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‘Los huerfanitos’: crisis entre bambalinas

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El cine español ha perdido a uno de sus creadores más singulares. Pero la literatura lo ha recuperado. Santiago Lorenzo dejó de hacer cine hace cuatro años harto de los tejemanejes de las productoras. Atrás quedó una obra de culto como ‘Mamá es boba’ (1997). En 2010 decidió dar el paso a la literatura transformando el guión de una película en una novela: ‘Los millones’ (Mondo Brutto). Dos años después nos llega ‘Los huerfanitos’ (Blackie Books, con portada de Ricardo Cavolo), la confirmación de su extraordinario talento.

Lorenzo ha invocado el espíritu de Rafael Azcona y Jardiel Poncela y los ha dejado vagar juntos y a sus anchas por el Pigalle, nombre del céntrico teatro madrileño, “con pasado de oropel y futuro de gotelé”, donde se desarrolla la novela. Una sala en ruinas y llena de pufos que los tres protagonistas del libro heredan de su manirroto padre. Los hermanos Susmozas odian el teatro -les recuerda a su desgraciada infancia- pero para salvarlo de la bancarrota tienen que montar una obra y poder pillar así una subvención.

‘Los huerfanitos’ es una brillante tragicomedia que funciona como punzante sátira del mundo del teatro (Lorenzo fue director teatral antes que de cine), encendido elogio al profesional veterano, mordaz ataque a la burocracia, sentida oda al esfuerzo conjunto y las “cosas bien hechas”, proustiano homenaje a la canción melódica italiana (“la pinchó en el tocadiscos como quien ensarta con un palillo un aceituna rellena de memoria”) y cómica exaltación del vocabulario viejuno y gozosamente anacrónico.

Una mirada sutil, cómica y amarga al otro lado del telón de la realidad. El retrato de un Madrid post-debacle económica, tan triste y miserable como el de ‘El pisito’ (1959), de un costumbrismo doliente, que huele a vinazo y sabe a supermercado descuento. ¿Para cuándo su propia adaptación al cine? 8,5.

Two Gallants / The Bloom And The Blight

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Escuchando su nuevo álbum, el primero en cinco años tras su disco homónimo, podríamos acusar a Two Gallants de inmovilismo, pero no parece que tenga demasiado sentido cuando en sus tres álbumes previos ya habían demostrado sobradamente que el dúo de California tiene una personalidad única, raramente comparable con nada. Partiendo de la tradición del southern gothic y el bluegrass, ya desde su debut ‘The Throes’ y afinando en su magnífica continuación ‘What The Toll Tells‘ insuflaban en estas músicas de raíces altas dosis de rabia y furia punk, ocasionalmente rebajadas con algo de melancolía. ‘The Bloom And The Blight’ redunda en la solidez de su peculiar estilo y solo podemos alegrarnos por ello.

En su cuarto disco, el primero desde que dejaron el sello Saddle Creek (Bright Eyes, The Mynabirds) y ficharon por ATO, Adam Stephens y Tyson Vogel recobran cierto vigor perdido en su predecesor, aquella frescura que nos embaucó en 2006 gracias a canciones como ‘Las Cruces Jail’ o ‘Long Summer Day’ y que tenía (y tiene) su mejor baza en sus apabullantes directos (de los que disfrutaremos muy pronto por aquí). El productor John Congleton (St. Vincent, John Grant) ha apostado por aumentar la crudeza en la grabación, sonando casi lo-fi, retratando precisamente esa energía de sus shows. Así, cortes como ‘Halcyon Days’, ‘Ride Away’, ‘Song Of Songs’, el single ‘My Love Won’t Wait‘, esa oda a la embriaguez que es ‘Willie’ o ‘Cradle Pyre’ se postulan claramente como nuevo pasto para ese tronar que ambos despliegan en escena y que suele acabar con los tímpanos de la audiencia felizmente devastados.

Los momentos relajados son mucho más reducidos que en discos anteriores, apenas en la preciosa ‘Broken Eyes’ y las algo previsibles y anodinas ‘Decay’ y ‘Sunday Souvenirs’, lo que facilita que la balanza se incline hacia los descritos en el anterior párrafo que, claramente, resultan más satisfactorios. Aunque de momento no se les brinda la misma pleitesía, Two Gallants ya han hecho méritos suficientes para alinearse con otros dúos revitalizadores de la tradición musical norteamericana como The Black Keys o The White Stripes. Quizá solo les falte sofisticarse un poco para no parecer unos rednecks, pero, sinceramente, no sería lo mismo.

Calificación: 7,6/10


Lo mejor: ‘My Love Won’t Wait’, ‘Ride Away’, ‘Song Of Songs’
, ‘Halcyon Days’, ‘Broken Eyes’

Te gustará si te gustan: The Black Keys, The White Stripes, Murder By Death
Escúchalo: Spotify

El club de fans de Whomadewho es aquí

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Lo intuimos cuando en el FIB de 2007 (el de Amy) sustituyeron a los Klaxons en el Escenario Verde y de hecho molaron más que los Klaxons. Hay algo en el directo de Whomadewho que supera con holgura sus logros en el estudio. Será su facultad para dar vida con una guitarra, una batería y un bajo a unas canciones que parecen requerir de todo tipo de sintetizadores para despegar en vivo (apenas uno pequeño sobre el escenario y además con un protagonismo muy limitado). Será la complicidad entre los tres miembros del grupo o la energía que desprenden desde las tablas, como si todavía fueran unos debutantes veinteañeros. O será su empeño por satisfacer a los asistentes minuto a minuto, mirando las caras, chocando manos y bailando con las mujeres con sus instrumentos al cuello. Nunca en un concierto las cámaras de móvil habían resultado tan simpáticas: en vez de estorbar animaban, porque el bajista Tomas no dejaba de posar y sonreír para ellas.

Tras un primer minuto en el que el grupo hace ruido y satura, probablemente como prueba de sonido para ver hasta dónde pueden llegar con su volumen, irrumpe perfecta y envolvente ‘Inside World’ de su último disco ‘Brighter‘. Se mueven los primeros pies sobre la pista, pero nada para lo que está por venir. El grupo entrega canciones de discos pasados como ‘TV Friend’ y ‘Space for Rent’, llenas de ritmos marcados entre el funk y el electro, perfectos para que el público se vaya encendiendo poco a poco; se intercepta una especie de homenaje a ‘Flat Beat’, el hit de Mr Oizo, en el que el cantante Jeppe Kjellberg toca su guitarra usando su botellín de cerveza como cejilla; Tomas Hoffding, un «attention whore» de manual, protagoniza sus primeras subidas por todo tipo de bafles, barandillas y alturas, mientras manipula sus pedales produciendo efectos de todos los colores. Todo indica que se aproxima algo grande. Y desde que se interpreta la balada ‘Below The Cherry Moon’ mientras los dos líderes del falsete se abrazan y Tomas se agarra a las piernas de Jeppe, el delirio.

La coreada ‘Running Man’ junto a ‘Two Feet Off Ground’ supone la gran cumbre del set (una pena que no suelan tocar ‘Checkers’, otro tema in crescendo para bailar con los brazos en alto que habría supuesto otro suma y sigue), llegando a un primer cierre con el single ‘Every Minute Alone’ del mini álbum ‘Knee Deep‘. En el bis, ‘Never Had The Time’ y su clásica versión de ‘Satisfaction’ de Benny Benassi, que no necesitan porque ni siquiera es la mejor canción que suena, pero que se agradece por su histriónica representación del «push me and then just touch me so i can get my satisfaction», en la que apuntan al público, se meten mano a sí mismos, pareciendo una suerte de Scissor Sisters o Village People, y además terminan entregando el micro a un hombre de la primera fila (envidiable variedad de asistentes, entre 18 y 55 años), que culmina la letra de la canción a gritos mientras ellos se dan un enésimo baño de masas. Carcajadas por doquier. El concierto ha molado tanto que el trío ha resultado hasta guapo. Sólo queda que consigan transmitir todo lo que saben hacer en sus discos para ser perfectos. 10.

Foto: CC, Evasee Flickr.

Filmes de In-Edit que se pueden ver online

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Desde hace 3 años aproximadamente el 25% de las películas que pasan por el festival de cine documental musical Beefeater In-Edit, que se celebra desde la semana que viene en Barcelona, se pueden ver online. La organización ha publicado la lista de las que se podrán ver este año. Además, el voto de los internautas contará.

Secciones Oficiales (optan al premio del público)
:
Lunes 29: Don’t Follow Me (I’m Lost). A Film About Bobby Bare Jr.
Lunes 29: Gozaran – Time Passing
Viernes 2: The Punk Syndrome
Domingo 4: I am Not a Rock Star
Domingo 4: Sant Andreu Jazz Band. A Film About Kids & Music

Resto de programación
:
Sábado 27: 1,2,3… Standstill
Lunes 29: Beats, Rhymes & Life: The Travels of A Tribe Called Quest
Lunes 29: Jimmy Rosenberg – the Father, the Son & the Talent
Lunes 29: Turning
Jueves 1: Marglytta. A Music Documentary based on Litoral
Domingo 4: In-Edit. Get what you want

Títulos ya disponibles
:
Joy Division
Joe Strummer: The Future is Unwritten
Let’s Get Lost
The Devil & Daniel Johnston

También pueden verse online algunos de los títulos de la famosa lista de los 100 mejores documentales musicales de la historia. Aparte de los mencionados, pueden verse online:

Metallica: Some Kind of Monster
Kurt Cobain: About a Son
Scott Walker: 30th Century Man
Anvil
All Tomorrow’s Parties
Favela on Blast
Dame Veneno

Enlaces para verlos y más información, aquí.

Kindness y Slow Club, en el aniversario del Razz

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Razzmatazz ha ido revelando el cartel de su 12º aniversario durante los últimos meses, con gente como Scissor Sisters, Mika o The Hives. El cartel se ha cerrado hoy con las confirmaciones de Chico y Chica con Hidrogenesse (21 de diciembre), Citizens (23 de noviembre), Cookie Monsta (9 de noviembre), Feed Me (14 de diciembre), Kindness (1 de diciembre), Lindstrom (1 de diciembre), Revolver (15 de diciembre), Slow Club (25 de noviembre) y Proxy (15 de diciembre), algunas de las cuales posiblemente te hubieran llegado por alguna otra vía.

Además, Slow Club anuncian concierto en Madrid el 24 de noviembre (Moby Dick), tras haber preguntado hace unas semanas a sus fans por qué ciudades europeas deberían girar.

Bebe, en la playa con ‘Mi guapo’

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‘Mi guapo’, una de las mejores canciones de uno de los pocos discos interesantes que nos ha dado el mainstream nacional este año (sí, todavía firmamos cada una de las palabras aquí escritas), se encontraba hace unas semanas con una nominación a mejor canción alternativa de 2012 en los Grammy latinos sin haber sido single (al menos que nosotros nos hayamos enterado).

Bebe ha decidido resolver el asunto grabando un vídeo para ella a orillas de una playa. A su lado, un pequeño collage que podríamos vincular al de otros vídeos de esta era como ‘K.I.E.R.E.M.E.’, aunque aquí con otros tonos para esta canción mucho más limpia.

Girls Aloud confirman recopilatorio

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Hoy se ha celebrado la rueda de prensa de Girls Aloud, sin grandes sorpresas, ya que hace un par de días estrenaron su nuevo single, ‘Something New‘.

Nicola Roberts y las demás han anunciado que su «greatest hits» incluirá cuatro temas nuevos, además de lógicamente sus éxitos; y también una gira que lógicamente no saldrá de Reino Unido. ‘Ten’ se edita el 26 de noviembre. En nuestros foros puedes leer un «minuto a minuto» sobre lo que fue la rueda de prensa. Este es el tracklist del disco.

1. Something New
2. The Promise
3. The Loving Kind
4. Untouchable
5. Sexy! No No No…
6. Call The Shots
7. Can’t Speak French
8. Something Kinda Ooooh
9. Biology
10. The Show
11. Love Machine
12. I’ll Stand By You
13. Jump
14. No Good Advice
15. Sound Of The Underground
16. On The Metro
17. Beautiful ‘Cause You Love Me
18. Every Now And Then

Os dejamos con el vídeo de la canción.

Josephine Foster / Rushing Blood

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Además de una de las voces más fascinantes de los últimos tiempos, Josephine Foster es también una cantautora deliciosamente versátil. A su noveno disco de estudio, ‘Rushing Blood’, le precede un par de trabajos de flamenco en colaboración con su marido, el guitarrista Víctor Herrero, un disco basado en poemas de Emily Dickinson, otro de Lieder alemán e incluso uno de canciones infantiles. En cualquier caso, Foster siempre se ha mostrado interesada por el folklore y, en esta ocasión, ‘Rushing Blood’ la devuelve a su tierra natal, Colorado, para indagar en las profundidades de la tradición musical americana y sumar a su repertorio otra bonita colección de canciones.

La idea detrás de ‘Rushing Blood’ es la de una “historia dentro de una historia” contada a través de la experiencia de Blushing, alter-ego de Foster que se presenta al oyente nada más empezar la quinta pista del disco, que lo titula. Al final, sin embargo, no importa tanto el concepto, descrito por Foster como “ballet chanté”, como las canciones y, en este caso, Foster ofrece una especie de continuación lógica de su anterior trabajo de material inédito, ‘This Coming Gladness’ (no os perdáis su portada) pero impregnado a su vez de la mágica sencillez que la llevó a presentar uno de los discos de folk más recomendables de la pasada década, su debut oficial ‘Hazel Eyes, I Will Lead You’. ‘Rushing Blood’ es casi igual de crudo pero muchísimo más evocador y sorprendente en su variedad.

Producido, efectivamente, en Colorado, por Andrija Tokic (‘Boys & Girls’ de Alabama Shakes) el nuevo álbum de estudio de Josephine Foster cuenta con una banda de acompañamiento integrada por su esposo, quien, como ella, toca la guitarra; la miembro de A Hawk and a Hawkshaw Heather Trost (violines, guimbarda); Paz Lenchantin (flauta, bajo, violín) y Ben Trimble (percusión de piel). Por supuesto, es Josephine quien destaca por encima del resto gracias a su idiosincrático estilo de canto, derivado de sus estudios para la ópera, pero el precioso espíritu de unión y libertad creativa que desprende ‘Rushing Blood’ solo puede haber resultado de un impecable trabajo en equipo.

Una de las composiciones más logradas en ese sentido es ‘Sacred Is The Star’, gracias tanto a la hermosa melodía de los violines como a la crudeza de la percusión. Por otra parte, tanto ‘Panorama Wide’ como ‘Rushing Blood’ ponen en primer plano las habilidades vocales de Josephine, mientras el folk-rock de ‘Child of God’ y el corpulento acercamiento de ‘Geyser’ al rock psicodélico suponen las sorpresas más interesantes del disco. Sin embargo, son las piezas más sencillas las que nos recuerdan por qué Josephine Foster tiene un lugar asegurado en la historia del nuevo folk. Ahí están ‘The Wave of Love’ o la mística ‘Underwater Daughter’ para corroborar tal consideración.

La flauta de origen nativo-americano de la bella ‘O Stars’ o el sonido luminoso del tema que abre el álbum, ‘Waterfall’, son también detalles a destacar dentro de un trabajo que, en su conjunto, no podría ser más evocador de la magia del más temprano folklore norteamericano. Pero lo mejor de todo es que Josephine Foster sigue sin decepcionar a aquellos que buscan en sus composiciones la brutal honestidad del sonido más primitivo.

Calificación
: 7,8/10
Lo mejor: ‘Sacred Is The Star’, ‘Blood Rushing’, ‘The Wave of Love’, ‘Underwater Daughter’
Te gustará si te gusta: Vetiver, Joanna Newsom, Alela Diane
Escúchalo: Spotify

Alondra Bentley en el jardín

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Podríamos afirmar sin remilgos que la presentación del último álbum de Alondra Bentley en la sala El Sol de Madrid el pasado miércoles fue todo un éxito. Alondra estaba radiante sobre un escenario adornado con banderillas de colores donde se podía leer ‘The Garden Room’, el nombre de su nuevo álbum. En el puesto de merchandising más banderines y una degustación de pastas y galletas que ella misma había cocinado compró para ofrecer al público y animar a los asistentes a acercarse a la tienda.

Entre la gente, el padre de la artista, que muy acertadamente hacía comentarios al término de las canciones de su retoño a lo que ella respondía cosas como ‘Thanks, Daddy!’, entre otras expresiones familiares y cariñosas. La risa del público estallaba de manera incontenible y aquello daba la impresión de estar preparado. Pero resultaba tan encantador que uno podía guardar eternamente en esa risa el calor inconfundible que da la familia. Algo de lo más apropiado para presentar este disco encantador dedicado a ella.

Poquito a poco fue desgranando los temas de ‘The Garden Room‘. Bentley a la guitarra acústica y su banda con teclado, contrabajo, percusión, banjo y trompeta abrieron con ‘One Friday Morning’. ‘Spring Rhyme’ o ‘Hungry Caterpillar’ fueron otros de los temas que fueron interpretados a continuación. No faltaron algunas de las grandes canciones de su debut, ‘Ashfield Avenue‘, como las preciosas ‘I Feel Alive’, ‘Sugarman’ o ‘Some Things Of My Own’.

Tampoco se olvidó del delicioso disco de canciones para niños que editó hace unos meses, del que brillaron canciones como ‘Tiny’ o ‘The Break of a Down’, entre otras, que encajaron perfectamente en el repertorio de la noche. Aunque los platos fuertes de la velada llegaron con el turno de temas tan importantes en el álbum como la conmovedora ‘Dates to Remember’, ‘Motherhood’ o ‘The Garden Room’.

Entre risas y bromas se llegó a los bises, donde el repertorio siguió estirándose con cinco canciones más, entre las que se encontraba ‘…’ del primer disco, incluida en una película que se estrenará el mes que viene, ‘Recipe For A Home Sweet Home’, ‘Heaven is Waiting’ del disco infantil o la ya clásica ‘Giants Are Windmills’.

Con este directo queda claro que estamos ante una Alondra Bentley más sincera y directa que nunca. Su honestidad en escena es ya de por sí conmovedora, ya sea hablando de los lazos que la unen con su familia, la maternidad o explicando cómo crecen las plantas o canta el gallo. Impresiona comprobar cómo alguien habla con esa calidez de cosas que nos pasan a todos cada día y consigue que aflore esa lágrima de la más básica emoción. ¡Larga vida a Alondra! 8,5

Foto: Abraham Mayorga

‘Adam resucitado’: el perro de los nazis

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Yoram Kaniuk es uno de los grandes provocadores de la cultura hebrea. Alguien capaz de decir, por ejemplo, que «el Yad Vashem (Centro Mundial de Investigación del Holocausto) es nuestra Disneylandia particular». ‘El hombre perro’ (Asteroide, 2007) es su obra más conocida. Una historia llena de humor y dolor sobre el Holocausto protagonizada por un popular clown en la Alemania de los años 30. Un artista de music-hall que se libró de la muerte en el campo de concentración adoptando el papel de perro del comandante y entreteniendo a los prisioneros que eran dirigidos hacia las cámaras de gas. Tras la guerra, en el manicomio donde será internado, se encontrará con la posibilidad de salvar a “un perro que antes había sido un niño”.

El encargado de dirigir la adaptación (de otra de esas novelas inadaptables) es Paul Schrader, el legendario guionista de ‘Taxi Driver’ (1976) o ‘Toro salvaje’ (1980), y director de películas como ‘American Gigolo’ (1980), ‘Mishima’ (1985), ‘Aflicción’ (1997) y la fantástica aunque poco conocida ‘El placer de los extraños’ (1990).

‘Adam resucitado’ es algo así como una revisión tosca y alucinada de ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’ (1975). Una película sobre la locura que parece haber sido lobotomizada, cortocircuitada narrativa y visualmente. Mezcla excesiva y estridente de fragmentos temporales, de flash-backs en blanco y negro (cómo no), que pueden ser el resultado estético de la mente enferma del protagonista -vale, muy coherente- pero que acaban pareciendo una manera de incomodar al espectador, de mantenerle a distancia y acabar con su paciencia. Ni la poderosa interpretación de Jeff Goldblum ni lo atractivo de su argumento son capaces de levantar una película arrítmica, desabrida y más fría que un barracón de Auschwitz.

A la espera de su próxima obra, la prometedora ‘The Canyons’ (con guión del novelista Breat Easton Ellis y protagonismo de Lindsay Lohan, Gus Van Sant y el actor porno James Deen), ‘Adam resucitado’ no hace sino confirmar el declive en el que está sumido Schrader desde hace más de una década. 4.

Escucha ‘Fence’ de Milkyway

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Elefant ha subido a Youtube otra de las canciones que compondrán el disco de maquetas de Milkyway recuperadas de los años 90 (y parte de los 00). Se trata de ‘Fence’, una balada al piano con sección silbido incluida. Os recordamos que el disco sale el 29 de octubre, aunque el 27 ya se venderá en la fiesta del Ocho y Medio en Madrid.

Crystal Castles vienen en febrero

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Crystal Castles acaban de retrasar la salida de ‘III’ una semana, al 12 de noviembre. El grupo ya ha revelado durante los últimos meses un par de singles, como ‘Plague‘ y ‘Wrath of God’, y la portada, de origen catalán. Ahora el dúo formado por Ethan y Alice confirma tres fechas en España, para las que las entradas están a la venta. Son 15 de febrero en Bilbao, el 19 de febrero en Madrid y el 20 en Barcelona. Los detalles, a continuación.

BILBAO
Sala: RockStar
Fecha: Viernes 15 Febrero 2013
Horario: Puertas: 20’30. Artista invitado: 21’00. Concierto: 22’00
Precio: Anticipada: 20€. Taquilla: 24€
Puntos de venta: Ticketmaster y establecimientos autorizados
Co-produce Last Tour International

MADRID
Sala: La Riviera
Fecha: Martes 19 Febrero 2013
Horario: Puertas: 20’00. Artista invitado: 20’30. Concierto: 21’30
Precio: Anticipada: 25€. Taquilla: 30€
Puntos de venta: Ticketmaster y establecimientos autorizados
Co-produce Mercury Wheels

BARCELONA
Sala: Razzmatazz 1
Fecha: Miércoles 20 Febrero 2013
Horario: Puertas: 20’00. Artista invitado: 20’30. Concierto: 21’30
Precio: Anticipada: 25€. Taquilla: 30€
Puntos de venta: Ticketmaster y establecimientos autorizados

Foals anuncian ‘Holy Fire’

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¿Ganas de un nuevo álbum de Foals? El momento se acerca. El grupo ha dado las gracias en Facebook por el apoyo recibido en su última mini gira de invierno, han prometido visitar los lugares que no han visitado esta vez y, de manera más significativa, han anunciado su tercer álbum. De momento sólo han dado su título, ‘Holy Fire’, asegurando que llegará «pronto».

Glasvegas ft Lady Gaga o al revés: casi, casi

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El guitarrista de Glasvegas ha contado en Facebook que su banda y Lady Gaga estuvieron a punto de colaborar. Rab Allan ha subido un vídeo de Youtube de 2009 en el que Gaga responde a una pregunta realizada sobre con quién le gustaría colaborar, que «Glasvegas, un grupo de Escocia». Alguien ha sugerido al miembro de Glasvegas que se animen a hacerlo y Allan ha respondido: «Estuvo a punto de hacerse. Una gran historia».

Jeremy Jay vuelve en 2012

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No contento con habernos visitado varias veces, Jeremy Jay visitará España una vez más este 2012. El cantante que siempre está trabajando duro y hace poco nos hablaba de infinitidad de grupos paralelos ha presentado las siguientes fechas:

10 de diciembre: Zero (Tarragona)
11 de diciembre: 12 & Medio (Murcia)
12 de diciembre: Planta Baja (Granada)
13 de diciembre: Wurlitzer Ballroom (Madrid)
14 de diciembre: Le Bokowsi (San Sebastián)
15 de diciembre: Wild Winter Festival (Zaragoza)
16 de diciembre: Sala Hoboken (Sant Cugat, Barcelona), con Eliah Smith

Vía En Silencio, Rockdelux.

Escucha ‘Breakers’ de Local Natives

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Empiezan a surgir los singles de los discos que salen ya en 2013. Local Natives son de los que más se adelantan, ya que publican su nuevo álbum -tras ‘Gorilla Manor‘- el próximo 29 de enero, pero ya se puede escuchar uno de los temas. El álbum se llamará ‘Hummingbird’ y el single subido a Youtube, ‘Breakers’. No les librará de las comparaciones con Fleet Foxes, pero eso no es tan malo después de todo. Produce Aaron Dessner de The National.

1 You & I
2 Heavy Feet
3 Ceilings
4 Black Spot
5 Breakers
6 Three Months
7 Black Balloons
8 Wooly Mammoth
9 Mt. Washington
10 Colombia
11 Bowery

Saint Etienne remezclan a El Perro del Mar

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En cuanto escuchamos ‘Walk On By’ y su aire noventero pensamos en los primeros Saint Etienne. Así que no es tan raro que estos hayan terminado remezclando el single del nuevo álbum de El Perro del Mar, ‘Pale Fire’, que sale el 12 de noviembre. No obstante, su versión es más oscura de lo que cabría esperar.

Las pasiones secretas de Benjamin Biolay

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El 5 de noviembre es la fecha marcada para la publicación del nuevo disco de Benjamin Biolay, titulado ‘Vengeance’. ‘Aime Mon Amour’ es el primer sencillo del álbum y cuenta con un videoclip protagonizado por el propio cantante y por la actriz Karole Rocher, quien también se encarga de la dirección. Una extraña historia llena de pasión, secuestros y secretos, en blanco y negro y al son de este nuevo tema del francés.

Nicki Minaj y Cassie de colores

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Como os hemos venido contando, Nicki Minaj reedita su segundo disco. Se llamará ‘Pink Friday: Roman Reloaded – The Re-Up’. El primer sencillo lo escuchamos hace un mes. Se llama ‘The Boys’. Participa Cassie. En Popjustice apuntaron el parecido del tema con una demo de Cassie.

Ahora Minaj presenta el videoclip dirigido por Colin Tilley para el tema. Decir que está plagado de colores llamativos, con predominancia del rosa chicle, es quedarnos cortos. Minaj sigue explotando los dones que le ha dado la madre naturaleza, esto es culo y tetas. Y Cassie, que también es muy dada a ahorrar en vestuario en sus videoclips, no hace una excepción en este caso. Por supuesto, el desfile de pelucas y estilismos es interminable y ver a Minaj con un lanzallamas pondrá nerviosa a una que nosotros conocemos.

Lady Gaga contesta a Die Antwoord que ella vende mucho

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Hace un par de días Die Antwoord osaban meterse con Lady Gaga en su nuevo videoclip para el tema ‘Fatty Boom Boom’. La respuesta de Gaga no ha tardado demasiado y ha llegado en varios tweets que también ha reproducido en su página de Facebook. “Sois freaks pero no tenéis un éxito. Cientos de miles de entradas vendidas en Sudáfrica. #esaesmimierda”, escribía, agregando: “supongo que no es buena idea decirle a alguien que eres fan. ¡No importa! Lo entendemos, no sois “little monsters”. LO PILLAMOS”.

Obviamente el grupo se ha tomado la respuesta de Gaga con mucho más humor, y con mucha mala leche han reproducido uno de los tweets en su página de Facebook, añadiendo: “Lady… aunque seas “más grande” que nosotros… aún somos más guays que tú… además nosotros no tenemos langostinos en nuestras partes privadas”. ¿Será este el final? ¿Volverá Gaga con la revancha?

Las sombras de The Weeknd

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Después de los resultados obtenidos con Frank Ocean, no es de extrañar que el sello de The Weeknd esté apostando fuerte por la salida al mercado de ‘Trilogy’, primer lanzamiento comercial de Abel Tesfaye. El disco reunirá 30 temas de sus mixtapes, más tres inéditos: ‘Twenty Eight’, ‘Valerie’ y ‘Till Dawn (Here Comes The Sun)’.

Ahora nos llega el videoclip para la versión remasterizada de uno de los temas clave de la corta carrera de este canadiense, ‘Wicked Games’. Sigue apostando por el blanco y negro y la sencillez de conceptos, en esta ocasión jugando con las luces y las sombras.

WTF: Un chico agrede a su novio por escuchar Alanis

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Ya se sabe que todo en exceso puede ser perjudicial, y si no que se lo digan a Allen Casey, de 24 años, un gáyer de Florida que atacó con un plato a su novio Todd Fletcher, de 33, porque según informan en el siempre dispuesto NME, escuchaba a Alanis Morissette demasiado. No hay información sobre si se trataba de un tema concreto, si el agredido se ponía la discografía completa de la canadiense en bucle, o si el salto generacional ha sido definitivo para que Allen no entienda por qué Alanis.

‘Looper’: matar el tiempo

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Las paradojas y asimetrías temporales han sido siempre el talón de Aquiles narrativo de los viajes en el tiempo. La famosa “paradoja del abuelo” –si viajas al pasado y matas a tu abuelo no existirías y, por tanto, no podrías viajar al pasado- se ha resuelto de muchas maneras, algunas de forma más satisfactoria que otras. ‘Los Cronocrímenes’ (2007) sería una de las que mejor sortea la paradoja (evitarla es imposible), ‘Terminator’ (1984), una de las que peor la resuelve (¿cómo va el viajero del futuro a engendrar al futuro líder durante el viaje al pasado?).

Desde un punto de vista argumental, ‘Looper’ le debe mucho a la segunda película de James Cameron. Pero su director y guionista, Rian Johnson, resuelve la paradoja de forma mucho más coherente e ingeniosa (aunque se tome sus licencias). Para no destripar el argumento, solo quiero resaltar una de las ideas más brillantes en este sentido: si en un futuro se pudiera viajar al pasado, estos viajes serían inmediatamente prohibidos; solo se harían de forma ilegal y con propósitos criminales.

El gran atractivo de ‘Looper’ es su riqueza semántica. Los loopers de la película no solo disparan balas en un futuro distópico, también significados y emociones. Johnson construye su película con los cimientos de la contraposición: la vida en la ciudad, degradada, tóxica y llena de cicatrices post colapso económico, contra la vida en el campo, dura pero saludable y segura en su inmovilidad; el yo pasado, lleno de planes y anhelos, contra el yo futuro, buscando en el pasado cómo recuperar su futuro; la genética (en una forma de mutación telequinética que recuerda al ‘Scanners’ de Cronenberg) contra el determinismo social (¿puede el amor de una madre dominar a la bestia?); e incluso Bruce Willis contra su propia imagen como héroe de acción.

Después de revitalizar el género negro con la estimulante ‘Brick’ (2006) –y a falta de ver la inédita en España ‘The brothers Bloom’ (2008)- Rian Johnson se adentra en el género de la ciencia ficción partiendo de un elaborado guión que se interesa más por el perfilado de los personajes, la creación de atmósferas, la coherencia narrativa y la construcción de discursos, y menos por la exhibición de alta tecnología al servicio de la acción más aparatosa. Como los trabucos que utilizan los loopers, el director abre un agujero en el interior del alma humana para mirar dentro y ver sus contradicciones: la tensión entre lo que somos y lo que seremos. 8,5.

Estrella Morente / Autorretrato

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Aunque uno no lo quiera, quizá el haber leído la entrevista a Estrella Morente aparecida en El País hace unas semanas haya condicionado la impresión de este disco. Al menos, resulta descorazonador saber que la cantaora no sienta ilusión por publicar ‘Autorretrato’, su cuarto álbum en solitario, un disco cuya producción dirigía su padre y quedó sin terminar cuando la muerte sorprendió al Maestro Enrique Morente. Con su desaparición todos los que en algún sentido o momento hemos amado el flamenco nos quedamos huérfanos, pero Estrella la que más, una mujer con un talento natural desbordante cuyo modelado puso en manos de su progenitor, como ilustra la preciosa foto de portada. A Estrella le ha sido doloroso y difícil rematar el álbum y ha necesitado de la ayuda de Isidro Sanlúcar en la dirección musical para sacarlo adelante.

Según reza la nota de prensa, en este ‘Autorretrato’ la premisa había sido que Estrella dejara su impronta como artista y creadora, eligiendo qué se incluía y qué no o introduciendo composiciones propias, mientras que su padre disponía los medios para lograrlo. El despliegue es fabuloso: a los mejores guitarristas flamencos del mundo (Paco de Lucía, Tomatito, Vicente Amigo) se suman otros tocaores de renombre (Isidro Muñoz, su tío Montoyita) más creadores tan dispares y respetados en sus parcelas como Michael Nyman, Pat Metheny o Alain Pérez. Sin embargo, el retrato de Estrella que este disco dibuja es tan irregular, tan lleno de altibajos, que es inevitable pensar que esa sombra que la atormenta tras la desaparición de su creador distorsiona y desdibuja su verdadera personalidad, muy alejada de la cantante segura y poderosa que sí se percibía en sus anteriores álbumes.

Aparte de consideraciones personales, ‘Autorretrato’ resulta un álbum algo perdido. Junto a brillantes cantes tradicionales del flamenco (las sevillanas corraleras ‘Fernando Camisa’, las ‘Seguirillas de la verdad’, las bulerías ‘Como la corriente’ o ‘Bulería del amado’), hay un extraño empeño por demostrar que la cantaora también sabe ser cantante, ya sea de son cubano (una ‘Cuba – Cai’ cuya inclusión resulta forzada) o pop aflamencado. Es el caso de las colaboraciones con Montoyita (en las composiciones propias ‘A Lola’, un homenaje a la familia Flores, y ‘Canción del bembón’) y con los ex Ketama hermanos Carmona, que ponen fondo musical a ‘Tangos toreros’ (dedicada a su marido Javier Conde) y una versión de ‘La estrella’ (canción que Enrique dedicó a su hija al nacer) que queda muy lejos de la magnífica adaptación que su hermana Soleá cantó en el álbum de Los Evangelistas, que sin duda son lo peor del álbum, una innecesaria concesión comercial que cabría esperar de la Niña Pastori, pero no de Estrella. Puestos a hacer canciones al uso, ya podrían haber seguido el ejemplo de las versiones aquí incluidas, con el gran Vicente Amigo a la guitarra, de ‘En un sueño viniste’ (otro tema de Morente que ya habían adaptado Los Evangelistas) y ‘La habanera imposible’ de Carlos Cano, aquella canción que Estrella (o su fantasma) interpretó en el velatorio de su padre, encogiendo el corazón del planeta.

Pero, además de los señalados, hay otros momentos magníficos, a la altura de lo que cabría esperar de un disco que ha contado con la implicación de Enrique Morente. Este álbum comenzó a gestarse cuando, tras un recital de Estrella en Londres, Michael Nyman se presentó a la cantaora para demostrarle su admiración. Ella estudió su obra y se quedó prendada de ‘Memorial’, corte de la banda sonora del film de Peter Greenaway ‘El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante’. A ella se le ocurrió que encajaba muy bien con un poema de San Juan de la Cruz y así nació ‘Le di a la caza alcance’, dando lugar a un gran momento, cargado de lirismo y emoción. La gran comunión de ambos artistas queda patente también en ‘Pregón de las moras’, el corte que abre el disco y que escribió Nyman como acompañamiento a un texto antiguo recuperado por Morente padre. En una línea parecida está ‘En tus sueños’, una canción compuesta por Pat Metheny en su disco conjunto con el pianista Brad Mehldau y con una preciosa letra que, según cuenta Estrella, su padre escribió a su madre, Aurora Carbonell.

Coronando el álbum en su cierre está ‘Adagio’, una preciosa soleá cantada a dúo por padre e hija sobre percusión, guitarra y un sintetizador, realmente emocionante. Sin duda, los grandes momentos del disco superan con creces a los malos, pero la falta de una dirección musical más coherente y centrada hace su hora de duración excesiva y pesada. Merece la pena quedarse con las cosas buenas, pero ojalá Estrella logre quitarse pronto su pena y su pesar (como poco, habrá que esperar a que se resuelvan los dolorosos conflictos judiciales pendientes) para volcarse en encauzar su enorme talento en un camino. Cabe desear que siga el que emprendió su padre, pero nos conformaríamos con que se haga uno propio.

Calificación: 6,5/10


Lo mejor: ‘Le di a la caza alcance’, ‘Seguirillas de la verdad’, ‘Pregón de las moras’
, ‘En un sueño viniste’

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