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Lily Allen vs Bb trickz, Robbie Williams vs Xoel López: los solapes de Bilbao BBK Live 2026

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Bilbao BBK Live ha compartido los horarios de su 20ª edición, que se celebrará los días 9, 10 y 11 de julio con actuaciones destacadas de Robbie Williams, FKA twigs o Lily Allen presentando el enorme ‘West End Girl‘ (2025). JENESAISPOP es medio oficial del evento, que, como es habitual, llega con la programación acompañada de numerosos solapes entre escenarios.

El jueves 9 de julio, el cruce más importante es el de Robbie Williams (22:35), que coincide en parte con Xoel López (23:00). Más tarde, Paris Paloma (21:45) se cruza 10 minutos al inicio con Hemlocke Springs (21:55). FKA twigs (22:50) y Fatoumata Diawara (23:15) coinciden también, así como David Byrne (00:20) y Hoonine (00.30). Después la noche se cierra con otro cruce entre Apparat (1:30) y Calvin Harris (1:40).

El viernes 10 de julio, Depresión Sonora (18:10) coincide con Yerai Cortés (18:30) por la tarde, mientras que Belle and Sebastian (21:15) y La Paloma (21:30) comparten franja por la noche. El solape entre TOMORA (AURORA y Tom Rowland de los Chemical Brothers) y Juicy BAE es casi pleno también: unos actúan a las 00:10 y el otro a las 00:15. Ya de madrugada, Soulwax y CMAT vuelven a coincidir en horario: ambos actúan a la 1:30.

El sábado 11 de julio, Queralt Lahoz (20:30) e Interpol (20:35) arrancan prácticamente a la vez, mientras que Ralphie Choo y Mind Enterprises coinciden plenamente en su inicio a las 21:50. Más tarde, Lily Allen y Bb trickz comparten exactamente horario a las 00:15, igual que Dellafuente (1:20) y Horsegiirl (1:45), que se encadenan en la madrugada. También hay coincidencia entre Idles (23:00) y Nu Genea (23:15).

Os recordamos que la programación especial de Bilbao BBK Live, que se desarrollará en la ciudad de Bilbao, incluye actuaciones destacadas de José González u Orkresta, entre otros muchos interesantes y variados. Te la detallamos en este artículo.

Contadnos en los comentarios qué artistas no te perderéis… y cuáles sí.

Críticas a Rod Stewart por ir a ver fútbol tras cancelar concierto

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Con el Mundial recién arrancado y el empate sin goles entre España y Cabo Verde como uno de los primeros resultados del torneo, la atención también se ha desplazado un momento hacia Rod Stewart, después de que acudiera a un partido tras cancelar un concierto por motivos de salud.

El cantante canceló un concierto apenas una hora antes de su inicio alegando problemas vocales. Su equipo había informado previamente de que sufría una infección respiratoria aguda con laringitis, por lo que no podía subirse al escenario esa noche.

Sin embargo, durante el fin de semana, Stewart compartió un vídeo viajando en jet privado a Boston junto a sus hijos para ver a Escocia en el Mundial, y más tarde fue visto celebrando la victoria desde la grada, con gestos de euforia, levantando los brazos e incluso bebiendo alcohol.

Un representante del artista ha defendido la cancelación asegurando que la condición médica del cantante era real, y que había recibido “varias rondas de esteroides y tratamiento con la esperanza de poder actuar”.

Aun así, las críticas de fans frustrados no han tardado en sucederse. “¿Demasiado enfermo para actuar pero bien para volar por el país a ver fútbol?”, escribía un usuario. Otro comentario cuestionaba el momento del vídeo: “¿Por qué lo publica después de decepcionar a 10-15 mil fans? … Claramente no le importa que sus fans se hayan quedado realmente decepcionados y solo 45 minutos antes del inicio del show”.

‘Club to Your Arms’ es el gran regreso dance de Rose Gray

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Rose Gray lanzó el año pasado su debut ‘Louder, Please‘, una lección de pop aplicado a la pista de baile que entusiasmó también a los lectores de este medio, gracias a su atractiva fusión de ritmos house, trance, techno, EDM y breakbeat, junto a las melodías pop de la diva británica.

Tras su reciente actuación en el Primavera Sound, mucho más concurrida de lo que permitía el pequeño escenario en el que actuó, Gray ha vuelto con un single que es uno de los mejores de su carrera, ‘Club to Your Arms’. Estrenado en directo en el Primavera, es la Canción del día para hoy martes.

Emisoras españolas como Radio 3 no han dudado en pincharla y suena estupendamente en la radio. ‘Club to Your Arms’ es una nuevo ejemplo de la buena música dance creada por Gray, animada con sintes trepidantes y una melodía apoteósica. Justin Tranter, compositor para Chappell Roan, Selena Gomez, etc., vuelve a estar detrás de la composición y no ha dudado en calificarla como una de las mejores que ha firmado.

Una canción, por otro lado, entregada al amor, como señala su estribillo: “voy directa del club a tus brazos”. ‘Club to Your Arms’ habla también de la presión de la fama, incluyendo descripciones de «fatiga de la showgirl», sonoras rimas como “I’m such a chameleon-a / do you wanna wear my tiara”, o pasajes de tono abiertamente sexual como “quiero que te despiertes para follar”, a la luz del sol del alba.

Taylor Swift suma 15º single nº1 en EE UU… y vuelve al estudio

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Taylor Swift vuelve a coronar el Billboard Hot 100 con ‘I Knew It, I Knew You‘, que entra directa al número 1. El simpático tema de country-pop, incluido en la banda sonora de ‘Toy Story 5’, inspirado en Jessie, suma así el 15º nº1 de su carrera.

Con este logro, Swift se desmarca de Drake y Rihanna, con quienes estaba empatada, y se coloca tercera en el ranking histórico de artistas con más números 1, solo por detrás de The Beatles (20) y Mariah Carey (19). Además, suma su noveno debut directo en el nº1, superando a Ariana Grande como la mujer con más entradas de este tipo.

El single también entra en la historia del cine: es solo la tercera canción de una película de animación de Disney que llega al nº1 del Hot 100, y la primera de Pixar. Un logro más para una Swift que sigue encadenando récords sin parar.

Como veis, Swift no consiguió su primer número 1 en Estados Unidos hasta 2012, pero la mayoría de ellos se han acumulado en los últimos seis años. El número 1 de ‘Opalite‘ llegó el pasado mes de febrero.
1.- We Are Never Ever Getting Back Together
2.- Shake It Off
3.- Blank Space
4.- Bad Blood
5.- Look What You Made Me Do
6.- cardigan
7.- willow
8.- All Too Well (Taylor’s Version/10 Minute)
9.- Anti-Hero
10.- Cruel Summer
11.- Is It Over Now?
12.- Fortnight
13.- The Fate of Ophelia
14.- Opalite
15.- I Knew It, I Knew You

Taylor Swift, por otro lado, ha sido grabada entrando en los Electric Lady Studios de Nueva York, apenas tres semanas antes de su boda con Travis Kelce, prevista para el 3 de julio. Swift habría pasado la noche en el estudio, ya que ha sido vista abandonando el edificio ocho horas después, acompañada de Alana Haim.

Bonnie Tyler sale del coma pero sigue «muy enferma»

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Bonnie Tyler ha salido del coma inducido en el que permanecía ingresada desde finales de mayo. La noticia la ha confirmado su equipo a través de un comunicado publicado en la web oficial de la cantante, que señala que la artista galesa, de 75 años, continúa en la UCI de un hospital de Portugal y sigue estando «muy enferma», aunque su estado mejora poco a poco. «Bonnie ya no está en coma, pero permanece muy enferma y en cuidados intensivos. Aunque su condición está mejorando, es un proceso lento», indica el texto.

La autora de ‘Total Eclipse of the Heart’ fue hospitalizada de urgencia en Faro después de someterse a una operación intestinal de emergencia el pasado mes de mayo. Tras la intervención, los médicos optaron por inducirle un coma para favorecer su recuperación. Según su equipo, los doctores confían en que pueda recuperarse satisfactoriamente, aunque el proceso será largo.

Su estado de salud obligará a cancelar o aplazar los conciertos que tenía previstos este verano. Por ahora, la oficina de Tyler no descarta que algunos compromisos de otoño puedan mantenerse, siempre dependiendo de cómo evolucione su recuperación durante los próximos meses.

Olivia Rodrigo / you seem pretty sad for a girl so in love

El reciente disco benéfico de War Child, ‘Help 2‘, se cerraba con una versión de Magnetic Fields interpretada por Olivia Rodrigo. La cantante escribió en una de sus Stories de Instagram que era «una de sus canciones favoritas de la historia». Decía Stephin Merritt en aquella canción que «el libro del amor es tan largo y aburrido que nadie puede con él». Que está «lleno de flores y cajas con forma de corazón», pero también «de cosas que somos demasiado jóvenes para conocer».

La versión de Olivia de ‘The Book of Love’ no ha podido pasar más desapercibida. La canción menos escuchada de este álbum ha rebasado sus streams totales en solo 12 horas. Pero no he podido quitármela de la cabeza mientras oía este ‘you seem pretty sad for a girl so in love’ por dos razones. La primera es que la artista está escribiendo aquí su propio «libro del amor» de alguna manera. Este disco retrata o anticipa su ruptura con el actor Louis Partridge, y lo hace de una manera muy particular. Y la segunda es que ha dado a la producción cierto toque lo-fi que casa mucho con la estética de Magnetic Fields.

Lo explica muy bien a cuenta del sonido escogido por la excelente ‘maggots for brains’. A Olivia Rodrigo siempre le ha ido el rock alternativo. De alguna manera ha sido lo que ha ido distinguiendo su sonido del de otros artistas. Cuenta que le encanta ‘I Love Rock & Roll’ de Joan Jett, pero que aquí no quería emularla: «Quizá más adelante». De momento ha preferido escoger hacer algo «más alternativo» porque le parecía «más emocionante que escribir un banger».

De ahí el delicioso sonido destartalado de la caja de ritmos -destartalado como su corazón-, lo cual no quita que el estribillo sea glorioso («soy un zombi por dentro, un tren descarrilando»), casi tanto como el clímax final («¿qué puedo hacer salvo pensar en ti?»). Recuerdos de «The Luckiest Guy» en un tema cuyo título Youtube traduce como «cabeza de chorlito».

‘you seem pretty sad for a girl so in love’ no es el mejor álbum de Olivia Rodrigo porque cada vez sea más indie. Tampoco porque esté prácticamente orquestado en torno a su devoción hacia The Cure. El single ‘drop dead’ referencia ‘Just Like Heaven’ nada más empezar, el segundo single no recibía otro nombre que ‘the cure‘, ‘purple’ referencia ‘Pictures of You’ y, como traca final, Robert Smith hace coros y canta la segunda estrofa de un tema llamado ‘what’s wrong with me’ que se regodea en todos los arquetipos del desamor adolescente («no puedo comer, no puedo dormir»).

‘you seem pretty sad for a girl so in love’ es el mejor álbum de Olivia Rodrigo porque el nivel compositivo de las canciones es enorme. Tanto ‘the cure’ como ‘stupid song‘ están muy bien contenidas primero y llevadas hacia su cénit después. El último estribillo de esta es la gloria. Otras cuentan con una melodía maravillosa desde el principio, como ‘honeybee’, a piano y con unas cuerdas y coros estupendos, conduciendo hacia un final de estribillo que derrite el hielo («here’s to hoping»). ‘begged’ tiene ecos de Stevie Nicks, además de unos coros ancestrales que nos llevan a otros espacio y tiempo. Y ‘less’ es tan bonita como ‘Your House’ de Alanis Morissette, solo que aquí Olivia Rodrigo no está revisitando una casa que no debe, sino recreando una primera cita que ya no es tan divertida como la primera.

Inspirada por autoras como Annie Ernaux, Olivia Rodrigo retrata en todo el álbum una relación que la entusiasma, pero que empieza a no ir bien y finalmente se resquebraja. La artista ha explicado que «la duda» es uno de los temas principales del álbum, de hecho la palabra aparece varias veces de una forma o de otra («todo lo que quiero es saber, sin ningún tipo de dudas, si solo tienes ojos para mí», en ‘begged’), y lo mejor es el modo en que la producción acompaña.

Si el sonido de teclados en ‘my way’ solo puede ser el de una buena «bumambulancia», el disco termina de reventar en ‘expectations’, la gran novedad hallada junto a su mano derecha Dan Nigro. Su inspiración ochentera es más rabiosa que hedonista y sirve para canalizar el modo en que Olivia Rodrigo estalla contra un chico que «tomaba drogas», vivía de sus padres o «no era tan divertido» después de todo. «Pensé que era perfecto y ahora tengo su número bloqueado».

Hay un desenlace para todo esto y suena tan emotivo como ‘cigarette smoke’. Un tema tan bonito como ‘Buceador’ en aquel disco de Klaus&Kinski: contemplativo, atmosférico, de aceptación, en el que la artista se convence a sí misma de lo arrepentida que está de aquel chico. «Dime algo honesto para que la historia se vuelva negra», suplica, necesitando pasar página.

Desde ya en la carrera de los Grammy, ‘you seem pretty sad for a girl so in love’ tiene el único inconveniente de cargar un poco con el monotema del amor. Aunque también cabe preguntarse por qué que algunos hagan «69 canciones de amor» nos suena mordaz e inteligente, y por qué que otras las hagan, nos suena a chiquillada.

Subidón de Shakira con ‘Dai Dai’; Taylor, top 47 en España

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Sin novedades en los puestos 1 y 2 de singles en España, que continúan copados por Quevedo con ‘La graciosa’ y ‘Al golpito’, la noticia es la subida al top 3 de Jay Wheeler y Omar Courtz con ‘De lejitos‘. Eso ya os lo avanzamos la semana pasada.

Lo que no se terminó de ver venir es que ‘Dai Dai’ terminaría en el top 10 en España. La canción para el Mundial de Shakira y Burna Boy empezó «flopeando» muy fuerte, pero ha ido escalando a medida que se acercaba el evento y ya puede considerarse un hit del verano. No solo en nuestro país: también acaba de escalar al top 11 Global de Spotify tras su interpretación en la inauguración.

¿Cuáles son los países más entusiasmados con ‘Dai Dai’? El tema es número 1 en el Spotify de Bélgica y Holanda, y número 2 en el de Alemania. También Suecia la tiene en el top 6. Por el contrario, en USA le queda un largo camino por recorrer para entrar en listas, a diferencia de lo que ha ocurrido en Canadá, donde ha logrado ser top 35 en Spotify. En las «midweeks» británicas, ‘Dai Dai’ escala hoy al puesto 26.

Taylor Swift ha sido número 1 en Reino Unido con ‘I Knew It, I Knew You‘. También es top 1 en Australia, Austria y Alemania, mientras en Francia ha quedado en el top 10. Pero en España ha despertado menos entusiasmo: es solo puesto 47. Veremos si el estreno de ‘Toy Story 5’ esta semana la anima.

La única otra entrada de la semana en nuestro país es la de ‘Tenías razón’ de RVFV en el número 77.


Buena entrada en listas de Niall Horan, mala de Evanescence

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Quevedo continúa dominando la lista de discos española por 7ª semana consecutiva. ‘El Baifo’ se debe de acercar a pasos agigantados al doble platino, porque Bad Bunny sigue contenido en el puesto 2 pese a que lleva dos semanas actuando en España non stop.

La entrada más fuerte de la semana es la de Niall Horan en el número 9 con ‘Dinner Party’. El álbum ha sido naturalmente número 1 en Reino Unido, pero ojo, también en Alemania, Holanda, Irlanda y Australia. También ha sido top 4 en Italia y Suiza.

La noticia de la semana es lo baja que es la entrada de ‘Sanctuary’ de Evanescence en nuestro país. El álbum llega solo al puesto 72, por debajo de lo logrado recientemente por gente como Triángulo de Amor Bizarro o La La Love You.

El grupo de Amy Lee sí ha logrado ser top 2 en Australia, top 5 en Alemania y top 10 en Reino Unido, aunque las entradas en Francia (23) y Holanda (46) también son modestas. Peor aún, la previsión es nefasta en Estados Unidos, donde ‘Sanctuary’ podría rondar el puesto 38 según HDD y sería, por mucho, el peor dato de su carrera: ‘The Bitter Truth’ fue top 11 en 2021.

Evanescence consiguieron sendos números 1 en el Billboard 200 en 2006 y 2011 con sus discos segundo y tercero. Su debut ‘Fallen’ fue top 3 en Estados Unidos pero el álbum terminó siendo 8 veces platino y continúa siendo su mayor éxito. Hoy por hoy sería un milagro alcanzar el disco de oro.

Las novedades de la semana en España se completan con ‘8-Tracks’ de Pink Floyd (52) y ‘Live from Mexico’ de Dua Lipa (54).

La pista rejuvenece a Madonna en el vídeo completo de ‘Bring Your Love’

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Madonna dijo delante de la audiencia de Tribeca que había perdido el interés en el formato vídeo tradicional. Era mentira. Una semana después del corto para ‘Confessions – The Film’ en el que solo salía cada tema durante un minuto y medio, se ha estrenado el vídeo oficial de ‘Bring Your Love’, que dura 4 minutos, más que la propia canción. Hay además nuevas perlas, como ese momento en que la artista sale disparada del interior de una alfombra.

El vídeo está lleno de efectos especiales y de sonido que lastran algo la experiencia y el mensaje tan amable de la composición. Sirva para subrayar el sentido último del mensaje elaborado por Madonna junto a Sabrina Carpenter: huyamos de la violencia que nos rodea y seamos felices en la pista de baile, sin móviles ni redes sociales, aunque solo sea durante un momento.

Julia Garner, que llegó a ser seleccionada para interpretar a Madonna en el biopic que escribió pero jamás se llegó a rodar por problemas con Universal Pictures, realiza el mismo cameo que en el corto. Es una versión juvenil de Madonna, como la que finalmente abandona la discoteca, renovada, más feliz que una perdiz.

Las referencias cinematográficas de Madonna en ‘Confessions, The Film’

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En 1978, Madonna Louise Ciccone, con veinte años recién cumplidos, se trasladó de su Míchigan natal al East Village neoyorquino. Aquella Nueva York poco tenía que ver con la ciudad gentrificada de hoy. Era la ciudad chunga de las películas de Scorsese o Abel Ferrara, “malas calles” donde había más delincuentes y prostitutas que ratas en el metro.

Pero también era la vibrante ciudad de Warhol y Basquiat, de los grafitis de Keith Haring, de los conciertos de Blondie, Talking Heads o Ramones en clubes como CBGB, de las performances del Mudd Club y de las noches interminables en Danceteria.

Casi medio siglo después, ‘Confessions II–The Film’ parece tan impregnado de nostalgia por aquel mundo desaparecido como de sudor, maquillaje corrido y restos de cocaína estaba cualquier pista de baile de los clubes donde Madonna dio sus primeros pasos como artista. Bajo su apariencia futurista y surrealista, el cortometraje funciona en muchos momentos como una evocación de ese Nueva York underground de bailes y visitas al excusado.

El filme comienza como un thriller tecnológico y futurista a lo ‘Días extraños’ (1995), mezclado con acción de estilo SWAT, estética BDSM y discurso anti-paparazzi. Una combinación que recuerda, como han señalado algunos usuarios en el foro, a la reportera Andrea Caracortada de ‘Kika’ (1993); o, también, siguiendo el lore del ‘Von dutch’ de Charli XCX, a la imaginería que el propio colectivo Torso, creador de ‘Confessions II’, ya había explorado en aquel videoclip.

Esta introducción da paso, como en una fuga onírica de inspiración lynchiana, a uno de los segmentos más llamativos del corto: un bosque habitado por bailarines que proyectan rayos láser desde sus orificios íntimos. La secuencia, a medio camino entre la fantasía sexual y la performance, se desarrolla en una atmósfera que recuerda a la estética artificiosa, erótica y de surrealismo pop característica del universo visual de Bertrand Mandico, especialmente de ‘After Blue’ (2021).

Luego, tras un accidentado trayecto en coche que culmina en un “crash” de inequívocos ecos ballardianos y cronenbergianos, el cortometraje se adentra en su núcleo central: una pista de baile y unos baños poblados por más cameos, citas autorreferenciales y easter eggs que un videoclip de Taylor Swift y una película de Torrente juntos. Más allá de toda esa mitología madonniana (desgranada en detalle en este artículo), ambos segmentos funcionan como una celebración teñida de nostalgia del hedonismo discotequero, el ligoteo nocturno y las relaciones de tocador.

‘Confessions II’ termina donde comenzó. El cortometraje regresa al escenario inicial y revela que todo lo que hemos visto formaba parte de una filmación observada por el propio equipo de “andreas caracortada” que perseguía a Madonna. La aparición final de su hija Lourdes, encargada de pronunciar el definitivo “Cut, bitch!”, aporta entonces una inesperada dimensión metalingüística. Más que una simple broma autorreferencial, el gesto parece funcionar como el cierre simbólico de un viaje por los recuerdos, fantasías y mitologías que han acompañado a la cantante durante toda su carrera.

Así suena vikini: los Canut colaboran, Hidrogenesse producen

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vikini son el descubrimiento perfecto para los amantes de la estética vintage y ensoñadora de los 50, pero también para los fans de Hidrogenesse. No vienen de la nada: Sally Canut es la hija de Mauro Canut, que colabora en las composiciones del grupo junto a su hermano Nacho. Eso sí, nepobabies o no, las canciones de vikini son joyas por sí solas.

Fichadas en El Volcán, Sally y Martina tan solo tienen tres temas publicados. Según indica su ficha de artista, estas son «amigas desde el colegio» y tienen «18 años recién cumplidos: «Han compuesto varias canciones que se irán publicando en los próximos meses con la colaboración de Nacho y Mauro Canut y la producción de Hidrogenesse». La nota también hace referencia a «la supervivencia de los dúos femeninos en el pop español».

‘calendariogris’ es el último y melancólico single del grupo, perfecto para llorar en un soleado día de verano. Tanto en este como en ‘tumba’ y ‘lo RARO’, la producción del dúo catalán se llena de sintetizadores, como es normal, pero también toma un camino lofi y vintage. ‘tumba’, en concreto, se sitúa entre la Amaia más Disney y una demo casera del Sufjan Stevens más bucólico.

«Una vez, prometiste quererme una eternidad / Debe ser que te has olvidado / No sé que pensar», cantan en esta canción. También entonan sobre casualidades, «abrazar lo que me asusta» y «despreciar lo que me gusta» en ‘lo RARO’, que si te lo preguntas, es «que soy feliz».

Según lo indicado en la página del sello, estas canciones formarán parte de su EP debut, programado para algún momento de 2026. Si ese proyecto es tan bueno como lo que adelantan estos temas, vikini será una de las sorpresas más agradables del año.

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Lydia Rodríguez describe un «maltrato continuado» en Presuntos Implicados; Nacho Mañó responde

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Lydia Rodríguez, ahora exvocalista de Presuntos Implicados, ha publicado un comunicado en sus redes sociales en el que denuncia los años de «maltrato continuado» y la «absoluta falta de compañerismo» que sufrió con la banda. Rodríguez se incorporó al grupo tras la marcha de Sole Giménez y ha estado en sus filas durante 17 años.

La cantante asegura que lo que ocurría detrás del escenario era «muy distinto a lo que se veía debajo de los focos», explicando, en primer lugar, que nunca pudo tomar decisiones en la banda. Esta cuenta que le hicieron sentir «completamente excluida» y que no tenía «ni voz ni voto». Es más, Rodríguez habla de un «control» extremo que hasta le impedía «hablar de lo que yo quisiera en mis redes».

Los señalados son tanto sus excompañeros, Juan Luis Giménez y Nacho Mañó, como el equipo de representación de la banda, calificándoles directamente de «cómplices». Uno de los comentarios que asegura que escuchó durante esta época fue el de un miembro del equipo que le dije que «todos te tienen que querer follar» al subir al escenario.

Rodríguez amplió la información en su visita al programa ‘Fiesta’, donde contó que se convocó una reunión para hablar de sus «kilos de más» o que en ocasiones se le exigió un cambio de ropa antes de salir a actuar. Además, dice que ahora entiende «perfectamente a Sole Giménez y los motivos que la llevaron a marcharse en su día».

Por último, Lydia explica que no le permitieron formar parte ni participar en otros proyectos creativos que no fuese Presuntos Implicados, «incluso cuando el grupo no generaba ingresos». La artista confiesa que soportó esta «insostenible» situación por temor a perder una oportunidad no asegurada en aquel momento de su carrera.

Nacho Mañó ha respondido a toda la situación en una publicación de Instagram, en la que principalmente se ha dirigido a los periodistas que han difundido la información: «Con la cantidad de periodistas que conozco, algunos de ellos dicen ser mis amigos, y desde hace 20 años se está poniendo en tela de juicio mi honorabilidad y mi buen nombre, y ninguno de ellos ha tenido el gesto de publicar algo en mi defensa», ha escrito.

El productor y guitarrista comunica también que hace unas semanas habló con su mujer y sus hijas para decirles que no iba a participar en ninguna entrevista más «porque no creo en su valor» y para «protegerme»: «Tampoco voy a participar en ningún acto social. Me retiro. Que hable la música a partir de ahora».

En el indie también se puede cantar sobre ser feliz

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De vez en cuando, el indie rock también trata sobre ser incondicionalmente feliz. Es justo la vibra que trae la última colaboración de Toldos Verdes con MaiteQuiero, exvocalista de shego. En ella, ambos cantan sobre esos días en los que todo parece perfecto. ‘100’ es la Canción del Día.

Nadie ha inventado la rueda con este tema, pero justamente por eso cobra más valor lo fácil que es tener ‘100’ en bucle. El caramelito de Toldos Verdes y MaiteQuiero habla sobre el gusto de «despertar», de estar «tirado en el sofá» y de los días en los que la única preocupación es «¿Qué me hago de comer?». Tampoco piden mucho para ser feliz: «Qué gusto caminar (con los cascos puestos)».

Sin embargo, el otro lado de la moneda también está presente en la canción. Días tan hermosos solo son posibles por la existencia de días no tan hermosos, tal y como canta Maite: «Hacía meses ya que no estaba tan bien».

La producción corre a cargo de los propios artistas y Diego Escriche, figura clave en el indie español, tras haber producido trabajos enteros de las propias shego, Depresión Sonora, La Paloma, Mala Gestión o hasta María Escarmiento. Que ‘100’ suene tan de ensueño tiene mucho que ver con él.

Pasado y presente conviven en Mallorca Live con Cypress Hill y rusowsky

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Tomàs Moya

Sumando 70.000 personas entre sus tres jornadas, el Mallorca Live ha clausurado su novena edición con la closing party de David Guetta. Ha sido una edición inusual del festival, diferente, con Aitana como gran reclamo mediático. En los comentarios de JENESAISPOP ya auguran que se está convirtiendo en una “gigante” del pop. Ella, por su parte, también tuvo palabras para el resto de artistas del cartel a los que “admira”, especialmente para rusowsky, cuyo concierto se perdió mientras la maquillaban. Es un cliché a estas alturas pedir colaboraciones entre artistas, pero la de rusowsky y Aitana la pide el público. Podría ser algo muy grande.

El concierto de ‘DAISY‘ sigue siendo apabullante por su potencia sónica y su amalgama de estilos; incluso para quien lo haya visto en repetidas ocasiones, las canciones resultan tan estimulantes que es difícil aburrirse. El inicio con ‘Johnny Glamour’, sampleando a Las Ketchup sigue siendo un delirio; las percusiones de ‘PINK + PINK’ retumban en el recinto del Mallorca Live como mil pájaros carpinteros picando en la cabeza; el rage trap de ‘KINKI FÍGARO’ y las distintas referencias al R&B, el house, la samba o el trap construyen un set que funciona con una lógica propia basada en el eclecticismo.

Selector

Si acaso, se podría criticar que el tramo inicial del concierto depende en exceso de baladas como ‘SOPHIA’, la hipnótica ‘ALTAGAMA’ o ‘BBY ROMEO’, lo que da lugar a un show de ritmo algo desigual, que gana músculo cuando entra ‘KINKI FÍGARO’ tras el interludio visual “chronically online” de los gorilas coquetos, el macarrísimo “Papi Chulo” de La Zowi o, por supuesto, esa ‘malibu’ convertida en un éxito veraniego mainstream, prueba de que no todo en el mundo va mal.

rusowsky sigue jugando al misterio, manteniendo el escenario medio a oscuras, por lo que es prácticamente imposible verle a él y a su peluca durante gran parte del show. Como hype man, el concepto de pedir al público que deje de dormir la siesta durante todo el set se vuelve algo repetitivo tras tantos conciertos. Por otro lado, sigue siendo un plus que toque con banda, incluyendo un clarinete interpretado en directo, y es evidente que su propuesta musical está dejando de ser alternativa, lo cual supone un gran éxito.

Muchas de las críticas en redes dirigidas al concierto de Aitana en Mallorca Live provienen de fans de Cypress Hill que lamentan que la pista del escenario de Estrella Damm estuviera desde primera hora de la tarde plagada de padres y niños ocupando las primeras filas, mientras los fans del grupo no podían acceder y tenían que verlo desde más atrás. La propia Aitana señaló que nunca había tocado “tan tarde”, y seguramente los fans de Cypress Hill habrían agradecido que la banda actuara en su horario y no antes.

El concierto de Cypress Hill fue, en realidad, un tardeo que se convirtió en noche, construido en torno a un set de hip hop clásico. La formación en directo se basa en los MCs B-Real y Sen Dog, que se encargan de las voces, acompañados por el DJ y productor DJ Muggs, responsable de los beats y la dirección sonora del show. En ocasiones, también incorporan banda o apoyo instrumental según la gira, pero el núcleo del directo es ese trío artístico entre raperos y DJ.

Sus himnos del West Coast rap más reconocibles, como el psicodélico ‘Insane in the Brain’, se sucedieron con guiños metaleros y eslóganes populistas contra los “políticos mentirosos” que nos gobiernan. Trump acaba de cumplir 80 años, by the way.

El set de hora y media solapó los últimos 15 minutos con rusowsky, por lo que me ausenté unos pocos minutos de Cypress Hill para ver el inicio del show de ‘DAISY’. Al volver, el escenario estaba aún más lleno y la energía sonaba totalmente engrasada, mientras se sucedían los cánticos “Pick it up, pick it up” de ‘Hits from the Bong’ o la delicia West Coast de ‘When the Shit Goes Down’. Un gran acierto del Mallorca Live reivindicar a estos gigantes del early hip hop, cuyo show a la vieja escuela sigue levantando pasiones porque son auténticos maestros en lo suyo.

Xavi Torrent

El complejo montaje de Aitana obliga al equipo de Kaiser Chiefs a retrasar su concierto media hora. Para que se entienda el nivel de escenografía de Aitana, 45 minutos de margen entre conciertos no son suficientes para desmontar su “casa” y montar la escenografía de Kaiser Chiefs, a pesar de ser mucho más sencilla.

De todos modos, quizá supeditados al límite de tiempo del festival, Kaiser Chiefs van por faena y se fulminan varios de sus mayores hits antes de lo esperado, haciendo saltar como locos a todo el público, incluyendo ‘Every Day I Love You Less and Less’, ‘Never Miss a Beat’ y, sobre todo, la eufórica ‘Ruby’, que suena sorprendentemente temprano, dando al concierto un aire de grandes éxitos. La verdad es que, si tantos grupos asociados a la palabra “indie” han sido capaces de firmar un único hit tan reconocible, es de mérito que Kaiser Chiefs tengan tantos.

Combinando himnos como ‘I Predict a Riot’ con otros menos conocidos pero igual de enérgicos como ‘Good Days Bad Days’ o ‘Hole in My Head’, Kaiser Chiefs ofrece un show rítmico, colorido y muy divertido, sostenido sobre el carisma sumamente británico de su vocalista Ricky Wilson, que acaba el concierto, en su estilo, trepando la estructura del escenario.

Como dato curioso de la vida del periodista musical, acabo compartiendo el transfer del hotel al aeropuerto con Wilson, que iba al aeropuerto sin sus compañeros de banda. Le comenté que le vi trepando y contestó: “Oh yeah?”. Y eso es todo.

Homenajes a Oliver Tree, Gaspi y el director de vídeos musicales Lucas Vignale

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El choque entre dos helicópteros que ocurrió este domingo 14 de junio en Río de Janeiro dejó seis personas fallecidas, según lo reflejado en el listado del vuelo. Además de los pilotos de ambos vehículos, entre los fallecidos están el artista Oliver Tree, el youtuber Gaspi, el director de vídeos musicales Lucas Vignale y el productor brasileño Lucas Brito Chaves.

El alcalde de Río de Janeiro, Eduardo Cavaliere, ha asegurado que ambos pilotos trabajaban como instructores de aviación y contaban con «mucha experiencia». Las causas del accidente están siendo investigadas en estos momentos. Dado el suceso, Internet se ha volcado con los fallecidos y diferentes figuras mediáticas han compartido sus homenajes a las víctimas.

Oliver Tree, de 32 años, es descrito por Anthony Fantano como «el Andy Kaufman del pop», mientras que Bebe Rexha asegura que había grabado una canción con él para su nuevo disco y dice estar «en shock». Por otro lado, el artista estadounidense era expareja de Melanie Martinez, la cual le ha dedicado un extenso texto en Instagram: «Es muy difícil entender cómo alguien con el que compartiste una época tan específica y formativa de tu vida puede irse de repente».

Gaspi, de nombre completo Gaspar Prim, era más conocido en los círculos de YouTube, a raíz de sus bromas con cámara oculta en las calles de Buenos Aires. De tan solo 23 años, el argentino había aparecido en vídeos junto a los creadores más grandes de España, desde Ibai Llanos hasta El Rubius, llegando incluso a competir en La Velada. «Qué mierda es esta vida a veces», ha escrito Llanos en X. El Rubius, sin embargo, ha dedicado un bonito mensaje: «Pocas veces conoces en este mundo a alguien tan creativo, talentoso y buena persona».

Lucas Vignale había trabajado como director de vídeos musicales para artistas como Bizarrap, Trueno, Duki o Nicki Nicole. Tenía 29 años. Nicole ha asegurado estar «sin palabras» y ha agradecido al director argentino el compartir su arte con ella. Bizarrap también ha dedicado un mensaje al artista fallecido: «Luquitas, no hay palabras. Solo espero que puedas descansar en paz».

Aitana y el reto de ser pop star en 2026: crecer sin dejar atrás a nadie

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Sé de primera mano que los niños son muy fans de grupos como Oques Grasses o La Fúmiga, al menos en Cataluña, pero me sorprende más la cantidad de fandom infantil que sigue teniendo Aitana incluso hoy, después de publicar un álbum como ‘Cuarto azul‘, inspirado en su depresión. Aunque tampoco ha necesitado esconder la realidad de su salud mental detrás de metáforas: en el documental ‘Metamorfosis’ reconoce que la medicación le ayuda a afrontar el día a día.

En su masificado concierto del sábado en Mallorca Live, Aitana se muestra transparente y explica que parte del material de ‘Cuarto azul’ lo escribió cuando «no estaba bien». También cuenta que otra parte del disco nació cuando «veía la luz», como ocurre con los temazos que cierran el concierto, ‘Conexión psíquica’ y ‘Superestrella‘. Convertida ya en su mayor éxito en solitario, esta ha pasado de abrir el show en sus primeras fechas a cerrarlo de manera apoteósica, mezclada con la base de ‘We Found Love’ de Rihanna. We found love in a hopeless place.

El escenario Estrella Damm, este sábado a las 23:30, es un océano de niños acompañados por sus padres. Yo mismo tengo que ver el concierto a través de lo que solo puede definirse como una muralla de niños subidos a cubos, agarrados de la mano y formando una fila, como a punto de salir disparados hacia el espacio. Sus padres -y buena parte del público adulto presente- corean las canciones con el mismo entusiasmo o incluso más, prueba del alcance transversal de su repertorio.

Probablemente el público adulto sea mayoritario -considerablemente gay también-, pero me detengo en el infantil porque parte de la tensión que atraviesa la carrera de Aitana parece tener que ver con la necesidad de sostener una imagen de «role model» que es irreal. Por un lado, no quiere romper el vínculo con su audiencia más joven; por otro, necesita crecer como artista. Las giras de ‘Alpha‘ y ‘Cuarto azul’ han mostrado una evolución natural, pero el show de ‘Cuarto azul’ sigue siendo lo bastante elegante como para no asustar a nadie.

Ese equilibrio parece cómodo y óptimo para Aitana, aunque la catalana sigue mostrando cierta tendencia a justificarse y sobreexplicar cualquier decisión, por lógica que sea, «para que no haya enfados», en un claro modo people pleaser. De hecho, ya ha habido quejas por la brevedad de su repertorio, pese a que dedica buena parte del concierto a explicar que el formato festival obliga a reducir el setlist porque hay más artistas programados. Irónicamente, en algunos discursos de varios minutos cabrían una o dos canciones más. Aitana pasa una cantidad considerable de tiempo prácticamente pidiendo perdón por respirar. Solo diré que otra pop star people pleaser, Ariana Grande, está ahora mismo en su fase «hate that I made you love me«.

Aitana no debe más a sus fans que cumplir con la expectativa de ofrecer un estupendo espectáculo de pop, y eso lo hace con creces. Más aún teniendo en cuenta que este sábado actúa enferma, arrastrando problemas de salud desde el lunes. Se nota puntualmente en una proyección vocal algo más débil -en algunas baladas pide ayuda al público- y en una energía escénica menos expansiva. Por eso tiene aún más mérito que saque adelante un show tan exigente, con coreografía, baile, juego de cámaras y, por supuesto, voz en directo. Todo ello articulado alrededor de una preciosa y elaborada puesta en escena que recrea una casa azul e incluye incluso una habitación con cama doble, a la que saca partido abriendo el concierto con ‘6 de febrero’ -empezamos fuerte- o más adelante, durante ‘Ex Ex Ex’, cruzando las piernas junto a un bailarín.

El repertorio destaca más por la calidad de los temas rítmicos que por la de las baladas, y llama la atención cuánto disfruta el público infantil canciones como ‘Los Ángeles’ o ‘Ex Ex Ex’, tan influidas por el house, el trance o el dance-pop de vocación internacional. En un momento dado, Aitana vuelve a agradecer la atención de los niños porque «no es fácil captar su atención, porque están a mil cosas». Pero también tiene mérito que ofrezca música de calidad y referencias tan sofisticadas a un público que quizá de otra forma no estaría expuesto a determinados estilos. Ojalá su evolución siga el camino de ‘Cuarto azul’ mientras su audiencia continúa creciendo con ella.

A partir de ‘Los Ángeles’, el show entra claramente en una zona más interesante y adulta, y cabe preguntarse si el sample de ‘Toxic’ de Britney Spears durante un interludio encierra algún simbolismo. Spears también fue una pop star con tendencia a complacer y también fue infantilizada pese a ser una mujer adulta. Aitana sostiene ahora mismo una tensión parecida. Aitana cuenta además con una red de apoyo familiar que la sostiene, y eso le permite ofrecer un espectáculo de calidad mientras madura artísticamente.

Entre los números más disfrutones no destaca tanto el coreadísimo ‘Mon Amour’, cuyo éxito parece resultar inexplicable incluso para la propia Aitana, que observa incrédula la reacción del público, como ‘Las Babys’. Si le tenías tirria al principio, quizá viéndola en directo le cojas cierto cariño: les queda un número muy divertido, con una coreografía tipo Macarena capaz de dibujarte una sonrisa de oreja a oreja. Del azul, pasamos al rosa.

Andrés Iglesias

‘La chica perfecta’ es probablemente el momento más simbólico del concierto. Su performance presenta a una pop star que aprieta los dientes, enseña bíceps y aparenta fortaleza, pero que al mismo tiempo tiembla y está a punto de romperse. Ahí la tensión de la artista obligada a proteger una imagen empieza a hacerse visible. Su representación escénica demuestra que vivimos una época en la que a las pop stars se les permite mostrar sin tapujos la presión a la que están sometidas en lugar de ocultarla.

Aunque Ocaña está lejos de ofrecer la coreografía más compleja del panorama -hay cierto abuso de movimientos de bote y rebote que denotan más falta de ideas que otra cosa-, el show de ‘Cuarto azul’ demuestra que Aitana es la pop star perfecta precisamente porque no es ‘La chica perfecta’. Sobre todo, porque es una artista que vale más que la suma de sus partes: para las niñas es una figura inspiradora y aspiracional; para los adultos, una pop star con buen gusto para las producciones y las melodías; para todos, un carisma joven y arrollador a pesar de su timidez cada vez más entregado a su misión de ofrecer «pop perfection». Nadie podría hacerlo exactamente como ella.

Fuji? / Super Sweet

Fuji? fue al instituto con rusowsky, lo que significa que empezaron a hacer música prácticamente en la misma época. Aunque su primer «disco», titulado ‘hanami’, constaba de 7 pistas que sí recordaban bastante al pop etéreo del colectivo de rusiaIDK, en ‘Super Sweet’ el artista y productor madrileño se desmarca por la vía del funk y la música de club. Es el tipo de álbum que convierte cualquier paseo en una fiesta.

Carlos Jiménez se inspira en la cultura japonesa, en la que estuvo inmerso durante un mes y medio mientras se recorría el país en bici, para el apartado estético y filosófico del disco, pero ‘Super Sweet’ no es un álbum de city pop. El groove recorre todos los cortes del proyecto, desde la relajada intro de ‘90%’ hasta sus estimulantes momentos finales con ‘TOP’, mientras se mezcla con elementos del hip hop, el pop, la electrónica y hasta la música caribeña en el acertadísimo remix de ‘muñekitos’, originalmente lanzada en 2023.

Otro de los pilares del disco es el humor. Los momentos en los que Fuji? se toma en serio a sí mismo se cuentan con los dedos de una mano, y sobran. No es solo por su excéntrica interpretación en temas como ‘Like!’ o ‘Gatito’, sino también por su capacidad de hacer temas tan meta como ‘Esto Es Un Interludio’, que más allá de la broma podría ser el tema más bailongo del disco. “Ya no tenía más canciones que sacar / Así que un interludio para rellenar”, canta Fuji? en las primeras líneas.

Uno de los momentos “serios” sería la canción ‘Momiji’, en la que Fuji? asegura tener “roto el corazón” a la vez que exige un amor de verdad: “Merezco que me quieran / Me merezco tu amor”, canta. Ni siquiera llega a ser el momento triste del LP, siendo más nostálgico que otra cosa. A la vez, estas también resultan ser algunas de las mejores letras del disco, que en general pone por delante una producción vistosa y unas melodías memorables a un apartado lírico sólido. En ‘Magika’ canta: “Yo tengo amiguitas que si botan hace ‘clap’ / Lo dije en otro tema pero pussy bomboclat”. Estas frases no van a cambiar la vida a nadie, pero sí te pueden poner a bailar fácilmente, apareciendo en una de las partes más pegadizas de la canción.

Según cuenta el propio artista, la creación del disco ha sido un tedioso proceso de 4 años, en los que ha tenido que aprender a tocar el bajo y la guitarra, entre otras cosas: “Todo el disco está hecho por mí”, asegura. Así, encontramos un punto de experimentación en la aparición de líneas de bajo imposibles, producto de grabarlo de toma en toma; compases inusuales, como el 7/4 de ‘Like!’, que en ningún momento la hace menos accesible; o puentes tan singulares como el de ‘Robotika’, que viene de la nada y resulta ser lo único que se mantiene de la versión original de la canción, creada hace 4 años.

Aunque técnicamente ‘Super Sweet’ se trata del segundo disco de Fuji?, podría considerarse como su debut al ser su lanzamiento más robusto hasta la fecha. Tras haber seguido una ruta distinta a la del colectivo de rusowsky o Ralphie Choo, Fuji? también ha encontrado un valioso filón que no se aprovecha lo suficiente en la industria nacional. Necesitamos más funk en España, y él lo sabe.

Martin Garrix avanza su tema con Madonna, ‘Bizarre’

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Durante una actuación en Nueva York, Martin Garrix ha pinchado lo que parece su colaboración con Madonna. Se escucha a la cantante pronunciar la palabra «bizarre», por lo que se asume que se trata del tema así llamado contenido en el álbum ‘Confessions II’.

Los fans de M le están dando veracidad porque una persona que asistió a la escucha del álbum en Estados Unidos mencionó «un banger que empieza con la letra B», desde antes de que se conociera el tracklist. El único tema de la secuencia que empieza por la letra B es ‘Bizarre’ y empezaba a ser raro que no se supiera nada de él.

Y es que ‘Bizarre’ no aparece en el corto sobre el disco que acaba de estrenarse en Tribeca, pero parece que Madonna se dirigirá a varios targets en esta era: ‘Danceteria’ para sus seguidores de siempre, ‘Read My Lips’ con Feid para el público latino, y este ‘Bizarre’ para los nostálgicos de la EDM.

Todo ello sumado a los 3 singles ya conocidos, a destacar ‘Bring Your Love‘ con Sabrina Carpenter, y a los teasers de otras 2 canciones, ‘Good for the Soul’ y ‘One Step Away’.

Martin Garrix es responsable de hits monstruosos junto a artistas como Bebe Rexha y Dua Lipa, como ‘In the Name of Love’ o ‘Scared to Be Lonely’. Menos repercusión ha tenido su tema reciente junto a Ed Sheeran, ‘Repeat It’.

‘Mi Catedral’ capta el carácter artesano de «Triángulo»

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El pasado mes de octubre Triángulo de Amor Bizarro grabaron un directo para KWXP en Bilbao, suponemos que en el entorno de BIME. El concierto se subió en febrero avanzando un tema nuevo llamado ‘Mi catedral’.

Pocos días después se compartió el primer single de su nuevo disco, mucho más comercial, ‘Sacrificio’, y de alguna manera nos olvidamos de ‘Mi catedral’. Parecía que hubieran elegido este tema solo porque el rodaje se realizó en la Iglesia de la Encarnación. ‘Mi catedral’ casi que dentro de una «catedral», dejando planos muy apropiados. Sin embargo, el tiempo está confirmando que esta es la canción más importante de esta era. No en vano es el tema que da título al álbum. ‘Mi catedral’ es nuestra Canción del Día hoy.

‘Mi catedral’ es la composición que mejor resume la filosofía artesana de Triángulo de Amor Bizarro. Una carrera de fondo al margen de la industria musical, en este caso fabricando con sus propias manos «una vasija». Esa es su «catedraaaaaaal», canta Isa Cea.

Se entiende mejor con la explicación que están dando en las entrevistas: «El álbum habla de que a lo mejor hay que crear nuestro propio futuro y eso es «Mi Catedral». Que hay que reinventar un poco todo, dejar atrás cosas que a lo mejor ya no son tan modernas como nos quieren hacer creer. Como las redes sociales, como el sistema turbocapitalista decrépito, y que a lo mejor hay que dar paso también a nuevas generaciones y que creen su propio mundo».

La producción del álbum enriquece la versión en vivo que conocimos de entrada, incorporando unos sintetizadores que parecen prestados de ‘Joan of Arc’ de OMD, lo que le da un toque melancólico. Todo ello sin que se pierda un ápice de la energía que va aportando poco a poco el baterista Rafa Mallo, que se luce especialmente en el clímax final.

Triángulo de Amor Bizarro tienen una agenda con decenas de conciertos repartidos por todo el país, culminando en Barcelona y Madrid ya el año que viene. No te los pierdas en las salas.

Lola Indigo desaprovecha a Lorca en ‘El Bachatón de la L’

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Casualidad o no, a Lola Indigo también le ha dado por Lorca. Como a Los Javis. Sin embargo, hasta el momento, sus “reinterpretaciones del universo lorquiano”, como las define la nota de prensa, no han resultado demasiado estimulantes visualmente.

Ni el videoclip de ‘Tus iniciales’ ni este ‘El Bachatón de la L’ parecen tener mucho que “reinterpretar” sobre ‘La casa de Bernarda Alba’ y ‘Bodas de sangre’.

Más que una reinterpretación, lo que encontramos en ‘El Bachatón de la L’ es la ilustración de algunos de los elementos más reconocibles de la obra. Ahí están los novios, los caballos, las navajas, la imaginería religiosa, el enfrentamiento final entre el prometido y Leonardo… Un repertorio de tropos y símbolos fácilmente identificables para cualquier espectador familiarizado con ‘Bodas de sangre’.

Pero poco más. No hay relectura de ningún tipo, ya sea esta pop, camp, meta, posmoderna, política, queer, feminista, revisionista… Y eso que el clip comienza con una imagen que sí tiene una fuerte carga semántica: la cantante perfilándose un ojo con una navaja, un gesto que evoca el célebre plano inicial de ‘Un perro andaluz’, de Buñuel y Dalí. Sin embargo, la referencia queda reducida a un simple guiño visual sin consecuencias narrativas o conceptuales.

El resto del videoclip continúa por la misma senda. La trama de ‘Bodas de sangre’ es reproducida de forma esquemática y reconocible, mientras que sus conflictos y símbolos quedan como un simple decorado de prestigio. Un catálogo de imágenes icónicas que desfilan ante nuestros ojos mientras Lucho RK se toca la barriga, nos señala con el dedo y acaricia un caballo como un niño en una granja escuela.

Olivia Rodrigo arrasa con su tercer disco

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You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love‘, nuestro próximo Disco de la Semana, ha sido recibido con entusiasmo por crítica y público. A lo largo de este viernes, Spotify ya advertía que el álbum estaba siendo el disco más escuchado de una artista femenina en un solo día, durante 2026. Amazon Music también posteaba que este estaba siendo el disco más escuchado en sus primeras 24 horas de este año. Aunque no lo mencionaba, superaba lo último de Drake en esta plataforma, pues no especificaba género.

Las cifras concretas luego reveladas por Spotify respecto al primer día eran espectaculares, con más de 80 millones de streams, respecto a los 60 millones que conseguían sus dos anteriores álbumes en la primera jornada. ‘stupid song’ no solo se convertía en el tercer número 1 global para el álbum, con más de 10 millones de streams en un solo día, sino que las 13 canciones del álbum llegaban al top 20 a nivel global. El tema menos escuchado, el último, sumaba 4,5 millones de streams:

1 NEW Olivia Rodrigo – stupid song 10,109,559
2 +3 Olivia Rodrigo – the cure 7,290,175
3 +8 Olivia Rodrigo – drop dead 7,122,412
4 NEW Olivia Rodrigo – honeybee 7,067,696
5 NEW Olivia Rodrigo – maggots for brains 6,386,161
6 NEW Olivia Rodrigo – u + me 6,091,974
7 NEW Olivia Rodrigo – my way 5,978,782
9 NEW Olivia Rodrigo – what’s wrong with me (w/ Robert Smith) 5,875,678
10 NEW Olivia Rodrigo – begged 5,663,066
13 NEW Olivia Rodrigo – less 5,266,084
15 NEW Olivia Rodrigo – purple 5,199,585
16 NEW Olivia Rodrigo – expectations 5,031,444
18 NEW Olivia Rodrigo – cigarette smoke 4,509,987

En cuanto a España, aunque la única entrada en el top 10 es la de ‘pa ti toa’ de Ana Mena con Lola Indigo, en concreto, en el número 9, ‘stupid song’ conseguía llegar al puesto 12. ‘honeybee’ entraba al top 31, ‘the cure’ subía al 38, ‘drop dead’ al 41′, y la totalidad del disco figuraba en el top 100. La canción más discreta, de nuevo ‘cigarette smoke’, estaba en el puesto 90.

Más inesperada ha sido la respuesta crítica. 13 reseñas elevan el álbum hasta el 90/100 en Metacritic, destacando el 10 dado por tres medios. Rolling Stone ha optado por 4 estrellas y media, The Guardian por 4 estrellas, y el medio más crítico, The New York Times, 3 estrellas y media.

No ha habido «difícil tercer álbum para Olivia Rodrigo» sino la consolidación del proyecto que conocimos con ‘drivers license’.

Evanescence / Sanctuary

La historia de Evanescence está repleta de turbulencias. Desde la fama lograda con ‘Fallen’ (2003), la banda ha estado constantemente sometida a crisis internas que, para bien o para mal, han ido marcando su destino. Tras ese trabajo, el co-fundador y guitarrista Ben Moody dejó la formación abruptamente por diferencias creativas con la cantante y su entonces pareja sentimental Amy Lee. En los años posteriores, otros miembros de la banda fueron saliendo y entrando, mientras se enfrentaban a disputas con la discográfica, que buscaban un sonido más comercial para ellos y quienes llegaron a descartar casi al completo las producciones originales de su disco homónimo en 2011.

Eso explica los larguísimos hiatos entre proyectos, especialmente los 10 años entre aquel álbum y ‘The Bitter Truth’ (2021). En esta ocasión, el grupo parece haber encontrado al fin cierta estabilidad, por lo que el sucesor de este último no se ha hecho tanto de rogar. ‘Sanctuary’ es un regreso más que competente, que en ocasiones, incluso ofrece los momentos más inspirados de la banda en más de una década.

Por supuesto, no es una reinvención: a estas alturas, Evanescence es un género en sí mismo. En más de un cuarto de siglo, el grupo de Little Rock ha ido puliendo un estilo tan reconocible que no se puede asociar a nadie más. En ‘Sanctuary’ no faltan las grandes instrumentaciones metal, los épicos pasajes cinematográficos conducidos por la expresiva y bellísima voz de Amy Lee o la balada a piano de rigor. Estamos en territorio conocido, pero más a gusto en él de lo que nos habíamos sentido en los últimos tiempos.

Esto se debe a un buen puñado de canciones muy bien construidas, como ‘Beautiful Lie’, que arranca el proyecto con energía, apoyándose en una percusión agresiva, o en ‘Tell Me When You’ve Had Enough’ , que cuenta con una producción más creativa, con oscuros riffs de bajo y guitarra. Ambos temas tratan, de una manera u otra, sobre la búsqueda de la verdad en tiempos en los que la desinformación y la división social y política la están emborronando cada vez más. ‘Who Will You Follow’ abarca esto de forma aún más directa. Es Evanescence en estado puro, aunando todo lo que tan bien saben hacer: atmósferas densas e industriales, denuncia social y una interpretación vocal que arrasa con todo.

Afterlife’, originalmente publicada como sencillo promocional del anime ‘Devil May Cry’, es otro de los puntos más álgidos que ha dejado la banda en mucho tiempo. Pese a que su objetivo en un principio fuera otro, su inclusión en el disco lo evidencia: era demasiado buena para dejarla fuera. Sobre todo, gracias a un estribillo que es pura épica, en el que no solo brilla Amy Lee, sino también todos sus músicos. Algo parecido puede decirse de ‘Sanctuary’, una canción que podría pertenecer a cualquier disco de la banda, pero qué importa si la pasión que transmite sigue siendo tan eficaz.

La parte baja de la secuencia está algo más desequilibrada. ‘How Do I Heal’ es un bonito número a piano donde, cómo no, Lee luce su impresionante talento vocal. Es un gusto escucharla siempre, aunque a la canción le hubiera venido bien algo más de trabajo compositivo, pues da la sensación de que no termina de explotar su potencial. Algo parecido sucede con la otra balada, ‘Forever Without You’, que más allá de la admiración hacia su cantante, no hay mucho más donde rascar.
About Us’ es más estimulante y probablemente lo más pop que ha firmado la banda en esta era. También dan cierto protagonismo a pequeñas dosis electrónicas en ‘Calm Down’, que tiene el mérito de intentar algo diferente, aunque no llegue realmente a tener un gran impacto. En ese sentido, es mucho más efectiva ‘Self Destruct’, que juega con una percusión tensa hasta romper con una inesperada sección de cuerdas.

Pese a perder fuelle al final y a que las canciones nunca lleguen a ser lo memorables que eran en ‘Fallen’ o ‘The Open Door’, ‘Sanctuary’ funciona. Tras unos cuantos años dando palos de ciego, Evanescence han recuperado parte de su magia, y lo han hecho tomando una vía tan segura como efectiva: copiando a la mejor versión de sí mismos.

Los mejores conciertos de Primavera Pro 2026

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Hara Amorós

Unas horas antes de que se abran las puertas del Fórum para la jornada gratuita del miércoles de Primavera Sound, ya funciona el escenario de conciertos de libre acceso de Primavera Pro, sito al aire libre en el Pati de les Dones del CCCB. Una veintena de conciertos tendrá lugar durante el día, de miércoles a viernes. El Primavera Pro reúne a profesionales de la industria musical (artistas, periodistas, mánagers, cazatalentos) para una serie de conferencias, debates, entrevistas y masterclasses, pero los showcases se abren al público y es habitual ver pasar a curiosos, vecinos, locales y por supuesto guiris de visita en Barcelona.

La jornada de viernes es más testimonial, pues la gente ya ha pisado el Fórum y está pensando en volver al Fórum para ver a sus artistas favoritos, pero la jornada del miércoles es muy intensa, con shows de 13.30 hasta las 21.30, y tan variados.

El día comenzó con la encantadora Yana, desde Polonia, sin separarse de piano más que para manejar unos secuenciadores que acercaban su sonido al ambient. También dio todo el neo-grunge a lo Courtney Love de naya mö, acompañada de tan sólo un batería; o por la noche Kara Boi (en la imagen). Sería fácil catalogar su música como bedroom pop, pero en un momento se colgó la guitarra eléctrica para interpretar en solitario un tema diferente. Su corte ‘La sensación’ se pega como un chicle porque, ante todo, llaman mucho la atención las letras personales de la artista, que pueden ir sobre «estar perfecta» o «loca de atar».

También fue mágico el concierto de la banda de April, con hechuras de clásicos como los de los deliciosos Lucky Soul, y melodías tarareables como salidas del indie pop de los años 90. Decoradas por un violín, sonaron algunas canciones de su reciente álbum ‘Axe to Grind’. En este artículo destacamos especialmente 5 conciertos que llamaron especialmente mi atención.

La Sécurité

Hara Amorós

Los conciertos de Primavera Pro tienen lugar todos seguidos, sin descanso, salvo 20 minutos entre show y show, para desmontar y montar lo siguiente. El colectivo de art-punk de Montreal pasó esos 20 minutos realizando una prueba de sonido que en otro contexto habría quitado algo de glamour a su salida. Pero aquí mereció la pena. No tantos proyectos de los que concurrían ofrecían un concierto de banda completa y sonaron estupendos en su homenaje al pop de finales de los años 70. Una gran base rítmica, mucha importancia de los teclados y a su vez buenas melodías. Temas como ‘Detour’ conectan con formaciones como B-52’s, Devo y Blondie, y su vocalista Éliane Viens-Synnott conecta con todo el mundo por alguna razón. Creo que lo llaman carisma.

L’aranna

Hara Amorós

La mayor cualidad de Primavera Pro es que te permite descubrir a nuevos talentos a los que no llegarías de otra manera. Es el caso del dúo catalán L’arannà, que tan solo cuenta con 2.000 oyentes mensuales en Spotify. Sobre el papel pueden parecerte de la escuela de Fillas de Casandra, Maria Arnal o Tarta Relena, pero hay que verlas para descubrir el brillo de su personalidad, que no teme a la aproximación eurovisiva. Deberían ir a Benidorm Fest: tremendas voces, a veces acompañadas incluso de improbables coreografías, con un gran sentido de lo escenográfico. Tan pronto se suben en una silla las dos al mismo tiempo, que insertan un bombo tecno o incorporan un tambor. Y al margen de trucos escénicos, canciones tan certeras como ‘Jardí vora el mar’ despuntarían de todas formas. Por algo se llevaron uno de los aplausos más cálidos del público.

3L3D3P

Hara Amorós

En este tipo de eventos con showcases de artistas noveles que están empezando es habitual detectar cierta timidez en algunos cantantes, como fue el caso del portugués d.dramatico, que se paseó por el escenario tranquilamente, sin demasiado garbo y portando un bolsito, dejando el protagonismo a sus bonitas canciones. Si 3L3D3P hubiera portado bolso alguno, habría terminado reventado, destruido, desgarrado. La artista, cuyo nombre su pronuncia LDP -en inglés, claro- no paró de hacer vibrar a la audiencia dando botes, vueltas sobre sí misma, acercándose al público, rodando por el suelo. Todo el problema que le pudieras poner a su playback lo resolvió con actitud, simpatía y lanzando también «vocals» en directo, que a veces fallaban, porque no paraba quieta, para desesperación de su DJ y de los técnicos de sonido. Pero dio igual. Todo el mundo movía con ella los brazos al ritmo de su hyper pop de tintes hardcore. La próxima, en horario de club.

Camille Keller

Hara Amorós

Otro que gastó una enorme presencia escénica, prácticamente en solitario, fue el artista afincado en Bruselas Camille Keller. No me atrevería a llamarle ni cantautor ni rapero, simplemente se paseó por el escenario expresándose a sí mismo, recordando a figuras tan particulares como Mac Miller. En ocasiones, la base podía ser más austera, en ocasiones la base podía pasarse más bien al noise, en ocasiones electrónica o cualquier cosa, siempre centrando en sí mismo las miradas, más como un MC desafiante que como el líder de un proyecto indie del tipo Panda Bear. Deslumbró especialmente al final, cuando estuvieron a punto de cortarle el sonido sin dejarle interpretar su nueva canción, y terminó proyectando que el show estaba dedicado a la memoria de alguien que acababa de perder.

Azikazin Magic World

Hara Amorós

Otros con los que la gente no paró de botar o mover la cabeza fueron los surcoreanos Azikazin Magic World. El dúo tiene matices en su música que van desde el drum&bass a la indietrónica pasando por lo machacón de lo que entendíamos que era j-pop, todo ello incluso dentro de la misma canción. Es el de Moogia & Lionclad un proyecto ultra 2026 que por algo se ganó la simpatía y la curiosidad de gente de muy diversas edades y estilos. En su caso, nadie abandonó.

Vídeo Resumen de Primavera Pro 2026

El poema de Joshua Idehen sobre quién hace la colada es brillante

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Estos días hemos escogido como Disco de la Semana el nuevo de Joshua Idehen, a tenor de sus grandes conciertos ofrecidos en España, de mano de Primavera Tours. La forma de entrar en «I know you’re hurting…» es a través de bangers para la pista de baile como ‘This Is The Place’, ‘Turn It Around’ o ‘It Always Was‘, que ya fue Canción del Día.

Pero la canción señera, inolvidable, inconfundible del disco es ‘Mum Does the Washing’. Es increíble que un tema como este tenga casi 2 millones de escuchas, pero como parodia de los diferentes sistemas económicos, corrientes artísticas o movimientos sociales, en función de «quién hace la colada» ha calado entre el público. ¿Qué es eso que samplea? ¿Acaso una versión de ‘If I Were a Richman’ con el «pitch» cambiado? Antes que nada, Joshua Idehen es poeta, así que dejemos que sean sus palabras las que hablen:

«El mundo según cómo tu madre lava la ropa

Capitalismo:
Tu madre lava la ropa, le pagas un dólar
Le pides que lave la ropa de tu amigo, tu amigo te paga cincuenta dólares
Comunismo:
Tu madre lava la ropa, tú lavas la ropa
Todas las noches, saludas una foto de tu padre

Socialismo:
Tu madre lava la ropa, tú cocinas
Todos son felices, en teoría
Feudalismo:
Tu madre lava la ropa y te paga impuestos

Colonialismo:
Entras sin permiso en la habitación de tu madre
Dices que tú fuiste quien descubrió la habitación de tu madre
Y dejas toda tu ropa sucia en el suelo
Fascismo:
Tu madre lava la ropa
Y estás obsesionado con su nariz

Liberalismo:
Observas a tu madre lavar la ropa
Y te sientes realmente, realmente mal
«Hay que hacer algo», dices
Y puede que se haga o puede que no
Libertarismo:
Tu madre lava la ropa
Y crees que la lavaste tú

Religión:
Tu madre lava la ropa
Y le das gracias a Dios
Ateísmo:
Tu madre lava la ropa
Haces un vídeo de 12 partes en YouTube exigiendo pruebas revisadas
De que, efectivamente, lavó la ropa

Sionismo:
Empujaste a tu madre a la lavadora
Y el centrifugado la mareó
Y ese mareo la hizo vomitar
Y señalas ese vómito y lo llamas antisemitismo
Americanismo:
Tu madre lava la ropa
Está en la Constitución
Fin de la discusión

Mansplaining:
Tu madre lava la ropa
Le dices cómo hacerlo mejor
cuando nunca has lavado la ropa
Matrimonio entre personas del mismo sexo:
Vuestras madres lavan la ropa

Patriarcado:
Tu madre no existe
La ropa se lava sola misteriosamente
TERFas:
Tu madre no quiere que tu otra madre lave la ropa
Por cosas como los genitales y demás

Encuesta:
Hay un 70% de probabilidad
De que laves la ropa el sábado por la noche
100% de que tu madre la tenga lavada
el domingo por la mañana

Africanismo:
Vas a casa de Benny
La madre de Benny lava la ropa
Le preguntas a tu madre por qué no la lava ella
No sobrevives esa noche

Feminismo:
Tu madre insiste en que crezcas y laves tu propia ropa
Feminismo blanco:
Tu madre contrató a una mujer de color para lavar la ropa

Feminismo masculino:
La única vez que lavé la ropa
Le conté a todo el mundo que lavé la ropa
Escribí una entrada en mi blog
Presumí de ello
Me tomé una selfie
Historia de Instagram
Salí en la tele
Gané un Óscar
Jugué a Fortnite
Bailé
Soy un aliade
Hashtag #MeToo

Igualitarismo:
La única vez que lavaste la ropa
Es prueba de que todos somos iguales y que ya nadie necesita el feminismo

Hip-hop:
Todos los días me esfuerzo
Todos los días me esfuerzo
Cuando traigo la cesta
Mamá mete la ropa

Narcisismo:
Te ves bien con la ropa que lavó tu madre

Surrealismo:
La ropa lavó a tu madre