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El verano sabrosón, y sobre todo romántico, de 54 Ultra

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Uno de los proyectos en boga en los últimos tiempos es el que ha puesto en marcha el compositor y productor John Anthony Rodriguez, sito en Nueva Jersey. 54 Ultra ha logrado un enorme viral en compañía del dúo holandés de música electrónica ANOTR: ‘Talk to You’ suma 150 millones de reproducciones en Spotify en el momento de redacción de esta noticia. Pero lo mejor es que también muchas otras de sus canciones están disparadas, como la romántica y muy soul ‘Heaven Knows’ o ‘Upside Down’.

Influido por la música de Puerto Rico y República Dominicana, 54 Ultra gusta de cadencias a lo Marvin Gaye y también cierto aire indie a lo Morrissey. Esa mezcla de soul con indie rock, de percusiones orgánicas jazzies propias de los años 60, con sintetizadores e instrumentos de metal enriquece su propuesta. Una propuesta que se comunica en un natural Spanglish, marcada también por su dedicación al amor.

Su EP de 2025 ‘First Works’, donde aparecen canciones como ‘Talk 2 Me’ o ‘Upside Down’, acaba de ser sucedido esta semana por un nuevo tema llamado ‘Tell Me’, que seleccionamos como Canción del Día hoy. Además, con él, presenta una gira amplísima por Norteamérica y Europa, que le traerá a Madrid y Barcelona los días 20 y 21 de octubre. Será respectivamente en Copérnico y La Nau, y las entradas están a la venta a través de Primavera Tours.

‘Tell Me’ tiene todos los ingredientes que representan a 54 Ultra: la influencia del soul en coros y acordes, solo que sometida a una guitarra más bien indie pop, la mitad de la letra en inglés y la otra en español sin que ni siquiera te des cuenta. Una estrofa recuerda «yo no sé cuándo te perdí, pero recuerdo cuándo te gané», mientras el estribillo suplica tal cual «Tell me where it all went wrong», antes de que la canción decida desintegrarse.

Es una desintegración placentera, en todo caso, pues su música tiene mucho de hedonista también. No es casualidad que ‘Tell Me’ se haya estrenado en verano: hay algo en 54 Ultra algo muy sabrosón, por mucho que siempre tenga ese barniz romántico.


¿Reconocimiento o segregación? El dilema del nuevo Grammy al pop asiático

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Con más de 4,5 millones de unidades vendidas, ‘ARIRANG‘ era una de las grandes bazas de la industria musical de cara a los Grammy. Sin embargo, BTS no optarán a los premios. El grupo surcoreano ha anunciado a través de Instagram que ha decidido no presentar su música este año, apenas unas semanas después de que la Academia introdujera una nueva categoría dedicada al pop asiático. «Espero que la música pueda ser escuchada y querida por lo que es, en lugar de dividirse por región o idioma», dice el comunicado compartido por los siete miembros, que también han agradecido el apoyo de sus seguidores.

La decisión se alinea con polémicas previas en torno a los Grammy y a la forma en que la Academia ha repartido históricamente las fronteras entre categorías. La nueva categoría de Mejor interpretación de pop asiático, creada para 2027, está reservada a canciones de K-pop, J-pop, C-pop y otros estilos asiáticos que hagan un «uso significativo» de alguna lengua asiática. BTS partían como claros favoritos, después de haber sido nominados anteriormente en categorías generales con éxitos como ‘Dynamite‘, ‘Butter’ o ‘My Universe’.

Más que una protesta porque la Academia no les tenga en cuenta, la decisión de BTS parece responder al temor de que esta nueva categoría acabe delimitando el espacio de los artistas asiáticos en función de su origen o del idioma en que cantan. Su postura conecta con críticas que los Grammy han recibido durante años, por parte de artistas como Drake o The Weeknd, por la forma en que clasifican a determinados artistas y géneros, aunque el grupo no habla explícitamente de racismo.

La cantante Kelela, una de las voces más críticas con este asunto, ha popularizado el concepto de «sonic racism», con el que denuncia la tendencia de la industria a encasillar a determinados artistas -especialmente afroamericanos- en categorías como R&B o soul aunque su música pertenezca claramente al pop o la electrónica. Paradójicamente, Justin Bieber protagonizó la polémica opuesta en 2021: el cantante canadiense, blanco, criticó que ‘Changes’ fuera nominado en las categorías de pop y no en las de R&B, al considerar que ese era el género al que realmente pertenecía.

Queda por ver si esta nueva categoría funcionará como un reconocimiento adicional o como un destino casi obligatorio para los artistas asiáticos. Los Grammy ya conviven con los Latin Grammy sin que eso haya impedido que discos en español compitan también en las categorías generales. La incógnita es si el pop asiático seguirá teniendo ese mismo espacio o si, a partir de ahora, la nueva categoría acabará absorbiendo buena parte de sus nominaciones.

La creación de esta categoría también llega en un momento de creciente proyección internacional del pop asiático más allá del K-pop, reflejada, por ejemplo, en el éxito global de ‘Sesi Potret’, del indonesio Enau junto a Ari Lesmana, que ha alcanzado el top 24 de la lista global de Spotify y continúa situada entre las canciones más escuchadas a nivel mundial. Quizá ahí resida precisamente una de las objeciones implícitas de BTS: la nueva categoría engloba bajo la etiqueta de «pop asiático» escenas musicales muy diferentes entre sí, un criterio geográfico que rara vez se aplica al pop occidental.

En cualquier caso, la creación de una categoría específica también puede tener un efecto positivo: abre la puerta a que muchos más artistas de K-pop, J-pop, C-pop y otros mercados asiáticos sean nominados por primera vez a los Grammy y consigan una visibilidad internacional que hasta ahora estaba al alcance de muy pocos. La contrapartida es que ese reconocimiento pueda acabar convirtiéndose en una forma de guetización, relegando a estos artistas a una categoría propia en lugar de competir en igualdad de condiciones con el resto del pop mundial.

Jared Leto, acusado de delitos sexuales por cuatro mujeres

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Un nuevo documental de la BBC, ‘Jared Leto: Hollywood’s Dark Secret’, recoge los testimonios de 10 mujeres que acusan a Jared Leto de comportamientos sexuales inapropiados entre 2002 y 2016. 9 de ellas hablan públicamente por primera vez. Según informa Variety, cuatro de los relatos describen presuntos delitos sexuales ocurridos cuando las denunciantes eran adolescentes.

Una de las mujeres asegura que el actor la agredió sexualmente en el baño de un motel cuando tenía 17 años. Otra afirma que Leto la amenazó con agredirla sexualmente cuando ella tenía 19. Una tercera sostiene que mantuvo relaciones sexuales con él en California cuando tenía 17 años, por debajo de la edad de consentimiento en ese estado, y que el actor restó importancia a ese hecho. Una cuarta denuncia que Leto le hizo repetidas llamadas de contenido sexual cuando tenía 16 años e incluso le propuso mantener relaciones.

El documental también recoge los testimonios de otras cuatro mujeres que describen llamadas «extrañas y a menudo muy sexuales» cuando eran jóvenes. Además, dos antiguos trabajadores de Thirty Seconds to Mars aseguran que el entorno del grupo veía con incomodidad la forma en que Leto se relacionaba con chicas adolescentes, a las que, según cuentan, invitaba en ocasiones al camerino o a la casa donde grababa.

La BBC afirma haber contrastado varios de estos relatos con familiares y amistades de las denunciantes, además de revisar mensajes y fotografías que respaldarían parte de sus testimonios. Según Variety, los representantes de Jared Leto no habían respondido a las peticiones de comentarios en el momento de la publicación.

Ariana Grande estrena la retro ‘Petal’ en vivo y avanza su vídeo

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Ariana Grande ha estrenado en directo al completo ‘petal’, el tema que da título a su nuevo disco, que se publica este viernes. ‘petal’ servirá además como segundo single oficial del álbum, tras el enorme éxito de ‘hate that i made you love me’.

Antes de que llegue ese día, Ariana ha decidido cantar ‘petal’ por primera vez en directo durante la gira ‘eternal sunshine‘, en Montreal (Canadá). Lo que escuchamos es una balada dramática de aire retro, a medio camino entre el doo-wop y el blues, y también una declaración de intenciones en la que Ariana proclama que «no es ninguna víctima».

‘Petal’ utiliza la metáfora de un «pétalo sobre el asfalto» para hablar del conflicto entre el privilegio asociado a su estatus como estrella del pop y las dificultades que ha atravesado en su vida. El puente lo deja claro: «Todas mis historias favoritas acaban en tragedia, pero no necesito que nadie me salve, porque esta música y yo nunca moriremos». Ariana presenta la música como su salvación y se recuerda a sí misma lo privilegiada que es pese a los baches: «el dolor no muerde aquí en el paraíso», canta.

Ariana también ha adelantado un pequeño vistazo del videoclip de ‘petal’, que podrá verse el mismo día del lanzamiento del álbum. Todo apunta a que, como el anterior, estará cargado de interpretación y dramatismo.

‘Petal’ fue además la encargada de abrir el encore del concierto. No fue el único estreno de la noche: Ariana también interpretó por primera vez un breve a cappella de ‘worst behavior’, de su disco ‘positions‘.

Tyla / A*POP

El éxito de ‘Water’ y ‘Chanel‘ ha convertido a Tyla en una de las principales representantes del pop sudafricano en el escenario internacional y, de paso, ha servido para acercar el amapiano al gran público. Aunque su música bebe claramente de este género, también lo traduce a un lenguaje más pop y R&B, con estructuras radiables y un acabado pensado para trascender playlists y fronteras.

La buena noticia es que esa traducción al pop no le hace perder un ápice de elegancia, algo que vuelve a quedar claro en su nuevo disco, titulado con valentía ‘A*POP’, como si aspirara a condensar el pop africano contemporáneo en su máxima expresión. La menos buena es que el álbum acaba estirando demasiado esa misma fórmula sin apenas salirse de sus propios márgenes.

Predominan las atmósferas sensuales e hipnóticas, los estribillos corales, los característicos log drums del amapiano y la voz aterciopelada de Tyla. También unas letras que, sin escapar del manual del pop, vuelven una y otra vez sobre la búsqueda de una relación que combine compromiso, deseo y diversión: Tyla pide a su pareja que «riegue mis raíces» en ‘Is It Love’, confiesa en ‘Kiss’ que está «intentando enamorarse» o fantasea con un amor verdadero en ‘Fairytale’.

El disco también se abre a estilos vecinos como el dancehall digital o el deep house sudafricano, uno de los antecedentes naturales del propio amapiano, sin olvidar el R&B de inspiración dosmilera pero actualizado. Producciones y melodías están trabajadas con un gusto exquisito, aunque ese cuidado por la atmósfera no siempre basta para que todas las canciones terminen de destacar.

De hecho, ‘Chanel’ ni siquiera define el sonido del álbum: relegada a la pista 11, funciona casi como una excepción dentro de un repertorio mucho más contenido. Si uno acepta la propuesta de Tyla, basada en canciones de bajo relieve y en un estado de ánimo constante antes que en grandes explosiones, puede acabar enganchándose al corte más inesperado. Puede ocurrir con los aires caribeños de ‘Is It Love’, con el R&B de producción glitch de ‘Right Now’ o con el refinado dancehall contemporáneo de ‘Mr. Nonchalant’ y ‘That Girl’, dos de las producciones más inspiradas del disco.

Precisamente esa voluntad de sonar accesible juega tanto a favor como en contra del álbum. Por un lado deja temas con clara madera de hit como ‘Is It’ o pequeñas joyas como el sensual R&B de ‘Feel Something’, que recuerda por momentos a FKA twigs o Kelela. Por otro, una parte importante del repertorio suena excesivamente contenida. Canciones como ‘Crazy for Me’ resultan redundantes y terminan transmitiendo la sensación de estar escuchando una sucesión de cuartos o quintos singles.

Esa impresión se acentúa porque canciones como ‘Chanel’ o ‘She Did It Again‘ con Zara Larsson, abrazan sin complejos el pop de masas y acaban eclipsando al resto del repertorio. Una de las mejores ideas del disco aparece en ‘Fairytale’, que samplea el clásico homónimo de Liquideep, una referencia del deep house sudafricano publicada en 2010 y uno de los sonidos que acabarían desembocando en el amapiano. Es un guiño con mucho gusto y una reivindicación de la tradición musical sudafricana, aunque el sample, por sí solo, no termina de elevar la canción.

‘Fairytale’ deja entrever el disco que ‘A*POP’ podría haber sido. Mientras esperas a que hagan clic temas como el dancehall de ‘Double Blind’ o el corte más club de ‘Kiss’, da la sensación de que ninguno termina de explotar del todo. Quizá una mayor apertura hacia las estructuras largas y el carácter más inmersivo del amapiano de los townships, representado por figuras como DJ Maphorisa o Vigro Deep, habría permitido al álbum escapar de las expectativas del pop global y sonar menos contenido.

No se trata de pedirle a Tyla un disco que nunca quiso hacer. Pero una pequeña dosis de riesgo habría dado como resultado una obra más sorprendente, quizá también más divisiva, y desde luego más memorable. Lo que ofrece finalmente ‘A*POP’ es una colección de pop africano mainstream producida y cantada con un gusto exquisito. Tan elegante como consistente, pero también tan fiel a su fórmula que acaba agotándola antes de tiempo.

Zara Larsson suma en el remix de ‘Talk To Me’ de Robyn

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Robyn sigue sumando remixes a su último disco, ‘Sexistential’. Esta misma tarde ha publicado la nueva versión de uno de los bangers indiscutibles del proyecto, ‘Talk To Me’. El celebrado electropop de la artista sueca ahora también es la segunda colaboración de su carrera con Zara Larsson, tras su unión en ‘Puss Puss’.

Rebautizada como ‘Talk To Me, Zara’, la canción se une a la lista de remixes previamente lanzados, entre los que se encuentran el ‘Sexistential’ de Arca, el ‘Dopamine’ de Jamie xx o el ‘Blow My Mind’ de Ca7riel & Paco Amoroso. Aunque el título del disco ya no esté mencionado en la letra, Zara hace lo difícil: sumar en un tema que ya funcionaba perfectamente.

Larsson entrega un verso totalmente nuevo, que además es el que comienza la canción, hasta que Robyn se encuentra con ella en el estribillo, interpretado a dúo. «Ven a terminar lo que empezaste / Porque cuanto más usas la lengua, más aceleras mi corazón», canta Zara, no corta de sus conocidas florituras vocales. El preestribillo también se cambia ligeramente, aunque mantiene el mismo sentido: «Sé mi audiencia / Ahí es cuando estoy en mi salsa / Cuando escucho que te está encantando».

¿Me puede gustar más ‘Music, Fashion, Film’ que ‘brat’?

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Con solo 30 minutos de música, Charli xcx ha hecho uno de los discos más polarizantes de su carrera. Para algunos, ‘Music, Fashion, Film’ es su mejor versión. Para otros, es su peor álbum. La comparación es inevitable, e igual de complicado es que la balanza no favorezca al monumental ‘brat’, el proyecto que permitió a la artista británica acceder a un nivel de fama y éxito comercial que nunca había experimentado antes y que, seguramente, nunca repetirá. ‘MFF’ me gusta más que ‘brat’. ¿Estoy loco?

¿Qué es lo primero que se te viene a la cabeza al pensar en ‘brat’? Si no es el icónico color verde de su portada, mientes. En los tiempos que corren, parece totalmente imposible (hasta que se demuestre lo contrario) que un disco provoque un fenómeno cultural con la música como único respaldo, incluso cuando esta es tan excelente como la de ‘brat’. Lo que empezó como un ejercicio de lealtad a sí misma tras la «convencional y tolerable monotonía» pop de ‘Crash‘ acabó convirtiéndose en un monstruo del marketing que en algún momento se desvinculó de su objetivo artístico.

Con ‘Music, Fashion, Film’, Charli no estaba dispuesta a pasar por lo mismo otra vez, diseñando así su propia anticampaña. Ella ya habló de la idea del «antimarketing» en un tweet reciente: «Sigue siendo marketing, pero tiene un acercamiento diferente, más íntimo, personal, privado, de tú a tú, y que no tiene tanto que ver con la proyección de escala», explicó. Nada de ‘MFF summer’ o colecciones exclusivas de Bershka y H&M. Ahora la vibra de Charli es proyectar su austera película en cines independientes.

No es que Charli haya renegado de la era ‘brat’, sino que ha entendido que el movimiento más inteligente después del éxito masivo es poner un espejo delante de ella. La portada de su nuevo disco sigue siendo minimalista, pero donde antes había color, ahora hay blanco y negro. Donde antes había letras, ahora hay una declaración fotográfica. Donde antes había universalidad, ahora hay nicho. Todo el mundo entiende la portada de ‘brat’, pero, ¿quién coño conoce a John Cale?

Todo esto no es argumento suficiente para poner ‘Music, Fashion, Film’ por delante de ‘brat’, pero sí son motivos para creer casi ciegamente en la visión de la artista. Es la única popstar actual capaz de alienar a sus fans de esta manera, y todavía no he mencionado lo más llamativo de esta era: ahora Charli hace rock. Ella confiará en su instinto incluso cuando eso signifique el fracaso comercial. En su cuarto día de lanzamiento, hay un total de 0 canciones de ‘MFF’ en el top global de Spotify, pero dudo mucho que le importe lo más mínimo.

Al final, el hecho de que te guste más ‘brat’ o ‘MFF’ dependerá de tu formación musical. Generalizando: si vienes de la música de club y del pop más bailable, desde Madonna a Lady Gaga, a nadie le va a sorprender que prefieras el primero. Si en algún momento The Velvet Underground o The Clash lo fueron todo para ti, es más probable que te quedes con ‘MFF’, al ser la unión ideal de ambos mundos. Sin embargo, no son discos tan diferentes.

Ambos son tremendamente conceptuales, tanto a nivel sónico como lírico. ‘brat’ era la versión definitiva, artsy y refinada, de todo lo que había hecho Charli previamente, mientras que ‘MFF’ puede ser el disco más diferente de su carrera, que no el más experimental. En las letras de ‘brat’, Charli sacaba a relucir y celebraba sus defectos. En ‘MFF’, reflexiona sobre ellos. Es la post-‘brat’ clarity.

La música de ambos proyectos me encanta: ‘Rock Music’ y ‘360’ son dos caras de la misma moneda, definiendo perfectamente sus respectivos proyectos, mientras que ‘Wink Wink’ ocupa el lugar de ‘Von Dutch’ como banger por excelencia. Sin embargo, ‘MFF’ ofrece en sus escasos 30 minutos una sorprendente variedad de temáticas y referencias. Ahí está la frialdad de la grunge ‘Card Declined’, la euforia instantánea de ‘Yeah’ (el ‘Song 2’ de Charli, cambiando la distorsión por la electrónica), el pop introspectivo y sin concesiones de ‘Persona’, la desamparada ternura de ‘Magic Metal Montana’ o la reflexión final de David Cronenberg: «Nadie dura para siempre».

Por último, la gran diferencia entre ambos discos, al margen de la música, es el origen de cada uno. ‘MFF’ es un volantazo estilístico total que, a diferencia de ‘brat’, no nace de un rechazo a su propia música, sino de la inspiración más inusual.

«No tenía pensado hacer este disco cuando lo hice. Pensé que me tomaría un descanso, disfrutaría de la vida, estaría en casa enrollándome con George o lo que sea y poco más, pero la inspiración llegó y tenía que seguirla», comentó en el post de lanzamiento del disco en Instagram. En su descripción de Apple Music, también asegura sentirse «muy afortunada» de sentir esta llamada.

‘Music, Fashion, Film’ se ha hecho, literalmente, por amor al arte. Quizás mi lado más pedante esté controlando mi amor por este álbum. No obstante, ¿no podemos celebrar que una artista elija «fracasar y ser fea» a dejarse consumir como tantos otros?

Madonna, ¿rumbo al WorldPride de Ámsterdam?

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¿Está Madonna anticipando una aparición sorpresa en el WorldPride de Ámsterdam? La cantante ha publicado en sus historias de Instagram una llamativa imagen, una tarjeta rosa con el mensaje en neerlandés «Ik heb iets waar ik over wil praten» («Tengo algo de lo que quiero hablar»).

La frase no parece elegida al azar. Es la misma que Madonna y Sabrina Carpenter intercambian en ‘Bring Your Love‘, antes de reaparecer en ‘Danceteria’, y además la artista la ha utilizado recientemente para adelantar anuncios importantes.

La publicación llega justo antes del fin de semana en el que Ámsterdam acoge el WorldPride, cuya popular Canal Parade se celebra el 1 de agosto. Por ahora no hay confirmación oficial, pero los fans ya especulan con una posible aparición sorpresa de la autora de ‘Confessions II‘.

El posible anuncio llega en una semana especialmente significativa para el Orgullo europeo. Tras el CSD de Berlín del pasado fin de semana, marcado por una tragedia, todas las miradas están ahora puestas en el WorldPride de Ámsterdam, que celebra este sábado uno de sus actos centrales.

Nacho Vegas, La Paloma y más confirmados en BAM 2026

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Jordi Santos

El BAM 2026 ya ha desvelado su programación completa para las Fiestas de la Mercè. Como cada año, Barcelona acogerá decenas de conciertos gratuitos repartidos por distintos escenarios de la ciudad entre el 23 y el 27 de septiembre.

Entre los nombres más destacados para el público de JENESAISPOP figuran Nacho Vegas y La Paloma, que compartirán cartel en el Teatre Grec, además de Maika Makovski, Restinga o Gala i Ovidio, sin olvidar propuestas emergentes como Pol Batlle, Maria Jaume, Sandra Monfort o TootArd.

Miércoles 23 de septiembre

Teatre Grec
21.30 h – Pol Batlle
23.30 h – Luísa Sobral

Avenida de la Catedral
22 h – Sabor de Gràcia
0 h – Arp Frique & The Perpetual Singers

Jardines del Doctor Pla i Armengol
21 h – Shanghai Conservatory of Music Jazz Ensemble
23 h – Shanghai Restoration Project

Plaza Catalunya (BAM)
19 h – Concurs Sona9
22.30 h – Bia Ferreira
0 h – Brama
1.30 h – Imarhan

Rambla del Raval (BAM)
21.30 h – Humana Taranja
23 h – Sunflowers
0.30 h – Maria Reis

Moll de la Fusta (BAM)
22.30 h – KIW & Mourad Belouadi
0 h – La 126
1.30 h – Juventude

Jueves 24 de septiembre

Avenida de la Catedral
21 h – María Terremoto
22.15 h – La Barcelona Flamenca

Jardines del Doctor Pla i Armengol
12 h – ESMUC
19 h – Xamfrà

Sede del Distrito de Nou Barris
20.45 h – Orquestra i Cor del Gran Teatre del Liceu

Viernes 25 de septiembre

Teatre Grec
21.30 h 23.30 h – La Paloma

Avenida de la Catedral
23 h – Shanghai Chinese Orchestra

Jardines del Doctor Pla i Armengol
21 h – Fuensanta
23 h – Marina y su Melao

Sede del Distrito de Nou Barris
20.45 h – Orquestra Simfònica de Barcelona i Nacional de Catalunya (OBC)

Passeig dels Tillers
22.30 h – Azucarillo Kings

Avenida de Maria Cristina (RAC105)
20.30 h – Maria Jaume
21.30 h – Markos
22 h – Els Amics de les Arts
23.45 h – Els Catarres
1.30 h – Teràpia de Shock

Playa del Bogatell (ELS40)
19.30 h – Aina Machuca
19.55 h – Enol
20.30 h – Sexenni
22 h – Miki Núñez
1.15 h – Buhos

Plaza Catalunya (BAM)
22.30 h – Daoud
0 h – The Slates
1.30 h – Sandré

Rambla del Raval (BAM)
21.30 h – Restinga
23 h – Uzi Freyja
0.30 h – Queer Falafel x Mad Monkey

Moll de la Fusta (BAM)
22.30 h – Les Testarudes
0 h – Isla Kume
1.30 h – Islandman

Sábado 26 de septiembre

Teatre Grec
21.30 h – Ana Rossi + Joana Queiroz
23.30 h – Def Mama Def

Avenida de la Catedral
22 h – Aterciopelados
0 h – Maika Makovski

Jardines del Doctor Pla i Armengol
12 h – Jam Nation
21.30 h – Marc Vilajuana
23 h – El Extintor + LaTorre (Desacoples)

Sede del Distrito de Nou Barris
12 h – Banda Simfònica Roquetes de Nou Barris
20.45 h – Banda Municipal de Barcelona

Passeig dels Tillers
12.30 h – Marco de Ana
22.30 h – Sorvina

Avenida de Maria Cristina (Europa FM)
21 h – Ivan Herzog
21.45 h – Banda Neón
23 h – Paula Koops
0.15 h – Artista sorpresa
1.15 h – Leire Martínez

Playa del Bogatell (Estrella Damm)
20 h – Al·lèrgiques al Pol·len
21.30 h – La Pegatina
23 h – Grupo pendiente de anunciar
1.30 h – Svetlana

Plaza Catalunya (BAM)
22.30 h – Minibús Intergalàctic
0 h – Ypnosi
1.30 h – Sandra Monfort

Rambla del Raval (BAM)
21.30 h – I AM ROZE
23 h – TĀRA
0.30 h – TootArd

Moll de la Fusta (BAM)
22.30 h – Gala i Ovidio
0 h – Poncelam
1.30 h – La Valentina

Antiga Fàbrica Estrella Damm (BAM)
13.15 h – Carmen Aciar
14.15 h – Angela Blackburn
16.30 h – Jovedry
17.40 h – Admire
18.50 h – Cristina Len
20.15 h – Bofirax

Domingo 27 de septiembre

Jardines del Doctor Pla i Armengol
12 h – Liceu Blam Collective (Conservatori del Liceu)

Sede del Distrito de Nou Barris
19 h – Marco Mezquida + Vozes

Passeig dels Tillers
13 h – Tumbakin
19.30 h – Giulia Valle

Plaza de Sant Jaume
19 h – Carola Ortiz (Havaneres i sons de mar)

Antiga Fàbrica Estrella Damm (BAM)
13.15 h – Arar
14.15 h – Mala Freixura
16.30 h – AL-V
17.40 h – Asra3
18.50 h – MERCÈ
20.15 h – Maig

Jennie se va a Girona en la mediterránea ‘Less than a Lover’

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Mientras continúa arrasando su colaboración con Tame Impala, ‘Dracula‘ -en realidad un remix del éxito original firmado por Kevin Parker-, Jennie lanza una inesperada candidata a canción del verano. Se llama ‘Less than a Lover’ y es un tema de marcado aire mediterráneo.

Se trata de una agradable y relajada composición con ecos de indie-pop, bedroom-pop y bossa nova. Construida sobre un medio tiempo sostenido por guitarras, baterías y sintetizadores atmosféricos, encuentra a Jennie cantando en uno de sus registros más delicados.

La pegadiza melodía acompaña una letra sobre un romance estival, repleta de referencias al agua y al verano, y rematada por un puente que repite «Just splash, splash, splash, splash / Splash, splash, splash, splash» antes de regresar al estribillo. El resultado es una canción tan agradable como inofensiva, que se escucha con gusto pero apenas deja poso.

Presumiblemente el primer adelanto del segundo álbum en solitario de Jennie, integrante de Blackpink, ‘Less than a Lover’ cambia el sonido urbano de su debut por un paisaje mucho más mediterráneo. Tanto es así que el videoclip se ha rodado en Girona, en plena ola de calor.

El vídeo, por supuesto, ha llamado la atención por una escena en la que Jennie saluda a su pareja (Nah Kai) mientras una estelada ondea a su lado. Algunos ya la proclaman icono del independentismo catalán; de momento, queda la refrescante brisa de esta simpática canción.

Boy George publica una polémica canción de apoyo a Israel

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Después de meses protagonizando polémicas en redes sociales por sus mensajes sobre Israel, Boy George ha dado el siguiente paso: convertirlos en canción. El líder de Culture Club acaba de publicar ‘We Will Dance Again’, un alegato en defensa de la actuación militar israelí y una crítica a los artistas que apoyan Palestina.

Publicada con un título también en hebreo, la canción arranca con el verso «Tú dices genocidio, yo digo guerra» y hace referencia al ataque de Hamás contra el festival Nova del 7 de octubre de 2023. Su estribillo recupera el lema «We Will Dance Again», convertido en símbolo de solidaridad con las víctimas israelíes.

Boy George también critica directamente al movimiento propalestino y a los músicos que han condenado la actuación de Israel. «Músicos sujetando banderas, balando como ovejas», canta en uno de los versos, antes de acusarles de actuar movidos por la propaganda de internet.

Aunque el cantante había expresado anteriormente su apoyo a las comunidades judías y asegurado que eso no implicaba respaldar todas las decisiones del Gobierno israelí, ‘We Will Dance Again’ supone el posicionamiento más explícito de su carrera sobre el conflicto. Según las autoridades sanitarias de Gaza, la guerra ha causado ya más de 73.000 muertes palestinas, mientras que el ataque de Hamás del 7 de octubre dejó 344 civiles y 34 miembros de las fuerzas de seguridad israelíes muertos en el festival Nova, además de decenas de personas secuestradas.

Ariana Grande demanda a los hackers detrás de sus filtraciones

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Ariana Grande ha presentado una demanda en Los Ángeles contra un grupo de hackers cuya identidad todavía desconoce, a los que acusa de acceder ilegalmente a cuentas y dispositivos de personas de su entorno para robar y filtrar canciones inéditas, vídeos y fotografías nunca publicados.

Según la demanda, los responsables habrían utilizado técnicas de phishing para obtener acceso a las cuentas de fotógrafos y productores que han trabajado con la cantante. Después, presuntamente vendían ese material por «importantes sumas de dinero». El objetivo de la demanda es descubrir la identidad de los responsables y hacerles rendir cuentas por una conducta que el equipo legal de Grande califica de «invasiva y reprobable».

El documento sostiene que las filtraciones acompañan la carrera de Ariana desde su debut en 2011. Entre los casos citados figura el acceso en 2019 a la cuenta de Dropbox de un fotógrafo, el hackeo en 2020 del móvil de un productor para obtener maquetas, masters inéditos y vídeos de sesiones de grabación, y la filtración de hasta 45 canciones inéditas solo durante 2023.

La demanda también asegura que en 2024 los atacantes llegaron a crear una cuenta de Gmail y un dominio que suplantaban la identidad de un fotógrafo para conseguir que un técnico les enviara fotografías inéditas de la era ‘eternal sunshine‘. Con esta acción judicial, Grande pretende frenar este tipo de prácticas «en su nombre y en el de otros artistas».

La ironía es que una de esas filtraciones acabó inspirando uno de sus últimos hits. La demo ‘Fantasize’ fue el germen de ‘the boy is mine‘. Ahora, con ‘petal’ a la vuelta de la esquina, el álbum parece haber esquivado las filtraciones, al menos por ahora.

«Todos se creen un monumento, qué aburrimiento»: así es el divertido italo disco de BEGOÑA

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En la lista de artistas que se desenvuelven bien tanto detrás de la cámara como detrás del micro también está Begoña Vargas. No confundir con aquella Begoña de los tiempos del electroclash que, fichada por Subterfuge, entonó ‘Let’s Play Hippies‘ y aún conserva 34 oyentes mensuales.

Por el día, BEGOÑA es una reconocida actriz por su trabajo en ‘Berlín’, ‘Las leyes de la frontera’ o ‘Malasaña 32’. De noche, artista de pop que recupera lo mejor del italo disco de los 70. ‘g3lato y f3sta’ es la Canción del Día.

BEGOÑA ya metió su pie en el mundo de Pino D’Angiò con el primer adelanto de su debut, la sintetizada ‘Bola disco lunar’. En ‘g3lato y f3sta’, sin embargo, redondea la propuesta con un tema que, más que buscar sonar vintage, triunfa en transportar los recursos de la música setentera a nuestro tiempo. El resultado es una canción inmediata, divertida y que no se rompe la cabeza.

De esta forma, la artista se encuentra viajando en el tiempo a un «plano paralelo», buscando una pareja a su nivel, porque «de los que te traen flores ya no hay». De un momento a otro, está en los años 90: «Que pases a buscarme a mi puerta, cuando llegues hazme un llama cuelga», canta, con el vocabulario de la época.

Ella, que se describe «clásica» como un «martini espresso», está en Italia en la siguiente escena: «Quiero que sea Italia en los 70, que venas a buscarme con tu vespa / Decidido a hacerme una propuesta». La letra acompaña perfectamente a la música, siendo ingeniosa y memorable gracias a afirmaciones como esta: «Todos creen que son un monumento, qué aburrimiento».

The Strokes / Reality Awaits

He tenido que comprobar 3 veces que seguíamos en 2026, mirando mi reloj, el móvil y los calendarios que mi padre sigue colgando en su casa. Atendiendo a la polémica por el uso del Autotune en el 7º disco de los Strokes, pensé que habíamos retrocedido en el tiempo. Por ejemplo a 2007, un año antes de que Kanye West publicara ‘808s & Heartbreak’ y los tiempos del debut de Bon Iver. Por ejemplo a 2012, un año antes de que The Strokes demostraran que estaban aquí para divertirse con un single tan loco como ‘One Way Trigger‘. Los mismos tiempos en que Julian Casablancas reventara las plataformas de streaming con aquella maravilla llamada ‘Instant Crush‘ junto a Daft Punk.

Por no hablar de los tres discos publicados por The Voidz, el proyecto paralelo de Casablancas. ¿Su presentación con aquel tema llamado ‘Human Sadness’ no fue suficientemente indicativa de sus gustos en el siglo XXI?

El absurdo generalizado llega al punto de que en este lustro se ha aceptado la idea de que ‘The New Abnormal‘, el último álbum de los Strokes hasta la fecha, es un nuevo clásico de la banda, pues se ha convertido en el favorito de la generación Z, con números estratosféricos. ¡Y en aquel álbum se usaba Auto-Tune y voces estiradas hasta lo estridente en pistas como ‘Eternal Summer’! ¿Qué esperábamos en 2026 de este grupo? ¿’Is This It?‘? ¿Pero en serio?

La pregunta, a lo sumo, será si el Auto-Tune se utiliza de forma excesiva, adecuada, enriquecedora o redundante. Julian Casablancas suele llevarlo a territorios dramáticos, asfixiantes, a modo de lamento y es verdad que en ‘Falling out of Love’ se ha pasado de frenada. Pero no es una cuestión de Auto-Tune. Es una cuestión de que la canción se extiende hasta los 6 minutos y medio sin presentar una de sus mejores progresiones. Mucho mejor es el clímax creado al final de ‘Psycho Shit’, lo que nos lleva al contenido temático de este trabajo.

Porque se debería estar hablando más de que ‘Reality Awaits’ es un disco bastante político de los Strokes, muy crítico con los tiempos que vivimos. Misteriosamente, parece que eso le interesa mucho menos a tu algoritmo. El single ‘Going Shopping‘ habla de cómo nos refugiamos en el consumismo, de los seres que se sienten «por encima de la ley» y de cómo hemos perdido sensibilidad hacia el prójimo. En relación con el título del álbum, plantea: «Cuanto peor se vuelve la realidad, menos quieres oír hablar de ella / La solidaridad puede ser difícil cuando tienes tantas cosas guays que perder».

En la línea, la balada ‘Liar’s Remorse’ introduce una línea sobre alguien demasiado dependiente de la IA, y sobre todo el mencionado ‘Psycho Shit’ está claro a quién se dirige: «matas a tu presa sin moverte de tu nido / desde detrás de un escritorio / eres una mierda de psicópata sin honor, ni huevos». La lírica de Casablancas es ahí cristalina -otras veces es más obtusa-, pero lo seguro es que merecía la pena atender qué se escondía detrás del tan traído y llevado Auto-Tune.

Sobre todo porque Julian Casablancas sigue siendo capaz tanto de divertir como de emocionar cuando se pone. ‘Lonely in the Future‘, la canción más «primeros Strokes» después de esa intro un tanto Jack White, es una cachondísima defensa de su legado, con dardos envenenados para Harry Styles («Dude kept the beat «As It Was»»), The Weeknd («me gusta cómo vistes», o sea, «me has copiado») o Fantano («me dijeron lo mismo que tú hace 20 putos años»). Es un tanto bajona que se rebaje a contestar cosas tras 25 años de carrera, pero el tema logra sonar lozano. Como también ‘Dine N’Dash’ -con sus evocadores teclados- o ‘Going to Babble On’.

En el lado más emocional, está ‘Liar’s Remorse’, sostenida apenas con la guitarra eléctrica de Albert Hammond Jr, animando a alguien a amar («no tienes amor porque no quieres sufrir / no quieres sufrir porque no tienes confianza») y en general, la sensación de nostalgia que se desprende de letras y melodías por diferentes motivos. En ‘Going Shopping’ hay una línea reveladora en la que Julian cuenta cómo ya le han llamado «viejo»; en ‘Tyrants of the Mellow Moon’ se pregunta «si ha llegado demasiado tarde».

Esta última canción no termina de explorar su inspiración en Radiohead, dejando cierta sensación de algo inacabado, pero así son los álbumes de los Strokes desde ‘Angles‘ (2011)… o incluso desde antes. Puedes entrar al álbum, especialmente a través de ‘Lonely in the Future’, o puedes seguir poniéndote tus favoritos de toda la vida. Lo llevan cantando durante 3 décadas: Take It or Leave It.

Charli xcx / Music, Fashion, Film

Charlotte Aitchison está inspirada. Y no solo ella, también sus amigos y colaboradores habituales A.G. Cook y Finn Keane. Juntos salen de fiesta, se hacen fotos, se besan y graban música. Así lo narra en ‘Rock Music’, el tema introductorio a ‘Music, Fashion, Film’, un disco que nace de ese estado de gracia en el que nada parece demasiado premeditado y donde todo se construye a base de arrebatos artísticos. Esa sensación de espontaneidad y libertad creativa recorre un trabajo rupturista con el sonido Charli xcx, que deja a un lado la pista de baile y la cambia por las guitarras eléctricas.

Y tiene sentido: después de ‘Brat’, ¿había espacio para continuar con el mismo estilo que acababa de perfeccionar? Según Charli, seguro que no. Siempre ha sido una artista inquieta e inconformista, y ahora que por fin le ha llegado esa fama que tanto parecía anhelar a lo largo de su carrera, no tenía nada de interesante seguir por la misma senda. La música que compuso para ‘Cumbres borrascosas’ ya daba alguna pista de sus próximas ideas, sobre todo en ‘House’, con John Cale (invitado de honor en la portada junto a Marc Jacobs y Martin Scorsese), y ahora, en ‘Music, Fashion, Film’ deja claro que todo lo que este volantazo hacia el rock pueda tener de estratégico, también lo tiene de honesto.

Aquí se muestra una nueva faceta de la cantante, pero no es una reinvención: este disco no lo podría firmar nadie más. Hay algo que no ha cambiado lo más mínimo, y es la capacidad para hablar de sus preocupaciones e inseguridades con tanta urgencia como ironía. Desde hace unos años, Charli ya no es solo una estrella del pop, también ha querido probar a ser actriz. “Algo nuevo y sin descubrir / y algo un poco violento / atreverse a fallar y ser fea / estoy inspirada y viva”, confiesa sobre cómo le hace sentir esta nueva profesión en la pegadiza ‘Camera’, que cuenta con una de las melodías más inmediatas del proyecto. También adictiva, con un gran uso de la batería y las guitarras, ‘Wink Wink’ reflexiona con mucho humor sobre la percepción externa de su propia imagen de “chica mala”.

Temáticamente, el álbum se mueve entre la sátira y la más pura desesperanza ante un mundo superficial, dividido y horrible. “Nada nos va a salvar, ni la música ni la moda ni el cine”, se lamenta en ‘SS26’, donde Charli cambia la idea hedonista del “Brat Summer” por un indie-rock pesimista que esconde muchas más capas de las que se ven a simple vista: la languidez de la guitarra acústica, la distorsión de la eléctrica, los sintetizadores cortados tras el primer estribillo o el convincente dramatismo en la voz de la intérprete terminan formando una de las canciones más sólidas del álbum. En esa misma línea de ironía anticapitalista, ‘Card Decline’ denuncia la frivolidad de las altas esferas, que piensan que cualquier cosa se arregla comprando.

Uno de los aspectos que mejor funcionan del álbum es esa mencionada espontaneidad, que consigue que algunas canciones brillen mucho más que si tuvieran una producción más pulida. ‘2007’ o ‘Yeah’ tienen cierto aire a demo, y sin embargo, son dos de las canciones más interesantes y que más carácter aportan al proyecto. La primera invoca la estética digital de ese año y la pasa por un filtro hyperpop (¿o deberíamos llamarlo hyperrock?). Mientras que la segunda, es un experimento irresistible de guitarras enmarañadas que explota en una gran melodía en el estribillo (sin letra), compuesta por un sintetizador sucio que representa una vía de escape tras la represión de un sentimiento. Durante la mayoría de la canción, Charli repite “I don’t wanna”’ una y otra vez hasta que tras un “Wait, now I wanna feel it”, la producción se libera con esa línea electrónica, llevando al oyente a una suerte de euforia catártica.

También hay espacio para la ternura en ‘Music, Fashion, Film’, que llega de la mano de ‘Magic Metal Montana’, una oda a su gran amigo y compañero creativo A.G. Cook. “Eres mi mejor amigo, pero no hablamos / hacemos música, hablamos así” canta Charli con mucho sentimiento. La canción es una anomalía dentro del álbum, pero entre tantas cavilaciones existenciales y sarcasmo, esta pequeña dosis de sentimentalismo le sienta muy bien.

Aunque en ‘No One Lasts Forever’, que incluye parte de una conversación de la artista con David Cronenberg, vuelve a ponerse más grave, reflexionando sobre el legado artístico y los altibajos del ego. “Algunos artistas han sobrevivido miles de años, pero en cuanto a su experiencia, están muertos, se han ido […] El olvido es la libertad”, dice el director de ‘Los sudarios’. Charli toma sus palabras como propias metiéndolas en el último minuto de su disco. Si nada es para siempre, lo que queda al menos es intentar hacer arte que sea relevante en este preciso momento. No para la humanidad, sino para uno mismo. Ahí está la esencia de ‘Music, Fashion, Film’: en la búsqueda constante de la autenticidad, incluso si esta implica ponerse una máscara e interpretar un papel.

Miley Cyrus ficha por Atlantic, sello de Bruno Mars o Charli xcx

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Atlantic Records vive un verano de cambios. Después de la marcha de Ed Sheeran, que este año ha firmado un nuevo contrato con Interscope, el sello se ha asegurado un fichaje de primer nivel: Miley Cyrus. La artista abandona Columbia Records, la casa que la ha acompañado desde 2021 y con la que ha publicado éxitos como ‘Flowers‘, el mayor de su carrera.

La trayectoria discográfica de Miley ha estado marcada por los cambios de sello. Sus primeros lanzamientos llegaron bajo el paraguas de Disney, donde el fenómeno Hannah Montana impulsó su carrera en solitario y dejó clásicos como ‘Party in the U.S.A.’. En 2013 dio un volantazo creativo al fichar por RCA, donde publicó el explosivo ‘Bangerz’, entre otros. En 2020 lanzó ‘Plastic Hearts‘, todavía en RCA, antes de cambiar internamente a Columbia, sello en el que han aparecido ‘Endless Summer Vacation‘ (2023) y ‘Something Beautiful‘ (2025).

Ninguna de estas etapas ha terminado de cristalizar en una discografía especialmente sólida, pese a los numerosos aciertos repartidos por el camino. ‘Plastic Hearts’ es probablemente su mejor disco, mientras que ‘Something Beautiful’ llegaba envuelto en la promesa de un ambicioso álbum conceptual que, en la práctica, nunca terminaba de desarrollar un concepto claro. Los lectores de JENESAISPOP, eso sí, lo votaban entre los mejores álbumes de su año.

El cambio de sello abre ahora la incógnita sobre el sonido de esta nueva etapa. Cyrus acaba de conceder una entrevista a Wonderland con motivo de un número especial que ella misma ha co-creado junto al director creativo Alastair McKimm. La publicación reúne a artistas cercanos a su universo como Dolly Parton, Noah Cyrus, Kelela, Lykke Li, Sky Ferreira, 070 Shake, Towa Bird o Suzanne Vega.

En la entrevista, Cyrus explica que sigue guiándose por la intuición a la hora de crear: «Me encanta sentirme alineada con mi propósito, mi poder y mis dones. Me siento más cerca de algo más grande que yo cuando los discos fluyen a través de mí. Es casi imposible de describir. Es como despertarte de un sueño que todavía puedes sentir en el cuerpo aunque no puedas explicarlo de forma lógica. Componer canciones a veces es como cruzar al otro lado».

Atlantic suma así a Miley a un catálogo que incluye a Bruno Mars, Charli XCX, Cardi B, Kehlani, Burna Boy o Lizzo.

¿Quiénes son Temper City? El grupo israelí detrás de ‘Self Aware’

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Mientras continúa la ofensiva de Israel sobre Gaza, un grupo israelí radicado en Estados Unidos triunfa a nivel global y no son pocos quienes piden boicot a su música. ‘Self Aware’, único lanzamiento del trío Temper City, ha sido top 10 global en Spotify y acaba de entrar en el Billboard Hot 100 en el puesto 51. Billboard ya ha dedicado un artículo a explicar el fenómeno y tanto Variety como Spotify han incluido la canción entre sus candidatas a canción del verano.

Las sospechas no se han hecho esperar, sobre todo porque ‘Self Aware’ sigue siendo el único single publicado por Temper City. Van ya cerca de 330 millones de reproducciones para la única canción de un grupo que era completamente desconocido hasta hace dos días. En Reddit se acumulan los hilos preguntándose si Temper City son siquiera una banda real o si estamos ante otro proyecto producto de la IA. En X abundan las acusaciones de “industry plant”. El grupo parece aparecido de la nada, pero no es así.

Detrás de Temper City están Chen Kordova, Aviv Barenholtz y Eytan Peled. Los dos primeros llevan trabajando juntos desde los 12 años y antes de montar la banda ya habían compuesto y producido para artistas israelíes como Noa Kirel o Netta, la polémica ganadora de Eurovisión en 2018. Tampoco era la primera vez que los tres colaboraban: ya habían publicado música juntos para el sello NoCopyrightSounds.

La estrategia de lanzamiento, de todo menos improvisada, está explicada por la plataforma de marketing de influencers Influur como un caso de éxito. A finales de enero empezaron a subir a TikTok vídeos grabando ‘Self Aware’ en pleno desierto, siempre utilizando el mismo fragmento del tema. Después llegó una campaña con creadores, una práctica en realidad habitual en la industria, pero especialmente evidente en este caso, ya que el grupo no tiene recorrido.

¿Pero qué ofrece la canción musicalmente? Su mezcla de blues-rock e indie pop, con ecos de Portugal. The Man o Cage the Elephant, entra a la primera. La letra, sin embargo, recurre a clichés de manual («no smoke with no fire», «mood swings like the weather», «drinks flowing like water») y a imágenes tan gastadas que, de repente, las acusaciones de IA no parecen tan descabelladas. Digamos que le han puesto más imaginación a la campaña, que a la canción.

Ya sabéis que muchos de los éxitos actuales nacen de campañas de marketing cuidadosamente calculadas, incluso cuando se disfrazan de hallazgos espontáneos o de bandas de rock «auténticas». En este caso, todo desprende un aroma de producto prefabricado, tanto la música como el éxito. Y, para colmo, ese éxito contribuirá, aunque sea involuntariamente, a blanquear la imagen internacional de un país acusado de cometer crímenes de guerra por numerosas organizaciones internacionales.

El Mundial marca la lista de singles con Nino Bravo, K’Naan…

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El Mundial de fútbol que ha proclamado campeona a España por primera vez en 16 años marca claramente las novedades de la lista española de singles de esta semana. Mientras ‘Dai Dai‘, el himno oficial del torneo, permanece en el número 2, solo por detrás de Quevedo y Elvis Crespo, otros temas suben, entran o reentran en la clasificación impulsados por la euforia futbolística.

La gran protagonista, por supuesto, es Aitana, que sitúa ‘Superestrella‘ unos puestos por encima de donde se encontraba la semana pasada, pasando del 7 al 4. El himno no oficial de la selección española sigue fuerte tras sumar ya 56 semanas en lista, aunque todavía no ha logrado alcanzar el número 1. Al mismo tiempo, continúa creciendo a nivel internacional y ya es top 35 global.

La influencia de los futbolistas a la hora de impulsar canciones vuelve a quedar patente con dos de las entradas de la semana. Marc Pubill sorprendió en la plaza de Cibeles al cantar a capela ‘Baby Lover’, y ahora este éxito de Ñengo Flow de 2017 debuta en la lista española en el puesto 39. Por su parte, Lamine Yamal lleva ‘Y qué fue’ de Don Miguelo hasta el número 67 tras citarla entre sus canciones favoritas.

También hay que hablar de esos otros himnos no oficiales del Mundial que van más allá de ‘Superestrella’. La célebre ‘Wavin’ Flag’ de K’naan reentra en el puesto 58 gracias a la nostalgia por la victoria de España en 2010, ya que fue uno de los himnos oficiales de la FIFA aquel año. Y, barriendo para casa, ‘Un beso y una flor’ de Nino Bravo también se ha popularizado durante el Mundial y ahora entra en el número 71.

Por último, varias canciones que han sonado con fuerza durante la competición regresan a la clasificación. ‘Como si fueras a morir mañana’ de Leiva reaparece en el puesto 55, ‘Hips Don’t Lie’ de Shakira y Wyclef Jean lo hace en el 78 y ‘Despechá’ de Rosalía cierra la lista en el número 99, después de viralizarse todas ellas durante el torneo.

Al margen del Mundial, un trío de canciones del nuevo disco del trapero madrileño MVRK también logra debutar en la lista. Si ‘DAALE‘ es la más exitosa de las tres, entrando directamente en el puesto 11, ‘3horas’ aparece en el 82 y ‘2LATE’ en el 85.



Gracie Abrams, top 2 de álbumes en España; Mala Gestión, top 16

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La lista de álbumes española sigue liderada por Quevedo y su ‘EL BAIFO’. Ni siquiera el macrolanzamiento de una estrella internacional como Gracie Abrams ha podido desbancarlo esta vez. ‘Daughter from Hell‘ entra directamente en el puesto 2, mejorando el dato de su anterior álbum, ‘The Secret of Us‘, que alcanzó el número 5 y terminó siendo certificado como Disco de Oro en nuestro país.

‘Daughter from Hell’ está siendo un éxito indiscutible para Gracie Abrams, especialmente en el mercado anglosajón, y es número 1 tanto en Estados Unidos como en Reino Unido. En total, de momento ha alcanzado el número 1 en 11 países, entre ellos Australia, Nueva Zelanda, Irlanda y Escocia, además de mercados europeos como Alemania, Francia o Bélgica.

También es reseñable el éxito del trapero madrileño MVRK, que sitúa ‘Please Behave Radio Vol. 2’ dentro del top 10 de la lista de álbumes española, concretamente en el puesto 9, impulsado únicamente por el streaming.

En cambio, el gran triunfador en formato físico es la banda madrileña Mala Gestión, que coloca ‘Hacemos lo que podemos‘ en el puesto 18 de la lista general, mientras que en la sublista de vinilo alcanza el número 2, solo por detrás de Gracie Abrams. Todo un logro para un lanzamiento independiente, respaldado únicamente por la distribuidora Acqustic.

Solo un par de entradas más completan las novedades de la semana, procedentes de géneros muy distintos. Por un lado, Gonzy debuta en el número 35 con ‘From Miami, with Luv’. Por último, la banda de metal Motionless in White sitúa ‘Decades’ en el puesto 75.




A Karol G le falta rematar la faena en ‘Matadora’

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Coincidiendo con el inicio de su gira ‘Viajando por el mundo Tropitour’ en Chicago, Karol G ha regalado a sus fans un tema inédito, ‘Matadora’, al que además ha concedido el honor de cerrar los conciertos de este tour que, recordamos, pasará por España en 2027 con fechas en Barcelona, Sevilla y Madrid.

‘Matadora’ no es el hit inmediato que fue ‘Si antes te hubiera conocido’. Si ese megaéxito es el listón con el que hay que medir a la Karol G actual, ‘Matadora’ se queda bastante lejos. Más bien entra en ese grupo de canciones que Carolina Giraldo es capaz de escribir como churros, con los ojos cerrados.

La participación de Judeline es el aspecto más sorprendente del tema, aunque ‘Matadora’ tampoco alcanza la magia sutil de ‘Zahara’. Si no fuera por las tímidas trompetas que recorren la producción, estaríamos simplemente ante un reguetón sexual bastante convencional. Karol le pone gracia hablando de un encuentro «nasty» con su culo «fatty», pero ‘Matadora’ no tiene pinta de convertirse en uno de los títulos esenciales de su repertorio.

El tramo final, que destaca por su predecible uso de vocal chops, intenta aportar un extra de dinamismo a una canción que transcurre con bastante indiferencia y que ni siquiera alcanza los dos minutos y medio de duración. Sin el gancho de sus mejores reguetones, ‘Matadora’ queda en un punto de medio. Karol G ya demostró ser una ‘BICHOTA’; como ‘Matadora’, en cambio, le falta rematar la faena.

¿Qué te parece Matadora de Karol G?

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El «¿Cómo voy a callarme?» de Miguel Ríos y el papel de la política en los conciertos

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Si pagas para ver el concierto de un artista, se presupone que tienes una mínima idea de lo que te vas a encontrar. Quizás no te sabes todas las canciones, pero sí los hits. Igual no te consideras fan del todo, pero hay un mínimo de simpatía. Tal vez te encanta ‘Born In The U.S.A.’, pero no sabes que es una canción antibelicista. ¿Es esto posible? ¿Es un concierto un buen lugar para hacer política? Para muchos, el mejor.

Para Miguel Ríos, que se ha descrito a sí mismo durante su show en el Starlite Occidente de Marbella como un «ser político», desde luego que sí. Todo ocurrió después de que el mítico cantante sacase una kifaya para pedir el «no a la guerra» y al genocidio en Gaza, a la vez que pedía «parar el fascismo antes de volver a lo de antes». En ese momento, parte del público empezó a abuchearlo: «Hemos venido a oírte cantar, no a que hagas política», le gritaron.

Es extraño que el público de Miguel Ríos se muestre tan reacio a algo así, cuando el artista ya comenzó a compartir sus ideas políticas con el lanzamiento de ‘Himno a la alegría’. Le guste o no a sus fans, es la pieza que le hizo tomar «conciencia de la realidad» y que provocaría canciones de una ideología más marcada en los años venideros. Así respondió Ríos a quienes le habían increpado: «¿Cómo no voy a hacer política si soy un ser político? ¿Cómo voy a callarme porque tú no seas de mis ideas? Respétalas como yo respeto las tuyas. Estoy hablando de humanismo, no de colores», sentenció el artista de 82 años.

Miguel Ríos debió pensar, en ese instante, que los tiempos no habían cambiado tanto. «En mi juventud, se nos inculcaba en las casas que no debíamos hablar de política; vamos, no complicarnos la vida», contaba en una entrevista con elDiario.es. En su concierto de Marbella, se complicó la vida, pero no estaba en él la responsabilidad: «Yo he venido aquí a este escenario y tú sabías quién era yo, y si no lo sabías, ¿por qué has venido tío?», respondió el cantante.

Si la discografía de un artista es claramente política, ¿por qué no lo deberían ser también sus conciertos? Después de décadas de canciones como ‘Lost In The Flood’, ‘American Skin (41 Shots)’ o ‘Streets of Philadelphia’, ¿todavía hay gente que se sorprende de lo claro que es Bruce Springsteen en sus shows? Lo que es seguro es que muchos no están contentos con ello.

Jonathan Cain, teclista de Journey desde 1980 y defensor de la presidencia de Trump en los últimos tiempos, así le dedicó unas hirientes palabras a Springsteen hace unos días: «La gente como él se debería callar. ¿A quién le importa? Haz tu arte. Yo intento dejar la política fuera de mi música», declaró. Aunque este se describe a sí mismo como un «conservador intransigente», directamente opuesto a las ideas del autor de ‘Born To Run’, hay otros ejemplos de artistas que no votarían lo mismo que Cain en las urnas, pero que sí están de acuerdo con él en el papel que debe tener la política en los conciertos.

Si alguien tiene autoridad para hablar sobre lo que ocurre encima de un escenario, con seis décadas de experiencia encima, ese es Mick Jagger. El legendario frontman dio su opinón sobre el tema en su visita al podcast de The New York Times, declarando que «depende de dónde estés y del tipo de evento que es».

Este argumenta que en los festivales el público «no viene necesariamente a verte a ti», aunque en su caso difícilmente es esta la realidad. Aun así, tiene algo de razón: «No digo que te odien, porque si no, no estarían allí, pero hay diferentes niveles de personas en estos públicos y tienes que tratarlos ligeramente diferentes», explicó.

Para Jagger, los conciertos son espacios en los que los problemas, de cualquier tipo, se deben dejar en la puerta: «Mi trabajo en la música es que el público pase el mejor rato que puedan y que olviden los problemas reales del mundo. Sus hipotecas o lo que sea», continuó. Este defiende que su cometido es que la gente «se vuelva loca»: «Lo que no quieres es aleccionarles», comentó. ¿Tendría a Springsteen en mente?

Aunque en el último disco de The Rolling Stones sí hay carga política, sobre todo en sus insultos directos a Elon Musk, el cantante británico no está interesado en expandir estas ideas en sus conciertos. Pero, ¿en qué situación, además de un show en vivo, tiene un artista la oportunidad de mirar a sus oyentes a los ojos y explicarles su visión del mundo directamente? ¿No es esto por lo que escuchamos la música?

¿Crees que los conciertos son espacios para la política?

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Orville Peck sale del pozo en la rockabilly ‘Too Little, Too Late’

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Orville Peck está de vuelta con ‘Mule’, su primer disco largo desde ‘Bronco‘, el magnífico álbum que en 2022 lo consagró como estrella del country, aunque sin alcanzar el éxito comercial que merecía. ‘Stampede‘ llegó después, pero era una colección de EPs que no consiguió mantener viva aquella inspiración. ‘Mule’ puede ser un paso en la dirección correcta, al menos por lo que deja entrever su solvente primer single de adelanto.

‘Too Little Too Late’ es uno de los temas más rítmicos de la carrera de Orville Peck, gracias a su inspiración rockabilly, en la onda de Buddy Holly y esa mezcla más clásica entre rock ‘n’ roll y country. La canción funcionará a buen seguro como un chute de energía en sus conciertos, aunque la composición deja una ligera sensación de fórmula conocida. En cualquier caso, de momento no parece ese lead single rotundo y maravilloso que fue ‘C’mon Baby Cry‘ hace unos años.

Y eso que de contexto va sobrado. ‘Too Little Too Late’ es una clásica canción de ruptura y de seguir adelante («Little too late to wish that you were mine / I’m all alone and, honey, I feel fine»), pero presenta un disco nacido de un periodo mucho más oscuro, tras un intento de suicidio en 2023 que, por fortuna, no acabó en tragedia. Orville ha contado que atravesaba el peor momento de su vida, abusando del alcohol, y que una noche, en un hotel tras un concierto, sufrió una sobredosis de la que, por suerte, se recuperó. Con este contexto habrá que escuchar ‘Mule’ cuando llegue al completo.

Nia Archives se inspira en Madonna, Björk… ¿y Saint Etienne? en ‘Vertical’

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Nia Archives es el proyecto de la artista inglesa Dehaney Nia Lishahn Hunt, que en breve cumplirá 27 años. Su primer disco ‘Silence Is Loud’ le sirvió para hacerse un nombre en la escena dance británica, alcanzando el número 1 de la sublista de baile con ese lanzamiento o el top 40 dance con el single suelto ‘Baianá’. Entre sus influencias reconocía nombres como Goldie, Roni Size, M.I.A. o Ms Dynamite, algo que deducirías enseguida escuchando temas como ‘Forbidden Feelingz’.

Este mes nos ha llegado su segundo álbum, ‘Emotional Junglist’, que vamos a seleccionar como Disco de la Semana, dada la solidez compositiva de singles como el rockero y final ‘Boys In Blue’, pensado para festivales; o su colaboración con Jorja Smith, ‘Get Me Down’. Incluso despuntan temas que no han sido sencillo como ‘This Could Be…’

Comenzando por el principio, escogemos como Canción del Día uno de los singles principales, en concreto el titulado ‘Vertical’. Se trata de una canción de amor llena de fuerza («tú construyes la lluvia, yo cazo huracanes»), en la que Nia Archives manifiesta que no quiere estar «vertical» sino «debajo de ti». Más claro aún: «el mundo puede esperar, quiero estar dentro de tu cama».

Si en otros temas prevalece aún el jungle que siempre tanto le ha gustado, en ‘Vertical’ se suma a esa influencia tan británica cierto aire dream pop en los teclados, que podrían haber sido aportados por Beach House. Y es que algunas canciones de Nia Archives apuntan hacia el indie más bien, mientras en tono se acerca a Lily Allen.

En Apple Music, la propia artista ha apuntado a otras influencias en esta canción en particular: «Me inspiré de verdad en ‘Ray of Light’ de Madonna, ‘Debut’ de Björk y Saint Etienne cuando estaba escribiendo esta canción y se ha convertido en una de mis favoritas del álbum debido a su producción. Hay una atmósfera de sintetizador onírica que es como el sentimiento de tener un «crush»». A la espera de identificar a qué disco o etapa de Saint Etienne puede referirse (¿’Good Humor’?), os dejamos con este y otros de sus temazos.


‘Danceteria’, en el 88% de votos; entran Cupido, Sienna, joseluis…

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‘Danceteria’ de Madonna sigue dominando las votaciones en la final de Instagram, donde obtiene el 88% de los votos, sin dejar opciones para sus rivales. ‘Besito’ de Judeline se queda el 6%, ‘Lost Boys’ de Phoebe Bridgers, el 5%; y ‘Voyager’ de PJ Harvey, el 1%.

Llegan al top 10 esta semana nuevos temas de Cupido, Leon Bridges, Sienna y Sombr, mientras Blanca Paloma y joseluis están entre los que aparecen en la parte baja de la tabla.

Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 3 Danceteria Madonna
2 6 2 3 BESITO Judeline
3 8 3 3 Lost Boys Phoebe Bridgers
4 2 2 2 Voyager PJ Harvey
5 14 4 5 Club to Your Arms Rose Gray
6 6 1 Maldito Cupido Cupido, Cuco
7 7 1 Light the Way Leon Bridges
8 8 1 AFILADO Sienna
9 9 1 My Body Isn't Ready sombr
10 11 1 6 stupid song Olivia Rodrigo
11 3 3 2 if you wanna party, come over to my house Fcukers
12 30 12 2 idea 1 Kelela
13 15 13 2 Nightshift Superstar Muse
14 31 14 2 Notting Hill Suki Waterhouse
15 18 2 7 Bar Manolo SVSTO
16 12 2 4 On Wires Carly Rae Jepsen
17 5 2 4 Wink Wink Charli XCX
18 9 1 14 I Feel So Free Madonna
19 10 1 12 Bring Your Love Madonna, Sabrina Carpenter
20 25 5 6 Every Single Weekend The Avalanches, Jamie xx
21 13 13 3 Divine Intervention The Rolling Stones
22 20 7 5 Oda a Géminis Algora
23 21 1 23 Reliquia Rosalía
24 22 2 8 hate that i made you love me Ariana Grande
25 16 3 7 UNA PERSONA TRISTE Los Punsetes
26 4 3 4 Watch It Burn Katy Perry
27 17 9 4 Locos por el ritmo Morreo
28 28 1 Tu recuerdo Blanca Paloma
29 29 1 I'd Be Lyin' Kelly Clarkson
30 30 1 Easy Street Queens of the Stone Age
31 31 1 Hazte así joseluis
32 34 11 6 mejores momentos Belén Aguilera
33 37 7 8 Girl Like Me PinkPantheress
34 36 3 11 Rock Music Charli XCX
35 29 29 2 Someday, Somewhere Jungle
36 32 32 2 Camila Teo Planell
37 40 9 7 I Knew It, I Knew You Taylor Swift
38 26 1 38 Berghain Rosalía, Björk, Yves Tumor
39 38 5 14 drop dead Olivia Rodrigo
40 19 15 3 espiral Ela Minus, Nick León
Candidato Canción Artista
Lonely in the Future The Strokes
Camera Charli xcx
Ain’t in LA ADÉLA
Switchblade beabadoobee
Special Place Chico Blanco, Regularfantasy
PALOMITA OJOS AZULES Ganges
Giving Up Air The Temper Trap
Hoy por ti Lido Pimienta, Nelly Furtado
Nova Eartheater
Oh Mother Sam Smith, The TwoCity Chorus

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