un cáncer hematológico.
Ahora, aprovechando la viralidad de la entrevista con Olivia Rodrigo, la cantante ha decidido responder con descalificaciones y algún argumento razonable. Halsey reduce al crítico a la categoría de «youtuber de reacciones», lo asocia con la cultura de 4chan sin pruebas y lo describe como «abusón». También tira de humillación personal al asegurar que «estoy segura de que mi canción menos memorable será recordada con más cariño que cualquier cosa que hayas hecho en tu vida».
La artista, sobre todo, critica el uso de «main character syndrome» en una reseña de un disco que habla, en buena medida, de su enfermedad. Y comparte una interesante reflexión: «Ser una mujer que enfrenta problemas de salud graves a menudo significa tener miedo de decir la verdad sobre el dolor que estás sufriendo porque temes no ser creída o parecer que buscas atención», escribe. Según Halsey, Fantano acabó «validando ese miedo ante miles de mujeres».
Aunque la reseña de Fantano sobre ‘The Great Impersonator’ dista mucho de ser amable -e incluso podría decirse que era bastante hostil hacia su trabajo artístico-, lo cierto es que el crítico nunca menciona el cáncer de Halsey en su análisis, ni siquiera para contextualizar el álbum.
Porque podemos estar de acuerdo en que Fantano fue insensible obviando el contexto del disco. Se puede argumentar que un 1 sobre 10 es una nota absurda para un disco que está muy lejos de ser inaudible. Incluso se puede señalar que existe cierta animadversión hacia Halsey en la manera en que enfoca la crítica. Lo que cuesta más defender es que estuviera atacando a la cantante por hablar de su enfermedad.
Ciñéndonos a lo que Fantano dice realmente en su reseña, lo más cuestionable de toda esta respuesta es la insinuación de que la enfermedad de Halsey debería bastar para blindar el disco frente a las críticas. ¿Es realmente esa la crítica musical que queremos?
De la misma manera, Halsey haría bien en admitir que las críticas sí le importan y en entender que su trabajo no merece ser aclamado por defecto ni por el mero hecho de ser autobiográfico. Tiene todo el derecho a escribir sobre su experiencia con la enfermedad y a sentirse ofendida por una reseña que considera injusta. Pero, como señala un acertado tuit: «No quedas bien siendo tan reactiva a la crítica cuando eres un artista en el ojo público. Es música, joder. El intercambio es que ganas como 20 millones de dólares. Si no te gusta, seguro que habrá alguien que sí».
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