El Festival do Norte, que se celebra los días 17 y 18 de mayo en Vilagarcía de Arousa, y ya había anunciado a gente como Toy, The Primitives, Dorian, Xoel López, Sr Chinarro o Triángulo de amor bizarro, cierra su cartel.
Las nuevas incorporaciones son La Habitación Roja, Dover tocando ‘Devil Came To Me’, Jane Joyd, Tórtel, Mvnich, Aurora, Amable y Gato TV. El cartel por días queda como veis. Más información, como siempre, en la página web oficial.
Tras tres álbumes no demasiado amables, Kurt Vile se quitó la vitola de icono underground con ‘Smoke Ring For My Halo‘, un disco en el que apartaba el feísmo y hacía primar las melodías y el rock and roll como alimento básico, brillando con decisión cuando, hasta la fecha, solo había ofrecido destellos irregulares. Entonces, el de Philadelphia se conjuró con su banda, The Violators, y el veterano productor John Agnello para enfocar su particular visión del clasicismo rock, con notables resultados que le supusieron loas de la crítica y el público más exquisitos. En ‘Wakin On A Pretty Daze’, su nuevo álbum, Vile repite equipo y, a tenor del sonido de su voz, de los desarrollos lisérgicos de las guitarras y de los ambientes brumosos en los que se envuelven algunas canciones, uno podría decir que también repite… sustancias.
Sorprendentemente, Kurt Vile desmonta cualquier tipo de mitología en torno a las drogas y el rock and roll, declarándose un hombre de familia (lleva casado diez años y tiene hijos, una de los cuales aparecía simpáticamente en el vídeo de presentación del single ‘Never Run Away‘) absolutamente sobrio y muy apegado a su ciudad de origen y en la que continúa viviendo, Philadelphia. De hecho, a esta dedica la portada de su álbum, un mural en una zona industrial de la ciudad creado ex-profeso por el artista local ESPO. Diría que en el habitual crapulismo que se le presupone a la escena, es casi una osadía esa franqueza que despoja su quinto álbum de ese malditismo coyuntural que en su anterior obra llevaba a pensar en depresión y oscuridad.
Esa ausencia de cinismo se palpa perfectamente en estas nuevas canciones, incluso aunque los recursos empleados sean en buena medida los mismos. Si la enorme, larguísima ‘Wakin On A Pretty Day’ que abre el álbum con sus envolventes nueve minutos, ‘Girl Called Alex’, ‘Pure Pain’ o la flotante ‘Too Hard’ cabrían sin problemas en su anterior obra, se advierte una ostensible voluntad por brillar y agradar en cortes como el citado ‘Never Run Away’, ‘Shame Chamber’ o ‘Snowflakes Are Dancing’, que casi podría decirse que son claros intentos de lograr un hit (si no fuéramos conscientes de que es harto difícil). Kurt no tiene miedo al éxito porque, como ha declarado, es una cuestión de supervivencia. Él quiere procurar a su mujer y sus hijos lo mejor de lo que sea capaz a través de la música, con lo que zanja rotundamente las críticas recibidas por permitir que su tema ‘Baby’s Arms‘ sonara de fondo en un anuncio de Bank Of America.
En un curioso punto intermedio entre ambas secciones de canciones encontramos cortes como ‘Was All Talk’ o ‘Air Bud’, ambas con cajas de ritmos como base, que sorprenden y añaden nuevas perspectivas a su rock de autor, resultando igualmente satisfactorias. ‘Wakin On A Pretty Daze’ se cierra dulcemente, con una adormecida y plácida ‘Goldtone’ que nos mece a lo largo de (otra vez) diez minutos sin que en ningún momento nada parezca accesorio o innecesario. Con su nueva obra Vile parece introducirnos en su eminentemente feliz situación vital a la vez que se confirma, con rotundidad, como uno de los principales nuevos valores del rock de autor norteamericano junto a Cass McCombs, Damien Jurado, Joss Tillman (Father John Misty) o Jonathan Wilson.
Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘Never Run Away’, ‘Wakin On A Pretty Day’, ‘Was All Talk’, ‘Shame Chamber’, ‘Snowflakes Are Dancing’
Te gustará si te gusta: Cass McCombs, Deerhunter, Damien Jurado
Escúchalo: Deezer
‘Compliance’ empieza con un guiño –la productora se llama poli malo / poli malo- y una advertencia sorprendentemente enfática, en mayúscula y grandes letras: INSPIRADO EN HECHOS REALES. El guiño se entenderá después, y la advertencia, por su contundencia y por cómo avanza la trama, habrá que ponerla en suspenso, desconfiar de ella. Una vez terminada esta película que estos días se estrena el festival de cine online Atlántida Film Fest surge una gran duda: ¿será este un caso donde la realidad, por muy inverosímil que parezca, supera a la ficción; o ese “inspirado” de la advertencia es una coartada para introducir “licencias dramáticas” que adornen o completen la realidad?
Incluso podemos ir más lejos: ¿debemos estar conformes (“compliance”) y aceptar dócilmente lo que nos dice el director por ser la figura de autoridad de la película o hay que cuestionar la información que nos da?
Aunque parezca mentira, sí, todo lo que se narra es real. La película sigue de forma bastante fiel lo ocurrido en un McDonalds de Kentucky en 2004. ¿Por qué, entonces, no parece real? Por una razón: porque el director no consigue que todo parezca verosímil. El cine de ficción es una representación. Da igual que lo que cuentes tenga una base real, lo que importa es cómo lo cuentas para que el espectador se lo crea. En la pantalla una bofetada real puede ser más difícil de creer que una fingida. Depende de cómo lo ruedes. Ese es el mayor problema de ‘Compliance’: que algunas veces parece una bofetada fingida. Y eso crea indefinición. ¿Qué es esta película: una sátira, un thriller psicológico, un drama realista?
Lo que sí es evidente es la capacidad del director Craig Zobel para atrapar e incomodar al espectador con muy pocos elementos, apenas un teléfono y un escenario (la trastienda de un establecimiento de comida rápida). El miedo al desempleo, la sumisión a la autoridad, el poder de la palabra, la fragilidad moral y la incapacidad para pensar por uno mismo son los ingredientes que desencadenan una situación monstruosa, un ejemplo práctico del célebre experimento de Milgram. El restaurante de fast-food donde todo ocurre es la eficaz metáfora de una sociedad dócil y manejable. Los numerosos planos detalle de los restos de comida basura evidencian lo que la gente es capaz de tragar sin plantearse qué es lo que traga y por qué lo hace.
Aunque el guión no sea demasiado sutil (lo primero que dice la empleada acusada es “no puedo perder el trabajo”) y el personaje al otro lado del teléfono sea algo estereotipado (hubiera sido mejor no ponerle cara ni contexto), la película se sustenta por la excelente labor de sus intérpretes. En especial Pat Healy y su turbadora voz, y la desconocida Ann Dowd, que borda su papel de rígida e insegura encargada del restaurante. Alguien capaz de, sin darse cuenta, traspasar todo límite moral solo por complacer y “seguir las reglas”. 7.
¿Qué vimos en el mítico vídeo de ‘We Found Love’ de Rihanna? Gente borracha, desfasada, vomitando… ¿Y qué vemos en el de ‘We Found Love’ de Palma Violets? Más o menos lo mismo aunque en un estilo completamente diferente. Vueltas y más vueltas en un club sobre los responsables de uno de los discos más hypeados últimamente por los medios británicos que al final no estaba tan mal (aunque este no fuera el mejor ejemplo). Tocarán en el FIB.
Aquellos decepcionados con ‘Demons’, lo primero que hemos oído del nuevo disco de The National, ‘Trouble Will Find Me’ (a la venta en mayo), ya podemos escuchar otro tema titulado ‘Don’t Swallow The Cap’, más en la línea de ‘Bloodbuzz Ohio’. Os recordamos que el grupo actuará en Madrid el 20 de noviembre.
«‘Alligator’ o ‘Boxer‘ son los álbumes con los que The National dieron el paso de gigante hacia el reconocimiento internacional (o mejor dicho, público y medios dieron el paso para conocerlos a ellos, pues los dos discos que preceden a ‘Alligator’ también gozan de gran calidad), pero eso no fue más que un primer paso. Lejos de mitificar esos álbumes a la altura de algo inalcanzable, Matt Berninger & cía. se superaron con ‘High Violet‘ y a juzgar por la calidad de ‘Demons’, ‘Trouble Will Find Me’ apunta las mejores maneras posibles, conformando una carrera en constante ascendencia. Un ritmo calmado pero persistente unido al órgano conduce la melodía, con tímidas guitarras que dan protagonismo a la siempre imponente voz de Berninger, quien canta a sus penas como es habitual. Pueden dar un puñetazo en la mesa y sonar fieros, pero con este sosiego (de trasfondo tenso, eso siempre es así con ellos) llaman la atención de igual manera y eso muy pocos lo pueden lograr». quietmansmiling.
«‘Demons’ es un medio tiempo que suena sofisticado y pulcro, con una producción muy cuidada, con un medido uso de los arreglos de cuerda y viento que nunca llegan a ser invasivos. Pero aunque este ¿single? de The National pruebe de nuevo su calidad hasta ahora infalible, se echa de menos la tensión, la contundencia y la épica de sus mejores temas. Yo diría que no va a estar entre esos momentos que uno ansía que lleguen en sus conciertos». Raúl Guillén.
«Cuando me enteré de que The National actuaban en un lugar tan grande como el Palacio Vistalegre pensé que tenían un single tan grande o más que ‘Bloodbuzz Ohio’, en su momento mejor canción de 2010 para nuestro site. No es el caso de este ‘Demons’, un tema correcto tan comedido que termina pasando sin pena ni gloria. O hay as en la manga (apenas unos días después han dejado escuchar otro corte) o con este disco ganarán tantos fans como los últimos R.E.M.: ninguno». Sebas.
«A mí, personalmente, los de Matt Berninger me tienen ganado a poco que hagan. Bien es verdad que hubiese preferido una canción más pegadiza como ‘Bloodbuzz Ohio’, pero no puedo dejar de reconocer que esta especie de medio tiempo que es ‘Demons’ me ha dejado con muchas ganas de escuchar ‘Trouble Will Find Me’, fundamentalmente por su enorme parecido con ‘Conversation 16’, una de mis canciones favoritas de ‘High Violet'». Lolo Rodríguez.
El dúo británico Still Corners anuncia su nuevo disco ‘Strange Pleasures’ para el próximo 7 de mayo tras haber publicado ‘Creatures of an Hour’ en 2011. El primer avance del disco es un tema titulado ‘Berlin Lovers’ que llega acompañado de un videoclip que ha dirigido Christian Sorensen Hansen. A pesar de que se trate de otro clip más con historia de amor adolescente como hilo conductor, funciona a la perfección como acompañamiento para el sonido del grupo de Teresa Murray y Greg Hughes, que aparecen como trabajadores de la pista de patinaje en la que transcurre la acción.
The Mary Onettes, la banda liderada por Philip Ekström, estará en nuestro país para presentar su nuevo disco ‘Hit The Waves‘. Las fechas son el 8 de mayo en Moby Dick (Madrid), el 9 de mayo en Zaragoza (Sala Explosivo!) y el 10 de mayo en Guipuzkoa en un lugar por confirmar. Las entradas están a la venta desde 9 euros en Ticketea de forma limitada. Luego el precio subirá a 12 y 15 euros.
No nos engañemos, las películas de Tom Cruise las conocemos como películas de Tom Cruise porque Tom Cruise es el epicentro de todo el espectáculo. Así que haters de la estrella estadounidense absteneos de acudir al cine a despotricar contra el trabajo del actor porque aquí, más que dos tazas de caldo, os llevaréis una olla tamaño cocina de comedor escolar. Y es que todo en ‘Oblivion’ gira en torno a demostrarnos una vez más que nadie mejor que Tom para salvar al mundo de sus desgracias con un papel de héroe que en cintas como ‘Misión: Imposible’ le queda perfecto pero que en esta ocasión, quizás por tratarse de un filme apocalíptico con reparto limitado, puede provocar empacho.
Esto no es excusa para no reconocer que el tipo aguanta sin rechistar sobre sus hombros el peso de este blockbuster como el que lleva una carísima mochila vacía. Claro que igual es porque esa mochila imaginaria es la perfecta metáfora de lo que representa ‘Oblivion’, una película exclusiva y de diseño espectacular digna de ser admirada en salas IMAX pero que no guarda dentro nada de valor. De ahí que la cinta se disfrute más cuanto menos sepas de ella.
Una verdadera lástima, porque el director Joseph Kosinski tenía entre manos potencial para entregar una cinta de entretenimiento más que decente, como bien demuestra cuando la acción entra en escena con secuencias que no por recordar a las peleas coreografiadas de cintas como ‘Star Wars’ o ‘Mad Max’ son menos válidas. El problema es que para llegar a ellas hay que aguantar un constante discurso filosófico supuestamente trascendental que, enfatizado por voces en off y diálogos explicativos que mastican más de la cuenta, lleva el tono del filme a latitudes que nos confirman una vez más que ‘2001, una odisea en el espacio’ sigue siendo única.
Aunque no es la de Kubrik la única película que como espectador te viene a la cabeza. Desde ‘Matrix’ a ‘Moon’, pasando por ‘El planeta de los simios’, ‘Stargate’, ‘La guerra de los mundos’, ‘Solaris’ o ‘Wall-E’, son infinidad los títulos que por temática, por estética o directamente por similitud en la trama hacen que ‘Oblivion’ se quede fuera de ese exclusivo grupo de cintas que, sin valorar si son buenas o malas, siempre serán tomadas como referencia original de todas las que llegaron detrás.
Claro que no todo van a ser quejas, ya que si después de encargar a Anthony Gonzalez de M83 la música de la cinta, en Hollywood comienzan a confiar en grandes de la música pop para firmar bandas sonoras (Kosinski ya consiguió que Daft Punk compusieran la de ‘Tron:Legacy’) daremos esta superproducción por buena viendo que lo que como película falla como videoclip sí funciona. 4,5
El polifacético artista francés Yoann Lemoine ya había dirigido vídeos musicales para Katy Perry o Lana del Rey (inolvidable aquel clip para ‘Blue Jeans’) antes de que su proyecto como músico solista Woodkid tomara la relevancia que disfruta en la actualidad. ‘Iron’ encendió la mecha pero su discreta posición en este disco (es la pista trece de un total de catorce) no puede sino indicar que el artista se ha reservado más de un as en la manga para su esperada puesta de largo.
La fórmula continúa en la línea de los magníficos sencillos de presentación, aunque ya en sus directos se intuía que en ‘The Golden Age’ pocas concesiones iba a haber a la introspección de temas como ‘Brooklyn’. El debut de Woodkid ofrece más épica de banda sonora en su uso de los vientos, la grandilocuente furia de las percusiones, el dramatismo de película bélica de las cuerdas e incluso coros solemnes y campanillas en algunos temas contados. Por supuesto la quebradiza, imperfecta y hasta cierto punto agotadora voz de Lemoine es también un elemento esencial en estas canciones porque sin ella, sencillamente, no podríamos hablar de sus letras, en más de una ocasión tan metafóricas y evocadoras como cabe esperar, aunque a veces las melodías que las acompañan no aporten demasiado.
No es el caso del último sencillo ‘I Love You’, una gran canción por cuenta propia y uno de los pocos momentos en ‘The Golden Age’ en que Woodkid no desarrolla sus arreglos hacia la excitante tensión/relajación cinematográfica que predomina a lo largo de todo el disco. En ‘I Love You’ orquesta y letra, acerca de amar a alguien que no te hace caso, fluyen de manera armónica y no en paralelo, como ocurre en, por ejemplo, ‘Conquest of Spaces’, que funcionaría perfectamente como tema instrumental. Ahí están composiciones tan bellas como ‘Shadows’ para corroborar que Wooodkid sería un excelente creador de bandas sonoras, tan atmosféricas y sugerentes como ‘Falling’, en la que suenan cacofonías de órgano a lo lejos, como venido del «otro lado» del que versa la última y emocionante canción del disco.
En ‘The Other Side’, sin ir más lejos, Woodkid se transforma en un caballero que muere en combate. La marcha final sugiere el final de su vida. “Caigo lentamente en el sueño porque he perdido las fuerzas”, entona Lemoine. Otros títulos como ‘The Great Escape’, ‘The Golden Age’ o la misma ‘Conquest of Spaces’, todos muy de película de ciencia ficción, no hacen sino añadir fuerza al cinemático discurso musical de un artista que es prácticamente un director de cine en sí mismo. Solo hace falta echar un vistazo a sus impresionantes creaciones visuales para darse cuenta de que Woodkid es más que un músico al uso. El trabajo orquestal en ‘Stabat Mater’, coros incluidos, construye por sí solo un dramatismo propio únicamente de la más emotiva banda sonora.
Por suerte, Lemoine entiende la ley del menos es más incluso cuando, musicalmente, lo suyo es sobre todo el más es más. Así, en el álbum no hay ni un solo tema que sobrepase los cinco minutos de duración. La mayoría de estas canciones, de hecho, apenas alcanzan los cuatro minutos y algunas ni siquiera llegan a los tres. Para un lanzamiento que cuenta con catorce pistas tan cohesivas en su fórmula esa decisión es un rotundo acierto. Canciones como ‘The Golden Age’ ascienden hacia su clímax de manera tan inteligente que cuando sus vientos explotan hacia el final al tema le quedan tan solo unos segundos para que termine. La orquesta está tan bien dirigida que es imposible que el oyente se aburra lo más mínimo incluso cuando, de nuevo, las melodías carecen de ganchos más identificables.
E inteligentemente, también, Woodkid incluye en el disco algunas piezas más calmadas que le dan dinamismo al conjunto. De no haber sido así, ‘The Golden Age’ hubiera pecado de excesivamente emotivo y su escucha hubiera caído en lo tedioso. ‘Boat Song’ muestra el hábil uso de la metáfora en este disco, con frases como “hicimos nuestras maletas y dijimos adiós / desatamos las cuerdas y alzamos la vela / lanzamos nuestros corazones al mar / y olvidamos todos nuestros recuerdos” para hablarnos sobre empezar de nuevo en la vida. Los metales en esta misma canción alcanzan la belleza sin recurrir a esas estridencias en búsqueda de la épica propias de Lemoine.
‘The Golden Age’ es casi un ejercicio de dirección cinematográfica en disco, en el que tanto la orquesta como las letras producen vívidas imágenes en el oyente, aunque melódicamente pocos temas aquí resulten igual de brillantes que sus arreglos. Por momentos uno se pregunta si un trabajo como este, tan emparentado con el arte de la banda sonora, funcionaría igual o incluso mejor sin la voz de Lemoine, que no es precisamente el mejor vocalista. Con la tontería, sin embargo, se rumorea que Woodkid va a trabajar en lo nuevo de Britney y dirigir un clip para Beyoncé. Dirigiéndose de este modo a las altas esferas a las que apuntan los vientos de este álbum, el destino de Lemoine parece encontrarse en lo alto, al estilo de sus propias canciones.
Calificación: 7,2/10
Lo mejor: ‘Run Boy Run’, ‘I Love You’, ‘Boat Song’, ‘Stabat Mater’, ‘Conquest of Spaces’, ‘Iron’
Te gustará si te gusta: el más es más en la producción musical, las películas bélicas
Escúchalo: Deezer
El sábado 27 de julio Elvis Costello ofrecerá un concierto en Madrid, concretamente en el Teatro Circe Price. Con esta son ya dos las fechas que aporta nuestro país a su gira europea (el 26 de julio estará en el Poble Espanyol de Barcelona), de la que de momento se han anunciado 35 actuaciones. Falta una tercera, que se comunicará en breve. El londinense estará acompañado en este tour por The Imposters: Steve Nieve a cargo de los teclados, Pete Thomas tocando la batería y Davey Faragher encargándose del bajo.
Por otro lado, están a punto de agotarse las entradas para verle en Barcelona por 38 euros. Después el precio pasará a 45 euros y finalmente a 55 euros.
Aparte de presentarse a las semifinales suecas eurovisivas quedando muy mal, Jay Jay Johanson ha publicado un recopilatorio con un tracklist muy poco favorecedor recientemente.
Pero al margen de eso ha grabado un disco llamado ‘Cockroach’ para el que acaba de presentar el primer single. Junto a un vídeo en el que vemos a Jay Jay al volante, ‘Mr Frederikson’ resulta una de sus clásicas baladas post-trip hop. Según su Facebook, el disco sale en septiembre.
Os dejamos también con el recopilatorio de tracklist mejorable y os recordamos que Jay-Jay estará actuando el día 26 de abril en Madrid y el 27 en Barcelona junto a Natalia Lafourcade en un concierto de la gira Budweiser Live Circuit. Además, el 19 de mayo pinchará en Razzmatazz en la fiesta sueca en que actuarán iamamiwhoami y Kate Boy.
Benjamin Biolay publica el segundo videoclip correspondiente a alguna canción de su último disco, el notable ‘Vengeance‘. Nico Kasakoff y Martin Jalfen son los autores del videoclip para ‘Profite’, aquella canción en la que colaboraba Vanessa Paradis. No era la canción más vistosa del álbum pero quizá gane alguna notoriedad a través de esta extraña historia de amor entre personajes imposibles, protagonizada por Ivana Korab y Eddy Rise Jr.
Después de unos años bastante ajetreados, incluyendo un dueto con Bunbury, Miren Iza se encuentra en Nueva York trabajando en el que será el tercer disco de Tulsa. La artista ha aprovechado su estancia en la icónica ciudad de los rascacielos para rodar un cortometraje con la complicidad del director Raúl Santos. Además de ser la protagonista, Miren ha aportado tres nuevas canciones grabadas en 2012 y que se pueden escuchar por primera vez en este trabajo audiovisual. ‘Bórrame del Mapa’, Verano Averno’ y ‘El Baile’ son los títulos de los temas que suenan a lo largo de los 15 minutos que dura este experimento, que ha contado con la producción de Abel Hernández.
Pedro Marín estrena videoclip para otro de los temas extraídos de su nuevo disco, ‘El Hombre Mecánico’. La canción escogida es ‘The Saint’, que también ha sido producida por Stefano Maccarrone de Mendetz. Al igual que en ‘Te Veo Bailar’, Pedro vuelve a hacerse un “Juan Palomo” y se encarga él de la dirección del videoclip. No sabemos si inspirado por aquel segundo e improvisado videoclip de Madonna para ‘American Life’ con banderas, Marín aparece sobre un fondo sin planchar, luciendo una corona de espinas y lágrimas de sangre mientras a sus espaldas se proyectan banderas y planos de carreteras. El álbum sale el 13 de mayo.
La octava edición del Bilbao BBK Live ampliará considerablemente su zona de acampada. Las tres zonas destinadas a tal efecto el año pasado, situadas en el camping de autocaravanas y en la cervecera de Kobetamendi, alcanzaban un espacio de 35.000 metros cuadrados, que se triplicará con el traslado de la zona de acampada al monte Arraiz. Según la nota de prensa del festival, esta nueva ubicación se encuentra a apenas un kilómetro del recinto. «Se trata de una zona verde, natural, con 7.000 árboles y con una superficie total de 340.000 metros sobre superficie llana, de los cuales aproximadamente 120.000 se destinarán a la nueva zona de acampada del festival, con aforo para casi 20.000 personas con respecto a las 5.000 que se acogieron en 2012. Con el traslado de la zona de acampada al monte Arraiz desaparecerán las zonas de años anteriores que resultaron insuficientes ante el constante crecimiento de la asistencia del Bilbao BBK Live año tras año y la demanda para acampar». La nueva zona de acampada se abrirá al público el miércoles, 10 de julio, a las seis de la tarde y se cerrará el domingo 14, a las 15h. Cualquier entrada del festival, se trate de bono de 3 días o de entrada de día, dará acceso a este espacio, hasta agotar aforo.
Os recordamos que en el festival actuará gente como Twin Shadow, Editors, alt-J, Kings of Leon, Two Door Cinema Club y Depeche Mode, y os dejamos con un concierto completo de estos últimos. Está online en esta web.
Natalia sigue con esa carrera imparable que nos ha dejado tantos buenos momentos en los últimos años. Después de practicar la introspección en el videoclip de ‘Tú’, nuestra amiga vuelve a lo que mejor sabe hacer, mover el cucu. La canción nueva se titula ‘Nunca Digas No’ y la acompañan Xriz y CHK, dos raperos canarios hinchados de vocoder. La buena noticia es que la cantante no necesita los 30.000 euros que recolectó Soraya para hacer exactamente lo mismo.
El videoclip, como viene siendo habitual, es un no parar de momentos para la historia. Adelantado por un prólogo con absenta que posiblemente sea una advertencia, podemos ver a Natalia en plan dominatrix con 4 maromos untados en aceite o en plan indígena bailando alrededor de una hoguera. Grabado en alguna discoteca ramdom de España, la cantante aparece en algunos planos tan mal iluminada que a veces aparece más blanca que Michael Jackson.
Hubo una época en la que, a raíz de cierto medio en el que algunos de nosotros trabajamos, nos reíamos mucho de los estudios que llegaban por agencia, procedentes de universidades recónditas de las que nunca habíamos oído hablar. A veces bromeábamos sobre inventarnos los nombres de las universidades o de las ciudades, sobre todo porque los estudios, sobre las cuestiones más improbables, muchas veces ni siquiera se realizaban con una muestra representativa de la sociedad. Daba igual. Este tipo de artículos siempre han sido una mina de titulares y la gente siempre se los lee con ganas. No falla. El realizado por el Área de Sociología del Departamento de Ciencias Humanas de la Universidad de La Rioja sobre juventud y música es un ejemplo más. Se ha hecho en base a 600 entrevistas a estudiantes, extrapolando de manera turbadora en su informe que los universitarios «no presentan muchas diferencias con los no universitarios, ya que su acceso a la música seguirá los mismos cauces» y con el 93% de los estudiantes cursando 1º, 2º o 3º de carrera, por lo que no hay que olvidar que la mayoría de los encuestados (un 60% exactamente) está entre los 17 y los 20 años. Ni en la era internet una persona con un interés medio por la música de esa edad ha tenido tiempo y ganas de reunir discos de todos los artistas planteados, por muy a golpe de un clic que estén.
Además, hay otros sesgos aparte del geográfico, favorito de muchos de nuestros lectores, como el hecho de que en esta Universidad se impartan unas carreras sí y otras no. No hay Facultad de Ciencias de la Información (Periodismo, Comunicación Audiovisual, Publicidad) ni de Bellas Artes, y sólo el 3,7% de los encuestados estudia Geografía e Historia, carreras que algunos escogimos por contener algún tipo de relación, aunque fuera remota, con la música y otras artes relacionadas como el cine (aunque muchos no lo crean en Periodismo se imparten cosas como Crítica de Arte, en Geografía e Historia en la Complutense hay un par de asignaturas optativas y de libre configuración sobre música como Música Popular Urbana).
Sin embargo, es difícil no entretenerse buceando entre las conclusiones, donde se mezclan algunas comprensibles y asumidas por todos con otras más discutibles. Entre las primeras están cosas como que crece el consumo de vídeos en internet en lugar de en la tele (¡¡donde ya no echan!!), la mayor aceptación del flamenco a medida que se cumplen años o el escaso porcentaje de público que compra discos «siempre» (sic): un 1% de los encuestados que se convierte en un 10% para los universitarios mayores de 31 años, como consecuencia evidentemente de un mayor poder adquisitivo. También ese 87,5% de la gente que nunca compra revistas de música o ese 75% que escucha música por canales gratuitos.
Entre las segundas, especialmente un ránking extraño sobre la popularidad de artistas que mezcla conocimiento con aceptación. La metodología era rarita. Para puntuar a un artista con un «5», lo máximo, tenías que, no sólo conocer al artista, sino poseer «sus discos» (ojo al plural, muy del postureo), eso sí «originales o no». Este sistema deja un top resultante bastante poco indicativo, pues aparte de lo señalado, como reconoce el propio estudio en sus páginas, los artistas nuevos como LMFAO principalmente no son seguidos por sus discos enteros (que poseen sólo un 8% de los universitarios) sino por canciones sueltas (que poseen un 45%). Por el contrario, aunque el 23% no sepan quiénes son Led Zepellin, más de un 10% posee sus discos enteros. Más que el caso de LMFAO.
En la línea, Madonna aparece pegada a Lady Gaga en resultados de popularidad, aunque un puesto por detrás. Madonna gana en «tengo discos» pero Lady Gaga la arrasa en «tengo canciones sueltas», mientras Madonna sufre un alto porcentaje «la conozco pero no tengo sus discos ni canciones». De manera más alarmante, mientras el 99,5% de los universitarios sí saben quiénes son los Beatles (y el 23% tiene «sus discos» en plural), el 4,2% de los universitarios no sabe quiénes son U2. Pero no te preguntes quiénes son esas personas: el 48% nunca ha oído hablar de los mismísimos R.E.M. Sí, aquellos R.E.M. que eran multiplatino en nuestro país y han sonado en M80 o Kiss FM hasta la saciedad.
Mención aparte merecen Vetusta Morla y Love of Lesbian, dos grupos que podíamos considerar de moda entre los universitarios, ambos rondando el 30% del desconocimiento del público. Según el estudio, «estos grupos, teóricamente, estarían más cerca del público entrevistado, pero estos datos nos muestran que no, que son seguidos por generaciones mayores y que, dentro de los más jóvenes, se encuadran en nichos muy específicos». Un tanto pesimista si recordamos que el 20% de todos los universitarios se han molestado en conseguir discos o canciones sueltas de ambos sin que ninguno de ellos suene en radio. En sintonía, sobre el 53% del desconocimiento de toda esta gente de Arctic Monkeys o el dato peor aún de Radiohead, Björk, Arcade Fire o Wilco, el estudio concluye que «estos grupos han logrado éxito de ventas, crítica y premios, pero en España son minoritarios, aunque llenen en sus conciertos, lo que nos indica que su público no es el universitario, ya que tampoco suelen sonar en sus medios y canales».
De nuevo, las cifras pueden resultar desoladoras para aquellos que consideren a Radiohead autores de varios de los discos más reconocidos de la historia, pero tampoco hay que alarmarse con ciertas afirmaciones, tan absurdas como situar que el 95% de los españoles pasó de comprar ‘Más’ ya que el disco de Alejandro Sanz, el más vendido de la historia en España, fue sólo adquirido por 2 millones de personas y no por 40 millones. Ni siquiera el dato de Wilco es tan malo si recordamos que el 7% de los universitarios desconoce quién es Pablo Alborán, ese tipo que lleva 3 añazos en el top 10 de la lista de los discos más vendidos en España. Es típico imaginar al universitario como un público inquieto que está todo el día escuchando a los Pixies y documentándose sobre el origen de la cassette que regaló el NME en el 86, pero todos sabemos que eso no es así en ningún lugar del mundo, y que has de ser muy grande para que toda una muestra con gente de todos los estratos, ideas políticas y orígenes conozca tu pequeño grupo musical. Y no hay motivo para el pesimismo porque mirando a todo el conjunto de la sociedad, el número de personas que cabe en una sala de conciertos es muy limitado. Honestamente, no creo que Radiohead tengan de qué preocuparse mientras un 7% de todos los universitarios, así en general, tenga dos discos suyos en su disco duro. Seguro que cuando vuelvan, les basta para llenar.
Por supuesto, pueden ponerse mil y un pegas a todas estas conclusiones peregrinas sobre un estudio peregrino. Por eso lo divertido es coger la lista y lanzarse al vacío, concluyendo que James Brown es más famoso que Vetusta Morla y que por tanto llenaría más veces La Riviera que ellos de estar vivo (¡ja!), que Bob Dylan está casi tan valorado como LMFAO por la gente joven (otro ¡ja!), que gracias a Dios los Beatles son casi tan, tan conocidos como Marea, y que había un fan de Radio Futura entre quienes han realizado el estudio.
Al margen de la tablita de marras, la conclusión oficial del informe es algo así como que a todo el mundo le gusta la música, pero que casi nadie la valora porque es demasiado accesible desde cualquier dispositivo. Estoy de acuerdo, es interesante, abre un debate y ojalá se hagan más en la línea que den lugar a nuevas cuestiones que nos hagan echar unas risas. Y es que mucho se ha comentado que el 31% no sepa lo que es indie-rock, ¿pero qué me decís sobre que el fan del indie tienda más a estudiar Enología? ¿Y sobre ese interrogante gigantesco que apareció sobre la cabeza del 51% de los estudiantes cuando les preguntaron qué era eso de new age? ¿Es la new age el nuevo indie?
El sábado 20 de abril se celebra en la sala Moby Dick de Madrid EnCrudo, un festival de música y gastronomía. Además de las catas de vino y la comida, por la tarde actúan Wilhelm and the Dancing Animals y un artista sorpresa (desde la redacción garantizamos que mola).
El evento empezará a las 13:00 h y dura «hasta que los bailes aguanten». El precio de 55 euros incluye todos los vinos desde por la mañana, las catas dirigidas de 4 bodegas de diferentes denominaciones de origen, la comida del cocinero Rodrigo Roza, la primera copa y los conciertos. Más información, en la web oficial.
Sónar presenta nuevas confirmaciones para su cartel, que ya contaba con Kraftwerk, Pet Shop Boys, Bat For Lashes, Diplo y Major Lazer, entre otras decenas. Las novedades son Richie Hawtin, ligado a la historia del festival desde sus inicios, esta vez con su espectáculo ENTER.; desde Barcelona Angel Molina, Zero y César de Melero para el mítico escenario SonarCar el viernes 14 de junio (Molina también hará el set previo de Pet Shop Boys el 15 de junio); y por último el joven británico Melé, el londinense George Fitzgerald y Arcanoid.
Respecto al espectáculo de Richie Hawtin, ENTER. se basa en cuatro pilares: «música, tecnología, experiencia y… sake, la bebida japonesa que, junto con el resto de la cultura nipona, le ha inspirado continuamente durante los últimos 20 años» (ha creado el primer «sake bar» en Ibiza). Junto a él estarán presentes la DJ británica Maya Jane Coles y el español Paco Osuna. Este show será el viernes 14. Más información, en la web de Sónar.
Este sábado 13 de abril La Boca del Lobo de Madrid vivirá una noche de excepción al acoger los conciertos del gran Julio Bustamante, acompañado según la nota de prensa «por una banda asombrosa» y con La Ruleta China como teloneros, el proyecto de El Zurdo (Kaka de Luxe, Paraíso, La Mode), Charlie Mysterio (Los Caramelos) y Clara Guitar (Los Autonautas), que quizá algún día lleguen a publicar su disco grabado hace años para Siesta.
Cansei de Ser Sexy, que hace unos meses cantaban sobre borracheras, ahora lo hacen sobre resacas en su nuevo single, ‘Hangover’, muy animado en su uso de vientos y próximo a las producciones de Diplo. En realidad el álbum ‘Planta’ (muy Hidrogenesse el título) sale a la venta el 11 de junio con la producción de Dave Sitek, con el que ya grabaron ‘I’ve Seen You Drunk, Girl’. Este es el tracklist. Atentos a ‘Frankie Goes To North Hollywood’.
Honey
Hangover
Into The Sun
Girlfriend
Dynamite
Sweet
Too Hot
Teenage Tiger Cat
Frankie Goes To North Hollywood
The Hangout
Blacanova estrenan un sencillo vídeo en el que simplemente aparecen tocando ‘Checoslovaquia’, una de las canciones estrella de su disco ‘¿Cómo ve el mundo un caballo?‘. Ha sido realizado por Joaquín Blanes y José A. Díaz-Meco. El grupo actúa los días 12 y 13 de abril en Granada.
Eleanor Friedberger de The Fiery Furnaces publica su nuevo disco, ingeniosamente titulado ‘Personal Record‘, el próximo 4 de junio. En él estará incluido este sencillo titulado ‘Stare At The Sun’ que acaba de estrenar vídeo. Según el director Scott Jacobson (The National, Dinosaur Jr, etc), el vídeo es un homenaje a una escena de ‘Manhattan’ de Woody Allen con una lista de las cosas favoritas que hacen que la vida merezca la pena. Entre ellas hay varios animales.
