Pese a las críticas antagónicas recibidas entre nuestros lectores, de «esto es todo lo que le pido a un bop» a «genérica», no hay otra canción estos días que os haya gustado más que ‘Bring Your Love‘. El tema es el nuevo número 1 de JENESAISPOP recibiendo mucho más apoyo del que recibieron ‘Popular’ o ‘Vulgar’. El dúo entre Madonna y Sabrina Carpenter recibe hasta el 57% de los votos en Instagram, mientras el tema de Gaga y Doechii para ‘El diablo se viste de Prada 2‘ se queda el 22%. Este supone el 11º número 1 en nuestra lista semanal para Madonna y solo el 2º para Sabrina tras ‘Espresso’. Solo Lana (15), Rosalía (13) y Lady Gaga (12) tienen más números 1 que Madonna en JNSP. Florence también tiene 11.
Otras entradas destacadas son ‘Después de ti’ de Karol G y Greg Gonzalez, Fillas de Cassandra, Honey Dijon, María José Llergo y RATA.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
Namasenda es una de las artistas que mantienen viva la llama creativa del hyperpop. Artista originalmente fichada por PC Music -antes de que el sello anunciara su parón-, la sueca Naomi Namasenda ha firmado temas explosivos como ‘Demonic’ o ‘Bad Love’ y ha colaborado con Oklou, La Zowi o Thy Slaughter, el dúo formado por A. G. Cook y Finn Keane, cuyo disco de 2023 anticipó el sonido que está marcando la nueva era de Charli xcx.
Acogida ahora en YEAR0001, sello que ha últimamente ha editado el enorme disco de Anna von Hausswolff, Namasenda acaba de publicar su segundo largo, ‘Limbo’, donde explora sonidos trance, eurodance y Latin club sin abandonar la pátina lustrosa habitual.
Siguen equilibrando inmediatez pop y modernidad sonora sencillos como ‘Cola’ -con ritmos satinados de funk brasileño- o la envolvente ‘Madonna’, mientras ‘Bad Love’ es uno de los sencillos destacados, hasta el punto de que acaba de relanzarse con un remix de Nick León. Y como en el disco de otra sueca, Zara Larsson, puede que el remix sea mejor que el tema original.
Sin embargo, hoy no nos complicamos la vida y destacamos como Canción del Día el tema más popular de ‘Limbo’, ‘Miami Crest’.
Precisamente el disco de León era un homenaje a Miami, aunque de la producción de ‘Limbo’ se ha encargado el colectivo Medium, también sueco. ‘Miami Crest’ toma de ‘A Tropical Entropy‘ (2025) su influencia del dembow con enfoque club y ravero, si bien quizá el diseño sonoro intenta menos captar la humedad de Miami y más llevarnos a una especie de ensoñación futurista. En cualquier caso, el gancho “Fake it, fake it, fake it, nah-ah-ah / I like the way you ah-ah-ah-are” resulta infalible.
Dua Lipa ha demandado a Samsung por presuntamente usar su imagen sin autorización en cajas de televisores vendidos en Estados Unidos. La cantante reclama al menos 15 millones de dólares por infracción de derechos de autor, uso indebido de su imagen y violación de marca registrada.
Según la demanda presentada el 8 de mayo en California, Samsung habría utilizado una foto de Dua Lipa tomada en el festival Austin City Limits en distintas cajas de televisores. La artista asegura que nunca ha dado su consentimiento para ese uso comercial.
El caso salió a la luz después de que usuarios en redes sociales comenzaran a hablar de la llamada “Dua Lipa TV Box”. Un comentario llegó a afirmar: “si necesitas vender un producto, solo pon una imagen de Dua Lipa sobre él”. Según la demanda presentada por Lipa, Samsung ha ignorado varias solicitudes para retirar los productos del mercado.
Según la denuncia, “la copia y distribución de la imagen de DL por parte de Samsung constituye una infracción deliberada de derechos de autor y de marca registrada, además de una violación del derecho de imagen de la señora Lipa, con el objetivo de aprovecharse indebidamente del éxito logrado con esfuerzo por la artista para promocionar y vender productos de Samsung”.
En su momento no se comunicó, pero el parón temporal de Vetusta Morla tuvo que ver con el cáncer terminal que diagnosticaron al padre de Guille Galván a finales de 2021. No se debió solamente a eso pero una formación con tanto sentido de grupo no pudo ignorarlo. El co-autor principal de la banda empezó entonces a escribir un libro de poemas que, poco a poco, fue transformando en canciones, muy diferentes a las de Vetusta.
‘Nadie con ese nombre vive aquí’ tiene una vocación de cantautor muy marcada. En sus primeros pasajes son Aute, Sabina, Rosa León o Nacho Vegas, los nombres que vienen a la mente. Uno nunca se imagina a Pucho entonándolas. El álbum debe su nombre por un lado a una frase de ‘My Father’s House‘ de ‘Nebraska‘, el disco más autoral del Boss, en la que un hombre vuelve a la casa en la que se crió, topando con que alguien le dice que «ya nadie con ese nombre vive aquí». Y también a una coincidencia de las que ponen los pelos de punta: cuando citaron a Galván para hacer las fotos de este disco, le emplazaron a quedar a 10 metros de la que fue su casa de niño. De ahí han salido las fantasmales instantáneas promocionales, realizadas en el portal de su infancia.
Después de la frase «I’m sorry, son, but no one by that name lives here anymore» hay un solo de armónica en el tema de Bruce Springsteen, y ese es uno de los instrumentos que resuenan en ‘La botella’, la primera canción de este álbum. Y sin embargo, este no es finalmente un álbum de cantautor al uso, como tampoco uno exactamente sobre la pérdida de un ser querido. La canción va torciéndose elaborando un final muy Radiohead, como lo es la áspera ‘No me dejes quieto’.
En cuanto a los textos, son variados y a veces difíciles de descifrar, como en ocasiones ocurría con las canciones de Vetusta Morla. La sociedad actual se cuela en algunas letras aisladas («Yo solo quería verles caer», en ‘La botella’; «¿Sabe el tirano que, cayendo, puede ser flor de dominó?», en ‘Los motivos’), mientras algunas resultan impenetrables. «Soy el peine de los vientos en las rocas de tu orilla: empapado, oxidado y sin salida», dice ‘Justo en el medio’.
Tras unas primeras pistas en las que lo mejor es la espectacularidad de la producción de amigos como Campi, David Soler o Marcel Bagés, las cosas se aclaran en ‘Pulso y belleza’ cuando el retraído autor se decide a abrir su corazón. O, como él diría, a «abrir el pecho sin tener el control, limpiar las telarañas que enredan la voz». A partir de esta maravilla de producción, cuyas cuerdas al límite recuerdan a los trabajos más ampulosos de Nick Drake, es que encontramos las mejores canciones del álbum.
‘En qué momento dudé de ti‘ habla sobre alguien que «dejó de hacer pie», de una voz que se hiela y de un momento en que necesitamos convertirnos en un «ovillo invisible». ‘Hay un coche ardiendo’ es un tema que esconde tensión e indecisión, con un gancho instrumental liberador, deudor por sorpresa de New Order y OMD. Y el paso de ‘Huellas en el aire’, con el mejor estribillo del álbum, un guiño a ‘Érase una vez… el hombre‘ (que escribió Perales), y culminada con un balbuceo de niño; a ‘Túnel de la M-30’, dedicada obviamente a sus hijos, es brillante. Ahí es cuando más sentimos a Guille Galván, cuando habla de que «el tiempo es un ladrón con los guantes de seda», cuando explica a su hijo que «todos los que fuimos, todas las que somos» estarán para siempre con nosotros.
El artista se reencuentra con su infancia y se refugia en su familia actual en un álbum que parece buscar proteger a los suyos, y protegerse también a sí mismo. Construyendo fortificaciones para ello, «canciones muralla»: «Quisiera hacerte una canción, una canción muralla / que te proteja del vacío cuando no haya nada».
Anoche empezaba en Barakaldo la gira de reunión de La Oreja de Van Gogh con Amaia Montero. El tour agotó entradas en cuestión de minutos, y tuvo que ir sumando fechas. La gran sorpresa del repertorio es que ha incluido, además de todos los esperados éxitos del grupo, tres canciones de la era de Leire Martínez, cuya salida de la formación fue muy cuestionada por la opinión pública. Sobre todo por las formas.
El concierto empezó con ’20 de enero’ y terminó con ‘Puedes contar conmigo’, incluyendo en medio canciones como ‘París, ‘Pop’, ‘La playa’, ‘Rosas’, ‘Cuídate’ o ‘Muñeca de trapo’.
Entre los temas de Leire que se han incluido destacaron ‘El último vals’ y ‘La niña que llora en tus fiestas’, aunque no sonó ‘Jueves’. Amaia mostró cierta dificultad para recordar estas letras, aunque parece en muy buena forma física tras sus comentados problemas de salud.
Como no podía ser de otra manera y, a diferencia de lo que ocurre con otros conciertos, especialmente de artistas masculinos, el estado de su voz está siendo sometido al máximo escrutinio, y los peores momentos del show se están viralizando en redes. No obstante, las críticas en El País y en la prensa local son positivas. Elene Arandia de Diario Vasco apela al valor de la nostalgia en su crónica, indicando que «Las canciones hicieron todo el trabajo».
Sobre su voz, indica que «se acomodó con solvencia a las canciones en general; hoy más grave, menos flexible y con dificultades puntuales para sostener algunas melodías, sobre todo, los pasajes agudos, donde en ocasiones estuvo complementada por coros propios y algunos apoyos vocales en recordings». En los vídeos son muy perceptibles los coros de Xabi San Martín.
Urko, lector de JNSP y seguidor de LOVG desde sus inicios, nos ofrece su visión de lo ocurrido, muy esclarecedora: «Amaia estuvo perfecta el 90% de las canciones (superando las expectativas), cantó mal 3 de las veintipico; la nueva, «La niña que llora» y la versión de «Nothing Compares». Pero es que en el 97 ya era así, sin haber pasado por todo lo que ha pasado y con 30 años menos».
Continúa: «Llevamos yendo a conciertos de La Oreja desde el principio, porque en Donosti siempre tocan. Desde que ganaron el concurso de maquetas… y Amaia pone intensidad y emoción, pero no siempre afina: siempre ha sido así. Nos llevamos una grata sorpresa con su desempeño vocal, la verdad. Por eso me da rabia lo que está circulando. Eso sí, estaba muy nerviosa y muy insegura, supongo que por toda la presión. No sé… allí todo sonó bien y el público lo dio todo, muy buen recuerdo, la verdad. ¡Concierto de 9!».
Como dijo un día MAMÁ Belinda: POR RESPETO AL ARTISTA ME APRENDO LA LETRA. Menudo desastre lo que acaba de pasar con LA NIÑA QUE LLORA EN TUS FIESTAS. pic.twitter.com/pA70vgIcVj
Por primera vez en su carrera, Puma Blue hacía parada en España, con fechas en Madrid y Barcelona, para presentar su último y gran trabajo, ‘Croak Dream’. Mucho ha tardado en venir a nuestro país, pues si algo se demostró en el concierto en Café Berlín esta semana, con entradas agotadas, es que el londinense tiene un buen puñado de fieles seguidores.
El artista salía al escenario entre un mar de humo y luces rojas, acompañado de sus cuatro músicos. Enseguida, acercaba un walkie-talkie a su micrófono, generando un desasosegante siseo, que daba paso a las primeras notas de la muy Radiohead ‘Croak Dream’. Si algo caracterizó la velada fue, sin duda, el ambiente atmosférico que implantaron desde el principio, sumiendo a la audiencia en un estado de trance del que era difícil desentenderse. La voz andrógina de Jacob Allen emergía como un arma seductora y sugerente; su peculiar falsete brillaba sobre unas composiciones cargadas de capas y capas de sonido.
El setlist alternaba indistintamente tanto canciones de su último disco, como de sus anteriores proyectos (aunque no hubo espacio para su debut en formato largo ‘In Praise of Shadows’). Pese a las ligeras diferencias estilísticas que hay entre ellos, el artista supo adaptar cada una de las canciones a las tonalidades psicodélicas trip-hoperas de su álbum más reciente, haciendo que todo sonara como si perteneciese a él. La sensación era como la de asistir a un concierto en el Roadhouse de la tercera temporada de Twin Peaks. Tal era el nivel de inmersión que generaba, que Allen no se dirigió al público hasta bien entrados los 40 minutos de espectáculo.
Cuando lo hizo, la gente se animó más, pero las interacciones posteriores del artista con la audiencia siguieron siendo tímidas. El único objetivo era conectar a través de la música. Y se cumplió con creces, no solamente gracias a la presencia del cantante y guitarrista, sino también al buen hacer de su banda, que sacaban oro de sus respectivos instrumentos: bajo, batería, sintetizador, teclado y saxofón. Los momentos más poderosos de la noche estuvieron reservados precisamente a los pasajes puramente instrumentales. El saxo en ‘Oil Slick’ y en ‘Jaded’ sonó particularmente glorioso.
Para el final, el británico se guardó algunas de sus canciones más queridas, pertenecientes a EPs y singles sueltos que salieron entre 2017 y 2018, como el bedroom pop con toques jazz de ‘Moon Undah Water’, o su tema más popular hasta el momento, ‘(She’s) Just a Phase’, tras el que se retiró del escenario. No tardó en volver a salir ante el calor de los asistentes, que le hicieron sentir en todo momento muy arropado, mandando un mensaje claro: Madrid no puede faltar más en las próximas giras. El jazz rock de ‘Bruise Cruise’, de su EP ‘Blood Loss’, puso el broche final a un concierto de un marcado carácter sensorial, de esos que invitan a olvidarse de todo y simplemente dejarse llevar.
Las 14 canciones nuevas de Quevedo continúan fuertes en las listas españolas. Pese a que hay nuevo disco de Rels B y este ha metido 10 de sus 11 temas en el top 50 de Spotify, Quevedo sigue mandando.
Pedro sigue dominando el top 6 de las canciones más reproducidas del país 2 semanas después. De hecho, el tema de ‘EL BAIFO’ que más bajo encontramos en el top es ‘EL BALCÓN’ y aún está en el puesto 48 de Spotify España. Rels B «solo» ha podido llegar al puesto 11 con ‘LLEVA AL SOL’.
El tema favorito del público de lo nuevo de Quevedo hace tiempo que no es ‘NI BORRACHO’ ni el otro single ‘SCANDIC’. Primero el público se decantó por ‘LA GRACIOSA’ con Elvis Crespo, y en los últimos días se ha aupado ‘AL GOLPITO’ con Nueva Línea.
Otro tema bien fuerte (top 4 en Spofify España) que seleccionamos como Canción del Día es ‘EL BAIFO’. Es uno de los que mejor representa el disco en su viaje de Canarias y Latinoamérica: no en vano es el que le da nombre.
‘EL BAIFO’ comienza sonando al reggaeton de Daddy Yankee y Don Omar allá por 2003 y 2004. A aquello remiten los primeros percusiones, teclados, cajas de ritmo. Sin embargo, Quevedo luego rinde un profundo homenaje a su tierra, con varias referencias geográficas y lenguaje coloquial. Hay mil: el guateque en Guayadeque», los «chicharreros y conejeros», el mojo picón, estar «en diciembre en cholas», Telde, Vecindario, las discotecas Sotavento y Paper… Y finalmente: «El día que me muera, entiérrenme en Las Canteras / Y tiren al mar la pintadera».
Por si la canción no estuviera bien arriba con su trepidante rap, en el que Quevedo también recuerda su pasado como albañil («yo era El Baifo hasta cuando pinté ladrillos»), el estribillo remite a una vieja canción popular, de melodía preciosa y memorable, que los niños suelen cantar en la escuela: «Vivo en un archipiélago donde tocan el tambor / y la gente se mueve / En medio del Atlántico donde vivimos tú y yo / Donde sé que me quieres»
Al final la melodía es reducida a su mínima expresión, dejando que solo suene el timple canario, un instrumento similar a un ukelele.
Ver a los BTS navegando en un velero, fregando la cubierta como un grumete del siglo XVI y tirando de una soga más gruesa que toda la tripulación puesta en fila, es el equivalente a ver una versión de ‘Master and Commander’ hecha a la manera de ‘Bugsy Malone, nieto de Al Capone’.
Planteada como una fuga onírica, el vídeo de ‘Swim’ (single perteneciente al álbum ‘ARIRANG’) está protagonizado por una mujer (Lili Reinhart, conocida por la serie ‘Riverdale’) que, brújula en mano, parece haber “perdido el norte”. En la Sala de los Descubrimientos del Museo de la Marina de Lisboa le da un vahído a lo magdalena de Proust que la transporta a una fragata navegando a toda vela por el Atlántico.
Lo que sigue es una mezcla del imaginario pop marinerito a lo Jean Paul Gaultier y una fantasía romántica naval que bien podría titularse como el clásico de Camela: ‘Cuando zarpa el amor’.
Tanu Muino, directora de ‘Chicken Teriyaki’ de Rosalía o del premiado ‘Montero (Call Me by Your Name)’ de Lil Nas X, echa mano de todos los clichés estilísticos e iconográficos de la épica marina -planos contrapicados para enfatizar la altura y grandiosidad de velas y mástiles, miradas al horizonte “tierra a la vista”, planos aéreos del barco navegando, marineros calculando el rumbo o escrutando el horizonte con un catalejo-, dispuestos mediante el uso de la cámara lenta, quizá como forma de subrayar el carácter onírico de la narración.
Teniendo en cuenta el revuelo que se formó con el reclutamiento de los integrantes de la banda para hacer la mili, ¿se podría ver ‘Swim’ como un guiño al servicio militar que cumplieron hace un año?
Recientemente la taquilla española ha vivido su mejor abril en 7 años gracias a la coincidencia de dos blockbusters de vocación ultra pop: ‘Michael‘ y ‘El diablo se viste de Prada 2’. Los dos están gustando al respetable, es evidente. Pero los dos podían haber sido mucho mejores con muy poco esfuerzo. Uno, reconociendo desde el principio que es el primer capítulo de una miniserie. Y el otro, con un equipo de guionistas más imaginativo.
La contraposición entre el pérfido personaje de Meryl Streep, inspirado en Anna Wintour, y una ingenua Anne Hathaway fue convirtiendo ‘El diablo se viste de Prada’ en un clásico de las comedias del siglo XXI. 20 años después, el director David Frankel reúne a los personajes en plena crisis de periodismo a nivel mundial.
La cinta hurga en la herida del papel, que ya no es lo que era, e incluso de los digitales, algunos también en vías de extinción. Lo más divertido de ‘El diablo se viste de Prada 2’ es el reflejo de cómo han cambiado los tiempos y el «eye rolling» con que la malvada Miranda Priestly los recibe. ¿Por dónde se pasan los viejos responsables de una revista de moda el lenguaje inclusivo? ¿Era «body positive» o «body negative»? No, no han podido volver las riñoneras. De ninguna manera.
La química entre personajes antagónicos sigue ahí y por eso la película está funcionando igual de bien, porque mantiene intacta su temática principal: la necesidad de aprobación ajena, de validación de alguien que admiramos.
Menos funciona ‘El diablo se viste de Prada 2’ cuando pretende parecerse demasiado a la realidad actual. ¿Qué hace Miranda viajando en turista, solo porque no le paguen el viaje desde su revista? ¿Pero no es millonaria por sí misma? Las incongruencias fantásticas ya han despertado ampollas entre los profesionales de la moda. ¿Qué muestra la película de una redacción? A Andy Sachs sin hacer ni el huevo, cual Carrie Bradshaw en plan «jo, tía, qué escribo esta semana que se pueda viralizar». ¿Cómo es la realidad? Una redactora haciendo 6 artículos y 2 vídeos para redes, por día, a ver si con alguno pudiera sonar la flauta.
Tampoco está muy ágil el principal conflicto que plantea esta continuación de la saga. En la trama romántica de Andy Sachs, mejor ni entrar: es tan ridícula y anacrónica que parece Sandra Bullock en ‘Mientras dormías’. Me refiero a quién terminará dominando la revista en tiempos de debacle. En algún lugar de la trama hay una pulla al ansia por el poder mediático de todos los Jeff Bezos de turno, solo que incapaz de generar ningún tipo de tensión. El conflicto ya era muy poco atractivo en la primera parte, si es que lo había en absoluto, pero después de las luchas de poder vistas en ficciones tan vibrantes como ‘Succession’ o ‘House of Cards’, es evidente que lo que aquí se cuenta no requiere de 120 minutos. Cabe en 85, y de sobra.
Claro que en 80 minutos no caben cameos de Donatella Versace, Marc Jacobs, Heidi Klum, Jon Batiste, Ciara, Naomi Campbell… y además canciones de Dua Lipa (con una ‘End of an Era’ que sale muy reforzada), Madonna, SZA, RAYE, Olivia Dean, Miley Cyrus & Brittany Howard, The Marias y muchos más.
La gran protagonista en ese sentido es Lady Gaga, cuyo cameo es uno de los mejores momentos del filme. No tanto sus canciones, hasta 3, y una de ellas por duplicado. La idea de que ‘Runway’ -su tema con Doechii- fuera el nuevo ‘Vogue’ aprovechando que la película se inspira en la revista Vogue, que en la cinta se rebautizaba como «Runway», era un juego de espejos de lo más coqueto. Pero al final lo más coqueto ha sido el videoclip estrenado fuera de la gran pantalla. Duele ver a Bruno Mars en los créditos de este tema. ¡Si Gaga lo hizo muchísimo mejor sola en ‘Replay’!
‘The Afterparty’ es el nombre del nuevo álbum que la sueca Lykke Li ha publicado este viernes. El disco venía precedido de varios singles, como ‘Lucky Again‘, ‘Knife in the Heart’ y ‘Sick of Love’. Pero quizá ninguno tan inmediato como el «focus track» para este viernes, ‘Happy Now’.
Nuestra Canción del Día hoy es un perfecto cruce entre pop, northern soul (los arreglos de cuerdas son muy similares a ‘Mercy’ de Duffy) y luego un ramalazo trance con la forma de una pseudotrompeta, que ni Stromae en su versión más EDM. Un triunfo total que The Magician podría convertir en megahit… aunque no, no lo necesitemos.
La letra de ‘Lucky Again’ narra la decepción ante una persona que «nos abrió las puertas del cielo», «nos acarició el pelo» y después nos ha hecho sentir «como un payaso». Varias imágenes de la canción hacen un paralelismo entre lo que nos genera el amor y lo que nos genera la droga («Felt like China White, I swear»), mientras el estribillo se pregunta si aquel amor del pasado «ahora es feliz».
Rosalía llegaba este viernes a Sevilla para participar en un evento promocional de Netflix. En concreto, se ha instalado un pequeño escenario flotante sobre el Guadalquivir para un show junto a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. El evento, llamado ‘Jarana en el Guadalquivir’, ha promocionado la segunda temporada de la serie ‘Berlín y la dama del armiño’, la precuela de ‘La casa de papel’.
Los temas escogidos para esta ocasión han sido ‘Reliquia’ y ‘La perla’, esta última incluyendo la compleja coreografía vista en su tour, es decir, se llevó a Sevilla a sus bailarines.
Antes del show, Rosalía era vista por las calles de Sevilla, provocando el delirio de sus seguidores. En varios de los vídeos se la vía firmando vinilos de ‘LUX’ o ‘Motomami’.
Es el parón de un mes en la agenda del ‘LUX Tour’ lo que ha permitido a Rosalía aceptar actuar en este evento. Recientemente tuvieron lugar los últimos conciertos de la parte europea de la gira, en concreto con unas fechas en Londres que han provocado reseñas de 5 estrellas en The Guardian o NME. En este artículo recopilamos todas las celebrities que han pasado por el confesionario de ‘La Perla’.
Hasta el mes de junio, ‘LUX Tour‘ no se retoma en América. La primera fecha es el 4 de junio en Miami. A falta de sorpresas o añadidos, la gira acaba a principios de septiembre en Puerto Rico.
Sí, se venía rumoreando en foros de Olivia Rodrigo y redes sociales: la cantante iba a actuar este viernes 8 de mayo en Barcelona. Mientras la gente se mataba por una entrada para uno de sus cuatro conciertos del año que viene en el Palau Sant Jordi, ella iba a desplazarse hasta un espacio mucho más reducido, el Teatre Grec de Montjuïc. Y sin cobrar (a la gente).
El evento era parte del ciclo Spotify Billions Club, que celebra a artistas con temas con más de 1.000 millones de streams. La idea es que asistan sus mayores fans y se nota por cómo corearon todas las canciones.
Olivia Rodrigo tiene 9 temas por encima de esas cifras a día de hoy. En orden de éxito son: ‘drivers license’, ‘good 4 u’, ‘traitor’, ‘deja vu’, ‘vampire’, ‘happier’, ‘favorite crime’, ‘jealousy, jealousy’ y la banda sonora ‘All I Want’ de ‘High School Musical’.
Menos esta última, sonaron todas anoche, junto a otros temas y el nuevo single ‘drop dead’. Así hasta 14 cortes, como han registrado sus fans en Setlist.fm.
Según informa Europa Press, el evento también era una colaboración con el FC Barcelona, que este fin de semana lucirá una camiseta con las iniciales de la cantante, OR. “Ver mi logotipo en una camiseta del FC Barcelona para el Clásico es algo que todavía me cuesta asimilar“, ha indicado la artista, según la nota de prensa.
Olivia Rodrigo performs ‘drop dead’ at her Spotify Billions club set in Barcelona. pic.twitter.com/S3GfklwjQc
El patriarcado, los multimillonarios y el duelo entre democracia y tiranía inspiran el nuevo disco de Tori Amos, de peculiar concepto: Tori da vida a una mujer que escapa de su marido, un demonio-lagarto multimillonario, y en su travesía se topa con todo tipo de personajes, incluida una “bruja gay” y un grupo de moteras lesbianas; entre las figuras evocadas aparecen Santa Teresa de Ávila, Santa Cecilia y Peter Thiel, cofundador de PayPal, entre otros personajes.
La historia de ‘In Time of Dragons’ se desenreda a lo largo de más de una hora de duración, empezando por las referencias obvias a los milmillonarios en ‘Shush’, con su sonido de piano rock sombrío, y culmina con los seis minutos de ‘23 Peaks‘, envueltos en épicas cuerdas en un estilo de banda sonora. Tiene sentido: en la canción, Tori lucha por volver a su forma humana tras haberse convertido en semidragón.
La complejidad narrativa están unificada en ‘In Time of Dragons’ a través de un enfoque instrumental elegante y rico en texturas, pero también oscuro y lóbrego, con mucho arraigo en el blues-rock clásico (‘Veins’, ‘Flood’, los ecos de swamp blues de la pista titular), la banda sonora (‘Song of Sorrow’) o el folk-rock (esas rústicas percusiones de ‘Angelshark’). La grave voz de Tori Amos ancla las canciones en lo emocional.
En ‘In Time of Dragons’, incluso la literalidad de pasajes de ‘Stronger Together’ («In menacing times / Stripped of rights / And diabolical crimes») resulta deliberada dentro del laberinto lírico plagado de mitología y personajes, que incluyen también vampiros, musas y una alta sacerdotisa.
Con el piano casi siempre en primer plano, Amos explora melodías más etéreas en ‘Strawberry Moon’ o más alegres en ‘Gasoline Girls’, y aborda diferentes formas de composición que van de lo cómico (‘Fanny Faudrey’ es un personaje inventado) a lo explícitamente político, como su “oda a Minnesota”. Incluso incorpora ciertos guiños al pasado experimentando con el trip-hop en ‘Stronger Together’ -que incorpora a su hija Tash- o incluyendo acordes de clavicordio en ‘Provincetown’ y ‘Blue Lotus’, todo grabado con el buen gusto esperado.
La propuesta es densa, y hay que decir que ‘In Time of Dragons’ es el típico trabajo que antepone la lírica y la narrativa a la accesibilidad musical; las nuevas canciones de Tori Amos claramente sirven a la historia de las letras y no pretenden ser inmediatas. Quien espere un disco igual de directo que los primeros de Tori Amos saldrá decepcionado; quien guste de descubrir discos que piden lecturas y relecturas, tiene en ‘In Time of Dragons’ una buena propuesta.
La Roux, que no publica disco desde ‘Supervision‘ en 2020, anuncia su regreso 6 años después. Eso sí, ‘Old Flames’ no se publicará hasta el 6 de noviembre, dentro de 6 meses. El disco se presenta con una desgarrada canción de electropop llamada ‘Cabin Fever’, que estrena ya un vídeo muy sencillo que hace honor a su nombre de alguna manera: se grabó en la casa del lago.
Elly Jackson fue conocida en principio por bangers como ‘Bulletproof’ o ‘In for the Kill’. Más adelante, por canciones que hacían clic después de 6 o 7 escuchas, como en general, las de su segundo y tercer disco. A ‘Uptight Downtown‘ me remito. Y este ‘Cabin Fever’ está sin duda en el último grupo.
Tomando su nombre de la ansiedad del «síndrome de la cabaña», ‘Cabin Fever’ es una canción algo angustiosa, en sintonía con el disco ‘Old Flames’, que narrará una ruptura sentimental con alguien con quien has estado 17 años. En una nota de prensa, La Roux cuenta que el álbum recoge el proceso de aceptar «quién es ahora» a través de adicciones y un proceso de autorreconocimiento.
Quizá por ello repite decenas de veces «Well, I’ve got cabin fever / And I can’t take it down». Sin más baza que la de la reiteración personal en busca de la asunción de las cosas, puede crecer como pista 2 de ‘Old Flames’ -sale después de una intro-, pero no sostener una campaña durante 6 meses. Más bien necesitaremos el segundo single mañana. ¿Quién inventó estas campañas de 6 meses, de todas formas?
El tracklist del álbum:
1. Old Flames (Intro)
2. Cabin Fever
3. Lose Myself
4. Falling
5. To Make Our Love
6. Your Lover
7. Final Fantasy
8. Night Vision
9. I Just Keep Crying
10. Babyline
11. Old Flames
La colaboración de Madonna con Sabrina Carpenter está teniendo cierto impacto en listas, aunque quizá no la esperada. El tema entraba al puesto 34 del Global de Spotify el pasado viernes -el mejor dato para un single de Madonna, solo superado por ‘Popular’, su tema con The Weeknd-. Pero la canción ha desaparecido del top 200 Global después.
‘Bring Your Love‘ ha sumado streams a medida que avanzaba la semana, consolidada en torno al millón diarios. Han contribuido su buena recepción en radios (número 1 de radios en UK, el primero en 20 años, desde ‘Sorry’), la promo junto a Anna Wintour y quizá la gala MET, pero claramente necesita el empujón de un gran videoclip, y/o unas ediciones físicas.
De momento la canción ha entrado en algunos de los primeros charts que se están conociendo de manera oficial, como el puesto 44 en Irlanda y el top 29 en Reino Unido. Ni que decir tiene el mérito de que una artista femenina de 67 años entre en estas posiciones como «lead», no como artista invitado (Paul McCartney en ’45Seconds’). Mejora por mucho el puesto 87 obtenido en UK por ‘Medellín’. Y mejora también el dato de la reciente colaboración de Sabrina Carpenter con Taylor Swift (top 46).
Sin embargo, ‘Bring Your Love’ no ha superado el top 26 de ‘Living for Love’, el tema de Madonna en solitario de 2015, ni el top 18 al que ascendía recientemente su viejo número 1, ‘Into the Groove’, tras viralizarse en TikTok. Su reto será saber mantenerse mejor que ambas durante las próximas semanas.
En cuanto a Estados Unidos, la canción llega al puesto 74 del Billboard Hot 100, siendo la mejor entrada de Madonna como «lead» desde ‘Give Me All Your Luvin’ en 2012, que fue top 10. Ningún tema de ‘Madame X’ llegó a esta lista. Su mayor éxito reciente en Estados Unidos fue ‘Popular’ junto a The Weeknd, que alcanzó el puesto 43.
Guille Galván es uno de los dos compositores principales de Vetusta Morla. Escribió por ejemplo ‘Te lo digo a ti’, ’23 de junio’ y ‘La deriva’. Aprovechando el parón temporal de la banda principal que le llevó a ganar varios discos de platino, el artista publica su debut en solitario. Un trabajo de cantautor, influido por la muerte de su padre, aderezado con arreglos a veces inesperados.
Tímido incluso después de audiencias y públicos tan millonarios, Galván nos cuenta que hasta ahora, con su voz, no había pasado de hacer coros en Vetusta. «Cuando era niño tenía vegetaciones, tenía una voz súper fea y me pasaba lo que le pasa a todos los niños cuando se escuchan: me daba mucho apuro porque yo pensaba que mi voz era la que yo oía y no la que oyen los demás». Aún se define como una persona «muy vergonzosa», pero lo que quería hacer con ‘Nadie con ese nombre vive aquí’ lo tiene claro.
No sé si te estarán preguntando mucho por qué no has dejado estas canciones para Vetusta Morla, pero la verdad es que nada que ver. Este es un disco que tiene que ver más con Sabina, con Aute, con Nick Drake. Es de cantautor, ¿no?
Había un «a priori»: partir de un lugar que no tuviera nada que ver con una banda. Cuanto más desnudo fuera, me sentía más cómodo, y tenía la impresión de tener una voz más creíble y comunicativa. Solo podía hacerlo desde algo muy básico: guitarra y voz. Y tiene que ver con cómo me llegó la música, a través de mi padre cantando con una guitarra. Mis primeros recuerdos musicales son eso.
¿Algún disco que te haya inspirado?
Me encanta ‘Pink Moon’ de Nick Drake, ‘Nebraska’, el primero de Bon Iver, cosas del «Disco Blanco» de los Beatles. Me gustan los discos donde te tienes que imaginar lo que falta.
Sorprendentemente la voz no es como te imaginas que va a ser la voz de un «no cantante»: súper tratada y demás.
Te lo agradezco: ha sido el gran reto. Al principio cometí todos esos dejes cuando empecé a hacer demos: doblarme la voz, poner mucha reverb, distorsionarla… Todo lo que hiciera mi voz menos reconocible. Me daba pudor escucharme. Luego fui pillando soltura. Yo quería hacer un disco que fuera guitarra y voz simplemente. Tuve que parar de grabar cuando falleció mi padre. Y luego vi que había llegado a un tope con la guitarra y la voz. Hablé con Campi para mantener la idea de intimidad, de estar en una habitación, pero decorando esa habitación, sin llenarla de músicos. No quería quitarle intimidad. Quería jugar con la idea de cantautor, pero quería que fuera más abstracto, como una banda sonora.
«Me gustan los discos donde te tienes que imaginar lo que falta»
¿Qué te ha dicho la gente de tu voz? Tus compañeros de grupo. ¿Alguno ha escuchado el disco?
Sí, sí. A los primeros a los que les dije que iba a hacer un disco fue a ellos. Como lo hice en casa y en petit comité, en un momento donde estaba bastante alejado de todo y nadie se estaba enterando de que estaba haciendo un disco, eso me liberó bastante. Me dicen que hay mucha sensación de verdad, más allá de lo técnico o no técnico. Estoy contento, intento que sea de verdad, bueno, malo, o regular. Que la manera en la que me enfrento a agarrar la guitarra y cantar sea honesta y no detrás de un montón de florituras. Por eso quise salir con ‘En qué momento dudé de ti’, que es la canción más desnuda del disco. También tenía la sensación de que con esa canción ya contaba un montón de cosas que ahora cuento las entrevistas, pero que a la gente le llegaban sin tener que leer una nota de prensa.
¿Nadie en Vetusta Morla te ha dicho «ahora tenemos dos cantantes»? Como, yo qué sé, Triángulo de Amor Bizarro.
(risas) No, no, yo creo que en las bandas es importante saber cuál es el rol de cada cual. Y cuanto más definido esté eso, mejor la salud de la banda, porque como empecemos a meternos en los terrenos de los otros…
«Es importante saber cuál es el rol de cada cual. Y cuanto más definido esté eso, mejor la salud de la banda»
¿Sabes Wolf Alice? Me encanta ella, pero mi canción favorita es una que canta el batería en el último disco…
El otro día estaba viendo Rufus T Firefly en la Riviera y cuando salió a cantar Julia, la batería, o cuando ves a Arcade Fire y canta Régine… creo que es bonito sorprenderte con la voz del secundario que aparece por ahí. Pero no sé. Había algo en la manera de grabarlo, como de experiencia también personal. Digo «si voy a hacer esto, lo voy a hacer como si estuviera tocando aquí para diez personas y quiero estar delante del micro y sentir eso».
Me hablabas de la producción del disco y lo que dices se aprecia mucho en ‘La botella’, con ese final tan loco lleno de efectos. ¿Te referías a eso, no?
Más que de efectos, quería que los colores que hubiera en el disco no estuvieran directamente relacionados con la idea que tenemos de una banda. O de electrónica. Intentaba pensar en cuando he hecho bandas sonoras: qué necesita esta canción en esta secuencia. Como si fueran escenas. ‘La botella’ sí que es la canción que canto de una manera más parca, sin demasiada definición melódica: está cantada de una manera muy seca y ese final con elementos del folk -porque aparece una armónica y es una guitarra tenor de cuatro cuerdas muy chiquitita que tengo-, se va como engorilando y entrando en un bucle con un bombo a negras. Para mí es como si poco a poco algo hiciera crac y vas entrando en algo más íntimo, más personal y más relacionado con el intento de poner en valor cosas: a gente, hablar del amor, de la belleza, de cosas que a veces no te atreves a decirlas porque suenan muy grandes, pero que son realidades.
No sé si era Chomsky quien decía que la tecnología de un cuchillo podía servir para lo mejor y para lo peor. Sirve para cortar la carne y comer, pero también para asesinar a alguien. Y me hacía gracia la dualidad de las botellas, que puede servir para celebrar, para brindar, para inaugurar un barco, pero también de cóctel molotov. Me parecía que tenía una urgencia adecuada como arranque del disco.
«Está todo el mundo que si le dieras un cóctel molotov lo lanzaría cada uno contra lo primero que tuviera a mano, sin pensar en qué va a pasar al día siguiente»
En esa canción terminas diciendo «quiero veros caer». ¿A quién quieres ver caer, por ejemplo?
Esa canción es la que hablo más en plural. El disco está como muy en primera persona, pero esta es como si fuera una sensación colectiva. Es el hartazgo de que todo el mundo quiere ver caer a alguien o piensa que la culpa de todo la tiene alguien, y quiere que desaparezca o que acabe en la cárcel, o que muera. Esa sensación creo que al final tampoco nos lleva a nada positivo más allá de la rabia y de la víscera. Porque aunque todos tengamos rabia de cómo están las cosas, creo que los medios para canalizar esa rabia y construir algo mejor son muy diferentes. Está todo el mundo que si le dieras un cóctel molotov lo lanzaría cada uno contra lo primero que tuviera a mano, sin pensar en qué va a pasar al día siguiente.
Cuántos años de entrevistas con Vetusta Morla te han servido para esquivar una pregunta. Qué maravilla, es fascinante…
(risas)
El disco de cantautor implica a veces contenido político. Antes hablaba de Sabina, aquí aparecen «tiranos», «colapso». ¿Hay un componente sociopolítico en el disco?
Yo creo que siempre está en tanto que somos seres políticos y que vivimos en sociedad. Quizá este disco lo hago en un momento donde estoy intentando protegerme de lo de fuera y relacionarme con mi gente. Paro con Vetusta, dejo de girar después de mucho tiempo, dejo prácticamente de salir, de ir a conciertos. Tengo como necesidad de resguardarme, de protegerme y desde ahí encuentro la manera de escribir sobre la gente que me ha hecho ser quien soy: mi familia de origen, que me ha protegido, que me quiere, mi pareja, mis hijos… Algo que no me había pasado nunca y que en este momento, de repente, tenía cierta necesidad.
Eso me lleva a pensar que es un disco que es muy personal y que está alejado de lo de fuera, pero es imposible. Yo creo que siempre hay un equilibrio entre lo íntimo, lo privado y lo que te hace relacionarte con los demás. Y creo que hay canciones como ‘La botella’, ‘Los motivos’ o ‘Huellas en el aire’, que tiene un toque un poco más naif, casi de canción infantil, donde se habla del colapso, pero con una mirada un poco más divertida. Decía que era la canción divertida del disco porque es donde se cuela el mundo (risas) El mundo siempre se cuela incluso en un disco más personal o íntimo.
A veces, cuando te entrevisto, no me pareces la misma persona que leía en Twitter o veo en conciertos. Vetusta Morla habéis dicho cosas muy fuertes, por ejemplo de Cristina Cifuentes, que ahora hasta parece una persona moderada. ¿Tú eres una persona política?
Yo sí. De hecho, todos somos personas políticas, aunque unos se pongan más de perfil o menos de perfil, independientemente de que seamos músicos, periodistas o de la profesión que tengamos. No solo porque votemos cada cuatro años, sino porque de lo que hacemos entre medias, depende la convivencia de las sociedades o el futuro para nuestros hijos, para nuestros iguales, para los que vienen detrás… Siempre he dado valor al legado que nos han dejado, quién ha luchado por nuestros derechos, por una educación pública, una sanidad pública y un sistema que no solo beneficie a los que más tienen, sino que intente beneficiar a todos por igual.
«No estoy de acuerdo con eso de que todos los políticos sean iguales y «la culpa de todo la tienen todos». Todos lo mismo, no»
Por lo que decías del cóctel molotov… ¿crees que para evitar la crispación que hay ahora mismo, ¿debemos dar cierto paso atrás?
No, no, no… A veces cuando hablamos de crispación parece que es igual a equidistancia. No: para nada soy equidistante. No estoy de acuerdo con eso de que todos los políticos sean iguales y «la culpa de todo la tienen todos». Todos lo mismo, no. Que estemos quemados de un montón de cosas no quiere decir que todas las soluciones sean iguales. Yo creo en defender ciertas cosas. Y no me parece que justifiquen el odio, o volver a traer a la agenda cosas que estaban absolutamente superadas desde hace décadas.
«La muerte de mi padre me ha hecho relacionarme de otra manera con mi gente cercana, con mi pasado, con cómo era de crío»
Pero ahora estás en una etapa más familiar.
Con la enfermedad de mi padre, que ha fallecido, eso me ha hecho relacionarme de otra manera con mi gente cercana, con mi pasado, con cómo era de crío… y he encontrado un lugar que es más íntimo. En ‘La botella’ o ‘Los motivos’ es poroso el mundo tal y como lo percibo yo.
Pero la política no está tanto en el disco.
No, no hago hincapié en eso porque el disco tiene que ver con otro tipo de necesidades. Aparece en forma de pinceladas.
Hay un momento que también dices «hoy celebro las arrugas». Está el tema de tu paternidad. ¿Qué significa el paso del tiempo para ti? ¿Cómo lo ves?
Mis hijos son muy grandes ya. ‘Túnel de la M-30’ la escribí un día que veía a mi hijo, a punto de entrar en la adolescencia, tristón. Y me dijo que le daba miedo hacerse mayor porque tenía la sensación de que los mayores éramos más aburridos, y que le daba miedo olvidarse de todo lo bueno que había vivido de niño. Le dije «mira, somos como los árboles, nos vamos haciendo mayores y nos vamos ensanchando, pero todos los circulitos del tronco los llevamos dentro y aunque te olvides de cosas o desaparezca gente que ha estado y que te ha querido, a toda esa gente la llevas dentro». Intentar vivir el paso del tiempo como un fin en sí mismo que conecta con lo que me decías de las arrugas. Es algo que, cuando eres más joven, jode aceptar. Llega un momento que a lo mejor el espejo no te devuelve lo que tú quisieras, pero es lo que toca…
¿Te ves muy mayor ¿En serio? ¿Pero de qué arrugas hablas?
Sabes a lo que me refiero (risas) Con un hijo adolescente, una cosa es tu percepción cuando estás haciendo entrevistas y otra cosa es cuando desayunas por la mañana y te sientes mucho más mayor de lo que eras la noche anterior.
En ‘Pulso y belleza’ hay una tensión en las cuerdas muy interesante entre «pulso» y «belleza», ¿no?
La guitarra está afinada de una manera muy grave, casi como al borde de la desafinación. Esa canción la hice con Marcel Bagés y David Soler. Les dije que quería que fuera como estar en una habitación y que la parte final fuera como si despegáramos de esa habitación y nos fuéramos a otro sitio. Y cada uno lo entendió de una manera. Me decía David: «Con «pulso y belleza» te refieres a la música: todo es pulso y belleza». Y Marcel me decía otra cosa, y yo lo había escrito por otra, pero al final se trata de que una canción te haga sentir vivo o te emocione. La parte final, que era más corta, me parece de los pasajes más hermosos del disco. Me gustó tanto que, aunque iba a ser la última, no la quise dejar para el final: la dejé como de transición entre la cara A y la cara B.
Campi también produce y hace cosas parecidas con Jorge Drexler, Valeria Castro… discos que parecen de cantautor pero no lo son…
También ha sido productor de los tres últimos discos de Vetusta. Había un compromiso bastante grande con decir «la canción va de esto, pero no vamos a llenar todo de músicos». Tiene un punto de productor contemporáneo, de no hacer un disco cantautor, quería que fuera un disco de 2026, aunque el origen en algún momento pudiera sonar a un disco de finales de los 60. Las cuerdas, por ejemplo, de Marcel y de David, están hechas con samples, no están tocadas con un cuarteto. Tienes a una persona cantándote como toda la vida, y luego un trabajo también de tecnología. La propuesta es llevar las canciones por sitios sin que dijeras «esta canción no es de este disco».
¿Por qué ‘Figurantes’ de Vestusta tuvo una vida tan corta en listas?
La fecha del parón ya la teníamos prevista desde un año antes. Ese disco se grabó en un momento en que ya habíamos decidido parar. El disco salió en mayo, y los conciertos duraban hasta septiembre. Nos parecía muy raro sacar el disco y a los tres meses decir que lo parábamos. Por eso decidimos hacerlo al revés, para que la gente fuera consciente de que iban a ser esos conciertos y ya. Veníamos de cinco años desde la pandemia sin parar prácticamente, haciendo sitios gigantes. Queríamos que esa gira fuera pequeñita y parar.
Te preguntaba más por la acogida del público o si es de tus favoritos.
No suelo reescuchar los discos que hago. Tendría que volver a escucharlo, pero sí que lo recuerdo desde un lugar de libertad, de decidir que tuviera una vida más corta, porque es lo que necesitamos y eso está bien. Independientemente de que sea mejor o peor. Creo que tiene canciones muy acertadas de las que estoy orgulloso, pero es verdad que es un disco que se trabajó mucho menos que otros porque no podíamos hacerlo de otra forma.
No se sabe quién es, actúa con velo y gafas de sol -es la Orville Peck de la música de baile- y la fecha de nacimiento que figura en su página de la Wikipedia es la de la creación de su personaje: agosto de 2013. Evidentemente nada de esto juega en su contra y así ha sido como M¥SS KETA se ha hecho un nombre en su país, Italia, especialmente entre la comunidad LGTBIQ+.
Sus vídeos son muy vistosos y su bombo a negras busca todo el rato levantarte, pero es el directo donde el personaje de M¥SS KETA termina de tener sentido. Incluso aunque nunca veamos sus ojos tiene el carisma, la actitud y el descaro; una voz muy viva y chillona -muy italiana, si me permitís-, lleva unas pantallas que a menudo convierten sus canciones en karaokes como una suerte de lyric videos; y además un par de bailarinas que la complementan, Jamila y Kida.
Eva CamachoEl concierto empieza hablándonos de ‘IT Girls’, luego de ‘BOTOX’: son canciones de temática evidente que hacen gracia aunque no hables italiano. Sabes que estás más o menos ante lo de que Las Bistecs y SVSTO representan en España. Con ‘DIVORZIATA’ ya me da un ataque de risa: me acabo de casar y fantaseo con hacer de este deletreo «D I V O R Z I O» un himno doméstico cada vez que haya en casa un buen pitote. También se sabe el público al dedillo temas como ‘UNA DONNA CHE CONTA’ -una enumeración de conquistas sexuales, adivino- o ‘ADORO’.
Las producciones de M¥SS KETA deben mucho a los tiempos del electroclash, también a la más contemporánea Anitta, al sello Mad Decent y al revival bounce. Sin embargo, le sientan igual de bien otros ritmos que explora durante el set, como el reggae, el trance o el piano house. Performer por naturaleza (en un momento se mezcla entre el público), no hay género que se le resista.
De hecho, su mayor hit y uno de los más celebrados en su set -aunque no por mucho- es ‘FINIMONDO’. Un tema que se construye en verdad sobre el clásico de 1961 ‘Il Capello’ de Edoardo Vianello. Un dato: la versión de M¥SS KETA multiplica por 20 sus reproducciones.
Podemos hablar de la aparición de Sotiri en un tema hacia el cierre del show con un extraño e improvisado baile, de esas proyecciones que estrujan tetas, o de cómo las drags en la sala terminaron imitando su pronunciación de «Madrid-ahhh», pero fue M¥SS KETA la que acaparó todas las miradas durante hora y cuarto. Por ejemplo en ese momento en que haciendo twerking… se ofreció a sí misma como postre. La Sala Changó presentó media entrada; adivino que cuando vuelva, tendrá más público.
Hoy se publican los nuevos discos de Lykke Li, MUNA, Broken Social Scene, Aldous Harding, The Lemon Twigs, Linda Perry o Chris Brown. En España Rels B, Guille Galván de Vetusta Morla, Renaldo y Clara o Leo Rizzi. De todos ellos puedes escuchar un pedazo en nuestra nueva edición de Ready for the Weekend.
Las novedades musicales están dominadas por Charli XCX o el regreso de La Roux, pero también tenemos nuevos temas de Boards of Canada, FLO, Father John Misty o Madison Beer. Entre las curiosidades, coincide lo nuevo de Rolling Stones con un tema de Paul McCartney y Ringo Starr (en el que hacen coros Sharleen Spiteri y Chrissie Hynde).
Hay canciones nuevas que merecen mucho la pena de gente tan dispar como Iceage, The Last Dinner Party, Kelela, Sílvia Pérez Cruz, Morreo… Aiko el grupo. Silvana Estrada tiene tema con pablopablo, Blanca Paloma con Rocío Márquez y… AlunaGeorge sin Aluna.
Eric Clapton actuaba anoche en Madrid, frente a 15.000 personas en el Movistar Arena. Sin embargo, el espectáculo visto en otros países no pudo completarse. Como informa El País, alguien lanzó un vinilo al escenario después de la 13ª canción, ‘Cocaine’, cuando el artista se dirigía hacia el camerino. Le dio de lleno.
Carlos Marcos ha averiguado que se trataba de un fan argentino que le adjuntaba una nota de cariño junto al disco. Dice su crónica: «El choque del proyectil no debió ser fuerte. Clapton se paró unos segundos y siguió el trayecto hacia las escaleras. Pero ya no estaba de humor. Se le vio unos segundos en una pasillo lateral, sus músicos expectantes. Entonces zarandeó la mano indicando que se largaban».
El tema que se quedaba en el tintero, según apreciamos en Setlist.FM, atendiendo al concierto de Praga, era una versión de ‘Before You Accuse Me’. Suele ser el bis. Marcos relata en su crónica «un buen concierto, sosegado, repeto de blues y sin apenas concesiones», describe una «puesta en escena sobria» como es habitual y «sin concesiones a la parafernalia».
El domingo aguarda a Eric Clapton la ciudad de Barcelona. Os dejamos con un vídeo compartido por el Movistar Arena que NO pertenece al momento de la discordia.
El ‘LUX Tour’ de Rosalía ha terminado su tramo europeo con dos noches en el O2 de Londres, donde la artista catalana ha escuchado las confesiones de Lola Young y Cara Delevingne. Mientras que la primera ha contado la historia de cómo se enteró de que su casi novio tenía mujer e hijos, la segunda ha optado por una reflexión sobre su sexualidad: «Mi debilidad solían ser las mujeres heterosexuales», confesó la modelo y actriz.
En la segunda noche de Rosalía en Londres, la elegida para el confesionario previo a ‘La Perla’ fue Cara Delevingne, que dejó claro a la cantante que es lesbiana y que su debilidad solían ser las «mujeres heterosexuales». «¿Qué tiene eso de especial? Lo he oído muchas veces», le responde Rosalía. «No creo que nadie sea completamente heterosexual, y tampoco creo que los hombres sepan cómo complacer a sus novias lo suficientemente bien», contestó Delevingne.
Esta sigue contando que se encuentra en una relación seria, pero aquí viene la confesión: «Siempre me encantó ser la dominante, tener el control, pero creo que es porque tenía miedo de ser vista. Estaba asustada de ser sumisa porque no quería recibir amor, pero ahora estoy lista. Incluso si soy sumisa no quiero perder esa parte de mí que aún puede ser esa Leo dominante y pasional».
Entonces, Rosalía le pregunta por qué tiene que elegir entre ser sumisa o dominante, y no las dos a la vez, y Cara hace un guiño a la propia situación de la artista con la modelo Loli Bahía, con la que se rumorea que estaría manteniendo una relación: «No tienes por qué, pero quiero asegurarme de que ese sea el caso, y siento que tú esto ya lo sabes», dijo la actriz, con una Rosalía que casi no se lo podía creer. «Esta confesión ha sido un shock para mí», remató la artista.
En otro momento del mismo concierto, la temática de salir del armario continuó con un divertido momento entre Rosalía y un fan que tenía una pancarta en la que se podía leer: «Ya he salido del armario para mi madre», que en inglés estaba escrito como «finally out to my mum». Rosalía no entendía nada: «¿Eso qué significa? ¿Te has ido a vivir tú sola», soltó, provocando la risa colectiva. En un momento dado, se ve claramente cómo se le enciende la chispa: «Olé tú. Todos los conciertos son una clase de inglés para mí».
De esta forma, Lola Young y Cara Delevingne son las últimas celebridades en pasar por el confesionario de Rosalía en la parte europea de la gira. Esta comenzó en París con LYAS y Salome Topuria, continuó en Madrid con Esty Quesada, Métrika, Aitana y Shannis y prosiguió en Lisboa (Marcelo Wang y Kika Nazareth), Barcelona (Yolanda Ramos, Guitarricadelafuente, Bad Gyal y Rojuu), Ámsterdam (Giulia Stabile), Amberes (Jennifer Heylen), Colonia (Rachel Marx), Berlín (Najwa Nimri) y Londres.
El confesionario completo de Cara Delevingne con Rosalía en la segunda noche del LUX TOUR en Londres. pic.twitter.com/oAjlpbXnew
“Jo, la de disgustos que me habría ahorrado yo si esta peli hubiera existido en los 90”. Este lamento, expresado por la fisioterapeuta a la que da vida Anna Castillo mientras abraza la cinta de vídeo de ‘Fucking Amal’ (1998), todo un icono generacional del cine de temática lésbica, resulta muy elocuente sobre el principal impulso que parece haber animado la producción de este remake (muy libre) de ‘Mi querida señorita’ (1972): “ahorrar disgustos” a las personas intersexuales, darles visibilidad, explicar al público no versado qué es esa “I” de LGTBIQ+.
En ese sentido, el empeño de Los Javis (productores de la película), el director Fernando González Molina (conocido por sus adaptaciones de las novelas de Dolores Redondo y Federico Moccia) y la escritora Alana S. Portero, quien debuta como guionista, resulta muy loable. Qué mejor altavoz que una plataforma con el alcance mundial de Netflix para difundir una reivindicación de este tipo.
Ahora bien, el problema surge cuando las buenas intenciones de un filme se sitúan muy por encima de sus valores cinematográficos, cuando deja de ser evaluada como una obra artística para pasar a considerarse una cinta “ne-ce-sa-ria”. Y eso es, precisamente, lo que ocurre en ‘Mi querida señorita’.
El filme, protagonizado por una esforzada pero limitada Elisabeth Martínez (su debut en la actuación) y con música de Zahara, se ve lastrado por un guion muy flojo, discursivo y retórico, aquejado de un exceso de didactismo y una tendencia a verbalizar los sentimientos de los personajes en vez de trasmitirlos; a (sobre)explicar en vez de mostrar.
Y es que el proceso de relectura de la película original, aunque coherente con el cambio de contexto histórico (está situada en 1999), resulta bastante superficial: hacer explícito lo que antes era ambiguo; convertir en melodrama costumbrista nostálgico (el filme recrea, de manera muy estereotipada, el ambiente de Chueca a finales de los 90) lo que era un audaz drama psicológico; apostar por un conservadurismo estético y narrativo para reescribir un clásico tan valiente y transgresor. En suma, agitar la bandera arcoíris en lugar de sacudir con ella las imágenes de la película y, con ellas, la sensibilidad e inteligencia del espectador.
Esperemos que el próximo remake de un clásico español que está por llegar, ‘Día de caza’, versión femenina de ‘La caza’ (1966) de Carlos Saura, a cargo de Pedro Aguilera (‘Demonios tus ojos’, ‘La influencia’), sea menos “necesario” y mucho más ambicioso y sustancioso.
Charli XCX publica el primer adelanto del verdadero sucesor de ‘brat’, tras el éxito de la banda sonora de ‘Cumbres borrascosas’. Si ya en el teaser que publicaba la artista británica, la veíamos destrozando una guitarra eléctrica con sus tacones, el vídeo y el tema deconstruye muchos de los clichés del rock.
‘Rock Music’ se estrena junto a su vídeo, por lo que ya es indisociable de él. En la pieza audiovisual de 2 minutos Charli XCX tira una televisión por la ventana como Oasis en su momento, fuma los cigarros a puñados e invita al pogo descontrolado.
AG Cook es co-responsable de algunos trucos de producción, similares a los de Blur de ‘On Your Own’ en lo que puede ser su «Song 2» particular. Los R.E.M. de ‘Monster’, L7, Chicks on Speed o Peaches podrían ser otros de los referentes. La canción nos lleva, pues, a los 90, un poco antes de ‘1999’, molando tanto como aquel himno de Charli XCX, aunque por razones bien diferentes.
La letra de la que es nuestra Canción del Día hoy ya aparecía en el mini documental disponible en el perfil de Instagram de Charli: «Mis amigos y yo / Salimos / Hacemos fotos / Hacemos cosas juntas / A veces lloramos / Nos besamos / Rollo incesto», se leía como definición de lo que para ella es la «música rock».
El nuevo single de Ariana Grande se llamará ‘Hate That I Made You Love Me’ y saldrá el próximo 29 de mayo. Como ha informado a través de redes sociales, lo ha vuelto a hacer con Max Martin y con ILYA, a quien ha llamado sus «colaboradores favoritos y más queridos seres humanos en el mundo».
Se trata del primer single de ‘Petal’, el disco que estará disponible el próximo 31 de julio y que promete ser el disco «fuck it» de Ariana Grande.
La artista ha explicado que ‘Petal’ trata sobre «algo que está lleno de vida» y que se encuentra «creciendo sobre las grietas de algo frío, difícil y complicado».
Grande describe el disco a su equipo como una pieza «un poco salvaje»: «Viene de un lugar sobre el que me sentía demasiado tímida o educada como para meterme antes», confiesa. «Es como «a la mierda», añade.
La temática de ‘Petal’ se centra en «romper con todo tipo de vínculos negativos, ya sean mis propios monstruos en mi propia cabeza, voces externas o cosas que ya no me sirven». La artista tiene claro cómo sus fans conectarán con el disco: «Podría estar hablando de una cosa, compartiendo algo, y la gente podrá usarlo como sea que quieran y aplicarlo a sus propias vidas», explica.
Shakira será la encargada de interpretar, de nuevo, la canción oficial de la Copa Mundial de la FIFA, que este año tendrá lugar en México, Canadá y Estados Unidos. Se titula ‘Dai Dai’ y se trata de una colaboración con Burna Boy. La artista colombiana ha mostrado alrededor de un minuto de tema, pero la versión completa, junto con el videoclip, estarán disponibles el 14 de mayo.
«Desde el Estadio Maracaná, aquí está ‘Dai Dai'», se lee en la publicación de la colombiana, que seguramente aprovechó su masivo concierto en Copacabana para grabar el spot. El clip comienza recordando que Shakira ya ha estado involucrada en tres ocasiones anteriores con el mundial de fútbol, mostrando los balones de cada competición.
El primero fue el de Alemania 2006, en el que ‘Hips Don’t Lie’ se erigió como el himno no oficial del torneo. A este le siguieron el de Sudáfrica 2010, con el famoso ‘Waka Waka’, y el de Brasil 2014, con ‘La La La’. Esta última tampoco fue el himno oficial.
La nueva canción toma el afrobeat como principal referencia, con la artista colombiana cantando sobre el destino: «Sabía desde el día que naciste / Que estás en el lugar al que perteneces». El estribillo, por otro lado, es una mezcla de idiomas, empezando desde el italiano con el «dai dai» y pasando por el francés («allez») o el inglés («let’s go»).
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