Hamilton Leithauser de The Walkmen publicará nuevo álbum el 6 de mayo con la colaboración de miembros de The Shins, Fleet Foxes, Vampire Weekend y los propios Walkmen. Se llamará ‘Black Hours’ y contendrá este primer single que si no averiguas cómo se llama, no será por falta de pistas durante el tema: ‘Alexandra’. Co-escribe y produce nuestro amigo Rostam Batmanglij de Vampire Weekend, que también aparece en el vídeo tocando, además de unas bailarinas.
Hamilton de Walkmen, con Rostam y bailarinas
Nacho Vegas y Pablo und Destruktion, en Sound Isidro
Aunque ya sabíamos que Nacho Vegas actuaría en Madrid precisamente por San Isidro, ahora se han concretado detalles interesantes. Lo hará en compañía de Pablo und Destruktion, que recientemente editaba el Recomendado ‘Sangrín‘, y como parte de un ciclo llamado Sound Isidro. La Pasión Producciones y Producciones Ferrara se han aliado para este proyecto que presentará una programación mensual entre abril y octubre de 2014, además de un festival de 3 días en noviembre. El ciclo se concentrará en tres salas: Joy Eslava, But y Charada.
Como podéis ver en el cartel el ciclo contará con Juventud Juché, Los Claveles, Oso Leone y Templeton en el mes de abril y The Pains of Being Pure At Heart (como parte de la gira de la que ya habíamos oído hablar) y Tuya en el mes de junio. Más información, en Facebook.
Slow Club regalan ‘Tears of Joy’
Slow Club, los autores de ‘Paradise‘, están de vuelta este año con un nuevo disco aún sin fecha de edición del que de momento han querido adelantar el corte ‘Tears of Joy’, que se queda a las puertas de convertirse en un festival de falsetes y se puede descargar gratis a través de su web a cambio de un e-mail. Los más vagos y recelosos de su privacidad también pueden escucharla a través de Soundcloud.
Wild Beasts versionan a Leonard Cohen
En promoción de su nuevo álbum, el Disco Recomendado ‘Present Tense‘, Wild Beasts han compartido una mixtape en Soundcloud en la que han incluido, además de material de Cocteau Twins, The Blue Nile, Haddaway, Oneohtrix Point Never o Kate Bush, una versión propia de Leonard Cohen, del tema ‘Hey That’s No Way to Say Goodbye’, extraído de su debut de 1967. Todo puede descargarse de manera gratuita a través de FACT.
John Tavener: The Lamb
Wild Beasts: Hey That’s No Way to Say Goodbye (Leonard Cohen cover)
Cocteau Twins and Harold Budd: Why do you Love me
Siegfried Sasson: The Dug Out, Everyone Sang
Haddaway: What is Love
The Blue Nile: Over the Hillside
Lil B: Flowers Rise (instrumental)
The Books: Be Good to Them Always
Burzum: Tour Around the Transcendental Columns of Singularity
Shirley Collins: Brigg Fair
Allan Holdsworth: Tokyo Dream (live)
Oneohtrix Point Never: Child Soldier
Kate Bush: Sexual Healing (phone recording)
Talk Talk: I Believe In You
Cocteau Twins: Cherry-Coloured Funk
Wild Beasts / Present Tense
Puede que la lejana similitud entre las portadas del último álbum de Wild Beasts y ‘ARTPOP‘ de Lady Gaga no sea casual, pues ‘Present Tense’, cuarto álbum del cuarteto británico liderado por Hayden Thorpe y Tom Fleming, arranca y de hecho viene presentado por una declaración de intenciones, como ellos la llaman, en protesta sobre el actual estado del arte como producto comercial. El tema en cuestión, ‘Wanderlust’, urde teclados tan inquietantes como reconfortantes y coros fantasmagóricos para crear una cierta sensación de desasosiego que incomoda más si atendemos a la efectiva ironía de su letra, con frases como “somos decadentes por encima de nuestras posibilidades» (!), «ellos son solemnes en su riqueza / nosotros superiores en nuestra pobreza” o -la mejor- “no me tomes por alguien al que le importa una mierda”.
‘Wanderlust’ también aprovecha para meterse con ciertos individuos británicos que utilizan acentos americanos para expresarse, avergonzando así al grupo. “En tu idioma, ¿cómo se dice “dar asco”?, canta Thorpe en su habitual registro ahogado. Se ha dicho, de hecho, que la frase es una pulla a sus compañeros de sello Arctic Monkeys, si bien el grupo ha insistido en que no es así. “[Wanderlust] va sobre todo sobre la proyección de la sinceridad en el arte. ‘Factor X’ está repleto de historias lacrimógenas cuya sinceridad es falsa. Si intentas que me sienta identificado emocionalmente, no me voy a creer ni una palabra”. Es increíblemente fácil no obstante emocionarse escuchando esta gran canción que, en la belleza de sus teclados y melodía, constituye por méritos propios uno de los grandes himnos de la carrera de Wild Beasts.
Y es que ‘Present Tense’, producido en esta ocasión no por el habitual Richard Formby sino por Leo Abrahams, músico que ha trabajado con multitud de artistas entre los que se encuentran Brian Eno, Paul Simon, David Byrne o Imogen Heap; y Alex «Lexxx» Dromgoole, es todo un despliegue de belleza enfocada, de manera más decidida que nunca, hacia la electrónica, y eso que a pesar de que algunas de las temáticas que abordan sus letras son realmente turbias. ‘A Dog’s Life’, por ejemplo, describe los últimos segundos de la vida de un perro. No se sabe si tiene algo que ver con la película de Charles Chaplin del mismo nombre pero sus evocadoras ambientaciones, junto a sus gentiles punteos de guitarra en reverb y lúgubres a la par que oníricos teclados, crean paisajes tan hermosos que parecen hablar directamente al alma. Cuando Thorpe lanza la pelotita del perro a la basura, porque ya no la va a usar más, la banda reproduce el sonido de esa misma acción y el silencio grita tanto como lo haría en el duelo. Por su parte, ‘Daughters’ es fría en el carácter industrial de sus teclados y frío, helado incluso, es exactamente como le deja a uno su historia sobre niñas que desenvainan espadas en venganza contra los adultos por lo miserable que han dejado estos el mundo en el que hoy vivimos.
Son canciones preocupadas por el mundo exterior que acuden a los sintetizadores de manera más contundente que nunca en ciertos cortes, a diferencia de lo que ocurría en ‘Limbo, Panto’ y ‘Smother‘, que no se llamaba ‘Smoother’ porque al grupo no le dio la gana. Los de Kendal, que recibieron una nominación al Mercury Prize en 2010 por su formidable segundo álbum, ‘Two Dancers’, han llegado a su cuarta referencia casi rascando los treinta y creen que su misión ahora es hacer música más madura si bien, apuntan, prefieren evitar que les salga “un disco de contemporánea adulta”. Las ventas nunca les han acompañado especialmente, pero canciones como ‘A Simple Beautiful Truth’, que despliega en su melodía y arreglos toda la belleza escondida en su título (¡y en dos minutos y medio!), la citada ‘Wanderlust’ o la sensual ‘Mecca’, deberían servir para poner a Wild Beasts de manera más definitiva en el mapa de mejores bandas británicas del momento, y de paso llevarles al número uno, que ya toca.
Por supuesto una de las cosas que mejor hacen Wild Beasts es cantarle al deseo romántico y ‘Sweet Spot’ se trata sin duda de la mejor canción que han escrito hasta la fecha en ese sentido. Lejos de lo perturbador de la depechemodesca ‘Nature Boy’, sobre el (sin)sentido de la masculinidad en el siglo XXI, ‘Sweet Spot’ es delicada, amable, pulcra y poética. Se trata, además, de un sencillo potencial todavía más evidente que las canciones previamente mencionadas. ‘Palace’, dedicatoria romántica donde las haya, cierra ‘Present Tense’ con una de las melodías más bonitas del año (“de cerca eres más hermosa que de lejos”, le canta Thorpe a su amada, y el oyente no puede sino derretirse) y ‘Pregnant Pause’ captura con sofisticación la esencia del amor con frases como “hay un idioma con el que nos comunicamos / que nadie más entiende” envuelta en un colchón de sintetizadores tan agradable que apetece cubrirse bajo sus cálidas mantas una y otra vez.
No es que sorprenda demasiado lo infravalorada que está una banda que cita entre sus influencias a Henry Miller o Hèléne Cixous. Es un grupo, Wild Beasts, que propone un synth-pop de preocupaciones intelectuales, con discurso propio y reflexiones que hasta valdría la pena debatir en clases de literatura. ‘Present Tense’ –una de las mejores y más conmovedoras pistas del álbum, por cierto, se titula ‘Past Perfect’– no es un disco político como bien aclara la banda en su última entrevista para The Fly, pero sí apunta, con ácida ironía pero sobre todo mucho sentido de la realidad, hacia diferentes direcciones del mundo que rodea a sus autores. ‘Wanderlust’ también sirve como queja a un gobierno, el británico, que cobra 9.000 libras a sus jóvenes para que se formen en la universidad. ¿Cómo no va a ser “don’t confuse me with someone who gives a fuck” la mejor frase del disco? Es el reflejo de una sociedad exhausta y abatida por los grandes poderes. A Wild Beasts solo les queda su música y ‘Present Tense’ es la maravillosa confirmación de que a nosotros, por suerte, también nos quedan Wild Beasts.
Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘Wanderlust’, ‘Sweet Spot’, ‘A Simple Beautiful Truth’, ‘Palace’
Te gustará si te gusta: Depeche Mode, The xx, el synth pop en todas sus vertientes
Escúchalo: Youtube.
Mishima anuncian nuevo disco, ‘L’ànsia que cura’
Noventa días después de hacer por última vez ‘L’amor feliç’ (2012) en dos conciertos en la barcelonesa sala Apolo, Mishima anuncian los destalles de su nuevo álbum, ‘L’ànsia que cura’, que se publicará en formato físico (CD y LP) y digital el próximo 25 de marzo, y que vendrá anticipado por el single ‘Llepar-te’, según informa Warner. Así continúa su nota de prensa:
«Grabado durante el pasado mes de enero en Black Box Studio, un legendario estudio situado en la región de Anjou, cerca del valle del Loira (Francia) por donde han pasado, entre otros, Shellac, The Wedding Present, The Ex, Diabologum o Miossec, contiene una docena de canciones que David Carabén, Marc Lloret, Dani Vega, Xavi Caparrós y Alfons Serra han inmortalizado con la ayuda del alemán Peter Deimel, ingeniero de sonido y/o productor de The Kills, Anna Calvi,The Last Shadow Puppets o dEUS.
Un disco, el séptimo de su trayectoria, que ilumina de pop su clásica intensidad y que presentarán en directo el próximo 12 de abril en el Auditori de Girona dentro de la programación del Festival Strenes».
El grupo está también confirmado en Arenal Sound o Vida Festival.
Pumuky anuncia gira por México
Pumuky, autores de ‘El bosque en llamas‘ o ‘Plus Ultra‘, figurarán desde este semana entre los grupos afortunados de nuestro país que realizan gira por México. Serán 7 fechas siendo la última de ellas en el influyente Festival Nrmal, donde también estarán Hidrogenesse, Destroyer o Blood Orange.
– Jueves 27/02 México, D.F. > Club Atlántico
– Viernes 28/02 · Toluca > Landó Foro
– Domingo 02/03 · León > Orange Bar
– Miercoles 05/03 · Querétaro > Casa Granada
– Jueves 06/03 · Guadalajara > Centro Cultural Breton
– Viernes 07/03 · Guadalajara > Panta Rei
– Sábado 08/03 · Monterrey > Festival Nrmal
Rudimental, Skrillex y Bastille, entre los confirmados de Ibiza y Mallorca Rocks
Habiendo confirmado con anterioridad a dos bandas, Haim y The 1975, Ibiza Rocks y Mallorca Rocks añaden al cartel más grupos: Ed Sheeran, Bastille, Tinie Tempah, Skrillex y Bombay Bicycle Club (Fiesta de clausura de Ibiza), así como Rudimental, John Newman y Clean Bandit; además de nuevos talentos como Wolf Alice, Breton y Chloe Howl, con más gente todavía por confirmar.
El calendario queda como sigue en este cuadro.
Haim bailan en ‘If I Could Change Your Mind’
Haim no descuidan la promoción de su espléndido ‘Days Are Gone‘ y unos meses antes de visitarnos como parte de la programación del Primavera Sound, estrenan un divertido vídeo para ‘If I Could Change Your Mind’, en el que vemos al trío dándolo todo y bien coreografiado en lo que podría ser un escenario televisivo. Dirige Warren Fu (Aaliyah, Daft Punk, Depeche Mode) con coreografías de Fatima Robinson (Aaliyah). Y buena noticia: al batería le han dejado aparecer.
Shakira estrena su nuevo single, ‘Empire’
Después de ‘Can’t Remember To Forget You’ junto a Rihanna, top 15 en Reino Unido y Estados Unidos y top 2 en España, Shakira tiene un nuevo single preparado para seguir promocionando su disco homónimo. El cambio de tercio es considerable y nos enfrentamos ahora a una balada escrita por Steve Mac junto a la noruega Ina Wroldsen.
Por otro lado, recientemente Shakira ha estrenado el vídeo para la versión en castellano de su single anterior, que sin Rihanna no es lo mismo, ¿verdad? Esto es ‘Nunca me acuerdo de olvidarte’.
Néctar, la banda de Germán Coppini, saca disco en abril
La última banda en la que militó Germán Coppini casi hasta el día de su trágica muerte, Néctar, publicará su disco el próximo mes de abril. Según informa Efe Eme, casi todas las canciones del álbum contarán con la voz solista de Germán, ya que esas pistas ya estaban grabadas y de hecho se habían ido dando a conocer a través de varios vídeos de Youtube.
Habrá concierto el 1 de marzo en la sala Zeppelin de Granada y el 12 de abril habrá un homenaje a Germán Coppini en la sala el Tren de Granada, con la participación de Sr. Chinarro, Maga, Lagartija Nick y Pablo Novoa, entre otros. Os dejamos con uno de nuestros temas favoritos de la banda, ‘Jugando al invitado’, y el más reciente ‘Rebelde sin fe’. Toda la información, en Facebook.
Escucha ‘I See You’ de The Horrors
The Horrors anunciaban ayer su nuevo disco ‘Luminous’ para el próximo 5 de mayo y prometían que por la noche se radiaría su nuevo single ‘I See You’. Además de eso y para que no suframos escuchando a los locutores de la BBC, el grupo ha compartido un «lyric video» para este tema, de siete minutos in crescendo pero sin llegar a representar su tema más oscuro. Además, ya se conoce el tracklist del álbum.
01 Chasing Shadows
02 First Day of Spring
03 So Now You Know
04 In and Out of Sight
05 Jealous Sun
06 Falling Star
07 I See You
08 Change Your Mind
09 Mine and Yours
10 Sleepwalk
Muere Harold Ramis
El guionista, actor y director Harold Ramis ha muerto hoy a los 69 años según The Chicago Tribune como consecuencia de complicaciones surgidas de una enfermedad que padecía, vasculitis (inflamación de los vasos sanguíneos).
Ramis será recordado, sobre todo, por su participación como co-protagonista y co-guionista de las dos partes de ‘Cazafantasmas’ (la tercera estaba prevista para este año o el que viene), pero su huella en la comedia norteamericana de las tres últimas décadas es imborrable. Y no solo por sus papeles en ‘Desmadre a la americana’, ‘El pelotón chiflado’, ‘Baby, tú vales mucho’, ‘Cabezas huecas’, ‘Mejor… imposible’ o ‘Un lío embarazoso’, sino que sus mejores trabajos fueron sin duda como guionista y director de las dos partes de ‘Una terapia peligrosa’ o ‘Atrapado en el tiempo’, una comedia de culto protagonizada por su amigo Bill Murray que ha servido de inspiración para generaciones venideras, como ha reconocido el mismo Judd Apatow.
El hit: ‘Love Letters’ de Metronomy, con un empujón de Michel Gondry
Nuestro top 1 semanal hasta hoy, gracias a los votos de los lectores, es ‘Love Letters’ de Metronomy, el primero para el grupo en nuestro archivo histórico. Se trata del segundo single que anticipa el nuevo disco de los autores del notable ‘The English Riviera‘. El primero también era bastante destacable, ‘I’m Aquarius‘. Pero quizá la labor del director del vídeo ha sido clave para dar un pequeño empujón a este otro tema, pues esa persona no es otra que Michel Gondry, uno de los directores de videoclips más importantes de la historia.
El vídeo dirigido por Gondry se subía a Youtube poco antes de San Valentín y ya lleva medio millón de visualizaciones. Presenta una actuación uniformada del cuarteto aparentemente en plano secuencia. El travelling en torno a ellos es circular y permite observarles a través de una serie de ventanas con forma de furgoneta, portátil, estudio de grabación o show televisivo. No aparece nadie tocando los característicos vientos del minuto final del tema. Como se puede observar desde el principio, y a pesar de los aplausos incorporados, en realidad la actuación no se realiza en directo.
Michel Gondry es uno de los directores más famosos de todos los tiempos, destacando finalmente en los últimos diez años por películas como ‘Olvídate de mí’ o ‘La ciencia del sueño’. Antes, había dirigido a Björk en ‘Human Behaviour’, ‘Army of Me’, ‘Isobel’, ‘Bachelorette’ e ‘Hyper-Ballad’, a White Stripes en ‘The Hardest Button to Button’, ‘Fell in Love With a Girl’ y ‘Dead Leaves and the Dirty Ground’, a Daft Punk en ‘Around the World’, a Kylie en ‘Come Into My World’, a Chemical Brothers en ‘Star Guitar’ y ‘Let Forever Be’… La lista comprende decenas y decenas de clásicos que han hecho sus imágenes indisociables de las canciones. Su DVD recopilatorio de 2003 fue todo un best-seller en su género hace unos años.
Gondry y Joseph de Metronomy han participado recientemente en una de las charlas de Google, más conocidas como «Hangouts», en la que Michel ha explicado por qué ha tardado tantos años en dirigir un vídeo. El último, además, de 2011, correspondía en realidad a una vieja amiga: Björk en ‘Crystalline’. ¿Por qué Metronomy como regreso? Gondry responde claramente que porque le encanta la canción, aunque estamos seguros de que la residencia del líder del grupo Joseph Mount en París tiene algo que ver. «Mi amigo y compositor Etienne Charry, el compositor de mi banda Oui Oui, me dijo que Metronomy molaban. Y él es uno de los hombres con más ojo que conozco. Me fío más de su criterio que del mío propio. Además, Etienne dibujó todas las ilustraciones del vídeo». En cuanto al proceso Gondry explicaba: «Para este vídeo construí un modelo simple del set y se lo enseñé a Joseph Mount. Fui a visitarle a su apartamento de París y él tenía un póster en la pared que tenía exactamente el mismo espíritu de lo que estaba dibujando y necesitaba para el vídeo. Así que eso hizo el trabajo más fácil». Gondry, además, vincula la estética de los dibujos con la de su último trabajo ‘Is the Man Who Is Tall Happy?’, una conversación animada con Noam Chomsky. Por su parte, Joseph de Metronomy, que al menos antes de esta colaboración no podía identificar todos los vídeos que eran de Gondry de los que veía cuando era más joven en MTV, dice que conocía su trabajo a través de un amigo fan de Björk y habla de la importancia de tener «un denominador común» para poder colaborar con alguien.
Si la canción puede tener un punto al Bowie de los 70, su letra también recurre al pasado: el de aquellas cartas de amor que una pareja se manda de manera mutua para expresar «cómo se siente». Una idea muy sencilla, desarrollada de manera también muy sencilla y repetitiva, y que deja todo el protagonismo a la producción de la canción. Sobre esta el grupo ha hablado durante una entrevista con The Guardian, dando detalles sobre las presiones de repetir el éxito de ‘The English Riviera’, que llegó a ser disco de plata en UK y nominado al Mercury Prize. «Si hubiera habido cierta presión de la industria para que hiciéramos un disco enorme, me habría ido a un gran estudio con Flood a gastar un montón de dinero grabando un disco para la radio, muy pulido, pero he hecho justo lo contrario», indica, como para quien no sepa que el mismo Joseph Mount figura como productor de todos los discos de Metronomy. El álbum ha sido grabado en los famosos estudios retro Toe Rag, donde se han grabado discos clásicos de rock como ‘Elephant’ de White Stripes y cuyo dueño Liam Watson no pareció en principio muy contento con el conjunto de sintes y cajas de ritmo de Metronomy. Seguro que el resultado final, que se presume una mezcla de analógico y digital marca de la casa, le agradó más.
Aunque no hay single físico para esta canción, los coleccionistas deben saber que sí lo hubo para el single anterior, el editado hace unos meses ‘I’m Aquarius’. Se trata de un siete pulgadas que incluye por una cara la canción normal y por el otro su versión instrumental tras el corte ‘She Grows’, que no forma parte del tracklist del disco.
Metronomy publican el largo, también llamado ‘Love Letters’, el 10 de marzo. Para asegurarse su impacto en las islas británicas, su lugar de origen, esa misma semana comienzan una gira por todo Reino Unido que les mantendrá ocupados todo el próximo mes. En abril irán al resto de Europa sin fecha en España (nos visitarán después para el Primavera Sound). Se dedicarán especialmente a Francia, donde ofrecerán seis conciertos, quizá por la residencia de su líder en París, quizá en agradecimiento porque este es el único país donde este nuevo single que nos ocupa ha logrado llegar a las listas, aunque haya sido al simbólico puesto 170 (ellos son más artistas de álbumes). En mayo y junio tocará recorrer Estados Unidos y Canadá. Os dejamos con una interpretación en vivo de la canción.
Escucha ‘Frozen Britain’ de James
James, la banda de Tim Booth, es una de las sorpresas de la edición número 20 del festival de Benicàssim. El grupo está además de vuelta con un disco que saldrá a la venta el 2 de junio y del que ya se conoce un adelanto, este animado ‘Frozen Britain’. El nuevo álbum de la mítica formación se llama ‘La Petite Mort’.
Bill Callahan / Have Fun With God
Bill Callahan publicó en 2013 el Disco Recomendado ‘Dream River’ y allí lo encontrábamos enamorado de la vida y dejando de lado la imagen ceniza y esquiva que ha cultivado en toda su trayectoria artística. Donde más claro quedó fue en las letras, llenas de referencias amorosas y ensoñadoras. La música de este disco, también delicada y muy orientada a la tradición norteamericana, tomó forma cuando entró al estudio. Estando allí, Bill se dio cuenta de que también quería sonar dub, pero esto no encajaba en el propio ‘Dream River’ y por eso preparó ‘Have Fun With God’, su secuela.
En un principio solo dos canciones iban a sonar así –‘Javelin Unlanding’ y ‘Winter Road’- y en un single suelto. Al final el músico decidió que deconstruiría el disco entero hasta convertirlo en algo diferente, aunque no del todo. ‘Have Fun With God’ es un regreso a ‘Dream River’ donde las nuevas canciones forman «alter egos» de las anteriores. Hay un especial interés por dar sentido a palabras que quedan en el aire como ‘beer’ o ‘thank you’ pero como afirma Callahan en su entrevista para ROCKDELUX de este mes, si las pones en el contexto adecuado en la canción, pueden convertirse en música. Es lo que ocurre en ‘Thank Dub’ o ‘Call It Dub’.
Es posible que los amantes del dub más puro se sientan engañados. En este disco no encontrarán demasiado rastro de ritmos jamaicanos. Posiblemente, el sentido dub que Callahan quiera darle a este lanzamiento es el de scrapbooking musical, donde los sonidos se cortan y pegan y además se juntan con otros nuevos dando lugar a piezas que aunque pueden resultar no muy novedosas, son agradables a la escucha. Así, ‘Have Fun With God’ es una obra menor, más bien un capricho que regala Callahan y deja muy buen sabor por ser una grata cara B de su sobresaliente antecesor. Lo disfrutarán los amantes de su música pero no tanto quienes lo estén descubriendo ahora puesto que no encontrarán la esencia lírica del autor, que al fin y al cabo es lo que le convierte en único dentro de su género.
Bill Callahan continúa su anunciada gira española: esta noche en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid, el 25 de febrero en el Kursaal de San Sebastián y el 26 de febrero en el teatro Barts de Barcelona.
Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Thank dub’, ‘Small Dub’, ‘Expanding Dub’
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Escúchalo: ‘Expanding Dub’
Grupo Salvaje se separan
Grupo Salvaje, que en 2013 publicaran el notable ‘III‘, dejando temas y vídeos tan llamativos como ‘Jonás de las manos sucias’, ha comunicado su separación, como informa Muzikalia. La banda madrileña se despedirá con un último concierto el próximo 11 de abril en la Sala El Sol de la capital. Este es el comunicado hecho público en Facebook:
«Después de más de una década dedicando cada fin de semana y cada minuto libre a dar forma a nuestro sueño, hemos decidido que ha llegado el momento de decir adiós. No sin agradecer a todos los que han contribuido, de una manera u otra, a que la ilusión fuera tan intensa, su apoyo. En especial a Acuarela, sello con el que hemos publicado los tres álbumes que condensan nuestro trabajo, a Gonzalo del Valle-Inclán, Laura París, Ángel González, Abel Hernández y Fino Oyonarte, cuyo aporte y generosidad han dado lustre a nuestras canciones.
No obstante, habrá un último concierto de Grupo Salvaje en Madrid, nuestra ciudad, el próximo 11 de abril en la sala El Sol.
Ha sido un placer y un honor que hayáis dedicado parte de vuestro tiempo a escuchar nuestro trabajo.
¡Hasta siempre!
Grupo Salvaje (Nano, Óscar, Pepe, Carlos y Ernesto)».
Mø: «‘No Mythologies to Follow’ va sobre cómo encajar en una sociedad que glorifica la perfección»
Hoy Chess Club/RCA Victor publica finalmente el álbum debut de Mø, ‘No Mythologies to Follow‘, que se edita en España vía Sony un poco más tarde, el 10 de marzo. La joven danesa Karen Marie Ørsted nos habla, entre otras cosas, sobre la afluencia de géneros que presenta su música, lo importante que es para ella que sus directos se traduzcan en experiencias para el público, o el deprimente estado del bienestar con el que se convive actualmente en Dinamarca. El 21 de marzo estará en la Sala Bikini de Barcelona y el 22 de marzo en el Independance de Madrid.
Sorprende tu gusto por los vientos (‘Pilgrim’, ‘XXX 88’, ‘Dark Night’) y las melodías y ritmos tipo años 60 (‘Never Wanna Know’, ‘Don’t Wanna Dance’) ya que entre tus influencias nombras a las Spice Girls, Sonic Youth y Major Lazer. ¿Cuánta música de aquella época has escuchado en realidad?
No escucho mucha música de los sesenta a decir verdad. Lo que más escucho es música de los ochenta y noventa.
Por eso te decía que me sorprendía el sonido de canciones como ‘Never Wanna Know’ o ‘Don’t Wanna Dance’.
¡Ah, ya! Cuando hago canciones las escribo con el piano y después grabo las voces y luego es mi productor quien elabora todo el esqueleto alrededor del tema. Yo estoy más interesada en el hip-hop y en el electro-pop. Si escuchas algo de los sesenta eso es algo que mi productor ha añadido ahí [ríe].
Tu productor es Ronni Vindahl. ¿Cómo ha sido trabajar junto a un productor por primera vez?
Empecé a trabajar con él en 2012 durante mi estancia en Nueva York. Le envié ‘Maiden’ y él la convirtió en algo que realmente me gustó mucho. Así es como empezamos a colaborar y a recibir atención en internet.
Ciertos artistas debutantes van ido probando estilos diferentes antes de encontrar su propio sonido. Sin embargo, escuchando tu música pareciera que siempre has tenido muy claro cómo querías sonar. ¿Es cierto?
Vaya, gracias. No pienso mucho en el estilo o sonido específico que quiero para mi música. Lo más importante para mí es hacer una buena canción. Por supuesto hay un montón de diferentes géneros en los que me he inspirado a lo largo de mi vida, sobre todo hip-hop, punk y pop. Supongo que para mí es importante que haya sonidos diferentes en cada canción que hago, pero la prioridad es escribir una melodía bonita y una letra que sea como realmente quiero que sea. Mi mayor preocupación es hacer una canción que de verdad refleje cómo me siento o qué pienso ya que hacer canciones es mi manera de expresarme.
Hablas mucho de la influencia que ha tenido el hip-hop en tu música. Algunas pistas del álbum como ‘Red In The Grey’, de hecho, tienen un marcado carácter hip-hop. ¿Tan fan eres de este género?
Cuando cumplí 14 años me convertí en una «punkarra» pero fue al llegar a los 20 que empecé a escuchar mucho hip-hop y a moverme por el ambiente, ya que es un estilo que está muy relacionado con la izquierda y con todo el rollo punk del que venía antes. Supongo que simplemente me enamoré del estilo callejero, de las bases pesadas, del «flow» del hip-hop. Cuando hice ‘Red In The Grey’ seguramente buscaba precisamente esa misma sensación, pero en el estudio a veces sale bien y otras no.
Vienes de un grupo punk y ahora has fichado por Sony. Justamente hace un tiempo Azealia Banks pedía por Twitter que Universal la despidiera porque estaba harta y rogaba por que Sony la fichara. ¿Es difícil para un artista debutante empezar en una multinacional? ¿Cuál ha sido tu experiencia? Azealia tenía que haber sacado su disco en 2012…
El caso es que, cuando fichamos con Sony hará poco más de un año, hablamos con un montón de sellos diferentes. Para mi mánager y para mí lo más importante era que quien nos fichara no intentara cambiarnos y precisamente a Sony le gustábamos mucho y estaba muy interesada en nuestra visión e universo. Por eso realmente no tengo nada malo que decir sobre ellos, porque en realidad siempre les he gustado. Nunca me han dicho «¿puedes arreglarte un poco más?» o «¿podrías ser más pop?». Sony siempre ha apoyado mi sonido. En ese aspecto no ha habido presión.
Decías que Sony no ha intentado cambiarte y precisamente quería preguntarte por tu nombre. Sé cómo se pronuncia pero lo veo poco comercial. No toda Europa conoce el fonema «ø». ¿Alguien en tu sello te ha recomendado que lo cambies por otro más accesible?
Salió el tema pero finalmente decidimos seguir con este nombre porque básicamente es el que uso y a ellos les parece que está bastante bien, y es un nombre que al mismo tiempo me diferencia de lo que era yo en 2009.
Es un nombre distintivo.
[ríe] Sí.
En las redes sociales te haces llamar MOMOMOYOUTH. Además, llevas un tatuaje con el símbolo de «infinito» y en temas como ‘Glass’ cantas cosas como “why had everyone to grow up? / I wanna be free”. ¿Cuán importante es para ti que la juventud actual se sienta identificada con tu música?
No estoy muy segura de haber entendido tu pregunta, pero para mí es muy importante ser honesta en mis letras y decir lo que pienso, ya esté triste o enfadada.
He leído que tu grupo de punk era muy «anti-sociedad» y «a la mierda todo». ¿Cómo es la política en Dinamarca? En España no nos va muy bien y algunas personas tenemos la sensación de que los países escandinavos son el paraíso.
Supongo que en Dinamarca y, en general, en Escandinavia, somos bastante privilegiados. El gobierno te da dinero para estudiar, si has tenido un accidente, si no encuentras trabajo… Todo el mundo está protegido y, por eso, algunas personas realmente no tienen nada por lo que luchar ya que, pase lo que pase, estarán bien. Por este motivo la gente se aburre o se deprime. En mi opinión, es muy importante tener pasión por algo, pero si recibes dinero pase lo que pase de algún modo te vuelves perezoso. Ese es uno de los problemas diría yo. Por supuesto es bueno recibir ayudas pero a veces puede ser demasiado.
Hablando de Dinamarca, has titulado tu disco ‘No Mythologies to Follow’, entiendo que en referencia a la tradición mitológica escandinava. ¿Pero hay alguna razón más aparte?
El título del álbum es una referencia al modo en que los medios de comunicación actuales te dicen cómo tienes que vivir tu vida, cómo te convencen de que existe la eterna juventud, de que la belleza dura para siempre y que lo importante de verdad es la fama y el dinero. La gente se hace perfiles en internet intentando lucir perfectos y creyéndose algo especial. ‘No Mythologies to Follow’ trata sobre esta sociedad moderna en la que uno debe apañárselas solo, lo cual a veces es muy difícil ya que hoy en día todo parece girar en torno a lucir radiante y a tener todas esas cosas. Nadie es perfecto y ‘No Mythologies to Follow’ va sobre establecer tu propio camino y tratar de encajar en esta sociedad que glorifica la búsqueda de la perfección.
Tu disco apenas tiene baladas (‘Never Wanna Know’ o ‘Dust Is Gone’) así que tus directos deben de ser bastante enérgicos…
Cuando toco en directo simplemente intento dejarme llevar y sentir la música porque, cuando voy a un concierto, no me gusta ver cómo el artista o grupo intenta que todo salga perfecto o cantar maravillosamente bien cada nota. Es ser muy constructivo. Prefiero que el grupo toque su música, sin más, y se vuelva loco en el escenario. Por lo menos es lo que yo intento hacer. Sentir la letra también es muy importante porque lo que realmente amo es poder expresar mis sentimientos a través de las historias que cuento en mis canciones.
Precisamente creo que el disco tiene una producción cuidadísima. Las armonías que dan inicio a ‘Fire Rides’, por ejemplo, parecen difícil de trasladar al directo y que queden igual de bien. Pero luego un estribillo como el de ‘Walk This Way’ está pidiendo a gritos ser vociferado por el público. ¿Cómo afrontas llevar este disco a tus directos?
Es imposible sonar en un directo exactamente como en el disco. Por supuesto para mí es importante que el directo suene bien y que al público le guste y reconozca las canciones pero yo prefiero ofrecerle a la gente una experiencia real, quiero que sientan que encima del escenario hay personas, porque al fin y al cabo los artistas también somos vulnerables. No quiero ceñirme mucho al sonido del disco cuando toco en vivo porque todos somos humanos.
¿Cómo surgió tu colaboración con Avicii?
Recibí la base hará un año y medio, y luego grabé las voces. Entonces no sabía lo famoso que era Avicii y cuando de repente un día me dijeron «vale, Avicii es enorme ahora mismo, este tema irá en su disco», no me lo podía creer.
Debió de ser una gran sorpresa.
Ya te digo, fue muy raro.
¿Sabes si ‘Dear Boy’ será single en algún momento?
No tengo ni idea, la verdad. Creo que mi mánager está intentando que así sea [ríe].
Imagino que te encantaría que fuera sencillo.
Sería tan extraño…
Tus vídeos son bastante divertidos y alocados. ¿Son idea tuya?
La mayoría sí. Normalmente escribo un guión con todas mis ideas, un documento en el que anoto cómo me gustaría que fuera el vídeo. Lo que quiero es que sea un reflejo de lo que dice la canción pero, por supuesto, de una manera artística, claro que, si contratas a un director, este también tendrá sus ideas propias sobre la estética del vídeo, pero para mí es muy importante ocuparme yo misma de todo lo que sale de este proyecto, tanto de la parte visual como de la musical.
Kevin Drew festeja a la mexicana
Tras su canto al buen sexo , videoclip correspondiente incluido, el miembro de Broken Social Scene Kevin Drew ha compartido un nuevo adelanto del que será su álbum debut en solitario ‘Darlings’, a la venta el 18 de marzo vía City Slang. ‘Mexican Aftershow Party’ es el tema en cuestión y se trata de un comedido a la par que atmosférico número synth-rock. Puedes escucharlo a continuación.
Cut Copy exploran la imprenta en 3D
Para su nuevo vídeo, Cut Copy han acudido a la tecnología de la imprenta en 3D. Dos figuras verdosas pasean por Los Ángeles al son de ‘We Are Explorers’ en esta pequeña joya creada por Masa Kawamura, Aramique y Qanta Shimuzu y que sirve para promocionar el fantástico cuarto álbum de la banda australiana, ‘Free Your Mind‘.
Linda Guilala anuncian ‘Xeristar’ y comparten ‘Lo Siento Mucho’
El dúo gallego Linda Guilala ha anunciado la salida de su nuevo disco de 10″ para el próximo 17 de marzo. Titulado ‘Xeristar’ en referencia a un medicamento antidepresivo del mismo nombre, este nuevo «mini LP», como lo llama su sello Elefant, contendrá 6 pistas de entre las cuales se extrae el sencillo ‘Lo Siento Mucho’, para el que Javi Camino de Magnetova ha hecho el vídeo que puedes ver a continuación. El tema también está disponible vía Spotify. ‘Xeristar’ constituye el segundo lanzamiento discográfico de Linda Guilala tras su álbum debut de 2009 ‘Bucles infinitos‘ y Elefant lo considera «su mejor colección de canciones» y cita entre sus influencias a Los Planetas, Ride o Spiritualized, lo cual no extraña atendiendo al peso shoegaze del single de adelanto. Este es el tracklit:
01. Chicas Guapas (Que Van A Trabajar En Moto)
02. Lo Siento Mucho
03. Verano
04. No Me Veis
05. Haciendo Daño
06. Sábados De Tormenta
Panda Bear habla de su nuevo disco
Panda Bear de Animal Collective ha concedido una entrevista a Under The Radar en la que da algunos detalles interesantes acerca de su nuevo álbum. El sucesor de ‘Tomboy‘ podría llevar por título ‘Panda Bear Meets the Grim Reaper’, lo está produciendo Sonic Boom -quien también trabajó en el disco anterior- y tendrá más que ver con ‘Person Pitch‘ que con ‘Tomboy’, si bien Lennox apunta que esta vez la mayoría de samples que ha usado son originales y su sonido más sofisticado. ‘…Meets the Grim Reaper’, en palabras de Lennox, estará terminado durante la primera mitad de 2014, por lo que se espera que el disco vea la luz a finales de año.
The Horrors anuncian ‘Luminous’
The Horrors han anunciado al fin la llegada de su nuevo disco, el que sucederá a ‘Skying‘. El cuarto álbum de la banda de Southend se llamará ‘Luminous’, título que el líder del grupo Faris Badwan describe como una «imagen poderosa: emitir luz y liberar energía. Algo que siempre ha sido central para la banda es que siempre nos hemos mantenido igual de intensos». ‘Luminous’ saldrá a la venta el 5 de mayo y presentará un mayor peso de los teclados. «No creo que sea justo decir que tiene más guitarras o más sintetizadores porque la mitad del tiempo las guitarras suenan como sintetizadores», ha apuntado Badwan. El sencillo de adelanto, ‘I See You’, será estrenado esta misma tarde en Zane Lowe’s BBC Radio 1.
Estrenamos ‘Time Machine’, el nuevo vídeo de Primary Colours
Primary Colours son una de nuestras principales apuestas nacionales este año. El dúo formado por Gutxi Bibang y Briana Capote ha editado estos días un mini LP llamado ‘Synonyms for Heartache’ y uno de sus singles contenidos es este ‘Time Machine’ para el que ahora estrenan un vistoso videoclip en JENESAISPOP.
Producido por We Are Not Filmmakers y dirigido por Laura Martinova von Schloss (Kostrok), presenta a los dos vocalistas separados en la distancia: ella en la gran ciudad, entre metros y librerías, y él en la playa o la montaña, finalmente intercambiando lugares y dejando algunas conexiones entre ambos (florales).
El dúo actúa el 27 de febrero en la Sala BeGood de Barcelona y el 6 de marzo en Moby Dick, Madrid. Son 10 euros incluyendo el nuevo CD.
Os dejamos también con su single anterior, ‘First Date’.