Hace unos días os hablábamos de la presentación del debut de coffee&wine, el proyecto de Ana Franco que por fin ve la luz en formato largo. Una de las mejores canciones de ‘From the Ground’ es sin duda ‘Dinda’, el tema dedicado a su abuela que ha sido estrenado en la web de Disco Grande, el programa de Radio3. El clip, creado por la productora y escuela de cine ParaleloB, recoge el costumbrismo del café mañanero -o el té vespertino- seguido de un sincero y natural homenaje a la destinataria del tema. El recuerdo de ‘Dinda’ sigue vivo a través de las frases y expresiones que dejó. Después de ver el montaje final, y gracias a la bonita canción, dan ganas de haber conocido a esa mujer.
‘Dinda’ ya tiene vídeo
El ‘Quién puede matar a un niño’ de Raveonettes
Raveonettes han estrenado un vídeo para ‘Curse The Night’, otro de los temas contenidos en ‘Observator‘. Esta historia en blanco y negro en la que Sune y Sharin sólo aparecen en forma de cameo como parte de un cartel, parece perfecta para el encanto infantil de Halloween y las próximas Navidades… pero no. Os recordamos que Raveonettes vienen los días 21, 22 y 23 de febrero a Barcelona, Bilbao y Madrid, respectivamente.
La desagradecida vida adulta de Paul Banks
Paul Banks, líder de Interpol, ha estrenado vídeo para una de las canciones contenidas en su disco ‘Banks‘. Sophia Peer retrata la desagradecida vida diaria clásica de un adulto a través de hijos y trabajo, con algunas de las ventajas y desventajas de cada parte, y la toma de partido final.
A finales de este año, por cierto, se reeditará ‘Turn On The Bright Lights’ de Interpol coincidiendo con su décimo aniversario. Habrá remasterización y disco 2 con material extra. Más información, en la web oficial.
Diamond Rings / Free Dimensional
John O no ha querido dejar demasiado tiempo pasar desde que publicara su primer disco, aquel que contenía singles como ‘Wait & See‘, ‘Show Me Your Stuff‘ o ‘It’s Not My Party‘. Menos de un año después de que viniera a nuestro país para presentarlo como telonero de Junior Boys, ya está aquí su continuación ‘Free Dimensional’. A través de sus vídeos, de su imagen y por supuesto de sus canciones, desde aquel momento en que yacía en una cama recién diagnosticado con la enfermedad de Crohn en 2008 y decidiera empezar a componer en solitario, se ha ido convirtiendo poco a poco en un artista muy identificable, agradecido en las pistas de baile tipo Pop Bar y esencial para aquellos que se sienten cercanos a lo transgénero.
De esa disyuntiva chico/chica comienza hablando el primer corte de este disco, ‘Everything Speaks’, y en todos los sentidos la autoafirmación es un tema muy importante para Diamond Rings, como muestra también ‘I’m Just Me’ («tenía demasiado miedo de amar, tenía demasiado miedo de mi cuerpo, o de lo que cualquiera pensara de lo que yo pensara, pero ahora he madurado, y me siento más seguro», explica de forma naíf este sencillo). Sin embargo, quienes no comulguen especialmente con sus inquietudes, si es que no han salido corriendo al ver la portada del disco, podrán disfrutar como los que más de un disco de temática universal que habla principalmente sobre el amor.
El productor del álbum es Damian Taylor, probablemente como consecuencia de la gira realizada junto a Robyn, pero aquí quien parece mandar es claramente John, que lleva las canciones por donde le apetece. La sensualidad mística del corte inicial, que podríamos asociar con el responsable de la mezcla del último disco de Austra, apenas vuelve a tener cabida en el tracklist, donde gana por goleada un synthpop muy de manual que ofrece ramalazos de bubblegum (recordando por tanto a Hunx and his Punx en ‘Runaway Love‘), de rap (‘(I Know) What I’m Made Of’) o incluso de metal, algo palpable en alguna guitarra aislada desmadrada, ahijada de su adolescencia punk en bandas como Matters (antes The D’Urbervilles) o de su amistad con gente como PS I Love You o Fucked Up; pero que nunca pierde el norte. A veces las canciones pecan de una sencillez excesiva, pero, escritas desde el pequeño estudio de su habitación en Canadá «para que el mundo se identifique con ellas», llegan en la mayoría de ocasiones a buen puerto con la ayuda de su reconocible tono, propio de un Adam Green sintetizado.
Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘I’m Just Me’, ‘Runaway Love’, ‘Everything Speaks’
Te gustará si te gustan: Robyn, Fangoria, Frankmusik
Escúchalo: Spotify
Azealia Banks boicotea a Dolce & Gabbana
Azealia Banks ha indicado en Twitter que realizará un boicot a Dolce & Gabbana, tras interpretar que la colección que han presentado recientemente contiene referencias racistas, en concreto a la esclavitud de la población negra. La autora de ‘212’ ha señalado que las imágenes son «realmente innecesarias. La ropa de la colección estaba bien sin todas esas referencias a la «mami negra». «De verdad, odio cuando la gente hace cosas racistas y las intenta justificar como «arte»».
I really hate when people do corny, racist things then try to justify it as «art.»
— AZEALIA BANKS (@AZEALIABANKS) October 21, 2012
Según figura en varias webs desde septiembre, Dolce & Gabbana describían los diseños como inspirados en figuras «moriscas». «»Morisco» es un término que se usa para definir a varios pueblos a través de la historia. En el medievo se aplicaba a árabes, musulmanes en Iberia y africanos de la parte occidental, aunque se ha dicho que el término no tiene relación con ninguna etnia en particular», decía la nota de prensa.
Two Door Cinema Club: «Nuestros Tumblrs nos parecen muy divertidos»
Tres años han bastado para poner la vida del revés a los chicos de Two Door Cinema Club. Un trío irlandés que apenas ha pasado por casa desde que aquel debut llamado ‘Tourist History’ se convirtiera en uno de los discos más escuchados de 2010. De ahí que la expectación ante la publicación de ‘Beacon’, su segundo trabajo, fuera lo suficientemente alta como para que haberse quedado a las puertas del número 1 en Inglaterra sea visto como un pequeño fracaso que no puede ser tal. Muy serio al otro lado del teléfono, quién sabe si por sueño -la banda se encuentra de gira por Estados Unidos- o por hartazgo de tanta promoción, hablamos de ello con Alex Trimble, el vocalista del grupo.
Habéis llamado al nuevo disco ‘Beacon’. ¿Tan perdidos estabais antes de poneros a grabar este álbum?
Es el nombre de una de las canciones del disco, pero también una palabra que hace referencia a un punto destacado en algún lugar que sirve a los viajeros de referencia para no perderse. Nos parecía el nombre perfecto para explicar lo que han sido para nosotros estos tres últimos años.
¿Por qué, es lo que siempre pedíais para desayunar en los hoteles?
Creo que no te sigo.
Lo siento, tenía aquí apuntada una pregunta supuestamente graciosa sobre lo parecido que era la pronunciación en español de «beacon» y «bacon» y después de tu anterior respuesta no se me ha ocurrido mejor forma de meterla en la conversación…
!Ah! Pues de desayunar tomamos… Creo que sigo sin entender la pregunta [Risas]
Casi que mejor. Volvamos al disco. Ha pasado un mes desde que el álbum salió a la venta. Ahora que habéis tenido la oportunidad de tocarlo varias veces en directo, ¿cómo ha sido la reacción del público?
Buenísima, mucho mejor de lo que nunca habría esperado. Estoy realmente contento con la respuesta que estamos teniendo en los conciertos.
¿Entonces vuestros fans tienen ya alguna canción favorita del nuevo disco o siguen reaccionando mejor a los hits del primero?
Sí, a juzgar por lo que vemos desde el escenario, parece que canciones nuevas como ‘Sleep Alone’, que fue el primer sinlge, o ‘Sun’, que es el nuevo, están gustando mucho en directo.
¿Coincidís con ellos?
Personalmente prefiero ‘Handshake‘ o ‘Someday’. Son más divertidas de tocar.
Viendo el exitazo que tuvo el ‘Tourist History’, no sé si sentisteis mucha presión antes de poneros a grabar ‘Beacon’ sobre qué clase de música tenías que hacer para no decepcionar a nadie.
Queríamos ser una continuación, también sonar diferentes, pero por encima de todo, hacer el disco que queríamos. Lo teníamos tan claro que nunca sentimos presión de ningún tipo.
¿Creéis entonces que Two Door Cinema Club es el tipo de grupo que hace las mejores canciones que puede y ya está o todavía podemos esperar grandes cambios estilísticos en el futuro?
Evidentemente nos gustaría experimentar con algo nuevo en el futuro, pero nada alejado de nuestro estilo. Prefiero probar con producciones más elaboradas que acaben haciendo que nuestras canciones parezcan totalmente diferentes, como cuando estamos de gira.
He leído que mientras grababais ‘Tourist History’ escuchabais música de los Beatles y los Beach Boys y que en ‘Bacon’ sonaban más canciones de Kraftwerk o Talking Heads. Sin embargo, hace unas semanas os ponéis a tocar versiones de Metallica en BBC1 que derivan en una reinterpretación de la banda sonora de ‘Parque jurásico’. Creo que ahora el que está perdido soy yo… ¿Hacia dónde vais? ¿Qué música os inspira ahora?
[Risas] La respuesta sería todo lo que has mencionado antes, no hay un estilo de música particular que predomine.
Quizás por eso habéis escogido a Jacknife Lee como productor. Es un tío muy versátil conocido por trabajar lo mismo con discos épicos de U2 como ‘How To Dismantle an Atomic Bomb’ que con otros más rápidos y rockeros como el ‘Accelerate’ de REM. ¿Con qué vertiente de las dos os identificabais más antes de trabajar con él?
Exacto, queríamos que todo eso apareciera en nuestro disco: la grandeza que transmite con U2, la cercanía de sus producciones con Bloc Party…
¿Pero hay algún disco en particular que al escucharlo dijerais: “Este es el tío que queremos”?
Personalmente siento una conexión especial con todo lo que ha hecho con Snow Patrol.
Aunque sois claramente guitarreros, en vuestras canciones a veces introducís la electrónica. No tanto como algunos de vuestros compañeros de sello en Kitsuné, referencia en este género, pero casi. ¿Cuáles son vuestros grupos favoritos de vuestra compañía?
¡Demasiados! Bloc Party, Hot Chip, Classixx… Por ejemplo, de las nuevas adquisiciones destacaría Citizens!, son realmente buenos. Básicamente adoro todo lo que tenga que ver con Kitsuné, por eso me encanta estar con ellos.
¿Me estás diciendo que después del éxito que estáis teniendo incluso en un lugar tan difícil como Estados Unidos, si un gran sello os propone un fichaje con cheque en blanco, no os iríais?
Nos gustan las compañías pequeñas, tenemos mayor control como artistas de la música que hacemos. En Kitsuné nosotros tomamos las decisiones. Algún día igual nos vamos a algo más grande, no puedo saberlo, pero por ahora estamos muy felices aquí.
Ahora que mencionas lo de tener el control… Es curioso, pero la principal idea que saqué después de ver vuestro documental ‘What We See’ es que es verdad aquello de “Ten cuidado con lo que se desea porque igual se cumple”. Quiero decir, sí, sois famosos, pero igual no es tan guay como pensabais.
No, de hecho a veces es realmente complicado. Ahora podemos hacer lo que queremos pero no tenemos tiempo para hacerlo. Nos pasamos los días viajando, haciendo entrevistas y actuando. Eso nos limita, por ejemplo, a la hora de experimentar más las ciudades que visitamos. No podría decirte en qué se diferencian Nueva York de Shangai o Madrid, por ejemplo.
¿Y con una agenda tan apretada, ¿cómo habéis podido preparar este disco? ¿De dónde habéis sacado el tiempo?
Bueno, la verdad es que hicimos un parón de tres meses para conseguirlo. Algunas canciones como ‘Sleep Alone’ o ‘Settle’ las habíamos probado en directo y las grabamos enseguida, pero el resto las creamos desde cero en el estudio.
¿Cómo es esa creación? ¿Primero va la letra y luego la música? ¿Al revés?
Es tan importante que la música y la letra sean buenas que te diría que todo viene a la vez. Es nuestro deber hacerlo así.
¿Y os tenéis que poner de acuerdo los tres?
Bueno, no siempre. Yo soy el que hace las letras…
‘Beacon’ llegó a ser número 2 en las listas británicas. Habría llegado al primer puesto si no hubiese sido porque The Vaccines también sacaron nuevo disco. ¿Os fastidia no haber llegado a la cima?
Sí, habría sido genial tener el número 1, pero estoy muy feliz de tener el 2. Sobre todo porque delante tenemos a quienes tenemos. Es fantástico que dos bandas de guitarreo lleguen a la vez a la cima de las listas, ¿no crees?
Ahora que acabáis de publicar el vídeo de ‘Sun’, vuestro segundo sencillo, se confirma que os gusta mucho cuidar los clips, casi una rareza en una época en la que ni MTV apuesta ya por los videos musicales. ¿Por qué lo hacéis?
Porque los vídeos son realmente importantes para nosotros. Nos gusta pensar en ellos como en pequeñas películas. Es verdad que la gente ya no ve vídeos en televisión, pero sí en sitios como Youtube y similares. Hacer algo que llame la atención ahí es una manera genial de llegar a un público que de otro modo, a lo mejor, nunca se molestaría en escucharte. Por eso los vídeos tienen que ser tan especiales.
¿Volveréis algún día a trabajar con la productora catalana Canada?
Nos encantaría. Ojalá que sea pronto.
Repasando vuestra página web para preparar esta entrevista no he podido evitar fijarme en que en la lista de links que recomendáis en ella a diversas páginas de Facebook y cuentas de Twitter no están los ya célebres Tumblr de Fuck Yeah! Kevin Beard, Fuck Yeah Alex Trimble o I Love Sam Halliday… ¿No están porque no queréis o porque no los conocéis?
Los conocemos, claro que los conocemos. Y nos parecen muy divertidos. Pero preferimos destacar páginas que no están centradas en un miembro en concreto del grupo. Creo que a la gente le interesa más apoyar la banda que solo a uno de nosotros.
No puedo terminar sin preguntarte por la portada del disco. Ya sé que unas piernas de mujer bonitas siempre venden, pero… ¿Quién tuvo la feliz idea de no volver a apostar por la temática gatuna sabiendo lo que mueven estos animales en internet?
Contratamos al mismo tipo que nos hizo la portada del ‘Tourist History’ para que nos diseñara algo que transmitiera misterio y esto fue lo que nos presentó. Es verdad, no hay gato, pero era justo lo que queríamos para este disco.
Quizás el gato os habría dado el número uno…
Me sigo quedando con las piernas (risas).
Inédita de Fiona Apple para Judd Apatow
La canción de Fiona Apple ‘Paper Bag’ aparecía en la estupenda ‘La boda de mi mejor amiga‘, de 2011. Ahora otra composición de la artista, esta vez inédita, aparecerá en ‘This Is 40’, la nueva de Judd Apatow, un spin-off de ‘Knocked Up’ (‘Lío embarazoso’). El tema, llamado ‘Dull Tool’, será presentado a los Oscar, aunque de manera dramática no aparecerá en la banda sonora original ni hay ningún plan para editarlo. La banda sonora de verdad es del amigo de Fiona el productor Jon Brion. Este es el tráiler de la película.
Los Killers actuarán en los EMA’s
Se acercan los MTV Europe y con ellos los anuncios de los artistas que actuarán en la noche del 11 de noviembre en Frankfurt. Ya conocíamos las actuaciones de Muse, No Doubt o Taylor Swift y ahora se suman los nombres de los Killers, Alicia Keys o el hombre de moda, PSY, que suponemos que interpretará su hit ‘Gangnam Style’. Os recordamos que la artista más nominada es Rihanna, aunque Florence, Lana del Rey o Coldplay también podrían obtener algún galardón.
Desgarrado tema de Dirty Projectors para un TV On The Radio
El nuevo EP de Dirty Projectors que se publica el 6 de noviembre, ‘About to Die‘, como acompañamiento de su último disco ‘Swing Lo Magellan‘ y su corto ‘Hi Custodian‘, incluirá esta preciosa canción llamada ‘While You’re Here’. El tema es un homenaje a Gerard Smith de TV On The Radio, que murió como consecuencia de un cáncer de pulmón el pasado año.
El cutter de Franc3s
Limbo Starr publica el 19 de noviembre el segundo disco de Franc3s, tras el pequeño éxito de su debut homónimo. ‘Campanas de fuego rosa’ viene precedido de un single llamado ‘Apartamento alquilado’ que lleva rulando un par de semanas. Rock hipnótico desarrollado a lo largo de tres minutos que piden más y más. El vídeo es de Rubén Domínguez y la portada del disco es un trabajo póstumo del artista gallego Alberto Gende, que se consideraba el cuarto miembro del grupo y ha muerto este año como consecuencia de una enfermedad.
Así describe Limbo el álbum en la nota de prensa. Atención a la referencia del cutter: «Franc3s han vuelto a salir del cuarto oscuro cargados de pesadumbre y desazón, macabros, como un párvulo sonriente que sujeta en una mano un cutter y en otra las vísceras de su compañero de pupitre. Las letras de Alberto (entre la escritura automática, el romanticismo necrológico y el surrealismo de diván) retumban en los tímpanos evocadoras, oníricas, fatídicamente dulces, mortalmente vivas. Canciones hipnóticas que hablan de alguien que todavía respira, cines sin proyección, celos relamidos, bombas en silencio, genios desangrados, inviernos en llamas, lámparas maravillosas que se rompen de tanto frotarlas, pollos zombies, equilibristas en temporada de ciclones, “hueles tan fuerte, pero no importa”… Y bueno, para no precipitarse en el pesimismo antes de la escucha, en ‘Campanas de fuego rosa’ también se deja caer, valga la paradoja, algún destello de luminosidad. ¿Acaso los monstruos no tienen corazón?».
¿Lyric video? de Napoleón Solo
El pasado mes de junio estrenamos ‘Sospecho sospecho’, uno de los temas incluidos en el último álbum de Napoleón Solo, ‘Chica disco‘. La canción parece su nuevo single, pues en el Youtube de El Volcán Música ha aparecido este vídeo que va más allá del «lyric video», reflejando también el sonido de otros instrumentos. Atención a la descripción oficial: «ɐpɐʇıɯıl pɐpıɔɐdɐɔ ɐuñ uoɔ sǝɹǝs uǝ ǝʇɹǝıʌuoɔ sou ʎ sǝuoıɔɔɐ sɐɹʇsǝñu ɐʇıɯıl ǝñb ‘sopıʇǝɯos soɯɐʇsǝ ǝñb lɐ lɐʇuǝɯ loɹʇuoɔ lǝ ɐʇuǝsǝɹdǝɹ ǝñb ‘»oɥɔǝdsos ‘oɥɔǝdsos» ǝp oɔıɟáɹƃouoɟ uóıñƃ».
Napoleón Solo tienen fechas por toda España, desde Galicia a Andalucía, durante las próximas semanas. Detalles, en Facebook.
Amanda Mair vuelve a España
Amanda Mair volverá este mismo fin de semana a nuestro país para presentarnos las canciones de su notable debut homónimo, editado por el prestigioso sello sueco Labrador. Esta vez actuará el 27 de octubre en La Lata de Bombillas de Zaragoza y el 28 de octubre en Madrid en el Teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes. Esta última, una fecha difícil por su coincidencia con Bon Iver y Scissor Sisters, pero en la que se verá apoyada por Evripidis & His Tragedies como telonero.
Terror en el bosque con Connan Mockasin
Connan Mockasin ha editado recientemente un curioso vídeo para ‘Faking Jazz Together’, otra de las canciones contenidas en su disco de ‘Forever Dolphin Love‘, de 2010, reeditado en 2011, y ahora de nuevo reeditado en forma de vinilo morado. Los diseñadores gráficos Fleur&Manu, que han trabajado para M83, dirigen esta adaptación que comienza como una historia de terror en medio del bosque pero evoluciona hacia la levitación, con cierto componente espiritual.
Los mil y un mundos de Dead Can Dance
Cuando compramos nuestras entradas para ver a Dead Can Dance hace más de siete meses, no sabíamos lo que podíamos esperar de su visita. Lo lógico era un generoso repaso por su repertorio tradicional, pero en aquel momento no podíamos sospechar que el grupo editaría un disco nuevo tan recomendable como ‘Anastasis‘, que les llevaría a decidir arrancar y casi cerrar su set con él y que estas composiciones completamente nuevas encajarían tan bien junto a sus clásicos.
Brendan Perry y Lisa Gerrard comenzaron como lo hace su disco, con la sobria ‘Children of the Sun’ interpretada por él, seguida de la envolvente ‘Anabasis’, interpretada por ella. Mientras Brendan aparece con camisa y pantalones de calle, comportándose como un artista más cercano y -digamos- normal, la presencia física de Lisa, perfectamente peinada y embutida en su elegante vestido negro de cuello babero y capa por detrás, resulta más imponente. Como recién salida de otra época y desde luego un lugar ajeno a la gran ciudad, resulta incluso extraño verla tocar con comodidad sus dos sets de instrumentos y más todavía sonreír a la plebe. Entre la banda aparecen un par de teclistas, un baterista y un par de multiinstrumentistas, uno de ellos resultando ser David Kuckhermann, que también había servido de telonero. Se pudo echar de menos algún instrumento orgánico más, como una sección de vientos o cuerdas, pero su carácter sintetizado seguro que no disgustó nada a esa enorme parte de público siniestro, aún ahijado de los inicios góticos del grupo, que no dejó de acudir a esta peculiar cita en L’auditori de Barcelona en pleno 2012.
El sonido del set fue todo lo perfecto que cabía esperar, salvo por un fallo en uno de los cables que hizo que uno de los instrumentos de David resultara completamente inaudible durante el inicio de ‘Anabasis’, problema ante el que era fácil imaginar a Lisa pensando en hacer rodar cabezas. Pese a todo, ella aguantó como si nada, revelándose como una profesional paciente y pacífica. Al fin y al cabo, ¿cuánta gente iba a prestar atención a otra cosa que no fuera su voz mientras cantaba? Así, no fueron pocos los elogios espontáneos y los gritos de «guapa» y ramos de flores que recibió del público entre canción y canción, especialmente hacia el final del concierto.
Y es que los asistentes llevaban años esperando para degustar el concierto del grupo en toda su extensión. Bastó el primer «ting» de ‘Rakim’ para que el tema fuera reconocido y recibido con una enorme ovación. Sonaron también sobrias y estupendas ‘Agape’ -una de las dos únicas presentaciones que hizo Brendan para el público recordando su origen andaluz en la era Al Andalus (la otra fue para introducir ‘Ime Prezakias’)- y ‘Amnesia’, pero fue durante la interpretación de la genial ‘Sanvean’ cuando Lisa, siempre tan cerca de lo divino, propició que el público se pusiera en pie por primera vez. Una cumbre intimista que no habría sido igual en otro recinto, por la que cualquier aspirante a icono dream pop habría dado su vida entera.
Tras culminar una primera parte con la épica ‘All In Good Time’, en la que no se habían dejado la célebre ‘The Host of Seraphim’, la banda realizó hasta tres bises, siendo el segundo de ellos el más emocionante, compuesto por una versión de ‘Song to the Siren’, probable homenaje más a Ivo Watts-Russell y su sello 4AD, que a Tim Buckley, recordando la versión que hicieron como colectivo This Mortal Coil; y una sobresaliente ‘Return of the She-King’, una de sus mejores composiciones nuevas, sublime a pesar de esos vientos sintetizados de los que hablamos antes. Como tercer bis, Lisa, ya sólo acompañada de un teclista, cerró la noche con la tenebrosa ‘Rising of the Moon’ antes de despedirse con un: «bona nit, you’re beautiful, I love you». Era muy difícil salir decepcionado de allí. Una noche fantástica en todos los sentidos, que recorría mundos medievales, terroríficos, opresores, relajantes y hasta lynchianos, que sólo pudo entenderse como un enorme privilegio. 8.
Como telonero, un sonriente y encantador David Kuckhermann había interpretado cinco canciones instrumentales, la mayoría de ellas construyendo bonitas melodías sólo a base de tocar el «hang» -otra lo hizo sólo con una pandereta-. David explicó el origen de este instrumento inventado en Suiza hace sólo 11 años, aunque indicó que quizá la población barcelonesa estuviera acostumbrada a verlo como instrumento callejero. Hablando de sus viajes por Rusia y Tailandia y de cómo habían influido en su música, se metió al público en el bolsillo casi sin usar su voz, entretuvo durante el tiempo justo (¿llegó a los 30 minutos?) y sobre todo dejó claro por qué un grupo como Dead Can Dance, tan obsesionado con todo tipo de instrumentos y artilugios, le ha escogido para formar parte de su experiencia. 6.
Foto: Ocad123 en Flickr
Martha Wainwright / Come Home To Mama
Tras un debut estupendo en 2005, Martha Wainwright se afianzaba como compositora de referencia con la publicación en 2008 de su segundo álbum, ‘I Know You’ve Married, But I’ve Got Feelings Too’. Más o menos dos años después, con el prematuro nacimiento de su hijo y la muerte de su madre, Kate McGarrigle (y un disco de versiones de Édith Piaf en medio) empezarían a florecer las ideas para este disfrutable ‘Come Home to Mama’.
Martha ha comentado que ha hecho este disco “siendo huérfana de madre, y madre, dos cosas que no había sido antes” y lo cierto es que ‘Come Home to Mama’, producido por una de las dos componentes del ya extinto dúo japonés Cibbo Matto, expresa de manera bastante hábil esa sensación agridulce entre júbilo y lamento a la que la hermana de Rufus ha tenido que enfrentarse en los últimos años. ‘I Am Sorry’, aunque parece más un esbozo que una canción, cuenta con una interpretación vocal que no llega a desgarradora, pero casi. ‘Can You Believe It?’, al contrario, le sigue con una melodía encantadora en un resultante contraste que ni en este momento particular ni en ninguno otro a lo largo del disco suena forzado o extraño.
Dejando de lado esa dicotomía entre piezas alegres (‘I Wanna Make an Arrest’) y tristes (‘All Your Clothes’), estas diez nuevas canciones de Martha Wainwright (grabadas en su mayor parte en el estudio casero de Sean Lennon) tienen en común la calidad de unas melodías fácilmente abarcables gracias sobre todo a la voz de su autora, que en temas como ‘Radio Star’ o ‘Leave Behind’ le hacen a uno considerar, pese a alguna que otra similitud anecdótica con Kate Bush (‘Some People’), si no será la hermana de Rufus una de las voces más injustamente ignoradas de nuestro tiempo. Composiciones pasadas como ‘G.P.T.’ (¿su mejor canción?) solo hacen reforzar tal planteamiento.
En conclusión, de ‘Come Home to Mama’ no se pueden pasar por alto ni el primer sencillo, ‘Proserpina’, preciosa versión de la última canción que escribió Kate McGarrigle; ni la casi tangible honestidad de ‘Leave Behind’, de bonitos arreglos; ni, por último, la pegajosa languidez de ‘Some People’. Otros momentos, sin embargo, acusan cierta falta de inspiración (‘Four Black Sheep’) o de dirección (‘I Am Sorry’, ‘Radio Star’), pero, al final, siendo la vocalista que es, Martha nunca podrá dejar a nadie indiferente.
Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘Can You Believe It?’, ‘Proserpina’, ‘Leave Behind’, ‘Some People’
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Escúchalo: Spotify
Giorgio Moroder, desatado
Giorgio Moroder, pionero del italodisco, ha decidido abrir los cofres secretos de su discografía en sus dos cuentas de Soundcloud. Pero al contrario del resto de artistas que suelen ser bastante precisos revelando secretos sin pedir nada a cambio, Moroder no tiene fin y ha llenado ambas cuentas con una cantidad insana de temas clásicos, versiones alternativas, instrumentales y versiones en directo. También ha caído algún tema inédito y versiones extendidas de sus clásicos, como esta versión de 13 minutos de su clásico ‘The Chase’.
Giorgio Moroder – Chase (US 12″ Promo) (1978 – 2012) Remastered by GiorgioMoroder
‘Smells Like Teen Spirit’, la teleserie
Dave Goetsch, creador de ‘The Big Bang Theory’, prepara una serie inspirada en el icónico tema de Nirvana, ‘Smells Like Teen Spirit’. La cadena CBS ya ha adquirido los derechos de una comedia de situación que narrará la historia de un joven que abandona sus estudios en Harvard para montar un negocio multimillonario con una compañía de Internet desde el garaje de su casa, con la ayuda de su hermana, su mejor amigo y sus padres fans del indie de los 90. Aún no hay mucha información al respecto al reparto y otro tipo de detalles, sobre todo si contarán con los permisos necesarios para utilizar el tema de los de Seattle y su título.
WTF: Christina Aguilera + Pitbull + ‘Take On Me’
Christina Aguilera debía de ser una de las pocas personas del planeta que quedaba por pasar por alguna canción de Pitbull, o viceversa. Ahora que el rapero tiene nuevo disco era el momento perfecto para cocinar esta unión. ‘Feel This Moment’ es el resultado de la colaboración y aparecerá en ‘Global Warming’, nuevo trabajo de Pitbull, que saldrá a la venta el próximo 19 de noviembre y que incluirá colaboraciones de Shakira, Chris Brown, Jennifer Lopez y Enrique Iglesias.
Ya podemos escuchar un avance de ‘Feel This Moment’. El tema, basado en un sample del ‘Take On Me’ de A-ha, es más de lo mismo de siempre pero esta vez con la voz de Aguilera y destrozando el clásico de los noruegos.
Pitbull feat. Christina Aguilera – Feel This Moment (Preview) by whathehelll
Jay-Jay Johanson, este jueves en Madrid
El sueco Jay-Jay Jahanson actuará en nuestro país el próximo jueves 25 de octubre en el Matadero de Madrid con la colaboración de Red Bull. La actuación, que será la única en España, vendrá enmarcada dentro de la programación del festival Días Nordicos, y además servirá como broche de oro a las actividades ofrecidas por el citado festival. Su último disco sigue siendo ‘Spellbound‘, de 2011. Más información sobre ‘Días Nórdicos’ en su web.
El lado rapero de Nicki Minaj
Hace poco Nicki Minaj estrenaba el videoclip para el tema pop adelanto de la reedición de su último disco, ‘Pink Friday: Roman Reloaded – The Re-Up’. ‘The Boys’ junto a Cassie da paso a ‘Come On A Cone’. El videoclip ha sido dirigido por Grizz Lee y contiene imágenes de Minaj en entregas de premios, en la calle y sobre el escenario siempre rodeada de colegas raperos. La lista de invitados célebres incluye a Kanye West, Kim Kardashian, Jay-Z, Beyoncé, Tyga, y Waka Flocka Flame.
Depeche Mode, al BBK Live 2013
El festival BBK Live madruga este año, y hoy mismo ha presentado a uno de los cabezas de cartel para 2013. Se trata de Depeche Mode, que anunciaba esta mañana, en rueda de prensa desde París, las ciudades que tendrán el honor de albergar algunos de los conciertos de la gira mundial con la que presentarán su nuevo disco, y que recalará tan solo en 34 ciudades europeas (y en un solo festival en España, el BBK).
Con más de dos millones y medio de espectadores en su anterior gira y con más de cien millones de discos vendidos a lo largo de toda su carrera, los de Gahan se convierten en una apuesta segura a la hora de atraer público al festival, que ha aprovechado el tirón mediático para presentar el primer bono-oferta: saldrá a la venta el 6 de noviembre y costará 85€ más gastos de distribución (6€). El BBK Live se celebrará entre el 11 y el 13 de julio de 2013.
Además, Depeche han compartido un collage en el estudio con canción nueva de regalo.
‘Homeland’, o el mito de Casandra revisitado
La recientemente galardonada con los Emmy a mejor actor, actriz y serie dramática, ‘Homeland’, avanza por los primeros capítulos de la segunda temporada reafirmando con cada uno de ellos que se trata de una obra maestra de la ficción televisiva. Howard Gordon y Alex Gansa, conocidos por ser guionistas de series de culto como Expediente X coescriben junto a Gideon Raff esta adaptación americana de ‘Hatufim (Secuestrado)’, serie israelí creada por el propio Raff.
Estrenada su primera temporada, hace poco más de un año, y retomada la segunda el pasado 30 de septiembre, ya desde el principio fue aclamada unánimemente por la crítica: Una agente de la CIA (Carrie), con ciertos desórdenes mentales, recibe el soplo de un contacto, durante una operación encubierta en Irak, advirtiendo que un prisionero americano se había unido a un grupo terrorista islámico. Pocos meses después, un soldado americano (Brody) es encontrado y rescatado después de pasar 8 años cautivo en Irak.
Con estas premisas iniciales se desarrolla toda la primera temporada, en un continuo tira y afloja entre personajes y espectador para descubrir si ese soldado que vuelve a su tierra entre vítores y alharacas es efectivamente un héroe de guerra o un traidor a su patria. Y es precisamente ese juego de ambigüedad, donde todos los personajes tienen algo que ocultar, el que ejerce de hilo conductor de toda la trama, en la que la protagonista hará todo lo necesario por demostrar a sus compañeros que hay un lobo debajo de la piel de cordero, como una Casandra contemporánea.
Es cierto que el tema Americanos buenos y salvadores de la paz y la libertad vs Musulmanes malvados y destructores del mundo civilizado está ya muy sobado, y también lo es que el formato y temática de agencia antiterrorista de la serie tampoco inventa la pólvora. La genial ’24’ ya explotó esa gallina de los huevos de oro durante muchos años, consiguiendo pararnos el corazón varias veces cada capítulo con su acción trepidante. No obstante, no es ahí donde ‘Homeland’ gana sus bazas, sino en la maestría en el desarrollo de la trama y de los personajes y sus interrelaciones, con una perfectamente equilibrada presentación de sus planos profesionales –brillantes- y personales –miserables-, casi siempre en continuo conflicto.
Hasta el momento, la serie no ha hecho más que crecer, ofreciendo un comienzo de segunda temporada a la altura del final de la temporada anterior. Además, cuenta con el aliciente de presentar una Carrie especialmente interesante en su faceta más desvalida y vulnerable, que permite además a Claire Danes sacar todo su arsenal de artillería pesada interpretativa, justificando todos los premios que le han dado y los que le seguirán dando.
Calificación: 8/10
Destacamos: La interpretación de sus actores, especialmente de los personajes femeninos.
Te gustará si te gustó: ‘24’, ‘Black Mirror’
Predictor: Deberían quedarse en tres temporadas a lo sumo, pero probablemente estirarán la trama hasta que el resultado sea grotesco.
Alicia Keys estrena videoclip
Sophie Muller es la encargada de intentar rescatar el último sencillo de Alicia Keys del absoluto olvido al que parece destinada la canción. ‘Girl On Fire’ contiene imágenes coloridas de Keys cuidando niños y ancianos, bailando o viendo la tele. Recordemos que este tema da título al nuevo disco de Alicia que sale a la venta el próximo 27 de noviembre.
The Black Keys pelean con RZA
Oiremos hablar mucho de ‘The Man With the Iron Fist’ los próximos meses. La película es el debut como director del rapero RZA al amparo de Quentin Tarantino. De la banda sonora del filme, ya pudimos escuchar la aportación de Kanye West, y ahora podemos ver el videoclip para la colaboración que el director hace con The Black Keys. El tema se titula ‘The Baddest Man Alive’ y el clip ha sido dirigido por Chris Marrs Piliero. Tras una secuencia de la película, vemos a los tres protagonistas de la canción pelear por una galletita de la fortuna en un restaurante de comida china. Todo cargado de las justas partes de violencia y humor. No es la primera vez que el dúo colabora con RZA. El rapero aparecía en aquel disco del proyecto de hip hop de The Black Keys, ‘Blakroc’.