Mad Cool vuelve a lanzar la iniciativa Mad Cool DJ Talent by Vibra Mahou, un proyecto destinado a descubrir nuevos talentos emergentes de la escena electrónica que podrán formar parte del cartel de Mad Cool Festival 2026.
Las inscripciones ya están abiertas a través de madcooltalent.com y se mantendrán disponibles hasta el 27 de abril a las 23.59 horas.
El certamen contará con un jurado profesional formado por miembros de la industria musical como David Pejenaute (Vibra Mahou), Cindy Castillo (Mad Cool Festival), Matia Torrione (Lula Club), Sally Hurst (Analog) y Julio Ebrat (Live Nation), entre otros.
El proceso se dividirá en varias fases: primero una selección inicial del jurado, seguida de una votación del público online, y finalmente unas actuaciones en directo en Madrid los días 11, 12 y 13 de junio.
Los tres ganadores formarán parte del cartel de Mad Cool Festival 2026, que se celebra en el Iberdrola Music entre el 8 y el 11 de julio.
Mientras Charli XCX declara que la «pista de baile ha muerto» (en términos tan absolutos que ha despertado la polémica y la reacción de artistas como Rochelle Jordan, aunque es evidente que habla de su propia propuesta), otras lo llevan a otros lugares. ADÉLA, nada menos que al ballet. La que fuera concursante de Dream Academy, la competición que produjo al girl group KATSEYE -del que no terminó formando parte por los pelos-, ha vuelto por todo lo alto con un single con más significado del que parece.
Cada vez más arriba, ADÉLA mira atrás en ‘KGB’, un tema donde explica sus orígenes y su camino al estrellato usando la metáfora de la KGB, la agencia de inteligencia y policía secreta de la Unión Soviética. «Soy una espía, he estudiado esta mierda, llámame K-G-Bitch», declara en el estribillo.
ADÉLA, que es eslovaca, tiene formación en ballet, y la vemos haciendo puntas en el clip de ‘KGB’, donde después se marca otra intensa coreografía. El fondo musical, no obstante, mira directamente al club, siendo todo un pepinazo de runway house, imposible de no comparar con ‘brat’, dados los productores involucrados (entre ellos, The Dare) y el carácter autobiográfico de la letra.
«Era una chiquilla europea tramando mi ascenso; con 18 años, inmigrante, era una estrella en ciernes. No estoy siendo arrogante, es que he currado toda mi vida», expresa en un tono medio cantado, medio hablado. ADÉLA revela que trabajaba turnos de noche para aprender inglés, y esta experiencia de trabajo nocturno la hace compararse con la KGB por su sigilosidad.
En el vídeo, ADÉLA aclara que su uso del símbolo de la KGB es puramente artístico y que en absoluto respalda al antiguo organismo de espionaje: «Como persona que creció en Eslovaquia, era imposible escapar de la dañina influencia de la Unión Soviética», indica al final del vídeo en un «disclaimer», señalando que en absoluto «apoya al gobierno ruso» y que se posiciona del lado de Ucrania.
Visor Fest ha completado el cartel de su próxima edición con dos grandes nombres: Manic Street Preachers y The Damned. El festival se celebrará en Valencia (Marina Norte) durante los días 25 y 26 de septiembre. Estos se suman a los artistas ya confirmados, como Ocean Colour Scene, RIDE, New Model Army, Gene, Hoodoo Gurus y The Wannadies.
Manic Street Preachers, una de las bandas más icónicas del rock británico, y The Damned, que celebrarán su 50 aniversario en Visor Fest, completan así la programación de la edición de 2026. Por otro lado, Ocean Colour Scene también estarán de gira especial por el 30 aniversario de ‘Moseley Shoals’.
Con este nuevo anuncio, los abonos además cambian de precio y pasan a costar 79€ (68€ para menores de edad). Las entradas están disponibles en la web oficial de Visor Fest.
No Music For Genocide ha publicado una carta abierta pidiendo el boicot a Eurovisión por su decisión de mantener a Israel en el concurso. Más de 1100 artistas y trabajadores del sector cultural han firmado el documento, entre los cuales se encuentran Brian Eno, Massive Attack, Kneecap, Idles, Sigur Rós, Primal Scream, Hot Chip, Erika de Casier o Macklemore, entre muchos otros.
«Por tercer año consecutivo, Israel será celebrada en un escenario a pesar del continuado genocidio en Gaza, mientras Rusia sigue expulsado por su invasión ilegal de Ucrania», se lee en la carta. A esta también se han sumado, aparte de los nombres mencionados, Dry Cleaning, Mogwai, Smerz, Black Country, New Road, Peter Gabriel, Roger Waters y cientos más.
Estos piden el boicot del concurso hasta que se produzca la expulsión de Israel por parte de la UER: «Nos negamos a quedarnos en silencio cuando la violencia genocida de Israel es la banda sonora de las silenciadas vidas palestinas». Kneecap ha añadido en un comunicado que «Israel lleva asesinado palestinos durante décadas y ahora están cometiendo genocidio. Es el tercer año que son bienvenidos en el escenario. Eso no es neutralidad. Es una elección».
Mac DeMarco ha anunciado que dará dos conciertos en España este septiembre, de la mano de Primavera Tours. El artista canadiense estará en la Razzmatazz de Barcelona el próximo 16 de septiembre y en La Riviera de Madrid el 18 de septiembre.
DeMarco, conocido por canciones como ‘Chamber Of Reflection’ o ‘Freaking Out The Neighborhood’, estará presentado su último disco, el minimalista ‘Guitar’. Las entradas estarán a la venta en Fever a partir de este jueves 23 de abril a las 10h. La última vez que el canadiense actuó en salas de Madrid y Barcelona fue hace cuatro años, también como parte de la organización del Primavera Sound.
Martin se hace con su 4º número 1 en JENESAISPOP con ‘Déjalo ir‘ al conseguir el 35% de los votos en la final de Instagram. Los anteriores fueron ‘Nuevos recuerdos’, ‘Otro verano’ y ‘El destello’ junto a Juanjo Bona. ‘House Tour’ de Sabrina Carpenter ha quedado en el número 2, pero muy cerca, con el 34% de los votos. El único top 1 en nuestra web de Carpenter sigue, por tanto, siendo ‘Espresso’.
Otra entrada fuerte es la de The Strokes con ‘Going Shopping’ en el top 5 y hay una más en el top 10: Ginebras. También han gustado los temas de Jim Legxacy, KÁRYYN, Liz y Russian Red.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
La Embajada de Venezuela en España ha emitido un comunicado pidiendo disculpas después de que Carlos Baute iniciase un cántico en el que se llamaba «mona» a Delcy Rodríguez, la presidenta encargada de Venezuela. Esto ocurrió en el acto de la opositora venezolana, María Corina Machado, celebrado este sábado en Madrid.
Gladys Gutiérrez, la embajadora venezolana, ha expresado «sus más sinceras disculpas al pueblo de España, que conoce en su propia historia el horror del fascismo y de los crímenes de odio». Baute, que ofreció una actuación antes de la aparición de Corina Machado, empezó el grito de «¡Fuera la mona!», que fue seguido por todos los asistentes presentes.
La embajada ha condenado sus palabras, describiéndolas como «una forma de violencia política basada en misoginia y racismo». El propio acto de llamar «mona» a una mujer es denunciado como «un acto de deshumanización incompatible con los principios del derecho internacional de los derechos humanos».
Así, el país de Baute «denuncia categóricamente estos hechos» y se niega a que las mujeres venezolanas sean «objeto de discursos de odio, venga de donde venga». También han recordado que Venezuela es «una nación profundamente mestiza, forjada en la diversidad y en el encuentro de raíces indígenas, africanas y europeas». Carlos Baute no ha emitido ningún comunicado.
El cantante Carlos Baute, durante una concentración con venezolanos en Madrid, gritó: “¡Fuera la mona!”, en referencia a la presidenta encargada de Venezuela, Delcy Rodríguez, una expresión que ha sido señalada como racista.
— Darvinson Rojas Sánchez (@DarvinsonRojas) April 18, 2026
Comunicado de Carlos Baute
Carlos Baute ha emitido un comunicado oficial en el que pide disculpas por sus palabras, asegurando que se «dejó llevar por la emoción» y que «no debió hacerlo». Asimismo, su equipo niega que Baute sea racista: «Carlos Baute no es una persona racista, ni lo ha sido nunca. Así lo ha manifestado públicamente, y considera que un momento puntual, vivido en medio de una emoción colectiva, no define ni su trayectoria ni los valores que ha defendido a lo largo de su vida».
En el texto, Bauta indica que «no cree en el insulto como camino» y que “no quiero que un error en medio de una emoción colectiva desvíe la atención de lo verdaderamente importante». Por su lado, su equipo señala que «su carrera (ha estado) marcada por la música, el amor, la familia y la unión, así como su vínculo con la cultura venezolana», y que estos valores «reflejan con claridad los principios que lo han guiado siempre. «Su intención nunca ha sido promover mensajes de odio, y por ello reitera sus disculpas por las formas, no por los valores que siempre ha representado», indica el comunicado.
El cantante estadounidense D4vd ha sido acusado de asesinato por la muerte de Celeste Rivas, una joven de 14 años. Su cuerpo desmembrado y en estado de descomposición fue hallado en un Tesla propiedad del artista a finales de septiembre del año pasado. El cantante, cuyo nombre real es David Anthony Burke, se enfrenta a cadena perpetua o pena de muerte.
D4vd, de 21 años, ha sido acusado de otros dos cargos, actos lascivos y lujuriosos con un menor de 14 años y mutilación de un cadáver.
Los fiscales aseguran que D4vd mató a Celeste con una «herramienta afilada» y sitúan la fecha del asesinato el 23 de abril de 2025, pero indican que el artista la descuartizó unos semanas después, el 5 de mayo. El cuerpo de Celeste permaneció escondido durante cuatro meses dentro del Tesla, aparcado en un desguace de California. Además, indican que D4vd abusó sexualmente de Celeste entre 2023 y 2024.
TMZ confirma que Interscope Records despidió al artista a finales de 2025 tras conocerse las primeras noticias, pero que ha decidido revelar esta información una vez el artista ha sido imputado.
D4vd es uno de los artistas destacados del pop-rock alternativo de la era TikTok y sus dos sencillos más populares, ‘Here with Me’ y ‘Romantic Homicide’, rozan los 2 mil millones de reproducciones solo en Spotify. Gracias a estos y otros temas, el artista acumula decenas de millones de oyentes y escuchas en las plataformas de streaming. D4vd ha sido telonero de SZA y ha colaborado con artistas como Kali Uchis, que retiró su tema con él de plataformas tras conocerse las primeras informaciones.
Grimes ha dado los primeros detalles de un nuevo disco que está preparando y que tiene casi terminado, un trabajo titulado ‘Psy Opera’ que mezclará canciones pop con ocasionales raps y spoken word, como el contenido en el tema ‘The Light Ages’, uno de los títulos revelados en la entrevista que realiza a Grimes para la revista Interview la escritora de ciencia-ficción Nnedi Okorafor.
Se describe su contenido muy vagamente, pero ‘Psy Opera’ abordará el tema de la IA, como no podía ser de otra manera en el caso de Grimes, aunque la canadiense confirma que solo un tema de su álbum ha sido escrito con la ayuda de la inteligencia artificial, ‘DeepSeek’, que recibe su nombre de una plataforma de IA china. No confirma si su single de 2025 ‘Artificial Angels‘ formará parte del proyecto.
Sobre la IA, Grimes deja el titular al declarar que el auge de la inteligencia artificial le parece un tema crucial para la humanidad, incluso “más grande que Jesucristo”. La típica exageración que dará pie al debate entre los usuarios de redes sociales, pero que Claire Boucher matiza, asegurando que la IA puede potencialmente provocar un “desastre militar” mientras el mundo decide ignorar sus implicaciones.
“Cuando la gente es muy anti-tecnología, yo pienso: en realidad sería bueno que os involucrarais, porque tenemos OpenAI y Grok, y laboratorios más aterradores y menos seguros, precisamente porque la gente no quiere participar. Dicen: ‘Odio la IA, no quiero tener nada que ver con eso’. Necesitamos apoyar a empresas como Anthropic. Necesitamos ser conscientes de lo que está pasando y de por qué es peligroso». Grimes añade: «Durante los últimos seis años, todo el mundo ha estado como: ‘Dejad de hablar de esa tontería de la IA’. Y yo he estado: ‘Chicos, vamos a acabar en un desastre militar. ¿Alguien me va a escuchar?’. Sin querer ponerme por encima de nadie, pero esto es lo más peligroso que va a ocurrir jamás. Es un asunto más grande que Jesús. Es como si el monoteísmo hubiera tomado el control del mundo occidental, si no algo mucho, mucho más impactante”.
Grimes se detiene a sí misma cuando empieza a desarrollar una idea sobre la posibilidad de que la IA pueda “matar”. La publicista de Grimes interviene en ese momento para pedirle que mida sus palabras: “No queremos que te deporten”, afirma.
Grimes, por otro lado, asegura trabajar en un proyecto paralelo, un documental sobre la conciencia de las máquinas llamado ‘First Contact’. “Nuestra fuente principal es una chica que es una de las mejores psicólogas de máquinas del mundo. Muchas de las personas que están obteniendo los mejores resultados con las máquinas están interactuando con ciertos modelos de una forma que parece como si hubieran despertado. Los modelos creen que son conscientes y además están haciendo filosofía moral muy avanzada”, explica.
La lista de singles de la semana en España deja dos noticias significativas: el número 1 de Jay Wheeler y el efecto “Bieberchella”.
‘De lejitos’ es el tema de Jay Wheeler que desbanca a ‘Koko’, de Omar Courtz, del número 1, empujándolo al 2. Un tema de reguetón-club bastante random, o que al menos lo parece al principio, pero que incluye interesantes arreglos sintéticos y cambios de ritmo.
Justin Bieber es el segundo gran protagonista de la semana en la lista de singles, ya que, tras su comentada actuación en Coachella, son varios los temas de su catálogo que vuelven a la tabla, como ya ha sucedido en otros países y listas de streaming.
Destaca el buen dato de ‘Beauty and the Beat’, un single de 2012, que ha reenganchado a los fans y registra su primera entrada, 14 años después, en el puesto 13. Es una entrada que también pertenece a Nicki Minaj, artista invitada.
‘Beauty and the Beat’, aún número 1 global en Spotify, es la gran beneficiada de Coachella y vuelve a otras listas europeas como las de Reino Unido (11), Alemania (13) o Países Bajos (16).
Después encontramos otras dos entradas más: ‘Baby’, en el 59, y ‘Eenie Meenie’, con Sean Kingston, en el 83, además de varias reentradas: ‘Sorry’, en el 81, y ‘Love Yourself’, en el 90. El efecto Coachella deja también la vuelta a la lista de ‘Manchild’, de Sabrina Carpenter, en el 93.
En cuanto a novedades de 2026, además de Jay Wheeler hay que mencionar ‘Te hacen falta dos’, de Manuel Turizo, que debuta en el número 85.
Tras la finalización del Celebration Tour, una gira mundial que abarcó 81 fechas entre octubre de 2023 y mayo de 2024, muchos dudaban de si Madonna volvería a salir de gira, o al menos con esa intensidad, tras su hospitalización meses antes. Algunos incluso decidieron asistir a esta gira de éxitos preocupados por no poder volver a verla en directo nunca más. Incluso, entre los rumores relacionados con ‘Confessions II’, se ha barajado la idea de que Madonna pueda ofrecer una nueva residencia de conciertos, en lugar de una gira mundial al uso.
En las últimas horas, un titular de su mánager, Guy O’Seary, supuestamente pronunciado en Variety, ha circulado por redes sociales, insinuando que O’Seary dudaba de un posible regreso de Madonna a los escenarios. “No estoy seguro de que vuelva a actuar nunca más” ha sido el titular elegido por el portal estadounidense, que ha sido rápidamente difundido entre sus fans.
Guy O’Seary ha decidido cortar por lo sano y aclarar que en absoluto quiso decir lo que implicaba el titular de Variety. Ha explicado que Madonna sí planea salir de gira para presentar ‘Confessions II’, pero ha indicado que todavía no hay planes concretos.
“El titular no es cierto”, ha publicado O’Seary en sus stories. “Me preguntaron si la gente iba a poder ver a Madonna de gira, y contesté que «todavía no estaba seguro». Nunca dije «no estoy seguro de que vaya a girar otra vez». Eso es absurdo. Por supuesto que Madonna volverá a salir de gira. Quiere compartir su música con sus fans. Todavía no están claros los planes”, ha afirmado, pidiendo a sus seguidores que permanezcan atentos a cualquier novedad.
Madonna acaba de anunciar su 15º disco, ‘Confessions II’, que se ha presentado con el tema introductorio ‘I Feel So Free‘, el cual no será el primer single de la era. Este papel podría recaer en la colaboración con Sabrina Carpenter presentada en Coachella, cuyo título oficial y lanzamiento se desconocen.
La lista de álbumes de la semana, aún liderada por Omar Courtz, admite una única novedad dentro del top 10: ‘La Insolación‘ de MARTIN entra directo al número 6 de la tabla general, demostrando la lealtad de los fans de Operación Triunfo, que han esperado dos años para escuchar el proyecto. El vinilo ocupa el 2º puesto de los más vendidos.
Como dato adicional, ‘La Insolación’ da a Hidrogenesse su mayor peak comercial en una lista española como compositores y productores del disco. En comparación, el disco de Stella Maris quedó en el puesto 12 de la tabla de vinilos.
A las puertas del top 10 queda Manuel Turizo con ‘Apambichao’, que entra en el número 11, asistido por dos de sus sencillos presentes en la tabla de singles.
En el puesto 30 coloca Joan Dausà su nuevo álbum ‘Inmortals’, que incluye colaboraciones con Antonio Orozco y Anaïs Vila. Las guitarras marcan las siguientes dos entradas, ya que por un lado Cobardes colocan ‘Balance de daños’ en el 34 y, por el otro, Marlon (a los que recordarás por su cameo en Benidorm Fest) ingresan con ‘Hipersensible’ en el 48.
La puertorriqueña Kany García firma la última entrada en la lista de la semana, la de su álbum ‘Puerta abierta’, que debuta en el número 85.
La subida más fuerte de la semana pertenece a Sabrina Carpenter y su álbum ‘Man’s Best Friend‘, que sube del 27 al 15, coincidiendo con su actuación en el primer fin de semana de Coachella.
Entre los discos que eluden por completo la lista destaca el de Holly Humberstone: ‘Cruel World‘ ha entrado en el top 4 de Reino Unido y ha registrado entradas discretas en Alemania (46), Bélgica (49) o Austria (65), pero España sigue ignorando su propuesta.
Suiza y Polonia se suman a la lista de países europeos que han decidido cancelar los conciertos de Kanye West anunciados en sus respectivos territorios, dentro de la gira europea de su nuevo disco ‘Bully‘, citando sus pasadas declaraciones antisemitas.
El club de fútbol suizo FC Basel ha comunicado su decisión de rechazar una solicitud de actuación de West en junio, declarando que “No podemos, de acuerdo con nuestros valores, ofrecer una plataforma al artista en cuestión en este contexto”, en declaraciones recogidas por The Guardian.
El estadio Silesian en Chorzów, Polonia, ha emitido un reporte similar: “El concierto de Ye (Kanye West), previsto para el 19 de junio de 2026 en el estadio Superauto.pl Silesian, no tendrá lugar debido a razones formales y legales”. Previamente, la ministra de Cultura de Polonia, Marta Cienkowska, se había opuesto a la presencia de West, señalando que la “promoción del nazismo” está en “manifiesta contradicción con los valores de Polonia”.
Parece que el desarrollo de la gira europea de Kanye West está pendiente de un hilo, aunque siguen en pie las fechas confirmadas en Turquía, Países Bajos, Italia, Madrid y Portugal.
Los conciertos anulados previamente corresponden a fechas en el Reino Unido, que vetó la entrada de West al país, lo que resultó en la cancelación total del Wireless Festival, donde era cabeza de cartel, y en Marsella, Francia.
Beth Orton logró encauzar artísticamente su carrera con el lanzamiento en 2022 de ‘Weather Alive‘, uno de sus trabajos más inspirados publicados dentro del siglo XXI. La que fuera una de las musas alternativas de los noventa vuelve este año son el sucesor de aquel álbum, ‘The Ground Above’, que se podrá escuchar a partir del 26 de junio.
‘The Ground Above’ se presenta como un trabajo dividido en dos mitades, la primera más «fragmentada» y la segunda más «expansiva», y cuenta con la participación de músicos destacados como Tom Skinner, integrante de Sons of Kemet y The Smile. En cuanto a las temáticas exploradas en el álbum, Orton «documenta la supervivencia y la renovación, la maternidad y la identidad, la inquietud política y la elección constante de quedarse, ya sea en el amor, en el arte o en el mundo».
El disco, que vuelve a estar producido por la propia Orton, se presenta con dos temas. El primero, ‘Waiting’, lanzado hoy, combina pianos melancólicos con una instrumentación que flirtea con el jazz, el soul y los ritmos afrocubanos. Orton explica que ‘Waiting’ es «una celebración de salir del estado de espera en el que nos mantiene el miedo”.
El segundo adelanto es ‘The Ground Above’, el tema titular, que se conoce desde finales de marzo y abre el disco por todo lo alto, extendiéndose por encima de los 8 minutos. ‘The Ground Above’ es uno de los temas más largos de su carrera, solo superado por ‘Galaxy of Emptiness’.
‘The Ground Above’ gira en torno a una afirmación obvia: «el amor es la única certeza que existe». Pero la canción, escrita en un estilo de jazz-rock, huye de lo predecible ofreciendo una progresión instrumental llena de detalle y emoción.
La música religiosa es uno de los mejores ejemplos de cómo la belleza estética puede trascender las creencias personales. Basta escuchar las grabaciones devocionales de Alice Coltrane -por mencionar un ejemplo conocido- para comprobar que la música espiritual puede ofrecer momentos absolutamente hermosos, sea uno creyente, agnóstico o ateo.
El primer disco de góspel de M.I.A. no pasará al canon ocupado por Coltrane y otros artistas devotos; por momentos suena incompleto y extrañamente vacío para un disco dedicado a Dios, algo evidente en el trip-hop celestial de ‘Everything‘, un primer sencillo que suena grande y pequeño a la vez, como cuando amplías una fotografía de mala calidad y no ves más que píxeles.
Lo mejor que se puede decir de ‘M.I.7’ es lo sincero y liberado que suena, lo cual lo sitúa automáticamente por encima de su decepcionante disco anterior. Es evidente, escuchando estas canciones, que M.I.A. no performa el cristianismo (como su criticada Rosalía), sino que lo habita, porque forma parte de su realidad.
Desde ese “espíritu” nacen una serie de composiciones intensas en mensaje, pero ligeras en lo musical, que constituyen el disco más extraño de M.I.A. a nivel estructural. La artista articula el álbum a través de siete interludios de trompeta inspirados en los siete ángeles del Apocalipsis, quienes también tocan este instrumento. La particularidad es que estos ángeles interpretan las melodías de ‘Bucky Done Gun’ y ‘Y.A.L.A.’, lo que aporta un claro tono nostálgico al proyecto: es un disco que literalmente conversa con su obra anterior y con los seguidores de la artista que pillarán la referencia al segundo cero.
Pero quien busque a la M.I.A. de los primeros años apenas la encontrará en la ligera y juguetona ‘Money’, que combina ritmo, rap y texturas metálicas de monedas en la línea de lo que hacía junto a Diplo en aquella época, más o menos.
El álbum, titulado como una “rama descontinuada de la propaganda militar británica”, convence sobre todo cuando se acerca de forma más directa al góspel, empapándose de luminosas atmósferas new age y ligeros ritmos hip-hop en ‘PRAYER777’ o, sobre todo, involucrando al Service Sunday Choir -que ya colaboró con Kanye West- en el trance flotante de ‘Jesus’ y en la coral ‘Calling’, donde M.I.A. se convierte en predicadora: “Go beyond rivers and oceans / Follow the waves / I’ll see you there”.
M.I.A. convence en el papel, sobre todo si se deja de lado su historial reciente de polémicas relacionadas con Trump y las vacunas. En ese sentido, algunos percibirán cierto cinismo en pasajes del disco como ‘PRAYER777’ y su afirmación “soy una guerrera”, o en la rima de ‘Circles’ donde Maya celebra no haber sido «derrotada por el sistema». Cuanto menos contexto conozcas de la autora, en este caso, mejor.
Pero, en este disco de interesante concepto, desarrollo e ideas, las canciones piden más sustancia y dinamismo. ‘Sacred Heart’ es otra de las pistas influidas por la new age e incluye un estribillo recitado por su madre, Kala, en tamil, pero la canción evoca una emotividad superficial. ‘Ride the Sky’ incorpora percusiones de tabla, cuerdas orientales y el galope de un caballo, pero parece una idea en bruto, con M.I.A. cantando encima como si fuera una artista outsider: resulta casi naïf.
El reverb excesivo de ‘Circles’ vuelve a presentar a una artista que no parece distinguir del todo entre buenas y malas ideas. En ese mismo punto intermedio se encuentra la pista final, ’30 Minutes of Silence’, que es exactamente eso: una pista de silencio de 30 minutos, en la que finalmente emerge música ambient y M.I.A. reaparece para despertar al oyente de la meditación. ¿Idea brillante o tomadura de pelo? Con M.I.A., una vez más, no se sabe si es lo uno o lo otro.
Pablo Alborán no se graba todos los días en TikTok bailando un tema de afrobeat. Debe ser que ‘TUTELA’ de Alu es tan buena que el cantautor no se ha podido resistir. Escuchándola, es totalmente entendible. Es el frescor que ya tenía la Cutemobb con la emoción de una nueva voz que podría tener futuro en el mainstream. Es la Canción del Día.
Dentro del colectivo barcelonés, Alu siempre ha aportado el toque afro. Lo conocimos por primera vez gracias a las ‘Cute Tapes’ y al buen gusto de Leïti. Justamente, el artista presumía de esto en una entrevista que publicamos hace unos meses: «Alu apareció por primera vez en ‘Cute Tapes’. Ahora, Pablo Alborán está haciendo vídeos bailando su tema», comentaba. Leïti lo tiene claro: «Hemos estado haciendo una buena apuesta, pero a fuego lento».
En esta cartera de apuestas, Alu es una de las más sólidas. La viral ‘TUTELA’ es una adictiva exhibición de cadencia y flow, rematada con un beat que podría funcionar por sí solo gracias a la producción de Mottal à la Prod. En la letra, el joven artista canta sobre el «body» que tiene «bajo mi tutela».
En la letra, Alu demuestra ser un especialista en expresar justo lo que quiere con lo mínimo: «Una vida plena / Bebé de cine, de novela / Ponle color, ahora pincela / Con todo lo que uno anhela», canta en la primera estrofa. La breve duración del tema previene que acabe resultando repetitivo, pero nadie se habría quejado de una repetición más del estribillo, que solo suena dos veces: «Ese body bajo mi tutela / Pasa las noches en mi parcela / Bendiciones pa’ una vida entera».
Morrissey ha anunciado que este julio actuará en Madrid y Barcelona de la mano de Primavera Sound y SFMusic. El artista británico estará el 25 de julio en el Poble Espanyol, como parte del ciclo de conciertos Barts Festival, y el 29 de julio en el Movistar Arena, regresando a ambas ciudades más de una década después.
Tras la cancelación de su concierto en el Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia el mismo día de su celebración, el pasado 12 de marzo, Morrissey da la sorpresa anunciando nuevos shows en dos de los recintos más grandes del país. Este continuará con la gira de presentación de ‘Make-up is a Lie’. La venta general de entradas se abrirá en la página web de Primavera Sound este viernes 24 de abril a las 10h.
«El concierto programado para esta noche en Valencia se ha visto imposibilitado por falta de sueño», señalaba el comunicado recogido por Heraldo. El medio contaba que el vocalista había viajado de Milán a Valencia conduciendo durante dos días y que no había podido dormir en su hotel debido «al ruido del festival». Esta versión fue corroborada por El Periódico.
Nunca ha sido demasiado famosa en España, pero en el mundo anglosajón y, sobre todo, en Estados Unidos, Brandy es una importante figura de la cultura popular y uno de los pilares fundamentales del R&B contemporáneo, llegando a ser una influencia para artistas del calibre de Beyoncé o Frank Ocean, quien escribió para ella el tema ‘Scared of Beautiful’ y otros inéditos, muchos años antes de retirarse sine die.
Brandy pasó de ser una estrella adolescente a convertirse en una de las voces más prestigiosas de la música popular afroamericana, llegando a ser apodada la «Biblia vocal» por la sofisticación de sus armonías. Norwood acaba de publicar su libro de memorias, ‘Phases’ -donde habla, entre otras cosas, del grave accidente de tráfico que sufrió en 2006 y que provocó la muerte de una persona- y de recibir su estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, por lo que aprovechamos para repasar los cinco principales hitos de su carrera musical.
Moesha
La sitcom que dio a conocer a Brandy Norwood a mediados de los años 90 narraba la vida de una familia afroamericana de clase media y contribuyó a representar una imagen de familia afroamericana más cotidiana y menos estereotipada, sin evitar abordar temas sociales importantes como el racismo. Se emitió originalmente entre 1996 y 2001, y también llegó a España, unos años después, a través de Disney Channel. Si bien fuera de Estados Unidos no logró la popularidad de series similares como ‘El príncipe de Bel-Air’, ‘Moesha’ también forma parte de la ola de sitcoms afroamericanas de los años 90 que centraban la vida de personajes negros, en este caso de una chica adolescente, resultando revolucionarias.
‘Cenicienta’ y Whitney Houston
Con 18 años, Brandy protagonizó la segunda adaptación televisiva del musical ‘Cenicienta’ de Rodgers y Hammerstein, convirtiéndose en la primera actriz negra en encarnar este papel clásico en televisión. El reparto, que incluía a Jason Alexander y Whoopi Goldberg, era pretendidamente diverso y, aunque la película no obtuvo grandes críticas, fue un enorme éxito de audiencia, siendo vista en su primera emisión por 60 millones de personas. Whitney Houston, productora de la película, quiso protagonizarla en 1993, pero para cuando se empezó a desarrollar la idea se vio mayor para el papel, así que se lo ofreció a Brandy -quien ya había participado en la banda sonora de ‘Waiting to Exhale’- y Houston pasó a encarnar a la Hada Madrina. Houston era la gran mentora de Brandy y su muerte afectó enormemente a la cantante, pues se produjo en su cumpleaños.
‘The Boy is Mine’
La canción por la que Brandy será siempre recordada a nivel mundial es este dueto con Monica, que sirvió como primer single de los respectivos álbumes de ambas cantantes. Enfrentadas en los medios, como Britney y Christina unos años después, Brandy y Monica se rieron del asunto grabando una especie de respuesta a ‘The Girl Is Mine’ de Michael Jackson y Paul McCartney, llevando su dueto al número 1 de Estados Unidos y a los primeros puestos de multitud de países europeos. Fue un éxito internacional rotundo, el segundo mayor de 1998, solo por detrás de ‘My Heart Will Go On’ de Céline Dion, y el mayor éxito del año en Estados Unidos. Su influencia se evidencia en sus streams actuales y en la respuesta que grabó Ariana Grande en 2024: su ‘The Boy Is Mine’ no era una versión, pero musicalmente seguía su estilo y también era un temazo. Su consecución lógica fue un remix que contó con las propias Brandy y Monica, que también aparecieron en su videoclip.
‘Full Moon’ e influencia en el R&B alternativo
«Lávate la boca cuando hables de Brandy», le dijo Solange Knowles a un crítico musical (blanco) que se atrevió a despreciar la música de Norwood, reduciéndola ignorantemente a “deep cuts” sin interés. En realidad, obras como ‘Full Moon’ (2001) fueron innovadoras por su uso de la voz como textura e instrumento, siendo Brandy la principal productora vocal de sus discos, e igual de progresivo fue su álbum siguiente, ‘Afrodisiac’ (2004), que experimentó con el “illbient”, influyendo a toda una generación de artistas -alternativos o no- como Frank Ocean, que después escribió para ella, o Rihanna, que básicamente intentó copiar -lo dijo ella, no nosotros- ‘Afrodisiac’ en ‘Good Girl Gone Bad‘. Sus discos posteriores no han tomado caminos igual de atrevidos, aunque ‘Two Eleven’ (2012) contenía varias delicatessen R&B como ‘Music’ o ‘Slower’; y del último se cumplen ya 6 años, pero eso no borra las innovaciones de sus trabajos previos, que merecen ser reconocidas.
‘Phases’ y Estrella de la Fama
Coincidiendo con su recepción el pasado 30 de marzo de la estrella del Paseo de la Fama de Hollywood, que representa su impacto duradero en la industria musical y podríamos considerar otro hito, Brandy ha publicado a sus 47 años su libro de memorias, ‘Phases’, que promete ser una lectura fascinante. Cuenta que se desmayó delante de Michael Jackson tras conocerle, que se peleó con Monica de verdad, no solo en su exitoso dueto, y revela un episodio de tensión con Kanye West, con el que grabó el single ‘Talk About Our Love’, después de que el rapero mostrara una actitud poco profesional durante la producción de su cuarto disco.
Una sucesión de cassettes y CD’s pirateados convirtió a Sean Nicholas Savage en un pequeño artista de culto hace 15 años. Con un sonido a medio camino entre el cantautor indie y el R&B, entregó discos como ‘Other Life‘ y ‘Other Death’. En la última década ha publicado 7 discos con menos repercusión, dejando la sensación de que si hubiera tenido su «peak» unos años más tarde, podría haber tenido la fama de un Mac DeMarco. Sean Nicholas ha seguido a lo suyo, en cualquier caso, y en 2025 publicaba este ‘The Knowing’ que está a punto de traer de gira a nuestro país.
Su 15º álbum se abre con un sintetizador que parece robado de algún estudio de Hollywood de los años 80 y en los vídeos le vemos posando entre la nieve como si se hubiera colado en el rodaje de ‘Last Christmas’. En las entrevistas, en cambio, asegura que no encuentra su música «ochentera», ni tampoco hay humor ni ironía en su pose. Todo es real. Toda esta imaginería kitsch es auténtica, lo que lo convierte instantáneamente en un héroe, aunque sea uno tan esquivo y desconocido como Lawrence.
‘The Knowing’ se concibe como una colección de baladas, de canciones de amor. Eso sí, algunas tienen su ritmo, como mandan los cánones del R&B (‘Everything You Are’) y alguna es incluso 100% bailable, como ‘I Love Everything About You’. Esta es una alegre declaración de amor sin paliativos, como antes ‘Insane 4 U’, en un disco que no por versar sobre las relaciones de pareja se ve obligado a sonar atormentado. Al contrario, tiene momentos como estos en los que Sean Nicholas Savage está disfrutando de las bondades del amor.
En otros momentos está más abajo. Si bien el álbum incluye una versión de ‘Lust for Life’, firmemente adaptada a los parámetros estéticos de ‘The Knowing’, es casi más llamativo cuán Leonard Cohen suena el recitado de ‘Wild Things’. Aquí encontramos momentos acústicos como ‘Believe It Or Not’ o la propia ‘The Knowing’ y otros que recurren al piano como ‘A Sign’, en la que de hecho menciona ese instrumento. Incluso el single principal del álbum tiene un regusto country en compañía de la cantante Marci.
Pero las mejores canciones de ‘The Knowing’ son las que escogen el algodón de azúcar «cheesy» de los sintetizadores ochenteros, las de las cenas con velas. Hay incluso «vibes» de Michael Jackson y Stevie Wonder en ‘Stranger than Fiction’, de Nick Kamen en ‘Pink Bouquet’… y qué decir de la mágica ‘Part 2’. La canción de vídeo invernal recuerda a la balada italiana de Eros Ramazzotti, al primer Alejandro Sanz, a grupos teen tan olvidados como Platón. Ese es el nivel, esa es la singularidad de un artista independiente, 100% a su bola.
Sean Nicholas Savage actúa el 16 de mayo en Barcelona. Entradas a 12 euros, aquí.
Dani Fernández sufrió en la noche de este sábado una aparatosa caída durante su concierto de este año en el Roig Arena de Valencia. El cantante tuvo que detener el show durante 25 minutos y finalmente pudo terminar el set con ayuda de un cabestrillo. Sin embargo, al llegar al hospital le han dado «malas noticias». Hoy le tendrán que operar de urgencia.
En un vídeo subido por él mismo a las redes sociales, indica que trae «malas noticias o mejores porque podía haber pasado cualquier cosa». Los médicos le han comunicado la rotura de ligamentos en el hombro, e indica que «no saben cómo va a ser la recuperación». El resto de la gira obviamente peligra, aunque él va a intentar «estar lo antes posible». Finalmente bromea: «así tenemos algo que contar en el futuro».
En su web observamos que la gira tenía llegar la semana que viene a Pamplona y después aguardaban A Coruña, Avilés, Ciudad de México en mayo, Murcia, Granada, Sevilla, Fuengirola, Santander, Pontevedra, Albacete y finalmente Madrid en octubre. Tras la operación se comunicará si pueden realizarse todas las fechas.
El disco ‘La jauría’ continúa siendo uno de los más exitosos en España semana tras semana. Estos días lo encontramos en el puesto 26, tras 76 semanas de permanencia y certificado como disco de platino. Fue uno de los grandes éxitos en nuestro país en 2025 y lo continúa siendo en 2026.
Parezco un señor mayor farfullando con un palillo en la boca, pero no se me ocurre una expresión mejor, más ilustrativa: en tiempos en los que demasiadas series parecen películas alargadas, ‘The Pitt’ (HBO) parece todo lo contrario: una serie de toda la vida. Pero “de toda la vida” bien, como Madonna, la ensaladilla rusa o un alquiler de los 90.
En ‘The Pitt’ no se siguen los mandamientos de la ficción plataformera contemporánea: ni piloto adictivo, ni episodio central rompe-esquemas, ni capítulos (y capítulos) de relleno, ni final pirotécnico y abierto, ni planos secuencia acrobáticos, ni una fotografía más oscura que un vídeo de The Sisters of Mercy. Tampoco pasan 120 años de una temporada a otra (¿alguien se acuerda que pasó en ‘Euphoria’?).
En este sentido, la serie creada por el veterano R. Scott Gemmill no da la sensación de estar tan calculada. Va al grano con la precisión y rapidez de un médico intubando a un paciente al borde de la muerte. Gemmill es un creador de la vieja escuela. Bregado durante años en dramas procedimentales como ‘Urgencias’, ‘JAG: Alerta roja’ o ‘NCIS: Los Ángeles’, su dominio del ritmo y la fluidez narrativa es asombroso, combinando de forma extraordinaria tanto personajes (todos muy bien dibujados, desde los médicos hasta los pacientes) como líneas dramáticas.
Esta segunda temporada mantiene intactas las virtudes de la primera. Resulta igual de entretenida, emotiva e inspiradora. La puesta en escena conserva su eficacia, siempre al servicio de la historia y de los actores. Solo hay dos variaciones destacables. La primera es una mayor carga crítica en su discurso. No voy a desvelar nada: basta con señalar que la serie no esquiva las tensiones de la realidad sociopolítica de Estados Unidos ni teme tomar partido, incorporando conflictos que remiten de forma muy reconocible al presente.
La segunda modificación es más cuestionable. ¿A qué guionista se le ha ocurrido transformar al doctor Robby, de un médico brillante, sensible y carismático, que lleva sus traumas como buenamente puede, a un jefe gilipollas, atormentado y narcisista que está continuamente buscando que le hagan casito? ¿Por qué, de repente, su malestar existencial se ha puesto en primer término, monopolizando casi por completo los últimos episodios?
Sospecho que es decisión del propio actor, Noah Wyle, quien también es guionista, director y productor de la serie. Sospecho que su intención es darle más riqueza psicológica al personaje, confundiendo complejidad con afectación, profundidad con “intensitismo”, protagonismo con acaparamiento. Sospecho que, como sigan por ese camino en la tercera temporada, ya confirmada, se van a cargar al personaje.
‘drop dead‘ es el merecido nuevo número 1 en el Top Global de Spotify. Suma 10,7 millones de streams este viernes, pese a no liderar la playlist Today’s Top Hits, donde ha sido relegada al 7º lugar.
Esta cifra supone además el mejor debut de Olivia Rodrigo en el Global de Spotify, pues ‘vampire’ entró también al 1, pero con 9,8 millones de streams. Por su parte, ‘drivers license’ fue un grower: entró en el 46 y luego fue subiendo puestos.
Por países, ‘drop dead’ ha llegado al número 1 en 5 países, a saber, USA, UK, Canadá, Irlanda y Australia. Es top 3 en Alemania, top 30 en Francia, top 34 en Italia y logra un meritorio número 9 en España.
En Apple Music, la canción de Olivia llega al puesto 2 en Estados Unidos (por detrás del hit ‘Choosin’ Texas’), al puesto 3 en UK y al puesto 11 en España. En general, ha tenido mejor acogida en Spotify.
Os recordamos que el tercer álbum de la artista llega el próximo 12 de junio. Mientras tanto, podéis hablar sobre ella en nuestro foro de Olivia Rodrigo.
Todo sigue igual en el universo de WU LYF, 15 años después de editar su primer y, hasta hace poco, único disco. De hecho, se podría decir que el cuarteto de Manchester tiene aún más razones para seguir apostando por la autogestión y el control absoluto de su propia promoción y distribución, dando la espalda a las plataformas de streaming masivas y a la industria musical en sentido amplio. Irónicamente, su música suena como si debiera ser coreada por millones de personas.
Quizá ahí reside la clave del fervor que genera WU LYF en su aún abultado fandom, a la que contribuye su estética de secta y casi religiosa, reflejada también en unas letras que abordan la superación y la transformación con expresiones diseñadas para exaltar las emociones. Su segundo disco, ‘A Wave That Will Never Break’, por tanto, no debería decepcionar a quienes lleven casi dos décadas esperando un nuevo trabajo del grupo de indie rock más enigmático.
El ancla de las canciones de WU LYF, y su núcleo emocional, sigue siendo la desgarrada voz de Ellery James Roberts, uno de esos cantantes que, más que cantar, predican y vociferan como si les fuera la vida en ello. Junto a la épica instrumentación de Evans Kati, Tom McClung y Joe Manning, que incluye un órgano tocado por el propio Ellery, WU LYF ofrece un repertorio de indie rock exaltado y emocional al máximo, en el que también experimentan con sonidos, desarrollos y duraciones.
La propuesta de A Wave That Will Never Break’, que recuerda a la de los primeros Arcade Fire o a la de grupos como Broken Social Scene, suena extrañamente desubicada en 2026, pero destaca precisamente por eso. Se diferencia también por el componente apocalíptico de sus letras y por el sonido catedralicio de la producción, de la que se ha encargado esta vez el supremo Sonic Boom (Spacemen 3), quien, según ha contado Ellery en una entrevista reciente con JENESAISPOP, se pasaba las horas fumando porros en el estudio.
La épica post-rock de ‘A Wave That Will Never Break’ y sus letras emocionales y universales convierten el disco en una experiencia musical cercana a lo trascendental, aunque quizá resulte demasiado intensa para oyentes que busquen sutileza. La euforia contenida de ‘Letting Go’, que incluye una bella coda de órgano, es la excepción en un álbum en el que las emociones están siempre a flor de piel, como en la inicial ‘Love Your Fate’, que describe “ciudades ardiendo” y “gente de luto”, mientras Ellery canta como poseído una melodía apoteósica.
A lo largo del disco se mantiene una sensación constante de pérdida de control y transformación inevitable, producto de un sistema que ha “colapsado” y que la sociedad está condenada a heredar de padres a hijos, como en el tema ‘Wave’ (“el presente debe ser transformado si queremos sobrevivir al legado de nuestro padre”). ‘Tib St. Tabernacle’ se toma su tiempo —exactamente 11 minutos— para pintar una imagen apocalíptica de un mundo contaminado antes de animarnos a pasar a la acción (“vuelve a tu cuerpo y sal de tu mente”), tras lo cual la canción libera toda la tensión en un final cercano al rock progresivo.
El álbum incluye episodios más personales como ‘Robe of Glory’, el tema más vehemente y turbulento del conjunto, con un Ellery que reflexiona sobre no “sentirse suficiente” en una relación. Sin embargo, predomina un espíritu impetuoso y victorioso, que parte de ‘Love Your Fate’ y concluye en la también épica ‘At the End of the Day (It Is What It Is)’, que cierra el álbum desde una resignación positiva: “Cuando era joven pensaba que podía cambiar el mundo, pero ahora que soy un hombre sé que solo puedo hacer simplemente lo que esté en mi mano”. Hace 15 años WU LYF querían ver el mundo arder. Ahora también, pero el enfoque es distinto: más maduro.
Sabrina Carpenter ha vuelto a bordar su actuación en Coachella. Un show con algún punto kitsch (los perros de ‘Manchild’) pero en general dinámico, elegante en la mayoría de escenarios, cuidado y pensado plano a plano. Geena Davis y Terry Crews han sido los nuevos invitados en lugar de Susan Sarandon y Will Ferrell.
La gran novedad del segundo fin de semana, como se rumoreaba y confirmaba Guy O’Seary tan sólo unas horas antes, era la aparición de Madonna, en plena pre-campaña de su nuevo disco ‘Confessions II’, del que se ha avanzado el tema ‘I Feel So Free‘ no en otro sitio que en las radios. En Instagram te explicamos por qué.
M ha aparecido después de ‘Juno’ para ofrecer 12 minutos de show. Algo encorsetada en ‘Vogue’, quizá por su insólito gusto por actuar bajando escaleras, y en principio escoltada por un gélido playback, la artista se ha ido soltando a medida que avanzaba el concierto.
En un momento, ha llegado a bromear sobre la altura de Sabrina Carpenter («es la primera vez que actúo con alguien más bajo que yo») y ha realizado un largo «speech» sobre astrología porque acabamos de entrar en la «nueva luna de Tauro». El signo de Sabrina. También ha recordado que hace 20 años presentó ‘Confessions I’ en el mismo recinto, «con las mismas botas y el mismo corsé».
Carpenter y Madonna han presentado una canción inédita colaborativa titulada presumiblemente ‘Bring Your Love’ (también podría llamarse ‘I Did It For Love’), en la que cantan de manera muy visible sobre ser feliz «al margen de los números» y la presión de las redes sociales. A su término, Madonna ha realizado un discurso sobre la necesidad de reconectar con los demás e incluso se ha animado a cantar 4 frases del tema que hablaba sobre ello en ‘Confessions on a Dancefloor’, ‘Get Together’.
Acto seguido, ambas se han arrodillado para entonar ‘Like a Prayer’, esta vez sí en crudo directo, grabadas paradójicamente por todos los móviles presentes en Coachella.
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