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Madonna revela que provocó un incendio en Nueva York antes de triunfar

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Madonna ha contado que en sus primeros años en Nueva York, a principios de los 80, provocó accidentalmente un incendio eléctrico en el edificio ilegal donde vivía en el Garment District de Manhattan. Sin duda, una gran influencia para Britney Spears, que incendió su gimnasio -también por accidente- décadas después.

La anécdota sale a la luz porque Madonna se ha asociado con una conocida plataforma de pagos y recompensas para alquileres para pagar un mes de alquiler a cada músico residente del icónico Music Building de Midtown, el espacio de ensayo y viviendas donde empezó a forjarse como artista cuando acababa de llegar a la ciudad.

En un vídeo promocional, Madonna recuerda que, antes de encontrar refugio allí, vivía en condiciones muy precarias, concretamente sin calefacción, en pleno invierno neoyorquino, durmiendo sobre el suelo dentro de un saco de dormir y rodeada de calefactores eléctricos.

La situación acabó peor de lo esperado. “Estaba viviendo ilegalmente en un edificio del Garment District sin calefacción en pleno invierno, durmiendo en el suelo en un saco de dormir rodeada de estufas eléctricas”, explica. Una noche, cuenta, provocó un incendio eléctrico por accidente. Como si de una película se tratara, cuenta que se despertó «rodeada de llamas”.

Sin otro sitio al que ir, Madonna escapó y acabó instalándose en el Music Building de la 8ª Avenida, un lugar mítico para músicos de Nueva York que terminó siendo decisivo en su carrera. “Los artistas llegan cada día a Nueva York con un sueño y, más a menudo de lo deseable, con poco más”, ha explicado.

Madonna, en esta primera entrevista promocional de la era ‘Confessions II‘, ha confirmado que el tema que cierra el disco, ‘L.E.S. Girl’, en su edición deluxe, está inspirado en esa época: son siglas de «Lower East Side girl».

Panda Bear anuncia era offline: su nuevo disco evita el streaming

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Panda Bear y Sonic Boom, que ya colaboraron en el recomendable ‘Reset‘ (2022), vuelven a unir fuerzas en un nuevo disco titulado ‘A ? of WHEN’, que no se subirá a plataformas de streaming: solo estará disponible en formato físico y descarga digital. De hecho, el tema titular ya se puede escuchar, pero solo si se compra el álbum por adelantado. Así, Panda Bear comunica su intención de recuperar una relación más directa y tangible con la música, “minimizando todo lo online”.

En un comunicado, Panda Bear habla contra “la basura de la IA” y la dinámica de los algoritmos y apuesta por la “conexión real”: “de aquí en adelante buscamos la radio, los conciertos, las escuchas colectivas, las sesiones de preguntas y respuestas y las interacciones en la vida real para volver a un lugar que sentimos que tiene más sentido”, cuenta. “Por eso os pedimos que os unáis a nosotros offline, fuera de las redes sociales. que nos encontréis en el mundo real. IRL, no URL…”

El álbum vuelve a jugar con un enfoque sonoro experimental, siendo un disco construido a partir de bucles y texturas poco habituales en su música, como arpa (interpretada por Mary Lattimore), steel drums, pedal steel e incluso fragmentos de una banda de mariachi; todos estos sonidos «rompen» deliberadamente con el sonido del álbum anterior.

En cuanto a la temática, las canciones abordan el «agotamiento digital, la depresión contemporánea, la crisis política y la sostenibilidad ecológica», por lo que entrará especialmente en materia. El 10 de julio podrá escucharlo quien lo compre.

The Durutti Column vuelve, para alegría de Harry Styles

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The Durutti Column, el proyecto de Vini Reilly surgido en los márgenes del post-punk británico, regresa con ‘Renascent’, su primer disco en 16 años, el primero exactamente desde ‘A Paean to Wilson’, que data de 2010.

Más que una banda convencional, The Durutti Column es un proyecto centrado en la figura de Reilly, uno de los primeros artistas de Factory Records, el primer sello que lanzó a Joy Division, lo cual incluye su mítico ‘Unknown Pleasures’ (1979).

Sin hacer mucho ruido, The Durutti Column es una referencia que ha resultado muy influyente en el pop actual, incluso en artistas tan improbables en principio como Harry Styles, Frank Ocean o, desde España, Natalia Lacunza, que considera a The Durutti Column «su grupo favorito ahora mismo»; o en otros artistas más previsibles como Youth Lagoon. En el último año, además, ha vuelto a la palestra colaborando con Blood Orange en la maravillosa ‘The Field‘, que incluía también a Caroline Polachek, entre otros.

Desde su debut en 1980 con ‘The Return of the Durutti Column’, un disco que ya apuntaba a una sensibilidad muy alejada de su contexto, su propuesta se ha basado en alejarse del ruido dominante del post-punk para explorar, también en álbumes destacados como ‘LC’ (1981), ‘Another Setting’ (1983), ‘Without Mercy’ (1984) y ‘Vini Reilly’ (1989), un abanico de sonidos definido por guitarras limpias, atmósferas melancólicas e influencias más introspectivas que han conectado con el ambient, el jazz o la música clásica.

El primer avance de este ‘Renascent’ que se podrá escuchar a partir del 31 de julio, se llama ‘Liars’ y combina las guitarras habituales de The Durutti Column con coros celestiales, una base rítmica de inspiración hip-hop, y la voz susurrada de Reilly.

Del internado a la rave: el deseo incendia lo nuevo de Tove Lo

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El videoclip que ilustra ‘I’m Your Girl Right?’, primer avance del álbum ‘ESTRUS’ de Tove Lo, comienza casi como un capítulo de ‘Los testamentos’. Jóvenes uniformados y disciplinados por medio de la instrucción y la obediencia, en un entorno eclesiástico y cuartelero (el clip está rodado en Brasil, en un antiguo monasterio a las afueras de Sao Paulo), como si fuera un internado de Gilead o cualquier dictadura teocrática.

Pero basta una notita de amor en el comedor para que el orden establecido salte por los aires como la reputación de Zapatero. La irrupción del deseo actúa como un virus que infecta ese ecosistema de represión, transformando la obediencia en pulsión y la sumisión en liberación. De repente, pasamos del puritanismo distópico de ‘Los testamentos’ al erotismo danzante del ‘Suspiria’ de Guadagnino o al delirio corporal de ‘Climax’, de Gaspar Noé.

El gran valor del clip es que narra esa transformación casi exclusivamente a través del cuerpo y de la puesta en escena: cambian las luces, el montaje se acelera, los encuadres dejan de ser geométricos, y el baile abandona la rigidez marcial para entregarse a una sensualidad anárquica y contagiosa. La disciplina visual del arranque se descompone al mismo ritmo que lo hace el orden moral que representa: donde antes había simetría, control y obediencia, irrumpe el caos, el deseo y una suerte de liberación colectiva.

5 razones para mirar a la escena catalana en el Primavera Sound 2026

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La 24ª edición de Primavera Sound Barcelona vuelve a poner el foco en la escena catalana dentro de una programación que mezcla grandes nombres internacionales con una destacada, y cada vez más amplia, presencia local. Del 1 al 7 de junio, el festival convertirá la ciudad en un escaparate del talento del territorio, en un momento especialmente fértil y diverso para la música hecha en Cataluña.

Entre los nombres del cartel destacan Bad Gyal, Rojuu, Renaldo & Clara, Ouineta o Ven’nus, junto a propuestas que cruzan escenas y generaciones, desde proyectos consolidados hasta artistas emergentes. En este artículo nos centramos en cinco de estas nuevas voces que están empezando a ganar peso dentro del circuito.

La programación se extiende también por las salas de la ciudad con Primavera a la Ciutat, donde se suman actuaciones como la de nuestros recomendados Remei de Ca la Fresca, entre otras. Además, Primavera Pro en el CCCB completa el foco en el talento emergente con una jornada de showcases gratuitos que reúne a varios de los nombres que comentamos aquí.

kara boi
Kara Boi es el proyecto de la artista barcelonesa Cris Llobet. Antes conocida bajo el alias de Krissia, Kara Boi es el nombre que marca una evolución artística evidente en cortes como ‘3 ríos’, de carácter ambiental y emotivo, y en la seguridad con la que aborda la diversidad estilística. Todo parece dársele bien, desde el dream-folk de ‘solo quiero que me acaricies’ hasta el glitch-pop de ‘La sensación’, que remite a Dntel o Lali Puna. El indie-rock delicado de ‘Qué feo está todo’ y el piano atemporal de ‘Creo que me creo’ demuestran también su sensibilidad para la composición y la interpretación. Son canciones sobre el duelo, sobre aprender a atravesarlo y recordar qué cosas importan de verdad, manteniendo siempre una mirada íntima. En CCCB

Lhara
Antigua estudiante de traducción, la artista guipuzcoana residente en Barcelona Lhara se está labrando un hueco en el urban pop de corte vanguardista, sin renunciar a los códigos del hyperpop y la electrónica. Su último disco es conceptual y se basa en la historia de los pecados de una familia, con temas como ‘Don – Bill$’ u ‘Ofelia – Downtown boy’ destacando por su producción hipersensorial y rítmica. Con tres álbumes publicados, Lhara ha experimentado también con el trance en ‘Y dime xk’, junto a Sila Lua, o con el trip-hop en ‘Oro (todo lo kiero)’, manteniendo siempre una voz muy personal. En Primavera a la Ciutat

Serpent
Banda catalana surgida de proyectos previos como The Anti-Patiks o The Gundown, Serpent practica un hardcore-punk con letras en catalán. Su sonido lleno de guitarras afiladas, bajos contundente y baterías rápida y precisa se complementa con la voz llena de rabia de su vocalista, Sergi Bertran. Sus letras abordan el malestar generacional, la nostalgia como producto cultural o la precariedad de la escena underground, todo ello atravesado por una mezcla de rabia, tensión y resignación que ha conectado con el público y que se condensa en su recomendable disco ‘Absolutisme zen’, de título tan sugerente como revelador. En Primavera a la Ciutat

Kris Tena
Kris Tena es una de las voces más singulares de la nueva canción de autor catalana. Nacida en 1999 en un entorno musical, su música transmite una madurez que va mucho más allá de lo que podría sugerir su edad. Las canciones de ‘mai adeu’, su último disco, transitan entre el folk luminoso de ‘Dicen’ y la experimentación con el autotune de ‘JIM’, entre el catalán y el castellano, siempre reconfortantes gracias a la calidez e intimidad de su voz. Según Tena, el álbum “resume el deseo de permanencia desde el que me relaciono con la vida”. Quienes disfruten de artistas como Sílvia Pérez Cruz o Rita Payés -que colabora en el disco- harían bien en no perderle la pista. En CCCB

Hadren
Debutante muy joven -le conocimos cuando tenía 18 años, aunque empezó un poco antes-, Hadren es el proyecto de un diseñador sonoro, productor y DJ barcelonés Adrià Arbós. Su música se mueve entre la electrónica rave, el deconstructed club, el avant-pop, el techno, el latin club y el hyperpop, pero quizá lo más destacable de su propuesta es el alter ego azul que aparece en portadas e imágenes promocionales. Además de su trabajo en solitario, también ha colaborado como productor con otros artistas y ha sido director musical del último show de Belén Aguilera. Su disco ‘TRICK TRACKS’ ofrece en cortes como ‘CarCrush’, ‘SoRomantic’ o ‘Star’ un sonido lleno de ritmo, detalle, electrónica envolvente y un torrente de sensualidad digital que sabe a presente y a futuro a la vez. En CCCB

Lola Young reescribe su historia con la adicción en ‘From Down Here’

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«Estoy reescribiendo el siguiente capítulo de mi historia con esta canción». Así describe Lola Young su nuevo single. Después de colapsar en medio de un concierto y de la cancelación de toda su agenda a finales de 2025 para centrarse en sus problemas de adicción, la artista británica regresa de forma triunfal con ‘From Down Here’. Es la Canción del Día.

Con ayuda de James Blake en la composición y en la producción, Young cambia su estilo medio guitarrero por toda una balada sintetizada en la que su voz brilla por encima de todo lo demás. La artista canta sobre estar fuera de lugar, subiéndose a una mesa sin poder bailar, no sabiendo cómo empezar una conversación o sintiéndose extraña en su «lugar favorito»: «¿Por qué odio estar aquí?», canta.

El estribillo aborda el tema de sus adicciones de cara, describiéndose como «no viva del todo» y «en algún punto entremedias» entre la vida y la muerte: «Echo de menos el subidón desde aquí abajo / Solía volar por aquí». Pese a la seria temática que trata la canción, ‘From Down Here’ sigue funcionando perfectamente como una canción de pop. Además, tiene una de las mejores interpretaciones vocales de Lola Young.

Esta explica el concepto detrás de la canción en un post de Instagram: «El día después de ganar un Grammy, sentí un subidón, pero no como los que he solido tener, era un nuevo tipo de subidón, uno puro y orgánico. No me había sentido así en muchísimo tiempo. Era algo que no sabía que había perdido, pero joder, lo echaba de menos». Al final, cuenta que ‘From Down Here’ enseña que «la alegría y el dolor pueden vivir en el mismo espacio y tiempo».

Olivia Rodrigo revela tracklist: mitad «enamorada», mitad «triste»

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Ya queda mucho menos para el lanzamiento del esperado tercer disco de Olivia Rodrigo, disponible el próximo 12 de junio. ‘you seem pretty sad for a girl so in love’ no tiene un título tan largo porque sí, sino que en realidad se trata de un álbum dividido en dos partes con temáticas diferentes. La artista lo ha revelado con la publicación del tracklist completo.

Rodrigo describió su tercer disco como «experimental» y lleno de «canciones de amor tristes». Ahora, conocemos los nombres de esas canciones. La primera parte del álbum, la que comienza con ‘drop dead’, tiene el sobrenombre de «Girl So In Love» e incluye canciones como ‘Stupid Song’, ‘Honey Bee’, ‘My Way’ o ‘Purple’, que cierra esta mitad. Los títulos más llamativos son, sin duda, ‘Maggots For Brains’ y la inocente ‘U + Me = 3′.

La segunda mitad, por otro lado, se titula «You Seem Pretty Sad» y así lo reflejan sus títulos. Ya conocíamos la reciente ‘the cure’ y ‘begged’, la colaboración con Weyes Blood que debutó en SNL. El resto de canciones son un contraste total respecto a las de la primera parte, con nombres como ‘What’s Wrong With Me’, ‘Less’, ‘Expectations’ y ‘Cigarette Smoke’, que cerraría el LP.

Tracklist:
‘Drop Dead’
‘Stupid Song’
‘Honey Bee’
‘Maggots For Brains’
‘U + Me = 3’
‘My Way’
‘Purple’
‘The Cure’
‘Begged’
‘What’s Wrong With Me’
‘Less’
‘Expectations’
‘Cigarette Smoke’

Leire Martínez en México: «Ayuso debería pedir disculpas»

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Leire Martínez está de gira en México presentando su disco ‘Historias de aquella niña‘. En una entrevista, la exvocalista de La Oreja de Van Gogh ha respondido a una pregunta acerca de las discutidas declaraciones de la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, sobre México y la conquista española. Ayuso ha llegado a afirmar, en palabras de tono colonialista, que “México no existió hasta que llegaron los españoles” y ha elogiado la figura de Hernán Cortés, conocido por liderar la conquista del Imperio azteca en el siglo XVI.

Martínez, tan diplomática como de costumbre, ha respetado el derecho de Ayuso a opinar, pero ha señalado que no está de acuerdo con lo que ha dicho y que las declaraciones de la dirigente madrileña no le parecen que respondan siquiera a la realidad histórica.

“La ideología y el sentir de cada uno es un tema complicado; la diversidad es lo que tiene: cada uno sentimos y pensamos de maneras distintas”, ha dicho. “Creo que Ayuso representa a una parte de la sociedad española, pero a mí no me representa y yo no suscribo sus opiniones acerca de México ni de Hernán Cortés”.

Martínez ha añadido: “Creo que negar lo que en ese contexto fue una conquista, y tal y como era la sociedad de aquel momento, negar las violaciones, las torturas, las muertes… creo que no fueron hechos amigables, y decir que lo fueron no responde a la verdad ni a la realidad de lo que ocurrió”.

Martínez, además, ha propuesto que Ayuso, como representante pública, debería pedir disculpas por sus palabras, aunque ha respetado su derecho a no hacerlo si así lo considera oportuno: “Es su opinión, yo no la comparto; en el sentir de la verdad de cada uno tendrá que considerar si lo que ha dicho es merecedor de una disculpa o no. Yo creo que sí estuvo feo y se debería disculpar, pero ella tendrá que decidir qué es lo que considera que tiene que hacer”.

‘BOOMPALA’ o la ‘Macarena’ como herpes del pop: siempre vuelve

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La ‘Macarena’, el inmortal hit de Los Del Rio, ha sido sampleada decenas de veces desde su lanzamiento, pero nunca en el mundo del K-pop. Así, LE SSERAFIM han hecho honor al anagrama de su nombre (I’M FEARLESS) y han puesto toda la carne en el asador en ‘BOOMPALA’, la canción más comentada de su último disco. ¿Funciona?

Al igual que en la mayoría de canciones que se atreven a samplear un hit tan masivo, lo que más suena en ‘BOOMPALA’ es el estribillo de la canción original, aunque su uso también se extiende a la instrumentación y, por supuesto, a la coreografía. El tema en sí apunta a ser un banger de club, con versos medio rapeados, un estribillo juguetón y hasta una palabra inventada que no significa nada, pero que es divertida.

‘BOOMPALA’ podría entrar en la categoría de ‘Canciones que sabes que son malas pero que aun así te gustan’, si no fuera porque tanto los versos como el beat se hacen cansinos después de muy pocas escuchas. La mezcla con la ‘Macarena’ puede ser entretenida, pero al final acaba siendo la única excusa para quedarse a escuchar el tema.

Al leer la letra, nos encontramos con que la mezcla de estilos y épocas va más allá. Sobre todo, uno se pregunta qué pinta la ‘Macarena’ entre frases con referencias budistas como «mi chakra celestial es alucinante», «namasté, namasté, voy a quedar en pie» o la repetición de palabras como «zen». En el videoclip, además, vemos a las integrantes del grupo adoptar la pose de meditación.

Más que por esta razón, ‘BOOMPALA’ ha sido muy criticada por los fans del grupo surcoreano por ser vista como un paso atrás en la trayectoria del grupo. En un post de Reddit, un usuario se queja de que «esta canción no hace nada por las críticas vocales que han estado recibiendo durante su carrera». Otro, enfoca su hate en el uso del tema de Los Del Rio: «La ‘Macarena’ es el herpes de la música pop. Por alguna estúpida razón, siempre vuelve cuando piensas que se ha ido para siempre».

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Rosalía, gran triunfadora de los Premios de la Música: actuaciones y palmarés

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Celine Centurion

La III Edición de los Premios de la Academia de la Música de España ha tenido lugar en IFEMA y Rosalía ha sido la gran triunfadora de la noche, llevándose 8 galardones gracias a ‘LUX’. Entre estos, Artista, Álbum y Canción del año. Aunque finalmente no ha podido asistir a la gala, el presidente de Sony Music Iberia salió a aceptar el premio y aseguró que lo habían intentado «hasta el último momento».

Leonor Watling se ha encargado de presentar una gala en la que también han sido premiados Leiva, con cuatro estatuillas; Guitarricadelafuente, con dos victorias en las categorías de música alternativa; Amaral (Mejor Álbum de Pop/Rock), Luz Casal (Mejor Álbum de Pop Tradicional) o Fito y Fitipaldis (Mejor Álbum de Rock).

Por otro lado, Joan Manuel Serrat recibió el Premio de Honor: «En ningún momento, cuando empecé a tocar y escribir canciones, pensé que a estas alturas me iba a encontrar en una situación como esta», contó en su discurso.

Las actuaciones musicales, especialmente el homenaje a Robe Iniesta de la mano de Fito Robles (Siloé), Rafael Riqueni, Lela Soto, Walls y Xoel López, han sido lo más comentado de la velada.

También se recordó la figura de Jorge Martínez, de Ilegales, con Ultraligera y Juanma Montoya interpretando ‘Tiempos nuevos, tiempos salvajes’, y se dedicó un medley a Serrat protagonizado por Andrés Suárez, María Terremoto, Iván Melon Lewis y Antonio Serrano. Por último, Amaral, Luz Casal, y Pedro Guerra con Janus Lester, Tanxugueiras y Figa Flawas también amenizaron la noche.

Palmarés de los Premios de la Academia de la Música de España:
ARTISTA DEL AÑO: Rosalía
ÁLBUM DEL AÑO: ‘Lux’, de Rosalía
CANCIÓN DEL AÑO: ‘La perla’, de Rosalía (feat. Yahritza y su Esencia)
MEJOR NUEVO ARTISTA: Sanguijuelas del Guadiana
PRODUCTOR/A DEL AÑO: ‘Lux’, de Rosalía
MEJOR INGENIERÍA DE GRABACIÓN PARA UN ÁLBUM O CANCIÓN: Carles Campi Campón, por ‘El cuerpo después de todo’ de Valeria Castro
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA ALTERNATIVA: ‘Spanish Leather’, de Guitarricadelafuente
MEJOR CANCIÓN ALTERNATIVA: ‘Babieca’, de Guitarricadelafuente
COMPOSITOR DEL AÑO: ‘La perla’, de Rosalía
MEJOR VÍDEO MUSICAL VERSIÓN LARGA: ‘Flores para Antonio’, de Elena Molina e Isaki Lacuesta
MEJOR VIDEOCLIP MUSICAL: ‘Berghain’, de Rosalía
MEJOR GIRA: ‘Tour Gigante’, de Leiva
MEJOR EVENTO DEL AÑO (FESTIVAL, CICLO, GALA, CONCIERTO SOLIDARIO ETC): Inverfest 2025
MEJOR ÁLBUM POP: ‘Lux’, de Rosalía
MEJOR ÁLBUM POP TRADICIONAL: ‘Me lo voy a permitir’, de Luz Casal
MEJOR ÁLBUM POP/ROCK: ‘Dolce Vita’, de Amaral
MEJOR CANCIÓN DE POP_ROCK: ‘Caía libre’, de Leiva & Robe
MEJOR ÁLBUM DE ROCK: ‘El monte de los aullidos’, de Fito & Fitipaldis
MEJOR CANCIÓN DE ROCK: ‘Esa ansiedad’, de Ilegales
MEJOR CANCIÓN POP: ‘La perla’, de Rosalía (feat. Yahritza y su Esencia)
MEJOR CANCIÓN URBANA: ‘Chulx’, de Lia Kali & Eladio Carrión
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA URBANA: ‘Kaelis’ de Lia Kali
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA ELECTRÓNICA: ‘Déjate caer’, de Delaporte
MEJOR CANCIÓN DE MÚSICA ELECTRÓNICA: ‘PAEQB (Ale Acosta Remix)’, de Baiuca y Ale Acosta
MEJOR CANCIÓN DE RAP/HIP HOP: ‘En la cuerda floja’, de Lia Kali & Toni Anzis
MEJOR ÁLBUM DE FLAMENCO: ‘Manifiesto’, de María Terremoto
MEJOR TEMA DE FLAMENCO: ‘Miraíta – Rumba, Libertad’, de María Terremoto
MEJOR FUSIÓN/INTERPRETACIÓN URBANA: ‘Mala de verdad’, de La Plazuela
MEJOR ÁLBUM FOLCLÓRICO: ‘Amoríos. La verdad de mi coplilla’, de La Tania
MEJOR ÁLBUM CANTAUTOR/A: ‘Sílvia & Salvador’, de Sílvia Pérez Cruz y Salvador Sobral
MEJOR CANCIÓN CANTAUTOR/A: ‘Efímera’, de Rozalén
MEJOR ÁLBUM BSO, SERIES, VIDEOJUEGOS, PUBLICIDAD, SINTONÍA…: ‘BSO Furia’, de Aitor Etxebarria
MEJOR CANCIÓN/TEMA BSO, SERIES, VIDEOJUEGOS, PUBLICIDAD, SINTONÍA…: ‘Hasta que me quede sin voz’, de Leiva
MEJOR OBRA/COMPOSICIÓN CLÁSICA CONTEMPORÁNEA: ‘Trío Celebration’, de Albert Guinovart
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA CLÁSICA: ‘Paganini: 24 Caprices’, de María Dueñas
MEJOR ÁLBUM INSTRUMENTAL: ‘Suite flamenca’, de Diego Amador
MEJOR ÁLBUM DE JAZZ: ‘Leo & Leo’, de Leonor Watling & Leo Sidran
MEJOR GRABACIÓN DE MÚSICA INFANTIL: ‘Me resbala’, de Pez Al Revés
MEJOR CANCIÓN EN CATALÁ/VALENCIÀ/ MALLORQUÍ: ‘Ben poca cosa tens’, de Salvador Sobral y Sílvia Pérez Cruz
MEJOR CANCIÓN EN EUSKERA: ‘Xorieri’, de Baiuca & Izaro
MEJOR CANCIÓN EN GALEGO/ASTURIANU: ‘As que nunca cantaron’, de Tanxugueiras
MEJOR DISEÑO DE ÁLBUM: ‘Gigante’, de Leiva, por el trabajo de Boa Mistura
MEJOR ARREGLO: ‘Suite Flamenca’, de Diego Amador
MEJOR SALA DE CONCIERTOS: Café Central de Madrid
PREMIO DE HONOR: Joan Manuel Serrat.

«Sí se te olvida» el paso de Yoly Saa por Benidorm Fest

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La carrera de la compositora Yoly Saa es versátil. La artista gallega afincada en Madrid -cantó en el Metro al llegar a la ciudad- ha escrito canciones para Malú (‘Deshielo’, ‘Salvar al rey’), ha cantado en discos de Veintiuno, Nil Moliner y Ainoa Buitrago, y ha participado en Benidorm Fest (‘No se me olvida’).

Hoy 27 de mayo presenta sus últimas canciones en El Sol de Madrid como parte de la programación Escenarios Madrid by Vibra Mahou. Sara Gimeno hará de telonera y las entradas están a la venta.

La especialidad de Yoly Saa es el pop-rock atemporal, permeable a otras influencias como la electrónica, como vimos en su colaboración con Khotton Palm: ‘No se me olvida’ podría haber sido una producción de London Grammar. Sin embargo, a pesar de su paso por televisión, este no ha permanecido como su tema más popular. En realidad es solo una anécdota en una carrera que ha conocido muchos otros «highlights».

Al margen de sus sonadas colaboraciones, la balada con tintes de bolero ‘Todo contigo’ suma 9 millones de streams en Spotify. También tuvieron buena recepción ‘Rendición’ y ‘Galicia’, ambas marcadas de una forma u otra por su tierra de origen.

Después de dos discos titulados ‘A golpes de fe’ (2022) -este incluía ‘Galicia’- y ‘Mar de Ardora’ (2025) -este incluía ‘No se me olvida’-, Yoly Saa ha seguido publicando singles sueltos. Por ejemplo ‘Como mamá no hay nadie’, que incluye audios de la misma. Por ejemplo ‘Llévalo lejos’, delineado por un punteo de guitarra algo indie pop y unas guitarras y violines un tanto country. O por ejemplo ‘Hoy ya no’, un tema más uptempo que a buen seguro animará su concierto de esta noche… casi más que ‘No se me olvida’.


María José Llergo / El juego

Malrollera y un tanto chanante, la portada del tercer disco de María José Llergo está hecha a conciencia. La artista, gran amante de los animales en general y de los pájaros en particular, quería que unas palomas, según ella «los seres más puros de la ciudad», fueran protagonistas. La idea original es que irrumpieran en una reunión para acabar con los «malos rollos de contratos, de obligaciones» y con los «haters». El tipo de cosas que separa la niñez de la vida adulta. Las cosas que -apelando al título del álbum- nos impiden «jugar».

Contra todo pronóstico, a la primera, una de las palomas mensajeras se lanzó a arrancar las gafas de uno de los «señoros» y el fotógrafo Manu Jaime logró captar el momento en que el animal incluso parecía mirar a cámara. La metáfora está servida: Llergo contrapone «el juego» de la infancia y la libertad, con la rigidez de las estructuras sociales de la vida adulta. «Yo no quiero morir nunca, yo quiero jugar siempre» es la cita de Galeano que referencia en la intro del álbum, que recibe el nombre de ‘Bienvenidos al juego’.

La libertad creativa, «el juego», ha llevado a María José Llergo a dejarse empapar por influencias internacionales. La nueva gira de presentación tiene más fechas fuera de España que dentro, y este disco está influido particularmente por un mes pasado en México, conociendo a músicos de toda Latinoamérica. Es por eso que ahora encontramos, junto a sus ritmos habituales de flamenco, R&B y urbano, otros surgidos al otro lado del Atlántico, como el bolero, la salsa o la bachata.

Llergo no ha dado con hits gigantescos en esa aproximación. ‘Bolero mafioso’ con Daniel Me Estás Matando tiene demasiado de ‘Dos gardenias’ y otros clásicos populares de Antonio Machín. Como ‘Otros besos‘ de ‘Ateo’ y las muchísimas bachatas de moda, solo que como ella dice «esta está llevada a la época de Al Andalus»: sus cuerdas orientales sí suman. Porque lo que sí nos da María José -más que hits-, es otra obra muy pasional. En esta canción, junto a la trip-hopera ‘Mala mía‘ y ‘Olvídame’, retrata tres fases del enamoramiento. O más bien deberíamos decir del desenamoramiento: ‘Olvídame’ logra sonar alegre y optimista, en su despedida grandilocuente: «qué bueno fue quererte como te quería».

La familia es destinataria de alguna de sus composiciones, a destacar ‘Abuelo’, recientemente fallecido, un tema que habla del alzhéimer, y de cómo la música es una manera de ralentizarlo. Pero el despecho y las relaciones tóxicas vuelven a ser mayoría en el universo Llergo. Solo que si ‘Sanación‘ se hizo desde el dolor, y ‘Ultrabelleza‘ desde la admiración a la hermosura, ‘El juego’ lo ha hecho con ciertas ganas de pasarlo bien.

En ese sentido es un gran hallazgo, hacia el final del largo, un tema tan fresco como ‘Agua negra’. Daniel 2000 co-escribe y co-produce esta pequeña maravilla que canta el «veo, veo» a un maltratador («veo, veo / ¿qué ves? / un psicópata / pues tu novio es»). Con trazos muy locos de reggaeton y drum&bass, habría sido una gran pista 2 de un álbum alternativo. Uno en el que hubieran tenido más peso esos momentos realmente divertidos y «libres», como el reggaeton de ‘Veneno’, bailongo pese a su letra «te llamo amor y eres veneno»; el final explosivo de ‘La celda’ o el de ‘Abuelo’, que escoge ser una fiesta flamenca en lugar de un triste funeral.

Linda Perry carga contra Madonna: «Ya solo sigue modas»

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Linda Perry está dejando un torrente de titulares muy llamativos durante la promoción de su nuevo disco, ‘Let It Die Here’. La que fuera exintegrante de 4 Non Blondes y después compositora de éxitos para estrellas como Christina Aguilera se está quedando a gusto rajando de artistas como Billy Corgan o Green Day. Ahora también tiene cera para Madonna.

Perry asegura en una reciente entrevista que quiere componer un disco para Madonna cuando la estrella se retire: un trabajo más desnudo y menos enfocado en seguir tendencias o en ocultar defectos vocales. Critica que Madonna “ya solo sigue modas” y que está obsesionada en “competir con Charli xcx”, y sugiere que debería hacer un disco “con cuerdas y canciones que pueda cantar en el Carnegie Hall”, en lugar de lo que está haciendo actualmente. Asegura que, donde antes era una líder, ahora todo en Madonna “parece débil y no poderoso”.

Perry no se corta y dice: «Me encantaría meter a esa mujer en un estudio, darle un par de bofetadas y decirle: “Despierta y vuelve a ser la Madonna que eras. Eres una líder y tenemos que volver ahí”». Algunas de las ideas de Perry -cuerdas, cierta desnudez vocal- ya estaban implementadas en ‘Madame X‘, el último disco de Madonna, que no seguía tantas tendencias.

En cuanto a la voz de Madonna, Perry sugiere que, si produjera un disco para la artista de Detroit, buscaría «centrarse en el poder que puede tener su voz, no en el poder del autotune y todos esos efectos que usa ahora para ocultarse. Yo sacaría todos sus defectos a la luz e intentaría hacer un disco más acústico, algo que ella pudiera interpretar sentada ante un público elegante, en el Carnegie Hall o donde sea».

Linda Perry tiene razón en que la obra reciente de Madonna ha seguido tendencias en lugar de imponerlas. Sin embargo, ‘Madame X’ era un disco bastante arriesgado. Por otro lado, la sugerencia de que Madonna debería hacer música para cantar en el Carnegie Hall parece tener cierto componente de edadismo, como si Madonna, por tener 67 años, solo pudiera hacer música «acorde a su edad». ¿Es posible que Linda Perry esté proyectando una visión demasiado restrictiva sobre la carrera de Madonna, especialmente en lo que respecta a su derecho a seguir haciendo pop y música contemporánea?

Sin embargo, Perry reconoce que Madonna nunca haría un disco de ese tipo y admite que tiene “una espina clavada” con ella porque la ha rechazado muchas veces. Como muchos fans de Madonna recordarán, esta colaboración quedó cerca de ocurrir en un momento de la historia: Madonna estuvo a punto de grabar ‘Get the Party Started’, el éxito de P!nk de 2001 compuesto por Linda Perry, pero finalmente no le encajó. Con estas últimas declaraciones, no creemos que esa colaboración esté hoy más cerca, precisamente.

@consequence Linda Perry reveals why the Queen of Pop is her No. 1 bucket list collaborator. #madonna #madonnafans #lindaperry #4nonblondes ♬ original sound – consequence

La ex de George Harrison sobre el biopic de los Beatles: «Nadie me ha llamado»

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La serie de cuatro películas de los Beatles se centrará en cada miembro del grupo y hará especial hincapié en sus mujeres, a las que el director Sam Mendes ha descrito como “fascinantes y únicas”. Sin embargo, Pattie Boyd -quien fuera esposa de George Harrison- dice que nadie involucrado en la cinta se ha puesto en contacto con ella para consultarle su versión o avisarle de su representación en la película. Todo ello pese a que ya hay actriz asignada para interpretarla en pantalla, Aimee Lou Wood.

Boyd estuvo casada con George Harrison desde 1966 hasta 1977. De hecho, ‘Something’ se considera inspirada en aquella relación. Sin embargo, la modelo asegura que Mendes no la ha contactado: “Quizá me equivoque, pero habría pensado que habría sido educado mencionarlo o decirme que habían elegido a alguien para interpretarme”, ha comentado. “No me ha contactado nadie. Podría haber contado historias realmente interesantes, pero creo que no quieren saberlas”.

Desgraciadamente para Boyd y otras figuras de la historia del pop, en la industria del cine es habitual que en biopics y dramatizaciones sobre figuras reales no se consulte directamente a las personas representadas o a sus familias, especialmente cuando se trata de personajes públicos o hechos ya ampliamente documentados. Ocurrió con ‘La red social‘, ‘House of Gucci‘, ‘Blonde‘ y otras producciones.

De hecho, en su charla con el podcast Miss O’Dell: Abbey Road To Tulsa Time, Boyd -que hoy tiene 82 años- señala que sospecha que el enfoque del proyecto no busca necesariamente la fidelidad histórica: “No tiene nada que ver con la verdad ni con lo que realmente pasó, porque no quieren hablar con la gente que estuvo allí. Es más bien la creación de lo que el cineasta cree que ocurrió”.

Aun así, Boyd ha intentado restarle peso al asunto con humor, asegurando que no piensa darle demasiadas vueltas. Incluso ha dejado una pulla a Mendes, diciendo en tono irónico: “He oído que es famoso. Al parecer, este hombre es famoso”.

La serie de los Beatles se estructura en cuatro películas centradas en cada miembro del grupo y tiene previsto estrenarse de forma simultánea en abril de 2028. El reparto principal incluye a Paul Mescal como Paul McCartney, Harris Dickinson como John Lennon, Joseph Quinn como George Harrison y Barry Keoghan como Ringo Starr.

«Smashing Pumpkins, para siempre tachados de Primavera Sound»

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The Smashing Pumpkins nunca han dejado de tocar en España y, de hecho, tenemos a Billy Corgan en Madrid en septiembre presentando la versión orquestal de ‘Mellon Collie and the Infinite Sadness’ (1995) en conmemoración de su 30º aniversario. Donde Smashing Pumpkins no volverán a tocar nunca jamás, parece que ni gracias a un milagro, es en el Primavera Sound. Y eso que, por línea editorial, no podrían encajar más, sobre todo en lo que concierne a los inicios del festival.

Pero Gabi Ruiz, presidente de Primavera Sound, los tiene cruzados. Ya ha contado la historia alguna vez, y la ha vuelto a contar en su reciente entrevista con Rockdelux.

Sin entrar en demasiados detalles, a partir del minuto 11:50 cuenta que contratar a la banda de Billy Corgan en la edición de Primavera Sound de 2007 fue algo parecido a un infierno. Recuerda que Smashing Pumpkins marearon mucho al festival por su participación, y que cuando finalmente aceptaron, solo dieron problemas: “Tocaron tanto la moral, dieron tantos problemas y vinieron tanto de estrellitas” que, desde entonces, “los tengo tachados totalmente”.

Ruiz añade que, para colmo, ni siquiera le parecieron buenos en directo: “También después de hacerlo [el concierto] me di cuenta de que eran mucho peores de lo que yo me esperaba en directo”, señala, añadiendo que le parecieron más “pretenciosos” de lo que los recordaba.

Como recuerda Binaural, Smashing Pumpkins han tocado en varios festivales españoles desde entonces, muy recientemente en Mad Cool y Cruïlla, pero al Primavera nunca han vuelto.

Por si fuera poco, Corgan ha recibido también estos días críticas por parte de Linda Perry. La productora ha contado que tuvo que echar a Corgan del estudio de grabación cuando apareció en la grabación del último disco de Hole, mientras Courtney Love estaba allí. Dice que era un “debbie downer” (es decir, que solo aportaba mal rollo) y le invitó a irse. Además, le confrontó diciéndole: “Vas por la vida como si fueras un puto regalo divino para el rock’n roll. Tienes mala energía. Quiero que salgas de mi estudio”. Cuenta que Billy “se quedó en shock” y se fue. Al menos parece que la música de los Pumpkins sigue influyendo a las nuevas generaciones: hay quien dice que el nuevo single de Olivia Rodrigo suena a ellos.

Melody, a por el público infantil versionando a Xuxa

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Es la hora, es la hora de que escuchemos un nuevo single de Melody, aunque, francamente, descubrir que ‘ILARIE’ es una mera versión de Xuxa y no una adaptación reenfocada de alguna manera -aunque el resultado fuera un desastre- ha sido toda una decepción. Lo peor que se puede decir de una canción es que provoque indiferencia, y eso es lo único que inspira este ‘ILARIE’ adaptado al electro-dance más chusco.

Ahora que Jennifer Lopez vuelve a las listas con ‘On the Floor’ gracias a un placement televisivo, Melody compite con ella por reimaginar un clásico brasileño de la manera menos motivadora posible. Parece que la razón de ser de ‘ILARIE’ sea que Melody recupere al público infantil que la encumbró a principios de los 2000 con éxitos como ‘El baile del gorila’ o ‘Pata negra’, aunque también servirá a la diva para rellenar repertorio en los conciertos de su actual gira sin necesidad de comerse la cabeza escribiendo una canción original. Al menos, el single ‘Alarma’ es bastante reciente.

Pero la cover de ‘ILARIE’ es producto simple y llanamente de la nostalgia pop más prefabricada. Salvo la producción enfocada a un estilo electro garrafero -con algunos destellos de funk brasileño honrando a la autora-, la melodía y la letra originales del éxito de 1988 se dejan intactas, incluida la expresión «el show de Xuxa», que suena rara pronunciada por Melody, pero garantiza el reconocimiento inmediato de ese público infantil al que parece ir dirigida esta versión.

El videoclip superpop es bastante elaborado para lo que ofrece la canción, y destaca por su componente retro y colorido, aunque, más allá Melody haciendo bailes de TikTok y posando guapísima, no ocurre mucho más. Aunque algunos han logrado destapar un componente oscuro y macabro detrás del videoclip, descubriendo lo que podría ser la próxima temporada de ‘American Horror Story’. Nos quedamos con esta versión… y con ‘Esa diva‘, como mínimo, en comparación.

Shhhh… el problema de hablar en los conciertos

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La banda gallega Mundo Prestigio ha acudido a redes para denunciar el fenómeno del ruido social en los conciertos: esos conciertos de salas donde la gente sencillamente no puede dejar de hablar mientras suena la música. “Después del concierto de Madrid fue inevitable volver a casa con una sensación agridulce, y el motivo por desgracia no es nada nuevo: tener que soportar las voces de gente que habla sin parar durante todo el concierto”, han escrito. “Es increíblemente frustrante y desmotivador para los músicos y para el resto de asistentes no poder concentrarse o disfrutar de algo que cuesta tanto trabajo preparar y en lo que hay tanta gente implicada”.

El grupo añade: “Puede resultar vanidoso pretender que 100 personas concedan 50 minutos de atención exclusiva, pero amigos: esto no va solo de los que estamos en el escenario. Una actuación en directo es una experiencia que depende de un esfuerzo colectivo y deja de funcionar en cuanto unos pocos deciden no respetarlo”.

Todos como espectadores hemos tenido la experiencia de acudir a un concierto y distraernos -incluso ponernos de muy mala leche- por culpa de personas que hablan por encima de la música. Ya ni hablar de los que se emborrachan en los conciertos más improbables: un saludo a los «fans» de Ethel Cain más insufribles con los que he tenido el placer de coincidir. Es un fenómeno que no es nuevo, y quiero dejar claro que no hablo de festivales o eventos abiertos, donde la distancia y el propio formato permiten otros usos del espacio. El problema se evidencia sobre todo en salas pequeñas: habitaciones cerradas donde, en teoría, el pacto de escucha debería ser más evidente.

Pero no lo es. En ese espacio comprimido se juntan varias cosas: el incentivo de consumir en la barra, la dimensión social del plan -ver a amigos quizá por primera vez en la semana- y el hecho de que, en muchos casos, el grupo que está tocando no sea suficientemente conocido como para activar la atención de la audiencia. Pero aunque sea conocido, es un hecho que la gente hablará en los conciertos. El problema es que cuando el murmullo de la gente ahoga el sonido, ahí tenemos un problema.

Parece que no existe un acuerdo compartido, un consenso social, sobre qué significa exactamente estar en un concierto de sala, pero diría que se habla demasiado y se debería escuchar más. Para hablar sin hacer caso a la música hay millones de sitios donde no has pagado una entrada para ver a una banda tocar. Esta diferencia de expectativas al final genera tensiones en los conciertos muy incómodas y evitables, que perturban la experiencia relajada de ir a un concierto.

A veces parece que no sabemos ni a qué concierto vamos. ¿De verdad te metes en la 2 de Apolo para hablar mientras toca un grupo desconocido que pide tu atención? Desde luego esto a Rosalía no le pasa: ella es capaz de callar a todo el Palau Sant Jordi. Y mira que es difícil. Pero los grupos pequeños son los más perjudicados. En 2009, Marina de Klaus&Kinski contaba que tuvo que mandar callar a toda una sala porque no se oía ni ella misma. Era medianoche, y tocaban un concierto acústico: quizá el contexto importa, pero también hay algo evidente: el grupo está trabajando, y es lógico que, si va a tocar, espere que el público escuche.

Curiosamente, no todos los artistas perciben esto como un problema. En la entrevista de 2009 para este mismo medio ya citada, y donde ya analizábamos esta problemática, Single decía que no le molestaba que la gente hablara en sus conciertos, aunque matizaba que se debía a que el volumen desde el escenario lo compensaba, y añadía que como espectadora sí le resultaba molesto.

El caso de Mundo Prestigio es representativo de lo que sufren muchos grupos emergentes de rock o escenas independientes que aún no tienen una base de público consolidada. Es evidente que los conciertos son eventos sociales, pero también son eventos culturales, y aunque hablar forma parte inevitable de la experiencia, no todos los conciertos piden lo mismo: no es lo mismo ir a un concierto de dream-pop que a uno de punk. El pacto implícito nunca está del todo claro, y el efecto cadena hace que se normalice el murmullo constante, hasta el punto de que a veces la música se queda en un segundo plano.

La clave no es imponer silencio absoluto: aparte de que sería imposible, nadie quiere eso. Nadie quiere ir a un concierto y no poder ni respirar. Quizá hay que recuperar la idea de que a los conciertos se va, sobre todo, a escuchar música, igual que vamos al cine a ver una película, y recordar que los grupos emergentes requieren especialmente de nuestra atención. Mundo Prestigio tiene razón cuando subraya que los conciertos exigen un esfuerzo colectivo: el público a veces olvida que atender el concierto también es participar en él. Cuando el grupo que toca pasa a ser irrelevante dentro de la experiencia, quizá vale la pena preguntarse si se está en el lugar adecuado.

Qué ironía, por cierto, que la palabra “concierto” venga de «concertar», es decir, ponerse de acuerdo. Deberíamos podernos de acuerdo en escuchar.

Olivia Dean llega a 3 millones de copias; Ed Sheeran con ‘Play’, no

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Hits

El éxito de ‘The Art of Loving‘ permanece inalterable más de medio año después de su lanzamiento. El segundo álbum de Olivia Dean continúa en el top 3 británico y -lo que tiene más mérito- en el top 10 estadounidense. Como antes Adele y Amy Winehouse, ha conseguido triunfar al otro lado del Atlántico. Mediatraffic estima que acaba de rebasar los 3 millones de copias a nivel global, lo cual es bastante contrastable.

El segundo álbum de Olivia Dean ha sido doble platino en Reino Unido (600.000 copias), oro en Estados Unidos (500.000) y cuenta con certificaciones en países tan dispares como Australia, Canadá, Francia, Noruega (doble platino), Nueva Zelanda (cuádruple platino), Suecia o Portugal. Es decir, es uno de los éxitos globales más claros de los últimos años.

Incluso en países tan desabridos para el pop anglo como España el público ha reaccionado. ‘The Art of Living’ ha sido top 20 por aquí y pasa su 34ª semana en lista en el puesto 49 completamente estabilizado. Deducimos que pronto será Disco de Oro en España, tal y como lo han conseguido los dos singles principales del álbum, ‘Man I Need’ y ‘So Easy (To Fall in Love)’.

Flops

También en septiembre de 2025 se publicaba otro disco llamado a conquistar las listas, ‘Play’ de Ed Sheeran. Sin embargo, este no era un proyecto millonario como otros lanzamientos de Edward Christopher. ‘Play’ solo tiene tres certificaciones: oro en Reino Unido (100.000 copias), oro en Francia (50.000) y oro en Nueva Zelanda (50.000). Cuando abandonó el top 20 mundial de Mediatraffic, apenas sobrepasaba las 250.000 copias a nivel global.

Lo más extraño es que con 450 millones de streams en Spotify, el single ‘Azizam’ no puede considerarse precisamente un fracaso. Ni los 365 millones de ‘Sapphire’, tampoco. Sin embargo, es claro que Ed Sheeran no ha conseguido trasladar ese entusiasmo al resto del álbum. Con la excepción de ‘Old Phone’, ‘Camera’ y ‘A Little More’, los streams de los tracks del largo son muy bajos y las ventas reales de ‘Play’ no llegan al millón de copias.

Si los discos de Ed Sheeran solían durar años en las listas de Reino Unido, este ‘Play’ solo aguantaba 19 semanas en el que es su territorio estratégico por excelencia. Si nos vamos a Estados Unidos, el disco entraba a un tímido puesto 5, dato por el que cualquier artista femenina sería crucificada, y nadie se dio cuenta de que 5 semanas después, ‘Play’ había desaparecido de todo el Billboard 200. El que tuvo retuvo y las antiguas ‘Shape of You’ y ‘Perfect’ siguen en listas globales años después, pero lo que es su material nuevo, está generando muchas dudas.

BTS triunfan en los AMA’s; Sabrina Carpenter, gran ausencia

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BTS han sido los grandes ganadores de los American Music Awards de 2026 al hacerse con premios como el de Artista del Año, Canción del Verano por ‘Swim’ o Mejor Artista/Grupo masculino de K-pop. Además, abrían la gala con una interpretación de su tema ‘Hooligan’, si bien este había sido pre-grabado en el Allegiant Stadium.

Otros que han recibido varios premios han sido Sombr, que también ha actuado, Sabrina Carpenter y Cardi B. Esta última ha triunfado en las categorías de rap, pero Sabrina se ha llevado el premio a Disco del Año por ‘Man’s Best Friend‘, por encima de Gaga, Bieber, Morgan Wallen o incluso Taylor Swift. Lamentablemente, Carpenter ha sido una de las grandes ausencias de la gala pese a que no está de gira.

La Canción del Año ha sido ‘Golden’ (también mejor banda sonora para ‘HUNTR/X’), mientras que el Mejor Nuevo Artista han sido Katseye. La Gira del Año ha sido ‘Las mujeres no lloran’ de Shakira, por encima de Beyoncé, Kendrick con SZA, Gaga y los mismísimos Oasis.

Entre las curiosidades, el reconocimiento a Zara Larsson por Disco Revelación del Año con ‘Midnight Sun’, o a Bad Bunny en categorías latinas. Todo el palmarés lo podéis encontrar aquí.

Han actuado también Katseye, Karol G, Twenty One Pilots, New Kids on the Block, Maluma, The Pussycat Dolls con Busta Rhymes o Teyana Taylor con Missy Elliott. Cerraban Billy Idol con Steve Stevens. Algunas actuaciones no se han subido a Youtube, al menos a la hora de redacción de esta noticia. Este es el canal oficial de los AMA’s en Youtube.




El vinilo de Bad Gyal tampoco puede con Quevedo

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Quevedo sigue intratable también en la lista de álbumes en España. ‘El Baifo’ sostiene el número 1 por cuarta semana consecutiva, ya certificado como disco de platino por el equivalente a 40.000 copias. Eso son más de 10.000 de media por semana. Y sin edición física.

La subida más fuerte de la semana la protagoniza ‘Más cara’ de Bad Gyal, que pasa del puesto 8 al puesto 2 debido a la edición en vinilo. Bad Gyal vuelve a quedarse sin el número 1 oficial en España con este lanzamiento pero al menos sí puede presumir de ser top 1 en vinilos. Además, es disco de oro, es decir, otro éxito para Alba Farelo.

La entrada más fuerte de la semana es la de Malú, aunque su disco ‘Quince’ queda esta vez lejos de competir por las primeras plazas. Todos los discos de Malú publicados entre 2010 y 2023 fueron número 1 en España, pero este queda incluso fuera del top 3: es solo número 5.

La gran pregunta de la semana es dónde iban a caer en España los discos de Drake que han sido número 1, número 2 y número 3 en Estados Unidos, lo que constituye un récord. Pues bien, ‘Iceman’ ha llegado al número 8, ‘Habibti’ al número 38 y ‘Maid of Honour’ al número 44. Eso sí, ni una sola canción de Drake aparece por el top 100 español, pese a haber logrado todas esas cifras sobre todo con el streaming.

Triángulo de Amor Bizarro llegan al puesto 53 con ‘Mi catedral‘, nuestro Disco de la Semana (y del mes), lo cual constituye una mejora desde ‘Sed’, que fue top 62. Sobre todo hay que destacar el top 10 conseguido en la tabla de vinilos por la banda gallega.

Las entradas se completan con ‘Secho Gang’ de Sech (33), ‘Loco x volver’ de Maluma (37) y ‘Gravitas’ de Eli Toffana (89).

Tímida entrada en listas de ‘Dai Dai’ de Shakira y Burna Boy

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La lista de singles en España sigue dominada por Quevedo: las 14 canciones de ‘El baifo‘ siguen en el top 75 en España, siendo la última de todas ellas ‘Mi balcón’, que baja del puesto 42 al 63. En el número 1 continúa ‘Al golpito’ con Nueva Línea y en el número 2 ‘La graciosa’ con Elvis Crespo.

La única amenaza para Quevedo es ‘Dichavate’ de Ya Ice Dulan y amigos, que asciende hasta el puesto 3, su nuevo máximo, tras 12 semanas de escalada.

La entrada más fuerte de la semana no la encontramos hasta el puesto 28. Ahí llega ‘Dime baby’ de Clarent, que continúa arrasando con ‘LOVE’ (aún en el top 50 tras haber sido top 3 y certificada como platino). Por su parte, ‘Toty’ de La Pantera entra en el número 42.

Las entradas se completan con ‘Desorden’ de Alleh (86), ‘Quédirán’ de AGsus LZ (88) y ‘Dai Dai’ de Shakira con Burna Boy (93). En ese sentido, el tema del Mundial tendrá que vivir una gran escalada para consolidarse como pequeño éxito del verano. Al menos, su evolución en Spotify España es positiva en estos últimos días y este fin de semana lo encontrábamos en el puesto 70. En cuanto a listas internacionales, sobre todo se percibe el ‘Dai Dai’ emergiendo en radios.

Leo Rizzi / La belleza de las flores

Proliferan los discos que por un lado buscan cierta espiritualidad (Rigoberta, Rosalía, Refree con Niño de Elche), y también los que cuestionan de una u otra manera los tempos actuales y las exigencias de la industria musical (Pipiolas, Cariño). En su estilo, el segundo álbum de Leo Rizzi es místico, se esfuerza por resultar profundo y sobre todo auténtico. Su single principal recibe un nombre tan gráfico como ‘Puro’. Pocas palabras tan cortas suenan tan cargadas de intenciones y significado, sobre todo en un ámbito como el musical.

Leo Rizzi explica que no se siente cercano a la corriente neocatólica o de imaginería cristiana. Que ha leído la obra del filósofo Byung-Chul Han -de ahí viene el nombre del álbum, ‘La belleza de las flores’- y de lo que habla aquí es de buscar una tradición y una tierra «alejada del consumo y de la producción».

En la canción ‘Fe’ ha contado con Manu Om, un cantante ligado al canto devocional y a los mantras, un tema que dice algo así como «soy un bobo, yo sé / pero siempre guardo la fe en mis sentidos». Y que al final concluye con un canto a Hanuman, un dios hindú. A continuación, aparece la mejor composición del álbum, de título tan grave como ‘Aquí nadie se puede morir’.

‘La belleza de las flores’ es un álbum reflexivo en el que Leo Rizzi se recrea en la música como forma de supervivencia. No solo por su poder curador -y estas canciones inspiradas en el folk, el rock progresivo y la psicodelia lo tienen- sino porque los textos apelan a aquellos que han querido destruirle. ‘Aquí no se puede morir’ junto a Santi Balmes es una canción bellísima en la que recuerda que, aunque alguien se propusiera acabar con él (como sucedió en la industria), siempre sobrevivirán sus canciones. Esa es la idea tras frases como «nadie puede amenazarme» o simplemente «aquí nadie se puede morir». Otro de los temas, ‘Cruz invisible’, también dice algo parecido: «por más que a mí me entierren, siempre estaremos vivos».

Si en algún momento este segundo disco de Leo Rizzi peca de ser intenso de más, tal sensación se desenreda con una serie de canciones más pop que no por casualidad están desplegadas muy hábilmente por toda la secuencia.

Tenemos la pegadiza ‘Nueva Era’, tenemos ‘Año nuclear’ una vez pasadas ‘Fe’ y «Aquí», y también los «paparapapás» de ‘Velita’. Para los últimos instantes del álbum se han reservado los singles ‘Halo’ junto a Violeta y el pop-rock épico de ‘Choque’. Aunque nada como la «Samba» que aparecerá como «bonus track» o «pista fantasma» en la edición vinilo. Ahí sí que Leo Rizzi se sacude las penas que haya podido tener en los últimos años.

‘Adiós con alegría’: Anni B Sweet vuelve donde lo dejó hace 7 años

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7 años llevamos sin álbum de Anni B Sweet. SIETE. En medio, naturalmente podemos hablar de giras, colaboraciones y un disco compartido con Los Estanques muy reivindicable y ganador de múltiples reconocimientos. Pero no será hasta el próximo mes de octubre cuando tengamos en nuestras manos ‘Alegría’, el sucesor de ‘Universo por estrenar‘.

En aquel álbum Ana López trabajó con James Bagshaw de Temples, dejando canciones tan potentes como la inolvidable ‘Buen viaje’, y también es el caso de este próximo largo. El single ‘Adiós con alegría’ es por tanto continuista.

‘Adiós con alegría’ se sumerge en la psicodelia de los años 60, en la que tanto Anni como James han encontrado un hogar. Los Beatles de ‘Tomorrow Never Knows’ (1966) o los que luego se fueron a la India (1968) podrían ser una referencia en los arreglos de esta grabación que quiere reivindicar la década «donde lo extraño y lo accesible convivían sin conflicto».

Menos inmediata que la mencionada ‘Buen viaje’, una canción que se acerca a los 10 millones de streams -aunque deberían ser 1.000-, ‘Adiós con alegría’ cumple su función de ayudarnos a sortear la adversidad. De despedir a los «malos recuerdos» con buen rollo, melotrón, y muy puntuales ráfagas de cuerda y guitarra eléctrica, haciendo especial mención a cuánto se han divertido la artista y James en el estudio. Porque lo mejor del tema son los efectos vocales que han caído en monosílabos tan absurdos como «que» y «de». Una bocanada de aire fresco en un tema que buscaba eso exactamente: un poco de aire.

Anni B Sweet reconoce -en un texto distribuido por Subterfuge- la canción influida por una «mala racha de esas que dejan eco» y la lectura de André Breton:

«El surrealismo de Breton hablaba de algo muy simple y muy raro a la vez: que la realidad no es tan sólida como parece, que siempre hay una pequeña grieta por donde entra otra forma de mirar. No se trata de imaginar cosas nuevas, sino de fijarse en lo que normalmente pasas por alto. Cambiar el foco. Así hice: empecé a mirar otros detalles, a darles más espacio y dejar que crecieran. Lo que antes era fondo empezó a ocupar el primer plano. Y con ese pequeño cambio, los recuerdos también se movieron. No desaparecieron, pero dejaron de ser lo único que había. Se mezclaron, se deformaron, se abrieron. Ahí apareció algo que no esperaba: una forma de alegría. No como euforia ni como alivio rápido, sino como una sensación de aire. Como si la realidad, al ensancharse un poco, dejara más espacio para estar dentro sin ahogarse. “Adiós con alegría” nació de ese lugar más amplio y habitable».

Amaral no quieren estar tristes en su canción más explícita y engorilada

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Amaral han publicado esta semana un tema que han venido anticipando en redes. Se trata de ‘No quiero más canciones tristes’, que han creado ad hoc para la serie de Movistar+ ‘Se tiene que morir mucha gente’, estrenada también este finde.

Se trata de la canción más explícita de Amaral, al menos desde ‘Ratonera’, con Eva advirtiendo «no me vengas con tus chapas de gurú barato», y exclamando enfadadísima: «¡tú no sabes lo que es estar enamorado!». También pasa por el insulto, aunque sea en negativo: «No voy a pensar que fue mi culpa / que tú fueras simplemente / otro hijo de puta / Hoy voy a soltarte para siempre / y agarrarme a las canciones que me saquen a bailar».

Efectivamente Juan Aguirre y Eva Amaral se agarran a la música para salir de una crisis, en una grabación que pasa por todos los estadios. Ignorando aquella máxima de que menos es más, ‘No quiero más canciones tristes’ empieza a piano, después se rebela contra eso como propone el título del tema, y así, añade guitarras eléctricas y los demás elementos típicos de la canción pop-rock. Lo que incluye una sección de batería próxima a los Queen de ‘We Will Rock You’, gritos engorilados y finalmente hasta vítores y aplausos.

No la canción más sutil de Amaral sino más bien una funcional para serie y quizá directos, ‘No quiero más canciones tristes’ incluye los coros de las actrices Ana Castillo, Macarena García y Laura Weissmahr, protagonistas de ‘Se tiene que morir mucha gente’. Amaral se han querido empapar del espíritu de las tres mujeres de esta historia. Tres mujeres treintañeras que no han podido cumplir los sueños de su vida.

‘Se tiene que morir mucha gente’ es una creación de Victoria Martín, basada en su best seller homónimo. Sandra Romero (‘Los años nuevos’, ‘Por donde pasa el silencio’) dirige la serie junto a la propia Victoria Martín y Nacho Pardo, que firman dos episodios.

Tan entregados a la causa como siempre, Eva y Juan han querido compartir unas palabras sobre su experiencia: «nos hemos sentido unos absolutos privilegiados viendo la serie antes de que estuviera terminada y hablando con Victoria sobre el universo que habita en cada personaje. No es un secreto para nadie que somos seguidores suyos en todas sus facetas y estamos muy emocionados de formar parte de esta aventura».

Amaral cerrarán gira el próximo mes de diciembre en grandes arenas de Madrid y Barcelona. Las entradas están a la venta en su web.