Bonnie Tyler, intérprete de clásicos del pop como ‘Total Eclipse of The Heart’ o ‘Holding Out For A Hero’, ha sido ingresada en un hospital de Portugal para recibir una operación intestinal de urgencia. Así lo ha comunicado su equipo en la página web de la artista.
«Lamentamos mucho anunciar que Bonnie ha sido ingresada en un hospital en Faro, Portugal, donde tiene una casa, para una operación intestinal de emergencia», comienza el comunicado. Sin embargo, en las mismas líneas el equipo de la artista tranquiliza a sus fans, asegurando que «la operación fue bien y ella está recuperándose en estos momentos».
Este mismo mes, Tyler tiene programada una gira europea de verano, comenzando el próximo 22 de mayo en Malta, y continuando con shows en Alemania, República Checa, Hungría, Turquía, Austria, Escocia, Reino Unido, Rumanía, Suiza, Dinamarca y Gales. En el comunicado no se especifica si la gira seguirá adelante: «Sabemos que su familia, amigos y fans estarán preocupados por esta noticia y estarán deseándola una pronta recuperación», concluye el mensaje.
Lori Meyers han presentado recientemente el tema con el que introducen su nuevo disco, el primero en 5 años, el primero desde ‘Espacios infinitos‘. ‘En lo total’ es un «grower» que va revelando su condición de tema post-ruptura. Es la Canción del Día.
Primero te das cuenta de que el narrador lo está pasando mal pero todavía no le ha dicho a sus amigos por qué. Después está el estupendo «middle eight» de «odio tanto el fin de semana». Pero es que Noni -autor en este caso- no odia todos los fines de semana, sino «el fin de semana que me dijiste que se acababa». Se incluyen escenas costumbristas de una discusión de alcoba: «Son las cuatro de la mañana / Tu ropa está tirada en mi cama / No dices buenas noches / Solo dices reproches».
Ligeramente funk y con algunas partes en las estrofas en que apenas aparecen guitarras, ‘En lo total’ es una grabación 100% Lori Meyers que presume de una pequeña evolución bajo los mandos de Ferran Gisbert. Así agradecen en la nota su dedicación al guitarrista y colaborador habitual de Alizzz, entre otros:
«Queremos agradecer a Ferran, al que prácticamente secuestramos durante dos años en nuestro particular ‘Hostal Pimodán’ para producir el disco. Han sido muchas horas, muchas cervezas, algún que otro shooter extraction y bastantes momentos mirando al infinito cuando nada salía. Pero era el proceso que necesitábamos».
El vídeo es primero un «zoom in» constante a Noni entre pizzas, cafés, copas y juegos de cartas con los que se pretende dejar atrás ese desengaño… posteriormente un «zoom out»… y finalmente un poco de todo. Dirige Gustavo Carballo.
Lori Meyers son cabezas de cartel de Festial! en Alcázar de San Juan, donde también actúan Rigoberta Bandini, Las Petunias, Niña Polaca, etcétera. JENESAISPOP es medio oficial de este evento. Más fechas, en su web.
El 20 de agosto del año pasado, Mo Chara tuvo que acudir a un juzgado de Londres acusado de terrorismo por haber portado una bandera de Hezbolá durante un concierto. Las imágenes lucían impresionantes en Instagram: el miembro de KNEECAP era asediado por fotógrafos y defensores de su causa, y se tuvieron que colocar vallas por lo que pudiera pasar. La policía hubo de custodiarle, llevándole prácticamente en volandas a las puertas del juzgado, nunca supe si para protegerle o por considerarle un delincuente demasiado peligroso. Una multitud gritaba «FREE MO CHARA».
La causa fue archivada y declarada nula por un defecto de forma. Ahora KNEECAP publican un disco con el que reivindican sobre todo el gaélico irlandés, pero también nos recuerdan que aquellas imágenes no tenían nada de impresionantes. Que lo impresionante es el genocidio en Gaza.
El paso de Mo Chara por los juzgados es recogido expresamente en el estribillo de ‘Carnival’, en el que escuchamos el referido cántico popular. Entre medias, opiniones políticas tan fundamentadas como «investiga a la gente que se une a ejércitos, en lugar de a la gente que se opone a un puto genocidio» o «la historia os recordará como pedazos de mierda y jamás seréis perdonados».
A continuación aparece un tema llamado explícitamente ‘Palestine’, con un rapero de Ramallah llamado Fawzi, y un texto en árabe -las letras se han facilitado en inglés a la prensa- que habla de «repartirse Francia entre Siria y el Líbano», «poner un muro alrededor de París», un «puesto de control fronterizo en Ámsterdam», «invadir Bretaña» y que «Libia se quede Italia». Una historia al revés que desafía al público más conservador y aletargado. En otra canción, ‘Smugglers & Scholars’, celebran que les hayan llamado «terroristas» porque eso les ha hecho «levantarse de la cama».
Estas primeras canciones de ‘FENIAN’ son lo que el público espera exactamente del grupo más político del momento. El álbum se abre con ‘Éiire go Deo’, un manifiesto entre el trip hop, el kraut y el spoken word sobre la importancia de que se hable gaélico irlandés. De ahí que el disco se llame ‘FENIAN’, una palabra que pasó de referirse a un guerrero irlandés a los rebeldes contra la dominación británica, luego se usó de manera despectiva para designar «catetos» y ahora KNEECAP se reapropian en positivo. «Necesitamos que la gente hable el idioma, pero más que eso, tener una infraestructura social», «porque el lenguaje está conectado con el país y esperamos que todos entendáis que está conectado con todos vosotros».
Las «segundas canciones» de ‘FENIAN’, es decir, el tramo medio del álbum, es lo que el público festivalero espera exactamente de KNEECAP. Ahí encontramos ‘Liars Tale’, una especie de «call & response» con mención a Netanyahu que podría sonar en manifestaciones, por ejemplo con ese «nuestra historia es chuparle la polla a América». También la producción electrónica apropiadamente llamada ‘FENIAN’, con un estribillo contagioso y el grito «gracias a Dios que somos irlandeses». Y canciones tan prestas para la rave como ‘Big Bad Mo’ -Primal Scream circa ‘XTRMNTR’ meets drum&bass-, o la pegadiza ‘Cold at the Top’.
Tras temas más testimoniales, algo ya reiterativos como ‘Occupied 6’ y ‘Gael Phonics’, el álbum se entrega a una faceta más personal. ‘Cocaine Hill’ sufre un insomnio casi suicida, desde luego muy angustioso, como consecuencia del consumo de drogas, y ‘Irish Goodbye‘ es una despedida para una madre que se quitó la vida, la de Móglaí Bap.
Con sonoridades más o menos cercanas a gente como Tricky, a veces incluso más canallas a lo Eminem o Die Antwoord, y en la última pista junto a Kae Tempest, más cerca por tanto de este, KNEECAP se asientan como uno de los grupos a la vez más agresivos y a la vez más sensibles del panorama actual. En 2026 es habitual tener que ser las dos cosas a la vez: no se puede ser equidistante ni «nice» cuando se trata de ciertos asuntos. Como un buen Reels, KNEECAP son combativos, divertidos, eficaces en el mensaje y además escuetos. El corte más largo dura 3:40.
A Versalles solo van viejos. Es lo que se traduce de las palabras del departamento de comunicación del palacio francés, que concedió permiso al equipo de Olivia Rodrigo para grabar en sus estancias por el “deseo de inspirar a los jóvenes de todo el mundo a visitar Versalles y considerar el palacio como un lugar de belleza y amor”.
Con la ‘María Antonieta’ (2006) de Sofia Coppola como referente más evidente, ‘Drop Dead’ sigue a Olivia Rodrigo correteando “como un ángel” por los salones de Versalles, como hiciera Kirsten Dunst en la película y como seguramente haría alguna vez la reina francesa, ya que, conviene recordar, fue dada en matrimonio por el emperador de Austria con catorce años.
El videoclip, dirigido, como es habitual, por Petra Collins, se articula como un juego deliberado de superposiciones temporales. Arranca con un prólogo de aire discotequero y estética noventera, en el que Olivia aparece caracterizada como la escort que encarna Jane Birkin en ‘Catherine et Cie’ (1975).
A continuación, la cantante aparece en los aposentos reales versallescos envuelta en una estética que mezcla lo retro -auriculares de walkman, guitarras rosas- con lo aristocrático; lo histórico, con lo anacrónico; lo regio, con lo pop.
Una decisión que remite directamente a las licencias visuales de Coppola y a su lectura popera de María Antonieta (las célebres Converse color pastel que aparecían en el zapatero real), donde las épocas se pliegan unas sobre otras como un palimpsesto posmoderno.
El Día Europeo de la Música se celebra en el centro de cultura contemporánea de Matadero Madrid y en 2026 tendrá lugar del 19 al 21 de junio, coincidiendo con el Día Internacional de la Música, con actuaciones de Ángeles Toledano, Rita Payés y María Arnal el viernes 19, y Depresión Sonora, pablopablo y Alizzz el sábado 20, además de sesiones de DJ como Gazzi y Akazie.
El festival incluye también conciertos familiares en la Nave Una los días 20 y 21 a las 12.00 horas con Le Parody y La Fantástica Banda, y la participación de Cineteca Madrid del 16 al 21 de junio con un ciclo de proyecciones dedicado a la relación entre música y cine. En este artículo repasamos los nombres principales del cartel.
20 de junio: el cartel entre la raíz y lo experimental
María Arnal
Reconocida por su trabajo entre la electrónica y la música tradicional, y antes por haber formado parte del dúo Maria Arnal i Marcel Bagés, Maria Arnal ha lanzado uno de los discos nacionales clave de este año, ‘AMA‘, un trabajo lleno de capas donde explora las posibilidades de la voz humana, ofreciendo una apretada fusión de pop y vanguardia.
Rita Payés
Trombonista y cantante que fusiona jazz, bossa nova y canción de autor, Rita Payés es una de las voces exquisitas de la música actual y, gracias a discos destacados como ‘Imagina’ (2019), ha dado a conocer su estilo mediterráneo por todo el mundo, conquistando a figuras internacionales como Jon Batiste, que la invitó a su último disco.
Ángeles Toledano
Una de las voces emergentes del flamenco contemporáneo, Ángeles Toledano lograba con su disco ‘Sangre sucia‘ el reconocimiento de la industria musical, obteniendo nominaciones en el Premio Ruido o en los Premios de la Academia de la Música. Un disco que mezclaba tradición jonda con sonidos y enfoques actuales para investigar la experiencia femenina y el cuerpo.
21 de junio: el día del pop y el rock alternativo
Alizzz
Sus discazos en solitario ‘Tiene que haber algo más‘ y ‘Conducción temeraria‘ le han desmarcado radicalmente de su vanguardista trabajo con C. Tangana y han dejado un puñado de himnos de pop-rock y pop a secas inolvidables. Recientemente, su single ‘Callaíto‘, contra los trolls de internet, ha vuelto a dar en el clavo.
Depresión Sonora
Referente del post-punk y la nueva ola española gracias a grandes discos como el reciente ‘Los perros no entienden de Internet‘, Depresión Sonora se cuenta entre las propuestas más influyentes del underground nacional del último lustro; su estilo minimalista y sus letras emocionales, llenas de cotidianeidad y desafecto, le han convertido en un nombre tremendamente popular también en América Latina.
pablopablo
Su propuesta íntima entre el pop y la experimentación lo ha convertido en un referente del actual pop de autor, siendo un compositor clave -y muy reconocible- para artistas como Guitarricadelafuente. Con una voz que enamora y una sensibilidad compositiva entre lo clásico y lo moderno, Pablo Drexler sigue presentando ‘Canciones en Mi‘, uno de los mejores discos del año pasado.
Paula Reyes y Adriana Ubani, de Pipiolas, están en un momento «muy raro». Acaban de lanzar su segundo disco, titulado de forma homónima, y se preparan para dar el que es, de momento, uno de los poquísimos conciertos que tienen programados para 2026. El único festival que ha decidido incluirlas en su cartel es Fan Futura. Como recogía nuestro redactor Jordi Bardají en la reseña de ‘Pipiolas’, los lectores de este medio las consideran «las tapadas del pop español». Ellas lo confirman.
Pipiolas aseguran que se van a dejar «todo» en el concierto que tienen este viernes 8 de mayo en la Sala Changó, como parte de la programación de Ochoymedio: «Independientemente de que fuera el primero de 1500 conciertos este año, va a valer mucho la pena, porque es una primera vez», cuenta Adriana. Su interesante mezcla de influencias musicales, desde el pop ochentero hasta el new wave, humor e irreverencia, sin embargo, no parece encajar en una industria empeñada en catalogar todo lo que pasa por ella.
Así, la conversación con Paula y Adriana comienza de forma improvisada, recordando la polémica que vivió La Paloma al afirmar en una entrevista de este mismo medio que conocían «la precariedad del indie» y que no la querían. «Ser indie es ser independiente, no es un tipo de música. Y es normal que nadie quiera ser indie de manera permanente», apunta Paula.
La charla evoluciona tratando temas como la diferencia entre proyecto y producto, las comparaciones vacías, el lado malo de ser unx románticx y la nostalgia de los 80 en Madrid.
De la gente que he entrevistado y que está en alguna major, nadie se ha quejado de no poder hacer lo que quieren.
Paula: Es un tema de qué prefieres ser, cabeza de ratón o cola de león. Hay un punto en el que, mira, si hay que ser cola de león, no para forrarme, pero para poder llegar a fin de mes haciendo lo que somos, músicos o artistas, pues tío… No estás renegando de lo que estás haciendo.
Adriana: Para mí también hay una diferencia muy grande entre proyecto y producto, porque producto somos todos, en el sentido de que tú creas algo que quieres que la gente consuma, aunque se use la palabra ‘producto’ como algo despectivo.
P: Para mí es todo lo contrario. Yo estoy muy en contra de que se utilice la palabra ‘consumir’ en el arte. Me choca con el significado real de lo que son las piezas artísticas, y decir que algo es consumible me parece que es decir que se agota. Yo no quiero ser consumible, yo quiero ser escuchada y leída.
A: En el concepto como tal de lo que estamos hablando, estoy totalmente de acuerdo contigo. En lo tangible, en el mundo real en el que vivimos, no funciona así.
Si estuvierais en una multi, vuestro equipo pensaría que sois un producto y querrían que la gente comprase vuestro proyecto. ¿No podría ir de la mano con la visión artística?
P: Para mí, la palabra producto mata eso.
A: Eso no significa que te tengas que convertir en algo supermoldeado para que quepa en todos lados y sea consumido por todo el mundo, pero si tienes una estrategia de venta, eres un producto.
P: Entiendo lo que dices, pero no lo comparto ni quiero formar parte de llamar producto a todo lo que tenga que ver con el lenguaje artístico. Efectivamente, hay que comer, pero la capitalización del arte es otro tema.
«Investiga toda la gente a la que nos han dicho que nos parecemos y dime tú que coño tienen que ver Madonna y Ginebras»
¿Hay proyectos artísticos, musicales, que sí son productos para ti?
P: Si el artista, que es quien genera la pieza, la crea y la conforma, está tomando las decisiones, no es un producto, sino una decisión artística. Otra cosa sería que a alguien le digan «canta esto así».
A: Entonces estás quitando que lo bien o mal que canta una persona, la presencia escénica y todo lo que hace para interpretar sea algo artístico. Creo que hay tantos matices que es complicado que cualquiera de nuestras visiones particulares sea cien por cien la realidad. Ahora parece que somos como diametralmente opuestas.
P: Es la primera vez (risas).
Estáis en un sello, Elefant, que comparte bastante esta visión del arte como algo valioso.
P: Son unos románticos, totalmente, y unos revolucionarios. Esto tiene sus pros y sus contras.
¿El ser románticos?
A: Nada de lo que hemos elegido estudiar o a lo que nos dedicamos Paula y yo lo hemos hecho por forrarnos, porque si no nos hubiéramos equivocado en todas las carreras y profesiones que hemos tenido. Si yo me hubiera metido a actriz, o Paula a literaura, para eso… Entonces, hay una parte menos fácil para tener una tranquilidad mayor de la que tenemos ahora mismo. Evidentemente, esto viene de la mano de todo lo que estábamos hablando.
P: Para tener un poco de oportunidades en la industria, porque está todo ya vendido. Está todo ya colocado. Hay que ser realista, no hay mucho hueco.
Me sorprendió muchísimo ver que solo tenéis un concierto programado este año, de momento, porque vosotras público tenéis.
P: Llega un punto en el que empezamos a preguntarnos muchas cuestiones filosóficas y de definición de nosotras mismas. No hay hueco para lo que estamos haciendo, pero lo que estamos haciendo tampoco es tan, tan raro.
A: Evidentemente, hay mucha gente que hace cosas similares a nosotras, pero la ecuación concreta que hemos elegido nosotras tiene lo bueno y lo malo, que es que no tenemos un referente con el que poder guiarnos. Sí, nos parecemos a Rigoberta, pero no hacemos lo que hace Rigoberta. Ni en la puesta en escena, ni en la música exactamente.
P: Cuando te sientas con gente para buscar un mánager o lo que sea, ven esto como una posibilidad y como un abismo a la vez. Sin creernos el rara avis de nada, pero hay que elegir un camino totalmente propio ahora mismo y para eso se requiere mucha energía, mucha atención y, seguramente, mucho dinero. No tenemos ninguna de las tres. Y la cuarta, la suerte, tampoco.
Las canciones, pegadizas son. Y sí que se ve mucha eclecticidad, muchas influencias diferentes que sí se pueden remitir a según qué artistas.
A: ¿Tú sabes cuando dicen: Si te gusta no sé quien, este nuevo artista te va a encantar? A nosotras, en vez de decir uno u otro, son 37 artistas. Entonces, entiendo que alguien diga que le gusta La Casa Azul, pero no Alaska y Los Pegamoides, a pesar de que puedan tener algo que ver.
P: Si tienes tiempo, investiga toda la gente a la que nos han dicho que nos parecemos y dime tú que coño tienen que ver Madonna y Ginebras.
A: Somos chicas y hemos hecho una canción un poco más pop-rock: Ginebras. No. Somos amigas, hemos sido teloneras, tenemos una colabo… No nos parecemos en nada ni ellas a nosotras, y no pasa nada.
P: Vemos también muy perdida a la gente que habla de nosotras, porque no nos sentimos identificadas con que entren a buscarnos una comparativa, no por nada, sino porque genuinamente no se parece. Quizás la eclecticidad puede tener su propio nombre, ¿no? Parece que no hay hueco para una nueva era de música y siempre tiene que haber como una reminiscencia de algo.
A: También entiendo que ahora mismo hay tantísimo de todo que la gente necesita hacer categorías para guiarse. Antes, en el recreo te daba tiempo a verte todos los videoclips nuevos en YouTube y si te gustaba Linkin Park eras un outsider de la vida.
P: Con Cecilia nos comparaban al principio también. Mi padre, encantado.
A: Y Wet Leg. ¡Wet Leg! Que me encantan, pero no tenemos nada que ver.
P: Me llevaría más a Camp Rock incluso, te lo digo.
«Te sientes una impostora porque el interés que hay es completamente genuino, pero no llegamos a la gente»
Al menos lo pasáis bien, ¿no?
P: No, ahora no.
A: Es una putada por lo que estábamos hablando antes, sin entrar en mercantilización ni nada.
P: Cuando eres novedad, no estás muy definida y te pagan una miseria, pues claro, te meten en muchos festivales. Cuando pasas a ese lugar mediano en el que el caché tiene que ser un mínimo para que haya algo digno y poder pagar a tus músicos, técnicos, etc… De repente, noto que tenemos muchas puertas cerradas. Un Embassa’t. No, son muy modernas. Un BBK. No, no son muy rockeras. Un Sonorama. No me preguntes por qué el Sonorama ni lo hemos pisado. Estamos tristes porque ha salido Sound Isidro y no entendemos cómo no estamos ahí. Nos pillas en un momento…
A: Muy raro.
P: Muy inseguro.
¿Cómo planteáis esto con vuestro sello?
A: Hay una parte muy bonita y muy necesaria de que Elefant entienda así la música, pero confían tanto en esto del tiempo al tiempo y de que las cosas van llegando, que hay una parte de promo y de venta que no es compatible con cómo se entiende ahora mismo la industria: o estás medianamente presente o la gente se olvida de que existes.
P: Por eso está bien separar. Nosotras teníamos un 360, pero no funciona.
A: Eso es cuando tiene un contrato editorial, de booking, management, todo con la misma discográfica.
P: Por eso estamos buscando booking y management fuera de Elefant. Es esta dualidad entre compartir cien por cien el romanticismo de nuestro sello con la forma de hacer música y la búsqueda de intentar meter cabeza en un espacio que debería también de pertenecernos. Sacar la cabeza de la precariedad.
Pintáis una imagen oscura porque vuestro grupo tampoco es que sea experimental. Iba a decir que no es de nicho, pero ya no sé ni lo que significa eso.
P: Es que si fuéramos de nicho, tendríamos un público. Sería una cosa de hacer un concierto al año en un sitio y se peta y tal, pero la gente se piensa que si no nos ve en un festival, nos podrá ver en otro. Y no amor… Lo que más nos despista, y que casi a la vez me frustra, es que cada vez que hablas de esto todo el mundo frunce el ceño. ¿La gente se puede dejar de sorprender y nos puede dar trabajo?
Claro, dices que la gente os percibe como un grupo que vive totalmente de esto.
P: Te sientes siempre una impostora, porque el interés que hay es completamente genuino. Tú dices: ¿Cómo puede ser que te hagan una editorial aquí, que te saque El País, que te saque El Diario, que te saque El Mundo…? Hay una apreciación real de lo que hacemos a nivel cultural y nos llena de orgullo, incluso dentro de la propia industria. Nos sentimos superconsideradas. El problema es que, por lo que sea, no llegamos a la gente.
«¿La nostalgia de los 80 es un poco facha o los referentes que nos quedan ahora mismo de los 80 son fachas?»
Cambiando de tema… Os he visto hablar de la nostalgia de los años 80 a propósito de la música del disco, pero sigue habiendo algo muy moderno ahí. Está de moda.
P: Claro, es que la nostalgia de los 80…
A: Tiene una cosa un poco facha de la movida madrileña.
P: Sí que partía desde una irreverencia que en ese momento…
A: ¿Tú crees que la nostalgia de los 80 es un poco facha o que los referentes que nos quedan ahora mismo de los 80 son fachas? Porque siendo como muy sota, caballo y rey, parte de la irreverencia y de la libertad que hubo también tuvo muchísimas cosas negativas, como la gente que se venía de los pueblos a la libertad de la gran ciudad y acababa en drogas y horror, pero había una parte de que eso era la libertad que buscaban. Yo creo que la parte facha que tiene el echar de menos esa época es porque los referentes fuertes que nos quedan son todos fachas.
Hace poco, algunas de esas personas dijeron en una entrevista que lo de representar a la comunidad LGBTIQ+ lo hacían por ellos mismos, que no se veían referentes de nada.
P: Tener nostalgia de eso es lo que creo que es facha, porque la gente habla con una moralidad superior de los 80. Ha quedado superfascista y supermoralista lo de «eso sí que era libertad y no lo que hay ahora». En los 80, no había libertad absolutamente. El acto de querer ser libre en sí era lo irreverente y lo que queremos traer, pero el término ‘libertad’ es un símbolo. Vemos cómo la ultraderecha lo utiliza, aquí en Madrid. ¿Libre para qué? ¿Libre para abolir los derechos de los demás? «Yo era gay, solo era gay y no luchaba ni pertenecía a ningún colectivo». Eso se llama privilegio y ser pijos. Entonces, no hay una nostalgia de esto, sino del acto de ser irreverente. No queremos traer de vuelta la movida madrileña.
La cosa es que ahora lo irreverente es ser facha.
A: Sí, ahora lo más incómodo es ser facha. Parece que la libertad va de la mano de la propia acitud y no de lo que de verdad defiende. Creo que tiene que ver con eso y también, y esto ya es una cosa superdensa, con la manía que tenemos en este país de hacer sentir tontos a los jóvenes cuando no entienden la política. Evidentemente, funcionan muchísimos más discursos que son muy simples, y yo entiendo que haya niños de 15 o 16 años que vayan con la ultraderecha porque, como mínimo, te pueden asegurar que el discurso lo entienden. Como lo entienden, no les interesa nada que sea medianamente céntrico o de izquierdas porque es mucho más complicado.
Una de las historias de éxito comercial más notables del último año es la de Sienna Spiro, cantante británica que ha superado todas las expectativas con el impacto de su single ‘Die on This Hill’, top 10 en varios países. La balada de corte clásico sitúa a Spiro como una de las nuevas voces del pop británico de corte retro, en la línea de Olivia Dean o, desde USA, Stephen Sanchez.
Visiblemente estilizada como las divas clásicas de los años 60, la joven cantante, nacida en 2005 -como su contemporáneo Sombr-, se dio a conocer subiendo vídeos a TikTok en 2021. En 2024 lanzó su primer single, ‘Need Me’, y el segundo, ‘Maybe’, publicado ese mismo año, logró situarse en el puesto 45 de la lista de singles británica, abriendo el camino para el huracán ‘Die on This Hill’.
Desde entonces, ‘Die on This Hill’ se ha convertido en uno de los mayores éxitos en streaming de los últimos años. A pesar de su dramatismo musical tamaño American Idol, el tema continúa entre lo más escuchado a nivel global, ha alcanzado el top 10 en Reino Unido y en otros países como Bélgica, Indonesia o Países Bajos, y ha abierto a Spiro las puertas del mercado estadounidense, siempre difícil para una artista británica: allí, el tema ha alcanzado el top 19.
Ese ímpetu por poner los pelos de punta de forma algo forzada también está presente en otros dos singles destacados de Sienna Spiro, de corte orquestal: ‘The Visitor’ y ‘You Stole the Show’. Ambos temas, acompañados principalmente por el piano, funcionan sobre todo como escaparate de su talento vocal, donde su voz ligeramente rasposa aporta una textura cruda y emocional, aunque su timbre no resulta especialmente distintivo décadas después de Adele, Duffy, Amy, etc.
Para los que sospechen de conexiones demasiado próximas a la industria musical, hay que poner sobre la mesa que Sienna Spiro no procede de una familia del negocio: su padre Glenn Spiro es un reconocido joyero británico de alta gama, mientras que su madre está vinculada a Tikva UK, una organización sin ánimo de lucro que apoya a niños judíos en situación de riesgo en Ucrania, Rumanía e Israel.
Entre los países que aún se resisten al fenómeno se encuentra España, que por ahora no ha abrazado ni siquiera ‘Die on This Hill’. ¿Puede ‘Material Lover’ cambiar las cosas? El tema de Sienna Spiro para la banda sonora de ‘El diablo viste de Prada 2’, ya un taquillazo global, es un alegre número que acerca a la artista al sonido de Amy Winehouse, ofreciendo una faceta más uptempo que baladesca.
Lambchop regresan con nuevo material y un enfoque muy marcado por la simplicidad y las raíces del folk espiritual. La banda de Nashville ha grabado su próximo disco, ‘Punching the Clown’, con la producción de Ryan Olson y la colaboración de Justin Vernon (Bon Iver), que aporta el banjo en varios temas.
El primer adelanto, ‘Weakened’, destaca por su atmósfera coral, con un grupo de seis voces evocando la primera música grabada. Se han confirmado varias fechas en Europa, aunque ninguna en España.
El álbum se ha regitrado en el estudio April Base, en Wisconsin, propiedad de Vernon. Kurt Wagner, líder de la banda, ha comentado que el disco se construye desde la reducción de elementos, hasta el punto de que la percusión se limita prácticamente a unas simpáticas castañuelas.
Wagner ha contado que el proyecto nació de una inspiración muy concreta: una canción que escuchó por casualidad en la radio, basada en un solo acorde de banjo y un sencillo coro. A partir de ahí se interesó por el “lined out singing”, una tradición de canto coral surgida en Escocia y adoptada después en los Apalaches, basada en la llamada y respuesta.
Esa música reveló a Wagner «la belleza y el poder en bruto de la voz humana con sus variedades únicas, su simplicidad sin adornos daba peso a las palabras mientras eran cantadas». «Quería hacer un disco que emulara este tipo de música», añade.
Desde ‘Golden Hour’, su aclamadísimo tercer álbum, la vida de Kacey Musgraves ha sido toda una montaña rusa de emociones. Poco después del lanzamiento de este trabajo, dedicado a su entonces marido Ruston Kelly, se divorció, y así, en ‘star-crossed’ se alejaba del country para abrazar el pop reflexionando sobre esa dolorosa ruptura.
Para cuando lanzó el folky ‘Deeper Well’ cuatro años más tarde, ya había experimentado de nuevo con otra pareja la euforia del amor y las devastadoras consecuencias de cuando se termina. Ahora llega a ‘Middle of Nowhere’ con muchas lecciones aprendidas, y sobre todo, con la tranquilidad de sentirse a gusto con este preciso momento, sin necesidad de estar constantemente buscando la felicidad en otro sitio o en alguien que no sea ella misma.
Musgraves vuelve a las raíces country de sus dos primeros y excelentes álbumes ‘Same Trailer Different Park’ y ‘Pageant Material’, y explora con especial atención el diálogo musical fronterizo, aportando ciertos toques de música tejana y norteña. También, como ya encontrábamos en ‘Deeper Well’, la influencia del soft rock de los 70 continúa presente. Aunque a diferencia de la irregularidad de sus dos últimos trabajos, ‘Middle of Nowhere’ se beneficia de tener una secuencia más robusta y consistente. Sin alcanzar los altos vuelos de aquellos tres primeros elepés, ofrece una muy buena versión de la cantautora.
En la pieza clave del álbum, ‘Loneliest Girl’, Musgraves insiste en que nadie debe preocuparse por lo que se puede estar perdiendo. Está feliz siendo solitaria, sin tener que fingir que le caen bien los amigos o la madre de nadie. La voz dulce de la cantante guía a una producción melancólica, con preciosos arreglos de cuerdas. En la misma línea, destaca ‘Back On the Wagon’, una tradicional balada country-pop, que es tan agradable como pegadiza.
Por supuesto, no sería un álbum de Kacey Musgraves sin sus grandes dosis de humor irónico, y aquí encuentra la inspiración para entregar algunas de sus más divertidas ocurrencias. ‘Dry Spell’ es algo que solo podría firmar ella, una gran canción sobre llevar 335 días sin sexo y estar cachonda perdida (o mejor dicho, “Lonely with a capital H”). En ‘Horses and Divorces’, hace las paces con Miranda Lambert (parece que también es “confusing to be a cowgirl”), con quien siempre había tenido cierta tensión, en una suerte de ranchera a dúo donde, borrachas, exponen sus puntos en común: caballos, divorcios, su gusto por beber y por Willie Nelson. Precisamente, la leyenda nonagenaria de la música country también aparece como invitado en la estupenda ‘Uncertain, TX’, muy arraigada a la tradición tejana.
Las otras dos colaboraciones del disco dejan igualmente buenos momentos. Gregory Alan Isakov participa en la lánguida ‘Coyote’, en la que los punteos de guitarra acústica evocan el recuerdo de un antiguo amor; y en ‘Everybody Wants to be a Cowboy’, Billy Strings se une a Musgraves, creando bonitas armonías vocales.
El tramo final se compone por una triada de sentidas composiciones. ‘Rhinestone’ recupera el country pop azucarado de ‘Golden Hour’; ‘Mexico Honey’ se construye sobre una melodía sensual, donde la voz de Kacey suena preciosa sobre una manta de cuerdas; y, finalmente, ‘Hell On Me’, es una balada sencilla, que si bien se podría prescindir de ella y nadie la echaría de menos, es lo suficientemente agradable para que su presencia no reste.
En este momento vital algo incierto para ella, volver a sus raíces, a esos sonidos más tradicionales, le ha sentado bien a la cantante texana. ‘Middle of Nowhere’ muestra a una artista en paz consigo misma, aceptando que no solo no pasa nada por sentirse en mitad de ningún sitio emocionalmente, sino que se puede incluso disfrutar de ello.
La propuesta de “prioridad nacional”, incluida en los acuerdos de PP y VOX en Extremadura y Aragón, ha encendido el debate político en los últimos días por su defensa de una supuesta “españolidad” en función del origen de padre y madre, así como por su carácter restrictivo hacia personas que residan en España en situación irregular. El eurodiputado del PSOE López Aguilar ha anunciado que trasladará el asunto a la Comisión Europea, donde ha advertido de su posible incompatibilidad con los valores europeos e incluso con la propia Constitución.
El tema ha salido a colación durante una entrevista con Pablo Alborán en el programa de Henar Álvarez, Al cielo con ella, donde el cantante ha aludido indirectamente a la idea política de VOX y su concepto de una supuesta españolidad auténtica.
Al hablar sobre la diferencia entre el público español y el latinoamericano, Alborán explica su sentimiento de arraigo como español por haber nacido en el país. Sin embargo, añade una reflexión relacionada con la actualidad: “España, obviamente, es mi país, he nacido aquí. Aunque, como mi madre es francesa nacida en Marruecos, algunos dicen que no soy español, porque no soy de padre y madre españoles… Igual ya no soy español, según para quién”.
Ese “quién” al que se refiere Alborán indirectamente es el portavoz de VOX en Cataluña, Joan Garriga, quien ha defendido en el marco del debate sobre la “prioridad nacional” que sería español quien «haya nacido de padre y madre españoles», una afirmación contraria a la realidad jurídica española, que contempla diversas vías para la adquisición de la nacionalidad más allá del origen familiar.
Álvarez, que capta la referencia al vuelo, responde “No serías prioridad nacional”, en clara alusión al precepto político que VOX pretende implementar en toda España. Alborán asiente y añade que precisamente su condición de español y el desarrollo de su carrera en España le han permitido proyectarse internacionalmente: “España es la que ha hecho que yo haya podido ir a Latinoamérica o a Europa”.
PABLO ALBORÁN en AL CIELO CON ELLA:
“españa es mi país, he nacido aquí… mi madre es francesa nacida en marruecos que es que algunos dicen que ahora yo no soy español porque claro porque como no soy de padre y madre española… igual ya no soy español según quien” pic.twitter.com/EVsNDabRd3
Teo Lucadamo vuelve con un nuevo sello, Bistec Music, y con un nuevo colectivo de rap con un nombre totalmente humilde: Estrellas del Rap Nacional. Junto a Manu El y D.A.W.I.T., el autor de ‘El Dilema del Rapero Blanco’ ha lanzado el hilarante adelanto de su próximo proyecto. ‘Estrellas’ es la Canción del Día.
Tras la salida de ‘London Trip: The Mixtape’, Teo ha presentado una de sus canciones más citables hasta la fecha, y que además va acompañada de uno de sus mejores beats, obra de Roy Borland. Sobre una base que mezcla hip hop y rock de forma exitosa, lo cual no es nada sencillo, Teo presenta a su nuevo grupo de estrellas: «Esto es rap del bueno, anís del mono, pastillas de yodo, gasolinas y plomo». Para triunfar, «Estrellas del Rap Nacional de politono».
Durante el tema, los tres artistas se encargan de definir exactamente qué es y qué no es su música. Además de no ser «apolítica», Lucadamo deja claro con su carisma que tampoco es «música electrónica», sino «rock & roll de la península ibérica». Como en cualquier gran sátira, hace falta un poco de crítica social: «Inversores y rentistas dan miedo como dentistas / Esto no es música para fascistas / No es para el que se pajea con el Idealista».
Si estás en busca de voces prodigiosas, Antía Muíño es tu apuesta. La artista y compositora gallega es una de las revelaciones más claras de la nueva canción galega, moviéndose entre el folk-pop, el jazz-pop y la música tradicional de su tierra. Empiezas a escuchar por su voz, te quedas por sus pacíficas melodías.
El currículum de Muíño, que ha lanzado su segundo disco a principios de 2026, es envidiable: es parte de la banda en directo de Baiuca desde hace más de tres años, ganó el Premio Martín Códax da Música Galega en 2022 como Artista emergente, fue embajadora de Spotify EQUAL en 2022 y también fue escogida por AIE para presentar su debut por España y Marruecos en 2023.
‘Anfibia Por Veces’ es el título de su segundo disco, del cual destaca la hermosa ‘A Beleza’, cuyo título parece casi autodescriptivo. En realidad, la autora gallega está hablando de «la belleza» natural de su tierra, mencionando «la luz que invade la tarde», «los caminos que están por andar» o «la piedra mojada» de Santiago. Sin embargo, la carta de presentación de Muíño, nunca mejor dicho, suele ser ‘Carta Aberta’.
Esta canción da título al primer disco de la artista y, a la vez, es su canción más popular. Hay reminiscencias del folk, en la instrumentación a base de arpegios acústicos, y del jazz, en la interpretación vocal, pero al final del día ‘Carta Aberta’ es un delicioso tema de cantautora clásico. Difícil no enamorarse de su voz después de escucharla.
Este año, Antía Muíño forma parte de la programación del circuito Girando Por Salas, creado para facilitar a los artistas emergentes la posibilidad de tocar en salas fuera de su comunidad autónoma. Sin embargo, a la artista gallega le ha permitido extender la gira en la que ya se encontraba, añadiendo siete fechas más a esta. La próximo es mañana mismo, jueves 7 de mayo, en el Avalón Café de Zamora.
Conciertos de Antía Muíño:
Jueves, 7 de mayo – ZAMORA – Avalón Café
Jueves, 14 de mayo – MADRID – Sala Clamores
Viernes, 15 de mayo – ALBACETE – Ea¡ Teatro
Viernes, 22 de mayo – OVIEDO – La Lata de Zinc
Jueves, 28 de mayo – MURCIA – Cooperativa Itálica
Viernes, 29 de mayo – GANDIA (VALENCIA) – Teatre del Raval
Sábado, 30 de mayo – BARCELONA – Paral.lel 62 Club
Kelela ha hecho oficial el anuncio de su tercer álbum, titulado ‘new avatar’. Como ya indican los dos adelantos disponibles, sobre todo ‘idea 1’, la autora de ‘Raven’ mezclará la música electrónica y el R&B, su dominio habitual, con las guitarras del shoegaze y el grunge. ‘new avatar’ estará disponible a partir del próximo 10 de julio.
Se sabe que ‘new avatar’ rendirá homenaje a los inicios de la artista en la escena de Washington D. C., cuando formaba parte de una banda de metal progresivo llama Dizzy Spells. Además de la mezcla de géneros, el álbum también incluirá las colaboraciones de PinkPantheress, Fousheé y A.K. Paul.
Según indica la propia artista, ‘new avatar’ encuentra «consuelo en la confrontación», teniendo como objetivo que la música no sea «una distracción de lo que realmente está pasando en el mundo»: «Quiero que tenga sentido en este momento tan loco mientras ayuda a la gente a estar en contacto con la belleza y la alegría que también están experimentando».
Tracklist:
01 Idea 1
02 Point Blank
03 Goin Down
04 Outta Time [feat. A.K. Paul]
05 Against Me
06 Crystalize
07 Retaliation Lullaby
08 Linknb
09 Don’t Piss Me Off
10 New Life Forms [feat. Fousheé]
11 The Bridge [feat. Pinkpantheress]
12 If We Meet Again
Con un tema casi en los 2.000 millones de streams, otro por encima de 1.000 millones y varios con cientos de millones, Mitski firma una de las carreras más exitosas, sólidas y estables de la última década. Ya era hora de que dedicarámos un episodio del podcast Revelación o Timo a Mitski, la artista que ha demostrado que las viralizaciones en TikTok pueden merecer mucho la pena.
Nuestro redactor Fernando García visita el podcast para abordar toda su discografía. Comenzamos debatiendo si el último álbum de Mitski ‘Nothing’s About to Happen to Me‘ es tan bueno como dice la crítica musical o tan decepcionante como creen algunos de sus seguidores.
A partir de ahí, viajamos al punto de inflexión que fue el binomio formado por su tercer y cuarto álbum, ‘Bury Me at Makeout Creek’ y ‘Puberty 2‘, y repasamos todos sus discos. Algunos recomendamos empezar a descubrir a Mitski por ‘Be the Cowboy‘ (2018). Y otros por ‘Laurell Hell‘ (2022). Finalmente, dedicamos los últimos minutos del podcast a recordar sus dos primeros álbumes, que no estaban nada mal, pese a (o «gracias a») ser ejercicios de conservatorio.
Entre anécdotas como el meme «los psicólogos odian a Mitski» o su turbia la relación con la fama («I love you», «You don’t know me») reflexionamos sobre lo que se puede entender por «Estilo Mitski» -si es que existe tal cosa cuando haces lo mismo grunge que bossa, lo mismo electropop que jazz-.
Igualmente hablamos de lo importante y pionero que pudo ser el tema ‘Your Best American Girl’ para las personas racializadas. Parte del discurso social de hoy (la importancia del físico, la relación con la fama de Chappell Roan) están en las canciones de Mitski Miyawaki desde hace muchos, muchos años.
El top 5 se mantiene intacto esta semana en JNSP: Madonna sigue dominando a Martin por un porcentaje muy similar a la semana anterior (55% vs 30% en la final de Instagram). Jessie Ware queda lejos en el top 3 y Olivia Rodrigo, más lejos aún en el top 5. La entrada más fuerte es la de Demi Lovato, seguida de las de Adéla y KATSEYE en el top 10. Fuera del top 10 pero al menos dentro de la lista están Kim Petras, Xoel López y, a mayor distancia, Zayn y Quevedo.
Recordad que podéis escuchar en Apple Music y en Spotify la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
Como ya te hemos contado en el repaso a álbumes, todas las entradas importantes de la semana en España son las 12 nuevas canciones de Quevedo, que se suman a ‘Scandic’ y ‘Ni borracho’, que ya habían sido número 1. El nuevo número 1 en España es la colaboración de Quevedo con Elvis Crespo, pero hay otras entradas que merece la pena comentar.
Las más importantes son la llegada de 2 temas de Michael Jackson al top 100 español. Se trata de ‘Billie Jean’ en el puesto 34 oficial y de ‘Beat It’ en el puesto 46. Estas son las dos canciones favoritas del público español tras el estreno de la película de ‘Michael’, que está logrando unas cifras de taquilla estratosféricas. Y también son estas dos las canciones favoritas a nivel global: encontramos ‘Billie Jean’ ya en el top 3 de Spotify, y ‘Beat It’ en el 6. Otras canciones posicionándose fuera de España son ‘Don’t Stop Til You Get Enough’ y ‘Human Nature’, en el top 20 del global actual.
Otro tema que sorprende que aparezca en el top 100 es ‘Calypso’ de Guitarricadelafuente. El artista es más de vender álbumes que de singles, pero aun así logra situar ‘Calypso’ en el puesto 89 en una semana tan competitiva. Su último disco ‘Spanish Leather’ sube del puesto 30 al puesto 27 en su 50ª semana en lista. Está certificado como disco de oro.
Cierra la lista de novedades ‘Una baby en Santiago’ de Lil Naay, directa al puesto 95.
Quevedo es el indiscutible número 1 en España con su notable disco ‘El Baifo’. No solo el álbum es top 1 en nuestro país como antes lo fueron sus dos anteriores discos, sino que la totalidad de sus 14 nuevas canciones figuran dentro del top 20 de singles. Lidera la colaboración con Elvis Crespo, devolviendo a la palestra al autor de ‘Suavemente’. Las 14 pistas del álbum entran en la lista de sencillos en este orden:
1.-La graciosa, con Elvis Crespo
2.-Al golpito
3.-Caprichoso
4.-El Baifo
5.-Algo va a pasar, con La Pantera, Lucho RK, Juseph
6.-Scandic
7.-Gáldar, con Tonny Tun Tun
8.-Ni borracho
9.-2010ypico
10.-Está en casa
11.-Hookah y calor
13.-Hijo de volcán, con Los gofiones
15.-Flakito
17.-Mi balcón
No obstante, al no haber edición física, ‘El Baifo’ no ha sido certificado como disco de oro o platino de manera directa, como lograba de sobra ‘LUX’ de Rosalía, que conseguía cifras similares de streaming.
La fuerza en streaming de las 14 nuevas canciones de Quevedo deja a Fangoria fuera de la pelea por el número 1 en nuestro país. Pero de todas formas, no lo habrían conseguido sin Quevedo, porque Omar Courtz sube del puesto 3 al puesto 2 con ‘Por si mañana no estoy‘. El dúo formado por Alaska y Nacho Canut queda en el número 3 oficial en España con ‘La verdad y la imaginación‘.
Fangoria han sido número 1 en España con 6 de sus discos: ‘Absolutamente’, ‘Cuatricromía’, ‘Canciones para robots románticos’ y varios EP’s y recopilatorios. Esta es la primera vez que no lo consiguen con un disco de estudio desde ‘El extraño viaje’ (2006).
Hay varias entradas más en el top 20: Trueno llega al número 10 con ‘Turr4zo’, Noah Kahan queda en el 13 con ‘The Great Divide’, la banda sonora de ‘Michael‘ entra en el 14 y Foo Fighters quedan en el 19 con ‘Your Favorite Toy’.
Una entrada muy modesta la de los Dave Grohl en sintonía con la estadounidense (top 23) o la francesa (top 22). Donde el disco ha funcionado mejor ha sido en UK y en Alemania (top 2).
La lista de entradas de la semana se cierra con ‘Live at LA Sports Arena, 1975’ de Pink Floyd, en el 86. Aunque también podemos destacar la re-entrada de Amaia con ‘Si abro los ojos no es real’ gracias a la buena acogida de su Tiny Desk (top 54) o la de Rodrigo Cuevas con ‘Manual de belleza’ (top 74).
El nuevo disco de The Rolling Stones ya tiene título y fecha: ‘Foreign Tongues’ se podrá escuchar a partir del 10 de julio. El sucesor de ‘Hackney Diamonds‘ (2023) se compondrá de 14 cortes, pero de momento se han revelado solo los dos primeros.
‘Rough and Twisted’ e ‘In the Stars’, las pistas 1 y 2 de ‘Foreign Tongues’, ya están disponibles en las plataformas de streaming. Ambas van sobradas de guitarras saturadas y ecos de blues y rock clásico; la primera incluye un solo de armónica, aunque la segunda promete enganchar más al público por su feliz arreglo de coros.
El álbum, grabado en menos de un mes en los estudios Metropolis, en el oeste de Londres, incluye colaboraciones destacadas de Paul McCartney, Robert Smith de The Cure, Chad Smith de los Red Hot Chili Peppers y Steve Winwood, además de una aparición especial de Charlie Watts registrando una de sus últimas intervenciones musicales antes de fallecer en 2021.
Andrew Watt repite como productor del nuevo álbum de The Rolling Stones y, además, este año también ha trabajado en el próximo disco de Paul McCartney, cuyo lanzamiento está previsto para finales de mes. Watt, por cierto, solo tiene 35 años y ha colaborado también con Pearl Jam, Elton John o Lady Gaga.
Desde que Kelela reinventara el disco de remixes en 2018, implicando a artistas underground, experimentales, afrodescendientes y queer de la escena club, muchos han seguido su estela con desiguales resultados, tanto en el mainstream (Dua Lipa) como en el indie (MGMT). Dos lanzamientos recientes destacados han sido ‘Dawn of Chromatica‘ de Lady Gaga, y el disco de remixes de ‘brat’ de Charli XCX; en ambos casos ofreciendo reconstrucciones radicales de las canciones más que remixes convencionales, sobre todo en el segundo.
Ahora entra al chat Zara Larsson, que reedita su disco de 2025 ‘Midnight Sun‘ en pleno resurgimiento de su popularidad tras los virales de ‘Lush Life’, ‘Stateside’ con PinkPantheress y la propia ‘Midnight Sun‘, con la que Zara ha dado tanto la turra en entrevistas y redes como Melody en Eurovisión; si el estribillo ya martilleaba como pocos, resultando deliberadamente “annoying” y adictivo, Zara daba dos tazas.
La visión detrás de «Girls Trip», que se compone de remixes creados exclusivamente por mujeres, es a la par mainstream e inclusiva, y aunque carece de la dimensión política del disco de Kelela -que funcionaba como trabajo colectivo, incluso disolviendo la autoría de la artista- e incluso del propio discurso público de Larsson, convence ofreciendo un rato de pura diversión pop.
Los mejores remixes de «Girls Trip» transforman el material original de manera más o menos radical: PinkPantheress lo peta sampleando el clásico del drum’n’bass ‘Gold Dust’ de DJ Fresh en ‘Midnight Sun’, hermanando su remix con el de ‘Stateside’, que ha sido top 1 global; ‘Pretty Ugly’ con Margo XS y la rapera JT resulta divertidísima jugando con las expectativas, yendo a saco con sus beats urbanos y digicore, y ‘Blue Moon’, transformada en midtempo R&B de la mano de Kehlani, demuestra lo buena canción que era ya.
No todas las remezclas pertenecen al mainstream como tal: solo a Zara Larsson se le podía ocurrir llamar a Malibu -la artista de ambient francesa, estrechamente vinculada a Oklou– para llevar ‘Saturn’s Return’ al ambient celestial. No es que junto a Helena Gao -habitual colaboradora de Zara- logre elevar una canción que no era gran cosa, pero como respiro dentro de un disco que no da tregua, incorporando una diversidad de ritmos y estilos globales, funciona.
Shakira, la segunda cantante más influyente de los últimos 50 años según El País, solo por detrás de Madonna, aparece en una sorprendente versión de ‘Eurosummer’ que se va al funk brasileño y consigue, con su distintivo timbre vocal y frases veraniegas en español, que casi ni recuerdes el temazo original. Por contra, ‘The Ambition’ y ‘Puss Puss’ resultan igual de random que antes, solo que ahora cuentan con Madison Beer sirviendo «vocals» en el primer caso y, en el segundo, con Robyn subiéndose a un EDM-pop más bruto de lo que ella suele ofrecer.
Los matices club de ‘Girls Girl’ con Emilia evocan el trabajo de Charli XCX, pero no transmiten la idea de que Zara Larsson vaya precisamente por delante, algo poco sorprendente teniendo en cuenta que toda la era ‘Midnight Sun’ está inspirada en el meme de los delfines de ‘Symphony’ creado por fans en TikTok. Zara Larsson ha sabido capitalizar su éxito en redes, pero eso no significa que los remixes de «Girls Trip» capten el zeitgeist como sí logró Charli hace un par de años.
‘Midnight Sun: Girls Trip’ no solo exhibe una feminidad amplificada, sino que también reivindica la figura de Zara Larsson y su escalada comercial. El disco es una declaración de posición dentro de la industria, mostrando dónde se sitúa la artista y qué nombres están dispuestos a colaborar con ella. Ahora bien, si lo que buscas es una buena colaboración entre Zara y Tyla, pasa de ‘Hot & Sexy’ y escucha ‘She Did It Again‘, un tema que merece el éxito de ‘Midnight Sun’, como mínimo.
El disco de KNEECAP es uno de los más explícitamente políticos del año, pero el trío irlandés formado por Mo Chara, Móglaí Bap y DJ Próvaí decide cerrarlo en un tono notablemente personal: ‘Irish Goodbye’ es la despedida a una madre fallecida a la que han quedado cosas que decir, como sugieren frases como “this is every little thing that I didn’t get to say to you” o “You left a letter I didn’t get a chance to respond”, añadiendo una dimensión de culpa a la historia.
‘Irish Goodbye’ es un tema construido sobre baterías de hip-hop, melancólicas notas de piano y sintetizadores que evocan trayectos nocturnos en coche de noche, en algunos puntos obteniendo texturas similares a ‘Streets of Philadelphia’ (1993) de Bruce Springsteen.
Interpretada mayormente en irlandés, lo cual no resta potencia emotiva a la canción en absoluto, para quien no entienda el idioma, la Canción Del Día de hoy incluye un emotivo verso en inglés de Kae Tempest, el esencial artista de spoken word británico, resultando un tema absolutamente precioso en conjunto.
La imaginería típicamente irlandesa -“Botanic”, “Bally Owen”, “concertina”, pubs- arraiga el tema en una cultura específica, quizá funcionando como un ancla de estabilidad dentro de una vida marcada precisamente por todo lo contrario.
Y aunque la despedida a un ser querido resulta tan universal como las expresiones de “amor eterno” presentes en la letra, la historia es más compleja de lo que parece, al abordar una vida marcada por dificultades de salud mental, con posibles alusiones a autolesiones o al suicidio. En ese contexto, Tempest asume el papel de dar voz a esos aspectos más difíciles y dolorosos de la existencia de esa persona, quizá no siempre fáciles de afrontar para el hijo.
La gira norteamericana de Kid Cudi estaba contando con M.I.A. como telonera en algunos conciertos, pero esto ya no será así. El rapero ha comunicado su decisión de despedir a M.I.A. de la gira, alegando “comentarios ofensivos” hechos por la artista británica hacia sus fans.
“Después de los últimos conciertos, he recibido una avalancha de mensajes de fans molestos por sus discursos”, ha escrito Cudi en una story de Instagram. “Esto, para mí, es muy decepcionante y no voy a tener a alguien en mi gira haciendo comentarios ofensivos que molesten a mi base de fans”.
Entre esos comentarios expresados por M.I.A. durante su concierto del sábado en Dallas, Texas, la artista introduce su tema ‘ILLYGAL’ bromeando sobre la situación legal de los asistentes: “No puedo hacer ‘Illygal’, aunque algunos de vosotros en el público puede que lo seáis”. Tras esta frase, que provocó abucheos inmediatos, la artista aclara que la mayoría de su equipo no había podido acudir al concierto por no haber obtenido sus visados a tiempo.
M.I.A. ha respondido a la decisión de Kid Cudi escribiendo en mayúsculas que es “obra de Satán”, y ha recordado que el tema de la inmigración ha formado parte de su creación artística desde el principio de su carrera: «Escribí ‘Borders, ‘ILLYGAL’ y ‘Paper Planes’ antes de que pensaras que los derechos de los inmigrantes eran algo “cool”. He tenido estas batallas yo sola, sin la ayuda de millones de fans apoyándome. No necesito esta era de activismo de postureo para que de repente se borre toda una vida que he vivido. Jesús fue un inmigrante y un rebelde».
En otro mensaje publicado en X, M.I.A. recuerda que, como ciudadana británica, ella no puede votar en Estados Unidos, aunque durante el concierto de Kid Cudi se describa como «republicana».
M.I.A. sugiere que la decisión de Cudi equivale a un acto de censura y predice que los “artistas han muerto” y que los “entertainers serán reemplazados por robots”.
El ciclo Música al Raso regresa a Zaragoza en 2026 con su sexta edición, consolidado ya como una de las grandes citas culturales al aire libre de la ciudad. De acceso gratuito, el evento volverá a celebrarse en dos enclaves emblemáticos: la plaza San Bruno, del 29 al 31 de mayo, y el Jardín de Invierno, del 11 al 13 de junio, con un cartel que reúne nombre consolidados y emergentes.
El programa de este año sitúa como grandes protagonistas a artistas de referencia como Ralphie Choo, Silvana Estrada, Maria Arnal y Nortec: Bostich & Fussible. Junto a ellos, destacan propuestas actuales como Shego, Camellos, Cristian de Moret o Bewis de la Rosa, conocida por su propuesta de ‘Rap rural’.
Uno de los pilares del festival sigue siendo su compromiso con la escena local. En esta edición, el talento aragonés tendrá una presencia destacada con artistas como Ixeya, L’Asia & Conscious Vibes Band, Aarón Jiménez “El Cherry” Trío y Lu Demie, reforzando la apuesta de Música al Raso por impulsar y proyectar a los artistas zaragozanos.
Viernes 29 mayo – 20:00 h (Plaza San Bruno)
Silvana Estrada
Ixeya
Sábado 30 mayo – 20:00 h (Plaza San Bruno)
Cristian de Moret
Aarón Jiménez «El Cherry» Trío
Domingo 31 mayo – 12:00 h (Plaza San Bruno)
Bewis de la Rosa
L’Asia & Conscious Vibes Band
Jueves 11 junio – 21:00 h (Jardín de Invierno)
Ralphie Choo
Lu Demie
Viernes 12 junio – 21:00 h (Jardín de Invierno)
Shego
Camellos
Sábado 13 junio – 21:30 h (Jardín de Invierno)
Maria Arnal
Nortec: Bostich + Fussible (Full Band)
Como cada primer lunes de mayo, una nueva edición de la MET Gala se ha celebrado en Nueva York, reuniendo a decenas de celebridades y estrellas de la música pop. La noticia vuelve a estar en quién ha seguido al pie de la letra el tema de este año -«La moda es arte»-, quién se lo ha llevado a su terreno, quién no ha hecho caso al tema en absoluto… y qué locura se le ha ocurrido esta vez a Heidi Klum, que ha vuelto a robar el foco transformándose en escultura, sirviendo drag más que mera moda.
Otra de las grandes protagonistas de la velada, Beyoncé, ha exhibido uno de los vestidos más comentados, portando un esqueleto hecho de diamantes, en su regreso a la gala MET tras 10 años. Además, se trataba de una de las coanfitrionas del evento, junto a Venus Williams y Nicole Kidman. Knowles ha asistido a la gala junto a su marido, Jay-Z, y, de forma insólita, también le ha acompañado su hija, Blue Ivy, de 14 años, a pesar de que la MET no permite acceso a menores de edad. A Blue Ivy, sí.
Una de las invitadas que ha interpretado la temática de forma literal es Madonna, que ha asistido «literalmente hecha un cuadro», haciendo referencia a una obra de Leonora Carrington. Siguiendo un concepto similar, su colaboradora Sabrina Carpenter ha asistido a la MET envuelta en carretes de película del largometraje de 1954 ‘Sabrina’.
Rihanna ha «brillado como los diamantes», según su marido, A$AP Rocky, haciendo una graciosa alusión a su éxito ‘Diamonds’. El rapero, icono de la moda por mérito propio, ha llevado uno de los atuendos masculinos destacados, un traje rosa pastel. En ese grupo hay que meter también a Luke Evans en plan Tom of Finland y a Sombr compitiendo con Teyana Taylor por el mejor vestido de tiras brillantes.
El look de Katy Perry, vestida de monja del futuro, ha destacado por su uso de una máscara que ocultaba su rostro, posiblemente simbolizando la identidad en tiempos de inteligencia artificial. El look envejecido de Bad Bunny también ha sido uno de los más comentados por su simbolismo: Benito podría estar lanzando una crítica al culto a la juventud dentro de las industrias de la moda y el show business.
Algunos looks han optado por la sencillez, como los de Doja Cat o, sorprendentemente, Kim Kardashian, ambas usando tonos naranjas o marrones que han sobresalido en un océano de blancos y negros; mientras han paseado atuendos muy glamurosos Sam Smith, Stevie Nicks o la entrevistadora e influencer Emma Chamberlain, que parecía directamente pintada. Entre los atuendos vanguardistas hay que hablar, como cada año, de Janelle Monáe, cubierta en cables.
Romain Gavras es algo así como el último mohicano del videoclip, el epígono de ese star system de realizadores que floreció entre los años noventa y comienzos del siglo XXI. Tras el pelotazo de ‘Atenea’ (2022), todo apuntaba a que el ex de Dua Lipa se iba a consolidar como director de cine. La película le abrió de par en par las puertas de la industria anglosajona, que impulsó su siguiente proyecto, ‘Sacrifice’, con un reparto de lujo: Chris Evans, Anya Taylor-Joy, Charli XCX, Salma Hayek… Sin embargo, la desastrosa recepción en el festival de Toronto del año pasado ha dejado, por ahora, en suspenso su distribución comercial.
En el reparto de ‘Sacrifice’ figuraba también Yung Lean. El rapero sueco es precisamente el protagonista de ‘Storm’, el segundo trabajo de Gavras para Gener8ion, el proyecto del productor francés Surkin, autor, a su vez, de la banda sonora de ‘Atenea’.
Como ya ocurría en el videoclip ‘Neo Surf’, ‘Storm’ se sitúa también en 2034. Esta vez, sin embargo, Gavras traslada la acción de Atenas a un colegio de Leeds. Aunque está situada en el futuro, lo que narra es atemporal: las tropelías del típico matón de instituto en pleno subidón de furia acosadora, afán de protagonismo y autoafirmación destructiva. Como un John Cobra internado en Hogwarts.
Con una estética que remite a la pionera ‘If….’ (1968), el director muestra su habitual fuerza y nervio visual para filmar la acción frenética. Pero lo más interesante del clip es su capacidad para quebrar las expectativas del espectador.
Por un lado, las morales. La espiral de violencia bully del vídeo parece destinada a resolverse con un final catártico, una conclusión donde se restaure el orden y se imponga la justicia poética. Que le den al abusón su merecido, vaya. Pero no: la primera parte termina en una suerte de ritual hooligan con todos los alumnos bailando como en un concierto de Dagoba.
Por otro, las expectativas narrativas. La segunda parte del clip es aún más sorprendente que la primera: un plano secuencia de tres minutos, sostenido por una alucinante coreografía a cargo de Damien Jalet, coreógrafo de ‘Suspiria’ (2018) y ‘Emilia Pérez’ (2024), destinado a figurar entre los momentos más memorables del audiovisual de 2026.
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