En 2014, Xavier Dolan estrenó ‘Mommy’ en el festival de Cannes. El director quebequés (últimamente perdidísimo) sorprendió al público con la utilización de un recurso estilístico de gran eficacia narrativa y dramática: el protagonista, “encerrado” en un formato de imagen 1:1, abre los brazos al tiempo que la pantalla se expande en horizontal como si el aire entrara en sus pulmones. En ‘Lo que te falta’, Paco León utiliza un recurso similar. Comienza el vídeo en un formato 4:3 y, pasado un minuto, lo abre hasta 16:9 en sincronía con la imagen de Soleá Morente abriendo los brazos mientras corre hacia al espectador. Una metáfora visual sobre la libertad y la ampliación de horizontes –visuales, mentales, sociales- que apuntala un discurso sobre el empoderamiento femenino. El otro gran símbolo que utiliza el director es el traje de gitana. La bata de cola es (re)interpretada como una carga que “arrastran” las mujeres en un traje que impide la libertad de movimientos. Pero a la vez es un icono de la feminidad que, al vestirlo todo el reparto del vídeo, se transforma en una alegoría sobre la lucha por la igualdad.
‘Willow’ comienza donde termina ‘Cardigan’: con Taylor Swift empapada y abrigada con la famosa rebequita tras regresar de su viaje interdimensional por lejanos-mundos-de-fantasía. En este nuevo videoclip, la cantante encuentra un hilo de oro como el del mito de Teseo y Ariadna. Y, de nuevo, vuelve a meterse por el piano para aparecer, como ‘Alicia en el país de las maravillas’, por el hueco del tronco de un árbol (un sauce, como el título de la canción). Taylor seguirá ese hilo que le lleva a su amado (¿referencia a la canción ‘Invisible String’?), pasando por diversos escenarios: un episodio de su infancia, una actuación en un cubículo vestida de novia como si fuera una atracción más de un freak show decimonónico (¿es la “chica serpiente” del cartel del fondo?), un ritual en un bosque nevado que recuerda a los aquelarres de los cuentos de brujas, y un encuentro final al calor de la chimenea cuya retórica visual parece inspirarse en los westerns crepusculares aunque se parece más a un anuncio navideño.
Seguimos con secuelas. ‘La casa exagerada’ es algo así como el spin off del videoclip de ‘La carta exagerada’. Hidrogenesse pasan de sirvientes a ser los señores de la casa en esta versión remezclada por Chico Blanco, al que previamente habían versionado. Dos señores en pijama entretenidos con sus cosas: organizando raves domésticas con pases de baile noventeros, cocinando chucrut, haciendo pausas para hidratarse, elaborando tocados porque “en casa se debe ir elegante”. Todo ello expuesto con ánimo pedagógico (a través de subtítulos informativos), preconizador (nos presentan al artista miniaturista David Macho) y fetichista (aparecen muchas celebridades “invitadas”). A medio camino entre el espíritu pretecnológico de Michel Gondry y la comicidad y economía expresiva de un Buster Keaton, ‘La casa exagerada’ funciona como encantadora miniatura costumbrista que utiliza la metáfora de la casa de muñecas como cimiento expresivo para construir un relato sobre la felicidad hogareña en tiempos de estrés post-confinamiento.
En 2017 se produjo una de esas colaboraciones artísticas que llevan implícita la coletilla “estaban destinados a encontrarse”: los cineastas Benny y Josh Safdie, y el compositor Daniel Lopatin. El resultado fue la banda sonora de la fabulosa ‘Good Time’ (2017), que obtuvo el premio a la mejor música en el festival de Cannes. A partir de ahí, no han parado de trabajar juntos: Lopatin compuso la banda sonora de ‘Diamantes en bruto’ (2019) y los hermanos Safdie han dirigido el último videoclip de Oneohtrix Point Never. ‘Lost But Never Alone’ es una cacofonía de imágenes ochenteras y noventeras. Una serie de fragmentos de anuncios, noticiarios, documentales y ficciones que se suceden con la lógica de un zapping nostálgico o, como aparece al principio del vídeo, del dial de la radio de un coche. Esa radio sintoniza dos “emisoras” principalmente: una cinta de terror con patinadora asesina (¿para cuándo una de miedo de los Safdie?), y una especie de ‘La hora de Bill Cosby’ con guiño anacrónico y final apoteósico que parece salido de un videoclip de los 80.
El gusto de Oneohtrix Point Never por las texturas videográficas del pasado, por la iluminación y la gramática visual de los clips y grabaciones de las actuaciones musicales de los 80, se puede observar también en el último vídeo de Miley Cyrus. La intro de ‘Prisoner’ es toda una declaración de intenciones: una fusta, símbolo del sadomasoquismo, y un alambre de púas, distintivo del punk. Luego, tras un homenaje al ‘Science Fiction/Double Feature’ de ‘The Rocky Horror Picture Show’, comienza un viaje por carretera en un autobús que recuerda al del biopic ‘The Runaways’. A través de un montaje muy dinámico, con encuadres cerrados, diferentes estilos fotográficos y mucho primer plano de las cantantes en poses sexi-punkarras, explota la “cherry bomb” en un jueguecito lésbico que parece inspirado tanto en el arquetipo cinematográfico de la vampiresa bollo (de Jean Rollin a Jess Franco), como en el terror caníbal tipo ‘Crudo’ o ‘Trouble Every Day’. Al final, las dos “prisioneras” se liberan en un concierto rodado como si fuera de los 80. La última palabra la tiene Divine y su famosa frase de ‘Female Trouble’.