El que hasta hoy era nuestro Disco de la Semana, ‘you seem pretty sad for a girl so in love‘, está obteniendo unas cifras de venta alucinantes. Ha sido número 1 en Reino Unido con casi 103.000 copias vendidas en 7 días, con lo cual es disco de oro directo, y mejor aún, es número 1 en Estados Unidos con lo equivalente a 485.000 unidades. Es la mejor semana histórica de Olivia Rodrigo en USA y la mejor de 2026 para cualquier álbum solista.
Sumando los números 1 obtenidos en Australia, Austria, las «dos Bélgicas», Holanda, Finlandia, Francia, Alemania, Irlanda, Italia, Nueva Zelanda, Suecia o Suiza, es evidente que el álbum roza ya el millón de copias en solo 7 días. El disco solo ha quedado en el número 2 en Noruega y en el puesto 21 en Japón. En el resto del mundo es número 1, lo que ha incluido finalmente España, desbancando a Quevedo y Bad Bunny.
Desgranando las cifras del Billboard 200, el álbum ha vendido 273.000 copias reales y 211.000 puntos proceden del streaming. 1.000 son por venta de pistas sueltas. Ha habido 15 variantes distintas de ‘you seem pretty sad for a girl so in love’, incluyendo 2 firmadas y solo en vinilos se han vendido 164.000 unidades en Estados Unidos. Sin duda, uno de los mayores éxitos de 2026.
Y es que una semana después de su edición, todo el álbum continúa en el top 100 Global de Spotify, con 5 canciones aún ancladas en el top 25: los tres singles en el top 10, más ‘honeybee’ resistiendo ahora mismo en el puesto 12 y ‘maggots for brains’ en el número 24.
A pesar del innegable parecido, con el pelo rubio que sobresale de su cabeza y los pañales con la bandera de Estados Unidos, Vince Staples ha aclarado que el bebé de la portada de ‘Cry Baby’ no es Donald Trump, sino «todos nosotros»: «Es el sistema sociopolítico que adoptamos y del que nos quejamos al mismo tiempo. Mientras operamos dentro de él sin querer liberarnos, estamos alimentando al bebé, a la bestia, por así decirlo. Este disco trata sobre las distintas formas en las que puedes hacer eso».
Entonces, ¿el primer lanzamiento independiente de Staples trata sobre cómo liberarnos del sistema o sobre cómo alimentamos al bebé sin saberlo? Ambas. Abrazando el punk y el post rock como bases de la protesta, el rapero californiano pretende entregar con ‘Cry Baby’ una vacuna contra el conformismo. La gran mayoría de los temas tratados en el disco ya han sido visitados en el pasado a lo largo de la historia de la música, especialmente la música negra, pero pocas veces habían sido presentados tan en tu cara.
Vince evita las anécdotas personales para dirigirse en todo momento al oyente y bombardearle con distintas observaciones políticas y sociales que no acaban de cambiar. La violencia policial es la más prominente («¿Por qué vivo con miedo de una pistola y una placa? / Es el mayor enemigo que hemos tenido nunca»), pero Staples también trata la guerra (‘7 In The Morning’), la obediencia de las masas (‘TV Guide’), el patriotismo (‘Only In America’) y el capitalismo, con énfasis en la industria musical («La música te hace sentir como si fueras algodón»).
‘Cry Baby’ es una escucha que no resulta nada pesada teniendo en cuenta los temas que trata. La primera frase de ‘Blackberry Marmalade’, que abre el disco, describe la historia de los Estados Unidos y la intención de Staples con el proyecto: «Imperios construidos en terreno manchado de sangre / Kanye West, rezo porque todos se derrumben». A la vez, usando una melodía pegajosa desde la primera escucha.
Staples no sacrifica en prácticamente ningún momento lo pegadizo de sus canciones por la parte intelectual del proyecto, que tampoco se siente diluida. Más fácil no lo puede poner: importantes declaraciones en forma de memorables hooks.
La mayoría de temas están construidos alrededor de un riff que se repite durante toda la canción a modo de ancla. Por cierto, con instrumentación en vivo. ‘The Big Bad Wolf’, con elementos de scratching y con el conveniente sample de ‘Children’s Story’ de Slick Rick, y ‘Do You Know The Devil’ tienen las instrumentales más detalladas. Las líneas de guitarra de ‘TV Guide’ o el groove de ‘White Flag’, por otro lado, podrían presentar más evolución, resultando algo básicas en comparación.
Quizás esta es la mayor pega de ‘Cry Baby’, manteniendo una estética sonora similar en la mayoría de instrumentales. Todas, o casi todas, las guitarras que aparecen están ahogadas. Es una decisión claramente consciente, pero habría sido interesante que Staples hubiese intentando hacer cosas diferentes con ellas, jugar con otros estilos más incendiarios… Estilos a la altura de sus afiladas palabras.
SZA ha sido una gran defensora de los derechos de los artistas desde que la conversación sobre la IA en la industria musical se convirtió en realidad. Ahora, ha dedicado tanto unas stories como un post de Instagram a denunciar algunas de las prácticas que se han estado llevando a cabo en este ámbito. Incluso ha señalado a artistas como Diplo.
Todo empezó porque la cantante se dio cuenta de que supuestamente 238 canciones suyas habían sido usadas para entrenar a distintas inteligencias artificiales: «Estoy segura de que algunas son inéditas. Si eres un músico y apoyas esta mierda degenerada das asco y NO HAY NADA QUE ME PUEDAS DECIR PARA CONVENCERME DE LO CONTRARIO. Espero que tengas la vida que te mereces», sentenció la artista.
Esto lo publicó en su cuenta principal, en principio sin referirse explícitamente a ningún artista en concreta. Sin embargo, en su cuenta secundaria SZA habló sin ningún tipo de filtro: «No sé quién necesita escuchar esto pero Diplo tiene acciones puestas en Suno y está intentando activamente entrenarlo con las mejores y más brillantes mentes negras de artistas y productores». Suno se trata de la plataforma de IA musical por excelencia, capaz de crear una canción en segundos, mientras que el gusto de Diplo por estas herramientas tampoco es un secreto.
SZA continúa su mensaje haciendo énfasis en el robo intelectual y artístico a creativos afroamericanos: «Todavía no he esucuchado una canción de IA de blancos… No tenemos protección en la legislatura, médica o creativa», sentencia la artista.
SZA denounces AI music after discovering 238 of her songs were used to train artificial intelligence:
“If you’re a musician and you support this degenerate sh*t? You’re disgusting and there’s NOTHING YOU COULD EVER SAY TO ME TO MAKE THIS OKAY” pic.twitter.com/FPltE2fsaC
SZA criticizes Diplo, Suno, AI, and the exploitation of Black artists and songwriters via her private Instagram account:
“lonno who needs to hear this but diplo has equity in suno and is actively attempting to train it on the best and brightest black minds of writers and… pic.twitter.com/C8egMyXtLh
Si ‘Caravaggio’ daba pistas sobre la dirección estilística del nuevo disco de DELLAFUENTE, por su implementación del son cubano y de la música caribeña, ‘Mi modo de vida’ es la culminación de esta faceta del granaíno. Aunque ‘BRIGADO,’ muestra prácticamente todas las facetas del artista, este tema es uno de los pocos que muestra una totalmente nueva. Es la Canción del Día.
La única colaboración que existe en el LP de DELLAFUENTE es él mismo, bajo el alias de ‘3NOC’. Pablo Enoc Bayo Ruiz, el nombre real de DELLAFUENTE, pretende mostrar una nueva identidad artística a través de este nombre, que promete entregar «la visión musical más orgánica» del artista. ‘Mi modo de vida’ es justamente eso.
Aunque empieza con texturas digitales, el tema no tarda en convertirse en un despliegue de vientos, teclados y percusión propios de la salsa. La melodía, por otro lado, pertenece totalmente al mundo del flamenco. Sobre ella, DELLAFUENTE celebra lo más importante que tiene en su vida mientras regala algunas lecciones de paso: «No me preocupa el dinero, pa mi es un medio no un fin / Yo ser feliz no quiero, te quiero hacer feliz a ti».
Mientras la instrumentación crece y crece según avanza el tema, incluyendo un tremendo solo de flauta al final, el artista dedica un verso a dos de las partes más importantes de su vida. Le canta al alma de su pareja («Tan pura y bonita como el cristal / Tú me enseñaste cómo se hace lo de amar») y a la alegría que le brinda haberse convertido en padre («Qué bonito es haberos conocido / Doy gracias de que hayáis nacido / Ser padre es lo mejor que he sido»).
Kurt Vile acaba de publicar ‘Philadelphia’s been good to me’, un disco que reivindica a su ciudad natal con canciones de indie-americana, hermosas y algo evanescentes, aunque menos deshilachadas que en ‘(watch my moves)’.
Y en Filadelfia es donde está ahora mismo Kurt. La entrevista se hace por videollamada de Zoom. Kurt asoma desde un bonito rincón (“estoy en mi tejado, por eso se ve todo tan bonito”). Ha costado cuadrar la agenda. Aun así, la entrevista apenas llega a los 20 minutos, porque ambos andamos justos de tiempo. Él está en plena promoción; en cuanto acabemos, yo he de salir pitando para ver a Mogwai en Razzmatazz, dentro de la programación del Primavera a la Ciutat. “El Primavera Sound es uno de mis festivales favoritos. He tocado allí varias veces, al menos dos. Iba a tocar otra más en solitario, solo para ir a Pavement. La reunión, ya sabes. Y se canceló por la pandemia”.
El título del disco es ‘‘Philadelphia’s been good to me’ (“Filadelfia ha sido buena conmigo”). ¿De qué trata el álbum? ¿Del orgullo de ser de Filadelfia, de la alegría de volver a Filadelfia? ¿O de ambas cosas?
Sí, es sobre ambas. Es sobre llamar a mi ciudad simplemente por su nombre, que lo merece. Y va sobre ser de aquí y echar la vista atrás. Tengo 46 años, he pasado por toda clase de altibajos. Principalmente altos. He hecho música aquí durante mucho tiempo, pero también he viajado mucho para poder hacer música. Pero para este disco (y otros más recientes) he vuelto a trabajar mucho en casa otra vez, que es a donde vengo de vuelta a mis raíces. Así que es genial.
En la hoja promocional se señala que este va a ser un buen año para Filadelfia, y leo que, entre otras cosas, porque va a ser una de las sedes del Mundial de fútbol de este año. ¿A ti te gusta el “soccer” [fútbol]?
No soy un seguidor del deporte, pero quiero estar a la altura de la ocasión. Si hay estos grandes eventos aconteciendo en honor a los 250 años de cuando firmaron la Declaración de Independencia en Filadelfia, tengo que formar parte de esa celebración y mencionar a “Philly” también por mi propia cuenta.
Entiendo que has estado viviendo fuera y ahora has vuelto. ¿Cuándo regresaste a Filadelfia?
Oh, la verdad es que he vivido siempre solo en Filadelfia, excepto durante un par de años: estuve viviendo en Boston cuando tenía ventipocos. Pero viajo para tocar, salgo de gira, suelo ir a Nueva York, LA y a más sitios mucho para grabar… Pero si quiero, puedo grabar un disco entero aquí en Filadelfia de manera profesional. Es algo muy yo: solo soy completamente funcional en la ciudad en la que nací y vivo.
El disco suena confortable. Como un refugio. ¿Querías mostrar la idea de que Filadelfia es un refugio frente a un mundo hostil?
¿Un refugio? Mmmm. Sí, claro. Es mi hogar.
«Solo soy completamente funcional en la ciudad en la que nací y vivo»
La mayoría de canciones parecen dedicadas a la familia y los amigos.
Diría que una buena cantidad de ellas lo son, sí.
También trata del arte de componer música, ¿no? Como si fuera un álbum sobre hacer música (en Filadelfia).
Es interesante porque si me fijo en este disco en particular, cada canción parece mencionar la música de una u otra manera, ya sea con los acordes o con los cambios o el ritmo. Me parece genial. No me lo planteo. No es que esté tomando una decisión consciente, pero los patrones son interesantes. Ellos mismos se revelan.
El disco se grabó durante dos años. ¿Fue un proceso muy largo? Quiero decir: ¿grabaste muchas canciones para ir escogiendo luego las mejores o ibas improvisando y quedándote con todo lo que se te iba ocurriendo? Porque leí que fue así cómo grabaste ‘(watch my moves)’, ¿no?
Sin duda grabé canciones más que suficientes. Y simplemente fue encontrar el momento adecuado para reunirte con tus compañeros de banda y grabarlo entre giras. También porque sabía que este iba a ser mi próximo largo y, entre medias, siempre saco un par de EP’s que sean divertidos de hacer, así no me tengo que preocupar mucho por ellos.
Pero mientras tanto, quiero que mis discos sean tan buenos como sea posible. Hacer una declaración de principios. Siempre tratas de descubrir por dónde va a salir [el disco]. Así que grabé canciones más que suficientes y puse las mejores: sin duda las pegadizas están aquí. Pero también quise mantener esos elementos orgánicos, esa música más cruda.
Hay dos canciones sobre el número 99 en el disco: ’99 BPM’ y ‘99th song’. No tengo las letras del disco, así que me gustaría saber en qué se diferencian ambos 99’s…
La primera canción que escribí con un 99 fue ‘99th Song’. Los acordes básicos de la canción se grabaron con un pedal de loop de bajo Roland, y con estas unidades solo puedes grabar 99 [loops]. Ese es el último, no puedes llegar a 100. Así que cuando lo llenas con 99 grabaciones, no hay más sitio, a no ser que las borres. Fue aquí donde la empecé. Luego grabé por encima un fragmento de guitarra acústica con un sampler. Después ralenticé el acorde y se quedó en 99 BPM y fue como una coincidencia cósmica, que ambos fueran 99. Y cuando vi en el controlador que el loop ralentizado se había quedado en 99 BPM, empecé a escribir esa canción: escuchando el loop ralentizado, me vinieron las palabras y lo conecté: 99 canciones de amor, 96 lágrimas [referencia a ’96 Tears’, la canción de Question Mark & the Mysterians, ndr], ya sabes, haciendo paralelismos. Pero me gustaba, porque también hay un ‘Zoom 97’, como que todas esas canciones contienen un número de los 90. Y me gusta porque parece que sea un código para algo, solo que no es así: también puede no significar nada, pero tiene sus paralelismos, con lo que es un poco “oh, ¿qué significa esto?”. ¡Quién sabe! (risas)
No sé por qué, creía que era porque habías grabado 99 canciones para este disco. ‘Phillys been good to me’, la canción, me recuerda a ‘Streets of Philadelphia’ de Bruce Springsteen. ¿Es un homenaje?
Es divertido porque justo estaba pensando en eso cuando la escuché, es como una versión ralentizada y “sintetizada”. Pero luego también [recuerda] a otra canción de Neil Young, los dos hicieron canciones para la banda sonora de ‘Filadelfia’ [Jonathan Demme, 1993]. Mola que haya una conexión remota con ‘Streets of Philadelphia’, aunque no fue consciente. Pero ya sabes: una vibra cíclica, dulce y sintetizada…
«Mola que haya una conexión remota con ‘Streets of Philadelphia’, aunque no fue consciente»
También dices: “soy de Filadelfia, un par de mis héroes cantaron sobre ella”. ¿Hay alguno más, aparte de Springsteen y Young?
Bueno, básicamente a esos dos son a los que puedo llamar mis héroes. Crecí con Bruce. Ya no escucho a Springsteen todo el rato, pero antes sí y obviamente siempre vuelvo a él. También amo a David Bowie, aunque no diría que es mi héroe necesariamente, aunque es increíble, y tiene ‘Filadelfia Freedom’ [No caigo al momento, pero es de Elton John en realidad, aunque del mismo año que ‘Young Americans’ (1975), de aquí la confusión, imagino ndr]. Tiene que haber alguno más. Pero ahora yo soy uno también, así que ya tengo tres (risas).
‘(watch my moves)’ se hizo en base a loops, y de grabar todo lo que ibas encontrando. Pero en este disco las canciones tienen una estructura más clásica, ¿no?
Es alentador si te ha dado esa idea. Interesante, porque me da la sensación de que este disco lo empecé con, uh, loops. Mucho más que en los discos anteriores. Hacia el final del día teníamos canciones con un montón de acordes y luego tocábamos por encima. Siento que los loops me inspiraron mucho en este disco, y como estaba solo, las letras me venían a la mente rápidamente y luego todos tocábamos encima. Así que, ¿qué es? Es difícil decirlo. Es una buena combinación de ambas cosas, pero definitivamente es algo orgánico.
Me gusta mucho ‘Piano for Sarah’, y quería preguntarte quién es la Sarah a la que está dedicada.
Sarah es la batería de esa canción. Sarah Jones. Es la batería de Hot Chip y estos días está tocando con Harry Styles. También ha tocado en mis últimos dos discos. Es que amo la manera en que toca. Hizo el acompañamiento a ese pasaje de piano que yo ya había grabado. El tempo iba de aquí para allá, pero a ella le daba igual. Simplemente, tocó el acompañamiento. Es fantástica.
Sí, precisamente es una canción como fragmentada y algo desafinada, pero a la vez muy emocionante. ¿Esa era la idea? ¿Hacer una canción imperfecta pero hermosa?
Sí, suena como si formara parte de la banda sonora de una vieja película. Suena muy cinematográfica.
Tu forma de componer es muy artesanal. Quería preguntarte si te preocupa la Inteligencia Artificial generativa en la música o si, por tu manera de componer precisamente, es algo que te da igual.
Le tengo miedo a la inteligencia artificial, por supuesto. Quiero decir, lo de la música es un problema, sin duda. E incluso va más allá de la música, es aterrador. Creo (y espero) que va a ser un desafío. Pase lo que pase, al final del día, la gente quiere conexión humana. No todo el mundo va a aceptar la IA con los brazos abiertos, pero tendremos que apechugar con ella.
Lo que cabría esperar de un disco que se presenta como una segunda parte de otro, es que fuera continuista de este, pero más allá de que en ambas portadas la cantante posa delante del mismo vehículo y de las letras de amor desgarrado marca de la casa, el sonido de ambos no puede ser más distinto. En el excelente ‘Femme Fatale’, Mon Laferte transportaba al oyente a un decadente tugurio donde el jazz y la canción melódica latinoamericana se daban de la mano y alcanzaban estribillos enormes para dejarse la voz (y la piel). En su secuela, la artista chilena, tal y como nos tiene acostumbrados, no ofrece más de lo mismo, sino que vuelve a dar otro giro estilístico, virando hacia el art pop y el rock alternativo.
En cualquier caso, ‘Femme Fatale Vol.2’ es inequívocamente un disco de Mon Laferte. En él encontramos, tanto como en cualquier otro de sus trabajos, su característica honestidad agresiva, historias de fracasos amorosos y pasiones de alto voltaje. La intensidad dramática sigue elevada a la máxima potencia, aunque en esta ocasión, se muestra de forma distinta: hay una apuesta por progresiones menos explosivas, que encuentran su clímax más sutilmente. Como en ‘No Le Regales Tu Corazón’, en la que Laferte narra diversos momentos de una relación a lo largo de nueve minutos de tensión atmosférica. Una rareza en su discografía, que se apoya en una guitarra eléctrica y desemboca en percusiones electrónicas.
Otro de los números más peculiares e inesperados es la rockera ‘Tal Vez Soy Yo el Problema’, una acelerada producción en la que la cantante llega hasta la voz gutural. Un registro más en un currículum espectacular: ¿hay algo que no sepa hacer vocalmente? Esas interpretaciones desgarradas son, sin duda, una de las grandes virtudes del álbum.
En este sentido, ‘A Pesar De Ti y De Mí’ es todo un torbellino que arrasa con todo: un baladón a piano (que posteriormente añade guitarras eléctricas) en el que Laferte, despechada, canta a ese amor imposible con un sentimiento que eriza la piel. De la misma manera que cuando su voz se eleva en la jazzística ‘Sunset Boulevard’ o cuando se mantiene delicada en ‘Es Tan Sabio Nuestro Amor’, una de las pocas canciones que no narran un conflicto pasional.
‘Femme Fatale Vol.2’ es tan vasto (con 20 canciones y casi una hora y cuarto de duración), que hay espacio para todo. Hasta para una colaboración en inglés con St. Vincent, ‘While I’ll Keep Writing Songs For You’, que pese a ser la única cantada en este idioma, no desentona en absoluto: las armonías vocales de ambas artistas logran una mezcla de sensibilidades realmente bella. Otro gran momento es la coda guitarrera de ‘Hello Monserrat’, donde Laferte se escribe una carta a sí misma y concluye que debe aprender a quererse.
‘Por La Gracia De Dios’ destaca en la larga secuencia por su producción oscura y sucia que transita por texturas trip hop y dream pop y donde a veces su voz puede recordar al tono único de la mismísima Björk. ‘Reino De Amor’ es otra fantástica canción dedicada a un amor pasado, que ya ha rehecho su vida, pero Laferte sigue pensando en la relación con nostalgia y cierto pesar.
El álbum está tan cargado que demanda una considerable atención del oyente. Es completamente inabarcable en una primera escucha, pero poco a poco, canciones que en una primera instancia podrían pasar inadvertidas como el pop rock melódico de ‘Quién Soy Yo Cuando No Estoy Contigo’ junto a GRTSCH o la enigmática ‘Racimos y Glaciares’ terminan encontrando un espacio más que justificado en la secuencia. Y es que, si algo queda claro, es que esta segunda entrega de ‘Femme Fatale’ no es en absoluto una colección de descartes que no entraron en ese trabajo, sino un proyecto muy sólido y con identidad propia.
Laferte deja para el final una de sus canciones más emotivas: ‘Gigante’, una preciosidad a piano que habla sobre la muerte reflexionando sobre la vida, y que está llena de versos memorables como “Hay tantas mujeres en mí / de todas me quedo conmigo”. Pero si hay uno que define toda la carrera de la cantante y que inunda sus canciones de principio a fin es “He odiado y amado hasta dolerme los huesos”. Cada corte ‘Femme Fatale Vol. 2’ es una evidencia de ello.
Gara Durán ya va por el tercer adelanto de su próximo disco, del cual no se conoce título ni fecha. Solo sabemos que sale este año y que tanto ‘Mi loco cowboy’ como ‘Placer de vivir’, con Natalia Lacunza, han sido Canción del Día en JENESAISPOP. ‘Una casa en el Teide’, en colaboración con Barry B, es capaz de derretir corazones. Por eso, también es la Canción del Día.
Cuando Gara y Barry cantan ‘El lago de mi pena’ en sus conciertos, a menudo con la presencia del otro, siempre resulta ser el momento más tierno del bolo, por eso de ver a dos enamorados cantando juntos. Sin embargo, la inspiración para el tema poco tiene de romántico, estando inspirado en el fallecimiento de uno de los amigos más cercanos de la pareja.
‘Una casita en el Teide’ es lo que el público se cree que es ‘El lago de mi pena’: una canción que sí habla sobre estar enamorado hasta las trancas. Sobre unos preciosos y delicados arreglos de guitarra y piano que recuerdan levemente al Sufjan Stevens más bucólico, Barriuso da comienzo al tema: «Ojalá me hubieran dicho que la vida se te escapa en un instante / Que por mucho que haga frío y sea tarde en ti puedo refugiarme».
Gara corresponde sus palabras asegurando que se le hace «raro no estar mal» y que «no dolerá más» ahora que tiene cerca a su pareja. El estribillo tiene el toque épico y fantasioso que suele caracterizar las letras de Barry, pero también se nutre de la delicadeza de Gara: «Quiero una casa en el cielo, las nubes de terciopelo pa’ verlo todo pequeño», cantan.
Si hasta ahora no había terminado de conquistar a los más enamoradizos, el tema termina con una promesa de amor: «Guardaz bien la llama que prendiste en mí, quiero que dure toda la vida».
Justin Cary, bajista de Sixpence None the Richer desde 1997, ha fallecido a los 50 años de un derrame cerebral. Leigh Nash, vocalista de la banda, es quien ha confirmado la noticia en sus redes sociales. Cary entró en la banda justo a tiempo para grabar el disco que llevó a Sixpence a la fama, gracias a canciones como ‘Kiss Me’.
«Nuestro hermano desde hace 30 años (y bajista) Justin sufrió un derrame el jueves por la noche», comienza el comunicado. Leigh cuenta que la esposa de Cary, Linda, ha mantenido a la banda actualizados de la situación del bajista «durante día y noche»: «Amamos tanto a nuestro hermano que las palabras no le hacen justicia. Sé que muchos otros también lo hacen», continúa la cantante.
«Vimos su brillantez, insuperable profesionalidad, clase, humor e ingenio. Hay muchos más adjetivos para describirle. Por favor, rezad por Justin y Linda», concluye el comunicado. Además de formar parte de Sixpence None the Richer, que llegaron a estar nominados al Grammy en dos ocasiones, Cary también formó parte de Counting Crows y Blue Country.
Esta semana hemos visto a David Uclés bailar un vals y cantar un fado en el programa de Marc Giró. También ha hablado en ‘Cara al Show’ de su manía de dar 3 vueltas alrededor de las catedrales y alrededor igualmente de los hombres que le gustan. O de cómo se marea hasta el desmayo cuando alguien tararea una canción a destiempo. Escritor, personaje televisivo y friki de profesión, Uclés ha ido al programa sobre todo para advertir que se retira 2 años de la vida pública. Viajará, cantará en la calle donde no le conozcan, seguirá escribiendo.
No extraña: en las últimas dos temporadas ha vivido una sobreexposición brutal. La normal cuando pasas de vender algo parecido a cero a 300.000 ejemplares de una novela, y cuando tienes un discurso político tan concreto. Muy crítico con Ayuso (Isabel, ojo que viene Daniel), retado por Jiménez Losantos y conocido por un famoso desplante a Aznar y Arturo Pérez Reverte en una charla, David Uclés necesita un descanso que empleará en terminar, entre otras cosas, la segunda parte de su gran hit ‘La península de las casas vacías’. Contará la historia del franquismo, donde la primera contaba la de la Guerra Civil.
‘La península de las casas vacías’
La vuelta recurrente a la Guerra Civil ha sido un meme, un «eye rolling» hacia la ficción española durante estos 50 años de democracia. La sociedad ha pasado de cuestionar que todas las películas y libros fueran «del mismo bando» a luego acostumbrarse a escuchar que «con Franco se vivía mejor». Se ha criticado mucho el eterno retorno de la Guerra Civil. Lo que hemos hecho poco ha sido estudiarla en detalle y con dedicación, al menos la Generación X: en el colegio era habitual no llegar a ella. Hasta la Ley de Memoria Histórica de la era Zapatero, aparecía al final del temario y misteriosamente nunca daba tiempo a estudiarla en profundidad.
‘La península de las casas vacías’ no tiene una vocación didáctica al respecto, como recientemente la excelente obra de teatro de 4 horas ‘1936’. Lo que no significa que el autor no haya tenido un ansia documental muy profunda. David Uclés, que en principio estaba escribiendo una novela sobre el árbol genealógico de su familia, inspirado por las historias que le contaba su abuelo y otros vecinos de su pueblo en Jaén, aprovechó la beca Leonardo para visitar 75 ciudades del país y escuchar historias de todos los bandos, de cómo se fusiló a rojos y también se colgaba a curas. Se leyó ensayos sobre la guerra de izquierdas y de derechas, nacionales y sobre todo británicos, y ese nivel de detalle y cierta ansia de objetivar, se aprecian en el libro.
Pero su mayor aportación es la imaginación y la fantasía. Uclés se sirve de algunos hechos históricos desoladores, como La Desbandada, el horror de Guernica, la Batalla del Ebro, Paracuellos o la caída de Madrid, para contar la historia de una familia de Jándula, un pueblo imaginario jienense, desde el prisma del realismo mágico. Cuenta David que la vida le cambió cuando se leyó las primeras 20 páginas de ‘Cien años de soledad’ -aunque luego no se lo terminara-, porque se dio cuenta de que quería hacer algo similar. La superstición, la mitología, una naturaleza endiablada y hostil o a veces fraterna -la lluvia caliente que ducha- marcan la trama, contada a su vez por un narrador que se pasa de omnisciente. Te dice hasta la canción que tienes que escuchar mientras lees, interactúa con personajes tanto de a pie como con Franco y hasta hay ocasiones en que solo se le puede calificar como trol, incluso insoportable. Que haya gente a quien le caiga mal David Uclés forma parte del juego.
El prólogo atrapa, impresionante («he aquí pues la historia de la descomposición total de una familia, de la deshumanización de un pueblo, de la desintegración de un territorio»), tanto como la hábil selección de citas sobre Españita con que empieza el libro: «En España somos grandes cuando somos cien; más, nos entrematamos» (Max Aub) o «Nadie ha cuidado de enseñar a los pueblos que la muerte y la guerra son mucho más fáciles que la paz y la vida» (Clara Campoamor), entre otras por ejemplo de Unamuno, uno de los muchísimos cameos que forman parte de la trama.
Uclés honra a sus antepasados y los de todos retratando lo descarnado de una guerra, haciéndonos empatizar con los personajes desde el segundo uno, muchos de los cuales ni siquiera eran de ningún bando, sino que simplemente «pasaban por allí» como tantos españoles que murieron. El componente fantástico deja algunas imágenes tan visuales, impactantes y cinematográficas que te parece haberlas visto en gran pantalla (la «desaparición» de una de las hermanas prueba que él se considera «un escritor de imágenes»), al tiempo que despierta tu curiosidad por lo que pasó de verdad en España hace menos de 100 años.
Es un libro de llamada a despertar y a la acción, pero también profundamente arriesgado e imaginativo en estructura y propuesta formal. La ausencia del capítulo 96 por censura expresa de Franco, el modo en que se hilvanan unas historias y otras, o en que la familia se va desmembrando hasta llegar a enfrentar en bandos distintos a dos de los hermanos construyen un vuelapáginas -los capítulos son brevísimos- de lo más osado. Hoy solo puede ser entendido como un triunfo total, pero es todo tan increíble que tampoco sorprende que muchas editoriales como Planeta rechazasen publicarlo por la enorme ida de olla que supone. 10.
‘La ciudad de las luces muertas’
Uclés escribió ‘La península de las casas vacías’ durante 15 años, desde los 19 hasta los 34. Al mismo tiempo desarrollaba otras tres novelas ya editadas, la última de las cuales se ha publicado este año. Si en ‘La península de las casas vacías’ aparecen como personajes Lorca, George Orwell o Franco, casi siempre en situaciones inverosímiles y surrealistas, ‘La ciudad de las luces muertas’ lleva esa idea al extremo.
Decenas y decenas de personajes ilustres procedentes de diferentes épocas protagonizan la novela, situados en la Barcelona de, en principio, los años 40. Escritores como Carmen Laforet y Carlos Ruiz Zafón, pintores como Picasso o Dalí (porque Uclés también pinta), cantantes como Sílvia Pérez Cruz o Rosalía, deportistas como Fermín Cacho o Magic Johnson aparecen y desaparecen en torno a un apagón, desde antes de que España recientemente viviese uno (el libro fue escrito entre 2021 y 2024).
Esto sirve como excusa a David Uclés para de nuevo jugar con lo formal (hay unas páginas en negro sin texto), si bien esta vez coqueteando peligrosamente con el «name dropping» más superficial. A menos que conozcas muy bien las mentes de todos los artistas citados, es difícil comulgar con ellos de la forma en la que comulgaste con la familia de Odisto.
Aunque no lo sea porque ya estaba terminada hace rato, ‘La ciudad de las luces muertas’ parece una novela improvisada para aprovechar el boom de la anterior, resultando demasiado corta y muy apresurada, aunque es verdad que casi nunca pierde el foco. Más política y menos objetiva que la anterior, no deja de ser una metáfora sobre la lucha contra el fascismo, realizada desde una de las ciudades menos fascistas de España. 7.
Katy Perry ha ofrecido esta noche su esperado concierto en el festival O Son do Camiño de Santiago de Compostela, aquel del que Los 40 Principales publicó una crónica premonitoria dos días antes de que ocurriera. El portal alude con humor a lo ocurrido hoy en su crónica, escribiendo que Katy Perry iba a subirse a ese escenario y hacer un concierto divertidísimo… “y eso lo sabíamos y lo firmábamos antes de que pasara”.
El repertorio incluyó, por supuesto, ‘I Kissed a Girl’, que produjo un momento viral cuando Perry cantó esta canción metida dentro de una botella de plástico gigante, que aprovechó para surfear entre su público gallego. Una idea que recuerda a la vista en un concierto reciente de La La Love You y que popularizaron los Flaming Lips décadas atrás.
El concierto de Perry en Santiago ha dejado también la comentada imagen de la artista sosteniendo la bandera de Galicia, y en lo musical el repertorio ha incluido el estreno en vivo del nuevo single ‘Watch it Burn‘, disponible el viernes que viene.
@luarc98 Katy singing ‘Watch It Burn’ for the first time ever at the first stop of her ‘Out Of Office’ Tour in Santiago de Compostela @Katy Perry @Katy Perry Universe ♬ sonido original – Raúl
El ciclo Escenarios Madrid de Vibra Mahou continúa presentando a talentos tanto consagrados como noveles en todas las salas de la ciudad. Al concierto de SVSTO de esta noche de viernes 19 de junio, hay que sumar el evento en Vesta este sábado 20 de junio. Será entonces cuando se pueda ver el concierto de indie rock de Vasck junto a Estadía a Corto Plazo.
Estadía a Corto Plazo presentan el debut que sacaban el año pasado, ‘Ser del sur’, que definían como «un manifiesto de amor, lucha y resiliencia», marcado por la migración, la identidad y la búsqueda de sonido propio. Según su Instagram, el disco versa sobre sus «experiencias como migrantes y un pedazo grande de nuestras vidas».
Desde Venezuela y con influencias tanto de rock latinoamericano (¿quizá Él Mató a un Policía Motorizado?) como de anglosajón en la línea de The 1975 o RHCP, Estadía a Corto Plazo es el grupo formado por Andrés Alcalá, Diego Borges y Diego Finol que ha venido publicando EP’s y singles desde hace casi una década. Funcionaron a distancia y últimamente parecen asentados en nuestro país.
Entre canciones de indie rock polvoriento, medio fronterizo, ‘Ser del sur’ destaca por composiciones como ‘La tempestad’, influencias medio funk o bailable como ‘Placebo’ o ‘Versus’, medios tiempos algo estivales como ‘Azar’ y temas de pop-rock tan pegadizos como ‘El cielo no responde’.
Si bien practican un tipo de rock que puede recordar también a los Radiohead de ‘The Bends’, en ocasiones se desmarcan como en la interesante ‘Versus’. Más en la línea del punk-funk de finales de los 70 o LCD Soundsystem, puede ser la canción que mejor ejemplifique qué significa «Ser del Sur», con frases como «Estamos condenados a correr» o «imaginaste que no iban a venir por ti», junto al sonido de sirenas de policía acercándose.
Si ya a partir de los 30 empieza a costar coincidir con los amigos más cercanos para quedar por problemas de agenda, me imagino que reunir a una banda como Broken Social Scene para componer y grabar un disco debe de ser el doble de difícil. Por esta razón, probablemente el colectivo canadiense esté sacando discos a ritmo de casi una década: del anterior ya han pasado nueve años, aunque aquel ‘Hug of Thunder‘ fue a su vez su primer trabajo en siete veranos.
La lista oficial de Wikipedia recoge casi una treintena de miembros que entran y salen de Broken Social Scene, incluidas Feist y Emily Haines, que, como sabemos, han desarrollado importantes carreras en solitario. Al frente del proyecto siguen especialmente Kevin Drew y Brendan Canning, y las imágenes promocionales de ‘Remember the Humans’ muestran una formación más manejable de 12 integrantes.
La parte positiva de lanzar discos cada tanto tiempo es que Broken Social Scene se aseguran de seguir teniendo cosas que contar. ‘Remember the Humans’ es más que una respuesta a su álbum de título similar, ‘You Forgot It in People’: es el trabajo de un grupo que ha madurado, pero que no ha perdido ni la frescura ni la inspiración.
Cuenta Kevin Drew que haber cumplido 50 años le ha aportado una perspectiva vital diferente. Explica que “hay un ajuste de cuentas con la pérdida, las oleadas de esperanza y luego de desesperación… Tienes esos momentos sentimentales en los que sientes las cosas que ya no están, pero también la sabiduría sobre ellas y la alegría de que hayan ocurrido. Y esa claridad de ser honesto contigo mismo: que ya no necesitas tener una fachada, ni una persona, ni falsedad. Te desprendes de viejas capas”.
Drew se refiere concretamente al tema de apertura, ‘Not Around Anymore’, que abre el disco con un traqueteo indie rock de guitarras, percusiones, flautas y metales, para narrar precisamente esa metamorfosis vital, reflejada en versos como “there’s no need to try here anymore”. El tono es sombrío y, desde el primer momento, queda claro que ‘Remember the Humans’ no es un trabajo especialmente optimista, pese a su sonido explosivo, eufórico y “colectivo”.
Porque quien eche de menos el muro de sonido épico de Broken Social Scene aquí tiene mucho que disfrutar: el tierno indie rock casi infantil de ‘Only the Good I Keep’, la trepidante explosión de guitarras, metales y ritmos disco-rock de ‘The Call’ o lo que considero la catarsis instrumental y emocional del álbum, ‘Relief’, una catedral de indie rock repleta de textura y emoción, en la que el grupo admite volver a ser capaz de “sentir de nuevo” tras un periodo de emoción anestesiada.
Las historias sobre memoria selectiva (‘Only the Good I Keep’), sobre darse cuenta de que ya no funcionas emocionalmente en la irónica y enérgica ‘Mission Accomplished (King Fisher)’, o sobre comprender que madurar siempre será duro e incómodo (“There’s no easy out / There’s no easy way”, en ‘Life Within The Ground’), van construyendo un álbum de contrastes emocionales que articula un arco narrativo centrado en la complejidad de las relaciones humanas y las emociones.
‘Not Around Anymore’, que cobra un nuevo significado en relación con los suicidios de amigos cercanos al grupo, es una apertura clásica de Broken Social Scene dentro de un disco que vuelve a apostar por la densidad instrumental y el detalle minucioso en texturas, voces e instrumentos. En ese sentido destacan especialmente el mantra de seis minutos de ‘And I Think of You’, que traduce su bucle psicológico en una instrumentación cuidadosamente construida, y ‘The Briefest Kiss’, que al retratar una relación inestable coquetea de forma sorprendente con el R&B y aporta un aire diferente.
Aunque el disco nunca se resuelve narrativamente, y se queda suspendido en el aire con el cierre de la preciosa pieza folk-rock ‘Parking Lot Dreams’, la mejor sensación que deja ‘Remember the Humans’ es la de ofrecer pura humanidad en tiempos de inteligencia artificial. Esto se percibe en la envergadura de las contribuciones instrumentales del álbum y, sobre todo, en el hecho de que cada decisión musical suena cuidada e intencionada, algo que las máquinas todavía no pueden replicar. Ser incómodamente humano siempre será mejor que ser perfecto.
Broken Social Scene presentarán ‘Remember the Humans’ el 21 de septiembre en La Riviera (Madrid) y el 22 de septiembre en Razzmatazz 1 (Barcelona). Las entradas están a la venta.
Hoy, 19 de junio, salen nuevos discos de DELLAFUENTE, Chloë con Timbaland, Kase.O, Tierra Whack, Pond y SAIKO, que se añaden al de Cupido, publicado el pasado lunes. El underground nacional deja también un nuevo álbum de Blu Boi.
En materia de singles, destacamos el de Tyla en portada, pero también podríamos hablar de la nueva colaboración entre FKA twigs y Lil Yachty o del bonito dueto de Gara Durán y Barry B. Si Angèle y Channel Tres entregan propuestas electrónicas, Amor Líquido y Aiko el grupo apuestan por las guitarras.
Hay más singles destacados que giran en torno a ese contraste: por ejemplo, los de Big Freedia y Two Shell, en contrapunto con el guitarrero debut de Entidad Emisora o el temita de piti y me voy dedicado a ‘Lamine Yamal’. Otro grupo de guitarras, Jester, dedica una canción a otro personaje, en este caso monárquico: ‘Letizia’.
Además, recibimos los primeros avances de los próximos discos de Alba Reche y EZEZEZ; FADES y TRIQUELL celebran juntos ‘Sant Joan’, y bb trickz vuelve a dejarnos sin habla.
En el apartado internacional encontramos singles destacables de Kelela, Chaka Khan, Eartheater, Lido Pimienta, Julia Jacklin, Arab Strap, YENDRY, Clean Bandit junto a Biig Piig, Blossoms, nuevos remixes de Madonna y Dawn Richard, así como lo nuevo de Dev Hynes para una película.
Entre las novedades musicales de la semana se encuentra el nuevo single de Tyla, ‘Is It Love?’. La superestrella sudafricana sigue presentando el disco que publicará el próximo 24 de julio bajo el título de ‘A*POP’, del que ya se conocen los éxitos ‘Chanel‘ y ‘She Did It Again‘, junto a Zara Larsson, además de un tema llamado ‘Is It’, adelantado en el EP ‘WWP’, publicado hace casi un año.
La artífice de macroéxitos de amapiano-pop como ‘Water’ o ‘Push 2 Start‘ regresa con una de sus canciones más cercanas al R&B y una de las que más avivará las comparaciones con Rihanna, con quien comparte ciertas similitudes tanto en el timbre vocal como en esa imagen de chica «cool». ¿Están justificadas esas comparaciones?
Apostando por una atractiva fusión de ritmos caribeños, R&B y guitarras eléctricas, ‘Is It Love?’ -la Canción Del Día de hoy- es un tema que podría haber grabado Rihanna en los primeros años de su carrera. Con ecos también de los sucedáneos rihannescos que proliferaron en su momento, como ‘I’m Into You’ de Jennifer Lopez, Tyla entrega un single con madera de éxito comercial que muestra una faceta diferente de su personalidad artística y de su sonido.
Si bien es cierto que, a los 24 años que tiene hoy Tyla, Rihanna ya había publicado ‘Unapologetic’ (2012) y acumulaba una colección de éxitos globales impresionante, no se puede negar que la sudafricana está construyendo una carrera muy apañada apostando casi exclusivamente por el afropop y el amapiano.
Aunque ‘Is It Love?’ se acerca al dancehall de tintes R&B, vuelve a demostrar su habilidad para crear singles irresistiblemente pegadizos y nos recuerda aquel tipo de canción pop bien construida que tan habitual era en otras épocas. El estribillo «is it love / cry cry cry» es pura munición para la radio y las playlits de éxitos.
Tay Keith, productor asociado a algunos de los mayores hits de rap de la última década, ha fallecido a los 29 años. La policía de Nashville ha confirmado los hechos en un comunicado, explicado que el artista fue encontrado en su apartamento mientras los agentes comprobaban su estado. No se ha publicado la causa de la muerte, pero no sospecha nada relacionado con un crimen.
Keith era uno de los colaboradores infalibles de Drake, con su tag sonando en temas como ‘Jimmy Cooks’ o ‘Nonstop’, además de producir para artistas como Sexyy Red (‘Pound Town’) o Travis Scott (‘Sicko Mode’). Este último le consiguió su primera nominación al Grammy a Mejor canción de rap. En 2024, fue nominado en la misma categoría por la canción ‘Rich Flex’ de Drake y 21 Savage. Además, Brytavious Chambers, de nombre real, también contribuyó en el disco en vivo de Beyoncé, ‘Homecoming’, produciendo ‘Before I Let Go’.
Chambers consiguió mezclar los sintetizadores distorsionados y pesados del rap local de Memphis que creció escuchando con el estilo melódico de finales de los 2000. Empezó a producir música en su casa con un micrófono, un ordenador y un teclado cuando tenía 14 años. Poco después, fue lanzándola en DatPiff y YouTube.
El trabajo del productor llegó en 11 ocasiones al top 10 del Billboard Hot 100, y le brindó cuatro números uno a lo largo de su carrera: ‘Sicko Mode’, ‘First Person Shooter’, ‘Carnival’ y ‘4×4’.
Charli xcx ha reconocido en una entrevista con Rolling Stone que, mentalmente, está «peor que nunca». La autora de ‘Brat’ logró convertir este disco en un fenómeno pop y también, con diferencia, en su álbum más vendido, pero el debate online en torno a su música sigue afectándole sobremanera. Asegura que “sus emociones están muy volátiles ahora mismo”. Como solución, afirma que se ha alejado de las redes sociales porque le provocan una “ansiedad tan fuerte que me afecta al cuerpo”.
Parte de esta respuesta ha sido generada por el debate en torno a su polémica declaración: “la pista de baile ha muerto”. Aunque desde el principio era evidente que Charli hablaba de su propia carrera, muchos ampliaron la interpretación a un diagnóstico global sobre la música actual. Esto implicó incluso a Madonna, que prepara su regreso a la pista de baile y pareció dejarle una indirecta en redes.
Charli aclara en Rolling Stone que la frase hacía referencia a ‘Brat’, y da por cerrado el debate: “Esa letra tiene mucho que ver con mi relación con ‘Brat’. Mi marido George Daniel dirige un sello de música dance. Ha habido una enorme cantidad de discos de música dance/electrónica increíble saliendo últimamente, ya sea Slayyyter, Underscores o PinkPantheress. La música dance está en un momento increíble».
Charli explica en la entrevista la lógica “reaccionaria” que une todos sus discos, distintos entre sí, y habla de temas más banales como sus películas favoritas o los discos de su propio catálogo que sigue escuchando. Sin embargo, muestra una actitud distante, asegurando que “no le interesa” explicar el significado detrás de sus canciones o negándose a explicar por qué no cree en fantasmas. De manera reveladora, Charli afirma que probablemente va a dejar de hacer entrevistas largas durante un tiempo: «Es probable que esta sea mi última entrevista larga con un periodista por un tiempo. Has entrado por los pelos».
Charli, por otro lado, insiste en que ‘Music, Fashion, Film‘ no es un disco de rock, a pesar de contener guitarras rockeras, haberse presentado con un tema llamado ‘Rock Music‘ y de incluir en su portada a un icono del rock, John Cale. Su explicación es que ha hecho un disco de Charli xcx, lo cual recuerda a cuando Beyoncé decía que ‘Cowboy Carter‘ no era un disco de country, sino un disco de Beyoncé.
La reacción al nuevo material de Charli xcx está generando división, aunque sobre eso exactamente Rolling Stone no le pregunta, optando por un tono amable y en ocasiones complaciente. ‘Rock Music’ y ‘SS26‘ suman streams bastante contenidos -aunque no malos- y no están generando un impacto real en las listas de éxitos, ni siquiera en Reino Unido, donde ninguno de los temas está presente en el top 100 de singles, a pesar de su evidente calidad y riesgo. En el top 200 global de Spotify, el único Charli presente se apellida Puth. Aunque hay que recordar el contexto: los singles de ‘Brat’ tampoco lograron grandes cifras en listas antes del estreno del disco y después lo petaron.
Charli, como anticipándose a las reacciones negativas, ha advertido recientemente en redes que es muy posible que a muchos de sus fans no les guste su nuevo disco.
Era evidente que la gira mundial de Bad Bunny iba a reducir a cifras monstruosas todo lo que se le pusiera por delante en estadios. Ahora, Billboard confirma el fenómeno con datos. En España, uno de sus puntos más fuertes ha sido Madrid, donde sus 10 conciertos en el estadio Riyadh Air Metropolitano han reunido a unas 623.000 personas y han generado alrededor de 96,1 millones de dólares en ingresos.
Barcelona, por su parte, ha aportado alrededor de 120.000 asistentes en sus dos conciertos en el Estadi Olímpic, dentro de un tramo español que, en conjunto, ha superado ampliamente las 800.000 entradas vendidas, situando a España como uno de los mercados clave de toda la gira, para sorpresa de nadie.
A nivel global, la gira ‘Debí Tirar Más Fotos World Tour’ ha superado ya los 360 millones de dólares en recaudación y los 2,4 millones de entradas vendidas en sus primeras 41 fechas, convirtiéndose en el tour más grande realizado fuera de Estados Unidos en términos de ingresos y asistencia. Europa y Latinoamérica han sido los principales ejes de la gira.
Con estos resultados, Bad Bunny no solo consolida el mayor tour de su carrera, sino que también ha rebasado los 1.000 millones de dólares en ingresos acumulados con todas las giras que ha realizado en su carrera a nivel global. Bad Bunny es la primera superestrella latina -y la primera no angloparlante- en alcanzar ese nivel de facturación en el directo global.
Quedan 15 conciertos aún por contabilizar hasta su show final el 22 de julio en Bruselas y Billboard reporta que las cifras finales podrían cerrar en torno a los 450 millones de dólares o más.
Adiós, Bad Bunny: lo que dejó su residencia en España
En 2009 un tema llamado ‘Mejor mañana’ introdujo al mundo -bueno, a España- a la ‘Metamorfosis‘ de Vega. Unos cuantos años después, un tema llamado ‘Mejor mañana’ introduce al mundo -bueno, a España- al nuevo disco de Alba Reche.
Aparte del título de lead single y de su participación en Operación Triunfo, con 16 años de diferencia, pocas cosas más unen a Vega y Alba Reche. Podemos hablar de sus preciosas y distintivas voces, pero si el estilo musical de Reche ha de ser comparado con el de la cordobesa, debemos viajar tan remotamente como a su debut, aquel que traía influencias del jazz.
‘Mejor mañana’, el single de Reche, es una especie de nana de desamor con influencias del jazz y el cabaret en su instrumentación, donde destaca la presencia de delicadas percusiones de xilófono, teclados hipnóticos y cuerdas envolventes. La voz humeante de Reche es la mejor virtud de la canción, meciéndose sobre la lujosa instrumentación como si Reche intentara hipnotizarse a sí misma.
En ocasiones, la melodía quizá podría ser más definida y algo más dinámica, pero Reche cautiva con su interpretación vocal y con una paleta de sonidos vintage y atemporal que ofrece una propuesta pop no tan frecuente -desde luego no lo es en el pop mainstream-, con un aire cabaretesco pero a la vez ensoñador.
“Dónde están todas las ganas de pasar la vida conmigo, por qué hacer como si nada” es uno de los pasajes que definen el sentido de ‘Mejor mañana’. Reche pide que la otra persona “esquive su cara” y no le “diga nada”, aferrándose con cierta desesperación y resignación al último hilo que la conecta con el otro.
Según la nota de prensa, “la canción se adentra en la distancia emocional dentro de una relación que se apaga, pero lo hace desde un lugar casi suspendido, donde lo importante no es lo que se dice, sino lo que queda flotando entre dos personas”. La canción, flotante y etérea, es un rato.
KARD, el grupo surcoreano artífice de éxitos como ‘Bomb Bomb’, ‘Dumb Litty’ o ‘Icky’, que acumulan decenas de millones de reproducciones en plataformas, ha anunciado doble parada en España dentro de su gira europea, programada para otoño.
La formación actuará el 9 de septiembre en la sala Razzmatazz de Barcelona y el 10 de septiembre en Wagon, Madrid, dentro de una ruta europea que también pasará por Berlín, Frankfurt, Bruselas, Lisboa, Londres o Sofía. El anterior tour europeo de KARD, ‘Where To Now?’, ya visitó España hace un par de temporadas.
Formado por BM, J.Seph, Somin y Jiwoo, KARD se ha consolidado gracias a una propuesta que combina EDM, hip-hop, tropical house y sonidos latinos. Su principal particularidad, sin embargo, es que se trata de un grupo mixto, una configuración que sigue siendo poco habitual dentro de la industria del K-pop. Entre sus canciones más populares figuran ‘Oh NaNa’, ‘Don’t Recall’, ‘Rumor’, ‘Bomb Bomb’, ‘Gunshot’ e ‘Icky’.
Las entradas para ambos conciertos, junto a distintos paquetes VIP, saldrán a la venta mañana, 16 de junio, a las 12:00 horas, a través de los puntos de venta habituales.
Queda menos de un mes para la nueva edicion de Bilbao BBK Live, que celebrará sus 20 años de historia durante los días 9, 10 y 11 de julio en Kobetamendi. Será una de las ediciones más especiales del festival, no solo por su aniversario, sino por su ecléctico cartel, que recorrerá todo tipo de géneros y épocas diferentes. JENESAISPOP vuelve a ser medio oficial.
Desde la fiesta multitudinaria plagada de hits que promete ser el concierto de Calvin Harris hasta el desfile de clásicos de David Byrne, estos son nuestros 10 artistas imprescindibles de Bilbao BBK Live 2026.
Robbie Williams
El icono británico viene de convertirse en un chimpancé para su propio biopic y de lanzar lo que podría considerarse como su gran disco de rock, ‘BRITPOP’. En definitiva, Williams está en uno de los mejores momentos de su carrera. Esto se reflejará en los escenarios de BBK Live en la que promete ser una de las actuaciones más espectaculares de la edición. De temazos, tampoco va corto: ‘Rock DJ’, ‘Angels’, ‘Feel’…
FKA Twigs
No todos los artistas del cartel de Bilbao BBK Live pueden decir que sacaron uno de los mejores discos del año pasado para absolutamente todos los medios de comunicación. En el caso de Twigs, la electrónica experimental de ‘EUSEXUA’ se combinará con un show de corazón pop en el que no faltará pole dance, espadas y un subidón de cuerpo completo.
Lily Allen
La artista británica, autora de temazos como ‘Smile’ o ‘LDN’, regresó el año pasado tras 7 años sin lanzamientos con uno de los mayores culebrones del mundo del pop. ‘West End Girl’ no solo es un trabajo lleno de cotilleos sobre la ruptura de Allen con el actor David Harbour, sino también una nueva fuente de temazos en su discografía, desde ‘Pussy Palace’ hasta ‘Madeline’.
David Byrne
Siempre visionario, David Byrne es un faro de luz en la música popular desde sus tiempos como frontman de Talking Heads. Su concierto en Bilbao será una oportunidad única para disfrutar de uno de los artistas más singulares de la historia y su excelente colección de temazos, nuevos (‘Everybody Laughs’, ‘T Shirt’, ‘What Is the Reason for It?’) y antiguos (‘Psycho Killer’, ‘Burning Down The House’, ‘Once In A Lifetime’).
DELLAFUENTE
La leyenda granadina ya demostró ser uno de los nombres esenciales del panorama urbano español agotando dos fechas en el Estadio Metropolitano de Madrid el año pasado, gracias a su especial mezcla de folklore andaluz y hip hop, por lo que su concierto en BBK Live será todo un regalo. El próximo disco de DELLAFUENTE, titulado ‘BRIGADO,’, se publica este viernes 19 de junio.
Belén Aguilera
Al igual que muchos artistas del cartel de BBK Live, Belén Aguilera también presentará en directo un discazo absoluto. ‘Anela’ fue uno de los mejores discos nacionales del año pasado, protagonizado por la que también es una de las mejores voces del país, hipnótica en canciones como ‘Laberinto’, ‘Eclipse’ o ‘Bruja’. Su nuevo EP veraniego, ‘mediterrania‘, ya está disponible.
Belle and Sebastian
Belle and Sebastian prometen dar uno de los conciertos más bonitos de la nueva edición de Bilbao BBK Live. La banda escocesa es responsable de algunos de los himnos más brillantes del indie pop en las últimas décadas, por lo que tienen la receta perfecta para enamorar al público de Kobetamendi con himnos de la talla de ‘The Boy With The Arab Strap’ o ‘Like Dylan In The Movies’.
CMAT ‘EURO-COUNTRY’ fue una de las mayores sorpresas de la música pop en 2025, con una CMAT capaz de combinar de forma magistral el country, el pop y el mejor humor. Para nosotros, canciones como ‘Take A Sexy Picture Of Me’ o ‘The Jamie Oliver Petrol Station’ ya son clásicos. Su carisma está destinado a conquistar Kobetamendi.
IDLES
Para liberar energías, lo mejor es un buen concierto de IDLES. La rabia, la distorsión y el espíritu punk eran los ingredientes clave de la banda de Bristol, pero ahora, gracias al lanzamiento de ‘TANGK’, también lo es el baile. Salvaje, claro. ‘Dancer’, ‘Gift Horse’ o ‘Never Fight a Man With a Perm’ no van a faltar en el show más loco de Bilbao BBK Live.
Calvin Harris
La carrera del productor, DJ y compositor británico ha sido una marcada por la abundancia de hits: ‘One Kiss’ con Dua Lipa, ‘We Found Love’ con Rihanna, ‘This Is What You Came For’, ‘Summer’… La lista es interminable. Esperamos que este sea uno de los conciertos más divertidos de la edición y, con un poco de suerte, igual hasta podemos escuchar su colaboración de 2017 con Frank Ocean y Migos en directo, ‘Slide’.
Quevedo había anunciado recientemente las fechas de presentación de ‘El Baifo‘. Sí, El Chiquillo. El Caprichoso. El álbum número 1 en España desde hace 2 meses se presentaría únicamente en Madrid y Barcelona, para extrañeza de sus fans, que esperaban un recorrido a la altura de sus streams, por toda la península y por supuesto por las islas.
Además, no serían conciertos de gran estadio, sino de arenas. Inicialmente se anunció que Quevedo actuaría los días 9 y 10 de abril en el Movistar Arena de Madrid y los días 1 y 2 de julio en el Palau Sant Jordi de Barcelona.
Evidentemente estos espacios y fechas no han sido suficientes para satisfacer la demanda y desde esta mañana de jueves que las entradas salían a la venta, se están añadiendo fechas a lo loco.
Según las Stories de Quevedo, en Madrid serán al menos 8 fechas: 9, 10, 11, 14 y 15 de abril de 2027, y luego el 17, 18 y 20 de mayo.
Y en Barcelona, al menos 8 fechas igualmente: 1, 2, 3, 5, 6 y 7 de julio. Y también el 31 de mayo y el 1 de junio. Las fechas lucen agotadas ipso facto, pero para actualizaciones, recomendamos consultar las redes de Quevedo.
Belén Aguilera vive un momento súper zen. ‘mediterrania’, el proyecto que ha comenzado a presentar este verano en Mallorca Live, isla donde lo ideó, simboliza un reencuentro con el agua, con la naturaleza y por supuesto consigo misma. No en vano ‘mediterrania’ es una palabra que surge de la mezcla entre «Mediterráneo» y «meditación».
En ‘primera canción’ dice que se lo «perdona todo» y afirma que «quiere volver a la playa». En ‘mejores momentos’ asume todos sus errores como parte del camino. En ‘libre albedrío’ busca eso mismo, queriendo volver a «sentirse como un crío». En ‘mis amigos’ saca pecho de los suyos y aboga por refugiarse en ellos, en lugar de «en el olvido».
Las letras terapéuticas que venimos conociendo sobre todo desde ‘SUPERPOP’ alcanzan aquí una nueva forma de expresión entre más autocoros operísticos o a lo ‘Medúlla‘, en ‘primera canción’ conformando el ritmo del tema; también a través del propio sonido ambiente de agua corriendo o desplazándose; y finalmente a través de alguna de la música más experimental que nunca haya publicado.
Con Hadren ha co-producido algunas de sus grabaciones más interesantes, por ejemplo ‘mejores momentos’, un tema que parece dominado por algo parecido a un clavecín hasta que de repente se convierte en un bop electro, dada la proliferación del bajo tratado. O también ‘inmortal – per la blanca’, su tema más avanzado. Ya no sabes si estás oyendo ambient, glitch, indietrónica, a Jon Hopkins o a Fennesz en una canción misteriosa, en la que Belén Aguilera devuelve el favor a alguien que la ha apoyado en momentos duros.
«Serás la risa de tu hermana mientras sana», consuela, y promete: «Tu hermana Blanca jamás estará sola». Toda la bruma y todo el detalle contenidos en esta pieza justifican por qué la voz de la artista sigue inmersa en las catacumbas: ella está obviamente buscando más y más sensaciones.
Alguien podría argüir que Belén Aguilera está intensa de más: desde que fichó por Sony para publicar ‘Anela’ no hay manera de que entregue un hit. Tal afirmación sería reduccionista. ‘mis amigos’ es un drum&bass que termina entre carcajadas y conversaciones reales, y para terminar de aligerar, ‘mediterrania’ se despide con ‘otra suerte sería’, un tema que de parecerse a algo sería a ‘California Girls’ de Katy Perry, solo que pasado por su siempre singular filtro… ¿new age? ¿O simplemente inclasificable?
Sonorama Ribera, que se celebra entre los días 5 y 9 de agosto en Aranda de Duero con JENESAISPOP como medio colaborador, anunció su cartel con más de 150 bandas de una sola tacada. Pero aún no había desvelado su programación por días, que se revela hoy. El miércoles 5 de agosto será el turno de artistas como pablopablo, Crystal Fighters, Iván Ferreiro, La Pegatina, León Benavente, Bebe, Carlangas o La Cabra Mecánica.
El jueves 6 será una de las jornadas más potentes, pues se reunirá a Guitarricadelafuente, Rigoberta Bandini, Rusowsky, Rvfv, los internacionales We Are Scientists, y gente tan dispar como Nacho Vegas, Ramoncín y Ángeles Toledano.
El viernes 7 será el día de Carlos Ares, Love of Lesbian, Sexy Zebras, Niña Polaca y Samuraï, pero también de Ángel Stanich, Coti, Depresión Sonora o Soleá Morente, entre muchos otros.
El sábado 8, entre los nombres más visibles, La M.O.D.A., Leiva, Valeria Castro, Xoel López, Ojete Calor, Belén Aguilera, El Mato a un Policia Motorizado o Repion. Finalmente, el domingo 9 se pondrá el broche de oro al festival con Drugos, La Regadera, Niños Bravos y Sarria, entre otros.
Las entradas de día salen este viernes 19 de junio a las 12:00h, cuando se pondrán a la venta en la web del festival. Hay una promoción especial con los siguientes precios:
Como siempre, volverá el escenario de La Plaza del Trigo, así como otros rincones emblemáticos del pueblo como Plaza La Sal y las actividades paralelas que van más allá de la música: Sonorama Baby, Catas Ribera del Duero, las charangas, almuerzos en las bodegas, showcases, Sonorama también se escribe… Por último, recordar que el festival dispondrá de zona de acampada y estará ubicada en el Parque del General Gutiérrez, con mejoras en su espacio y un precio de 22€ + GG para todos los días del evento.
Al igual que eventos como el Fortaleza Sound o el Solaris Nerja, Reggaeton Beach Festival ha anunciado la cancelación de todas sus ediciones. La organización ha transmitido la noticia a sus proveedores en un comunicado recogido por El Mundo: «Nos vemos obligados a confirmar que los festivales previstos no se celebrarán».
Reggaeton Beach Festival tenía previsto celebrarse en Alicante, Tenerife, Barcelona, Madrid, Mallorca, Santander y Nigrán, lugares en los que ya había vendido una buena parte de las entradas. En estos momentos, la venta de entradas online está suspendida. Al igual que la veintena de eventos cancelados en 2026, la razón que presenta la organización es la falta de viabilidad: «Tras evaluar todas las opciones disponibles, lamentamos comunicar que no ha sido posible encontrar una situación sostenible».
Según indica El Mundo, la celebración del festival ya llevaba varias semanas en duda, mencionando que el concierto de Tenerife, programado para el 27 de junio, se encontraba bloqueado en la página web del evento. No se podían comprar entradas y tampoco se sabía dónde se celebraría.
Por último, la organización explica que esta situación no tiene su origen en el ejercicio actual, sino que «viene condicionada, en parte, por dificultades acumuladas de ejercicios anteriores».
La vuelta recurrente a la Guerra Civil ha sido un meme, un «eye rolling» hacia la ficción española durante estos 50 años de democracia. La sociedad ha pasado de cuestionar que todas las películas y libros fueran «del mismo bando» a luego acostumbrarse a escuchar que «con Franco se vivía mejor». Se ha criticado mucho el eterno retorno de la Guerra Civil. Lo que hemos hecho poco ha sido estudiarla en detalle y con dedicación, al menos la Generación X: en el colegio era habitual 
Uclés escribió ‘La península de las casas vacías’ durante 15 años, desde los 19 hasta los 34. Al mismo tiempo desarrollaba otras tres novelas ya editadas, la última de las cuales se ha publicado este año. Si en ‘La península de las casas vacías’ aparecen como personajes Lorca, George Orwell o Franco, casi siempre en situaciones inverosímiles y surrealistas, ‘La ciudad de las luces muertas’ lleva esa idea al extremo. 
