Algunos están nominados en los Grammy y otros han sido incluidos en la mayoría de las listas de lo mejor de 2019. Analizamos las imágenes de cinco de los videoclips más destacados del año, y extraemos sus referentes estéticos y narrativos.
Todos lo hemos hecho alguna vez. Salir de un restaurante hablando por el móvil, ponerte a caminar, y acabar en la otra manzana (o con un bolardo en la espinilla) sin darte cuenta. Los directores Gal Muggia y Vania Heymann, conocidos por videoclips como ‘Up&Up’ (Coldplay) o ‘Like a Rolling Stone’ (Bob Dylan), llevan esta premisa más allá del tiempo y el espacio. ‘Glad He’s Gone’, que ha sido nominado a los Grammy, está dividido en dos partes. La primera es más contemplativa. Por medio de un estupendo montaje, Tove Lo cruza mares y montañas abstraída en su conversación. La puesta en escena amplifica aun más esa sensación de abstracción. De los primeros planos del principio, pasamos a los grandes planos generales con la cantante hablando ensimismada a lo lejos. La segunda parte es más narrativa. En poco más de un minuto, los directores nos cuentan un drama criminal, judicial y carcelario, con ecos de ‘Orange is the New Black’, y una fuga con cambio de identidad digna del mejor thriller de espías. Un relato imaginativo y divertido que esconde un tierno discurso sobre la amistad y la lealtad.
De nuevo: todos lo hemos hecho alguna vez. Salir de una discusión y ponerte a caminar sin rumbo rumiando la rabia y la tristeza. Pero, ¿qué pasa si no te das la vuelta, si sigues avanzando hacia no se sabe dónde? Esa es la pregunta que parece animar el videoclip de ‘Lark’. Y la respuesta está en la catarsis, en esa experiencia transformadora, purificadora, de la que hablaba Aristóteles en su ‘Poética’. En sintonía con el crescendo épico de la canción, Ashley Connor, habitual colaboradora de Angel Olsen, realiza un clip hermosamente fotografiado (Connor es la directora de fotografía de destacadas cintas indies como ‘La (des)educación de Cameron Post’ o ‘Madeline’s Madeline’), que avanza hacia un final intenso y liberador. La directora utiliza la naturaleza -la grandiosidad de los paisajes montañosos, la frescura de la hierba, el recogimiento del bosque, el baño purificador en el río, la lluvia, el mar- como metáforas telúricas para expresar la transformación interior de la cantante. La llegada de la noche y la luz de una hoguera desencadenan los recuerdos de la protagonista, mostrados en forma de flashback, y la empujan hacia la liberación final.
De ‘Los visitantes’ a ‘Austin Power’, de ‘Regreso al futuro’ a ‘Jacuzzi al pasado’. El viaje en el tiempo como recurso cómico es una fórmula tan manoseada como eficaz (y exitosa, todas las películas mencionadas generaron secuelas). El colectivo Calmatic, creadores del también humorístico ‘Bubblin’, reutiliza los códigos de este subgénero basados en los choques culturales y los pone al servicio de una canción que debe parte de su descomunal éxito precisamente a eso, al juego de contrastes entre dos géneros tan alejados entre sí musical y culturalmente como el trap y el country. ‘Old Town Road’, también nominado a los Grammy, comienza y termina como una parodia de las películas del oeste, algo a lo que contribuye el cameo de estrellas de la comedia como Chris Rock y Haha Davis. Entre medias, vemos el viaje en el tiempo. Lil Nas X se introduce en una bocamina, que hace las veces de agujero de gusano, y aparece en el presente. A partir de ahí comienza un relato cómico que bebe mucho de la mencionada saga de ‘Los visitantes’. El vídeo propone una segunda lectura bastante más jugosa: ¿qué hace parecer más desubicado a un cowboy negro en 2019, su figura anacrónica o su color de piel?
Friedrich Schelling y Sigmund Freud definieron “lo siniestro” como la tensión dialéctica entre lo familiar y lo extraño. Cuando lo que nos es familiar emerge bajo un aspecto extraño, amenazante, se transforma en siniestro. El entorno donde transcurre el videoclip ‘Unemployed’ no puede ser más familiar: una cocina. Pero hay algo en la puesta en escena que nos resulta extraño: la disposición de las patatas, la forma que tiene de mirarlas la “cocinera” Tierra Whack, la inquietante frontalidad del encuadre… Pasados cuarenta segundos del vídeo, lo siniestro se desintegra como una patata espachurrada y se transforma en humor surrealista y macabro. Con ‘La fiesta de las salchichas’ (2016) como principal referente visual, la animadora Cat Solen dirige esta pesadilla en la cocina donde las patatas cobran vida y sirven de alimento a otras patatas más grandes. El plano final, que rima con el que da inicio a la pesadilla, deja clara la naturaleza onírica del relato. ¿Una ensoñación provocada por un trabajo esclavo y alienante?
Tras estar varios años sin apenas rodar videoclips, Paul Thomas Anderson parece que ha cogido carrerilla. Desde que en 2015 filmara dos vídeos de Joanna Newsom (‘Sapokanikan’ y ‘Divers’), el director californiano no ha parado. Tres de Radiohead, un mediometraje para Thom Yorke (‘Anima’, nominado a los Grammy) y seis, entre clips y documentales, para Haim. Mirándolos bien, existe un hilo invisible que conectan los vídeos que ha rodado Anderson con las hermanas Haim (cuya madre fue profesora del cineasta): el gusto del director por seguir con la cámara a la vocalista Danielle mientras camina por la calle. Esto se hace muy patente en ‘Summer Girl’. Desde el primer segundo, Anderson sigue a la cantante por las calles de Los Angeles mientras ésta va quitándose capas de ropa, a veces acompañada de sus hermanas. El video ilustra un singular estriptis -de la parca al bikini- que tiene más carga simbólica y emocional –la llegada de la luz y la alegría del verano- que sexual. El clip incluye un homenaje al New Beverly Cinema, el histórico cine angelino que desde hace una década es propiedad de Quentin Tarantino, quien también es su programador.