The Rural Alberta Advantage: “El grupo nació delante sólo de un camarero”

the rural alberta advantageThe Rural Alberta Advantage, el trío de folk-rock canadiense formado por Nils Edenloff, Amy Cole y Paul Banwatt, al que conocimos con el notable ‘Hometowns‘, publicaba recientemente su tercer trabajo, ‘Mended with Gold’. Hace unos días, mientras realizaban una gira europea que no les traía a España, tuvimos la oportunidad de entrevistar al grupo vía correo electrónico (a veces contestan en grupo, otras por separado). Los de Alberta nos contestan a preguntas sobre su nuevo disco, los sonidos que han inspirado las canciones contenidas en él o el eclecticismo que envuelve el particular estilo de la banda, entre otras cosas.

¿Qué vino primero, el título ‘Mended with Gold’ o la genial idea de hacer un vinilo amarillo transparente?
“Primero vino el título del álbum. Está inspirado en Kintsugi, una práctica artística japonesa que consiste en arreglar cerámica con oro. Una vez dimos con el título pensamos que utilizar oro en los vinilos tenía todo el sentido del mundo para complementar el título con un producto físico”.

En el vídeo de ‘Vulcan AB’ os podemos ver viajando, bebiendo, sonriendo, comprando cosas… ¿Tanto mola estar de gira o a veces es más como cuando dejáis a Nils detrás al final del vídeo?
Nils: “No hay mejor sensación que la de estar frente a un público que canta todas las letras de todas las canciones en las que has estado trabajando arduamente durante meses. Pero más allá de eso normalmente disfruto mucho de los viajes, de observar las campiñas y de encontrar sitios geniales y diferentes donde comer”.

El rollo de ‘On the Rocks’ (el tema estrella de este disco), así como de algunos de vuestros temas viejos, me recuerda a varias bandas, y no solo a las que hacen folk y country, sino también a gente como The Postal Service, Casiotone for the Painfully Alone o Mates of State. ¿Cuál ha sido la inspiración de esta canción en concreto?
Amy: “‘On the Rocks’ empezó siendo una canción guitarrera allá por 2005, de modo que hemos estado trabajando en ella durante años. Es una canción que ha evolucionado a lo largo del tiempo hasta que finalmente decidimos cuál era nuestro papel en ella”.

¿Creéis que la diversidad de sonidos en vuestra música es lo que os hace especiales o, por el contrario, os veis como una banda puramente “folk” más que otra cosa?
Nils: “Rural Alberta Advantage nació en una noche de sesión de micro abierto y, por mucho que hayamos grabado y girado, no creo que nos hayamos alejado mucho de nuestros primeros días. Hemos añadido cosas y refinado nuestro sonido pero, en general, ese rollo de canciones a la guitarra acústicas y “folkies” con percusiones enloquecidas nació durante una sesión de micro abierto en Toronto, delante únicamente de un camarero”.

En alguna entrevista habéis comentado algo así como que “algunas personas pensarán que este es un disco sobre la ruptura”. ¿Es que no lo es? ¿O es más complicado que eso?
Nils: “Es música emotiva. La música es sobre todo algo personal: el hecho de que toquemos estas canciones significa mucho para mí porque vienen de acontecimientos y de recuerdos muy personales. En el álbum, sin embargo, también hay mucha esperanza”.

En ‘To Be Scared’ cantáis: “no hay nada que temer”, pero la música suena triste y el oyente percibe por tanto la idea opuesta. He leído que está inspirada en el miedo a los bosques. ¿Os gusta trabajar con este tipo de contradicciones, esto es, convenceros a vosotros mismos de algo que no es y convertir eso en música?
Nils: “Si bien ‘To Be Scared’ no es una de las canciones en las que trabajé en la cabaña, todos esos recuerdos de ella ciertamente aparecen en la letra de la canción. En cuanto a su composición, Paul y yo jugueteamos con la intro durante un par de años (por ejemplo, con esa línea de guitarra punteada acompañada del ritmo de batería de Paul), pero, más allá de eso, jamás habría averiguado de qué iba la canción. Cuando empezamos a buscar canciones en las que concentrarnos para ‘Mended with Gold’, Paul y yo experimentamos con esa intro y algo finalmente hizo “click” con la canción. Una vez encontré algo con lo que atarla, el resto del tema, incluida la letra, se nos ocurrió muy rápido”.

Una de las reseñas que he leído de ‘Mended with Gold’ dice que vuestro disco es sobre todo un disco de percusiones, un disco para amantes de los ritmos. Vosotros mismos, de hecho, habéis reconocido haber querido hacer un disco que sonara como si fuera en directo. ¿Estáis, pues, de acuerdo con la reseña?
Nils: “Los ritmos son una parte del proceso de composición muy temprana, por eso son tan prominentes en el álbum y un elemento tan integral en el sonido de la banda. Cuando trabajo en ideas me gusta pasárselas a Paul y él a mí. Es diferente de otras bandas que igual tienen a su líder para escribir una canción y luego dicen, “haz tu parte, señor batería”, lo cual es menos colaborativo”.

Hace cinco años que oímos hablar de vosotros. Han pasado muchas cosas en el folk y el country alternativo desde entonces. ¿Qué tal ha sido para vosotros formar parte de vuestro grupo durante tres discos, y cómo os sentís respecto a vuestra situación en la industria?
Paul: “Creo que volvemos a aquello que nos ha gustado de nuestro disco anterior y tratamos de construir algo a partir de ello y alejarnos de lo que creemos que podríamos haber hecho mejor. Nos gusta nuestro sonido porque es único, o al menos no totalmente disperso, y esa sensación es a lo que intentamos aferrarnos. Quisimos que nuestros dos primeros discos sonaran más grandes de lo que sonaron, de modo que decidimos componer a partir de lo que realmente nos gustó”.

El sonido de RAA conecta con el de otros grupos como Decemberists; sin embargo hay diferencias, como que os gusta mucho escribir canciones cortas. ¿Por qué? ¿Por el origen de la música que tocáis? ¿Vuestros discos favoritos? ¿O son simplemente las canciones que os vienen a la mente y ya está?
Nils: “Siempre me ha gustado el rollo cantautor tipo Leonard Cohen y el de otros músicos canadienses clásicos. Mentiría si dijera que nunca he sido fan de ‘Airplane Over the Sea’ (de Neutral Milk Hotel). Diría que me gustan las canciones donde la melodía es el centro y te enganchan con ímpetu”.

¿Ha cambiado vuestro gusto musical en estos 5 ó 6 años o seguís fieles al tipo de discos que os inspiraron desde el principio? ¿Qué habéis estado escuchando últimamente?
Paul: “Los primeros cuatro discos de Led Zeppelin fueron una gran influencia en mi caso en relación al modo en que aprendí a tocar la batería, pero Nils también ha sido muy influyente para mí recientemente compartiendo cosas que le gustan como Neutral Milk Hotel, Yo La Tengo y The National, grupos en los que no había reparado hasta entonces pero que de los que ahora soy muy fan”.

¿Qué ha sido lo mejor y lo peor de esta última gira europea?
Nils: “Nos dieron un día libre en Escocia y pudimos ir a visitar una destilería”.
Paul: “También fuimos a una granja de miel propiedad de la familia de uno de nuestros tour managers. Fue muy interesante. No ha sido esta una gira típica para nosotros, ¡y en las granjas de miel no hay destilerías!”
Amy: “Actualmente estamos de gira con PS I Love You, que irradian en su directo una energía que te hace querer mejorar el tuyo también. No se puede pedir más de una banda con la que giras”.

Tanis de Jabalina: “Para que un sueño se cumpla hay que creer en lo que haces y trabajar mucho”

TanisAbellanEste sábado 20 de diciembre se celebra en el OchoyMedio de Madrid a partir de las 20.00 la fiesta de 20º aniversario de Jabalina, con las actuaciones de Parade, Doble Pletina, Pumuky y Apenino. Pincharán Marina Te Lo Pincha y Tanis Abellán, responsable del sello, con quien aprovechamos para hablar sobre estos 20 años de independencia. Entradas a la venta, aquí.

¿Qué disco de Jabalina de estos 20 años te da más rabia que haya pasado desapercibido?
Tanto como desapercibido no sé, pero sí creo que hay discos y grupos a los que no se les ha dado la relevancia que tienen. Por ejemplo AMA -de los que en breve publicaremos su cuarto LP- creo que no han tenido el reconocimiento que merecen. Ojalá, a la cuarta y en 2015 sea la vencida para ellos.

Con el primero de Klaus & Kinski y el fichaje de Parade, un colega me dijo: “¡al final Jabalina va a ser el sello bueno!”. ¿Tú lo percibes así y crees que estos años han sido los mejores o que aquellos tiempos en que se vendía algo más de unidades, con gente como Souvenir, fueron los mejores?
Creo que ni éramos tan malos antes, ni somos tan buenos después de los fichajes de Klaus&Kinski y Parade. Sin duda, con estos grupos hemos llegado a alcanzar los mejores momentos en los 20 años de Jabalina, pero, como también dices, en 2001, con Souvenir, Dar Ful Ful y Polar también fue un período del que guardo recuerdos inolvidables y en el que se vendieron muchos discos.

En cualquier caso, ¿crees que ha habido algún tipo de punto de inflexión en estos 20 años? Me refiero no sólo a lo artístico, sino al mercado, pasando a lo digital, luego el regreso a los 7″… ¿qué ha sido más emocionante para ti?
Desde luego que sí, ha habido unos cuantos puntos de inflexión y tú acabas de mencionar algunos. Los momentos más emocionantes llegan siempre con los fichajes de grupos que inmediatamente calan en la gente y te recargan de ilusión. Ya hemos hablado de algunos, como las incorporaciones y primeros discos de Souvenir y Klaus&Kinski. En ambos casos, en 2001 y y 2008 respectivamente, supusieron dos claros puntos de inflexión en nuestra historia. Pero la recuperación (en nuestro caso) del vinilo y del formato 7″, y concretamente las dos colecciones de singles que publicamos entre 2010 y 2014 (Jabalina Love Songs y DEDICATESSEN), particularmente fueron un motivo de gran satisfacción por el gran aprecio que le tengo a este formato y la “deuda” que tenía con él.

¿Cómo has vivido desde el sello el despunte de Klaus&Kinski y luego su retirada? Creo que como responsable de un sello habría intentado influir al grupo o enviado algún comunicado, hubiera sido un poco… no “tirano” pero sí más “¡pero bueno, grabad algo ahora mismo!”… pero a ti se te ve una persona muy tranquila… como si te diera hasta un poco igual… o como si por encima de todo estuviera lo artístico y lo que quieran hacer los grupos con su vida… o quisieras dejar que las cosas siguieran su curso.
Así es… Siempre he querido ser lo más respetuoso posible con los grupos y hacer lo que en todo momento, dentro de las posibilidades del sello, querían hacer. Valoro mucho sus propuestas y las iniciativas que puedan tener porque siempre son positivas y ayudan a hacer cosas diferentes. Mi opinión y la del sello cuentan como una más. Pero, aparte de que yo pueda ser más o menos tranquilo… si algo he aprendido en este tiempo es que, por mucho que una decisión de un grupo no te guste, si no les convences no puedes obligar a nadie a hacer lo que no quiere o forzar situaciones por simple interés, no tiene sentido. En el caso de Klaus&Kinski fue así. Su llegada, el éxito que alcanzaron, la convivencia que tuvimos y su retirada, las he vivido con normalidad, disfrutando como ellos o entristeciéndome con ellos, porque siempre hemos tenido una relación muy estrecha, pero siempre respetando sus decisiones aunque algunas no las llegara a compartir. El comunicado que echas en falta lo llegamos a hacer antes de la salida de la reedición en vinilo de ‘Tu hoguera está ardiendo’, y si en él no había una despedida definitiva es sencillamente porque ellos nunca me lo transmitieron así. Nunca se sabe lo que nos deparará el futuro…

¿Qué más has aprendido en estos 20 años al frente del sello?
Aparte de lo anteriormente dicho, lo que he aprendido, sobre todo, es que si quieres que un sueño se haga realidad hay que tener mucha paciencia, creer ciegamente en lo que haces y trabajar mucho, aunque a veces no puedas disfrutarlo plenamente y tengas que renunciar a muchas cosas. De este modo, con el tiempo todo llega y hay que estar preparado, para lo bueno y sobre todo para cuando vienen mal dadas, porque sea como sea, al final, hay que continuar como si nada hubiera pasado…

¿A quién te gustaría haber fichado y no ha podido ser?
Pues muchos grupos, la verdad… Que ahora recuerde… por diferentes motivos, Nosoträsh, Triángulo de Amor Bizarro, Wild Honey…

Jaime Cristóbal de Souvenir se ha revelado como una suerte de Bob Stanley, con su podcast y como columnista de medios como el nuestro, donde hace lo de Clásicos que nunca lo fueron, entre otras cosas. No es la primera persona que alterna labores de periodismo musical y un grupo (Pet Shop Boys, Pretenders) pero me da que nunca has explotado tampoco esta faceta suya al hablar de sus singles o discos. ¿Ha sido petición suya porque prefiere que ambas cosas estén diferenciadas o eres tú el que lo ve cosas completamente distintas?
¡Qué voy a decir yo de Jaime! Es un gran compositor y mejor persona, pero es que todo lo que se propone lo hace muy bien. Es metódico, apasionado y, sobre todo, tiene un gusto exquisito, aunque por supuesto haya cosas en las que tal vez no coincidamos. Pero demasiado trabajo le he dado yo desde que nos conocemos, como para además pedirle más. Tengo por costumbre enviarle promo de todos nuestros lanzamientos, y me consta que le gustan mucho los discos que publicamos en Jabalina, pero entiendo que quiere diferenciar sus proyectos personales con los relacionados con el sello para evitar suspicacias. Sea como sea, respeto la decisión que tome siempre y no descarto hacerle algún encargo de este tipo. Estoy seguro que lo atendería.

¿Qué pasó con Cassino? A nosotros nos gustaba mucho su disco, ¿crees que habría sido mejor acogido con internet, los blogs y las redes sociales más estabilizados? Yo creo que ayudaron mucho, por ejemplo, a Hidrogenesse… Cassino eran como demasiado “raros” o “comerciales” para la prensa independiente de la época.
Me alegra saberlo, porque creo que tenían un gran talento (llegaron a versionar un tema de Pet Shop Boys, que cuando estos lo escucharon decidieron adoptar y cambiar su versión para el directo…) y de algún modo fueron unos incomprendidos en la época que aparecieron y no sólo para la prensa. Por su forma de ser y de expresar sus opiniones y sus gustos musicales podían llegar a ser difíciles entender y de tratar en algún momento. La verdad es que no sé qué fue de ellos después de que nuestros caminos se separaran, pero es una pena y también raro que no continuaran con sus proyectos, como dices es muy probable que en otro momento las cosas hubieran sido diferentes para ellos.

¿Cuál es la referencia de Jabalina más difícil de conseguir o la que crees que será más difícil de conseguir en el futuro?
Supongo que las cuatro primeras referencias del sello (‘Disco de Papel’ de Iluminados, ‘Los colores de mi habitación’ de Ojos en Daphne, ‘Gemini’ de Strange Fruit y ‘L.O.V.E.’ de Loopside) serán las más cotizadas por los coleccionistas, porque eran tiradas pequeñas, en vinilo y se agotaron pronto. Pero posteriormente ha habido otras y no sólo en vinilo que en el futuro serán muy buscadas y que también se descatalogaron hace tiempo, como el vinilo de ‘A letter for the stars’ de Polar, el CD de Dar Ful Ful ‘El artista adolescente’ o el mini CD ‘Por qué no me das tu dinero’ de Klaus&Kinski. Pero seguro que hay unos cuantos más.

Te vi viendo el documental de Sarah Records en In-Edit, ¿qué te pareció? ¿En qué te sentiste identificado con su filosofía y en qué en absoluto?
Fue muy emocionante para mí, porque fue una época que coincidió con los primeros años de Jabalina que viví como fan del sello de Bristol y de la mayoría de sus grupos y porque Sarah Records siempre fue una referencia y un ejemplo de cómo quería yo que fuera Jabalina. Por supuesto me sentí identificado con muchas vivencias y experiencias que Clare y Matt contaban en el documental, que con el tiempo de algún modo yo también he sufrido o disfrutado, depende de cómo se mire. Pero me quedo con la añoranza de esos tiempos en los que no había internet y toda la comunicación con fans, medios y grupos se hacía por carta y a mano. Bueno… la prueba está en que Jabalina seguimos haciendo los paquetes reciclando cartón y escribiendo el nombre y apellidos de los destinatarios y las direcciones de puño y letra… Es una costumbre que, además de gustarme llevar a cabo, conservo porque de alguna manera impide que rompamos definitivamente con nuestros orígenes y porque además es algo que nuestros clientes aprecian mucho.

Foto: José Carlos Nievas.

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Benjamin Clementine, tras la huella de Nina Simone

benjamin clementineEl cantautor londinense Benjamin Clementine es la última confirmación del Vida Festival, que se celebra del 2 al 6 de julio en la ciudad barcelonesa de Vilanova i la Geltrú también con la presencia de Andrew Bird, Woods, Nacho Vegas, Nueva Vulcano, Deers y Mourn. Clementine ultima estos días el lanzamiento de su álbum debut, ‘At Least for Now’, a la venta en enero.

Aunque el mito cuenta que Clementine fue descubierto en el metro de París por el magnate Lionel Bensemoun y el productor Matthieu Gazier, el cantante mismo lo niega. La historia verdadera, según la -en general- fiable Wikipedia anglosajona, es que Clementine conoció a Gazier primero y a Bensemoun después. Clementine se mudó a París en 2008 tras pelearse con su compañero de piso en Londres y vivió sin techo durante años, ganando algo de dinero tocando en bares y hoteles. Fue durante este periodo que Clementine conoció a Gazier y no hasta 2012 cuando conoció a Bensemoun, quien, tras verle actuar en el Festival de Cannes, finalmente proporcionaría al londinense un contrato discográfico.

Benjamin Clementine practica un estilo de canción desnuda al piano que ha despertado comparaciones más que merecidas con Antony Hegarty, el cual de hecho impulsó la carrera del británico después de que lo descubriera en la tele por casualidad. Clementine cita también como influencias a Erik Satie, Leonard Cohen o Luciano Pavarotti. Por voz y poderío interpretativo, sin embargo, a quien recuerda unánimamente es a Nina Simone. Buena prueba de ello es su debut en el programa de Jools Holland, donde el cantautor interpretó por primera vez en televisión su single ‘Cornerstone’.

Tras esta actuación, Clementine, de camino a su camerino, se topó con Sir Paul McCartney, que se encontraba también en el programa. El Beatle se acercó y le aconsejó, impresionado tras su interpretación, que siguiera con su carrera. Desde luego, pocos músicos principiantes, en este caso ni siquiera debutantes (por entonces Clementine tan solo tenía un EP en el mercado), pueden presumir de contar con la aprobación de Paul McCartney. Clementine es uno de los pocos afortunados.

Un año después de su debut en televisión, concretamente en agosto, Clementine publicó su segundo EP, ‘Glorious You’, que cuenta con cortes muy chanson como ‘Adios’, de juguetón arreglo de piano, muy musical (aquí, Clementine ya se confiesa también fan de Jacques Brel o Édith Piaf), y también incorpora arreglos electrónicos como los de ‘Mathematics’, más bien sutiles, o los del sencillo principal, ‘Condolence’, evidentemente su tema con más potencial de cara a las listas dado su movido beat.

Clementine acaba de fichar por Virgin y su álbum debut, ‘At Least for Now’, se espera para enero. Sin duda es un artista con historia, que asegura no hablarse con nadie de su familia excepto con su hermano Joseph, al que le debe todo (suyo era el piano que Clementine empezó a tocar a los quince años), así como no haber escuchado demasiada música a lo largo de su vida, lo que habría resultado en su originalidad compositiva, notable desde el primer segundo de ese ‘Glorious You’ cuya cubierta tanto evoca la tristeza y desgarro de, sí, Nina Simone. Muchos ya ven en Clementine la sombra de la leyenda y han decidido que va tras su huella. Hay algo de verdad en ello, pero solo el tiempo dirá si todas estas comparaciones eran realmente merecidas.

Raphael recomienda a Rufus Wainwright, Ismael Serrano a Decemberists

raphael-entrevistaSpotify publica una serie de playlists relacionados con la Navidad, algunos de los cuales han sido realizados por famosos.

Entre ellos está Raphael. Cuando le entrevistamos este año no logramos sonsacarle que conocía a Rufus Wainwright y su versión de ‘Hallelujah’ es una de las canciones escogidas en su playlist navideño. También están algunos de sus favoritos de siempre como Elvis o Frank Sinatra junto a otra gente como Mecano. Y se ha puesto por supuesto a sí mismo.

Sergio Dalma ha hecho una lista en la que ha tenido tiempo de reivindicar a su competidor Pablo Alborán, pero mucho mejor gusto ha mostrado Ismael Serrano reivindicando a Regina Spektor, Depedro o Decemberists. Su lista se llama ‘Un Invierno Septentrional’.

Finalmente Juan Magán ha puesto el toque cañero con gente como Tove Lo, Avicii, Stromae o Ariana Grande.

Yelle: “Dr. Luke nos ayudó a confiar en nuestra música”

yelle2Julie Budet junto a Yelle ha dado la campanada este año publicando un tercer disco, ‘Complètement fou‘, producido junto a nada menos que Dr. Luke, quien evidentemente no necesita ningún tipo de presentación, pues ha producido algunos de los mayores éxitos del pop de los últimos años (su repertorio da vértigo). Aprovechando la visita de Yelle a nuestro país, donde tocan hoy en la sala Razzmatazz de Barcelona y mañana sábado en el Ochoymedio de Madrid (ayer, día de la entrevista, era el turno de Valencia), hablamos con Budet sobre Dr. Luke, la supuesta americanización de su sonido o el gran éxito de Yelle entre el público gay, entre otras cosas.

Acabáis de terminar una gran gira norteamericana. ¿Cómo ha sido la experiencia?
No ha sido tan diferente a girar por Europa pero sí muy intenso porque teníamos actuaciones casi cada día. Siempre resulta extraño cuando llegas a una ciudad nueva y no sabes si va a haber gente en la sala o si el público va a disfrutar del concierto. Sin embargo, la reacción por lo general ha sido muy buena incluso a pesar de la diferencia de idioma, aunque eso es algo que no solo nos ha ocurrido en Estados Unidos sino también en España, Alemania o Reino Unido. El público no entiende las letras pero disfruta de la energía y del poder de la música.

Para vuestro nuevo disco, ‘Complètement fou’, habéis trabajado con Dr. Luke. Unos años antes, sin embargo, girasteis por Europa con Katy Perry. Ella siempre se muestra muy entusiasta en Twitter con sus teloneros y, por ejemplo, de vosotros twitteó que erais una banda “très chic de la hostia”. ¿Qué tal fue telonearla? ¿La llegasteis a conocer?
Fue una buena experiencia abrir para ella porque, siendo una banda francesa, nos suponía todo un reto tocar cada noche ante un público tan grande. También fue muy interesante girar con grandes equipos y técnicos. Pero lo bueno de Katy Perry es que está muy involucrada en la selección de sus teloneros. A nosotros nos envió un mensaje ella misma preguntándonos si queríamos formar parte de su gira europea.

Estuvimos con Katy en un par de ocasiones. Es muy fácil conversar con ella pero no así llegar a ella, pues siempre está muy ocupada, por ejemplo pasando un montón de tiempo con sus seguidores en los “meet & greet” o también ocupándose de ella misma porque hace mucho deporte. Es complicado pasar tiempo con ella pero es una artista con mucho talento, además, claro, de una persona normal con la que puedes tener una conversación normal.

Volviendo a Dr. Luke, habéis trabajado con él en este disco, lo cual es sorprendente porque vosotros ya contabáis con una base de fans muy fiel gracias a vuestro sonido original. ¿Cuál es la razón, pues, de esta “aventura americana” que habéis emprendido en ‘Complètement fou’?
Al final de la gira de ‘Safari Disco Club’ nos propusimos descansar y pensar en lo que habíamos hecho pero, unos pocos meses después, empezamos a escribir nuevo material. Durante este mismo momento conocimos a una persona durante una reunión que nos comentó que Dr. Luke era muy fan de nuestra música. Nosotros no sabíamos quién era así que, una vez terminamos de charlar, le buscamos en Google y descubrimos lo famoso que era. Él nos comentaba que nos descubrió por nuestra remezcla de ‘Hot ‘N Cold’ de Katy Perry y nos invitó a su estudio de Los Ángeles, insistiéndonos en que era un gran seguidor de nuestra música y de todo el universo que envuelve a Yelle. Al principio todo empezó por diversión pero conectamos muy bien, de modo que nos dio la oportunidad de pasar un mes en su estudio de Los Ángeles para experimentar. Nosotros no teníamos ni idea de lo que queríamos hacer en nuestro tercer disco, solo queríamos probar. Una vez pasamos tiempo de verdad con Dr. Luke porque nos invitó a su casa a celebrar Acción de Gracias con su familia y vimos que era una persona muy natural con la que es muy fácil hablar, lo mismo ocurrió en el estudio. Fue fácil y eficiente y, sobre todo, nos ayudó a confiar más en nuestra propia música. En realidad podríamos haber hecho este disco sin él porque antes de conocerle teníamos claro que queríamos llevar nuestro sonido hacia el siguiente nivel, pero él fue importante para que nos diéramos cuenta de que podíamos hacerlo. No cambió nuestro sonido notablemente, sin embargo, y pienso que nuestros fans así lo han percibido, que ‘Complètement fou’ sigue siendo un disco de Yelle, si bien un poco más “grande”.

El disco es muy sofisticado en cuanto a sonido, muy detallista, por ejemplo ‘Tohu’, me parece una delicia. ¿Fue primordial la aportación de Dr. Luke a la producción del álbum en este aspecto?
Yelle y Dr. Luke tenemos maneras diferentes de producir música. Para nosotros, siendo una banda francesa, las letras son muy importantes y nos gusta concentrarnos en el sonido de las palabras, mientras Dr. Luke, como productor asentado en Estados Unidos, trabaja más que nada las melodías. Luke nos ayudó a construir nuestras canciones en torno a la melodía y nosotros le enseñamos lo importante que son las letras y cómo a veces tenemos que tomar decisiones importantes en torno a ellas. Fue un proceso muy colaborativo y de compartir ideas, no solo con Luke sino también con el resto de músicos con los que trabajamos. A veces era más complicado, por la diferencia de idioma, ser preciso, pero lo importante es que confiábamos los unos en los otros y eso daba pie a una mayor naturalidad en el estudio.

Algunos artistas, cuando trabajan con productores muy reconocidos, se quejan de que estos no dejan demasiada libertad en el estudio para hacer lo que ellos quieren. ¿Fue trabajar con Dr. Luke un proceso democrático en vuestro caso? ¿Imponía sus ideas o era más bien receptivo?
Desde el principio estuvo muy claro que no queríamos cambiar nuestra identidad, que queríamos hacer música de Yelle, y esto es algo que Luke entendió perfectamente. Y como no sabíamos quién era nunca sentimos que trabajáramos con alguien especial, siempre fue como nuestro primo o algún amigo. Recuerdo opinar abruptamente sobre algunas cosas y no pasar nada porque realmente me sentía en familia, por ejemplo, en relación a ‘Nuite de baise I & II’, que son dos canciones del álbum muy cortas con las que experimentamos en términos de duración y estructura porque queríamos hacer algo diferente. Dr. Luke lo comprendió y, porque no somos una banda americana y no nos movemos en la industria, creo que para él trabajar con alguien diferente fue igual de enriquecedor, porque le dimos la oportunidad de hacer algo distinto a lo que hace normalmente, de recrearse en algo nuevo.

“Me gusta hacer temas movidos y hacer bailar a la gente pero no quiero hacer eso toda mi vida o hasta el fin de mi carrera”

¿Por qué escogisteis la balada ‘Bouquet final’ para presentar vuestro disco? Es una decisión sorprendente porque la gente, por lo general, os conoce por vuestros temas movidos.
Cuando escribimos ‘Bouquet final’ el objetivo fue explorar nuevas dimensiones musicales. Es una canción lenta y profunda y pensamos que igual estaría bien volver con algo diferente para mostrar al público que sabemos hacer cosas distintas. Me gusta hacer temas movidos y hacer bailar a la gente pero no quiero hacer eso toda mi vida o hasta el fin de mi carrera. Para mí es importante poder demostrar que soy capaz de hacer cosas diferentes. ‘Bouquet final’ nos gustó tanto que decidimos probar a ver si a la gente le convencía y lo cierto es que gustó.

¿Hasta qué punto creéis que habéis “americanizado” vuestro sonido, si es que acaso lo habéis hecho? Porque algunos temas del álbum suenan bastante disco y funky. ¿Estáis de acuerdo?
Creo que es más un tema de producción que de sonido, porque en realidad ya hicimos disco en el pasado, por ejemplo en ‘Pop Up’, además de rap y canciones más lentas. No siento que en ‘Complètement fou’ hayamos hecho algo realmente nuevo en relación al sonido del álbum o a las melodías. Creo que lo que percibes como americanizado es una mayor confianza y fuerza en nuestro sonido, por ejemplo en los bajos, que ahora son más potentes.

Hablando de música americana, muchos de los ídolos más populares en Estados Unidos son mujeres y muchos de los ídolos femeninos más populares en Estados Unidos son iconos gay. Diría que vosotros también sois un icono gay. ¿Estáis de acuerdo?
El público gay nos ha seguido desde el principio de nuestra carrera y creo que se debe al hecho de que la comunidad gay disfruta de la música y de que, para ella, bailar en la discoteca supone un momento de verdadera felicidad. Creo que recibimos una buena respuesta por parte del público gay porque este sabe cómo pasárselo bien y, sencillamente, cómo disfrutar de la vida. Al público gay le gusta divertirse cuando sale de fiesta y vivir el momento. Nuestra conexión viene de ahí. Además, soy una artista a la que le gusta mucho vestirse en el escenario. De pequeña me fascinaba Madonna porque ofrecía un espectáculo con vestidos, maquillaje, etc. y, para mí, estar en un escenario significa entregar al público un show. Es por eso, creo, que gustamos tanto a los gays.

Las letras son muy importantes para vosotros pero una gran parte de vuestro público no entiende francés y, por lo tanto, no sabe de qué van vuestras canciones. Curiosamente, habéis ideado una aplicación que traduce la letra de vuestros “lyric videos” al inglés para todo aquel que lo desee. ¿Cómo describiríais este disco a alguien que no entiende vuestras letras?
Es un disco de experiencias, sobre relaciones con chicos y chicas pero, sobre todo, sobre amor, conexión, incertidumbre, las decisiones que uno toma en la vida. ‘Florence en Italie’, por ejemplo, va sobre esta ciudad de la que estamos enamorados, y sobre la situación de encontrarte tan solo seis horas en una ciudad nueva y sentir algo tan profundo que quieres expresarlo urgentemente y con las palabras adecuadas. Otro de los temas, ‘Coca sans bulles’, va sobre estar solo y aburrido en una discoteca esperando a que ocurra algo y darte cuenta de que lo que ansías en verdad es que suene tu canción favorita y tener esa experiencia con la que la noche cambia y explota. Pero sigo hablando de la vida, de cosas sencillas, si bien desde un punto de vista más enfocado al concepto de experiencia.

¿Qué ha de esperar el público del directo de Yelle?
Traemos dos sets de percusión porque queríamos algo potente en el escenario dado que, al hacer música electrónica, buscamos un sonido sencillo. El chico que toca la percusión, toca ritmos contundentes. Además, habrá luces potentes y mucho baile porque me encanta bailar en el escenario. Va a ser un fiestón. Espero también que al público le gusten las nuevas canciones porque habrá momentos tranquilos y en Razzmatazz, que es una sala que me encanta, me da la sensación de que al público le cuesta mantener la atención en el artista porque toda la sala es siempre una gran fiesta loca. Espero que la gente disfrute también de los momentos más suaves y estoy segura de que vamos a pasarlo muy bien todos juntos.

Sam Smith y Beyoncé, nominados a 6 Grammy

sam-smithA lo largo de este viernes, se han ido conociendo los nominados a los Grammy 2015, que se celebran el próximo 8 de febrero.

Están nominados en la categoría de Mejor Grabación del año ‘Fancy’ de Iggy Azalea y Charli XCX, ‘Chandelier‘ de Sia, ‘Stay With Me’ de Sam Smith, ‘Shake It Off‘ de Taylor Swift’ y ‘All About that Bass‘ de Meghan Trainor. En cuanto a Mejor Canción del Año, los nominados son los mismos pero cambiando a Iggy Azalea por Hozier. Beyoncé ha quedado fuera de estas dos categorías tan importantes, como podéis observar.

Sin embargo, no ha quedado fuera de la categoría de Mejor Álbum del Año, donde ‘Beyoncé‘ tendrá que enfrentarse a ‘Morning Phase‘ de Beck, ‘In the Lonely Hour‘ de Sam Smith, ‘+‘ de Ed Sheeran y ‘G I R L‘ de Pharrell.

Aunque Beyoncé gane todo aquello a lo que está nominada y se convierta en la gran triunfadora de la noche, es llamativo que Sam Smith sea el único que está nominado en todas las categorías más importantes: mejor canción, mejor grabación y mejor disco. Tanto uno como otra aspiran a seis estatuillas en total. Beyoncé completa sus nominaciones con premios menores como mejor envoltorio y mejor película musical.

Aspiran a Álbum urban contemporáneo del año Beyoncé, Pharrell, Chris Brown, Jhené Aiko y Mali Music, mientras compiten por Álbum pop del año Coldplay, Miley Cyrus, Ariana Grande, Katy Perry, Ed Sheeran y Sam Smith.

alt-J, St Vincent, Arcade Fire, Jack White y Cage the Elephant pelearán por el Grammy a disco alternativo.

Los nominados en categorías rock son U2, Jack White, Beck, Ryan Adams, the Black Keys y Paramore. Haim pelearán por el premio revelación.

En cuanto a electrónica, encontramos a Aphex Twin, Röyksopp y Robyn entre los nominados.

Las principales categorías son:

Disco del año
Beck – Morning Phase
Beyoncé – Beyoncé
Ed Sheeran – X
Sam Smith – In The Lonely Hour
Pharrell – G I R L

Grabación del año
Iggy Azalea – “Fancy” (Feat. Charli XCX)
Sia – “Chandelier”
Sam Smith – “Stay With Me (Darkchild Version)”
Taylor Swift – “Shake It Off”
Meghan Trainor – “All About That Bass”

Canción del año
Sia – “Chandelier”
Sam Smith – “Stay With Me (Darkchild Version)”
Taylor Swift – “Shake It Off”
Meghan Trainor – “All About That Bass”
Hozier – “Take Me To Church”

Mejor revelación
Bastille
Iggy Azalea
Brandy Clark
HAIM
Sam Smith

Mejor disco alternativo
Alt-J – This Is All Yours
Arcade Fire – Reflektor
Cage The Elephant – Melophobia
St. Vincent – St. Vincent
Jack White – Lazaretto

Mejor disco de electrónica
Aphex Twin – Syro
Deadmau5 – While (1<2)
Little Dragon – Nabuma Rubberband
Röyksopp & Robyn – Do It Again
Mat Zo – Damage Control

Mejor grabación dance
Basement Jaxx – “Never Say Never”
Clean Bandit – “Rather Be” (Feat. Jess Glynne)
Disclosure – “F For You” (Feat. Mary J. Blige)
Duke Dumont – “I Got You” (Feat. Jax Jones)
Zhu – “Faded”

Mejor disco de rock
Ryan Adams – Ryan Adams
Beck – Morning Phase
The Black Keys – Turn Blue
Tom Petty And The Heartbreakers – Hypnotic Eye
U2 – Songs Of Innocence

Canción de rock
Paramore – “Ain’t It Fun”
Beck – “Blue Moon”
The Black Keys – “Fever”
Ryan Adams – “Gimme Something Good”
Jack White – “Lazaretto”

Mejor disco de pop
Coldplay – Ghost Stories
Miley Cyrus – Bangerz
Ariana Grande – My Everything
Katy Perry – Prism
Ed Sheeran – X
Sam Smith – In The Lonely Hour

Mejor actuación de pop solista
John Legend – “All Of Me (Live Version)”
Sia – “Chandelier”
Sam Smith – “Stay With Me”
Taylor Swift – “Shake It Off”
Pharrell – “Happy”

Mejor actuación de pop de grupo o dúo
Iggy Azalea – “Fancy” (Feat. Charli XCX)
Coldplay – “A Sky Full Of Stars”
A Great Big World – “Say Something” (Feat. Christina Aguilera)
Jessie J – “Bang Bang” (Feat. Ariana Grande & Nicki Minaj)
Katy Perry – “Dark Horse” (Feat. Juicy J)

Mejor disco de pop tradicional
Tony Bennett & Lady Gaga – Cheek To Cheek
Annie Lennox – Nostalgia
Barry Manilow – Night Songs
Johnny Mathis – Sending You A Little Christmas
Barbra Streisand With Various Artists – Partners

Disco urban
Beyoncé – BEYONCÉ
Jhené Aiko – Sail Out
Chris Brown – X
Mali Music – Mali Is…
Pharrell – G I R L

Disco de rap
Iggy Azalea – The New Classic
Childish Gambino – Because The Internet
Common – Nobody Smiling
Eminem – The Marshall Mathers LP 2
Schoolboy Q – Oxymoron
Wiz Khalifa – Blacc Hollywood

Actuación de rap
Childish Gambino – “3005″
Drake – “0 To 100 / The Catch-Up”
Eminem – “Rap God”
Kendrick Lamar – “i”
Lecrae – “All I Need Is You”

Canción de rap
Nicki Minaj – “Anaconda”
Kanye West – “Bound 2″
Kendrick Lamar – “i”
Wiz Khalifa – “We Dem Boyz”
Drake – “0 to 100 / The Catch Up”

Colaboración de rap
Common – “Black Magic” (Feat. Jhené Aiko)
Eminem – “The Monster” (Feat. Rihanna)
ILoveMakonnen – “Tuesday” (Feat. Drake)
Schoolboy Q – “Studio” (Feat. BJ The Chicago Kid)
Kanye West – “Bound 2″ (Feat. Charlie Wilson)

Mejor actuación R&B:
Beyoncé Featuring Jay Z – “Drunk In Love”
Chris Brown Featuring Usher & Rick Ross – “New Flame”
Jennifer Hudson Featuring R. Kelly – “It’s Your World”
Ledisi – “Like This”
Usher – “Good Kisser”

Mejor canción R&B
Beyoncé – “Drunk in Love”
Usher – “Good Kisser”
Chris Brown – “New Flame”
Luke James – “Options”
Jhené Aiko – “The Worst”

Mejor vídeo
Arcade Fire – “We Exist”
DJ Snake – “Turn Down For What” (Feat. Lil Jon)
Sia – “Chandelier”
Pharrell – “Happy”
Woodkid – “The Golden Age (Feat. Max Richter)

‘La espada de los cincuenta años': la puerta de atrás de ‘La casa de hojas’

espada-cincuentaSi no te gustó ‘La casa de hojas‘, ni se te ocurra abrir ‘La espada de los cincuenta años': desearás quemar todos los ejemplares que puedas en la Bebelplatz de tu ciudad. Si, por el contrario, te gustó el aclamado debut de Mark Z. Danielewski -aunque sea moderadamente, como a mí-, puede que te sientas algo decepcionado con su segunda novela. De hecho, si me dijeran que este libro es el germen del anterior, su borrador, me lo creería. Eso es lo que parece: un esbozo, un bosquejo, el ensayo general de una obra todavía por pulir.

‘La espada de los cincuenta años’, editada de nuevo con mimo por Alpha Decay y Pálido Fuego, es un relato de terror contado en forma de prosa poética y presentado, de nuevo, sobre una base de experimentación formal. La diferencia con ‘La casa de hojas’ es que aquí el terror es más clásico, casi como un cuento gótico. La novela está protagonizada por una costurera que se queda al cuidado de cinco niños durante una fiesta en la noche de Halloween. La llegada de un cuentacuentos, “un hombre malvado con un corazón muy negro”, creará un clima de inquietud de insospechadas consecuencias. Sobre todo después de colocar a los pies de los niños un estrecho y alargado estuche cerrado con cinco pestillos.

Así contado, la novela parece más misteriosa y perturbadora de lo que realmente es. Y es que, por mucho que lo intenta, el autor no logra alcanzar uno de sus objetivos: hacer sentirse al lector como un niño escuchando una historia de miedo a la luz de una hoguera. La prosa y la intriga no te envuelven como lo hacía en ‘La casa de hojas’, no consigue ese nivel de inmersión. Su estructura polifónica, casi como un collage de voces, es admirable, pero siempre vista desde fuera, como si el cuentacuentos nos hubiera echado de la habitación y tuviéramos que ver todo desde la distancia, sin escuchar casi lo que cuenta.

En cuanto al diseño del libro, ocurre algo parecido. Es fácil apreciar la belleza de las ilustraciones en forma de bordados y entender su vinculación poética con la protagonista de la novela. En ese sentido, también resulta admirable. Pero, en este caso, su función parece más decorativa que narrativa, más impostada que justificada. No voy a caer en el error de preguntarme qué sería de esta novela sin su apoyo visual, sin las ilustraciones y el tipo de maquetación, porque sería otro libro; pero sí me resulta difícil no cuestionar sus intenciones. ¿La experimentación como coartada para la falta de inspiración? 6.

10 vídeos de Alan Ferguson, el nuevo marido de Solange

Solange no ha publicado disco este año y apenas ha protagonizado noticias desde que atacara a Jay Z en un ascensor en presencia de su hermana Beyoncé. Quizá su silencio ha tenido que ver con la preparación de su boda, pues la cantante ha contraído matrimonio este fin de semana. La colección de imágenes demuestra que todo está bien entre Jay Z, Beyoncé y Solange. Los novios se dieron un paseo en bici. Entre los invitados, como veis, nada menos que Ed Droste de Grizzly Bear.

Pero si por algo es interesante la noticia es porque el novio no es otro que Alan Ferguson. El director de videoclips es muy conocido tras haberse encargado de vídeos para gente tan famosa como Katy Perry, Nelly Furtado y por supuesto Beyoncé.

Os dejamos con 10 de sus obras: ‘Hot ‘N Cold’ de Katy Perry, ‘Party’ de Beyoncé, ‘PrimeTime’ de Janelle Monáe, ‘Night is Young’ de Nelly Furtado, ‘Who Wants to Be Alone’ de DJ Tiësto, ‘Scream’ de Chris Cornell, ‘This Ain’t a Scene, It’s an Arms Race’ de Fall Out Boy, ‘Green Light’ de John Legend, ‘That Green Gentleman (Things Have Changed)’ de Panic at the Disco y ‘Drive By’ de Train.

Renovando ‘Las Meninas’

lasmeninasEs de agradecer que Santiago García como guionista y Javier Olivares como ilustrador hayan recuperado cuatro siglos después ‘Las Meninas’ de Velázquez, en un momento en el que las referencias no parecen llegar más allá del Pop-Art, Warhol y el final del siglo XX. La nueva obra no sólo es el reflejo de una tarea de documentación abrumadora en torno a una de las puntas de lanza del Museo del Prado, sino sobre la vida del pintor sevillano del Siglo de Oro español.

En el nuevo ‘Las Meninas’ sus autores evitan jugar una carta única al cuadro y su entorno, tratando también las diferentes conexiones con otras épocas en las que artistas como Picasso, Buero Vallejo, Dalí o Foucault se sintieron atraídos hacia el lienzo de Velázquez. Tal fue esa atracción que no pudieron evitar recrear su particular visión de la obra, todos ellos posiblemente con el empeño de desvelar el enigma que encierra el retrato de la familia de Felipe IV, una obra de la que se ha dicho que esconde un secreto a la vista, provocando diversas lecturas y tonalidades. Y aquí un caso extremo: el interés llevó a Picasso en 1957 a pintar una serie de 58 variaciones de ‘Las Meninas’.

El trabajo de Javier Olivares se compone de dibujos cautelosamente realistas combinando ocres o azules sin que abunden las viñetas coloreadas y con la intención de no dárselo todo masticado al lector. Más bien calca los misterios, emulando la estrategia de Velázquez en su pintura. Si parte de esa táctica en el cuadro del sevillano se sustenta en el juego con el reflejo del espejo, para Olivares está en usar con destreza el guión impecable de Santiago García, con cuestiones, reflexiones y misterios que hoy siguen teniendo vigencia. La novela gráfica hace un uso de la imagen y las palabras muy sutil, planteando nuevos interrogantes sobre ‘Las Meninas’ y renovando el impulso de un cuadro de hace más de 350 años. 8,5.

La Exposición en el Museo ABC

La novela gráfica ‘Las Meninas’ nace en 2008. Una vez superada la fase de investigación de Santiago García, Javier Olivares, como dibujante, recrea los primeros ambientes de la vida en palacio en los tiempos de Felipe IV. La técnica de Olivares, empleando ilustración digital y a mano, va dando lugar a los esbozos preliminares, realizados ya a lápiz antes de pasar al entintado, componiendo la primera de las tres secciones de esta exposición en el Museo ABC de Madrid. Se trata de imágenes que, a modo de story-board, figuran junto a retratos de los personajes cortesanos del siglo XVII. La segunda sección muestra parte del proceso previo a las planchas definitivas, con el coloreado y el resultado final, del que destacaríamos las páginas que en el libro son dobles. Y una tercera parte se complementa con posibles ilustraciones para la cubierta, material no usado y parte de los estudios que hicieron Buero Vallejo o el Equipo Crónica.

El libro ‘Las Meninas’ está editado por Astiberri.

La exposición ‘Dibujar Las Meninas’ se puede visitar en el Museo ABC de Madrid, hasta el 16 de noviembre de 2014. Martes a sábado de 11 a 20 horas y domingos de 10 a 14 horas.

Meet & greet con Clean Bandit

clean banditClean Bandit han arrasado con ‘Rather Be’, pero están muy lejos de ser “one hit wonders”. De hecho, en nuestra redacción nos decantamos en realidad por otros dos de sus singles: ‘Extraordinary’, que incluíamos entre las mejores canciones de la primera mitad del año, y la nueva ‘Real Love’, que acabamos de incluir entre las mejores canciones de noviembre.

El grupo es una de esas “nuevas sensaciones británicas” que parece que sólo podemos ver en el FIB a lo Ellie Goulding, pero la promotora Live Nation los traerá en concierto los próximos días 19 y 20 de noviembre a actuar en Barcelona (con The Handclappers como teloneros) y Madrid (con Electric Nana).

Si eres fan y ya tienes tu entrada, JENESAISPOP y Live Nation te invitan a conocer a la banda.

Regalamos dos meet & greets con Clean Bandit para las 2 respuestas más divertidas a esta pregunta recibidas en jenesaispop(k)gmail.com: “¿dónde estabas cuando nació el sonido noventero de Clean Bandit?”.

Young Fathers ganan el Mercury Prize 2014

youngfathersEl grupo de hip hop alternativo Young Fathers ha ganado el Premio Mercury Prize 2014, con su debut ‘Dead’, a pesar de no partir entre los favoritos según las apuestas. En 2009 los recomendamos en nuestro playlist para el Sónar, pues actuaron en aquella edición. También estuvieron en el último BAM.

El disco de Young Fathers sucede así a otros ganadores históricos como ‘Screamadelica’ de Primal Scream, los debuts homónimos de Suede, Franz Ferdinand y The xx, ‘Dummy’ de Portishead, el primero de Arctic Monkeys, ‘Stories from the City, Stories From the Sea‘ y ‘Let England Shake‘ de PJ Harvey o, en los últimos años ‘An Awesome Wave‘ de alt-J y ‘Overgrown‘ de James Blake.

Han sido derrotados, pues, ‘LP1‘ de FKA twigs, ‘One Breath‘ de Anna Calvi, ‘So Long, See You Tomorrow‘ de Bombay Bicycle Club, el debut homónimo de Royal Blood, ‘Total Strife Forever‘ de East India Youth, el debut de Jungle, ‘Everyday Robots‘ de Damon Albarn y las últimas propuestas de GoGo Penguin, Nick Mulvey, Polar Bear y Kate Tempest.

En la ceremonia, que se emite únicamente editada con retardo de un par de horas, pero ha podido seguirse por redes sociales o en The Guardian, Kate Tempest ha interpretado su tema ‘Circles’, Royal Blood ‘Figure it out’, East India Youth ‘Looking for Someone’, Anna Calvi ‘Eliza’, Damon Albarn ‘Hostiles’, FKA twigs ‘Two Weeks’ y JUNGLE ‘Busy Earnin’, entre otros. Young Fathers escogían su tema ‘Get Up’.

The Guardian publicaba hoy un gráfico indicando cuánto había vendido cada nominado antes y después de la nominación, confirmando que la nominación podía influir pero no era decisiva en los hábitos del consumidor. Tradicionalmente es la victoria lo único que realmente influye en las listas británicas. Cabe ver qué pasa pues con este disco de Young Fathers que había vendido sólo 1.800 copias antes de ser nominado y aún no había llegado a 5.000. Era el único de los 12 nominados que no había llegado siquiera al top 200 de las islas junto al álbum de Polar Bear. ¿Qué pasará este domingo? ¿Habemus nuevos Speech Debelle o nuevas estrellas?

El “romance sórdido” de Röyksopp acaba en drama

royksoppRöyksopp publican el próximo mes de noviembre ‘The Inevitable End’, su último disco en el sentido literal del término: el dúo formado por Svein Berge y Torbjørn Brundtland, que editaba EP junto a Robyn hace unos meses, ‘Do It Again‘, ha asegurado que seguirán haciendo música pero que no van a publicar más álbumes porque creen que ya han dicho todo lo que tenían que decir a través de este formato.

Uno de los adelantos de ‘The Inevitable End’ es ‘Sordid Affair’, cuya melodía vocal interpreta Ryan James de Man Without Country, dúo del sur de Gales formado por Tomas Greenhalf y el mismo James, que define su música como una mezcla de electrónica y shoegaze y que extrae su nombre del “sentimiento de no pertenecer”. El dúo publicó su álbum debut en 2012 y ultima estos días el lanzamiento de un segundo trabajo que incluirá una versión del ‘Sweet Harmony’ de The Beloved, una de sus canciones favoritas de todos los tiempos por los recuerdos que les evoca. El tema ha sido versionado hasta la saciedad, por ejemplo por Fangoria y Los Sencillos en castellano.

‘Sordid Affair’ conjuga reconfortantes pasajes sintéticos con ambientaciones de una gelidez casi palpable, lo que refleja con notable efectividad la calidad ambivalente de la letra, un recuerdo nostálgico sobre una relación que llegó a ser hermosa pero que ha acabado mal (“Nublando la verdad, ambos sabíamos que este romance sórdido acabaría en lágrimas”). Sobre esa relación, no obstante, se recuerda que mereció la pena: “estar contigo, ser el único, vivir una mentira, me mantuvo excitado, me sentí deseado”.

Los ritmos, además, son lo suficientemente rápidos como para que el tema pueda bailarse en la pista, pero también lo suficientemente poco contundentes como para que no lo consideremos un “club banger” al estilo de ‘Do It Again‘ o dos de los temas nuevos incluidos en ‘The Inevitable End’, los medio agresivos ‘Skulls’ y la nueva versión, mucho más inquietante y “groovy”, de ‘Monument‘. En realidad, ‘Sordid Affair’ podría pasar por balada (¿hiperbalada?) si tenemos en cuenta que la canción original, de hecho, nació para ser bailada en reuniones sociales y nada tenía que ver con la concepción que tenemos de ella actualmente, con Adele casi como sinónimo. “Balada”, de hecho, viene de “ballare”, que significa “bailar”.

Y aparte de esta reflexión, ¿qué más ofrece ‘Sordid Affair’? En primer lugar, un luminoso gancho instrumental tan característico de Röyksopp como siempre, un exquisito gusto por la producción electrónica, suave pero no inofensiva, paisajística pero no extremadamente abstracta, atmosférica pero no asfixiante (algunos grupos hacen de eso precisamente su mayor virtud; no es el caso de Röyksopp, que siempre han tirado por ser más bien melódicos) y una melodía ligeramente ñoña pero lejos de resultar empalagosa. Una canción, este ‘Sordid Affair’, en definitiva, cuyos varios atractivos se complementan a la perfección y que quizás no esté a la altura en calidad de clásicos del dúo como ‘Eple’, ‘Only This Moment’, ‘What Else Is There?’ o ‘The Girl & the Robot’ pero que sí representa una notable suma al catálogo de este grupo al que ahora decimos un agridulce hasta luego. Por lo menos, uno que deja buen sabor de boca.

‘Sordid Affair’ es el sexto top 1 de Röyksopp en JENESAISPOP tras ‘The Girl & the Robot’ con Robyn en 2009, ‘This Must Be It’ también en 2009, ‘Running to the Sea’ con Susanne Sunførd, que acaba de anunciar disco, en 2012, ‘Do It Again’ y ‘Monument’, las dos últimas de nuevo con Robyn en 2014. Sin duda, uno de los grupos favoritos de nuestros lectores.

‘Indies, hipsters y gafapastas’, vistos desde el extremismo

indieshipsters“A muchos indies les repatea escuchar la misma música que disfruta una señora ecuatoriana que limpia casas”. Este fue mi primer poco atractivo acercamiento, a través de El Confidencial, al libro que el periodista Víctor Lenore (Ladinamo, Rockdelux) ha publicado en la editorial Capitán Swing con prólogo de Nacho Vegas, ‘Indies, hipsters y gafapastas’. Y me permito decir “poco atractivo” para mí porque el planteamiento no puede ser más ajeno a la filosofía del site que dirijo desde hace casi nueve años. Un site fundado por un grupo de amigos que iba contemplando atónito y con frustración cómo muchos de sus artistas nacionales favoritos iban progresivamente retirándose de la música sin poder dedicarse profesionalmente a ella: sin dinero, sin premios de ningún tipo y con el único reconocimiento de los medios ultra especializados, con un alcance muy limitado.

La historia del pop español de las últimas dos décadas está llena de artistas que en todo momento han tenido que alternar la música con sus “trabajos verdaderos”. En muchos de los casos, cuando internet sólo era una anécdota en nuestras vidas prohibida antes de las seis de la tarde, las bandas ni siquiera eran desconocidas porque no gustaran al gran público, sino porque este no tenía casi ninguna oportunidad de llegar a ellas para decidir si le gustaban o no le gustaban. Y ya sabemos lo que Dover vendieron cuando sí pudieron disfrutar de exposición mediática: de la más absoluta nada al todo más absoluto.

De esa triste situación para los artistas que más admirábamos, que nos ha impedido conocer cómo habrían desarrollado sus carreras musicales a los 30, 40 o 50 años, posiblemente haya nacido una obsesión un tanto insana de celebrar los éxitos de lo que más nos gusta, a diferencia de lo que sucedía con una generación anterior, que quizá sí proclamaba más o menos que “vender era malo”, “menos auténtico” o “vulgar”. La actitud de nuestro humilde site ha sido celebrar el éxito de Russian Red, Nacho Vegas, Delorean o Beach House cuando han conseguido posiciones destacadas en las listas de ventas: al menos esas copias vendidas les garantizarían cierta asistencia a conciertos con la consiguiente posibilidad de continuidad y desarrollo de su talento. En otras palabras, si una persona que limpia me pide que le apunte el nombre de un grupo que suena y me gusta, no pienso que tengo que cambiar de grupo favorito. Más bien pienso: “esto petaría si se radiara lo mismo que ‘Bailando’ de Enrique Iglesias. Menuda mierda que en Los 40 Principales no le den una oportunidad”.

Y no creo que sea una actitud excepcional nuestra ni de nuestros 300.000 lectores mensuales, que en nuestros foros dejan constantemente claro que lo que quieren es ver a su artista favorito como top 1 (fenómeno digno igualmente de estudio por parte de la sociología). En este mundo en el que la canción más vendida es más o menos la misma que los medios especializados proponen como la mejor del año, todavía no he visto a nadie tirando su disco de Daft Punk a la basura tras el pelotazo que pegó ‘Get Lucky’ porque “Daft Punk se han hecho demasiado famosos”. Al contrario, ‘Random Access Memories’ se ha revelado como un clásico contemporáneo que estoy seguro de que estará bien posicionado en la lista de la década de los medios especializados y en la que hagan los lectores de diversos medios, como en otros momentos de la historia post-indie sucedió con ‘Nevermind’, ‘OK Computer’ o ‘Back to Black‘.

Por eso el libro de Víctor Lenore me interesa más cuando habla sobre cuestiones como la homogeneización de la cultura, lo poco adecuado de que se reproduzcan noticias de medios anglosajones tan estúpidas como un concurso de imitadores de Pulp que se celebra en Estados Unidos, la poca atención que se presta a la música africana o los motivos históricos y económicos que han podido producir que haya algún ser humano capaz de pensar como indica la primera frase de este artículo. También cuando habla sobre el cinismo, la ironía y el narcisismo imperante hoy en día en las redes sociales y blogs. O cuando recuerda alguna entrañable anécdota como la bordería de los dependientes de Discos del Sur (muy distintos a los que vemos hoy en las tiendas musicales de la capital). Y me interesa, por el contrario, mucho menos cuando retrata a los “hipsters”, amparándose en los reportajes más extremos de la revista Vice, como xenófobos, machistas, esnobs y pedantes. La tesis del libro, que haría arquear las cejas de Ana Botella, no es que esta tribu que se niega a sí misma sea un poco menos izquierdista de lo que se cree -que eso habría sido menos comercial pero más razonable-, sino directamente de derechas, conservadora.

El sesgo es claro: basta echar un vistazo rápido a la web del ayuntamiento de Madrid para comprobar que el voto al PP durante las últimas elecciones -las europeas- en los distritos de Justicia y Universidad (Malasaña y algún aledaño) está por debajo de la media de la capital. Es decir, en el barrio “hipster” por excelencia se vota menos al PP que en otros barrios de Madrid. Por el contrario, el apoyo a IU y a Podemos en estos “barrios de modernos” está algo por encima en el caso de Justicia y hasta cuatro puntos por encima en Universidad (Malasaña), donde Podemos no ha superado al PSOE por tan sólo noventa y dos votos, haciéndose con el 15% de los mismos (frente al 8% de la media nacional). Este dato como argumento es peregrino pero no más que el libro en algunos momentos, donde se omite que el ambiente de las revistas musicales especializadas siempre ha sido lo suficientemente izquierdista como para repeler a algún aficionado a la música que haya podido ser remotamente de derechas; o que en su crítica al pensamiento único, no haya crítica a la crucifixión que sufrió Russian Red por parte del público indie, especializado, hipster, gafapasta -no sé cómo llamarlo- cuando se le ocurrió declarar en una revista que era “más bien de derechas”.

Más que por sus ideas por el modo y el lugar en el que decidió hablar de ello, las declaraciones de Russian Red me hicieron pensar que hay artistas que no deberían hablar de política ni en sus canciones ni en sus entrevistas. No por nada. A mí me da igual que Russian Red sea de derechas o no, pero por su edad y profesión, lo más probable es que no tenga nada interesante que aportar. Y lo mismo sucede con artistas que presumimos de izquierdas. Christina Rosenvinge nos comentaba en una entrevista que había intentado hacer canción protesta pero que no le salía nada que le convenciera: “He intentado varias veces escribir canciones un poco sociales y me han salido cosas demasiado simples y obvias, aunque lo social está implícito en lo que uno escribe. Escribir es tomar una actitud con respecto a las cosas. Había una canción feminista en este último disco que, una vez acabada, la quité porque me parecía muy tonta. Es un tema complicado, hay que saber hacerlo”.

Y no nos extraña. Como Lenore reconoce en la coda del libro, donde recula ligeramente después de decenas de páginas de bilis, indicando también que muchos de los fenómenos de los que habla están en extinción, a veces los grupos han querido hacer canciones reivindicativas y les han salido auténticos “panfletos infumables” que se han criticado de lo lindo. La historia está llena de artistas que han apelado a nuestra conciencia social y otros que no, y este libro no explica, ni con la ayuda de diversos sociólogos, por qué una cosa es mejor que la otra. Por eso es un tanto cuestionable dedicar un capítulo entero a Diplo como ejemplo de todos los males del mundo: sólo es un músico, no un líder político. En unas páginas se tilda la repulsión hacia Manu Chao de clasista, pero si algún blanquito se siente atraído, obsesionado prácticamente, por la cultura callejera de países más desfavorecidos, como Diplo, se le tilda de oportunista por saquear y explotar sin dar los suficientes créditos (y mira que hay créditos en los discos de Major Lazer, entre ellos Rubén Blades, citado por Lenore en el libro para bien). Al final, y aunque haya timado a la gente, empatizarás con Diplo porque si eres chico, blanco y te gusta el pop, estás jodido. Parece que si te gusta la música española es que eres narcisista y nacionalista. Si te gustan Pharrell o Beyoncé, es porque has caído en el gusto globalizado del capitalismo. Si te gusta Laura Mvula, supongo que has de ser demasiado anglófilo. Si te gustan el cine iraní o Bonde do Role, es porque vas de enterado y quieres pertenecer a una clase más alta. Si te gusta Kanye West, mal porque es un egocéntrico que pasa del sentido comunitario del hip-hop. No hay lugar para hablar de cómo la mujer domina el pop de hoy, desde propuestas más sexualizadas a lo Miley Cyrus hasta otras nada sexualizadas tipo Lorde pasando por todos los colores intermedios (Lana del Rey, a otros niveles Mala Rodríguez, Fiona Apple, PJ Harvey, Grimes), o para hablar del nuevo interés por los sonidos latinos a través de cantantes como Gepe, El Guincho o Maluca.

El episodio ‘Clandestino’ de Manu Chao nombrado como “disco del año” en Rockdelux es digno de análisis porque es verdad que fue apasionante. Lenore puede tener razón cuando dice que hubo algo de rechazo repugnantemente clasista hacia su música, pero pasa totalmente de largo por la ligera posibilidad de que también hubiera otros factores que llevaran a que cierto tipo de público rechazase aquel disco: la sobredosis de música latina (aunque de otro tipo) que sonaba en radiofórmula en aquella época, la preferencia por escuchar música en inglés por alguna gente en los 90, una falta de identificación con el “producto” no sólo asociable a cuestiones sociales sino culturales (uno suele entender mejor lo que le resulta cercano, como se estudia una y otra vez en las facultades de periodismo) o un desconocimiento del género (quizá habría pasado lo mismo si el disco del año hubiera sido de un género “culto” tipo jazz u ópera). O que sólo te molaran las 5 primeras. ¡Y qué demonios! ¡La gente siempre se vuelca con todo tipo de argumentos contra el disco del año de todos los medios porque lo que quiere es ver su favorito como número 1!

También es llamativo que rara vez ‘Indies, hipsters y gafapastas’ hable de lo musical como criterio para valorar un disco o a un artista. No puede ser que Melendi, David Bustamante o Gemeliers no te gusten porque aborrezcas sus voces, su ñoñería, porque estés saturado de oírlos aunque no quieras o porque su propuesta esté más vista que el tebeo: es porque eres un clasista. A pesar de despachar a The xx y Franz Ferdinand como “música ramplona” sin dar más detalle, a Lenore no se le ha ocurrido pensar que a algunas personas U2 ya no les gusten porque están estancados creativamente desde los años 90, en lugar de porque es el grupo que escuchan sus compañeros de oficina. Y quedan ideas bastante contradictorias por el camino: si tanto espanta un concierto de U2 de 50.000 personas porque el indie es un ser que tiende al “individualismo” y quiere sentirse “único”, ¿por qué acude sistemáticamente a macrofestivales a ducharse en cerveza caliente ajena una y otra vez? ¿En qué quedamos? ¿Quiere distinguirse de la masa y demostrar que está por encima de ella o su mayor aspiración es ir algún día a Coachella junto a otras 200.000 personas?

Las contradicciones y el sesgo han llegado también a JENESAISPOP, medio que es tildado de “esnob”, “cool” y “madrileño” en el párrafo que se le dedica en ‘Indies, hipsters y gafapastas’, a pesar de que el periodista en cuestión es uno de los pocos profesionales que alguna vez se ha dirigido a nuestro mail para indicar que le había gustado una entrevista (la última de Nacho Vegas, por supuesto). Sucede a raíz de aquel artículo sobre la Universidad de La Rioja en el que consideramos que era “desolador” que los universitarios no conocieran a Wilco, Björk, Arcade Fire, Radiohead o incluso U2, pero sí a Melendi, Estopa, Extremoduro, Marea y Fito & Fitipaldis. Víctor Lenore cree que en nuestra afirmación estaba implícito que consideramos “más interesante lo que venga del mundo anglosajón que lo que se hace aquí” y que “cualquier música alegre arrastra el estigma de tonta y facilona”. En primer lugar, los cinco artistas o grupos internacionales citados, especialmente U2 y Radiohead, pero también todos los demás, han vendido los suficientes millones de copias como para ser considerados cultura general y aparecer en el Trivial de turno: no estábamos precisamente llevándonos las manos a la cabeza por que un universitario no conociera a Fuck Buttons o a Hidden Cameras. Además, a pesar de que Lenore añade el verbo “preferir” de su propia cosecha (“¿por qué es una perspectiva desoladora que los universitarios prefieran a Extremoduro o Estopa antes que a Wilco o Radiohead?”, dice), en realidad no estábamos diciendo que fuera obligatorio que te gustasen Wilco (para horror de algunos de mis compañeros, a mí no me gustan Wilco), sino valorando el hecho de que a un universitario ni le sonasen: ¿acaso puedes “preferir” una cosa a otra cuando una de ellas la desconoces? En segundo, JNSP nunca ha considerado lo que venga del mundo anglosajón mejor que lo que se hace aquí y por eso en nuestras listas anuales situamos lo nacional y lo internacional a la misma altura. Así, en una ocasión, situamos a un grupo gallego que canta en castellano como número 1 mundial. Y en último, no somos precisamente un medio que citar por no hablar de música alegre, tonta y facilona.

Esto no es naturalmente lo peor del libro ni lo más importante, pero sí un buen ejemplo de lo cogidas con pinzas que están muchas de las afirmaciones que Capitán Swing ha recopilado para la posteridad. Honestamente creo que cuando se habla de gente a la que le deja de gustar algo cuando empieza a gustar “a la gente corriente” porque “se lo toma como una ofensa personal” estamos hablando de un grupo de gente tan minúsculo, inofensivo e intrascendente que a duras penas merece aparecer en un libro.

Calificación: 6/10
Lo mejor: el libro está entretenido y se lee en un rato. Los episodios nostálgicos tipo Discos del Sur o las absurdas ediciones limitadas de Siesta. Si el objetivo es agitarte y cabrearte… en algunos momentos lo consigue.
Te gustará si: consideras que el arte ha de ser político sí o sí

Una fruta llamada Marina and the Diamonds

marina diamondsMarina and the Diamonds no ha vuelto al “rodeo” del pop con un single cualquiera: ha vuelto con una epoyeya pop de casi seis minutos tan melodiosa, tan magistralmente compuesta, que no parece extinguirse nunca. Se trata de ‘Froot’, que ella misma ha escrito y producido, en este último caso con la ayuda del prestigioso multiinstrumentista David Kosten y que esta última semana ha sido top 1 de JENESAISPOP gracias a los votos de nuestros lectores.

Kosten, además de publicar sus propios discos bajo el alias de Faultline, ha trabajado para figuras como Snow Patrol, Natalie Imbruglia, Everything Everything y, de manera destacable, Bat for Lashes, con quien ha colaborado desde ‘Fur and Gold’ hasta ‘The Haunted Man‘.

Marina aseguraba tras enterarse de que el audio oficial de ‘Froot’ había sobrepasado el millón de escuchas que su nuevo sencillo es la canción “más larga y extraña” que ha escrito. Curiosamente ‘Froot’ no es la canción más larga de Marina and the Diamonds, pues aunque se queda a poco de llegar a los 6 minutos, ‘Fear and Loathing’, incluida en ‘Electra Heart‘, los supera. Tampoco es la más rara, pues bebe con descaro del disco y electropop de toda la vida, sin resultar extravagante en ningún momento pese a las florituras 8bit. Pero sí es una de sus mejores canciones, si no la mejor.

Quizás la grandeza de ‘Froot’ es que hilvana un gancho melódico potente tras otro. Eso incluye en la primera mitad una intro, dos versos, un interludio, un pre-estribillo y un estribillo. Poca cosa. La misma estructura se repite en la segunda mitad, que añade un nuevo interludio (“ah ah ah”) y un puente antes de reincidir en el “dolce vita” y terminar. Al final te encuentras tarareando un día una parte y otro día otra, desde los “la la la la” del principio hasta el “my body is ready” del final, pasando por ese “I’ve been saving all my summers for you” que esencialmente resume el significado de la canción.

Porque, más allá de la música, si hay algo notable en ‘Froot’ es su letra, en la que Marina emplea la metáfora de manera imperdible. La cantante se siente “colgada” como una fruta “esperando a ser exprimida” tras varias relaciones fallidas (ella no es “nueva en el rodeo”) y no está dispuesta a esperar. Marina se siente “más rosa que el placer del pastor” y tan dulce “como la madreselva en la noche”, de modo que insiste en que su amante la arranque cuanto antes de su árbol o se pudrirá “como una manzana que olvidaste”. Y es que cuando llegue el otoño ella ya se habrá ido y los pájaros “cantarán su canción plañidera”. Marina concluye: “pájaros y gusanos vendrán a por mí / el ciclo de la vida ha llegado a su fin”.

‘Froot’ termina, claro, de manera agridulce. Marina continúa insistente en su propuesta amorosa. “Mi cuerpo está preparado”, dice; “mis ramas ya pesan”, pero nunca sabremos si su deseo se cumple. Lo que está claro es que la autora de ‘The Family Jewels‘ se define como una fruta madura en verano preparada para el amor mientras cuelga de una vid. Solo necesita a alguien que se la lleve consigo y la disfrute. Así Marina logrará esa “dolce vita” de la que canta grandilocuentemente en el estribillo.

‘Froot’, el primer número 1 de Marina en JENESAISPOP, aún no se ha puesto a la venta ni ha sido anunciada su fecha de publicación. Sí se sabe que su próximo disco también se llamará ‘Froot’ y saldrá a la venta en 2015. Co-producirán Fryars, Liam Howe, ELOF y Starsmith.

Kylie Minogue, mejor que en Reino Unido

kissmeoncetour-kylie“¿Cómo voy a ir después de la crítica que hiciste?”. No quiero pecar de “egoperiodismo”, sería absurdo creer que alguien con ganas de ver un concierto se tome tan en serio la opinión personal del que esto escribe. Pero también lo sería no reconocer que durante la última semana esta frase siempre ha salido a escena, a veces como broma y otras totalmente en serio, en todas las conversaciones que he tenido sobre la visita de Kylie Minogue en Madrid.

Sea como sea, nunca quise decir que no mereciera la pena pagar una entrada para ver este ‘Kiss Me Once Tour’, sino que comparada con otras giras suyas, esta se me hacía menos arriesgada y más pequeña. Menos trascendental que las previas. Afortunadamente, el Barclaycard Center ayer casi colgó el cartel de entradas agotadas para recibir a la australiana como se merecía. Y como rectificar no es de sabios, sino de valientes, después de lo de anoche debo admitir que mi visión de este espectáculo mejoró bastante respecto a lo que vi en Liverpool y Manchester hace tres semanas. En esencia sigo viendo los mismos errores, como que el setlist podría mejorarse y que la producción en comparación con anteriores se queda algo barata; pero llámalo estar más rodada, llámalo sentirse como en casa, lo cierto es que Kylie se lo pasó en el escenario como una enana (y no estoy haciendo ninguna broma barata) y nosotros también con ella.

Ya lo dijo en un momento de la noche, que antes de salir había advertido a su equipo en el backstage que se preparara para una noche salvaje porque el público español era único. Lo sé, todas dicen siempre lo mismo en cada ciudad que visitan, pero ayer no era en cumplido, sino una verdad comprobada: el feedback de los asistentes marcó la diferencia. No hay otra forma de explicar por qué un espectáculo calcado al que asistí en Inglaterra (quitando ʻSexyLoveʼ y añadiendo ʻLocomotionʼ) pasó de ser un correcto Greatest Hit Tour a la discoteca más grande del planeta. Los gritos, saltos, ovaciones y aplausos de los que allí estábamos hicieron que Minogue se desviviera por dar un show de esos que no se olvidan, dando gracias en español cada vez que podía, firmando discos en las primeras filas, subiendo a un afortunado fan a hacerse un selfie con ella o incluso cantando bajo petición y a capella rarezas como ʻCrystallizeʼ o ʻMillion Millesʼ, que no habían sonado en ninguna de las fechas de la gira hasta ahora. Simplemente estaba que no se lo creía, y así lo dejó patente en su cuenta de Instagram nada más decirnos adiós.

“Después de ver esto, no entiendo cómo pudiste escribir lo que escribiste del estreno en Liverpool”, me espetó un conocido al que encontré en la pista con las luces ya encendidas. Sudado y afónico, yo tampoco. Bueno, sí, el entorno había cambiado. Que como se suele decir, Madrid era una fiesta, y anoche en concreto, una de las buenas. Esta noche la artista visita Barcelona. 8.

David Bowie estrena ‘Sue (Or In A Season of Crime)’

David-Bowie-SuePuede que en el último año te hayas acostumbrado tanto al acertado sonido de ‘The Next Day’ que te pensaras que esa sería la línea que seguiría David Bowie por los siglos de los siglos.

Pero no. El artista, siempre tan camaleónico, ha estrenado el tema inédito de su próximo recopilatorio y no suena nada a sus últimas producciones junto a Tony Visconti. Esta vez el productor está al mando de una canción mucho más jazz, que cuenta con el protagonismo de la orquesta de Maria Schneider. La letra podéis leerla en el Facebook de David Bowie.

El recopilatorio ‘Nothing Has Changed’ sale el 17 de noviembre. Tendrá tres portadas diferentes dependiendo de las ediciones. También habrá un single en vinilo para ‘Sue’ para todo aquel al que sólo le falte este tema. Saldrá el mismo día.

10 + 1 recomendaciones para Monkey Week 2014

Este fin de semana se celebra en Puerto de Santa María una nueva edición de Monkey Week. Actúan los veteranos The Sadies, The Handsome Family, Los Nastys, Holy Fuck, Pony Bravo, Ricardo Vicente, Acuario, Juventud Juché, Delafé y las Flores Azules, The Parrots, Trèpat, Tiger & Milk, Virginia Labuat, Tom’s Cabin, Ocellot, Natisú, Terrier, Smile, Deers, Modelo de respuesta polar, John Gray, Francis White o Forest Swords tras triunfar en Sónar.

En este artículo te presentamos otras 10 + 1 recomendaciones no tan populares o habituales de nuestras páginas. Los horarios se pueden consultar en esta web.

siestaSiesta!: nada que ver con el mítico sello nacional que editaba a La Buena Vida en sus inicios. El grupo fichado por Sonido Muchacho en colaboración con Giradiscos y La Cúpula del Trueno para publicar ‘Terroruterino’ conjuga el punk con el kraut o el synth pop dejando pepinazos como ‘A una chica llevaría una isla desierta’. Tras su paso por Primavera als Bars y telonear a Dirty Beaches, será el momento de comprobar cómo funcionan en Monkey Week. Este es el vídeo que Darío Peña dirigía para ellos hace unos meses y era estrenado por Rockdelux.

ag_trioA.G. Trio: entre los nombres poco conocidos del panorama internacional que estamos seguros de que encantarán a nuestros lectores que aún no los conozcan, destaca este trío austríaco. Su debut ‘Action’ se lanzó en 2012, con apetecibles influencias como Whomadewho, Junior Boys, The Human League o Depeche Mode.

Su tema ‘Countably Infinite’ con M. Zahradnicek fue un hit en la radio de su país y enseguida entenderéis por qué.

miremonosMirémonos: en mayo se publicaba el debut de esta banda llamado ‘Triángulo de las bermudas’ que, casi como su propio título indicaba, bebía de paisajes marinos próximos a El Guincho y Extraperlo, con punteos más poperos a lo Two Door Cinema Club. La banda, entre lo bailable y lo evocador, ha llegado a telonear a Dorian en una abarrotada Riviera. Nueva oportunidad para demostrar lo que valen.

the_saursThe Saurs: considerados “uno de los secretos peor guardados del underground barcelonés” y tras quedar segundos en Rock Villa de Madrid, el grupo publicaba un 7” que recogía unos temas grabados a pelo en los Janowski Studios de L’Hospitalet. Después de Monkey Week les espera una gira que también les llevará a Bilbao, Torrelavega y de manera destacada, el Primavera Club y tres salas importantes aparte en Barcelona: la 2 de Apolo, Sidecar y Bikini.

chenchoChencho Fernández: no es precisamente una revelación, pero quizá sí como sucede con Rafael Berrio o Julio de la Rosa, con el que ha colaborado, este artista vive una segunda juventud gracias a cierto nuevo reconocimiento. Figura de los 90 en la escena sevillana como parte de Sick Buzos, el año pasado anticipaba su álbum ‘Dadá estuvo aquí’ con esta gran canción que se sitúa, efectivamente, entre Dylan y Burning. El álbum se envió a fábrica la semana pasada y se espera que esté listo este fin de semana.

el_lobo_en_tu_puertaEl lobo en tu puerta: los que digan que el blues-rock tiene que ser cantado en inglés porque es su idioma natural podrían topar con un desafío al escuchar a esta banda de Chiclana compuesta por Julio a la voz, el theremin y la armónica; y Tanín y Búho, ambos a la guitarra y la batería. Este verano han subido a Bandcamp 9 canciones entre las que destacan, por lo directas que suenan, ‘Se fue’ y ‘Mr Satán’, o ‘El monstruo del pantano’, donde también se adivina cierta influencia de Beastie Boys.

hi-coreaHi Corea: Uno de los grupos andaluces de los que más se ha hablado este año en cuanto a artistas debutantes es el compuesto por Carlos Moreno (Bombones, Marina Gallardo), Berni Ruiz (Neorama) y Clarisa Guerra (Autocine Stoller, Hono & the Lulus). El revuelo se producía especialmente cuando lanzaban el primer single de su EP, el tema ‘Bill’, una diana de pop psicodélico que les sitúa en el mapa hasta la llegada de las cuatro canciones de ‘Odd Nature’.

carmen_bozaCarmen Boza: Monkey Week también tendrá un hueco para cantautoras en la línea de Vega o Christina y los Subterráneos. Es el caso de Carmen Boza, que tras cinco años subiendo vídeos a Youtube y publicar dos maquetas grabadas en casa (‘Lapislázuli’ y ‘Rollitos de primavera’), lanzó una campaña de crowdfunding para la grabación de su primer disco de estudio. Logró los 10.000 euros en 8 horas y al final recaudó 25.000. El disco ha sido grabado entre mayo y julio de 2014 y se compone de 15 temas.

goodbye_strangerGoodbye Stranger: formada por tres adolescentes en Londres, Goodbye Strangers es una banda que, al margen de atreverse a remezclar el ‘Sheezus’ de Lily Allen, fluctúa entre los ritmos indietrónicos de Postal Service y los punteos de Two Door Cinema Club. Lo primero sucede durante su canción ‘Magnolia’ (también con un puntito Junior Boys) y lo segundo durante ‘Miles Away’, de momento su mayor hit potencial.

perlitaPerlita: el líder de Ledatres, Pedro Perles, también vinculado a Bigott, Paco Loco (quien acude con Los Jaguares de la Bahía, autores del himno ‘Get Ready for The Monkey Week’) o Carne Lovers, se ha embarcado en un proyecto electrónico, de momento no demasiado fructífero, pero sí diferente a lo que solíamos conocer de él. Las maquinitas de Perlita, donde se acompaña de su hermano Esteban Perles (Bigott, Josh Rouse) y Francisco Calderón (Úrsula, El Hombre Burbuja) suenan más cerca de Kraftwerk y, sobre todo, Air y Sébastien Tellier.

la_suite_bizarreLa Suite Bizarre: Monkey Week es generoso en proyectos relacionados con el flamenco, el metal y el blues, así que probablemente el inquieto Isra J. Alexander sea un descanso para los más poperos. Esta mezcla entre La Prohibida, Mario Vaquerizo y Electric Six actuará aparentemente el viernes 10 de octubre, aunque no le encontremos en los horarios (por eso es nuestro +1). Pero está en la programación: os lo prometemos.

La Suite Bizarre Dance revolution Hot vers from La Suite Bizarre on Vimeo.

¿Se acercan los Beatles a Spotify?

john-lennonEl equipo de prensa de Spotify comunica esta mañana en una nota que “se enorgullece de anunciar el lanzamiento del catálogo completo en solitario de John Lennon en Spotify. La colección abarca ocho álbumes de estudio y tres recopilatorios, y contiene un gran abanico de hits históricos – incluyendo ‘Jealous Guy’, ‘Imagine’ y ‘Happy Xmas (War Is Over)'”.

Ninguna de las tres figuran de momento entre los temas más escuchados del artista en la red de streaming, pues hasta ahora no se encontraban. Entre los temas más oídos de John Lennon en Spotify hasta ahora encontrábamos un directo en Madison Square Garden con temas de los Beatles, algún tema suelto incluido en alguna banda sonora (‘Watching The Wheels’ de ‘Funny People’) o ‘Gimme Some Truth’ por estar en la banda sonora de ‘Body of War’. Veremos qué pasa a partir de la semana que viene.

Ahora sólo queda esperar por los Beatles y no parece que nadie pueda culpar ya a Yoko Ono de su ausencia en las plataformas de streaming. Después de mucho esperar, el catálogo de los Beatles apareció en iTunes en noviembre de 2010. El catálogo de Paul McCartney desapareció en 2010 del streaming pero volvió a finales de 2012, como recuerda Musically. ¿Qué pasará con los Beatles? ¿Alguna vez dejarán de ser la banda más pirateada del mundo por razones evidentes?

Álbumes de estudio de John Lennon, ya en Spotify:

1. Milk And Honey
2. Plastic Ono Band
3. Rock ‘N’ Roll
4. Imagine
5. Mind Games
6. Sometime In New York City
7. Walls And Bridges
8. Double Fantasy

El surrealismo según Kylie Minogue

kylie-surrealismoCualquiera que sea fan de Kylie Minogue está acostumbrado al surrealismo. A seguir sin rechistar una carrera musical de más de 25 años en la que la australiana es capaz de hacer casi a la vez lo peor y lo mejor sin que le salpique la mierda porque, bueno, ya sabes, es Kylie, la Mary Poppins del pop: simplemente perfecta.

Teniendo esto presente, nadie puede decir que su ‘Kiss Me Once Tour’ sea una gran decepción. Excepto por el nombre, cierto, ya que en las dos horas del espectáculo que estrenó el pasado miércoles en Liverpool apenas sonaron temas de su último disco. La australiana prefirió dejar en el tintero canciones que merecían ser defendidas en vivo como ‘Feels So Good’, ‘Million Milles’ o ‘I Was Gonna Cancel’ (¿segundo single? ¿Hola?) para que su espacio lo ocuparan otras que merecen un descanso eterno como ‘Kids’ o ‘Spinning Around’. Incomprensible. Pero claro, hablamos de la misma cantante que en la gira de presentación de ‘Fever‘, su disco más vendido, apenas incluyó seis del mismo en el setlist. Pues eso, que con Kylie, acostumbrados al surrealismo, todo es más sencillo.

Y no lo digo porque antes de salir al escenario la mujer proyecte en las pantallas un corto llamado ‘Sleepwalker’ para presentar cuatro nuevas canciones producidas por Fernando Garibay que dejan en ridículo mucho de lo que ha hecho en los últimos años para, acto seguido, regalarlas a través de Soundcloud, que también, sino porque sabiendo estas típicas incoherencias tan suyas se entiende, se justifica e incluso se aplaude que precisamente la obra de Dalí sea la que inspira el segmento con el que arranca el concierto con Kylie cantando ‘Les Sex’ sobre un sofá de labios. Es como si por fin entendiera su esencia. Vale, no es una entrada espectacular, pero sí la más sensual que ha hecho nunca. De haber seguido por ahí la cosa, al resto de la noche no habría que ponerle ninguna pega.

Pasada la excitación de tenerla en vivo en tus narices cantando ‘In My Arms’, ‘Sexy Love’, ‘Wow’ y por fin en directo ‘Timebomb’, llegó el momento de analizar el escenario, más barato y menos impresionante que el del anterior ‘Les Folies Tour’ pero muy bien aprovechado. Y es que a falta de chorritos de agua bienvenidos sean los mil láseres que inundan la puesta en escena de la siguiente sección, que por vestuario y proyecciones podría formar parte de cualquier gira de los Pet Shop Boys si estos cantaran cosas como ‘Your Disco Needs You’, ‘On A Night Like This’ o ‘Slow’. ¿Divertidas? Siempre. ¿Originales? Con los mismos arreglos de siempre, no mucho, desde luego.

Por suerte el mal sabor de boca que te deja no volverte loco con canciones que siempre te dejan afónico se pasa cuando por primera vez en toda la noche ves que Kylie se siente cómoda en el escenario defendiendo con ironía y mucho humor un medley de éxitos ochenteros como ‘Hand On Your Hearth’, ‘Never Too Late’, ‘Got To Be Certain’ y ‘I Should Be So Lucky’ –baño de espuma incluido–. De lo mejor que ha hecho nunca en directo, y no precisamente porque vaya perdiendo ropa en cada número hasta quedarse en sujetador y bragas, que la muchacha sabe muy bien cuál es su público, sino porque ya era hora de que reivindicara esas canciones sin vergüenza. Los pelos cardados, como los novios, forman parte de su vida y es lo que es gracias a ellos ¿O a qué viene entonces esa versión del ‘Need You Tonight’ de INXS con la que continúa su propuesta?

Lástima que no fuera ‘Suicide Blonde’, porque así nos habría dado algo en lo que pensar durante la sección más aburrida y fallida de la noche –pero mucho– en la que lo mismo suena ‘Sexercise’ que una versión electro de ‘Can’t Get You Out Of My Head’ random que ‘Beautiful’ y ‘Kiss Me Once’ en versión baladera. ¿Te parece poca bajona? Pues no creas que ‘Get Outta Of My Way’, ‘Love At First Sight’ y ‘All The Lovers’ levantan el ánimo. A ver, las canciones sí, eso siempre, pero el trajecito de fuente que me lleva puesto la muchacha… No hay ironía para defenderlo. No existe.

Y de repente, un ‘Into The Blue’ correctito a modo de encore, un good night y un hasta luego. Cuando las luces se encienden y abandonas la pista esquivando a grupos de guiris demasiado borrachas como para que alguna le sujete el pelo al resto, recuerdas guiños a los hardcore fans que agradeces a modo de compensación: un traje inspirado en tal actuación de hace años, una “córeo” sacada de un vídeo en concreto… Quiero creer que es la forma de pedirnos perdón por no haber confiado en su nuevo disco y habernos dado un ‘Greatest Hits Tour 2: peor y más barato’ apto solo para audiencias casuales. ¿Dónde está la épica? ¿Dónde las canciones olvidadas que hace años que no escuchamos? ¿Dónde la excitación, el sudor y el cansancio? ¿Dónde tu nuevo disco, tía? ¡Que no he salido afónico, coño! Lo dicho, porque es Kylie, que si no… 6.

La gira de Kylie Minogue llega a Madrid y Barcelona los días 13 y 14 de octubre. Entradas, aquí.

Urban Outfitters, la mayor vendedora de… ¿vinilos?

urban outfittersLa cadena de ropa estadounidense Urban Outfitters, que cuenta con tiendas en Bélgica, Dinamarca, Francia, Alemania, Irlanda, Suecia y Reino Unido y a finales de año abrirá una nueva en Barcelona, vende, además de ropa, vinilos. Es fácil de ver en la imagen, de hecho, donde lo que menos parece haber son camisetas.

En una rueda de prensa reciente, Calvin Hollinger, principal funcionario administrativo de Urban Outfitters, ha dicho que la tienda norteamericana es “la mayor vendedora de vinilos del mundo”. Hollinger apunta además que, en lugar de ofrecer estos productos a través de internet, la compañía cuenta con un sistema que le permite ofrecer vinilos de más de 100 vendedores diferentes sin necesidad de poseer su inventario. Hace unos días, sin ir más lejos, Urban Outfitters acordó una asociación con la tienda de música independiente Amoeba Music, la más grande del mundo, para introducir una tienda dentro de los establecimientos de Urban Outfitters.

De esta noticia, evidentemente, surgen mil y una preguntas: ¿cuál es la causa de que una tienda de ropa, y no una tienda de discos, sea la que más vinilos expide de todo el mundo? ¿Se ha convertido el vinilo en un complemento de moda más? ¿Están las tiendas de discos obsoletas? ¿Qué ocurriría si en España tiendas como Topshop y Topman, H&M, Springfield, Desigual o Stradivarious decidieran colocar estanterías llenas de vinilos en sus establecimientos? ¿Ayudaría esto a la venta de música en nuestro país?

Quizá podamos salir de dudas cuando Urban Outfitters llegue finalmente a España, como está anunciado. ¿O aquí no apostarán por la música?

Escucha la banda sonora de Trent Reznor para ‘Perdida’ de David Fincher

TrentReznorTrent Reznor, aparte de recuperar a Nine Inch Nails, en los últimos años se ha dedicado a poner música a las películas de David Fincher, llevándose un Óscar por el camino.

Para no variar, Reznor, con la ayuda de su inseparable Atticus Ross, es el encargado de poner banda sonora a la esperada nueva película del aclamado director. Se trata de ‘Perdida’, una de las cintas más esperadas de la temporada, basada en la novela del mismo nombre de Gillian Flynn, con Ben Affleck, Rosamund Pike y Neil Patrick Harris en el reparto. El filme llegará a cines españoles el próximo 10 de octubre, pero mientras, podemos recrearnos con la banda sonora que ha compuesto Trent Reznor y Atticus Ross. Se puede escuchar aquí.

Kanye West pincha su nuevo disco en París

Parece que alguien sí publicará disco en 2015 además de Calvin Harris. Podría tratarse de Kanye West, que durante todo este año ha estado trabajando de manera intermitente en el sucesor de ‘Yeezus‘.

Su colegui Theophilus London, que acaba de estrenar una fantástica canción en la que colabora Kanye como arreglista, ha puesto en Instagram que ha ido a una fiesta en la que se ha pinchado el disco de Kanye tres veces en París. Esto significaría que está acabado. Además, dice que ha participado incluso en el single. 20 afortunados escucharon.

Elsa de Alfonso y Los Prestigio ponen fecha y portada a ‘Desencuentros’

desencuentros‘Desencuentros’ será el nombre del anunciado primer EP de Elsa de Alfonso y Los Prestigio, con concepto y fotografía de CANADA y diseño de YNTBP. Saldrá el próximo 30 de septiembre en digital y en formato físico estará disponible en un vinilo de 12 pulgadas a partir del 21 de octubre. Canada describe el disco como “un tratado sensual de baja fidelidad simplemente encantador, una entrega previa al primer disco de la banda, que ya está trabajando en nuevo material”.

El 16 de octubre hay un concierto en el piano bar Klavier de Barcelona.

1 – Gardenias
2 – Lo Nuestro
3 – El Oleaje
4 – Sobre el Amor

Ed Sheeran agota en Barcelona

ed sheeranQue este año es el año de Ed Sheeran ya os lo hemos contado. ‘X‘ sigue arrasando. Tras haber aumentado el aforo de su próximo concierto en Madrid, el próximo 25 de noviembre en el Barclaycard Arena (antes Palacio de Los Deportes), Ed Sheeran agota todas las entradas de su primer concierto en el Sant Jordi Club de Barcelona el próximo 24 de noviembre. Ya solo quedan tickets para Madrid y, tras la ampliación de aforo, las entradas disponibles para el nuevo formato son: Entrada de pista 35€ (más gastos de distribución) y entrada de grada 38€ (más gastos de distribución).

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