Inicio Blog Página 5

Zoh Amba / Eyes Full

Zoh Amba es parte inseparable de la escena juvenil del free jazz de Nueva York, desarrollando un furioso e intenso estilo con el saxofón que emana directamente de la obra de figuras como Albert Ayler o Charlie Parker. Sin embargo, en su debut con Matador Records lo que manda es el country rock alternativo y la guitarra.

‘Eyes Full’ no suena a nada salido de un conservatorio. Está claro que el segundo álbum de Amba, que poco tiene que ver con el instrumental ‘Sun’ de 2025, tiene un gran filón a nivel de marketing gracias al volantazo estilístico que representa, pero no es el trabajo de un outsider al mundo del cantautor. La influencia de Dylan es, quizás demasiado, evidente en temas como ‘Southern Soil’ o ‘Weed Eating’, si no fuera por los rabiosos golpes de distorsión que amenizan esta pista.

Aun así, la crudísima interpretación de Zoh no deja de ser arrebatadora en ningún momento, yendo, viniendo y doblándose en mitad de cada frase. Esto es una constante en cada canción y uno de los mayores atractivos del proyecto. Mas allá del parecido de timbre con Adrianne Lenker, la voz de Amba sería el verdadero sustituto de su saxofón, siendo imprevisible, melódica y cortante, todo a la vez. Si tan solo las letras estuviesen a la altura…

De Dylan, Amba coge sus fraseos y libertad vocal, pero no su brillantez lírica. La mayoría de canciones tratan sobre personajes maltratados por la vida, entre pequeños toques autobiográficos sobre su infancia en Tennessee, y disertaciones sobre religión y naturaleza. Ahí están la rockera ‘Odd Jobs’, sobre un adicto a la heroína que quiere ver «los ojos de Dios», y la joyita melódica de ‘Another Time’, también sobre un colega que necesita a Jesús en su vida. No ocurre en los primeros tracks por su posición en el álbum, pero los temas posteriores pecan de tener letras repetitivas, olvidables al final. Ni Oasis se atrevieron a incluir tantas veces la palabra «sunshine» en un mismo LP.

‘OCD’ también sigue esta línea, pero resulta exitosa fijando el tono de todo el proyecto, que sobre todo se caracteriza por su naturalidad. ¿Cuántos álbumes suenan fabricados hoy en día? ‘Eyes Full’, sin ningún tipo de grabación adicional, suena simplemente real. Estamos hablando de alguien que viene del mundo de la más pura experimentación y, al no haber truco, estos momentos acaban siendo los más impresionantes del LP: el pasaje noise en mitad de ‘Dead End Street’, la sutil psicodelia de ‘Thousand Years o todos aquellos instantes en los que la música se rinde al rock más libre, como en ‘Blueberry Thorn’ o el caótico final de ‘PG Tips’, son motivo suficiente para dar una oportunidad a este disco.

La primera parte de ‘Eyes Full’ es como uno de esos regalos que no te esperabas para nada y que son capaces de sorprenderte genuinamente. La segunda, sin embargo, no está a su nivel. A pesar de ello, contiene la canción ‘Child You’ll See’. En esta, Zoh Amba le canta a la inocencia infantil, con frases tan importantes como «eres lo que sueñas» o «puedes amar y aun así tener los ojos tristes». ¿El audio de Zoh tocando el saxofón al final del tema? La guinda del pastel.

Jungle tiran de su infalible fórmula en la irresistible ‘Sunshine’

6

El nuevo disco de Jungle ha llegado a tiempo para disfrutarlo durante lo que queda de verano. El lead single del proyecto se titula igual que este, ‘Sunshine’, y encuentra al trío británico usando su fórmula por excelencia después de los tres adelantos anteriores: ‘Carry On’, ‘The Wave’ y ‘Someday, Somewhere’.

‘Sunshine’ es un bop de funk, disco y soul en el que Lidia Kitto canta sobre un amor que «se tenía que sentir como la luz del sol», pero al cual no puede dejar de querer. Recordando a los primeros The Avalanches en el proceso, Jungle construyen un tema basado en samples de los que no se encuentran en ninguna tienda de vinilos, sino en el propio estudio.

La facilidad con la que Jungle es capaz de emular el uso de samples de los 50s y 60s a través de grabaciones originales lleva siendo evidente durante toda su carrera y en su último tema no hay ninguna excepción. Aunque parezca llena de chopeos y melodías reusadas, ‘Sunshine’ es una fuente de originalidad.

Recordamos que Jungle presentarán su nuevo disco con dos conciertos en nuestro país durante los días 26 y 28 de noviembre, en el Movistar Arena de Madrid y el Palau Sant Jordi de Barcelona, respectivamente.

Courtney Love cuenta que «casi» murió en 2019 y termina su disco

1

Courtney Love ha confirmado que su segundo disco en solitario, sucesor de ‘America’s Sweetheart’, está por fin terminado. Lo ha anunciado en un vídeo subido a su cuenta de Instagram en el que también ha revelado detalles sobre una terrible enfermedad que sufrió
en 2019.

«Muchos estáis preguntando dónde está el disco. Está terminado. Lleva estándolo durante un tiempo. Es un disco muy bueno», comienza Love. Al explicar la razón por la que su segundo álbum no ha llegado antes, ha revelado que en 2019 sufrió en una enfermedad que la mantuvo ingresada en hospitales: «Casi me muero», ha asegurado.

Love cuenta que perdió «todo mi pelo», pesaba «alrededor de 45 kilos» y que le dijeron que iba a fallecer: «No les creí», sentencia. Ahora ya sana y con el álbum grabado, Love pasó a hablar sobre la gran situación en la que se encuentra la música en directo: «La gente suena genial en directo. Las chicas son increíbles. Solo necesito entender cómo hacer esto».

Para terminar, la artista apunta que cuando hizo su próximo álbum, ella «creía que era el último, así que hice el disco que siempre había querido hacer»: «Estuve en el hospital durante la mayor parte pero cuando no lo estaba todo lo que hacía era escribir y grabar», finalizó.

Madonna y Kylie logran un top 8 en UK gracias a los CD singles

14

Madonna y Kylie Minogue debutan en el número 8 de Reino Unido con ‘Love Sensation’, el mejor estreno de la semana en el Official Singles Chart. La canción suma 19.717 unidades, de las que 10.993 son CD y 4.718 descargas.

Los CD se pusieron en preventa el 3 de agosto y fueron enviados ayer, jueves 13, justo antes del cierre de la semana de chart. Así, las casi 11.000 unidades físicas aparecen concentradas en el resultado de esta semana. Todo apunta a un importante «chart push» por parte de Warner, aprovechando los pedidos acumulados durante la preventa.

La diferencia es enorme. Sin esos 10.993 CD, ‘Love Sensation’ se queda en unas 8.724 unidades, lo que esta semana la habría dejado alrededor del número 48. Con ellos, sube hasta el 8. Los CD representan, por tanto, el 55,8% de todas las unidades de la canción esta semana.

El movimiento permite que una canción con un rendimiento digital bastante más modesto consiga un Top 10 británico y supone un salto de unas 40 posiciones respecto al escenario sin ventas físicas.

El #8 es además el mejor puesto de Madonna en UK en 17 años, desde el #3 de ‘Celebration’ en 2009, y su 65º Top 10 británico. Solo Elvis Presley (76) y Cliff Richard (68) tienen más.

KATSEYE siguen jugando al despiste con ‘Hootie Frutti’

14

Hay que concederles a KATSEYE el mérito de creer firmemente en su propuesta a pesar de lo que dicen las críticas. No se las puede culpar cuando sus singles funcionan tan bien en las listas de éxitos. El problema es que nadie sabe dilucidar si su música es una troleada épica, producto del brainrot de nuestra época, buena de verdad o simplemente mala y prescindible.

Puede que su nueva música no disipe dudas. Su nuevo single, ‘Hootie Frutti’, vuelve a ser un reguero de frases con gancho pensadas para TikTok, siendo la repetición del título ad nauseam el principal hook, mientras la base instrumental recrea la contundencia EDM de épocas pasadas. La verdad es que puede ser su tema más orientado a los clubs, aunque carece de la vanguardia de ‘Gnarly‘ o del buen gusto de ‘Gameboy‘.

Antes se lanzó ‘Animal’, que se ha convertido en un éxito y continúa fuerte en el top 20 global de Spotify. El estilo es radicalmente distinto, ya que recurre a un sonido de pop retro mucho más amable, simpático y rosa, además de a la participación de Ed Sheeran, uno de los autores. Es mediana: como una versión inferior de ‘APT’ de Bruno Mars y Rosé. Ambos temas, junto al indescriptible ‘PINKY UP‘, forman parte del EP ‘WILD’, que sale hoy.

Mientras, en la última semana se ha anunciado la marcha de la integrante Sophia Laforteza por motivos de salud mental, meses después de que Manon fuera la primera en irse. Han pasado de ser seis a cuatro, aunque de momento son cinco las que aparecen en la portada del EP y en los videoclips.

RFTW: Phoebe Bridgers, Jungle, Tinashe, Sr Chinarro…

3
Frank Ockenfels

En el ecuador de agosto, la música no se va de vacaciones. Al contrario, propone algunos de sus lanzamientos más importantes del año, como los de Phoebe Bridgers y Jungle. Ojo porque también sale el disco en solitario de Benny Blanco, con colaboraciones de Selena Gomez, The Marías o Mora; y recibimos nuevos lanzamientos de Sr. Chinarro, Becky G, L’Rain, Ayra Starr, Dent May, Carly Simon o Laura Veirs.

Entre los estrenos de single destaca el lead del nuevo álbum de Troye Sivan, elegida Canción del Día para hoy; los nuevos pepinazos de Tinashe, Joe Goddard, KATSEYE, Babymorocco o La Roux, y temas muy sorprendentes de Icona Pop o Gus Dapperton.

El eclipse ha estado marcado por el estreno de Martin, y entre los regresos esperados del año hay que subrayar el dúo de Erykah Badu y The Alchemist, que por fin lanzará su disco. Fujii Kaze & Miyagi, favoritos históricos del site, también vuelven, y también tenemos nuevo single de la artista virtual Hatsune Miku junto a Grimes.

Además, tenemos nuevas propuestas de Orville Peck, Bella Poarch, Jorja Smith, The Tallest Man on Earth, Slow Pulp, Los Estanques, Haruomi Hosono, Paris Paloma, Shabazz Palaces, Kasabian, Sophia Stel, Royal Blood, Django Django, Caroline Rose…

Acabamos, como siempre, mencionando varias curiosidades: nuevos himnos extradiscográficos de Ruslana o Xoel López y un cover de Robyn por parte de Yung Lean. No ha elegido la canción obvia, sino una menos esperada: ‘Robotboy’.

En ‘She’s the Best’, Troye Sivan arriesga y gana

4

Troye Sivan ha estado estos días teaseando su regreso, que finalmente se producirá en forma de un disco llamado ‘She’s the Best’, que podrá escucharse a partir del 2 de octubre. El tema titular sirve de primer adelanto y es uno de los lanzamientos más peculiares de su carrera.

‘She’s the Best’ no es un banger inmediato como ‘Rush’. En su lugar, propone una experiencia musical. Sivan ofrece un trip-hop susurrado, o acaso un britpop noventero, solo salpicado por la melodía que aparece al declamar el título, y que recurre más a la narrativa y a la producción que a buscar un hit fácil.

Tampoco es verdad que solo haya melodía en el supuesto estribillo de la canción, ya que la producción está llena de detalles melódicos e instrumentales. Es un tema repleto de capas que acaba desembocando en un final eufórico. Pero hay que decir que la voz susurrada de Troye Sivan en las estrofas está tan mezclada con la producción que hay que esforzarse para entender lo que dice. Es una decisión deliberada que favorece la inmersión.

‘She’s the Best’ es una oda a sus amigas y describe a una party girl que va por ahí con manchas de semen en el vestido, no ha dormido y se pelea con incels en internet para desahogarse, y para Troye es sencillamente «la mejor». El videoclip está lleno de personajes, sobre todo de drag queens, aunque destaca el cameo de Nicole Kidman, que interpreta al sujeto al que va dedicada la canción.

¿Qué te parece 'She's the Best' de Troye Sivan?

Ver resultados

Cargando ... Cargando ...

Overmono / Pure Devotion

Overmono se cuentan entre los nombres más interesantes de la nueva electrónica británica. Sin reinventar precisamente la rueda, los hermanos Tom y Ed Russell han construido en pocos años una buena colección de bangers de house, UK garage y techno, cuidando mucho tanto el sonido como el concepto de sus discos. En ‘Pure Devotion, su segundo álbum, amplían esa fórmula sin dejar de sonar frescos.

El disco nace de su espectacular directo, transformado aquí en un álbum que alterna diversión, ritmo y mucho trabajo de producción. ‘Pure Devotion’ queda enmarcado por dos bangers de techno-house, ‘Lockup’ y ‘After the Rain’. El primero, con su sample de Mr. Oizo, ha dividido a sus fans, pero, aunque no sea ‘So U Kno’, sigue siendo otro single de Overmono muy divertido.

Los desarrollos instrumentales vuelven a estar especialmente cuidados en cortes como ‘Even Angels Ghost’, que combina las voces de Kindora con sintes trance melódicos, preciosos, y texturas granulares. Tanto los homenajes al UK garage de ‘Slowmotion’ y ‘Gem Lingo’ como los temas que apuntan más directamente a la pista de baile, como el festivo ‘Laxbrook’, están bien medidos en tensión y llenos de pequeños detalles de producción.

El problema es que algunas decisiones musicales siguen siendo demasiado deudoras del pasado. Ahí está ‘Knight in Shining Prada’, que combina el spoken word de John Joseph Holt -que, la verdad, termina rallando un poco- con unos sintes que parecen sacados del manual de Daft Punk. ‘Lockup’ y ‘Ballad’ recuerdan especialmente que Tom y Ed Russell comparten nombre con los integrantes de los Chemical Brothers: el parecido es demasiado evidente. También hay un tratamiento de las voces muy Burial en ‘Barum’, uno de los cortes más downtempo del disco.

Por otro lado, aunque Overmono siguen funcionando como productores de electrónica, no brillan tanto como autores de crossover hits. Al menos, esta vez. Las canciones de ‘Pure Devotion’ están muy bien construidas para una pista de baile, pero cuesta imaginar muchas de ellas funcionando igual de bien fuera de ese contexto. Incluso cuando buscan melodías más accesibles, Overmono siguen demasiado cómodos dentro de los códigos de la electrónica de club.

Su principal virtud sigue estando en ese equilibrio entre diversión y mimo. Las producciones son cristalinas y están llenas de recursos, pero no por eso resultan confusas. Cada elemento ocupa su sitio y se puede escuchar con bastante nitidez. ‘Mialon’, con su denso acercamiento al trip-hop, funciona especialmente bien: es una pequeña caja de Pandora de texturas que se va abriendo poco a poco.

‘Pure Devotion’ no inventa un nuevo lenguaje para la electrónica, pero sí reúne una buena colección de canciones dentro del suyo. Overmono manejan con soltura influencias que van del UK garage al Burial, de Daft Punk a The Chemical Brothers, y saben convertirlas en producciones contundentes y detallistas. La pega es que siguen sonando más convincentes dentro de su género que cuando intentan escapar de él. Los dóberman de la electrónica no consiguen soltarse del todo de la correa.

Muere Víctor Coyote, icono inclasificable de la Movida

3

Víctor Aparicio, conocido artísticamente como Víctor Coyote, ha muerto, según ha comunicado El Volcán Música, sello con el que trabajó durante sus últimos años. «La vida nos ha dado uno de esos reveses que te dejan en shock», escribe la compañía en un comunicado en el que define al músico como «libre, inquieto, inclasificable y profundamente singular».

Víctor Coyote comenzó su carrera a finales de los 70 y principios de los 80, en plena eclosión de las escenas de la Movida viguesa y madrileña. Formó parte de Los Coyotes, grupo que fue pionero en llevar al terreno del rock y el punk los ritmos y sonidos latinoamericanos y regionales, una mezcla poco habitual en la música española de aquella época. A partir de 1988, la formación pasó a llamarse Los Coyotes de Víctor Abundancia y publicó éxitos como ‘Esta noche me voy a bailar’.

Después desarrolló una carrera en solitario bajo los nombres de Víctor Coyote y Víctor Abundancia, siempre alejado de las etiquetas y explorando también otros terrenos artísticos. Además de la música, trabajó como dibujante, diseñador, pintor y actor, y colaboró con proyectos como Xabarín Club. Su canción ‘Jaguarundi’, además, fue utilizada por TVE como sintonía de la Vuelta Ciclista a España de 1995.

El Volcán destaca precisamente su carácter inquieto y su constante necesidad de crear: «No dejaba de curiosear, de crear, de hacer realidad sus proyectos; siempre se cuestionaba todo y nos cuestionaba a todos». «Nos queda su música, sus dibujos, sus historias, su humor, su curiosidad y su xenio», concluye el sello. En 2020 pudimos conocer de cerca su carácter afilado y sentido del humor en una entrevista que concedió a este medio.

Selena Gomez, demandada por fraude a inversores

2

Selena Gomez y su madre, Mandy Teefey, han sido demandadas por dos empresas que pusieron más de un millón de dólares en Wondermind, la compañía de salud mental que ambas fundaron junto a Daniella Pierson. Según la demanda, la información que recibieron sobre la empresa, su estructura y sus posibilidades de convertirse en un negocio rentable no se correspondía con la realidad.

Según cuenta TMZ, los inversores consideran que Selena daba una imagen de estar muy implicada en Wondermind, aunque después de recibir el dinero apenas habría hecho nada en la compañía. También señalan a Daniella Pierson por supuestamente exagerar sus éxitos empresariales y las expectativas de rentabilidad.

La demanda dice que durante tres años Wondermind fue acumulando problemas sin que nadie avisara a los inversores. Ellos no conocen la magnitud de la situación hasta que The Cut publica en septiembre de 2025 un artículo en el que habla de una empresa en «total desorden».

El artículo también recoge acusaciones sobre un supuesto problema de abuso de sustancias de Mandy Teefey y sobre su gestión de la compañía. Ella niega estas acusaciones y asegura que proceden de antiguos empleados descontentos. Ahora, los inversores llevan el caso a los tribunales por supuesto fraude de valores y reclaman recuperar el dinero invertido, además de otros daños.

Spotify y la plaga de los hits viejos: ¿qué está pasando con la música nueva?

7

No puedo ser el único que lleva tiempo flipando al entrar en las listas globales de Spotify y encontrarse con un montón de canciones viejísimas conviviendo con otras nuevas. ‘Beauty and the Beat’, ‘The One That Got Away’, ‘Creep’, ‘Lush Life’, ‘Iris’, la horrenda ‘Treat You Better’… Muchas canciones con más de una década a sus espaldas están siendo escuchadas a diario con una intensidad comparable a la de éxitos actuales de Sabrina Carpenter, BTS, Bruno Mars u Olivia Rodrigo. Ahora mismo, más de una veintena de canciones del Top 50 Global de Spotify son éxitos de hace años. No digo que esto nunca haya sido así. Digo que ahora resulta mucho más acusado.

Hace tiempo que un hit ya no tiene por qué ser una canción nueva. Me refiero, por supuesto, a las listas globales de Spotify, que son un termómetro especialmente útil para observar qué está escuchando la gente a diario, aunque no sean una fotografía completa del consumo musical mundial. No es un dato baladí: el streaming ya genera casi el 70% de los ingresos mundiales de la música grabada.

Hoy una canción de Justin Bieber de 2012 puede volver al número 1 de Spotify en 2026 y a nadie le sorprende. Normalmente hay un detonante: una actuación, un viral, una serie, TikTok o cualquier otro pequeño milagro capaz de devolver una canción al presente. Pero muchas veces no se trata de un simple pico de popularidad. Canciones antiguas resucitan y consiguen mantenerse durante meses, a veces con una presencia que parece incluso más grande que la que tuvieron en su momento.

El streaming y nuestros nuevos hábitos de escucha han cambiado nuestra relación con la música. Las canciones que escuchamos ya no tienen que ser nuevas. Antes, las novedades pasaban fundamentalmente por la radio; después, también por el CD y por la compra de discos. La radio imponía un presente porque había que decidir qué sonaba y qué dejaba de sonar. El streaming, al contrario, pone prácticamente todo el archivo a nuestra disposición simultáneamente. ‘Creep’, de 1992, y una canción publicada en 2026 están, literalmente, a un clic de distancia.

Los datos de Luminate llevan tiempo apuntando en esta dirección: en Estados Unidos, más del 75% de los streams de audio de 2025 correspondieron a música de catálogo, es decir, canciones con más de 18 meses de antigüedad. No es que hayamos dejado de escuchar música nueva, sino que ahora las novedades compiten por nuestra atención con un montón de éxitos viejos que no paran de resucitar.


Spotify, lógicamente, sí tiene playlists especializadas por décadas, géneros o épocas. Pero esas listas son espacios curados y no reflejan necesariamente lo que se está escuchando a diario. Las listas globales, en cambio, ponen en el mismo espacio las canciones que la gente está escuchando ahora mismo. ‘Iris’ puede competir con el último single de una estrella emergente; ‘Every Breath You Take’, con un lanzamiento de esta semana de Charli XCX. Y ambas cosas cuentan como una escucha exactamente igual.

Visto así, el panorama es bastante desolador para la música nueva. Las canciones nuevas triunfan, sí, pero lo hacen en un terreno cada vez más abarrotado de éxitos viejos. Podemos encontrarnos con temazos recientes de Carly Rae Jepsen, Jungle o Dagny que no reciben la atención que merecen mientras miles de personas siguen escuchando ‘One Dance’ como si fuera el primer día. Por supuesto, ‘Birds of a Feather’ era una canción nueva hace dos años y ‘Choosin’ Texas’ tiene apenas unos meses. El problema no es que las canciones nuevas no puedan triunfar, sino que parece que necesitan cada vez más tiempo para instalarse en el imaginario colectivo.

Todo esto lleva a pensar en qué viene después del streaming, o si el streaming será la forma última de consumo musical. Puede que no haya un “después”. El verdadero cambio que ha traído esta tecnología no es el próximo formato, sino el final de la necesidad de separar la música entre nueva y vieja. Si todo está disponible al mismo tiempo, una canción de 1992 puede volver a ser un hit en 2026. Y cuando eso ocurre, ya no estamos escuchando el pasado, sino el presente.

Björk se supera y aparece vestida de globos para el eclipse

2

El eclipse total de sol del 12 de agosto tuvo su correspondiente rave en Islandia. Echolalia, organizada por Björk y Smekkleysa, reunió a unas 7.000 personas en las afueras de Reikiavik con Arca, entre otros nombres, y terminó con un DJ set de la propia Björk.

Según cuenta elDiario.es, que estuvo presente en el evento, Arca ejerció de previa con una sesión que pasó por ritmos afrovenezolanos y electrónica de club. Después llegó Björk, que pinchó a Kelela, Arca, música gnawa y otros sonidos africanos, además de ‘Jaque’ de Marina Herlop. Y cerró, por supuesto, con ‘Berghain’, su colaboración con Rosalía.

Pero la verdadera noticia es que Björk ha vuelto a superar su propio historial de looks imposibles. Para su aparición, la islandesa llevó un diseño de Robert Wun que la convertía literalmente en una gigantesca criatura de globos blancos, superando incluso aquel famoso atuendo de la portada de ‘Volta’ y muchos de sus looks de directo recientes. ¿Recordáis cuando pinchó en el Sónar vestida de momia? Esto es otro nivel. elDiario.es describe su entrada al escenario al ritmo de Así habló Zaratustra, con las enormes formas alrededor de su cuerpo.

@huxley Bjork at the echolalia solar eclipse rave #fyp #bjork #huxley ♬ original sound – Huxley

@oldhamkorine2.0 Björk Echolalia DJ Set Today 🌘🌗🌌🌠☀️ 🤩😍🥰💖💕✨👩🏻🇮🇸❄️🤍🦢 footage from Sean McGirr from Instagram #djset #fyp #echolalia #björk #iceland ♬ original sound – Oldhamkorine 2.0

@oldhamkorine2.0 Björk Echolalia DJ Set Today 🌘🌗🌌🌠☀️ 🤩😍🥰💖💕✨👩🏻🇮🇸❄️🤍🦢 footage from Alexander Skunk from Instagram #djset #fyp #echolalia #björk #iceland ♬ original sound – Oldhamkorine 2.0

@nssmagazine Yesterday afternoon Björk celebrated the full eclipse with the Echolalia Eclipse Festival at Víðistaðatún Park in her hometown of Reykjavík #bjork #echolalia #reykjavík #berghain #djset ♬ audio originale – nss magazine

@oldhamkorine2.0 Björk Echolalia DJ Set Today 🌘🌗🌌🌠☀️ 🤩😍🥰💖💕✨👩🏻🇮🇸❄️🤍🦢 footage from AlexanderSkunk from Instagram #djset #fyp #echolalia #björk #iceland ♬ original sound – Oldhamkorine 2.0

Royal Blood siguen su fórmula al dedillo en ‘Ten Over Ten’

1

Vuelven Royal Blood. El dúo británico formado por Mike Kerr y Ben Thatcher ha anunciado su quinto LP, ‘Dead Company’, que llegará el 13 de noviembre a través de Warner Records, y ya ha estrenado su primer single, ‘Ten Over Ten’.

El tema es un stomper de hard rock y blues rock, con algo de desert rock y hasta cierto aroma metalero. Los riffs suenan especialmente potentes y afilados, mientras la batería empuja una canción cargadísima de energía que parece pensada para funcionar todavía mejor en directo. Es un buen tema de género y una demostración de que Royal Blood siguen sabiendo hacer mucho ruido siendo solamente dos personas.

Eso sí, no parece que ‘Ten Over Ten’ vaya a ganarles demasiados fans nuevos. Más bien se limita a ofrecer otra dosis de la fórmula que el dúo lleva años practicando, definida por riffs pesados y contundencia al cuadrado, sin demasiadas sorpresas ni una melodía que lo haga destacar especialmente dentro de su catálogo. Para quienes ya estaban dentro, en cualquier caso, es un regreso bastante convincente.

‘Dead Company’ será el primer disco de Royal Blood desde ‘Back To The Water Below’, publicado en 2023. Según el dúo, entraron al estudio en 2025 sin fecha límite ni distracciones, con la idea de explorar «lo que era posible con dos personas, 12 notas y resultados infinitos».

Dagny dice «c’est la vie» y convierte el desamor en una fiesta disco

5

Dagny, la cantante noruega conocida por sus himnos de pop electrónico de enorme pegada, ha publicado este año un gran disco de pop. ‘Dancefloor Erotica’ es el Disco de la Semana y demuestra que puede jugar con el lenguaje de las divas pop sin caer en el pandering más obvio a sus fans.

Entre sus construcciones más frescas e inteligentes está ‘C’est la vie’, nuestra canción del día. Es un híbrido deliciosamente improbable de ABBA, Boney M. y future disco a la manera de Kylie, Pet Shop Boys o Alison Goldfrapp, con una producción bailable que parece sencilla pero está llena de pequeñas decisiones melódicas.

La letra habla de una ruptura desde una posición de independencia absoluta. Dagny reconoce que ha tenido corazones rotos, pero no está dispuesta a quedarse atrapada en ellos: «No, there won’t be no tears while I dance off the rest of you». No va a llorar: va a bailar para quitárselo de encima. «You thought I was yours / But really, I’m mine» resume perfectamente la filosofía de la canción. C’est la vie: se acabó y a otra cosa.

En lugar de limitarse a fabricar otro himno de diva pop reconocible al instante, Dagny juega con las fórmulas y las lleva a terrenos más inesperados. ‘C’est la vie’ suena familiar desde el primer segundo, pero tiene suficientes giros melódicos y arreglos juguetones como para pedir otra escucha.

Israel ya no podrá organizar Eurovisión si gana el festival

1

Eurovisión ha introducido un importante cambio en su reglamento de cara a 2027: el país ganador no podrá organizar el festival si un conflicto armado, una situación geopolítica delicada u otras circunstancias afectan a la seguridad o estabilidad de su territorio o región. La UER podrá encargar una evaluación de seguridad independiente y, si considera que no es viable celebrar allí el certamen, designará una sede alternativa.

La medida afecta especialmente a Israel, que en los últimos años ha rozado la victoria y que, en caso de ganar, ya no tendría garantizado organizar el festival. También podría afectar a Ucrania y, eventualmente, a Rusia si regresara al concurso. El nuevo reglamento contempla que el organismo de radiodifusión de la sede alternativa asuma por completo la organización, a diferencia de Liverpool 2023, que acogió Eurovisión en representación de Ucrania.

El cambio llega después del boicot de varios países a la participación de Israel, entre ellos España, y de la pérdida de más de 35 millones de espectadores en la edición de 2026. La UER también ha advertido en varias ocasiones a la televisión pública israelí por sus campañas para conseguir votos. RTVE todavía no se ha pronunciado sobre las nuevas medidas, mientras Islandia estudia regresar al festival en 2027.

Además, Eurovisión ha modificado otras dos normas: se permitirá utilizar pistas de acompañamiento y elementos pregrabados, pero la voz principal deberá interpretar en directo la melodía principal; y la edad mínima de los participantes sube de 16 a 18 años. La próxima edición se celebrará en Burgas del 11 al 15 de mayo de 2027.

Brian May, en España para ver el eclipse total y dando consejos para disfrutarlo

11

Brian May, guitarrista de Queen y astrofísico con un doctorado en 2007, se encuentra en España, «no lejos de Valencia», para intentar disfrutar esta tarde del eclipse solar total. May ha ido compartiendo estos días en Instagram recomendaciones para observar el fenómeno con seguridad.

La principal es no mirar directamente al Sol y no utilizar jamás telescopios o prismáticos apuntando hacia él. May recomienda recurrir a la técnica del agujero estenopeico, haciendo un pequeño agujero en un cartón y proyectando la imagen del Sol sobre una superficie blanca. También ha mostrado cómo proyectar el eclipse sobre un plato.

May espera poder contemplar la totalidad, aunque teme que las nubes puedan estropear el espectáculo. El eclipse será visible en buena parte de Europa y, en España, la totalidad podrá observarse desde distintas zonas del país esta tarde.

FLO / Therapy at the Club

Conocimos a FLO por el irresistible sonido R&B británico de ‘Cardboard Box’, y después otros singles como ‘Summertime’ acabaron de enamorarnos. Había algo en la perfección melódica de aquellos temas que me recordaba a Sugababes, pero el debut de FLO insistía en recuperar el legado de artistas como Aaliyah; muy bien hecho, sí, pero demasiado revivalista.

Tras la nominación al Grammy de aquel álbum, FLO decide en su segundo trabajo seguir la vía de la imitación, aunque adoptando un sonido menos futurista y más clásico. El disco no disparará su popularidad, aunque al menos mantendrá el interés de los fans del género.

Publicado tras un retraso en su lanzamiento por una operación en las cuerdas vocales de Jorja Douglas, ‘Therapy at the Club’ mantiene la combinación de R&B-pop dosmilero, armonías vocales y letras de empoderamiento femenino, porque FLO dicen que «han madurado» y eso se refleja en la música.

La madurez de FLO llega con un repertorio que vuelve a ser referencial sin ir mucho más allá. En la parte más R&B destaca no tanto la estándar ‘Small Doses’ o la muy Toni Braxton ‘Miss U Missing Me’ como el estupendo homenaje a Timbaland de ‘Leak It’, menos convincente en ‘Sex in Peace’, mientras la mezcla de cuerdas y ritmo «Bootylicious» de ‘Touché’ conforma probablemente la mejor canción del proyecto.

Con historias que advierten de los peligros del amor (‘Cry Ugly’) o de romper el corazón a su amiga, como en ‘Don’t Break Her Heart’, también melódicamente una de las canciones más inmediatas del álbum, ‘Therapy at the Club’ ofrece un conjunto de canciones que siguen al dedillo la fórmula R&B, pero sin conseguir que ninguna parezca de inicio ese hit que necesita el grupo para explotar comercialmente.

La variedad la aportan la guitarra acústica de ‘Sober’, el ritmo funk de ‘Remedied’ o el estilo 80s de la final ‘Haterbooth’, que funciona mejor como homenaje al pop-rock de esa época que ‘Pose’, sampleando el ‘Pump Up the Jam’ de Technotronic. ‘Side Effects’ abre el álbum recordando que la Mariah Carey de los 2000 también ha sido muy influyente. En ella podrían mirarse FLO si quisieran innovar más de lo que hacen aquí.

Ariana Grande, Fat Dog, Orville Peck… en el top 10 de JNSP

3


‘Danceteria’ de Madonna se sigue imponiendo como número 1 semanal de JNSP, aunque cada vez con menos porcentaje del voto: de en torno a un 90% pasamos a un 57%. ‘Camera’ de Charli XCX vuelve a quedar en 2º lugar con el 25%. La entrada más fuerte es la de Ariana Grande con ‘petal’, aunque solo consigue reunir el 9% del voto. Otras entradas en el top 10 son las de Fat Dog y Orville Peck. Beck, Nia Archives y Tyla llegan al top 20. Claudia Arenas está en el 24 y en los últimos puestos hallamos a 54 Ultra, BEGOÑA y Yard Act.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 5 Danceteria Madonna
2 2 2 2 Camera Charli xcx
3 8 3 2 Lonely in the Future The Strokes
4 4 1 petal Ariana Grande
5 6 2 6 Wink Wink Charli XCX
6 4 4 2 Nova Eartheater
7 3 2 4 Voyager PJ Harvey
8 8 1 Shit Love Fat Dog
9 9 1 Too Little, Too Late Orville Peck
10 17 3 4 if you wanna party, come over to my house Fcukers
11 11 1 In the Night Beck
12 12 1 Vertical Nia Archives
13 37 9 3 My Body Isn't Ready sombr
14 18 12 4 idea 1 Kelela
15 12 12 2 Oh Mother Sam Smith
16 16 1 IS IT LOVE Tyla
17 16 2 5 BESITO Judeline
18 10 1 14 Bring Your Love Madonna, Sabrina Carpenter
19 7 7 2 Special Place Chico Blanco, Regularfantasy
20 9 1 16 I Feel So Free Madonna
21 5 5 2 Ain't in LA ADÉLA
22 11 11 2 PALOMITA OJOS AZULES Ganges
23 32 23 2 Hoy por ti Lido Pimienta, Nelly Furtado
24 24 1 como un imán Claudia Arenas
25 15 2 6 On Wires Carly Rae Jepsen
26 14 3 6 Watch It Burn Katy Perry
27 21 4 7 Club to Your Arms Rose Gray
28 19 13 4 Nightshift Superstar Muse
29 33 29 4 Someday, Somewhere Jungle
30 38 15 5 espiral Ela Minus, Nick León
31 25 1 40 Berghain Rosalía, Björk, Yves Tumor
32 30 2 10 hate that i made you love me Ariana Grande
33 34 1 25 Reliquia Rosalía
34 13 13 3 I'd Be Lyin' Kelly Clarkson
35 22 1 8 stupid song Olivia Rodrigo
36 29 3 5 Lost Boys Phoebe Bridgers
37 24 24 2 Switchblade beabadoobee
38 38 1 Tell Me 54 Ultra
39 39 1 g3lato y f3sta BEGOÑA
40 40 1 New Beginnings Yard Act
Candidato Canción Artista
run Amelie Lens, Angèle
Billy Came Back This Is Lorelei
Don’t Leave Me on the Dance Floor Carly Rae Jepsen
Twiggy Remi Wolf
brand new chanel$ Slayyyter
Blood Spilled Blonde Redhead
Súper futuro Viva Belgrado
Fxck Arca
Sweet n’Sour Fana Hues
Another Time Zoh Amba

Vota por todas las canciones que te gusten

Ver resultados

Cargando ... Cargando ...

Amaia no necesita sonar internacional, pero ¿puede serlo?

0

El cuarto álbum de Amaia Romero será especialmente importante, ya que será su primer lanzamiento tras fichar por Sony Music. Con Universal publicó sus tres primeros discos, a raíz de su vínculo con ‘Operación Triunfo’, y ahora comienza una nueva etapa en una compañía que, como Universal, cuenta con experiencia trabajando con artistas españoles que han conseguido trascender nuestras fronteras.

El fichaje de Amaia por Sony Music está generando conversación alrededor de una posibilidad: que se intente internacionalizarla. No está confirmado que ese sea el objetivo, pero tampoco sería descabellado pensarlo. Después de su paso por Tiny Desk, Amaia ha recibido más atención internacional que nunca. También se ha rumoreado que habría fichado por la exmánager de Rosalía, Rebeca León, aunque esto tampoco está confirmado.

En cualquier caso, no hace falta irse hasta Rosalía para comprobar que el pop español vive un momento especialmente interesante. Hace tiempo que propuestas como las de Rusowsky, Guitarricadelafuente, Judeline, Ralphie Choo o la propia Amaia parecen estar innovando más que buena parte del pop anglo, atrapado en demasiadas ocasiones en el revival continuo. Un dato curioso: Bb trickz no es la primera artista española que trabaja codo con codo con Benny Blanco; ya lo hizo hace tiempo Ralphie Choo, aunque todavía desconocemos el resultado de aquella colaboración.

El momento creativo es tan bueno que artistas como Ravyn Lenae han trabajado con Rusowsky o Judeline aparece en el nuevo disco de Karol G como artista invitada y compositora. Y lo interesante es que ninguno de ellos ha tenido que asimilarse al pop internacional para despertar interés fuera. No han tenido que renunciar a su singularidad ni, mucho menos, dejar de arriesgar. Precisamente esas características parecen estar despertando curiosidad.


Rosalía y C. Tangana ya demostraron que era posible internacionalizar el pop español sin esconder su procedencia. Pero ambos tenían códigos relativamente fáciles de identificar fuera: el flamenco, la copla, la música latina, el imaginario español… Rosalía, además, pasó por el reguetón y por códigos urbanos que ya tenían un lenguaje global. Amaia difícilmente va a hacer eso. Y tampoco tendría mucho sentido.

La internacionalización de Amaia por supuesto no tiene que pasar por Estados Unidos o por cantar en inglés. Latinoamérica podría ser una vía mucho más natural, empezando por un mercado que comparte idioma y donde artistas como Julieta Venegas o Natalia Lafourcade han construido carreras enormes. Los Latin Grammys y todo ese circuito podrían ser un buen camino para Amaia sin necesidad de convertirla en otra artista.

Porque Amaia es una artista muy española, pero no en un sentido tradicional o folclórico. Está muy ligada al indie y a una escena en la que caben nombres como Amore o Rebe -que acaba de ser entrevistad en NPR-, y sobre todo tiene una personalidad marcada por una naturalidad que resulta difícil de fabricar. La hemos vuelto a ver recientemente en directo, protagonizando otro de esos momentos entre entrañables y hilarantes que solo parecen posibles con Amaia.

La naturalidad de Amaia puede ser una de las cosas que más la hacen española y, al mismo tiempo, una de las más difíciles de traducir fuera. Rosalía podía llevar el flamenco al mundo, pero Amaia tendría que llevar algo bastante menos concreto, su manera de ser, de cantar, de escribir y hasta de equivocarse.

Por eso es tan interesante pensar en una posible internacionalización de Amaia. A nadie se le ocurre pensar que necesite volverse más urbana, más latina o más «global» para conseguirlo. Si funciona, tendrá que ser precisamente por todo lo contrario, porque fuera también interese esa Amaia algo naíf, extraña, natural y profundamente singular que ya conocemos aquí.

Quizá sea más difícil de vender que el flamenco de Rosalía o el imaginario de C. Tangana, pero también sería una prueba mucho más interesante de hasta dónde puede llegar ahora mismo el pop español. La cuestión no es tanto si Sony puede hacer internacional a Amaia, sino si puede conseguir que fuera de España quieran conocerla sin que Amaia deje de ser Amaia.

Otoboke Beaver pide perdón por lanzar una guitarra al público y herir a un fan

5

Estamos bastante acostumbrados últimamente a que alguien del público lance algo al escenario y termine golpeando a un artista. El móvil que impactó en la cara de Bebe Rexha es probablemente el ejemplo más famoso, pero ha habido botellas, pulseras y todo tipo de objetos volando hacia los escenarios. Lo que no es tan habitual es que ocurra exactamente al revés.

Eso es lo que sucedió durante un concierto de Otoboke Beaver en el Umeda Club Quattro de Osaka el pasado abril. Yoyoyoshie, guitarrista de la caótica banda japonesa de punk, lanzó su guitarra hacia el público, una acción que, según parece, ya había realizado anteriormente sin que nadie resultara herido. Esta vez, sin embargo, el instrumento impactó contra un espectador.

La persona tuvo que ser trasladada inmediatamente al hospital y sufrió varias lesiones, entre ellas una laceración y un esguince. La herida en la parte frontal de la frente necesitó siete puntos de sutura. No somos muy conscientes de lo que tiene que doler que te estampen una guitarra en la cabeza, pero solo de pensarlo ya duele.

Otoboke Beaver ha pedido ahora disculpas públicamente por lo ocurrido, varios meses después del concierto. La banda reconoce que tanto ella como el equipo encargado del evento no actuaron con suficiente rapidez después del accidente y que la respuesta y la disculpa directa se retrasaron.

En su comunicado, el grupo asegura que se toma el incidente «muy en serio» y asume la responsabilidad tanto por el accidente como por la gestión posterior. También promete extremar las precauciones para que algo así no vuelva a suceder en sus próximos conciertos.

Martin se marca un «ménage à trois» por el eclipse

0

El verano en que nos ha dejado la intérprete de ‘Total Eclipse of the Heart’ se produce un eclipse total, hoy, que en España podrá verse sobre las 20:30, de forma total o parcial dependiendo de tu ubicación. La coincidencia es demasiado perfecta como para no aprovecharla, y Martin Urrutia lo hace con ‘Cuando el sol bese a la luna’, una canción que utiliza el fenómeno para imaginar una historia de amor y deseo tan intensa como fugaz.

Escrita por el propio Martin junto a Adrià Arbona (Papa Topo) y Marco Frías (El Buen Hijo), la canción comienza con guitarra acústica y una cálida interpretación vocal que se vuelve especialmente sentida en el estribillo. «Calita blanca, llorarán las mantarrayas», canta antes de que aparezcan los sintes y versos como «te abrasará la mirada» o «te quedarás tiritando, al ver mi corona plateada». Después entran suaves percusiones electrónicas y orgánicas.

El momento más bonito llega con ese «mírame, pero mírame, no me dejes de mirar», en el que Martin convierte al sol en amante y el eclipse en una especie de encuentro romántico. «Sube a jugar al valle lunar», «cuando vengas a la luna, despertarán las estrellas» y «bailaremos pegados, alrededor de la hoguera» completan un imaginario de esta canción entre naíf y misteriosa. La canción tiene algo de cuento, pero también de fantasía amorosa y sexual.

David Bisbal cuenta cómo vivió el terremoto desde Colombia

15

En la mañana de este lunes 10 de agosto, un terremoto de magnitud 7,4 hizo temblar el oeste del país dejando tras de sí al menos 224 muertos y cientos de heridos a la hora de redactar esta noticia. David Bisbal se encontraba en Bogotá para grabar la primera edición de Operación Triunfo USA y ha contado en sus redes cómo vivió el seísmo.

Antes de dar sus declaraciones de forma sosegada, el cantante grabó un vídeo desde su habitación de hotel en el que se aprecia como la lámpara se mueve de lado a lado mientras este reacciona en directo: «Un terremoto, espero que no pase nada, Dios mío. Puta madre, por favor, virgencita…», se le entiende.

Al día siguiente, este contó que su primera reacción al despertarse con el temblor fue, naturalmente, «un poco de pánico»: «Después de un minuto aproximadamente pues todo acabó, empezaron a sonar un montón de alarmas por protocolo de otros edificios que estaban colindantes al mío», cuenta.

El terremoto no ha afectado de forma grave a la capital del país, en la que se encontraba Bisbal, pero sí ha hecho estragos en provincias del interior de Colombia: «Desde aquí quiero mandar un saludo y un beso enorme a las personas afectadas», concluyó el cantante. Por otro lado, el Gobierno ha confirmado que hay 164 españoles en el país que se encuentran «en paradero desconocido».

This Is Lorelei, más cerca del estrellato indie con ‘Oh No Now My’

4

This Is Lorelei lleva siendo uno de los proyectos más interesantes del indie estadounidense desde hace más de una década. Tras años de álbumes y singles apilados en Bandcamp y del aclamado lanzamiento de su primer LP oficial, el álter ego de Nate Amos podría convertirse en la nueva estrella indie con su segundo disco. ‘Oh No Now My’ es la Canción del Día.

‘Box For Buddy, Box For Star’ fue un soplo de aire fresco en el mundo del indie rock norteamericano, con Amos demostrando una versatilidad fuera de lugar, también presente en Water From Your Eyes, su banda alternativa. Aquel proyecto incluía tanto autotune como americana de raíz, entre otros experimentos guitarreros, en temas tan inmediatos como ‘Dancing in the Club’ o ‘Where’s Your Love Now’. Ambas, regrabadas por MJ Lenderman y Waxahatchee, respectivamente, para el deluxe del LP.

‘The Singer In My Band’ será el segundo álbum oficial de This Is Lorelei y estará disponible el próximo 11 de septiembre. El disco es descrito por el padre de Amos, músico de bluegrass, como su álbum «beatnik en la carretera». Esto se ve claro en ‘Billy Came Back’, un primer adelanto situado en el reino del country folk, pero no tanto en ‘Oh No Now My’, más difícil de clasificar.

El riff que abre la canción es perpetuo, escuchándose durante la totalidad del tema y sin romper el bucle en ningún momento. Por encima, Nate Amos canta sobre su «Joey» mientras explora los diferentes significados y juegos de palabras que hay detrás de la palabra «miss», que puede significar echar de menos, perder algo o fallar. Lo mejor: con muy, muy poco, Amos consigue sacarse una melodía difícil de olvidar.

‘Cape Fear’ y la cuestión de los remakes “innecesarios”

0

Cada vez que se estrena un remake de un clásico de Hollywood aparece entre la crítica la palabra mágica: “innecesario”. En la actualidad, dada la tendencia a convertir películas icónicas en series o miniseries, los reproches sobre su “necesidad” se han multiplicado. De hecho, el temor al rechazo que suscita la etiqueta remake ha llevado a muchas productoras a justificar estos proyectos apelando a su origen literario: no es un remake, eh, sino una “nueva adaptación” de la obra original.

‘Cape Fear’ (Apple TV) comenzó a ser cuestionada desde el mismo momento de su anuncio. La gran paradoja es que muchos de los reproches que está recibiendo ahora la serie ya los sufrió en su día la película de Scorsese (solo hay que leer las criticas tras su presentación en el festival de Berlín). ‘El cabo del miedo’ (1991) era un remake de ‘El cabo del terror’ (1962) que a su vez adaptaba la novela ‘Los verdugos’ de John D. MacDonald (reeditada este año en Debolsillo con el título ‘El cabo del miedo’).

En un ecosistema audiovisual plagado de secuelas, precuelas, reboots, spin-offs, remakes y universos expandidos, ¿de verdad tiene sentido seguir planteando el debate en esos términos? La cuestión debería ser otra: ¿existe una razón artística para hacer una nueva versión? ¿Aporta algo que justifique regresar a un material conocido? Un remake puede ser (suele ser) un refrito redundante, oportunista y perezoso, pero también puede ofrecer una relectura interesante desde otro punto de vista, otro contexto histórico o un formato diferente.

En el caso de las series, hay muchos ejemplos de remakes que son todo menos “innecesarios”. Por citar algunos de los más recientes: ‘Mr. & Mrs. Smith’ supera ampliamente a la película de 2005, ‘Fargo’ no tiene nada que envidiar al filme de los hermanos Coen e ‘Inseparables’ ofrece una relectura enormemente sugestiva del clásico de Cronenberg. Por no hablar de una versión de ‘El cabo del miedo’ que muchos parecen olvidar: ‘Cape Feare’, el divertidísimo segundo episodio de la quinta temporada de ‘Los Simpson’, que parodia la película de Scorsese.

‘Cape Fear’ no entraría en esta lista. La versión de Nick Antosca (‘Channel Zero’, ‘Nuevo sabor a cereza’), producida por Spielberg y Scorsese, no iguala ni mejora su principal referente, ‘El cabo del miedo’, ni tampoco ofrece una relectura particularmente interesante. Le faltan suspense y coherencia dramática, y le sobran subtramas de culebrón y sobreexplicaciones para espectadores con problemas de atención.

Sin embargo, es una versión muy disfrutable. Por tres razones. La primera es el dúo protagonista. Javier Bardem borda el personaje de Max Cady, logrando una mezcla muy divertida, sobreactuada para bien, entre seductor carismático, manipulador maquiavélico y psicópata zumbado. Amy Adams, por su parte, interpreta a una abogada defensora (el cambio más significativo con respecto a la película) y consigue transmitir muy bien esa mezcla de culpabilidad, miedo y determinación (destacar también a la prometedora Lily Collias, a quien descubrimos en la estupenda ‘Buena chica’; más discreto está Joe Anders, hijo de Kate Winslet y Sam Mendes).

La segunda es la atmósfera. ‘Cape Fear’ está situada en Savannah (Georgia), en plena temporada de huracanes y bajo un calorazo húmedo y sofocante. Sus mansiones, su vegetación exuberante (con el famoso musgo español colgando de los árboles) y su belleza decadente (acordaos de ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’) proporcionan un escenario de gótico sureño perfecto para una historia en la que, tras una fachada de respetabilidad, empiezan a aflorar secretos, culpa y violencia.

Y, tercero, su tratamiento audiovisual. ‘Cape Fear’ evita por completo la estética televisiva al uso. Abraza el exceso, el artificio y la deformación expresionista del modelo de Scorsese mediante una iluminación deliberadamente saturada y una combinación de recursos formales como zooms, barridos rápidos, distorsiones, ángulos inclinados, blanco y negro y negativos de color. Todo ello acompañado de la icónica música de Bernard Herrmann, cuya capacidad para generar una sensación de amenaza (un buen ejemplo de esta combinación de recursos es el prólogo en la piscina del octavo episodio) sigue intacta más de sesenta años después.