Por si quedaba alguien dudando de que AlunaGeorge eran uno de los grupos de moda, aun sin disco en el mercado, el dúo ha realizado un vídeo para su canción más reciente, el single ‘Attracting Flies‘. En él hacen una adaptación libre de varios cuentos, como es el caso evidente de ‘Caperucita Roja’ o ‘La princesa y el guisante’. Os recordamos que el grupo estará en el FIB y en el Sónar actuando.
CaperucitaGeorge y otros cuentos
Baauer, denunciado por los samples de ‘Harlem Shake’
Con el éxito de ‘Harlem Shake‘, número 1 en Estados Unidos, evidentemente llegaron los problemas para Baauer. Dos personas han reclamado aparecer en los créditos del tema según New York Times. El primero es Hector «El Father» Delgado, cuya voz aparece al principio de la canción, y el segundo es Jayson Musson, cuya voz es la que pronuncia la frase «do the Harlem Shake» (minuto 3.55 en la original).
Os dejamos con las canciones originales: ‘Maldades’ del álbum ‘The Bad Boy’ de 2006, que luego fue remezclada, (más otro tema suyo en que se usa el mismo sample más claramente) y ‘Miller Time’, de 2001.
En estos momentos, Mad Decent está intentando llegar a un acuerdo y al menos Musson dice que el sello de Diplo está colaborando.
Ezra de Vampire Weekend, Major Lazer y ‘Jessica’
Se va acercando el lanzamiento del varias veces retrasado nuevo disco de Major Lazer y se van desvelando algunas de las colaboraciones contenidas en él. Una de las más esperadas es la de Ezra de Vampire Weekend, llamada ‘Jessica’. A pesar de la mala calidad con que ha aparecido en internet, sí se aprecia que la sensualidad jamaicana de la canción pega tanto a unos como al otro.
Escucha ‘Harmonic Loops’ de Radiohead
Poco después del lanzamiento de su notable nuevo disco como Atoms for Peace, ‘AMOK‘, Thom Yorke y Nigel Godrich han realizado un mix de dos horas para la BBC que puede escucharse online. Al parecer el mix contiene un tema inédito instrumental de 2 minutos de Radiohead llamado ‘Harmonic Loops’ y alguien se ha encargado de subirlo aparte a Youtube. Con él os dejamos por si pudiera dar una pista de la continuación de ‘The King of Limbs’.
En el gimnasio con Dan Deacon
Dan Deacon ha estrenado un vídeo para una de las canciones contenidas en ‘America‘. Ben O’Brien ha editado este clip para ‘Crash Jam’ que se compone de imágenes del entrenador Tony Horton, conocido por los que hacen gimnasia en su casa con su invento el P90X. Contiene subidones y un final muy feliz.
Haim, en el vídeo de Mumford & Sons
Después de tantas entregas de premios, es posible que dudes que en ‘Babel‘ haya otra canción de Mumford & Sons que no sea ‘I Will Wait’. Pero sí. Justo cuando el grupo está a punto de llegar de gira a nuestro país, se estrena el clip de ‘Whispers in The Dark’. En él, cuatro cámaras buscan la reunión del grupo antes de un concierto. Incluye conducción de una moto sin casco y la colaboración de las hermanas Haim, uno de los grupos de moda, como ayudantes de uno de los miembros.
Por cierto, Live Nation regala entradas para un concierto especial, privado, del grupo. Será un acústico para muy pocos fans después de la prueba de sonido de Madrid y Barcelona.
John Grant: «Si algo resume este disco es la aceptación»
John Grant te recibe con el semblante serio. Resulta amable y por momentos divertido, pero tampoco da mucho pie a demasiada broma cuando te cuenta algunas de las tragedias que han seguido sacudiendo su vida durante los últimos años. Hablamos en un hotel de Madrid sobre su nuevo álbum, el excelente ‘Pale Green Ghosts’, que sucede esta semana al emocionante ‘Queen of Denmark‘ alternando la delicadeza de este con nuevos toques de electrónica incluso abrasiva y desconcertante.
El álbum contiene una mezcla de dos cosas, por un lado hay una evidente influencia del folk y por otro de la electrónica, pero siempre desde un punto de vista muy pasional, ¿nunca quisiste tomar simplemente una dirección? ¿Era tu objetivo alternar las dos?
No, no me vi en la obligación de escoger por ninguna razón. Esta vez he introducido sonidos que me han gustado por igual desde siempre aunque no lo haya expresado. Por ejemplo, me encanta una banda de los 80, Devo, y es algo que creo que no había expresado en mi música con anterioridad, pero que estaba ahí. La pasión es algo que siempre me ha interesado, pero quería que este disco fuera en diferentes direcciones, no sólo que reflejara el sentimiento de dolor, sino que ayudara a soportar la vida.
¿Cómo es la vida?
Una mierda.
Bueno, no está tan mal, ¿no?
Un mundo en el que tu madre se muere de cáncer, en el que te pueden llamar maricón, en el que puedes ser seropositivo… Por supuesto hay cosas buenas y en muchos sentidos eso también se refleja en el álbum. Si una idea resumiera este disco, esa sería la de aceptación.
He leído mucho sobre lo mal que lo pasaste en los 90, tu adicción a las drogas, tu miedo escénico… ¿estos cuatro años desde el último disco han sido tan malos? En cierto sentido, pareces calmado, tranquilo, como con las cosas asumidas…
Pues creo que estos últimos cuatro años han sido los más duros de mi vida, porque ya no tenía las drogas para protegerme a mí mismo. Antes, de alguna manera, me ayudaban a salir adelante. Es triste decirlo, pero las drogas logran apartarte de ti mismo cuando lo necesitas…
He leído en algún lado que el cerebro no se desarrolla por completo hasta casi los 30 años, pero que gracias a ello a partir de entonces las cosas no te afectan tanto como de adolescente, pero igual ha sido un estudio bastante tonto sin fundamento. Desde luego no es tu caso…
Estoy de acuerdo con esa teoría también. Pero a su vez tienes que lidiar con el dolor de una manera en la que no tenías que hacerlo antes. Empiezas a perder gente, tus amigos mueren y mirar hacia otro lado fingiendo que no pasa nada ya no es una opción.
A pesar de todo el disco contiene grandes dosis de humor y dices que querías abiertamente hacer un disco divertido. Hay algo divertido simplemente en frases como «tengo 43 años», aunque no me preguntes por qué, por no hablar de ese 65% de diversión de que hablas en la letra de la misma canción.
Sí, me gusta alternar. El humor, el saber reírte de ti mismo es lo que te ayuda a salir adelante. Como te decía antes, era justo eso lo que quería buscar en este álbum. Era muy importante hablar de las cosas malas que han pasado a lo largo de estos años, pero no hacerlo sólo para enterrarte en una especie de fango, sino para ayudarte a reírte de ello y afrontar la vida lo mejor que se pueda. Es lo que he querido decir en la letra de ‘I Hate This Town’. Si te lo he conseguido transmitir, es que lo he hecho bien.
Has trabajado con Sinéad O’Connor, que también lo ha pasado muy mal recientemente, ¿a veces no te daban ganas de ayudarla, de darle un consejo?
En absoluto. En todo caso me lo tendría que dar ella a mí. Para mí lo más importante es la relación de amistad que tenemos o el apoyo que podemos encontrar el uno en el otro, es una relación de igual a igual. Yo no sabría darle ningún consejo. Está donde está porque es una persona muy fuerte. En el fondo, lo que le pasa es lo mismo que le pasa a muchísima gente, la única diferencia es que ella lo pone en el mapa, por alguna razón lo hace público. No te sé decir si eso es algo positivo o no, pero sí sé que es lo único que hace que su caso sea diferente. Es muy buena madre, es una persona muy inteligente que sigue sacando discos buenísimos y una excelente amiga. Yo no estoy en la situación de darle un consejo…
Cuando te entrevistamos a finales de 2011 ya nos hablaste del sonido ochentero de este disco, pero no dijiste que GusGus estaban implicados, ¿no lo sabías entonces o era un secreto? ¿Has sido siempre fan? Parecen siempre algo infravalorados…
No, nunca fue un secreto, supongo que entonces aún no lo sabía. Los conocí en Iceland Airlines, que es un festival, y creo que compartimos el modo de entender la música. Empecé a hablar con ellos y me pareció buena idea que se implicaran en el álbum. El primer disco fue muy grande, bastante popular y realmente ’24/7′ para mí fue un punto de inflexión, me ayudó a salir de un enorme pozo en el que me encontraba y a encontrarme a mí mismo.
¿Por qué has escogido un single tan sintético y después has sacado otro también sintético, cuando hay otros más clásicos que habrían gustado a los fans del anterior?
Bueno, mi idea no era que ‘Pale Green Ghosts’ fuera un single, sino simplemente una canción que sirviera como introducción para el álbum. De hecho por eso el disco se llama como este tema. No me preocupan mucho las decisiones de qué tema mandar a las radios y cosas así. Puede que te comas la cabeza pensando qué tema escoger y de repente al DJ le gusta otra y pincha esa otra. Esto ahora mismo ya funciona así. Si me hubieran pedido escoger un single, creo que me habría decantado por ‘Great Mother Fucker’ y ‘I Hate This Town’.
Estaba pensando más en tus fans que en lo que pudiera resultar de una radio, sobre si la gente se asustaría al escuchar dos canciones electrónicas seguidas.
Bueno, hay cinco o seis canciones que podrían estar sin problema en el álbum anterior…
‘Why Don’t You Love me Anymore’ es una de las más experimentales, y yo creo que es una de las fundamentales, ¿es de tus favoritas también? Oigo ecos de Dead Can Dance y el final es muy interesante, me pregunto si lo tenías en la cabeza desde el principio o experimentaste con él en el estudio.
Lo tenía en la cabeza desde el principio. De hecho, con ese final quería representar el sentimiento de pérdida del amor. Es una de las preguntas más sinsentido que te puedes hacer. «¿Por qué ya no me quieres?». En el mismo momento en el que lo planteas, ya no hay nada más que decir. Es completamente absurdo. Y quería que los sonidos reflejaran eso exactamente.
¿Es tu favorita?
Creo que una de ellas es ‘It Doesn’t Matter To Him’, me gusta mucho cómo suena la armónica al final.
¿Qué hay de ‘Sensitive New Age Guy’? Es una de las que realmente te hace bailar.
Es una canción muy especial, está dedicada a un amigo que se pegó un tiro en la cabeza.
Lo siento muchísimo, nunca lo habría adivinado…
Con los sonidos que incorpora la canción trataba de evocar su personalidad, su manera de ser. Es por eso un tema oscuro en el que he intentado rendirle homenaje y honorarle. Yo creo que le pegaría lo que he hecho.
¿Y ‘Vietnam’?
Escogí el título preguntando a la audiencia si querían que se llamara así o ‘Agent Orange’, alguien en el público dijo que ‘Vietnam’, así que lo decidí en ese momento. ‘Vietnam’ es una palabra muy fuerte, y en algún momento pensé que todo el disco se tenía que llamar así, pero se ha usado demasiado en el pasado para titular cosas, por lo que al final opté por otro nombre.
Colaboraste con Hercules & Love Affair. ¿Andy nunca fue una opción para producir el disco?
Tiene el mismo sentido que yo de mezclar sentimientos encontrados dentro de la misma canción. Conocí a Andy en 2012, en enero, por eso quizá ya no fue una opción para producir el disco. Ni se me ocurrió, estaba muy avanzado y él además es muy rápido. Tengo dificultades para escribir con gente, pero es un tipo muy divertido, me lo he pasado muy muy bien con él. No descarto volver en el futuro.
Ke$ha cambia de registro en ‘Vampire’
Cuando Ke$ha no anda dando entrevistas en las que aclara de qué parte de su anatomía habla en sus canciones, la cantante deja caer alguna canción inédita. Ahora encuentra su lugar en Internet una canción titulada ‘Vampire’. Lo primero que llama la atención de este tema es su tono reposado, abandonando la estridencia a la que nos tiene acostumbrados la cantante. El otro factor destacable, y lo más increíble, es la aparente ausencia de vocoder en la voz de Ke$ha. No sabemos qué ocurrirá con este tema pero tiene todas las papeletas para terminar en una futura y probable reedición de su último disco, ‘Warrior’.
La canción, que está siendo borrada de internet, puede escucharse ahora mismo en Youtube.
David Bowie / The Next Day
Muchos (aunque algunos digan ahora que ellos lo sabían porque llevan años descifrando los enigmas que Robert Fripp y Tony Visconti desgranaban en sus cuentas de Twitter) nos hemos visto sorprendidos por la reaparición de Bowie tras diez años de retiro discográfico. La sorpresa se tornó excitación al escuchar los dos temas que han servido de avance para este ‘The Next Day’, unos ‘Where Are We Now?‘ y ‘The Stars (Are Out Tonight)‘ que nos dejaban pegados a nuestros asientos de la pura emoción al encontrar de nuevo todo ese poder que la figura del Duque Blanco era capaz de desplegar en sus mejores momentos. Y su portada, en una jugada maestra digna de reverencia, atesora el leitmotiv del vigésimoquinto álbum de estudio de David Robert Jones: un gran cuadrado de color blanco cubriendo su cara en la portada de su mítico ‘Heroes’ que nos dice «fui aquel artista y, aunque ya no soy el mismo, sigo aquí».
En esa línea incide también el primer single del álbum. Esta emocionante y atemporal balada, que crece sin cesar, evoca sus recuerdos de la era en que vivió en Berlín (y que tuvo como fruto una histórica trilogía discográfica), pero situándose con rotundidad en el presente desde su mismo título y esa poderosa coda final que derrite con su «mientras quede yo, mientras quedes tú». En cada corte de ‘The Next Day’ podemos encontrar varios de estos autohomenajes a su pasado, con incontables ejemplos: en el ya conocido y magnífico segundo single, ‘The Stars (Are Out Tonight)’, diversos pasajes nos remiten a ‘China Girl’ o ‘Let’s Dance‘; los coros del corte titular, que además abre el álbum, nos remiten al glam enérgico de ‘Diamond Dogs’; el clasicismo travestido, a lo ‘Absolute Beginners’, emerge en ‘Valentine’s Day’; el prog-rock de ‘If You Can See Me’ recuerda los esfuerzos por contemporaneizarse de ‘Outside’.
Pero, lejos de ser pobres ejercicios nostálgicos, son ráfagas de su propia historia que muestran su vigencia en un contexto actual. En una decisión a la altura de su grandeza, Bowie pone en valor su legado haciéndolo sonar tan contemporáneo como genuino. La impresionante labor de producción de uno de sus más fieles colaboradores a lo largo de todos estos años, Tony Visconti, tiene mucho que ver. Además de equilibrar el eterno sonido de saxo en los discos de Bowie con unas afiladas guitarras, obra de Gerry Leonard y David Torn, perfectamente soportadas en el músculo de la recurrente base rítmica, Gail Ann Dorsey y Sterling Campbell, Visconti ha sabido dotar el conjunto de vigor y actualidad. Con ese soporte, el artista británico se ha atrevido incluso a introducir matices poco frecuentados en su discografía, como los aires a Tom Waits con los que arranca ‘Dirty Boys’, con notable éxito.
La ansiada reconciliación con lo mejor de sí mismo, que Jones llevaba esquivando un par de décadas en una línea tan valiente como poco atinada artísticamente, llega pues en este ‘The Next Day’. Tras diez años de espera y con esa certeza, unido a lo satisfactorio de los singles previos, es fácil caer en un entusiasmo desmesurado y querer incluirlo desde ya entre sus mejores álbumes. Sin embargo, no podemos lanzar las campanas al vuelo: es un álbum con ciertos puntos flacos. Especialmente en el tramo central, hay cortes como ‘Boss Of Me’, ‘I’d Rather Be High’, ‘Dancing Into Space’ e ‘If You Can See Me’ (personalmente, encuentro cierta reminiscencia a los primeros Tortoise aquí) que, aun dentro de una total coherencia, no pasan de fillers de alto nivel.
Pero eso solo indica que, de haber impuesto cierta mesura en el minutaje, sí podríamos hablar de un nuevo clásico del de Brixton. Porque el resto de ‘The Next Day’ es altísimo. La vibrante y poderosa ‘Love Is Lost’, la energía rockera del corte titular enlazada con el poso soulero de ‘Dirty Boys’, una ‘How Does The Grass Grow’ que parece revisitar los tiempos de ‘Let’s Dance’, el himno rock ‘(You Will) Set The World On Fire’, la preciosa torch song ‘You Feel So Lonely You Could Die’ recuperando el espíritu de ‘Hunky Dory’ y el sombrío pero excelso final con ‘Heat’, con Bowie metido en la piel del Scott Walker, sumados a los singles, conforman un conjunto con el que pocos ya soñaban que saliera de la mente del creador de Ziggy Stardust. Y, como remate, se acompañan de unas letras en las que se mira al pasado, al presente (la efervescencia de las protestas globales de los últimos años se intuyen como inspiración) y al futuro (la confrontación con la muerte es un tema recurrente en el disco) de manera serena y preclara.
La mera intención de ser un autohomenaje al icono (no solo musical) que lleva siendo durante décadas habría sido suficiente para recomendar este ‘The Next Day’ como perfecta introducción para unas nuevas generaciones que ni siquiera eran adolescentes cuando se publicó ‘Reality’, su disco predecesor. Pero es que, aun sin alcanzar el nivel de sus álbumes más cruciales, se trata de un álbum soberbio capaz de satisfacer a sus más exigentes seguidores, un regreso a la altura de su leyenda, al fin.
Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Where Are We Now?’, ‘The Stars (Are Out Tonight)’, ‘Love Is Lost’, ‘Heat’, ‘You Feel So Lonely You Could Die’
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Escúchalo: iTunes, Deezer
Cámara, Areces y Arévalo: “En el Congreso deberían darle a las ‘mescas’: te vuelven más comunicativo y menos cardo”
Javier Cámara es como Penélope Cruz, sólo Almodóvar consigue sacarle notas que con nadie más alcanza. Así lo comprobamos en ‘Hable con ella’ y en ‘La mala educación’ y así se vuelve a confirmar en ‘Los amantes pasajeros’. La novedad, por lo tanto, era comprobar cómo Carlos Areces y Raúl Arévalo iban a encajar con él para componer ese particular monstruo de tres cabezas que protagoniza la película, conscientes de que han sido muy pocos hombres los que han brillado en manos del director.
Visto el resultado, e independientemente de si te apuntas al equipo a favor o al equipo en contra de la película (esta semana a España le toca dividirse en estos dos bandos), no se puede negar que la química entre ellos funciona. Una compenetración que se mantiene cuando se juntan para hablar del filme en una conversación en la que Arévalo, ante el huracán hiperactivo de Cámara y Areces, se queda casi observando en una esquina.
Hace unos años en JENESAISPOP hicimos un artículo en el que recogíamos todas las frases de las películas de Almodóvar que se habían convertido en coletillas populares. ¿Tenéis idea de cuáles de ‘Los amantes pasajeros’ acabarán formando parte del lenguaje popular? Javier sabrá de lo que le hablamos, porque su Paca de ‘La mala educación’ es fuente de varias de estas coletillas…
Javier Cámara: “Y tanto (Poniendo la voz de Paca) ‘Una rayita para la tronquita Paca’, ‘Dos rayas, dos amigas, dos cabalgan juntas, dos por la carretera’, ‘Anda que te pones ciega de hormonas y ciega de drogas y te vuelves loca maricón’….”
Carlos Areces: “¡En el rodaje le pedíamos todo el rato que nos las dijera!”
Cámara: “Prefiero esperar a que la gente encuentre sus frases favoritas, que la película está llena de ellas. Como comprenderás, nosotros no podemos marcar el iconismo.”
Areces: “¿Cómo que no? Pero si antes lo has reivindicado muy alegremente en otra entrevista. Has dicho que querías que fuéramos icónicos.”
Cámara: “Sí, bueno, pero me refería a que la coreografía, por ejemplo, tiene muchos planos con pinta de convertirse en míticos. Y algunas frases también…”
Raúl Arévalo: “De hecho, Pedro incluso ha reciclado frases de otras películas”.
¿Hablas del momento en que Carlos Areces suelta “La muchacha tiene razón”?
Areces: “Efectivamente. Yo es que esa frase la repito mucho con mis amigos. Hasta la saciedad. ¡Imagínate lo que es llegar de repente a la película de Pedro y tenerla! Aunque para serte sincero en el guión ponía exactamente “El chico tiene razón”, y en uno de los ensayos fui yo el que le dije a Almodóvar que me haría mucha ilusión cambiarla por esta que decía Candela, el personaje que hacía María Barranco, en ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’. Y me dejó”.
Cámara: “Pero volviendo a tu pregunta, yo espero que “El musical ha matado al auténtico cabaret” se convierta en frase icónica”.
Arévalo: “A mí me gusta mucho una de Carlos: “Hasta a mí, gorda como un trullo como estoy, me la mamaron viva en la mili”. Esa también la reivindico”.
Areces: “Haces bien, porque para mí fue muy duro prepararme el papel engordando desaforadamente para ser un gordo desaforado”.
Cámara: “Me he acordado de otra mía fantástica. “Los azafatos y yo les haremos pasar un viaje de lo más agradable. No me pregunten cómo”.
Areces: “Pero bueno, que esas nos gustan a nosotros. A lo mejor luego no calan”.
Para bien o para mal, la mayoría de críticas hacen hincapié en vuestra pluma excesiva en la película. ¿Cómo habéis trabajado estos personajes? ¿Teníais miedo de caer en la sobreactuación que tanto se da en la comedia?
Areces: “Entre los actores y directores el tema de la sobreactuación está muy mal visto, se lleva muy mal. Pero es que yo soy muy de Jim Carrey y creo que una cosa mesurada está muy bien pero que una sobreactuada, a veces, está mejor. Por ejemplo, Javier es una de las personas que mejor sabe sobreactuar en este país. Lo digo en serio. Su registro en ‘Hable con Ella’ es creíble, pero en ‘7 vidas’ también”.
Cámara: “El problema es que hay gente que no puede evitar sobreactuar porque en el fondo no son muy buenos actores y esa es su forma de esconderlo. En nuestro caso Pedro nos exigió desde un principio pasarnos de rosca todo lo posible, pero le dio miedo cuando vio todo el plumerío y nos dijo que bajáramos el tono. Menos mal que luego rectificó”.
Areces: “A mí concretamente me pedía más subactuación que otra cosa. ‘Ataraxia expresiva’ eran sus palabras. De hecho, las primeras indicaciones que me dio fue: “Quiero que abordes el personaje como lo hace Chus Lampreave en mis películas, es decir, que tu acting diga «qué hago aquí si no soy actor pero me da igual y me voy a quedar porque me lo estoy pasando muy bien». Eso es lo que quiero”. Y es que resulta que Pedro es muy fan de toda una caterva de secundarios del cine español que a mí también me fascinan como Lali Soldevilla, Luis Ciges o Pepe Isbert. Gente que a lo mejor no tenía un registro amplísimo pero llenaban la pantalla. Yo te juro que me pones a Luis Ciges al lado de Marlon Brando y no me entero de que está Brando”.
Arévalo: “Depende de lo que haga Marlon Brando”.
Areces: “Si se hace una paja igual le miro por curiosidad. Pero tendría que ser una paja muy grande”.
Cámara: “Es problema es que ellos han pasado a la historia como grandes secundarios y tú pides mucho protagonismo”.
Areces: “Es que creo que tengo el mismo problema que Miguel Ángel Silvestre con su encasillamiento pero a la inversa: soy objeto de desdeseo. De hecho es muy frustrante que prácticamente el único que no folla de toda la película sea yo”.
Cámara: “Tú tranquilo que siempre llega alguien que te desencasilla. A mí me pasó después de hacer tanta comedia cuando me llamó Pedro para protagonizar ‘Hable con ella’. Al principio muchos se echaban las manos a la cabeza, pero fue estrenarse y de repente todo el mundo aplaudía porque sabía hacer drama”.
Areces: “Eso es hacerse un Landa”.
Si haces un repaso a la filmografía de Pedro descubres que hay muchas referencias a otras películas en esta comedia. ¿Qué escenas de aquellas películas creéis que encajarían perfectamente en el tono de ‘Los amantes pasajeros’?
Areces: “La sesión de fotos de Almodóvar a Fabio en ‘Laberinto de pasiones’. Esa y la entrevista que les hizo Paloma Chamorro en ‘La edad de oro’ de TVE, que la revisitamos el otro día y no podíamos parar de reírnos con McNamara”.
Cámara: “A mi me encanta la recepcionista que se está cagando y la gente no deja de preguntarle cosas y ella agobiada porque se lo hace encima”.
Areces: “Pero es que Pedro es así, que lo mismo te mete un chiste de cacas que una escena de danza de Pina Bausch”.
Arévalo: “De hecho, ayer nos contó por mensaje lo de las tartas de Ikea y pensábamos que era otro chiste de caca suyo… En cualquier caso, a mí viene todo el rato a la cabeza una escena de ‘Qué he hecho yo para merecer esto’ en la que Javier Gurruchaga hace de dentista que intenta seducir al hijo de Carmen Maura. Esa secuencia, en esta película, hoy en día sí que sería transgresora y se habría montado un escándalo con ella. Es que si lo piensas, ‘Los amantes pasajeros’ es en realidad una comedia muy naíf”.
Cámara: “A la gente le puede parecer muy gay, muy ligera, muy blanca.. ¿Pero fuerte como nos han dicho algunos periodistas? No”.
Areces: “Pues cuando estabais hablando de la caca me he acordado de otra escena que me volvió loco en ‘Hable con ella’ que protagonizaba otra recepcionista.
Cámara: “Sí, la de “Me acabo de echar una mierda como un celemín”
Areces: “¿No era como un zepelín?”
Cámara: “No, celemín, que es una medida de tierra. Pero un zepelín también podría ser… No, si esto es como las canciones de Mecano, que uno entiende una cosa y otro otra”.
Areces: “Yo creía que en ‘Cruz de navajas’ decían «madalenas del sexo con besos”.
Cámara: “Pues un amigo mío creía que en ‘Barco a Venus’ decían “Déjalo ya, sabes que nunca ha ido a Venus un ser humano”.
Carlos: “Qué mongólico tu amigo también, ¿no?”.
Cámara: “Bueno, es que él es más de Serrat”.
Ha dicho Almodóvar que él es consciente de que pone muy nervioso a sus actores, pero que Raúl Arévalo era el único que no ha mostrado ese nerviosismo…
Arévalo: “Me encantaría generar esa leyenda”.
Areces: “Pero es verdad, yo estaba a tu lado y cuando Pedro te hablaba estabas ahí tirado tan tranquilo desmitificando la situación, que no sé cómo podías”.
Arévalo: “Pero es que tú eres muy mitómano. Lo que pasa es que Pedro tiene expresiones que me resultan muy familiares porque tengo familia castellana, y cuando le escucho hablar me hacen sentir más cómodo de lo normal. Igual si fuera David Lynch el que me habla me pondría más histérico. Además, Javier tampoco parecía muy nervioso”.
Cámara: “¿Cómo que no? Estaba histérico porque aunque había hecho más películas con Pedro tenía miedo de no estar a la altura de la situación. Nunca me había catado con algo de comedia…»
Areces: “¿Nunca, verdad? Porque la Paca de ‘La mala educación’ era lo que se dice un personaje sobrio, sobrio…”
Por cierto Javier, la voz de la asistenta de Cecilia Roth al teléfono… ¿Eres tú haciendo de la Paca, verdad?
Cámara: “No, es…”
Arévalo: (Le interrumpe) “Sí. Te tengo que pedir perdón, Javier, porque no sé si querías guardar el secreto, pero me ha impresionado un poco que se hayan dado cuenta”.
Cámara: «En los títulos de crédito aparece acreditada como “Paca La Mala”. Yo me lo pasé en grande grabando esa escena”.
Areces: “¿Sabes como surgió además que lo hiciera Javier? Porque en los ensayos era él el que daba la réplica a Cecilia y Pedro acabó decidiendo que para qué buscar a nadie fuera si ya tenía lo que necesita en casa».
¿Vosotros también compartís la teoría de que el avión de la película es una metáfora de la España actual?
Cámara: “Eso depende de cada uno. Hombre, hay referencias muy explícitas que recuerdan a la situación actual como lo de la corrupción o el aeropuerto, pero hay otras, como la historia de Corinna, la amiga del rey, que han salido ahora y estaban en el guión escritas hace un año y medio”.
Areces: “En el futuro Pedro será recordado como Julio Verne, como un visionario”.
Arévalo: “Ahora solo falta que en el congreso le den a las Mescas”.
Areces: “¿Te crees tú que no las hay ya? Si no, deberían, que te vuelven más comunicativo y menos cardo”.
Cámara: “Igual en las revistas del corazón ahora se pone de moda dar mescas en lugar de máquinas de la verdad. ¿Te imaginas? Sería mucho más relajado todo”.
No puedo terminar sin preguntaros por la famosa coreografía del ‘I´m So Excited’… ¿Siempre fue la canción de las Pointer Sisters la única opción o se barajaron otros temas?
Cámara: “Mira, te lo vamos a contar todo desde el principio que te lo mereces”.
Areces: “Al principio en el guión no había ni coreografía. Pero un día Javier y yo estábamos en las oficinas de El Deseo cantando el ‘Qué suerte’ de Violeta Rivas, haciendo mucho el mamarracho, esperando a que llegara el ascensor y cuando se abrió apareció Pedro y nos pilló con el número montado. Le debió hacer gracia porque en ese momento decidió que había que meter un número musical en la película”.
Cámara: “Vio que estos personajes eran unas cabareteras y que necesitaban hacer su número. Y nosotros felices”.
Areces: “Es que además una película de Pedro sin momento musical es menos película de Almodóvar, ¿no? Y yo quería que mi película de Almodóvar fuera muy Almodóvar”.
Hurts / Exile
El título del segundo disco de Hurts ha terminado siendo premonitorio, apuntando a «flop» desde antes de salir, empujando al que fuera el dúo de moda a un «exilio» del que no se sabe cómo van a volver. Rechazado por sus bastiones en otros tiempos, la BBC, que abiertamente ha escrito en Twitter que tenían cosas más importantes que pinchar, y Popjustice, con ese doloroso artículo en el que indicaban que lo habían intentado con el álbum, pero que no había manera, la continuación de ‘Happiness‘, que sigue siendo igual de maravilloso que el primer día (la aparentemente inofensiva ‘Stay’ terminó siendo mi favorita), llega al mercado con un duro calvario por recorrer.
El error ha sido muy claro. Si un día nos encantó el grupo fue -aparte de por un par de rompepistas, de esos siguen saliendo a diario- por su dedicación a la balada atemporal al margen de las modas, mucho antes de que se pusiese de moda Lana del Rey. Pero el grupo, por alguna razón, aún autoproduciéndose, ha cedido demasiado terreno a los sonidos «actuales» en Reino Unido, dubstep incluido, perdiendo gran parte de su personalidad. Ahora también citan en sus playlists sobre sus artistas favoritos cosas como Nine Inch Nails, Black Sabbath o Salem, abrazando ese sonido al borde del abismo que suelen adoptar los grupos a punto de separarse o con problemas internos (pienso en los Depeche pre-‘Barrel of a Gun’, Evanescence o incluso La Oreja). Cuenta Theo que ha leído ‘La carretera’ tres veces mientras se gestaba el álbum y que el adelanto ‘The Road’, inspirado en ‘Crash’ de J. G. Ballard, es una muestra de lo lejos que querían llegar haciendo una canción oscura. Depeche son efectivamente una referencia (‘Cupid’ recuerda a ‘Personal Jesus’) y su sonido no se ha radicalizado tantísimo, pero lo malo es que el resultado final se acerca peligrosamente al de una banda para emos adolescentes alemanes, como sucede en el single ‘Miracle’ o en la misma ‘The Road‘, quizá el peor número 1 de la historia de nuestro top.
Y es que aparte de haber cedido demasiado terreno de su propio sonido, hay varias decisiones en la producción de dudoso gusto que rozan lo irritante. ‘Sandman‘, un tema sobre esperar a un hombre del saco que no llega, ha sido decorado con unas molestas voces infantiles apitufadas. Y en ‘Blind’, nadie puede concentrarse en su historia sobre el arrepentimiento de haber dejado a alguien, con esos «oe oeo» soltados de manera completamente aleatoria.
Por suerte, cuando apenas salvabas ‘Only You’ de la quema, y sin alcanzar precisamente el carisma de canciones como ‘Better Than Love’ o la misma ‘Sunday’, el álbum remonta con sus cuatro últimas canciones: las baladas ‘The Crow’ y ‘Somebody To Die For’, en las que vuelven a jugar con esa figura femenina que pasa de engatusarte a anhelarse; la muy influida por M83 ‘The Rope’ o ‘Help’, que como pista final no puede ser más descriptiva: «siento la oscuridad llegar / tengo miedo de mí mismo / he arrojado mi pena y echado a correr / porque necesito ayuda».
Calificación: 5,4/10
Lo mejor: ‘Only You’, ‘The Crow’, ‘Somebody To Die For’
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Escúchalo: The Guardian, Deezer
Anni B Sweet versiona a Lori Meyers
Anni B Sweet visitaba de nuevo el Teatro Lara para ofrecer un repaso a las canciones de sus dos álbumes editados hasta la fecha y el nuevo EP ‘Ridiculous Games’ que se editará en las próximas semanas. Como siempre, nerviosa y emocionada de actuar en Madrid, la ciudad testigo de sus primeros pasos como artista, ofreció a su público un pedazo de ella misma con su naturalidad y sus atropellos espontáneos y encantadores.
Apareció sola, con su guitarra acústica, y fue arpegiando con delicadeza la tristeza que desprende ‘Mr.D.’ tal y como se reflejaba en su primer trabajo ‘Start, Restart, Undo‘. A continuación se unieron sus músicos. Esta vez la acompañaban Jesús Montes al bajo, Javier Doria a las guitarras, David «el Indio» (Vetusta Morla) a la batería y Moisés Gómez a los teclados. Aunque no faltaron colaboraciones como la de su antes habitual guitarrista Manuel Cabezalí (Havalina) en ‘Missing a Stranger’, Guillermo Galván (Vetusta Morla) que participó en ‘Home’ y ‘Remember Today’ o Alberto Rodrigo en el nuevo tema ‘Land‘.
Entre las sorpresas se encontraba la versión que incluirá ‘Ridiculous Games’ de ‘Religión‘ de Lori Meyers, que fue interpretada con el único acompañamiento de su guitarra y el sentimiento que le puso al tema, demostrando una vez más que el español no le queda nada mal y que debería lanzarse de cabeza a por ese disco íntegro en castellano. ‘Oh I Oh Oh I’ sigue siendo una de las canciones más versátiles y que mejores resultados da en directo de la discografía de Anni B Sweet, ya que en cada gira introduce algún elemento nuevo que la renueva por completo. Algunas de sus primeras canciones como ‘A Sarcastic Hello’,’Again’ o ‘Motorway’ brillaron por sí mismas sin mucho esfuerzo añadido.
Los platos fuertes de ‘Oh, Monsters!‘ como ‘Good Bye Child’, ‘Tonight’ o ‘Getting Older’ sonaron contundentes, culminando el concierto con ‘Monsters’. Los bises se completaron con ‘Locked in Verses’ y ‘Second Hand’ en sus versiones más acústicas y su clásica versión de ‘Take On Me’ acompañada de toda la banda que todo el teatro aplaudió y coreó. Ana López volvió a conquistar a su público, aunque se tratara de un concierto previsible y sin sobresaltos. Pero fue sincero, como siempre son los conciertos de Anni B Sweet, todo corazón. 7
Foto: Inés de León
Las canciones del musical de Guille Milkyway y Beth
Ya os comentamos que Guille Milkyway de La Casa Azul, aparte de editar su disco de rarezas como Milkyway y producir a Fangoria y a Papá Topo, también estaba trabajando en las canciones para el musical ‘La Dona Vinguda del Futur’, que se representa desde ayer en la Sala Grande del Teatro Nacional de Cataluña. En su momento pudimos escuchar el tema principal interpretado por Beth. Ahora, el propio Teatro nos deja escuchar fragmentos del resto de las canciones que aparecen en la obra. Abundantes jingles de falsas campañas de publicidad, acompañadas de sus respectivos spots ficticios, obra de Lyona, que harán las delicias de los fans de Milkyway.
También pueden escucharse fragmentos de las canciones ‘Som Una Família Tradicional’, ‘Tot És Relatiu’, ‘El Targeter Cromàtic’ y ‘En Moments de Crisi’, disponibles en la web oficial. Os dejamos con los tres falsos jingles creados por Guille y Lyona para la ocasión.
Benga con Kano
Adegbenga Adejumo es el nombre real de Banga, una de las tres cabezas tras el proyecto Magnetic Man. El productor tiene preparado su nuevo disco para el próximo 6 de mayo. ‘Chapter 2’ será el tercer álbum de uno de los pioneros del dubstep, que llega precedido por el single ‘Forefather’, con la colaboración del rapero Kano. La canción es un trallazo de dubstep y grime con una letra llena de referencias a Kanye West, Jessie J y Nas, entre otros.
La locura punk de HeartsRevolution
Aunque lleven muchos años haciéndose notar, HeartsRevolution no cuentan con disco de debut. Después de varios EPs y singles parece que este año se editará ‘Ride Or Die’, su primer álbum. Ben Pollock y Leyla «Lo» Safai conforman este dúo de Nueva York que podría ser la respuesta punk a Die Antwoord y que van de gira en un camión de helados. Ahora presentan el tema ‘Pop Heart’ como avance de una mixtape titulada ‘Revolution Rising’. El clip, dirigido por ellos mismos, se limita a colocarlos sobre un croma con fondos psicodélicos y la letra de la canción, todo montado de manera vertiginosa, perfecto para acompañar a la canción.
Las marionetas para adultos de UMO
‘Swim and Sleep (Like a Shark)’, una de las canciones que hemos destacado en nuestro playlist con lo mejor de febrero, ha presentado esta semana un inesperado videoclip protagonizado por marionetas. A pesar de ello, de infantil no tiene nada y de hecho es bastante NSFW, incluyendo el mito aquel de que el profesional al que confías tus miedos, está peor que tú. Muy Todd Solondz esta propuesta de Unknown Mortal Orchestra. Tema incluido en ‘II‘.
MØ con Broke: juventud a lo loco
MØ, a quien os presentamos recientemente como más que posible revelación, ha seguido siendo noticia durante los últimos días. La nueva Yelle ha participado en el rompepistas con otra revelación de la música danesa, BROKE. Y hay vídeo para el tema resultante, ‘Let The Youth Go Mad’, lleno de furia adolescente (violencia, comida, drogas, gente en ropa interior…).
Además, se ha presentado un remix realizado por MS MR para el single ‘Pilgrim’, que recientemente ha sido interpretado en vivo en unos estudios de Nueva York.
MØ «Pilgrim» from Yours Truly on Vimeo.
‘Utopia’: Channel 4 pare otro clásico
Un grupo de anónimos internautas acuerdan encontrarse para leer juntos la segunda parte de una misteriosa obra gráfica llamada ‘Utopia’, escrita por un loco antes de suicidarse. Paralelamente, un par de excéntricos matones dan buena cuenta de todos los presentes en una tienda de cómics que al parecer vendió la única copia del mismo, después de que no pudiesen responder a la pregunta “¿Dónde está Jessica Hyde?”. Bajo estas premisas se presenta la última y deliciosa delicatessen audiovisual procedente del Reino Unido, para orgullo de Channel 4. Y poco más podemos desvelar del argumento sin que nos acuséis de spoilers, porque si hay algo que no se le puede decir a la serie es que sea plana.
Dennis Kelly dirige esta pequeña maravilla de intriga, acción, comedia negra y refinada violencia empapada hasta las trancas de Teoría de la Conspiración. Kelly nos presenta un mundo nada distinto al que nos rodea hoy en día, pero desde el punto de vista de una pequeña célula de la resistencia que lucha por descubrir la verdad que quite la venda de los ojos de una población estúpida y manipulada desde las sombras por una sociedad todopoderosa llamada “The Network”, presente en todas las más altas esferas de poder. La píldora roja que Morfeo ofrecía a Neo en Matrix, pero que en esta ocasión en vez de ser ofrecida en una mano amiga, es obligada a ser tragada como el pienso a las ocas, porque te están tapando la nariz. A partir de ahí, ya solo queda huir hacia delante, porque si te paras, mueres.
Los actores, muchos de ellos caras conocidas como en el caso de Nathan Stewar-Jarrett –Curtis en ‘Misfits’-, hacen un estupendo trabajo, destacando Arby, el bobalicón, despiadado y deshumanizado asesino a sueldo que abre la serie. También sobresalen interpretativamente otros, como el niño Oliver Woollford o la inquietante Fiona O’Shaughnessy, con la facultad de hacerte dudar siempre de si te la están metiendo doblá.
La serie sigue un clásico formato británico, con una primera temporada de seis capítulos de una hora de duración en el que los giros argumentales y la sorpresa al espectador están tan bien hilados y justificados que en ningún caso se tiene la sensación de que te estén tomando el pelo, como tantas otras veces ha ocurrido en tantas otras series (‘Lost’, ‘The Following’, etc). El climático y abierto final, además, prácticamente garantiza una segunda temporada, con muchísimas tramas que desarrollar. Y nosotros nos alegramos, porque queremos, necesitamos, más. Mucho más.
Calificación: 9/10
Destacamos: El final de temporada. Fantástico
Te gustará si te gusta: El ambiente opresivo y salpicado de notas de humor negro de ‘Black Mirror‘.
Predictor: Seguro que habrá segunda temporada, aunque miedo da que la alarguen más.
Dido / Girl Who Got Away
Qué agridulces están siendo los últimos tiempos en la carrera de Dido. A un tremendo fracaso comercial de su primer disco en cinco años, ‘Safe Trip Home’, le siguió nada menos que una nominación al Oscar por el tema de A.H. Rahman del que es co-autora, ‘If I Rise’, de la película ‘127 Horas’, y ahora que regresa, casi un lustro después, no parece que le esté yendo muy bien. En UK, por ejemplo, el primer sencillo de este disco, ‘No Freedom’, ha entrado en la lista oficial en un discretísimo puesto 69.
Puede que Dido se diferencie del resto de artistas femeninas de la actualidad, entre otras cosas, porque su estilo siempre ha ocurrido ajeno a las modas. Al fin y al cabo, ‘No Freedom’ es una canción más del estilo de ‘Don’t Believe In Love’ que de ‘Thank You’ y Dido casi siempre ha parecido algo esquiva a salir de manera clara en la portada de sus discos, hasta el punto que en la de ‘Safe Trip Home’ ella ni siquiera aparecía. Quizás ese fue el mérito de aquel álbum, que Dido produjera un “comeback” más sutil imposible, ofreciendo además un sonido elegante y mnimalista que que se alejaba por completo de sus primeros superventas.
Aquel también fue, no obstante, un movimiento arriesgado del que seguramente Dido jamás llegue a recuperarse, pero lo que inspira ‘Girl Who Got Away’ es el deseo de la británica por intentarlo. Para empezar, esta es la primera vez que podemos ver a Dido en la cubierta de un disco suyo sin esconderse el rostro tras el diseño gráfico, o tras el movimiento de cámara, o sin ser substituida por un adorable astronauta, pero además su propuesta es una atenta mirada hacia el pasado, a aquellos tiempos en los que Dido era la artista más vendedora de la historia de Gran Bretaña gracias a unos temas de tintes electrónicos.
¿Significa esto que Dido ha vuelto a la electrónica? La respuesta, en realidad, es más o menos. La cantante nos engañó con aquel sencillo perdido llamado ‘Everything To Lose’ haciéndonos creer que volvía la Dido de ‘Stoned’ cuando en realidad la que ha vuelto es la Dido de ‘See You When You’re 40’. Pero está bien, porque aquella era una gran canción, muy reveladora además del futuro sentimental de su autora, que se encuentra ahora, ya pasados los cuarenta, publicando un álbum llamado ‘Girl Who Got Away’. No hay que ser un lince para adivinar qué es de lo que escapa Dido exactamente.
Este disco es, por lo tanto, “classic Dido”. Si el triunfo cualitativo de ‘Safe Trip Home’ residía en lo orgánico e “easy-listening” de temas como ‘Us 2 Little Goods’ o ‘Let’s Do The Things We Normally Do’, dos de las grandes joyas perdidas de su discografía, en ‘Girl Who Got Away’ vuelven sobre todo las programaciones electrónicas y las ambientaciones evocadoras presentes en sus dos primeros trabajos. Mientras tanto, eso sí, continúan inamovibles las buenas melodías, los bonitos arreglos de cuerda en temas como ‘Loveless Heart’ y, por supuesto, su hermano a las labores de producción (la colaboración de Brian Eno en ‘Day Before We Went to War’ se queda en anécdota).
El mejor ejemplo de esta vuelta a los inicios es ‘Let Us Move On’, un tema de influencia trip-hop que cuenta con la colaboración del rapero de moda, Kendrick Lamar. No es ‘Stan’, pero recuerda inevitablemente a aquellos días en que Dido era vocalista invitada de Eminem. El problema de todo esto es que Dido no ha sabido adaptar muy bien su sonido a los tiempos que corren, y tanto las baterías programadas de ‘Loveless Hearts’ y ‘Blackbird’ como las programaciones de ‘Girl Who Got Away’, de estupenda melodía en el estribillo, o de ‘Go Dreaming’, suenan algo pasadas de moda.
En cuanto a las letras, Dido continúa con su búsqueda infructuosa del amor. En ‘Love to Blame’, sorprendente por su potente base, se consuela con que “después de un amor viene otro”, mientras la poco inspirada ‘End of Night’, co-escrita por Greg Kurstin, describe una noche de fiesta en la que Dido se encuentra tan decepcionada por un hombre que le deja plantado allí mismo. Entre tanto, la británica encuentra tiempo para reflexionar sobre la fama en ‘Sitting On The Roof of the World’, que igual hubiera tenido más sentido en los días en que Amy Winehouse lanzaba piedras contra un gigantesco póster promocional de ‘Life For Rent’, pero que supone, no obstante, un agradable puente entre las dos mitades del álbum.
Con ‘Girl Who Got Away’, en definitiva, Dido parece querer reafirmarse en la industria, presentando sonidos familiares en su discografía y, sobre todo, canciones que van al grano. Ese quizás es el mayor problema de este disco, que Dido, cuando deja que sus temas se tomen su tiempo para encontrar su espacio, resulta triunfante, como es el caso de la oscura ‘Happy New Year’, pero pistas como ‘End of Night’ o ‘Let Us Move On’ suenan con prisa por escalar las listas de éxitos, y aunque esa extraña sensación no predomina a lo largo de todo el disco, sí termina perjudicándolo demasiado.
Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘No Freedom’, ‘Girl Who Got Away’, ‘Blackbird’, ‘Happy New Year’
Te gustará si: ya te gustaba Dido hace diez años
Escúchalo: Deezer
The Polyphonic Spree presentan ‘You Don’t Know Me’
Después de un crowdfunding exitoso puesto en marcha por The Polyphonic Spree el año pasado para la financiación de su nuevo disco, gira y DVD en directo, la banda ya tiene listo su nuevo trabajo. ‘Yes It’s True’ será el nombre del disco que saldrá a la venta a finales del mes de mayo y que ha sido producido por The Speekers y Eric Drew Feldman. “Las canciones en el disco pertenecen a diferentes periodos de los últimos años. Este álbum será más una colección de canciones que un todo unificado como hemos hecho en otros trabajos”, ha declarado Tim DeLaughter, líder del colectivo. Ya podemos escuchar el primer adelanto, este ‘You Don’t Know Me’ que no puede resultar más atractivo.
El drama público en el Facebook de EBS
Allá por 2009 os dimos el notición: Ella Baila Sola volvían pero transformadas. Debido a las complicaciones irreconciliables entre Marta y Marilia, el grupo volvía con Marta, después de una mini carrera en solitario, y con una nueva incorporación llamada Rocío (fan de CocoRosie). Por problemas legales ya no podían utilizar el nombre original y se tenían que conformar con las siglas, EBS.
Ahora el drama se ha apoderado del grupo una vez más: suponemos que es la maldición de llamarse Ella Baila Sola. Pero esta vez no lo han hecho en privado, sino a la vista de todos sus seguidores en la página del grupo en Facebook. Allí, las dos se han despachado a gusto la una con la otra. Empezaba Marta este martes publicando un mensaje que decía así: “Os quiero anunciar que por obra y arte de ROCIO PAVON y nuestro manager GONZALO BENAVIDES esta mañana ROCIO ha decidido acabar con nuestro grupo EBS. Por una serie de «el dijo, ella dijo» por rencores, por alguna estupida factura o por bocas grandes y lenguas bífidas, como dice la cancion «esto se acabó». Ella en ningun momento ha hablado conmigo, me ha pedido ayuda o consejo o buscar alguna solución juntas, solo ha dicho lo siento marta pero yo no sigo. Obviamente ni le importa ni le llena ni le es suficiente vuestra acojida, cariño y respeto ni los míos, que es lo único que le hemos brindado desde el minuto en que retomamos el grupo”. Todo ello «sic».
Obviamente la cosa no se iba a quedar así y horas más tarde era Rocío la que volvía a hacer uso de la cuenta oficial del grupo para contestar a su ya ex compañera: “Os comunico que dejo el grupo por la falta de transparencia y respeto, por el tener que estar debiendo eternamente el favor de pertenecer a Ella Baila Sola, cuando fueron MARTA BOTÍA y GONZALO BENAVIDES los que me propusieron EBS. Comencé con mucha ilusión desde el principio, pero dadas las circunstancias, ésta es mi decisión.”
El asunto continúa en un par de mensajes y quien se lleva al final la peor parte es el manager. Ellas terminan diciéndose lo mucho que se admiran la una a la otra y reconociendo que ha sido un error esa discusión en público.
Obviamente lo mejor de todo son los comentarios de los fans, que por increíble que parezca, los hay, calificando el asunto de una completa falta de vergüenza y animando a Rocío a que llame a Marilia para que forme un nuevo grupo. Os dejamos con el profético ‘¿Cómo Repartimos Los Amigos?’, que contó con Juanjo Sáez.
Deformación digital para Metz
Los canadienses Metz estrenan videoclip para ‘Wasted’, otro de los temas incluidos en su disco homónimo de debut. El vídeo, que ha sido dirigido por Scott Cudmore, es una interesantísima propuesta visual. Consigue, a través de la modificación digital, transformar una sesión de fotos de estudio en algo inquietante e hipnótico. Os recordamos que Metz estarán en mayo en nuestro país formando parte del cartel del próximo Primavera Sound.
Papá Topo, más disco que nunca
Papá Topo han estrenado su nuevo single, ‘Sangre en los zapatos (mi amor)’, un escándalo de música disco producido por Guille Milkyway que supone su canción más abiertamente bailable hasta la fecha. El tema, que adivinamos polémico, y no sólo porque sea el primero que conocemos post-Paulita, estará incluido en el nuevo EP del grupo, que sale casi ya: el 18 de marzo.
Papá Topo tocan este sábado 9 de marzo en Oviedo como parte de la gira Girando por salas.
‘A Tooth for An Eye’, feminismo en el Día de la Mujer Trabajadora
‘A Tooth for an Eye’ de The Knife fue votada top 1 por nuestros lectores coincidiendo con su filtración en la red. Repasamos 10 curiosidades sobre el segundo single de ‘Shaking The Habitual’ coincidiendo con el lanzamiento del vídeo de la canción.
1.-El vídeo: La noticia del día es el estreno del videoclip. El vídeo parte de un vestuario masculino para trasladarse después a un gimnasio en el que una serie de jóvenes realiza una coreografía al ritmo de la canción. Incluye playback de la verdadera protagonista, que es una chica.
2.-El significado: Hay una explicación detrás de todo esto y los medios de todo el mundo la han recibido en forma de nota de prensa a la par que este videoclip, para que a nadie se le escape. El clip «deconstruye la imagen de la masculinidad, el poder y el liderazgo. ¿Quiénes son las personas en las que confiamos como líderes y por qué? ¿Qué tenemos que aprender de aquellos que consideramos inferiores? En un escenario deportivo donde tradicionalmente un grupo de hombres poderosos tomaría las riendas, una líder inesperada emerge. Una niña entra en acción y permite a los hombres deshacerse de su hieratismo, machismo y miedo a la intimidad, siguiendo sus pasos de baile». La nota concluye que los hombres de este vídeo «no se avergüenzan de su feminidad». Un mensaje en sintonía con el feminismo que ya rebosaba el vídeo anterior, el de ‘Full of Fire’.
3.-Las directoras: La directora Roxy Farhat es una artista iraní de 29 años que ha desarrollado su carrera principalmente entre Nueva York y Estocolmo. Podéis consultar sus trabajos en su web, algunos de los cuales reflexionan sobre la posición de la mujer en Irán y también en la sociedad occidental. Por su parte, Kakan Hermansson es otra reconocida feminista sueca, DJ y humorista. También ha colaborado la fotógrafa Aida Chehrehgosha.
4.-La letra: ‘A Tooth for An Eye’ es otra canción de The Knife llena de figuras inquietantes como ese «otro niño que está chupando mi propio pulgar» o ese «empujando el carrito de la compra en enero de 2012, incluso en los suburbios de Roma». Uno de los párrafos más esclarecedores llega cuando Karin canta sobre «reescribir la historia para satisfacer nuestras necesidades». A juzgar por el título de la canción, suena bastante irónico y, por lo visto en el vídeo de ‘Full of Fire’ o en este, el contenido político es claro.
5.-El título: Hay varias canciones que a lo largo de la historia han recibido el nombre de ‘Ojo por ojo y diente por diente’ y similares. Pero no tantas han optado por una alternativa «diente por ojo» a lo The Knife. Curiosamente el año pasado Klaus & Kinski publicaban un sencillo llamado ‘Ojo por diente‘ que también llegaba al top 1 de nuestra lista.
6.-Música y letra: La música y la letra de todo el nuevo disco de The Knife pertenece exclusivamente a The Knife, esto es Karin Dreijer Andersson y Olof Dreijer. Sólo hay una excepción y no es este ‘A Tooth for an Eye’, sino el corte titulado ‘Stay Out Here’, con letra de la artista Emily Roysdon (que ha colaborado con el grupo MEN o ha llegado a exponer en el Reina Sofía) y música de Shannon Funchess (quien pasó por !!!), Emily Roysdon y The Knife.
7.-Producción: ‘A Tooth for An Eye’, como el resto del álbum ‘Shaking The Habitual’, de nuevo ha sido grabado, producido y tocado únicamente por The Knife, entre Estocolmo y Berlín. Otra cosa no, pero de su autenticidad no hay quien dude. Las únicas colaboraciones son de la mencionada Shannon Funchess a las voces en ‘Stay Out Here’ y de las maracas de Mikael Häggström en el corte ‘Wrap Your Arms Around Me’. Todo lo demás ha sido tocado por The Knife. En la mezcla del álbum han trabajado con Johannes Berglund (Shout Out Louds, Radio Dept) y en la masterización con Mandy Parnell (Björk, Kaskade, Dani Siciliano).
8.-La cita: La canción contiene la cita «I’m telling you stories / Trust me”. Según los créditos, no es casual: está tomada de ‘La pasión’ de la escritora Jeanette Winterson, publicada en 1987. La novela se sitúa en la Francia de Bonaparte y cuenta la historia de un campesino francés y una joven veneciana que es vendida al ejercito francés como prostituta. Ambos se unen para desertar de las tropas de Napoleón.
9.-La portada: No hay noticia sobre 7″ o CD single ni remezclas para la canción. La edición digital de la canción suelta se produce el próximo día 11. Sin embargo, sí hay portada para el sencillo, en la línea de las conocidas para el single anterior o el álbum. Se trata de un trabajo de la dibujante y presentadora de radio Liv Strömquist, también vinculada a la cultura queer y feminista.
10.-En JENESAISPOP: ‘A Tooth for an Eye’ es el primer número 1 de The Knife en JENESAISPOP. Antes, el grupo había estado algo gafado con la redacción: ‘Silent Shout’ fue un «sleeper», Fever Ray cometió el error de sacar su single debut a la vez que escogíamos ‘Brothersport’ de Animal Collective como top 1 y ‘Full of Fire’ no convenció del todo en nuestro site. Pero tenemos anécdota: ‘Silent Shout’, el single, se lanzó el mismo día que nació JENESAISPOP: el 20 de febrero de 2006.