Rigoberta Bandini acaba de concluir su gira ‘Jesucrista Superstar‘ y dice que su próximo show es «parir», ya que está ya muy avanzadamente embarazada. Antes ha publicado la versión de estudio de un tema que ya había presentado en directo y que, aunque no es de los mejores de su repertorio, sí tiene momentos interesantes.
‘Chicle mal enganchado’ se vincula con la era ‘Jesucrista Superstar’ por su ánimo experimental más que simplemente efusivo. Aquí no hay melodías emocionantes como las de ‘Ay mamá’ o ‘Julio Iglesias’, sino un ánimo más cínico y despreocupado.
La amalgama de beats explosivos de los 80 que abren el tema y después vuelven, un beat sintético más amable en las estrofas, punteos de guitarra grunge, distorsión vocal… puede convertirlo en una de las composiciones de Rigoberta que juegan con más recursos diferentes. Pero, entre estrofas que no terminan de despegar y un estribillo que esta vez funciona más bien como elemento instrumental, la composición no acaba de encontrar una dirección clara.
Las diferentes texturas aportadas por los sintes más amables y suaves de las estrofas y las simpáticas percusiones construyen un tema igual de cínico que su letra sobre una aparente despedida: «Te deseo lo mejor / En realidad, yo soy igual / De subnormal» o «No me divierte saber que estás triste / Pero en silencio he inventado unos chistes», canta la catalana.
La canción queda a medio camino entre el despecho y el alivio, mientras el propio título alude a esa relación que se ha quedado pegada donde no debe, como un chicle que cuesta quitar. El problema es que el tema tampoco acaba de enganchar del todo.
Cuando eres una entre 11 hermanos, es probable que acabes dedicándote a la música, aunque solo sea para conseguir que alguien te escuche. Sophia Stel es una cantante, productora y modelo canadiense que ha conseguido un improbable pequeño hit de TikTok con ‘I’ll Take It’. Nacida en Saanich, en la Columbia Británica y creció en una familia religiosa y muy numerosa. Antes de dedicarse a la música trabajó como jardinera, pintora de casas y camarera, y también es una apasionada del skate.
Stel publicó su primer EP, ‘Object Permanence’, en 2024, año en que además abrió para A. G. Cook. En 2025 llegó ‘How to Win at Solitaire’, y este año ha sido telonera de Lorde y ha debutado como modelo para Ann Demeulemeester. Ahora prepara su siguiente álbum para A24 Music, la división musical de la famosa productora de cine y TV.
‘Molly in the Club’ muestra su lado más etéreo, con melodías nebulosas y una voz muy procesada por Auto-Tune. ‘I Do’, ‘Now I’ve Got a Lot You Know’ y también ‘Bitches Talk Shit’ tienen, en cambio, un marcado rollito clubby, con sintes de rave y ritmos que parecen pensados para la pista, pero que aún conservan algo muy íntimo y privado.
‘I Do’ es el single más reciente de su disco y la Canción Del Día de hoy. «I felt electric in my jeans / What could be wrong with that», canta Stel, antes de entrar en el pegadizo estribillo, marcado por el deseo y la complicidad y una producción que evoca el EDM dosmilero. «You said I’m kinda cold hearted, wanna get started / Everyone’s parted, now it’s only you».
Es curiosa esa mezcla entre las melodías etéreas autotuneadas, los pegadizos riffs de teclado y la, al fin y al cabo, construcción pop. ‘Now I’ve Got a Lot You Know’ es sin duda otro tema con el que acercarse a su propuesta, pero ‘I Do’, además de la más reciente, también puede ser la más accesible.
Los últimos años han sido intensos profesionalmente para Nate Amos. Su banda junto a Rachel Brown, Water from Your Eyes, ha logrado despegar en la escena indie rock contemporánea desde el lanzamiento de ‘Everyone’s Crushed’. Poco después rescató su proyecto en solitario This Is Lorelei, nombre bajo el que llevaba publicando música anárquicamente en Bandcamp desde hacía años, con el original ‘Box for Buddy, Box for Star’, un trabajo que hablaba de su reciente sobriedad y que despertó pasiones entre músicos como Hayley Williams, Waxahatchee o MJ Lenderman, todos ellos invitados en su versión Super Deluxe. En medio de todo esto, pulió diez de sus canciones antiguas y las reunió en ‘Holo Boy’, lanzado a finales del año pasado.
Debido a esta apretadísima agenda, tiene sentido que su nuevo álbum, ‘The Singer in My Band’ (su primero en Matador Records), evoque a las carreteras, a esos viajes en plena gira atravesando las llanuras estadounidenses. En él aparecen todo tipo de personajes y situaciones extravagantes narradas con la peculiar mirada de Amos, que aquí ejerce como una suerte de trovador de la América profunda, ofreciendo su versión del bluegrass y la música country tan arraigada a su país.
El artista no solo homenajea al folk estadounidense, sino que también propone una celebración de la familia. Su padre, el artista de bluegrass Bob Amos, colabora con un gran solo de banjo en la canción titular, mientras que su hermana Sarah presta su voz en varios cortes como ‘Billy Came Back’ o ‘Watching Heaven Fall’ y su pareja Al Nardo lo hace en ‘And I Haven’t Seen My Love in Quite a While’. El álbum transmite esa cercanía familiar con unas composiciones cálidas y una narrativa que siempre resulta atractiva, en la que se pasean diferentes personajes como Billy, Joey, Sarah o uno de los protagonistas de su discografía, Bobby.
En ‘Billy Came Back’, Amos traslada al oyente a un bar en algún lugar remoto de Estados Unidos para contar la historia de Billy, una leyenda local del karaoke que no necesita ni “ver la pantalla porque se sabe todas las letras y lo que significan” y que tiene una voz que parece que canta “desde el fondo de un profundo mar azul”. Las guitarras cristalinas envuelven la canción en una melancólica poesía. El jangle pop y el country se vuelven a unir en ‘Watching Heaven Fall’, que narra con humor las desventuras de unos personajes que ansían una libertad que su pequeño mundo no puede ofrecerles.
‘The Kid With the Crown’ también recoge elementos del power pop, como la distorsión instrumental del estribillo y la luminosa melodía, y los mezcla con tonos country rock, como esa línea de bajo serpenteante que recorre la canción. Igualmente, ‘Oh No Now My’ propone un interesante cóctel de influencias indie rock y americana, comenzando con un riff enroscado y un patrón de batería que termina desembocando en un solo de guitarra, cuyo sonido recuerda ligeramente al de una gaita.
Más tradicional es el bluegrass de ‘And I Haven’t Seen My Love in Quite a While’, sobre dos amantes separados. Lo que en un principio parece una canción de ruptura, poco a poco va desvelándose como una auténtica tragedia: el narrador, interpretado por Nate, está muerto. Lo sabemos cuando aparece la voz de su chica, Al: “Aunque te hayas muerto/ sigues cantando todas tus canciones sobre mí”. El tono es ligero y hasta socarrón, pero en los últimos versos, cantados por él, la emoción aflora: “Dices, “cada vez que oigo tu voz lloro, porque ahora solo escucho tu voz en mi mente” y yo digo “cada vez que veo a mi amor sonrío, y no he visto a mi amor en mucho tiempo””.
En ‘I Will Eat My Heart in the Morning Light’, Amos abre el disco con una especie de paradoja. La música fluye como una brisa cálida que invita a adentrarse en los paisajes que dibujan la guitarra acústica y la batería, mientras que la letra refleja un periodo vital en el que el narrador está completamente estancado: “No tengo ficción que enviar al futuro / no tengo nada que regalar al pasado”. Si allí asentaba el tono narrativo del proyecto, en ‘Don’t You Cry Lonesomeness’ lo culmina con una balada de guitarra eléctrica en la que el artista se despide con ternura, ofreciendo un refugio al oyente, una promesa para combatir la soledad. Algo que encapsula lo que se siente al escuchar las historias que pueblan ‘The Singer In My Band’.
El proyecto de KILLIN’ CACTUZ, formado por Nao Albet y Adrià González en 2021, lleva desafiándose a sí mismo desde su formación. Su imprevisible mezcla de géneros, desde el hip hop o la electrónica hasta el indie pop, y el humor, por supuesto, son parte de su inconfundible marca: «Le preguntaste a la IA si te vas a enamorar», cantan en ‘Jpeg’, su último lanzamiento.
Nao Albet y Adrià González son los últimos invitados de nuestra sección «Meister of the Week», comisariada por Jägermusic. Antes de KILLIN’ CACTUZ, el dúo de Barcelona quería seguir los pasos de Jackass con su propia versión: Punch. Hablan sobre las locuras de sus años tempranos, la confianza necesaria para mantener un grupo y la relación entre Jackass y el panorama indie español: «Es como la sensación de estar metido en un coche en llamas».
¿Por qué habéis elegido hablar de Jackass?
Porque antes de KILLIN’ CACTUZ ya éramos un poco Jackass. Cuando teníamos 14-15 años montamos Punch, que era básicamente nuestro propio Jackass, pero hecho a nuestra manera y con bastante menos presupuesto y probablemente bastante menos criterio. Grabábamos las cosas que hacíamos, nos pegábamos unas hostias considerables y nos inventábamos retos que hoy probablemente no pasarían ningún filtro de seguridad. Ya de hecho en esa época tuvimos algún problema bastante gordo…
¿Qué es lo más peligroso o estúpido que habéis hecho juntos? Y no vale decir que fue crear el grupo.
Hace años que nos conocemos y hemos hecho bastante locuras juntos, sobre todo en esa época entre los 13 y 16 años que te crees inmortal y por encima de todo. Si juntas energía infinita, cero miedo, muchos porros y una cámara, nos encontrarás a nosotros pensando qué locura es la siguiente. Por ejemplo, Nao se ha quemado media cara: pelo y cejas, porque le escupieron fuego con la boca. Hemos saltado de una ventana hasta un contenedor lleno de basura, hemos hecho la típica Jackass del carro de la compra, jugado al pilla pilla por la ciudad con las motos… Si queréis ver más escenas estúpidas buscad nuestro videoclip en Vimeo…
¿En qué dinámicas os veis identificados con el cast de Jackass? Ellos siempre se están haciendo las bromas más brutales, jodiéndose muchísimo, pero siempre son amigos al final del día.
Muchísimo. Sobre todo en eso: nos puteamos mucho entre nosotros, pero hay una confianza muy grande detrás. Creo que una de las cosas que nos ha mantenido juntos durante tantos años es precisamente que no nos tomamos demasiado en serio entre nosotros. Nos podemos decir absolutamente cualquier cosa, hacernos bromas bastante lamentables y reírnos de lo que hace el otro, pero cuando toca ponerse serios, estamos ahí.
La línea entre el proyecto en sí y la amistad de sus integrantes es muy fina, casi indiferenciable. ¿Os pasa lo mismo?
Sí, y probablemente ese es el principal problema y la principal virtud del grupo. KILLIN’ CACTUZ no empezó como un proyecto empresarial ni como una estrategia musical. Éramos amigos haciendo música juntos y, con los años, aquello que hacíamos entre nosotros se convirtió en un proyecto. De hecho ya hemos tenido diferentes proyectos juntos, nos encanta hacer música y hacer cosas juntos. Aprendemos mucho el uno del otro.
«Si juntas energía infinita, cero miedo, muchos porros y una cámara, nos encontrarás a nosotros pensando qué locura es la siguiente»
¿Quién de vosotros sería Johnny Knoxville y quién sería Steve-O?
Aquí probablemente empezaríamos una discusión que acabaría demostrando que todos pensamos que somos Johnny Knoxville y que nadie quiere asumir que es Steve-O. Pero, si tenemos que ser sinceros, probablemente habría un reparto bastante claro: uno es el que tiene la idea y el otro es el que dice “sí, hagámoslo” antes de pensar en las consecuencias. Aunque si nos remontamos a esa época, Nao estaba bastante más loco, así que perfectamente él podría ser Steve-O y Adrià Johnny Knoxville.
¿Qué es más importante para vosotros, dentro del grupo: compartir gustos musicales o compartir un sentido del humor?
Compartir gustos musicales es lo que nos unió con 12 años, ya que teníamos un criterio muy parecido y fuera de lo común. Que con esa edad uno fuera fan absoluto de los Beatles y el otro de David Bowie, era destacable. Actualmente estamos constantemente compartiendo música nueva que vamos descubriendo, ya que nos sirve de inspiración para nuestro proyecto.
Es importante remarcar, por eso, que el humor es parte fundamental de nuestra relación y del proyecto que estamos construyendo juntos.
Aunque Jackass como programa empezase a emitirse directamente en MTV, sí tuvo unos inicios muy DIY. ¿Cómo se vive el proceso de profesionalizar tu hobby?
Al principio simplemente haces cosas porque te divierte hacerlas o porque tienes una necesidad vital, y si encuentras a la persona que te suma pues mejor aún. Con KILLIN’ CACTUZ nos ha pasado un poco eso. Durante años hemos ido haciendo canciones, vídeos, conciertos y mierdas diversas sin pensar demasiado en si algún día sería algo profesional. Cada uno ya tiene su faena. Pero luego llega un momento en el que te das cuenta de que aquello que hacías en casa con tus amigos ahora tiene presupuesto, deadlines, contratos, distribución, promoción…
¿Qué es más loco: meterse un anzuelo en la boca y tirarse a un mar lleno de tiburones o mantener un grupo en el panorama indie español?
El mar tiene al menos unas reglas. En el panorama indie español puedes hacer una canción espectacular, tener un videoclip increíble, gastarte todo el dinero que tienes y que el algoritmo decida que ese día no le apetece enseñársela a nadie. O sencillamente que a la gente no le guste. Es una jodida. Así que probablemente los tiburones son más previsibles.
«Montar un concierto es muy Jackass… Un poco como la sensación de estar metido en un coche en llamas»
¿Qué es lo más parecido a una prueba de Jackass que un músico independiente vive de forma habitual y que el público no tiene ni idea?
Un poco todo… pero probablemente lo más loco es montar un concierto. La gente ve una hora y media de música y no ve las 37 cosas que han tenido que pasar para que esa hora y media exista. Hacer promo, transportar material, ensayos, conducir con el coche lleno de cosas, llegar y descubrir que no hay una DI (antes de un concierto siempre, siempre, hemos tenido un problema de esos de WTF!), el merchandising, pruebas de sonido… Es muy Jackass… un poco como la sensación de estar metido en un coche en llamas.
La gran polémica con Jackass siempre ha sido su supuesta influencia en los jóvenes. Para vosotros, ¿qué aporta Jackass a la sociedad?
Creemos que aporta una cosa bastante importante: la capacidad de reírte de ti mismo, buscar lo absurdo… Evidentemente, no hace falta reproducir sus animaladas —nosotros ya tenemos bastante experiencia en eso—, pero Jackass demuestra que puedes hacer algo absolutamente absurdo, llevarlo hasta el extremo y, al mismo tiempo, hacer que haya una amistad y una complicidad real detrás. Y quizá eso es lo que más nos representa: hacer cosas sin saber exactamente dónde van a acabar, pero hacerlas con tus amigos y pasártelo bien por el camino. Al final, Punch empezó así. KILLIN’ CACTUZ también. Quizá la única diferencia es que ahora hay un poco más de presupuesto y un poco menos de posibilidades de que nuestros padres nos castiguen.
La última vez que Alabama Shakes publicaron disco, Donald Trump todavía no había sido elegido presidente por primera vez, así que ha llovido. Tampoco eran un trío, ya que su antiguo batería fue despedido de la banda por turbios motivos. ‘I Must Be Dreaming’, presentado este verano en Madrid, es su primer disco en 11 años y probablemente el más amable en sonido, dado que muchas de las canciones hablan también de amor y felicidad doméstica, aunque no evitan en momentos puntuales hablar de política, visto el panorama.
Es un poco confuso escuchar a la líder y vocalista de la banda Brittany Howard en una canción como ‘Time’ celebrar lo bonito que es levantarse cada día con una persona, y en ‘American Dream’ condenar al ICE, a la Casa Blanca y el cambio climático, entre otras muchas cosas, todo en un mismo párrafo. Da la impresión de que habría agradecido diseminar estos temas en diferentes canciones, en lugar de juntarlos todos en una sola.
Sobre todo porque el ánimo del disco es sereno y cálido. A ello contribuye la atmosférica producción creada junto a Shawn Everett, en este trabajo grabado en Nashville. Las reflexiones sobre la amistad (‘Garden’), los “qué habría pasado si” de la vida (‘Another Life’) o, por supuesto, el amor (‘How Love’s Supposed to Go’) llegan arropadas en una producción nebulosa y difusa, percusiones ricas y guitarras distorsionadas. El rock sureño de Alabama Shakes sigue ahí, pero aquí aparece más difuminado y atmosférico, creando una sensación de flotar sobre una nube o dentro de un sueño.
El sueño se perturba en los cortes más políticos, como la apertura ‘Tea Time’, que con sus texturas psicodélicas adopta un tono casi bélico, pero que decide dar un mensaje positivo: “Con sabiduría para convertir los escudos en espejos / y a los enemigos en amantes”. Esa apuesta por la esperanza se sublima en ‘I Feel Hope Coming’, que con una melodía preciosa y arreglos de afrosoul sueña con que nos desharemos de las “mentiras políticas” algún día. El mensaje político es vago, pero la canción es preciosa y sirve de consuelo, casi tanto como aquel clásico de Sam Cooke.
Quizá no esperábamos después de 11 años un disco tan específicamente entregado a las baladas, que componen la mayor parte del álbum. Aunque es muy atractivo el contraste entre la aspereza de la producción y la dulzura de las melodías de inspiración sesentera, la secuencia habría agradecido mayor dinamismo, ya que solo al final cortes más eléctricos y vibrantes como ‘Waist Deep’, en un corte más folk-rock, dan repentinamente un poco de vidilla al disco.
Precisamente por ser una obra tan atmosférica y centrada en la intimidad, y quizá también por lo nebuloso y divagante de algunas melodías, ‘I Must Be Dreaming’ habría funcionado mejor como un álbum plenamente dedicado a la felicidad romántica o vital en general, ya que sus reflexiones políticas no acaban de dar en la diana, ni mucho menos reflejar el espíritu del álbum. Porque al final son piezas tan tiernas como ‘Tied to You’ las que marcan el camino.
El final del verano ya está aquí. Para casi todos, uno de los momentos más agridulces del año: descansados, pero sabiendo que dentro de poco habrá que abrocharse el chubasquero. Por suerte, multitud de artistas han plasmado este mismo sentimiento en sus canciones. Hoy, presentamos una lista de 5 clásicos con las que afrontar el final del estío.
La tradición de asociar las estaciones a etapas de la vida humana lleva presente en la historia del arte desde la Grecia antigua, alrededor del siglo VI a.C., con Pitágoras dividiendo la vida en cuatro estaciones. En estas, el verano es la juventud y el invierno es la vejez.
Por eso, casi ninguna de las canciones seleccionadas habla literalmente sobre el final del verano, usándose más bien como metáfora de la conclusión de algo más importante, ya sea una relación o incluso la vida misma.
Stevie Wonder – ‘Summer Soft’
El genio estadounidense demostró en ‘Songs In The Key Of Life’, el cual celebra 50 años desde su lanzamiento este mismo año, que sus composiciones son capaces de hacer que uno de los títulos más exagerados de la historia se quede corto. Una de las canciones infravaloradas del LP es ‘Summer Soft’, una preciosa metáfora sobre la evolución de los sentimientos en una relación. Como el verano y el resto de estaciones, estos pasan como si nada y, de repente, te das cuenta de que «es octubre» y «ella se ha ido».
Dusty Springfield – ‘Summer Is Over’
El fin del verano como sinónimo de tristeza lleva más de seis décadas estando de moda en la industria musical. Tom Springfield, hermano de Dusty, y Clive Westlake no se comieron demasiado la cabeza con la letra de ‘Summer Is Over’, siendo probablemente la canción más aparentemente literal de esta lista: la hierba deja de ser verde, las golondrinas salen del nido y las hojas caen al suelo. Eso sí, los imponentes arreglos de Ivor Raymonde hacen que la canción no pueda ser más épica, perfecta para cuando se te cae el mundo encima.
The Cure – ‘The Last Day Of Summer’
Cuando sabes que Robert Smith se estaba acercando a los 40 al escribir ‘Bloodflowers’, el título de esta canción se explica solo. Además de playa, vacaciones y calor, el verano es un símbolo de la juventud y ‘The Last Day Of Summer’ trata justamente el final de esta etapa vital a base de pura melancolía: «El último día de verano nunca había sido tan frío». Como curiosidad, esta canción es la única de ‘Bloodflowers’ en la que otro miembro de la banda pudo participar creativamente, con Simon Gallup encargándose de la composición.
Rod Stewart – ‘Maggie May’
La única canción número 1 de la lista, tanto en Reino Unido como en Estados Unidos, es también la más divertida. ‘Maggie May’ no se centra tanto en el verano como tal («Estamos a finales de septiembre y ya debería haber vuelto a clase»), pero encapsula perfectamente por qué este a veces es más un sentimiento que una estación: las posibilidades son infinitas. Stewart lo ejemplifica contando la historia, «más o menos real», de cómo perdió la virginidad con una mujer mayor en el verano de 1961. Si nos ponemos poéticos, ‘Maggie May’ también habla de la pérdida de la inocencia.
The Beach Boys – ‘Summer’s Gone’
En 1964, Brian Wilson escribió ‘All Summer Long’ después de un verano que estaba a punto de terminar y que representaba el principio de la carrera de los Beach Boys. 48 años después, él mismo se encargó de componer, junto a Joe Thomas y Bon Jovi, la canción que cerraría el último disco de la banda. ‘Summer’s Gone’ es tan devastadora porque no solo representa el final del grupo veraniego por excelencia, sino que también nos recuerda la verdad más incómoda: todo termina.
‘Summer’s Gone’ es un precioso throwback al estilo de producción de ‘Pet Sounds’, con las cuerdas tomando el protagonismo de la pista como si fuese la marea del océano. Tras la muerte de Brian Wilson en 2025, las últimas palabras de la canción resultan totalmente desgarradoras: «Voy a sentarme a ver las olas / Reímos, lloramos / Vivimos, después morimos / Y soñamos con el ayer».
Ausente por inexplicables motivos de muchas listas de la mejor música pop de la historia, probablemente por ser francesa y no encajar en el canon anglo, Mylène Farmer ha construido varios de los mejores hits de pop de la historia, como la enorme ‘Sans contrefaçon‘, la enorme ‘Désenchantée’ o la enorme ‘Libertine’. Todo fan del pop que ignore su discografía tiene que hacer los deberes. Te invitamos a participar en el foro de Mylène Farmer.
Mylène, que acaba de cumplir 65 años este 12 de septiembre, ha seguido publicando discos, con más o menos tino, y el 30 de octubre llega el siguiente, ‘Égrégore’. El álbum toma su título de la idea de un espíritu colectivo creado por los pensamientos y emociones de un grupo. Se rumorea que Angèle formará parte del proyecto, aunque no está confirmado. Tras ‘Confession’ y ‘C’est à qui le tour’, llega ahora ‘Des lols et des quoi’, una canción sobre el deterioro del lenguaje. «Des lols et des quoi / La langue au plus bas» («Lols y qué sé yo / la lengua por los suelos»), canta Farmer en la Canción Del Día para hoy domingo.
«Dis-moi, où sont passés les mots ?» («Dime, ¿dónde han ido a parar las palabras?») resume el planteamiento de una canción que contrapone los «lols» y la jerga de internet con la literatura de Ronsard. «Des lols sans littérature» («Lols sin literatura»), canta también, antes de reivindicar la lengua como algo que va más allá del significado: «La langue est une langue de textures / Autant que de sens» («La lengua es una lengua de texturas / tanto como de significado»). Musicalmente, es un synth-pop elegante y envolvente. El hook no está a la altura de los grandes éxitos de Farmer, pero la producción consigue seducir y envolver.
El videoclip, dirigido por los hermanos Thierry y Didier Poiraud, recupera además a la Farmer de las grandes superproducciones. Rodado en la Bibliothèque nationale de France, la sitúa en una sociedad distópica donde las palabras están controladas. Farmer y un grupo de rebeldes irrumpen en la biblioteca para robar un ejemplar de ‘Les Amours‘ de Ronsard, convertido en objeto de resistencia. El vídeo adopta los códigos de una película de atracos y visualmente resulta mucho más espectacular de lo que cabría esperar de una canción sobre los «lols».
No es un nuevo ‘Désenchantée’, y quizá tampoco pretende serlo. Pero ‘Des lols et des quoi’ tiene suficiente personalidad, un synth-pop muy bien producido y un concepto original. Y cuando llega el final con «Banger, de ouf, trop top / C’est ouf, askip, chokbar, le seum» («Temazo, de locos, súper top / Es una locura, según dicen, qué fuerte, qué bajón»), Farmer convierte toda esa jerga en el remate perfecto para su reivindicación de Ronsard.
Céline Dion ha emprendido su residencia de conciertos en París después de 6 años retirada de los escenarios. La cantante canadiense ha dado este sábado su primer concierto completo desde 2019 en la Plenitude Arena, donde ofrecerá 16 actuaciones hasta el 17 de octubre. Después habrá otras diez fechas previstas para la primavera de 2027.
Dion ya había reaparecido en directo en los últimos años, sobre todo con su actuación de ‘Hymne à l’amour’ en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de París de 2024. También actuó en el desfile de Elie Saab en Riad ese mismo año. Pero lo de París supone su regreso a un escenario para un concierto completo y un regreso mucho más importante.
Entre las primeras críticas, The Guardian habla directamente de un regreso «emocionante» y «triunfal», y destaca que Dion sigue conservando buena parte de su potencia vocal, aunque algunas canciones hayan tenido que ser adaptadas a su voz actual. Los fans están celebrando que Dion se haya animado a cantar en directo, cuando «lo más fácil habría sido hacer playback». No es que Dion sea conocida por hacer playback, pero hay que elogiar la valentía de salir al escenario con la voz ligeramente cambiada.
La crítica destaca especialmente ‘Tout l’or des hommes’, donde vuelve a demostrar su capacidad para las grandes notas, y ‘Courage’, que funciona mejor desde un registro más frágil.
El concierto también tuvo algunos momentos menos previsibles, como una sección disco «muy camp», con versiones de Donna Summer y Eurythmics, y hasta un homenaje a Maria Callas. El público, por su parte, respondió con entusiasmo durante toda la noche. En ‘Pour que tu m’aimes encore’, por ejemplo, el público llegó a cantar tan fuerte que casi tapó a la propia Dion, relata The Guardian.
La BBC ha recopilado también las primeras reacciones de la prensa a su regreso y coincide en señalar la emoción del momento y el buen estado de la cantante sobre el escenario. Entre las críticas recogidas hay especial atención a cómo Dion ha adaptado su repertorio a su situación actual, pero también a la potencia que todavía conserva cuando llegan los grandes momentos vocales.
El regreso a París llega después de que Dion se viera obligada a cancelar su gira ‘Courage’ debido al síndrome de la persona rígida, una enfermedad neurológica que la mantuvo alejada de los escenarios durante años. El documental ‘I Am: Celine Dion’ contaba su calvario y era sobrecogedor. Ahora se nos pueden poner los pelos de punta al escucharla cantar de nuevo.
@bfmtv Après six ans d’absence, Céline Dion est remontée sur scène ce samedi 12 septembre à la Plenitude Arena à Paris. Elle a débuté son concert avec le titre « On ne change pas ». #celinedion#concert#paris♬ son original – BFMTV
Una cuestión clave que tiene todas las papeletas para convertirse en la gran marca de Paco Roca, es su cruzada permanente en favor de la memoria, de cómo esta va construyendo un relato a veces personal y otro colectivo. A los que siempre estamos ávidos de novedades, atrapados en la búsqueda de la sorpresa y en la innovación permanente, nuestros instintos nos dicen, solo a primera vista, que aquí no encontraremos nada de eso. Pero es un espejismo.
En ‘El viaje’ nos damos de bruces con una historia íntima y muy personal, y eso que Roca ya había soltado buena carnaza en entregas anteriores. En ‘Regreso al Edén’ reconstruyendo la infancia de su madre, en ‘Memorias de un hombre en pijama’ con su día a día en clave de humor, o en ‘La casa’, con el fallecimiento de su padre. Esta nueva obra es un cómic centrado en las relaciones de pareja que se apoya en los recuerdos y en las conversaciones cotidianas. La trama se enfoca en Fran, su protagonista, y en cómo transita por el dolor inicial de la ruptura. Con la memoria como aliada, camina poco a poco hacia la aceptación, para, finalmente, rehacer su vida. 8,3.
‘Outline’, de Michéle Fischels
Una de las claves para entender este primer trabajo de la ilustradora alemana no está en la emoción inmediata. Los silencios, tanto de los personajes como de los entornos, dejan un poso final extrañamente desconcertante que llega a generar la sensación de no haber entendido nada. Sin embargo, una vez asimilada la lectura, la narración refleja una desorientación interna que conecta directamente con el estado de transición entre la juventud y la madurez. Sus tres protagonistas viven esta etapa al terminar el instituto, entre amistades que evolucionan en su comportamiento con los primeros amores y los pertinentes e inevitables errores de principiante.
Con ritmo pausado, un dibujo incompleto, estilo boceto como su título, y una paleta de colores apagados-otoñales, la tensión se percibe de fondo, latente. Todo está listo para estallar de forma imprevista ante la menor chispa, reflejando esa incertidumbre tan propia de la adolescencia, que amenaza con arruinar la falsa tranquilidad que los silencios transmiten de manera tramposa. 7,5.
‘Charity y Sylvia’, de Tillie Walden
Tillie Walden narra la historia real de amor lésbico de principios del siglo XIX en un Vermont rural y puritano. Hoy, bien avanzado el XXI y ante el retroceso de derechos consolidados o con los intentos de demonización, su relato asombra por partida doble: primero, por el alto nivel de aceptación para la época, a pesar de un mal comienzo; y segundo, por desmentir la teoría de que la diversidad LGTBIQ+ es una tendencia pasajera moderna.
Dejando de lado la capacidad de Walden para transmitir emociones complejas desde la sencillez, como ya demostró en ‘Piruetas’ o ‘¿Me estás escuchando?’, su labor de investigación entre cartas, diarios y poemas deja una enorme empatía hacia todos los personajes. 8.
‘Dulce basura’, por Kayla E.
Una infancia traumática la de Kayla E., nacida en Texas pero con raíces mexicanas, acuciada por la pobreza, el fanatismo religioso de su familia y los abusos sexuales de su hermano. Mediante un dibujo candoroso, y colores básicos de baja complejidad cromática, la autora explora de manera introspectiva el abuso intrafamiliar, el silencio en el entorno que se supone seguro y las secuelas en su identidad.
Si una sinopsis tan descarnada y un dibujo de tonos amables no cortocircuitan el cerebro del lector, es porque los diálogos y la narrativa desbordan un humor negro, valiente y atrevido, sostenido por una dignidad avasalladora. La obra evoca la célebre frase de Leopoldo María Panero en el mítico documental ‘El desencanto’ (Jaime Chávarri, 1976), que acaba de cumplir justo 50 años: «El humor es el último recurso ante la desesperación total, la única forma de no volverse loco del todo en un mundo que ya lo está». 7,8.
Anni B Sweet sigue desvelando el material de su próximo disco, ‘Alegría’, que llegará el 16 de octubre. El nuevo single, ‘No le encuentro la gracia’, es una explosión de psicodelia inspirada en los años 60, pero con una melodía que evoca también la canción melódica española. Casi como si Anni aspirara a representar a España en Eurovisión 50 años después de tiempo.
La producción, co-producida de nuevo junto a James Bagshaw de Temples, combina guitarras con fuzz, mellotrones, percusiones y todo tipo de pequeños detalles psicodélicos alrededor de una melodía especialmente luminosa y efusiva.
La letra se mueve entre imágenes surrealistas y una cierta épica del desamor: «Las estrellas hoy no son la cura de mis dolores / y la luna porque sufre mal de amores», canta Anni antes de imaginar «las olas quietas» queriendo «ser montañas». Es una canción sobre «recuperar la perspectiva después de una experiencia difícil», pero presentada desde un lugar mucho más luminoso que doliente.
La Gira ‘Alegría’ comienza con dos fechas ya anunciadas: el 19 de noviembre en Razzmatazz, Barcelona, y el 14 de enero en la sala Moon de Valencia. Las entradas ya están a la venta.
19 de noviembre – Barcelona, Razzmatazz
14 de enero – Valencia, sala Moon
Pink ha respondido a las críticas recibidas después de compartir un mensaje que cuestionaba el discurso de Macklemore durante su actuación como telonero de Ed Sheeran en Nueva Jersey. El rapero había terminado su intervención gritando «Free Palestine» y diciendo que quería que sus palabras llegaran hasta Gaza y Cisjordania ocupada.
Pink compartió un mensaje de StopAntisemitism que acusaba a Macklemore de utilizar «propaganda antiisraelí» y pedía que se disculpara. La publicación levantó una ola de críticas contra la cantante, que ahora ha explicado su posición en un largo mensaje en redes, según recoge Rolling Stone.
«Un repost no es una declaración», ha escrito Pink, que reconoce que compartió el mensaje sin estar de acuerdo con todas sus palabras. También ha aclarado que no estaba cuestionando el derecho de Macklemore a decir «Free Palestine». Lo que le alarmó, explica, fue el contexto de su actuación: el rapero pronunció el discurso ante un estadio lleno de familias mientras se mostraban imágenes violentas de la guerra en las pantallas. «No puedes decidir por nosotros», ha escrito Pink, en referencia a los judíos presentes en el concierto.
Pink recuerda además que su relación con Macklemore ha cambiado con los años. Menciona que era fan en la época de ‘Same Love’ (2014), pero critica el disfraz que el rapero llevó meses después y que fue interpretado como una caricatura antisemita, por el que posteriormente pidió disculpas.
Pink, que se identifica como judía, insiste en que no habla en nombre de Israel ni de ningún Gobierno. «Hamas es una organización terrorista», ha escrito, al tiempo que afirma que los palestinos merecen «un futuro que respete su humanidad y sus aspiraciones» y que proteger la vida de los civiles debe ser prioritario.
Hoy sábado 12 de septiembre el Café La Palma dará la bienvenida a uno de los famosos acústicos de Fernando Alfaro, como parte del ciclo Escenarios Madrid de Vibra Mahou. Las entradas están a la venta.
Por los acústicos del mítico cantautor español de los 90, siempre han transitado temas suyos en solitario, como ‘Camisa hawaiana de fuerza’, y también siempre clásicos de Chucho como el magistral ‘Magic’, o de Surfin’ Bichos, como ‘Fuerte’.
La noticia es que últimamente han florecido igualmente versiones no solo de su propio puño y letra, sino también de otros artistas. Así lo contaba en La Tribuna de Albacete: «También hay versiones sorpresa, porque suelo cambiar bastante de repertorio en cada concierto o gira: tengo tantas canciones ya…».
Aunque se nos ha pedido no revelar los temas que Alfaro suele versionar en vivo, podemos avanzar que puede tratarse de clásicos del pop tan ajenos a la imaginería de figuras violentas y fúnebres del artista como ‘Like a Virgin’ de Madonna, cuyo autor falleció justo este año. Algo que no habríamos adivinado ni en millón de años y que le muestran, efectivamente, en «territorios vírgenes» para él. Su pluma siempre fue muchísimo más turbia…
Lady Gaga ya es oficialmente Mother Monster. Page Six publica fotos de la artista junto a su primer bebé, que ha tenido con su prometido y, últimamente, co-autor de sus canciones, Michael Polansky. En las imágenes, tomadas en el norte de California, Gaga aparece llevando al recién nacido en un portabebés mientras pasea junto a su prometido.
La llegada del bebé había sido confirmada previamente por Page Six, pero Gaga no había anunciado públicamente que se hubiera convertido en madre. De hecho, la cantante ha mantenido su vida privada especialmente alejada de los focos en los últimos meses, después de terminar en abril su gira ‘Mayhem Ball’.
Gaga sí había hablado anteriormente de su deseo de ser madre. En una entrevista con The New York Times en marzo de 2025, aseguraba estar «emocionada por ser madre» y explicaba que una de sus mayores preocupaciones era «no imponer a sus futuros hijos una vida que ellos no hubieran elegido». Gaga lleva comprometida con Polansky desde 2024.
No hace mucho, no sé por qué, me dio por ponerme a escuchar «This Is Weezer». Qué de temazos tenían: el dedicado a ‘Buddy Holly’, ‘Island in the Sun’ con su vídeo animal, «Say It Ain’t Soooooooooo», siempre me encantó «I Want You To»… y además últimamente se les ha viralizado el dúo que grabaron con Best Coast.
Este «Gold Album», que les devuelve a las portadas por colores, les devuelve también a cierta normalidad, después de su proyecto de EP’s de 2022, el disco jevi de 2021 y el disco orquestado de 2021. Para grabarlo, han llamado para producir a Klas Åhlund, responsable del sonido Robyn, y a Kenneth Blume, responsable del sonido Geese. Pero no se nota. Parece mucho más determinante que el batería Patrick Wilson haya compuesto el single principal, o que Rivers Cuomo haya dicho que quería fiarse de su instinto en general. Hacer un álbum que le gustase a Patrick.
A Klas Åhlund, de todas formas, no le habían llamado por lo de Robyn, sino porque a Cuomo le encanta el sonido de los discos de Ghost ‘Meliora’ (2015) e ‘Impera’ (2022). Pero es que este «Gold Album» tampoco tiene nada de progresivo ni de metal. Es un regreso a los Weezer clásicos, con píldoras de 3 minutos que buscan sumar singles de éxito a una discografía que ya se compone de 20 lanzamientos.
‘Say Yes’, con su positividad y su aceleración paulatina, es el mejor de todos; ‘Shine Again’, el tema escrito por Wilson, reincide en esa energía optimista, sonando más guitarrero; y el grupo vuelve a afrontar las malas críticas o su posición en la industria musical, algo de lo que llevan hablando varios discos, en ‘Don’t Make It Weird’ y en ‘CE0’. En la primera, Rivers vuelve a reírse de sí mismo, algo que siempre se le dio muy bien («me llaman «Río», pero no «fluyo»), mientras ‘CEO’ es tan autoexplicativa como sigue:
«Sacando otro temazo de los 90
ojalá pudiera hacer algo nuevo
Pero nadie quiere escuchar eso
Solo quieren los clásicos»
Nos creemos que sea verdad, pues salvo el sorprendente viral de Best Coast, hace tiempo que Weezer no dan tanto con la tecla, ni tampoco en este disco que enseguida se llena de clichés tan sobados como ‘The Show Must Go On’ o temas que se llaman «Estoy en las nubes». Weezer rehuyen de la madurez, con letras como «me he comprado una tostadora, y me he tenido que bajar un código QR», en plan «¿quién coño necesita un código QR para tostar una rodaja de pan?» (‘Hoops’). Les ha quedado mucho mejor la colaboración con Karly Hartzman de Wednesday.
Como ‘Go Away’, ‘We Might as Well Be Strangers’ exhibe lo bien que se le dan a Rivers Cuomo los dúos con voces femeninas. Será por lo que siempre le gustaron los 50, los 60, los 70… y este tema tiene una referencia a Nancy Spungen y Sid Vicious («I was Nancy, you were vicious, uh-huh»). Otro disco agradable de Weezer, otro disco que olvidaremos en nada.
No parece casualidad que otra de las series más esperadas de este año, la nueva obra del creador de ‘Mi reno de peluche’ (2024), también trate el tema de la homofobia y la masculinidad tóxica. La violencia está en el aire. Al igual que en ‘De puntillas’, ‘Half Man’ (HBO) está articulada a través de la relación entre un personaje gay y otro hetero, solo que aquí el vínculo no es circunstancial, sino íntimo.
La serie, también narrada mediante flashbacks, recorre la complicada relación de dependencia, dominio, atracción y rivalidad entre dos hermanastros desde la adolescencia hasta la madurez. La parte dedicada a la juventud en el Glasgow de finales de los 80 es fabulosa. Vemos cómo se construye la relación entre dos “medio hombres” a través de un tira y afloja que se revelará increíblemente disfuncional y malsano. Luego ‘Half Man’ acusa el mal de muchas series actuales: está tan estirada que se vuelve repetitiva. Aun así, Gadd consigue que incluso sus excesos resulten incómodamente fascinantes. 7,2.
De puntillas (Tip Toe) (Russell T. Davies)
Russell T Davies (‘Queer as Folk’, ‘It’s a Sinç’) no es muy optimista con respecto al futuro. Ya lo demostró en la distópica ‘Years & Years’ (2019), uno de sus mayores éxitos internacionales, y vuelve a hacerlo en ‘De puntillas’ (‘Tip Toe’, HBO). La diferencia es que, con esta última, no te dan ganas de meterte debajo de una manta a esperar que el mundo se desmorone a tu alrededor, sino de salir a la calle a combatir contra quienes hacen de este mundo un lugar peor (y antes de que sea demasiado tarde).
En ese sentido, ‘De puntillas’ no esconde sus intenciones: es una obra de tesis contra la homofobia en la que personajes (fantásticos David Morrissey y Alan Cumming) y dramaturgia están claramente al servicio del mensaje. No busca tanto la reflexión como la movilización. Eso sí, Davies sabe dotar a ese discurso de suficiente humanidad, profundidad psicológica, tensión dramática y análisis social como para evitar que la serie se convierta en un simple panfleto aleccionador. La serie propone un viaje desde lo que debería ser una situación cómica y de complicidad vecinal -quedarte en calzoncillos sin llaves en medio de la calle- hasta un drama criminal que, como ‘Years & Years’, anticipa un futuro aterrador. Para despertar conciencias, parece decir Davies, es más efectivo pisar fuerte que pasar de puntillas. 8.
Un hombre mejor (Thomas Torjussen)
Y otra ficción más sobre masculinidades chungas. Esto ya no parece una moda pasajera, es puro zeitgeist (habría que añadir también la magnífica ‘DTF St. Louis’). Como ha explicado su creador, Thomas Torjussen, el germen de ‘Un hombre mejor’ (Filmin) nació el 22 de julio de 2011. Ese día, un racista y misógino troll noruego decidió expandir su odio más allá de las redes sociales: asesinó a 69 jóvenes en un campamento en la isla de Utøya, tras haber matado a ocho personas antes con una bomba.
El protagonista de ‘Un hombre mejor’ es ese tipo de hombre deprimido y frustrado que se desahoga en la machosfera. Cuando unos hackers revelen quién es, se verá obligado a esconderse bajo una identidad femenina. El conflicto dramático y la ironía están servidos: el misógino tendrá que experimentar en sus propias carnes aquello que lleva años negando. Cuatro episodios en los que Torjussen combina comedia negra, drama psicológico y retrato social para preguntarse de dónde nace ese resentimiento masculino y, sobre todo, si alguien tan instalado en él puede realmente cambiar. 7,4.
Smoking Behind the Supermarket with You (Tadato Suzuki, Aoi Mori)
La adaptación del popular manga de Jinushi (publicado en España por Panini) es una maravilla. ‘Smoking Behind the Supermarket with You’ (Crunchyroll) está protagonizada por un tipo de hombre muy común en Japón, un país donde existe hasta un ministerio dedicado a combatir el aislamiento y la desconexión social: el oficinista de mediana edad estresado, frustrado y abocado a la soledad no deseada.
La premisa de esta serie de animación es muy sencilla: el protagonista conoce a una joven cajera de supermercado con quien compartirá cigarrillos y conversaciones en la parte trasera del establecimiento. A partir de ahí, el relato avanza como una comedia romántica mínima, encantadora y muy divertida sobre la relación que se establece entre dos solitarios que encuentran en esos encuentros furtivos un pequeño refugio frente a la rutina. ‘Smoking Behind the Supermarket with You’ representa otra clase de malestar: la del trabajador descontento que no convierte su frustración en rabia contra el “otro”, sino en necesidad de compañía. 8,5.
Ravalear (Pol Rodríguez)
‘Ravalear’ (HBO) es una serie sobre la gentrificación y la especulación inmobiliaria, pero también sobre las distintas formas de enfrentarse a la violencia económica. Creada por Pol Rodríguez junto a Isaki Lacuesta (habían trabajado juntos en ‘Segundo premio’), la serie parte de una amenaza muy concreta, el acoso inmobiliario de un fondo buitre a un restaurante familiar del Raval, para observar cómo reaccionan sus personajes ante esa presión.
En ese reparto de respuestas destaca la del protagonista, Àlex (Enric Auquer), el primogénito. Su forma de actuar, impulsiva, individualista y autodestructiva, es la más ligada a cierta idea tradicional de la masculinidad. ‘Ravalear’ funciona bastante bien como thriller social, pero resulta especialmente interesante en su análisis psicológico, cuando contrapone esa fantasía del hombre que debe arreglarlo todo por sí solo, como un héroe de acción de Hollywood, con otra forma de resistencia menos épica y más eficaz: reconocer la vulnerabilidad, pedir ayuda, organizarse y convertir la debilidad individual en fortaleza compartida. Colectivizar la rabia para volverla productiva. 7.
Cariño están listas para sacar su primer disco tras la marcha de María Talaverano: ‘Pop! Magic! Tragedy!’ estará disponible el próximo 6 de noviembre. El grupo ahora formado por Alicia Ros y Paola Rivero ha entregado un adelanto, después de la reveladora ‘Odio la música’, capaz de enamorar a cualquiera. ‘Romántico’ es la Canción del Día.
El gusto de Cariño por el bubblegum pop sigue muy presente en ‘Romántico’, llena de guitarras melódicas y dulces campanitas, al igual que su facilidad por hacer algo totalmente pegadizo. Ros canta sobre los sentimientos que experimentan dos personas tras haber terminado una relación que fue de todo menos aburrida: «Fue todo tan rápido, tan romántico, tan emocionante / Tan dramático, tan atrevido, tan adorable».
Ninguno de los dos termina de superar la relación, con ambos asegurando que lo han superado o que lo han olvidado, pero nada más lejos de la realidad: «No me pongas esa cara, que yo tampoco me olvido», canta Ros. Lo único que les queda ahora es «recoger un poco» su habitación y, sobre todo, tratarse «mejor».
Alicia y Paola también han anunciado una gira que les llevará por Valencia, Barcelona, Málaga, Granada, Zaragoza, Madrid y Bilbao. Todas las entradas están disponibles, excepto las de Madrid y Bilbao. «Cada show incluye un espectáculo de magia!», se lee en el cartel de la gira.
Hoy se publican discos como los nuevos de Bloc Party, Ibibio Sound Machine, This Is Lorelei o Bonobo. De todos ellos puedes escuchar una pista en nuestra playlist de novedades Ready for the Weekend.
El día es especialmente generoso en novedades nacionales. Las hay de todos los colores, desde Anni B Sweet a Cariño pasando por Rigoberta Bandini, Belén Aguilera, Leo Rizzi o stivijoes.
También hay nuevas canciones de slayyyter, Hercules & Love Affair con el líder de los Horrors, Victoria Monét, Shygirl -que está anunciando disco-, The Avalanches o Ellie Goulding, que ha sacado una edición deluxe de su último álbum.
Al igual que Stevie Wonder con su celebración de ‘Songs In The Key Of Life’, Charli xcx tampoco pasará por España en la gira europea de ‘Music, Fashion, Film’. De hecho, no es que pase por demasiados sitios. La artista británica estará un mes, febrero de 2027, de gira por Europa.
Charli xcx solo presentará su último disco en seis ciudades europeas, al menos como parte de la gira oficial: Dublín, Glasgow, Manchester, Londres, Ámsterdam y París. En todas ellas estará acompañada de Audrey Hobert, invitada especial de la gira: «Lista para traeros este espectáculo que tanto amo», ha escrito Charli en Instagram.
La escasez de fechas ha provocado cierta frustración entre sus fans y la propia Charli ha respondido explicando que salir de gira le resulta «realmente duro» a nivel emocional y físico. «Tengo que ser fiel a mi verdad como artista». Charli asegura que no busca la simpatía de nadie y que respeta enormemente a los artistas capaces de afrontar giras «intensas, largas y de alto voltaje», pero reconoce que ella «no es una de esas personas y nunca lo ha sido».
Charli explica que este también fue uno de los motivos por los que decidió hacer una gira norteamericana más corta. «Quizá algún día estaré preparada para el tipo de gira que esperáis de mí, pero ahora mismo no lo estoy», añade, disculpándose con quienes puedan sentirse decepcionados.
La artista termina dirigiéndose a quienes sí acudirán a sus conciertos: «Espero que os lo paséis bien y disfrutéis, y yo haré todo lo posible por mantener una mentalidad saludable y positiva y disfrutar también».
Para acceder a la preventa de entradas, los usuarios se pueden registrar en la página web oficial de la artista hasta el 15 de septiembre. La preventa se realizará durante los dos siguientes días, 16 y 17 de septiembre.
Fechas europeas de Charli xcx:
13 de febrero – Dublín
15 de febrero – Glasgow
17 de febrero – Manchester
19 de febrero – Londres
22 de febrero – Ámsterdam
24 de febrero – París
Spice Girls habían publicado un teaser anunciando novedades que apuntaban a un relanzamiento de su música, y voilà: llega una nueva caja por su 30º aniversario. Se llama ‘The Singles Collection’ y recupera todos sus sencillos, desde ‘Wannabe‘ hasta esa bajona de single que fue ‘Headlines (Friendship Never Ends)’, con B-sides, remixes raros y material inédito. Se publica de cara a Navidad, el 6 de noviembre, en dos ediciones, una en CD y otra en vinilo.
Y menos mal que hay material inédito, porque sus tres discos tampoco parecían dar para tanto. El principal aliciente de la caja está en las demos nunca publicadas: la edición en CD reúne cuatro, entre ellas ‘Do You Think About Me’, una de las primeras grabaciones de Spice Girls. La edición en vinilo incluye dos de ellas. Para un grupo con una discografía tan acotada, descubrir qué hacían las Spice antes incluso de ‘Wannabe’ parece más interesante que otra recopilación de sus hits.
También reciben un tratamiento especial ‘Step To Me’ y ‘Tell Me Why’, con discos dedicados en ambas ediciones. ‘Step To Me’ apareció originalmente en 1997 dentro de una campaña de Pepsi. ‘Tell Me Why’ iba a ser el tercer single de ‘Forever’ en 2000, pero aquellos planes fueron cancelados y ahora recibe tratamiento de single 26 años después.
Las dos cajas reproducen las portadas originales de los 14 lanzamientos e incluyen cinco postales coleccionables, una tarjeta numerada, un charm acrílico conmemorativo y un libreto con nuevos mensajes de las cinco Spice Girls. El de la edición de vinilo tendrá 28 páginas y el de CD, 32. Suficientes para hojear mientras piensas en la gira de reunión que NO tendrá lugar.
Harry Styles ha anunciado los conciertos de su gira de 2027, que incluyen un par de fechas en España, concretamente en Madrid: serán los días 30 y 31 de julio de 2027 en el Riyadh Air Metropolitano. Y la artista invitada es Feist, nada menos.
Las entradas para los dos conciertos de Harry Styles en Madrid saldrán a la venta general el 14 de septiembre a las 16:00, con preventa AMEX desde las 9:00.
De hecho, los artistas invitados de la gira merecen ser comentados aparte, porque son de primer nivel. Ahí están Kylie Minogue tocando en Los Ángeles, Caroline Polachek en París, o esos LCD Soundsystem que tanto han inspirado la era actual de Styles, en Roma.
Y no se acaba ahí: Tinashe estará en Phoenix, Ca7riel & Paco Amoroso en Dallas, The Womack Sisters en Chicago y, nada menos, Tears for Fears en Londres. El resto de artistas invitados incluye a Lainey Wilson, Q Marsden, Getdown Services y Baby Rose.
Noel Gallagher se pasó los primeros 40 minutos del gran concierto de regreso de Oasis sin saber ni dónde estaba, deseando volverse al «backstage». Hablamos de un hombre que triunfó desde su primer single, que vendió millones desde su primer largo, que actuó para 250.000 personas antes de cumplir 30 años y que nunca dejó de cantar en solitario los éxitos de su banda, delante de miles.
Pero ni todas esas pistas le hicieron sospechar lo que la reunión de Oasis significaría para tanta gente. Las entradas para sus primeros conciertos en 15 años volaron pese a programarse a modo de residencia en grandes estadios, y mucha gente quedó fuera pese a las protestas por los precios dinámicos. El nuevo documental ‘Don’t Look Back In Anger’ se vertebra en torno a tres ejes. El primero son historias de fans de distintas partes del mundo a los que vemos gritar extasiados, llorar a lágrima viva, cantar de rodillas ante la que fue su banda favorita. Uno cuenta cómo Oasis le sacaron de la depresión. Otra llamó a su perro Bonehead por el guitarrista más carismático que tuvieron.
En segundo lugar, retrata los ensayos de esa gira e incluye una entrevista exclusiva con Noel y Liam, que como todos sabemos, habían dejado de hablarse hasta el punto de que sus hijos ni siquiera se conocían. Los directores Dylan Southern y Will Lovelace, previamente responsables de documentales sobre Blur y LCD Soundsystem, situaron 10 cámaras fijas en el local de ensayo para capturar de manera natural cómo se produjeron esos primeros encuentros entre la banda. Liam, que no toca más que la pandereta-sombrero, llega el último lógicamente, y su primera entrada y -sobre todo- una de sus salidas, no decepcionan. «Hooligans con preocupantes problemas para socializar y expresar emociones», podría ser el subtítulo de esta película.
El último punto y el que ocupa mayor metraje son las actuaciones del grupo en estadios enormes de distintas partes del mundo, comenzando con el ya mítico primer show de Cardiff. Se alternan igualmente imágenes de archivo de la juventud de Oasis: comprobamos que las canciones suenan prácticamente igual y que ellos se conservan sorprendemente bien pese a los excesos. La mayor parte del documental se dedica a enseñarte cuán bien han envejecido clásicos como ‘Hello’, ‘Champagne Supernova’ o ‘Stand By Me’, aparte de los 2 o 3 que todo el mundo podría mencionar. El documental te gustará, más que nada, si quieres disfrutar de estas actuaciones, bien rodadas, en pantalla grande, a todo volumen… ¡Si están hasta guapos!
La parte de las entrevistas es la gran decepción de ‘Don’t Look Back In Anger’. El guionista y creador del proyecto Steven Knight (‘Peaky Blinders’) es incapaz de penetrar en la vida de los Gallagher de ninguna de las maneras. Ni se menciona la posibilidad de que Oasis se hayan reunido solo por el dinero (y se comenta que Noel Gallagher salió muy mal parado de su divorcio), ni se pregunta en qué consistió la famosa discusión que condujo a su separación en 2009. El cáncer de Bonehead no existe. Cuando se cuenta de qué manera ‘Don’t Look Back In Anger’ se convirtió en un himno tras los atentados de Manchester a las puertas de un concierto de Ariana Grande, nadie parece recordar que Liam puso a caldo a Noel por no sumarse a los conciertos benéficos «a cantársela a los chicos» que lo estaban pasando tan mal. «Don’t Look Back In Anger», podrían respondernos, en efecto. Pero quien quiera conocer un poco mejor a Oasis, mejor que vea el documental ‘Oasis: Supersonic’.
Aquella película de hace 10 años era también mucho más divertida en su montaje, e infinitamente más imaginativa en lo formal. Aquí, los trucos se limitan a introducir piezas de música clásica (Schubert, Tchaikovsky) en momentos clave de los conciertos para sumar más épica. Y funciona. Esta nueva película arranca alguna sonrisa -como también alguna lágrima-, como ese momento en que el director de seguridad da instrucciones con citas de Oasis o la mención a Rolling Stones-, pero no las carcajadas que debería. Oasis eran humor salvaje a lo ‘Derry Girls‘ -y por cierto siguen defendiendo que son irlandeses-, mientras esta cinta les muestra muchos más recatados. Más maduros, sí. Oasis, ahora el grupo perfecto para las emisoras de público adulto.
Paris Paloma se enfrenta a uno de los mayores retos de los músicos hoy en día: continuar con su carrera como pueda después de un viral en TikTok. Una red que aporta tantos streams estratosféricos como fidelidad igual a cero. ‘The Fatal Flaw’ es el segundo álbum de la artista británica, el primero desde que lograra un gran éxito con su tema ‘labour’, que terminó convertido en himno feminista para muchas mujeres que sienten que se les exige en su vida diaria mucho más que a los hombres.
El tema contenía un puente en el que se cuestionaba la necesidad de ser «todos los días terapeuta, madre, esclava, ninfómana y luego virgen, enfermera, sirvienta, un apéndice que atienda a un hombre mientras él no levanta un dedo». Significó tanto para tantas mujeres que llegó a publicarse una edición «cacophony» con el añadido de voces femeninas a los coros, reforzando la sensación de colectividad. Dos años después, ‘The Fatal Flaw’ es un álbum también profundamente feminista.
En ‘Pre-Raphaelite’, uno de los 5 singles de adelanto, Paris Paloma reflexiona sobre el modo en que la apariencia de las mujeres es juzgada en base a ciertos estándares de belleza. Por tanto, ha escrito el tema como celebración de la belleza única de cada una, inspirándose en musas prerrafaelitas como Jane Morris y Elizabeth Siddal, que cree que habrían recibido un enorme «hate» en su momento por sus fuertes rasgos, pero hoy son consideradas obras de arte. Dice, su estribillo, angustiado: «Tengo la sensación de que, cuando oscurece, ella resplandece / Ella baila desnuda, pero mi cuerpo, yo jamás podría mostrarlo / Ella está en un cuadro y yo estoy fuera de él».
En la misma línea, afirma haber escrito ‘Good Girl’ en el momento de haber alcanzado el «límite de lo que podía soportar en cuanto a cultura de la dieta, cultura del antienvejecimiento, cultura de la cirugía plástica y sobre todo la policía en torno al cuerpo de las mujeres». «Si me llamas «buena chica» una vez más, mi puño se estrellará contra tu cráneo», advierte la letra. Poco después, el tema paralelo llamado ‘Good Boy’ se abre con Emma Thompson citando un artículo de The Guardian que la columnista Rebecca Shaw tituló: «sabía que un día vería a hombres poderosos quemar el mundo, lo que no me esperaba es que fueran unos «losers»». El artículo hablaba, entre otras cosas, sobre Elon Musk, Mark Zuckerberg y Donald Trump.
Esto es tan solo la punta del iceberg de un disco que a menudo recurre a figuras literarias, históricas o cinematográficas, para expresar inquietudes diversas, más o menos relacionadas. Comenzamos con un tema llamado ‘Miyazaki’ en honor del co-fundador de Studio Ghibli. Este va sobre el arte en sí y está relacionado con unas declaraciones de Hayao Miyazaki contra la IA: «no soy una persona violenta, pero hago las cosas con agresividad / no soy una persona violenta, pero mi trabajo es una excepción», dice otro de los singles del álbum.
‘Rothko’ habla sobre la frustración que le produce a Paris Paloma no llorar con los grandes bloques de color de este artista, como otras personas afirman haber hecho. Su autorrespuesta ‘I Cry In Front of Paintings’ contiene una cita a Orfeo, como «Pyrrhus» reinventa la historia del guerrero griego… y así podríamos seguir hasta llegar al título del álbum, que está sacado del principio de ‘El Secreto’, la célebre ópera prima de Donna Tartt, un apasionante thriller pero no tanto una obra social ni de grandes ínfulas. La cita era «¿Existe, fuera de la literatura, ese «defecto fatal», esa hendidura aparatosa y oscura que marca una vida»?
Si este álbum tuviera ese «defecto fatal» sería el de meter demasiadas disciplinas artísticas en un cajón de sastre demasiado pequeño. Las composiciones de Paris Paloma pueden ir del trip hop (‘Pre-Raphaelite’) a la balada acústica (‘get her the fucking flowers’), pasando por el synth-pop (‘Good Girl’). Y eso implica dos problemas: el primero es que no puedes tener las mayores ambiciones líricas del mundo, mientras con la música transmites únicamente a la gran mayoría que eres la nueva Gracie Abrams, o la nueva Florence + the Machine en el mejor de los casos (‘Stem the Flow’, «Pyrrhus»). Y el segundo es que cuando apuntas tan alto con tu mensaje, lo mínimo es entregar un himno que consiga transcender redes sociales, estratos y generaciones, y en este disco no termina de sonar ese ‘Zombie’, ese ‘Shake It Out’.
Es cuando se queda más cerca de lo épico cuando termina de cuadrar lo que Paris Paloma nos cuenta con cómo nos lo cuenta, y cómo nos lo transmite con una portada tan dramática. ‘I Cry in Front of Paintings’ puede ser por eso la mejor canción del conjunto y no sé si es tan buena idea que sea la última pista. Este álbum, estaba llamado a ser tan grandilocuente como ‘El señor de los anillos’ -otro de sus interminables referentes- desde el principio.
Ya fuera de la lista de álbumes británica, el enorme ‘This Music May Contain Hope‘ de RAYE debería resucitar en Navidad. Material tiene de sobra: entre las baladas, nosotros apostaríamos por ‘I Know You’re Hurting’. Entre las animadas, ella ya ha elegido la eufórica y alegre ‘Joy’.
El tema que une a RAYE con sus dos hermanas, Amma y Absolutely, ambas cantantes y también coristas de su gira, es un dechado de alegría de ritmo trotón, vientos muy Michael Jackson y sonido de inspiración Motown. Todo ello combinando coros gospel con un sample de ‘Damn Right I Am Somebody’ de Fred Wesley & The J.B.’s no tan fácil de ubicar.
En ‘Joy’, que en la secuencia del álbum llega después de la larga tormenta, RAYE declara que ya no va a sufrir más y que ahora solo quiere alegría en su vida: después de toda la noche «llorando», por la mañana llega un nuevo día. La influencia gospel deja pasajes tan espirituales como «Cover me with Your feathers, Father / Shelter me with Your wings», aunque RAYE mantiene la universalidad del mensaje.
Con lanzamiento en Wikipedia anunciado en el pasado para el 22 de septiembre, una fecha que todavía no ha llegado, ‘Joy’ ya cuenta, eso sí, con su propio videoclip, que te arranca una sonrisa desde los primeros segundos.
El vídeo, protagonizado por RAYE y sus hermanas, sigue al trío por Londres a bordo de la «Joymobile», sorprendiendo a distintas personas con girasoles y capturando sus reacciones. ‘Joy’ es una descarga eléctrica en forma de canción, una inyección de alegría que llega justo cuando ‘This Music May Contain Hope’ más la necesita.
Shakira no para quieta y de cara a su residencia en Madrid, las noticias se suceden. Si hace unos días averiguábamos que el espectacular cartel de su paso por España incluirá nombres como Nathy Peluso, Amaia o Guitarricadelafuente, ahora sabemos que también habrá nuevo single.
Se ha anunciado que justo el 17 de septiembre, a tiempo para el inicio de la residencia, que comienza el día 18, saldrá un nuevo tema junto a Maluma. ‘Agua’ tratará de repetir el pelotazo dado en su momento por ‘Chantaje’ -acaso la mejor canción de toda la carrera del colombiano- y tratará de no pasar tan desapercibida como la también reivindicable ‘Trap’. En todo caso, será muy diferente a ambas.
Por los teasers que ha dejado caer Maluma en Tik Tok, ‘Agua’ será un merengue, basado en la idea de alguien con el que «se te hace la boca agua». Un tema que puede volver a poner a Maluma en el mapa y ser un suma y sigue para Shakira, que este verano ha alcanzado el top 1 Global con ‘Dai Dai’, su tema para el Mundial de fútbol (aunque no en España, donde tuvo que conformarse con el puesto 2).
