Escocia logró en 2025 una clasificación agónica al Mundial, poniendo fin a 28 años de ausencia en la máxima competición internacional. El pase desató la euforia en el país, ya que se consiguió en el último momento.
En ese contexto, Belle and Sebastian se han tomado a lo personal la victoria de Escocia contra Dinamarca y han querido sumarse a las celebraciones con el lanzamiento de ‘It Only Takes One Lion’, una canción que quiere servir como posible himno de apoyo a la selección escocesa durante el torneo.
El tema ha sido co-escrito y producido junto a Wuh Oh. Según explica Stuart Murdoch, nace de la experiencia de seguir a la selección durante décadas y de la emoción colectiva vivida tras su clasificación: “Es una canción personal sobre seguir las peripecias de la selección de Escocia durante los últimos 50 años, y salió de forma natural el día después del partido contra Dinamarca. La canción intenta abarcar la experiencia de todo el país siguiendo a Escocia”.
Con este lanzamiento, la banda de Glasgow vuelve a conectar su imaginario con la identidad cultural escocesa, como ya hiciera en otros momentos de su carrera.
El tema llega además en plena gira de aniversario de ‘Tigermilk’ y ‘If You’re Feeling Sinister’, dos discos que cumplen 30 años en 2026 y que la banda vincula, de forma casi mitológica, con distintos momentos de la historia emocional y futbolística del país.
Esta semana Olivia Rodrigo y CMAT han coincidido en los medios por sus respectivas denuncias sobre las críticas que reciben por su cuerpo o por la ropa que deciden llevar. Mientras Olivia señalaba los comentarios que recibió tras aparecer con un vestido babydoll y ser acusada de “sexualizarse” con una estética infantil, CMAT, en un tono más humorístico, aseguraba estar harta de las críticas constantes a su cuerpo, afirmando: «Es tan aburrido para mí, una genia maravillosa».
Ahora Olivia y CMAT vuelven a estar unidas de alguna manera porque Olivia ha versionado un tema de CMAT en su presentación en el Live Lounge de la BBC. El tema que ha elegido es uno de los más clásicos en sonido, ‘When a Good Man Cries’, cuya elección probablemente no es casual, teniendo en cuenta el mensaje de la canción sobre la vulnerabilidad masculina y la dificultad de expresar el dolor emocional.
Por otro lado, Rodrigo ha interpretado un tema propio, ‘The Cure’, que ha presentado por primera vez en directo. El tema acaba de darle un top 2 en Reino Unido y un top 5 en Estados Unidos, además de posiciones más modestas como un top 24 en España. Quizá no es, de entrada, el single más accesible de Olivia Rodrigo por su sonido, desarrollo y duración, pero sí puede ser uno de los mejores.
El año pasado, Jamie Lee Curtis acudió al programa de Jimmy Fallon, donde realizó una parodia de la célebre secuencia de la clase de aeróbic de ‘Perfect’ (1985), la película que, junto a ‘Staying Alive’ (1983) -secuela de ‘Fiebre del sábado noche’ (1977), dirigida y escrita por ¡Sylvester Stallone!- más contribuyó a hundir la carrera de John Travolta durante los años ochenta.
La escena, que con el tiempo ha adquirido categoría de joya camp (la película entera no da para tanto), fue concebida en su momento como un vehículo para el lucimiento de una sensual y tonificada Lee Curtis, cuyas poderosas y ultradepiladas ingles, apenas cubiertas por un minúsculo maillot, desafiaban las convenciones de la estética corporal y genital de la época.
Sin embargo, la secuencia encerraba una segunda lectura aún más rompedora. El avispado James Bridges, quien ya había puesto a Travolta a bailar country en ‘Cowboy de ciudad’ (1980) enfundado en unos vaqueros más ajustados que los de los personajes de Tom of Finland, fue un paso más allá en ‘Perfect’: puso al principal sex symbol masculino de Hollywood a hacer aerobic en pantaloncitos cortos al ritmo del ‘Shock Me’ de Whitney Houston.
En ‘Dance No More’, Harry Styles recupera el espíritu festivo de ‘Perfect’ y reivindica el poder de atracción de unos mini shorts rojos de aire retro, unas piernas tan fuertes como el suelo pélvico de la Curtis y un buen micrófono en permanente e hipnótico vaivén.
El videoclip está concebido como una gran coreografía colectiva articulada en torno al magnetismo del baile: cada golpe de cadera y cada movimiento de micrófono de Styles parecen ejercer una fuerza de atracción irresistible sobre quienes lo rodean, arrastrándolos progresivamente hacia el cantante. Un baile que funciona casi como un conjuro: Styles hechiza a su público, que termina rindiéndose al ídolo (pop) en una suerte de aquelarre dionisíaco.
SVSTO está entre los grandes reclamos del ciclo Escenarios Madrid de Vibra Mahou, que suele reunir en la ciudad estilos tan variados como el rap, el rock, el jazz o el indie. El concierto de SVSTO será el día 19 de junio en El Sótano y las entradas están a la venta.
El proyecto de la ex Bistec sale de gira además con un nuevo temazo bajo el brazo que recibe el título de ‘Bar Manolo’ y es nuestra Canción del Día hoy.
Coherente con aquel primer single en solitario que se llamaba ‘Mil €‘ y hablaba de la gentrificación, ‘Bar Manolo’ es una reivindicación del encanto de los bares de antes. Fuera influencers, fuera «reformas cuquis» hechas sin la más mínima personalidad, fuera homogeneización pensada para guiris.
La letra de ‘Bar Manolo’ es explícita en ese sentido, criticando «pagar oro por un cubata», protestando contra «lattes» e inventos del tipo o reivindicando incluso la «bofetada de humedad» y «la roña y la suciedad» como parte del encanto. «Ponme un WC que me tape el aliento» dice su frase más arriesgada. «No subestimes el poder de una tortilla», la menos. Lo explica la nota de prensa: «En contra de la higienización moderna, SVSTO recopila en este single todos los detalles más naturales e imperfectos que hacían especial a un barrio. Esa suciedad simbólica, ese peligro, es la vida que representa a la ciudad, al contrario de la imagen aséptica, limpia, perfeccionada, uniforme y profundamente aburrida que poco a poco intenta conquistar nuestras calles».
Pero además hay un punto irresistible de melancolía, cuando Carla Parmenter apela a la nostalgia en el estupendo estribillo, por algún tipo de recuerdo personal: «siempre te veré subida en la barra de un bar en 2010».
El vídeo es un reflejo de todo esto, con carteles escritos a mano «dinero efectivo – tarjeta no», tapas de aceitunas, encurtidos y bocatas de chorizo. Un nuevo hit que se suma a su repertorio, junto a las mejores canciones de su disco del año pasado, ‘Crisis‘.
En una etapa diferente de su carrera, marcada por la independencia discográfica y la libertad creativa, Russian Red ha puesto este año en marcha una serie de conciertos íntimos que define como una especie de «cabaret místico», llamado ‘Rojo relativo‘, en una improbable referencia al éxito de Tiziano Ferro de 2004, aunque no busca ser un espectáculo de pop al uso. De hecho, su repertorio propio se reduce a un par de temas y ninguno de ellos es ‘Cigarettes‘.
Tras sus exitosas presentaciones en el Café Berlín de Madrid, un espacio que da cuenta del carácter íntimo del espectáculo, en Barcelona ha sido El Molino quien ha recibido a Russian Red, apenas un mes antes de su cierre temporal por las quejas vecinales por el ruido, dos años después de su reapertura. El recinto volverá a abrir sus puertas en septiembre de 2027.
Hernández sube al escenario a un personaje, La Loca, que evoca una especie de desorientación vital y de existencia ebria. En contraste, la cantante detrás del personaje proyecta un control vocal extraordinario, pasando de la fuerza a la vulnerabilidad con una naturalidad pasmosa. Esta dualidad queda muy bien representada en el papel que desempeña la ropa sobre el escenario, donde conviven camisas caras y trapos de segunda mano que Lourdes se pone y se quita a su antojo y que, en ocasiones, incluso se le caen sin darse cuenta.
La escenografía, inspirada en el cabaret europeo de los años 20 y 30, evoca un camerino desordenado lleno de ropa y objetos, incluido un simpático tacón colgado de un pie de micrófono; una habitación adolescente o el típico mercadillo vintage. Todo ello transmite una inequívoca energía de decadencia que permite a Lourdes Hernández entregarse al carácter improvisado del espectáculo, donde trata de «convertir frustraciones en algo más mágico o llevadero, y también moverme entre polos: transformar la belleza en tristeza o viceversa», según ha explicado la artista.
La intimidad del recinto amplifica, claro está, el componente emotivo del espectáculo y la conexión con la audiencia, algo que Russian Red consigue gracias a un repertorio lleno de clásicos totalmente «people pleaser» como ‘Gata bajo la lluvia’, ‘Volaré’ o ‘Hopelessly Devoted to You’. La gracia está en que Lourdes esquiva cualquier sensación de cliché adaptando todas estas canciones a formas más ralentizadas y melancólicas. Su voz, que parece la de un ruiseñor enganchado al bourbon, es el principal reclamo del concierto, maravillando también con su propia ‘I Hate You But I Love You’ o con versiones inesperadas de Camela y ‘Pretty Woman’, que Hernández interpreta casi susurrando, con la cabeza cubierta por un trapo.
El Molino
Sus «speeches», cargados de una filosofía entre ebria y existencial, desconciertan tanto como divierten. El espectáculo cuenta además con una especie de hilo conductor vertebrado por la lectura de un pequeño libro que contiene frases supuestamente espirituales, como «transformar los peligros en poderes», y que sirven para implicar directamente al público en el concierto. Se percibe su experiencia asistiendo a clases de improvisación en Los Ángeles e incluso a clases de «clown». El espectáculo es, en todo momento, un ejercicio contra la vergüenza y el «cringe» que supone exponerse ante el público con la cara más vulnerable. De algún modo, también parece reflexionar sobre ese componente «payaso» inherente al oficio de artista: entretener a un público para recibir su aplauso.
Si bien ‘Rojo relativo’ pierde puntos por la escasez de repertorio propio, gana por otros muchos motivos, sobre todo por su enorme peculiaridad, por cómo reivindica el concierto íntimo y por cómo demuestra que Russian Red se ha ganado el derecho a hacer un espectáculo diferente que pone en valor su extraordinaria voz y capacidad interpretativa. Ella misma afirma que es lo mejor que ha hecho y que, por fin, se identifica plenamente con su propuesta artística. Cualquiera que la siga en redes sociales y conozca su faceta más extravagante, reconocerá ‘Rojo relativo’ como una evolución natural.
¿Te quedaste sin abono para Primavera Sound 2026? ¿O para tu artista favorito en Primavera à la ciutat? ¿Estarás en Barcelona esta semana y aún te queda tiempo libre para más música en directo? Primavera Pro vuelve a ofrecer un par de decenas de conciertos gratuitos entre el miércoles 3 de junio y el viernes 5 de junio, en el Pati de les Dones del CCCB. Es ocasión sobre todo de descubrir a artistas noveles, procedentes del mundo entero y de cualquier género musical.
JENESAISPOP, como medio oficial de Primavera Pro, selecciona una decena de estas actividades gratuitas en el entorno del CCCB. Son 9 conciertos y una charla, pues también se abrirán las puertas a todo el mundo para algunas de las actividades profesionales de Primavera Pro. Os lo contamos a continuación.
YANA: 3 de junio, 13.30 h
La diversidad estilística caracteriza los conciertos de Primavera Pro. Cualquier cosa puede saltar a este escenario, del indie a la electrónica pasando por el punk o lo clásico. Este último es el caso de la polaca Yana. Su música combina el piano y las cuerdas con texturas electrónicas, habiendo conquistado a Nils Frahm y recordando en sensibilidad a Ólafur Arnalds o Jon Hopkins.
d.dramático: 3 de junio, 16.00 h
Desde Lisboa, d.dramático ha mostrado su enorme respeto por la fusión entre flamenco y urbano que se ha desarrollado en la última década en nuestro país. A eso apela su estupendo EP titulado ‘Duelo’ que incluye temazos como ‘Voy con la Luna – por rumbas’ o ‘si pienso en ti’. Por algo Ralphie Choo está ya entre sus seguidores.
3L3D3P: 3 de junio, 16.50 h
Desde Los Ángeles, 3l3d3p se ha especializado en hyper pop durante el último lustro. Es multiinstrumentista, pues toca la guitarra, la batería o el bajo, pero han sido los sonidos de Sophie o Charli XCX los que han impregnado por ejemplo su tema ‘Ibitbt’, que supera los 15 millones de reproducciones en Spotify. En 2025 publicaba su disco ‘General!’, que presentará este miércoles a media tarde en el CCCB.
kara boi: 3 de junio, 20.10 h
No faltará el talento nacional en Primavera Pro, y justo después de Kris Tena, que ha colaborado con Rita Payés, veremos el concierto de kara boi. Pop electrónico intimista y lleno de sensibilidad ideado por la cantante barcelonesa Cris Llobet. La artista ha recibido comparaciones con Oklou y Phoebe Bridgers, solo que estas nunca han versionado a Serrat. Este año deslumbraba con un disco llamado ‘Relato de una noche’, en el que destacan temas como ‘La fiesta’ o ‘La sensación’.
La Sécurité: 4 de junio, 16 h
Entre el pop-rock independiente alternativo más elegante que nos puede venir a la mente, el de La Sécurité. La banda de Montreal le pega a la new wave, al kraut y al punk sin necesidad de sonar mal, posicionándose tan cerca del mejor art pop que de las riot grrrls. El 12 de junio estrenarán un nuevo álbum llamado ‘Bingo’ por lo que en su repertorio no pueden faltar singles que ya están fuera como ‘Detour’, ‘Deny’ o el mismo ‘Bingo’.
Una charla con Fcukers: 4 de junio, 18 h
El Primavera Pro no solo son conciertos gratuitos en el CCCB sino también decenas de charlas, mesas redondas y encuentros entre profesionales. En algunas de estas charlas se abrirán las puertas a todo el público que quiera entrar. Por ejemplo, para la presentación de la banda sonora de ‘Ravalear’ (Pol Rodríguez e Isaki Lacuesta) el 3 de junio; la mesa «Crear desde dentro», sobre la música en centros de menores, el 4 de junio; y una charla con Ninajirachi el 5 de junio. Destacamos en la tarde del 4 de junio el encuentro entre Pitchfork y la banda neoyorquina Fcukers, que hablarán de sus orígenes, su proceso creativo y la evolución de su sonido. Acceso gratuito hasta completar aforo.
https://www.primaverasound.com/es/artist/pitchfork-talks–in-conversation-with-fcukers?e=primavera-pro-2026
April: 5 de junio, 13.30 h
‘An Axe to Grind’ es el nombre del disco de 7 canciones con que se nos presentaba la irlandesa April el año pasado. Tras una frustrada aventura en Atlantic Records, la cantante volvía a sus orígenes en la independencia con canciones cargadas de sensibilidad y bedroom pop, como ‘Burden’, ‘Puppy’ o ‘Stretch’.
Christian Sean: 5 de junio, 14.20 h
Uno de esos artistas casi sin oyentes mensuales (tiene 2.000) que Primavera Pro nos va a permitir descubrir es Christian Sean. Entre la ingeniería synth-pop de Hot Chip y el entendimiento de la generación Z de The 1975, el cantante, autor, compositor, productor y multiinstrumentista de Montreal ha publicado un álbum de 7 temas lllamado ‘Hallelujah Showers’. Ahí podréis encontrar cortes como ‘Cold Water’ o ‘Eventide’ que pondrán a la gente a bailar el viernes a la hora de comer.
Azikazin Magic World: 5 de junio, 15.10 h
No toda la música que viene de Corea del Sur tiene que ser de boyband o girlband. Azikazin Magic World es el nombre de un colectivo que combina la música electrónica, con la animación, el juego y el arte visual. Sus integrantes son multidisciplinares, mientras en cuanto a la música plantean un equilibrio entre breakbeat, drum&bass o jungle. Su álbum de 2026, ‘Memory Overdrive’, ha dejado temas como ‘Dorephin Shopping Center’.
Miel: 5 de junio, 16.50 h
Primavera Pro también da voz a bandas de Latinoamérica, como es el caso de la guatemalteca instalada en Nueva York aLex vs aLex; o los ecuatorianos MIEL, que practican una electrónica de corte funk, inspiración pop y dianas tan certeras como ‘Centro’. Con más de 100.000 oyentes mensuales, el proyecto de los productores Damián Segovia y Martín Flies ha sido una de las grandes revelaciones de los últimos años.
Sabrina Carpenter ha conseguido una orden de alejamiento contra un hombre que habría estado acosándola y que incluso habría intentado entrar sin permiso en su casa de Los Ángeles. De esta forma, un tribunal ha prohibido a William Applegate, de 31 años, estar a menos de 100 yardas (91 metros) de la artista, de su hermana o de la pareja de esta última.
La artista asegura que Applegate se presentó en su puerta e intentó abrirla a la fuerza el pasado 23 de mayo, pero posteriormente descubrió que el hombre había estado acosándola desde el 20 de abril. «Tengo miedo de lo que podría hacer si no es detenido por este tribunal», escribió Carpenter en su petición.
Después de que el hombre golpease al guardia de seguridad de la artista y este le pidiese que se fuese, este aseguró que conocía a Sabrina y que ella le estaba esperando, lo cual aparece reflejado en los documentos como algo «totalmente falso».
Sin embargo, el hombre regresó al vecindario durante los dos días siguientes. Applegate tiene previsto comparecer ante un tribunal el próximo 18 de junio: «Su delirante insistencia en que me conoce y en que yo le estaba esperando es un indicativo de una peligrosa e irracional fijación en mí», escribió Sabria en su declaración.
Ha costado, pero Kim Petras por fin es libre. Tras años sintiéndose maltratada por su discográfica, Republic Records, quienes han retrasado en innumerables ocasiones el estreno de ‘Detour’, la artista alemana (afincada en Los Ángeles desde hace una década) ha sido liberada de un contrato que cohibía su visión artística. Buena prueba de ello son esos álbumes anémicos y enormemente decepcionantes (‘Slut Pops’, ‘Feed the Beast’ y ‘Problématique’) que siguieron a sus más que prometedores comienzos, con esa ristra de fantásticos singles (‘Heart to Break’, ‘I Don’t Want It At All’, etc.), ‘Clarity’ y el proyecto de Halloween ‘Turn Off the Light’.
Por fortuna, Petras ahora toma un muy necesario desvío para volver a encauzarse en un camino mucho más interesante que el que estaba recorriendo en los últimos años. ‘Detour’, a diferencia de sus más cercanos predecesores, es 100% proteína.
Como sucede con la mayoría de discos que merecen la pena, la artista ha dejado de intentar hacer música para triunfar en favor de hacer lo que realmente le da la gana. Y eso no es, en ningún caso, renunciar al bop, sino hacerlos bajo sus propios términos. Simplemente en la canción que abre el proyecto y que le da nombre, ya puede apreciarse a Kim pasándoselo realmente bien con su música, siendo libre. “If you do it, do it hardcore”, dice sobre una enérgica producción electropop. El tema está lleno de pausas y giros que orbitan sobre un estribillo que presenta inmejorablemente el universo digital y caótico del proyecto.
Este primer corte nos recuerda que Kim es hija del hyperpop, amadrinada por la propia SOPHIE. En ‘Detour’ rescata el género en varias ocasiones, mezclándolo con otros sonidos propios del pop de principios de los 2010s. ‘Check It’ es un buen ejemplo de esto: un caramelo, con un gancho adictivo y sintetizadores juguetones. Muy conscientemente, Petras nos deja con ganas de más, de otro “check it check it check it”, pero prefiere que vuelvas a ella después, porque ahora es el turno del futurismo de ‘Polo’, un tema nada complaciente en una primera escucha que no deja de crecer y que muestra su versión más avant-garde. En la muy divertida ‘101’, recurre a una producción ruidosa y repetitiva donde prácticamente uno puede imaginarse el sonido de las llantas derrapando mientras la canción suena a todo volumen en el altavoz de un descapotable de alta gama.
Y es que Kim necesita la velocidad, y si no puedes alcanzarla, es tu problema. En el temazo electropop muy Charli XCX ‘Need for Speed’, ironiza sobre la fama y arremete directamente contra su antigua discográfica, a la que, según ella, solo le interesa el dinero. Igual de inmediata y efectiva es ‘I Like Ur Look’, en la que derrocha carisma. El disco termina con ‘Freak It’, una de las mejores canciones que ha firmado nunca, acompañada de un beat adrenalínico y agresivo que cuando rompe es una auténtica fiesta.
Pero no solo hay espacio para la rave en ‘Detour’, también para otros experimentos que Petras se arriesga a incluir en la secuencia y milagrosamente funcionan. Es el caso del folk elecrónico de ‘Jeep’, que suena totalmente diferente a cualquier cosa que haya hecho antes y demuestra que su desparpajo para defender sus canciones trasciende de géneros. Es mucho más polifacética de lo que cabría esperar. Algo parecido ocurre con la balada sentimental ‘Korea’, que cuenta con una de las producciones más interesantes del proyecto. Y más upbeat pero igualmente melancólica es ‘Brutalist’, en la que establece una metáfora entre el derrumbamiento de un edificio y su propia identidad, recordando los paisajes que veía cuando su familia la llevaba de pequeña al psiquiátrico y “no volvía siendo un hombre”.
Kim Petras toma la primera salida de la aburrida autopista en la que se encontraba y nos lleva por un camino alternativo muchísimo más emocionante, donde no hay límites de velocidad ni señales que interrumpan la marcha. En apenas media hora, ‘Detour’ reubica inmediatamente a la artista como una de las mejores popstars del momento.
Quevedo mantiene el número 1 en España por 5ª semana consecutiva con el excelente ‘El Baifo‘, aunque Bad Bunny aprieta subiendo al 2 con ‘Debí tirar más fotos’. En puntos, Benito tiene la subida más fuerte de la semana coincidiendo con sus 12 conciertos en España. ¿Subirá al puesto 1 la semana que viene? Apostamos a que sí tras actuar delante de 600.000 personas.
Fangoria han desaparecido del top 100 de discos después de tan sólo 4 semanas de permanencia. ‘La verdad o la imaginación‘ no solo es su primer disco que no logra ser número 1 en 20 años, sino que es el que más rápido ha caído. ‘Cuatricromía’ aguantó 67 semanas en lista según la base de datos de acharts. ‘Canciones para robots románticos’, incluso más: 77 semanas. Es decir, triunfaron durante más de un año. Incluso el más irregular ‘Absolutamente’ aguantó 16 semanas. Para encontrar un disco de Fangoria que durara tan poco en listas como el nuevo hay que retrotraerse a la era Subterfuge, cuando sus álbumes funcionaron más bien a modo de «sleeprs». Así ha sido el «chart run» de sus últimos discos en España durante el primer mes:
Absolutamente: 1-5-12-30-47
Cuatricromía: 1-2-5-14-17
Canciones para robots: 1-1-4-9-10
La verdad o la imaginación: 3-30-57-95-x
La sorpresa agradable es la llegada de ‘Ama’ de María Arnal a la lista. Llega exactamente al puesto 62 varios meses después de su edición. La razón es que acaba de publicarse al fin su edición vinilo, que entra al top 7 en la sublista de LP’s.
La entrada más fuerte en verdad es la de Nil Moliner, que llega al puesto 4 con ‘Nexo’. D. Valentino es top 6 con ‘Baby’ y hay una tercera entrada en el top 10: Los Diozes llegan al puesto 8 con ‘Mesón Masón’.
Otras entradas de la semana son las de Álvaro Díaz con ‘Omakase’ (13), Abhur con ‘Ultraswan’ (19), SFDK con ‘2001 odisea en el lodo’ e ‘Ilegales: 40 aniversario’ (85).
Olivia Rodrigo protagoniza la entrada más fuerte de la semana en España con el segundo single de su inminente disco, que sale el 12 de junio. Sin embargo, esa entrada no ha sido tan buena como las que ha tenido en Australia e Irlanda, donde es número 1, o Reino Unido, donde es número 2.
‘the cure‘ llega al puesto 24 en España, en sintonía con otros países europeos (top 16 en Holanda, top 23 en Suecia, top 43 en Francia) en los que el inglés no es la lengua materna. Coincidiendo con este lanzamiento, el primer single de este álbum, ‘Drop Dead‘, que en su momento fue número 14, reentra en el top 100, pues había caído ya. Su 4ª semana de permanencia la pasa en el puesto 92.
La lista de la semana está protagonizada por Bad Bunny, que tiene la subida más fuerte con ‘Baile inolvidable’ (17-5). ‘Nuevayol’ sube al top 6, ‘DTFM’ sube al 14, ‘Eoo’ al 20… pero la noticia es que reentra con un montón de viejas y nuevas canciones como ‘Café con ron’ (45) ‘Weltita’ (49), ‘Ojitos lindos’ (55), ‘Monaco’ (68) o ‘La canción’ (69), entre muchas otras. En total, coincidiendo con su llegada a España de gira, ocupa 21 de los 100 puestos de la lista de Promusicae.
Pese a ello, hay un par de entradas más. Lola Indigo llega al puesto 41 en compañía de Lucho RK con ‘El bachatón de la L’ y Farruko, Greeicy y Steve Aoki llegan al puesto 90 con ‘Yapaque’.
arrecí0, el grupo sevillano de pop punk despreocupado que nos empezó a conquistar con la hímnica ‘onvres’, ha lanzado su primer álbum de estudio. ‘ESTOY LLENA DE ODIO Y AMOR’ salió la semana pasada, pero ya ha demostrado ser cuna de otra tanda de divertidísimas canciones. En este sentido, ‘#DIFERENTE’ es la joya de a corona. Y la Canción del Día.
‘#DIFERENTE’ es toda una crítica, llenísima de humor, al panorama indie actual. arrecí0 empiezan el tema bromeando sobre esos grupos que tienen un «rollo tan distinto», que siguen siendo «un poco nicho» y que «si no fuesen de aquí les iría super bien». La letra es un cúmulo de clichés intencional que no hace más que aumentar y aumentar en intensidad. Además, es totalmente pegadiza.
En el estribillo, el grupo critica que el objetivo de todos estos grupos es «ser alternativo y diferente» a base de «mullet, tatus, bigote, dos pendientes y una totebag». Tienen hasta «solos de sitar». El guiño se redondea con el interludio hablado, en el que la vocalista se hace pasar por una locutora de radio: «Hola, soy Clara Triana de Radio Tren y hoy tenemos la misma mierda de siempre».
Mientras suenan unas notas de sitar, esta asegura estar cansada «de recibir veinte canciones indie que suenan igual», de inventarse «movidas para justificar que vuestra música es original» y termina con la mejor frase del tema, que también es una verdad como un templo: «Como vuelva a escuchar otro cantante con la voz de Diego Ináñez, voy a cometer un atentado». Le ponen el broche al tema mencionando a uno de los grupos que tiene la culpa de la misma situación que se critica: «Coño, es Izal, soy superfan».
Charli xcx se está encargando de ir avisando a sus fans sobre las expectativas que deberían tener respecto a su próximo disco, ‘Music, Fashion, Film’. Este ha sido anunciado hoy mismo junto con una portada en la que aparecen posando el músico John Cale, el diseñador Marc Jacobs y el director Martin Scorsese. Estará disponible el próximo 24 de julio.
Sabemos que ‘Music, Fashion, Film’ incluirá los singles ‘Rock Music’ y ‘SS26’, que se adentrará en el mundo del rock sintetizado y que no tendrá nada que ver con ‘BRAT’. De hecho, los dos singles ya publicados serán las dos primeras canciones del tracklist, que se compone de 11 cortes. El disco tendrá una duración de 30 minutos y 5 segundos.
La respuesta del público a los dos singles lanzados ha sido mixta y Charli lo sabe: «He hecho un disco y es muy diferente del anterior. Me encanta, pero puede que a ti no y no pasa nada», comenta la artista en un vídeo subido a TikTok. Charli no le echará en cara a ningún fan que no le guste el nuevo disco: «Es lo que significa tener preferencias personales».
El vídeo se ha subido a la plataforma horas después de celebrar un evento en Londres en el que la artista hizo una sesión de DJ junto a su marido, George Daniel, y en el que también mostró algún fragmento inédito que otro. Uno de los que más ha llamado la atención es el que ha sido mezclado con el remix de ‘Mean girls’ de Daniel: «Comprar unos zapatos… tarjeta rechazada», canta Charli.
Charli xcx says some fans may not like her upcoming album because of how different it is to ‘BRAT.’ pic.twitter.com/2hctTMgaxO
Jamás conseguir una entrada para un concierto fue tal infierno. Ni ofreciendo 12 conciertos en España, 10 en Madrid, y un par más en Lisboa, Bad Bunny satisfizo la demanda del público español. Yo en principio no conseguí entrada, un colega consiguió una suelta para el día 2, mi pareja una suelta para el día 14, una amiga otra suelta para el día 6… quiero decir que a este tour de Bad Bunny no se va cuando se quiere ni con quien se quiere, sino en soledad y cuando se puede.
Si la carrera de Benito Antonio Martínez Ocasio ya estaba enfilada desde el principio, la locura ha sido ya total especialmente desde ‘Un verano sin ti’ y este último disco, ‘Debí tirar más fotos’, 8 veces platino en nuestro país, y sumando: aún es top 3 un año y medio después de su edición. Si es que no reescala al número 1 con motivo de esta visita.
El show de presentación de ‘DTMF’ es exactamente lo que imaginabas dado el protagonismo de los instrumentos de viento en este último álbum. Si en el disco Benito daba voz a jóvenes músicos de entre 18 y 21 años de la Escuela de Música Ernesto Ramos Antonini, sita en San Juan, Puerto Rico, una portentosa banda le acompaña en la primera parte del set. Es ahí donde evidentemente van a sonar los temas más salseros, ‘Baile inolvidable’ y esa ‘Nuevayol’ que no sonará en Nueva York mientras gobierne Trump y exista el ICE, acompañadas de viejos éxitos como ‘Callaíta’. Esta, en segundo lugar, levanta al estadio, si es que alguna vez estuvo sentado. Ni un alma quedó sin corear aquello de «Si hay sol hay playa, si hay playa hay alcohol / Si hay alcohol, hay sexo, si es contigo, mejor».
El sonido no acompaña en el Metropolitano, como por otro lado es habitual, y en verdad escucharemos mejor a Benito en la segunda parte del set, cuando tras un incómodo interludio de silencio, el artista se traslada a lo que se conoce como «La Casita», un segundo escenario al otro lado del estadio por el que suelen pasar famosos e influencers, y en cuyo tejado termina interpretando algunas canciones.
Ester Expósito, Ana de Armas, Martiño Rivas, Chiara Ferragni, Marta Ortega y algunos futbolistas fueron los invitados este sábado, mientras el domingo fue el turno de Los Javis y Judeline. Es en esa parte del set que suenan éxitos como ‘Tití me preguntó’ o ‘Yo perreo sola’, antes de que salte a escena el invitado sorpresa de la noche. El sábado Myke Towers pudo interpretar algunas de sus canciones, a destacar la fiesta desatada por ‘LALA’. 50.000 personas cantando sobre una comida de coño. Solo en un concierto de reggaeton.
O algo similar. Porque hace tiempo que las canciones de Bad Bunny saltan de un género a otro incluso dentro de la misma pista. En ese sentido ‘Safaera’ no podía faltar, representativa del sonido de esta década de los 20 y pionera como pocas. Como tampoco podía faltar la sencilla ‘Café con Ron’ con Los Pleneros de la Cresta, otra de las canciones que encapsulan el espíritu de esta gira: la fiesta latina, la alegría inherente de su cultura, la celebración con los demás, el baile incluso con gente que no conoces. En un momento dado Benito anima a «amarnos a nosotros mismos tal y como somos», a «olvidar el rencor del pasado». Todo su concierto pretende ser un oasis en este mundo de mierda, y lo consigue con creces.
La entrega del público es total cuando, de vuelta al escenario principal, suenan los últimos hits: ‘Ojitos lindos’ y sobre todo ‘La canción’ no pueden ser más emocionantes. Se acuerda de ‘Dákiti’. Cierran ‘Debí tirar más fotos’ y ‘EoO’ en plan bis.
El tedio solo cabe en el set cuando Bad Bunny pasa unos 15 minutos saludando a fans desde «La Casita». Y aun entonces es bonito ver cómo Benito abraza a un joven que no puede parar de llorar. Sin grandes trucos escénicos ni la pirotecnia de un concierto de diva pop, incluso resultando austero en ese sentido, este tour de Benito se ampara en la grandeza de su repertorio tras una década de carrera. Esto siempre fue de canciones. De hits. Y Benito tiene ya para completar hasta 3 horas de concierto.
La Casita está siendo el elemento más comentado, de momento, de los conciertos de Bad Bunny en nuestro país. Así, un usuario llamado Zaida ha publicado un anuncio falso en Idealista ofreciendo la vivienda por un millón de euros con el objetivo de denunciar la crisis de la vivienda.
Aunque en un principio la Casita fuese pensada como una reivindicación más de la cultura puertorriqueña, tan tratada en ‘Debí Tirar Más Fotos’, ha acabado implementándose en los conciertos del artista como un escaparate para algunas de las celebridades más importantes del mundo, junto a algunas afortunadas personas del público.
El anuncio ha sido ya retirado de la plataforma, pero su intención sigue siendo relevante. La Casita se ofertaba a 16.129 euros el metro cuadrado y se situaba en la calle Fernando Guanarteme, cercana a la playa de Las Canteras en Las Palmas de Gran Canaria. Esta es una de las zonas de la ciudad que más han sufrido los efectos de la especulación.
La descripción describe la Casita como un gran «concepto de marketing para el concierto de Bad Bunny», describiéndola como «exclusiva», «limitada» y «aspiracional». Es aquí donde el autor deja claro que el anuncio está pensado para denunciar la gran crisis de la vivienda en nuestro país: «Da la sensación de que formas parte de algo a lo que no todo el mundo puede acceder, pero al terminar el concierto te das cuenta de que fuera está pasando lo mismo».
«A este ritmo, una casita también será un lujo reservado para gente VIP», termina el anuncio. Al mismo tiempo, Amnistía Internacional también ha usado el símbolo de Bad Bunny para denunciar el tema de la vivienda: «Es más fácil entrar en la Casita de Benito que conseguir una vivienda digna», han sentenciado.
Todo esto se ha juntado con las numerosas críticas que está recibiendo el propio concepto de la Casita en el contexto de los conciertos de Bad Bunny, con muchos usuarios describiéndolo como una práctica machista: «Es una machistada histórica, pero como Bad Bunny os pone cachondas ninguna se queja», escribe Pausismo en X. José Mencía, en la misma red social, critica el hecho de que la estructura sirva «para que los ricos se sientan especiales delante de los pobres que pagaron la entrada».
Ha pasado un mes desde que Kid Cudi echase de su gira a M.I.A. por una serie de «comentarios ofensivos» que la artista incluyó en sus conciertos y que provocaron «una avalancha de mensajes de fans molestos por sus discursos». Ahora, la artista ha presentado una denuncia contra el rapero por ruptura de contrato.
M.I.A. acusa a Kid Cudi de saber de antemano sus creencias y reputación política antes de contratarla como telonera en su nuevo tour. Esto causó una «interferencia intencional con las relaciones contractuales» que hizo que «Live Nation rompiese su contrato». M.I.A. alega que esto hizo que no se abonase la garantía inicial de 2,8 millones de dólares.
Al empezar a leer el documento, recogido por Pitchfork, se acusa al rapero de que «M.I.A. fue eliminada para generar publicidad para la gira, que ha tenido dificultades con la venta de entradas». La demanda establece que la artista tenía «permitido decir lo que quisiese en el escenario» y que «hace responsable a Kid Cudi por la destrucción de sus derechos contractuales, oportunidades de negocio y reputación».
Además de la suma garantizada inicialmente, M.I.A. pide 75.000 dólares en daños compensatorios y la cobertura de sus costes y tarifas de sus abogados, además de un juicio ante jurado.
Dua Lipa y Callum Turner se han casado este domingo 31 de mayo en una ceremonia íntima, de la que la prensa se ha enterado el mismo día, celebrada en el Old Marylebone Town Hall de Londres, rodeados de un reducido grupo de familiares y amigos.
La noticia llega casi un año después de que la artista anunciara su compromiso en junio de 2025, confirmando una relación que se rumoreaba desde finales del año anterior.
The Sun, el tabloide que ha dado la exclusiva, informa de que la boda se ha celebrado con confeti a la salida de los recién casados, que han abandonado el lugar en un coche negro. Vogue aporta detalles sobre el vestuario: Dua Lipa, epítome de glamur, ha apostado por un look nupcial de Schiaparelli con traje blanco, sombrero y guantes, mientras que Turner ha elegido un traje azul marino clásico.
La pareja estaría ya preparando una segunda celebración en Palermo, Italia, según apunta la prensa británica, algo que no sorprende a quienes siguen de cerca a Dua Lipa, la “vacanza queen” en sus propias palabras.
Dua Lipa se encuentra preparando su próximo álbum de estudio, el cuarto, que será ya su primer disco tras su matrimonio.
Jay-Z ha vuelto a los escenarios después de cinco años como cabeza de cartel del Roots Picnic de Filadelfia. La actuación ha incluido un repaso de más de 30 canciones a lo largo de 90 minutos, con apoyo de The Roots y apariciones de invitados como Jazmine Sullivan, Meek Mill o Bilal.
El momento más comentado de la noche ha sido el “freestyle” a capela de cuatro minutos que se marca el rapero tras abrir con ‘Hovi Baby’. Una improvisación no ensayada previamente en la que Jay-Z lanza shade a tres figuras clave del rap actual que le han atacado en el pasado: Kanye, Nicki Minaj y Drake.
La frase (supuestamente) dirigida a Drake, “Them crackers got your publishing checks, go talk tough to them, don’t talk success to me”, hace referencia a los derechos editoriales, a los ejecutivos blancos en posiciones de poder en la industria musical («crackers») y a la obsesión del canadiense por el éxito comercial.
Sobre Nicki Minaj, el rapero parece aludir a su relación con Kenneth Petty, al que se refiere como el “Ken” de Nicki (en referencia al personaje Ken de Barbie, tiene sentido porque Nicki es la Barbie del rap). La mención a los “republicanos MAGA” es ya blanco y en botella.
También lanza Jay-Z una respuesta directa a Kanye West por sus comentarios del año pasado sobre Beyoncé y sus hijos: “¿Has oído hablar de los niños prodigio? Mis hijos son algunos de ellos, ¿es que no tenéis ninguna vergüenza?”.
Pese a las pullas, el repertorio de Jay-Z incluyó varios temas de ‘Watch the Throne‘ (2011), su álbum conjunto con Kanye West, como se puede apreciar en Setlist.fm.
Hace unos días Joshua Idehen presentaba este álbum en la madrileña Sala El Sol. Fue un gran concierto armado por su excelente humor y su enorme capacidad comunicativa. Nada más aparecer, bromeó: «voy a volver al camerino y cuando salga quiero que me recibáis imaginando que soy la Dolly Parton negra». En otro momento, quiso ser «un sacerdote». Definitivamente ejerció de gurú cuando emplazó a toda la sala a gritar «Choose Yourself» durante el tema así llamado, como propuesta de valorarnos, de querernos, de perdonarnos a nosotros mismos.
Contienen las canciones del británico de origen nigeriano una gran carga social, también. Su viral más improbable es un tema de «spoken word» llamado ‘Mum Does the Washing’ que va mucho más allá de cuestionar el heteropatriarcado. El tema explica el capitalismo, el comunismo, el socialismo, el feudalismo, el colonialismo, el ateísmo y el sistema religioso, entre otros, a través de la pregunta «quién hace la colada». En el capitalista, estafas a tu madre 50 céntimos. En el religioso, tu madre te hace la colada y tú a quien agradeces es a Dios.
La canción sigue retorciéndose cubriendo modernidades como el «mansplaining» («tu madre te hace la colada pero tú le explicas cómo se hace aunque nunca la hayas hecho»), el patriarcado («tu madre no existe, la colada se hace sola misteriosamente»), las terfs, los distintos tipos de feminismo -incluido el hombre feminista- o hasta el surrealismo. Divertida y poliédrica, ‘Mum Does the Washing‘ contiene una letra que lleva unas cuantas escuchas entender del todo, y recuerda que Joshua Idehen era, antes de todo esto, un poeta. De hecho la idea original procede de un poema de 2015 -a veces ha usado hilos de Twitter como inspiración- y el tema ‘My Love’ viene de otro poema de 2009.
Para musicar todo esto, el artista ha contado con el DJ y productor Ludvig Parment que por ejemplo ha construido esta grabación en torno a algo parecido a un sample muy distorsionado y corto de ‘If I Were a Richman’. Pero en general, Ludvig lleva las ideas de Joshua Idehen muy lejos del «spoken word», a la pista de baile, con influencias como el breakbeat, el neo-soul o el UK Garage. Así, algunas de estas canciones podrían haber sido temas de The Streets (‘Could Be Forever’), Disclosure (‘This Is the Place’) o incluso Amy Winehouse (el «reprise» de ‘Everything Everywhere All At Once’, con Sara Brannas). La indicación musical más habitual que Joshua pide a Ludvig es «¡hazla más house!»
Esto conlleva que el fondo musical suene un tanto manido, a menudo le faltan capas, detalle, misterio. Joshua Idehen tiene la generosidad de decir que «Joshua Idehen es un dúo como Sade era un grupo», pero aquí el carisma lo pone él en unas letras que cuentan multitud de historias. El «banger» ‘It Always Was’ recuerda los tiempos en que iba con su amigo Benji a las discotecas en un coche destartalado. ‘Could Be Forever’ une las historias de un vecino con demencia y un limpiador de baños que en su país de origen era dentista. ‘Brother’ reflexiona sobre la masculinidad, y así sucesivamente.
De hecho, Idehen también es feliz dando voz a otras personas que admira. En el interludio ‘What You Need to Hear’ cede el protagonismo a una poetisa sueca que le encanta, Charlotte Manning, preguntándole qué es para ella la amistad («quienes me recuerdan quién soy cuando yo no me acuerdo»). Y la pista final se compone de extractos de personas a las que han cuestionado qué es la redención. Joshua Idehen luce tan buena gente que no solo nos deleita con su voz sino que nos hace escuchar a los demás. Al mundo.
Ariana Grande ha entrado directamente en el número 1 del global de Spotify con ‘hate that i made you love me‘, su nuevo single aparentemente dirigido a la sección más tóxica de sus fans: “¿Tengo la culpa de que me hayáis dado vuestro corazón? No lo creo”, canta en un verso.
Con 8,78 millones de reproducciones en su primer día, ‘hate that i made you love me’ arranca con una cifra inferior a la de ‘yes, and?‘, que marcó 11,2 millones, pero superior a la de ‘positions’, que registró 7,6 millones. En cualquier caso, hay que tener en cuenta el aumento de suscriptores en la plataforma durante el último lustro: ‘thank u, next‘ alcanzó los 6,1 millones en su primer día y se consideró el mejor debut de su carrera y todo un fenómeno.
A la espera de descubrir la longevidad de ‘hate that i made you love me’, una vez pasado el hype que tanto influye en las escuchas del primer día, ningún otro single de Grande ha dividido tanto a fans, público y también a los medios. Medios como como Daily Mail han titulado categóricamente que los fans “odian” la canción y han recopilado reacciones negativas, intentando construir una narrativa de backlash que ignora la corriente de opiniones positivas o, como mínimo, ambivalentes. Vulture, por su lado, ha declarado el single «uno de los peores» de su carrera.
Grande, no se sabe si ignorando las críticas o reaccionando a ellas, ha compartido una sucesión de reacciones positivas a la canción por parte de fans, tiktokers e influencers, algunas visiblemente sobreactuadas, quizá para contrarrestar el supuesto aluvión de críticas negativas, que de momento contrasta con los números iniciales, al menos en lo que respecta a la curiosidad que ha generado el tema.
Por si sirve de algo, la valoración inicial de los lectores de JENESAISPOP en la encuesta se divide claramente entre “Me ha encantado, otro acierto” (46%, 189 votos), “Está OK!” (39%, 159 votos) y “No me ha gustado, decepción” (16%, 64 votos), lo que sugiere una recepción mayoritariamente positiva, aunque bastante dividida, con una ligera inclinación hacia las opiniones favorables. Os invitamos a comentar el tema en el foro de Ariana Grande en JENESAISPOP.
‘Décollage‘ está siendo el Disco de la Semana en JENESAISPOP. Se trata de un estupendo nuevo trabajo de la banda francesa Requin Chagrin, asociada a ese subgénero del indie-rock conocido como «reverbcore», caracterizado por su sonido extremadamente reverberizado y melancólico heredero del dream-pop, el post-punk el shoegaze, pero identificable como estilo propio, también.
En este álbum, el proyecto liderado por Marion Brunetto profundiza en ese sonido evocador y cinematográfico, como señala Jaime Cristóbal en su crítica, a través de bangers como ‘For You’, nuestra Canción Del Día de hoy.
‘For You’ era uno de los temas destacados de la reseña y también uno de los sencillos oficiales del álbum. Sobresale por «su riff de guitarra al estilo de los grandes maestros galos del pop romántico twangy ochentero, Indochine». No es una referencia casual: el líder de la banda, Nicola Sirkis, edita a Requin Chagrin a través de su sello. Todo queda en casa.
La letra de ‘For You’ dibuja una imagen emocional marcada por la incertidumbre, el aislamiento emocional y el anhelo de encontrar una guía. Así lo sugieren versos como «Au bord du monde» («en el borde del mundo»), «Tu nous laissais dans l’ombre» («nos dejabas en las sombras») o las referencias a un mundo que se derrumba presentes en frases como «tout s’effondrera» y «tout s’écroulera».
El estribillo desarrolla el contraste entre oscuridad y luz que vertebra toda la canción. De los tonos azules y negros de «dans le bleu, dans le noir», asociados a la soledad y la desorientación, se pasa a una imagen luminosa que representa el encuentro con alguien capaz de servir de guía: «Fais la lumière, tes yeux comme un phare». Marion canta algo así como «trae la luz, tus ojos son como un faro», convirtiendo a esa figura en un punto de referencia en medio de la incertidumbre.
Es curioso que Chiara Oliver conciba ‘no fue real’ como el final o “resumen” de una etapa y no el comienzo, dado que es su álbum debut y estilísticamente propone un marcado cambio de dirección. Las guitarras siguen ahí, pero ahora cambian el idioma: ya no evocan el punk-pop de los dos mil, sino el indie-folk y pop alternativo anglosajón más sombrío que ha dominado el pop alternativo en el último lustro.
Oliver, que es menorquina británica, ha podido tener en su moodboard a artistas como Holly Humberstone, Lizzy McAlpine o la Taylor Swift más folk, pero más allá del name-dropping, lo que ofrece ‘no fue real’ -disco que ha sido top 2 en España- es una colección de canciones bien construidas en composición y atmósfera que forman una buena alianza con su reconocible timbre vocal, cuya nasalidad siempre me ha recordado a la de Nini Fabi de HAERTS, incluso en Operación Triunfo.
El conjunto es sólido, si bien avanzado el disco se echa en falta un mayor rango melódico y letras más memorables, porque aunque el estilo de Oliver es diarístico, sus textos están plagados de lugares comunes románticos, que aunque sinceros y honestos de su parte, terminan creando un conglomerado de frases narrativas bonitas en apariencia, pero que raramente aterrizan frases memorables.
En ese sentido funcionan singles como ‘Puzzle’, con su sentido estribillo “no me puedo ir, porque fui feliz”; el también single ‘Margaritas’, en un estilo próximo al pop-rock alternativo; y otras sorpresas. Ahí caben el country-pop de ‘Lo siento x ser yo’, con un estribillo muy definido, y ‘2+2=5’, que logra cerrar el álbum con bastante solidez, arrimándose a un sonido muy próximo a Cigarettes After Sex -a los que evoca también la correcta pista titular- e incluso al shoegaze en su atinado crescendo. Y no, no es un cover de Radiohead.
Rimas como “por qué nos engañamos, si se ve que no encajamos”, “no estás aquí, pero eres parte de mí”, “te dejas ardiendo aquí, no volverás a por mí” o “cuando nadie nos ve, te tengo contra la pared” construyen un disco sobre el desamor sincero, aunque plagado de clichés, y la densa narrativa casualmente termina contando muy poco. Mientras, las canciones pronto entran en un estado de agotamiento melódico, y pistas como ‘Una más’ o ‘Un minuto +’ suenan redundantes en melodía y sonido; hay que lamentar que Oliver interpole ‘Kiss Me‘ de Sixpence None the Richer solo para escribir una canción que es solo una sombra de aquella.
Ciertas ideas de producción -sobre todo vocal, en temas como ‘Una más’ y ‘Me & My Girls’- hacen sonar la voz de Chiara extrañamente enlatada, recordando a los peores tiempos de Vale Music, de repente. Pero que esta crítica no lleve a engaño: ‘no fue real’ es otro ejemplo de lo muchísimo que el pop surgido de OT ha avanzado desde aquella dura época, para bien. Simplemente, se agradecerían canciones más definidas o, al menos, con el mismo potencial de la jazzística y adorable ‘Parte de mí’.
Desde este domingo 31 de mayo hasta el 20 de septiembre podrá verse la nueva instalación de Björk en la National Gallery of Iceland, un proyecto llamado ‘Echolalia’ que transforma el museo en una experiencia inmersiva donde se reinterpreta su música dentro de un espacio expositivo.
La muestra está centrada en versiones regrabadas y espaciales de dos temas de ‘Fossora‘ (2022), ‘Ancestress’ y ‘Sorrowful Soil’, ambas dedicadas a la memoria de su madre, fallecida en 2018, y pensadas para escucharse en el entorno de la instalación junto a piezas visuales.
El gran reclamo, como ya había adelantado la propia Björk, es el adelanto de su nuevo single ‘Nerve Bloom’, que formará parte de su próximo álbum de estudio previsto para 2027, en una versión primigenia. El tema ha podido escucharse por primera vez dentro de la exposición, acompañado de visuales inéditos. Escucha un avance bajo estas líneas.
Además, se presenta una nueva imagen de Björk creada específicamente para ‘Echolalia’, donde aparece con una especie de red de nervios rodeando el rostro. La autoría no está confirmada oficialmente, aunque en Reddit se especula con que podría ser obra de la artista polaca Natalia Kleszczewska, algo que por ahora no ha sido confirmado.
Una cuarta sala acogerá la exposición ‘Metamorphlings’ de James Merry, con una selección de los tocados que ha creado para Björk a lo largo de los años.
Ha pasado un mes desde el estreno de ‘Cochinas‘ en Prime Video y no puede decirse que la serie se haya instalado en la conversación popular, aunque su distribución bajo suscripción limita en parte ese alcance. Y eso que la premisa resulta original: una ama de casa a finales de los noventa abre un videoclub de cine porno para evitar la ruina económica mientras su marido permanece en coma tras ser atropellado.
‘Cochinas’ parte de esta idea para, a través de la ucronía o el “what if”, reimaginar la España mojigata de los noventa. El enfoque es deliberadamente exagerado y sarcástico: un barrio de Valladolid como epicentro de una hipotética liberación sexual protagonizada por mujeres y no hombres, cabeceras que parodian películas porno con apariciones de Daniela Blume, y un humor cargado de referencias locales, incluidos guiños fuera de tiempo a Isabel Pantoja.
La serie no esquiva la desnudez explícita, presente en varios episodios, de manera más o menos divertida, pero no termina de explotar todo lo que su planteamiento promete. Aunque la comedia creada por Carlos del Hoyo e Irene Bohoyo y dirigida por Andrea Jaurrieta, Laura M. Campos y Núria Gago funciona en su ligereza, con un juego constante sobre el sexo en múltiples formas, cuerpos, edades y perfiles, en determinados momentos recae en un enfoque didáctico y moralizante que la vuelve más blanda de lo esperado, especialmente en sus últimos capítulos.
Un par de ejemplos de ese enfoque aparecen en la escena de sexo gay o en la intervención de Nines (Malena Alterio) dentro de una película porno, donde reclama no humillar a las mujeres y que el consentimiento solo exista si es libre. El mensaje es pertinente y necesario -más aún en un contexto en el que plataformas como Pornhub han restringido ciertos contenidos que promueven el abuso-, pero termina pecando del excesivo subrayado propio de tantas series actuales. En el proceso se echa en falta algo del ingenio, la irreverencia y el pulso gamberro que su premisa sugería.
Se ha escrito -y se seguirá escribiendo- sobre la obsesión contemporánea -en mi opinión ya enfermiza- de la cultura audiovisual actual con la nostalgia prefabricada. ‘Cochinas’ la sortea solo en parte: su argumento es ingenioso, pero el resultado final sigue atrapado en un engranaje que recicla códigos conocidos sin llevarlos del todo al extremo, en ocasiones forzando el humor mismo. En ‘Cochinas’, la nostalgia se usa como lubricante estético para deslizar al público a través de la historia, pero no para incomodar. Al final, ‘Cochinas’ no reinterpreta tanto el pasado como lo hace más confortable. El discurso puede sonar actual, pero se echa en falta menos sensación de serie «people pleaser».
Ni la comedia desatada que algunos medios han querido ver, ni una obra valiosa solo por su intención, ‘Cochinas’ se sostiene gracias a su fotografía, su premisa, su brevedad y un reparto solvente, con buenas actuaciones de Celia Morán como Chon, Álvaro Mel como Agustín y la predecible historia de triángulo amoroso protagonizada por Nines, Mariano (Chani Martín) y Enric, el guaperas interpretado por Albert Baró, al que recordarás por su aparición en un videoclip de Tame Impala. Por lo demás, el guion resulta irregular, alternando aciertos cómicos, momentos emotivos y tramos más planos, y la serie deja una sensación final de obra más contenida de lo esperado.
El beef sobre si la música de baile se ha pasado de moda o no se ha pasado de moda se decanta en JNSP a favor de lo segundo: Madonna y Sabrina Carpenter mantienen el número 1 con el 39% de los votos en la final de Instagram, mientras Charli XCX llega al 26% con ‘SS26’. Como curiosidad, Madonna y Charli comparten sello (Warner), equipo creativo de vídeos (Torso) y hasta agencia de estrategia (Special Offer).
La segunda entrada más fuerte es la de Olivia Rodrigo con ‘the cure’, aunque lejos de los puestos de cabeza, mientras Kesha y Julieta Venegas quedan a las puertas del top 10.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
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