Los Punsetes acaban de subir a sus redes sociales un tema que sus hardcore fans ya conocerían. En las sesiones de ‘LP2’ grabaron con DaBeef (David Rodríguez de Beef) una versión de ‘Indian Summer’ con Julián López a la trompa. La canción de Beat Happening, también versionada por Sonic Boom en su momento, ha sido subida a Youtube y suena como toda una reivindicación en este día de nieve en la ciudad del grupo, Madrid. Aparentemente, fue un bonus track para la edición mexicana de aquel segundo disco.
Los Punsetes recuerdan ‘Que llegue el verano’
La oda a América de Prin La Lá
Uno de los temas con los que las Prin La Lá presentaron su segundo trabajo fue ‘Oda a América’, la de los pegajosos aunque inquietantes coros infantiles. Ahora las hermanas cordobesas ganadoras del UFI sacan nuevo EP con esta canción como single principal. De su vídeo se ha encargado nada menos que Maria Mochnacz, habitual fotógrafa de PJ Harvey. Un videoclip colorido, no falto de stop-motion, para presentar este EP que además incluirá remezclas de Los Pilotos, Suze y una versión al piano. Su lanzamiento, en breve.
La guerra entre Beastie Boys y el fabricante de juguetes GoldieBlox llega a su fin
Hace un par de días se supo que el fabricante de juguetes infantiles GoldieBlox había usado una canción de los Beastie Boys para un anuncio y que al grupo no le había gustado nada la idea. GoldieBlox, tras interponer una demanda contra el grupo alegando amenazas, ha colgado una carta en su página web en la que se disculpa por el incidente, si bien indica que la demanda se retirará una vez el equipo legal del grupo deje de amenazarles. La canción, además, ya ha sido retirada del anuncio. Esta es la carta completa:
«Queridos Adam y Mike,
no queremos pelearnos con vosotros. Os queremos y en realidad somos grandes seguidores vuestros.
Cuando hicimos nuestra parodia de vuestra canción ‘Girls’ lo hicimos con la mejor de nuestras intenciones. Quisimos coger un tema y transformarlo en un poderoso himno para las chicas. Durante esta última semana, padres y madres nos han enviado fotos y vídeos de sus hijos cantando la nueva letra con orgullo, construyendo sus propias máquinas Rube Goldberg en sus salas de estar y declarando interés en la ingeniería. Ha sido algo increíble de ver.
Se nos cayó el alma al suelo la semana pasada cuando vuestros abogados nos llamaron con amenazas, las cuales nos tomamos muy en serio. Siendo una empresa pequeña no nos quedó más remedio que actuar por nuestra cuenta. Lo hicimos esperando de verdad que pudiéramos llegar a un acuerdo amistoso con vosotros.
Queremos que sepáis que cuando publicamos el vídeo, no teníamos ni idea de que el gran Adam Yauch había pedido en su testamento que las canciones de los Beastie Boys jamás fueran usadas en anuncios. Aunque creemos que nuestra parodia es justa, queremos respetar sus deseos y los vuestros.
Como una acción vale más que mil palabras, ya hemos retirado la canción de nuestro vídeo. Además, estamos a punto de parar la demanda siempre y cuando no sigamos recibiendo amenazas de vuestro equipo legal.
No queremos pasarnos la vida peleando en batallas legales. Queremos inspirar a la siguiente generación. Queremos ser modelos a seguir. Y queremos ser amigos vuestros.
Atentamente,
Debbie + el equipo de GoldieBlox.»
The National le cantan a la salsa del pavo
Tal y como hicieron el año pasado, The National han participado este año en el episodio dedicado a Acción de Gracias de la serie de animación norteamericana ‘Bob’s Burguers’. El grupo entona una de las canciones que sonaron en el último episodio, titulada ‘Sailors In Your Mouth’, dedicada a la sabrosa salsa que condimenta el pavo y a su sabor. Además le han hecho un divertido videoclip que se puede ver aquí.
Daughter: «En directo intentamos crear un momento comunal»
Daughter ha sido una de las bandas que ha debutado en 2013 que ha logrado una mayor repercusión y un considerable éxito crítico con su primer largo, ‘If You Leave‘. El trío británico, que en Reino Unido cuenta sus conciertos por sold-outs visita estos días de nuevo nuestro país: hoy, 28 de noviembre, estará en la sala Apolo de Barcelona, y el 29 de noviembre, en la sala Joy Eslava de Madrid. Con motivo de esta minigira, tuvimos la ocasión de charlar hace unos días con Igor Haefeli, guitarrista de la banda londinense, sobre el carácter oscuro de sus canciones, de hasta qué punto les molesta que les comparen con The xx y también sobre su estupenda versión de ‘Get Lucky’ de Daft Punk.
Escuchando hoy vuestros primeros EPs, puede percibirse la base de vuestro sonido en ellos, si bien ha ido evolucionando hacia algo más grande y oscuro. ¿Cómo ha sido esa transición musical para vosotros?
Creo que ha sido algo muy progresivo aunque el primer EP no era exactamente lo que hubiéramos soñado, lo grabamos en mi habitación con un par de guitarras y un set de percusión mínimo, así que simplemente interpretamos el esqueleto de la canción sin producción alguna. El segundo EP ya lo pudimos grabar en un verdadero estudio, con la producción de Ian Grimble, y pasamos mucho tiempo intentando hacer funcionar el aspecto sonoro. Y ya en el álbum queríamos hacer un verdadero progreso, desarrollar todo lo que teníamos en mente y en lo que habíamos trabajado, cuidando la parte electrónica y probando diferentes técnicas de grabación.
De hecho, pienso que el mayor acierto de ‘If You Leave’ es que deja muy clara la impronta de sonido de la banda…
Oh, gracias…
¿Era eso más importante para vosotros que las canciones, incluso?
No, no, las canciones siempre han sido lo más importante. Estábamos muy interesados en conseguir una canción fuerte y un sonido fuerte, pienso que a menudo las bandas se esfuerzan solo en una de esas dos cosas y nosotros trabajamos muchísimo para conseguir ambas. Para eso, no nos guiábamos únicamente por la fuerza de la línea vocal o las letras, que es algo muy común, sino que hemos intentado usar también los silencios, esos espacios entre la línea melódica, para crear un mundo sonoro muy propio. No puedo decir que nos hayamos esforzado en una de las dos cosas más que en la otra, aunque es evidente que siempre debe haber una canción potente, es la fundación de todo. Quizá el mejor ejemplo de lo que decía es ‘Winter’, la primera canción del disco, que arranca con un loop de estática sobre el que se va incorporando la canción…
Precisamente, tú eres el que mejor puede responder a esto… Es una decisión valiente que hayáis decidido que tú fueras el productor del disco, tratándose de un debut. ¿Costó mucho que 4AD aceptara esta decisión?
No, para nada, precisamente 4AD es un sello muy abierto a este tipo de decisiones. Se me ocurren los casos de Bon Iver, The National, Indians… Todos ellos han autoproducido sus discos en este sello. La mejora en las tecnologías propicia que haya más y mejores equipos al alcance y han democratizado el aspecto técnico. Y yo creo que el sello tenía claro que nadie como nosotros podía entender a dónde queríamos llegar, y que nada podría hacerlo sonar tan personal como que saliera directamente de nuestro sudor. (Risas)
Escuché al disco cuando se publicó en la pasada primavera y, sinceramente, se hacía difícil de escuchar con el sol y el calor de esa época en nuestro país. Sin embargo, ahora que ha llegado el frío, es más cómodo. ¿Habéis puesto conscientemente ese punto invernal en él?
Es cierto que es un disco oscuro y triste, y bueno, empezamos a crearlo en enero de 2012, en pleno invierno, así que es lógico que algunas canciones transmitan un poco el ambiente de esos días. Pero bueno, en los festivales de verano la recepción del público ha sido fantástica, así que parecen funcionar bien al sol. (Risas)
Pero el disco está lleno de imágenes de mares profundos, hielo, soledad, oscuridad… y pienso que eso conecta muy íntimamente con la música. Tanto que a veces resulta casi angustioso…
Sí, es un disco muy intenso, con un sentimiento muy unilateral, que oscila del negro al gris, sí… Es, en cierto modo, muy catártico.
Tenía algunas preguntas sobre las letras, pero eso es cosa de Elena [NdE: Tonra, cantante, guitarrista y principal compositora del grupo], claro…
Sí, y si te soy sincero, no es muy amiga de hablar sobre ellas, la verdad…
Ok, entonces, te pregunto: son unas letras muy potentes, ¿cómo te sientes como músico cuando ella llega al local de ensayo o al estudio con esas líneas? ¿En qué sentido te inspiran como músico?
Bueno, es la misma sensación que cuando descubres la música que te llega, sientes que te identificas con esas letras y que está poniendo en palabras sentimientos que tú reconoces pero serías incapaz de explicar. Y te resulta tan cercano que realmente quieres involucrarte, crear un mundo sobre lo que ella está contando, que también es tu propio sentimiento.
He visto vídeos de vuestros directos y son muy potentes, la verdad, y puedo entender que a menudo agotéis las entradas en vuestros shows, sobre todo en UK y también aquí. Pero es chocante que haya tanta gente dispuesta a enfrentarse a sentimientos tan duros como los que mostráis en vuestras canciones, y puedo imaginar gente llorando en vuestros conciertos, sinceramente. ¿Por qué crees tú que eso atrae al público?
Ni idea, la verdad, pero en directo buscamos hacer las canciones más envolventes y crear un momento bonito. Trabajamos realmente duro en los directos y es maravilloso que venga tanta gente. Pero pienso que el público realmente se siente identificado con nuestra música, podemos ver chicos y chicas cantar las letras, a gritos o en voz baja. Hay mucha gente sintiéndose de forma similar dentro del mismo espacio y compartiendo ese momento. Y realmente intentamos que ocurra así, crear un momento comunal.
La canción ‘Youth’ es la única que habéis rescatado de los dos EPs. De hecho, ha sido el último single del disco. ¿Por qué esa canción?
Bueno, pese a que el resto de canciones eran nuevas, esta encajaba especialmente en la estética del disco, simplemente eso.
Es una canción muy amarga y en la que yo veo una especie de anti-himno generacional, ¿creéis que la actual coyuntura y desencanto es lo que hace que la gente conecte especialmente con este tema?
La verdad es que sí, es una canción muy amarga. Sí, está claro que la gente se identifica con ella, es de nuestros temas más populares. Estoy seguro de que Elena no la escribió como un himno, sino como algo muy personal, pero está claro que el público encuentra algo en su letra, quizá algo que encaja con esa impotencia y el temor que siente la gente ante un sistema que está obviamente en colapso por la crisis financiera.
Ese single viene acompañado en su cara B de ‘Smoke‘, que según he leído es una de las últimas canciones que habéis escrito, y tiene un tono muy próximo al disco. ¿Pensáis que tenéis aún más que explorar en este punto que habéis alcanzado o estáis ya pensando en algo distinto para el futuro?
Bueno, en realidad esa canción se grabó en las mismas sesiones que el resto del disco, pero entiendo tu pregunta. Pues creo que sí, no puedo asegurarlo, pero siempre estamos muy abiertos a ver qué vendrá después, grabamos ideas… No es que esté haciendo nada concreto pero creo que hemos creado una buena base de partida y que, cuando estemos listos, tenemos de dónde empezar a pensar en un segundo álbum. Pero es muy pronto para decirlo, llevamos dos años sin parar y tendremos que detenernos a ver dónde vamos pero, definitivamente, no es algo que vaya a pasar pronto.
Frecuentemente se alude a The xx para definir vuestra propuesta, básicamente por el sonido de las guitarras (que tampoco es que ellos lo hayan inventado, precisamente), aunque yo, por ejemplo, percibo una mayor conexión con Bon Iver, por ejemplo. ¿Podrías decirme si crees que hay alguna banda en la actualidad que esté realmente cerca de vuestro concepto musical?
(Silencio) ¡Buena pregunta! No sé, escucho muchos tipos diferentes de música, mucha música electrónica. Pero si hay una banda de la que me gusta todo lo que han hecho y de la que sí veo un reflejo en mi forma de tocar la guitarra es Sigur Rós. La cantidad de emoción que son capaces de transmitir en una canción que en realidad nadie sabe lo que dice me parece maravilloso. Pienso que un álbum como ‘( )’ es fantástico porque prueba que la música puede ser un elemento universal que una a gente muy diferente y que cada uno puede interpretar a su manera, o detalles como que el libreto eran páginas en blanco, para que cada uno pudiera escribir sus propias letras o no poner un título al álbum. Es algo muy altruista y unificador, y para mí muy inspirador. Pero también me gustan The xx, creo que son una gran banda, que hacen canciones más pop pero que evidentemente sí conectan con nosotros. Y sí, reconozco que aspiro a alcanzar la pureza del sonido de algunas de sus canciones.
La versión que hicisteis para un programa de radio de ‘Get Lucky’ de Daft Punk era muy sorprendente porque sonaba realmente muy Daughter. ¿Os habéis planteado vampirizar algún otro hit pop?
No, en realidad no, pero aquello fue muy divertido. Fue para un programa de BBC Radio 1 llamado Live Lounge, que propone escoger una canción de la selección de BBC Radio de las últimas semanas y adaptarla. Fue difícil elegir, pensamos en Justin Timberlake o Rihanna, pero cuando escuchamos ‘Get Lucky’, pocos días antes de aquello, pensamos que podía funcionar. Así que improvisé un poco los acordes al piano y, luego esa guitarra que quedaba muy oscura, muy nuestra.
Lengua de Trapo recupera a Kortatu y Alaska y los Pegamoides
El próximo 11 de diciembre la editorial Lengua de Trapo publicará dos libros sobre el rol que tomaron en la convulsa España de los años ochenta dos de las bandas más representativas de la época: Kortatu y Alaska y los Pegamoides.
Roberto Herreros e Isidro López firman ‘El estado de las cosas de Kortatu: Lucha, fiesta y guerra sucia’, obra que, concentrada en el periodo que va de 1984 a 1988 explica desde la perspectiva del rabioso punk de los vascos Kortatu los «periodos turbulentos» de un país social y políticamente definido por la contracultura y el auge del terrorismo. El libro pretende poner en contexto el material incluido en ‘El estado de las cosas’ de Kortatu, un disco cuyo contenido constituye «la banda sonora de esa red cultural formada por radios libres, centros sociales okupados y boletines de contrainformación» tejida en aquellos años de transición.
Los protagonistas del otro libro que presenta Lengua de Trapo son Alaska y los Pegamoides, como se anunció hace más de un año. ‘El año en que España se volvió loca’, que así se titula este libro escrito por Patricia Godes tras un «minucioso trabajo de análisis y hemeroteca», es 1982. Godes narra el periodo de la Movida a través los grandes éxitos de Alaska y los Pegamoides, esos temas en forma de «himnos escapistas» con trasfondo político que suponen «el reflejo de un momento crucial de la juventud española» durante la que la editorial llama «la juerga juvenil más mediática de la historia», la Movida.
Eminem es Max Headroom en ‘Rap God’
Mientras se prepara el vídeo para su nuevo tema junto a Rihanna, Eminem acaba de estrenar el de su frenético single ‘Rap God’. Dirigido por Rich Lee, en él vemos a un Eminem viajando en el tiempo e imitando a Max Headroom, el conocido personaje ‘cyberpunk’ que dio nombre a la popular serie del mismo nombre en los años ochenta. El último trabajo del rapero, ‘The Marshall Mathers LP 2’, vuelve a coronar la lista de álbumes estadounidense.
Sophie Ellis-Bextor, aburrida en el sofá
Nuestra amiga Sophie Ellis-Bextor, que en otro tiempo no dejaba de hacernos bailar, sigue empeñada en que nos creamos esta nueva época que traerá un disco alejado de sus mejores momentos dance. Ahora estrena videoclip para ‘Young Blood’, primer sencillo de ‘Wanderlust’, y aparte de poder volver a comprobar lo increíblemente guapa que es esta mujer, poco más aporta con esos planos debajo de un puente o sentada, aburrida, en un sofá.
Marta Sánchez se apunta al dubstep con su novio
Después de causarnos escalofríos con su versión de ‘Y, ¿Si Fuera Ella?‘, su paso rockero con su novio por el Sonorama y su participación en el anuncio de la Lotería de Navidad, Marta Sánchez va más allá y, como si fuera una Christina Aguilera cualquiera, se marca una participación en el single de lo que parece un grupo random.
Pero no. Se trata de otro de los grupos de su novio, Dani Terán. La canción es una versión de ‘Get It Up’ de New England que ahora pasa al dubstep este grupo llamado Gang Religion, que debuta con esta canción que canta íntegramente Marta. El 5 de diciembre actúan en La Riviera. ¿Veremos a Marta por allí, verdad?
Escucha ‘I’m Not a Young Man Anymore’, inédita de la Velvet
El sello Universal reeditará el próximo 3 de diciembre, con motivo de su cuadragésimo-quinto aniversario, el segundo álbum de Velvet Underground, ‘White Light/White Heat’, publicado originalmente en el invierno de 1968. El disco, que ha sido comisariado por John Cale y el mismo Lou Reed antes de fallecer el pasado octubre, incluirá versiones en mono y estéreo de las pistas del álbum, así como nuevas mezclas, tomas alternativas y canciones inéditas. Una de estas, de hecho, ya se ha dado a conocer. Se trata de ‘I’m Not a Young Man Anymore’, composición de Reed que Velvet Underground estrenó en vivo el 30 de abril de 1967 en el Gymnasium de Nueva York y que, al parecer, jamás volvió a tocar. Os dejamos con el tracklist y el Soundcloud:
Disco Uno: White Light/White Heat (Stereo Version)
‘White Light / White Heat’
‘The Gift’
‘Lady Godivas Operation’
‘Here She Comes Now’
‘I Heard Her Call My Name’
‘Sister Ray’
‘I Heard Her Call My Name’ (Alternate Take)
‘Guess I’m Falling in Love’ (Instrumental Version)
‘Temptation Inside Your Heart’ (Original Mix)
‘Stephanie Says’ (Original Mix)
‘Hey Mr. Rain’ (Version One)
‘Hey Mr. Rain’ (Version Two)
‘Beginning to See the Light’ (Previously Unreleased Early Version)
Disco Dos: White Light/White Heat (Mono Version)
‘White Light / White Heat’
‘The Gift’
‘Lady Godivas Operation’
‘Here She Comes Now’
‘I Heard Her Call My Name’
‘Sister Ray’
‘White Light / White Heat’ (Mono Single Mix)
‘Here She Comes Now’ (Mono Single Mix)
‘The Gift’ (Vocal Version)
‘The Gift’ (Instrumental Version)
Disco Tres: Live at the Gymnasium New York City, April 30, 1967
‘Booker T.’
‘I’m Not a Young Man Anymore’
‘Guess I’m Falling in Love’
‘I’m Waiting for the Man’
‘Run Run Run’
‘Sister Ray’
‘The Gift’
Major Lazer, con flúor
Major Lazer han ido abandonando progresivamente sus habituales culos y twerkings, o los han ido refinando y transformando en algo más estilizado. Sirva como ejemplo el último videoclip del colectivo que encabeza Diplo. El tema escogido es ‘Sweat’, en el que participan Laidback Luke y Ms. Dynamite y el clip es una sucesión de imágenes iluminadas con luz negra y colores flúor, que ha sido dirigida por Ryan Staake.
La Casa Azul con Nino Bravo, Soraya y Robbie, en la lista de ventas
La entrada más fuerte de la semana en la lista de ventas española la protagoniza el homenaje a Alejandro Sanz ‘Y si fueran ellas’, que curiosamente se queda en el puesto 5, uno por debajo de ‘La música no se toca en vivo’ del propio Alejandro Sanz. Al top 1 asciende la banda sonora de ‘Violetta: Hoy somos más’, el terror de estas Navidades.
La entrada más interesante es para ‘En libertad‘ de Nino Bravo con las mezclas de La Casa Azul. Es curioso que el disco sea top 19 porque esta es exactamente la misma posición que alcanzó ‘La polinesia meridional’.
Soraya y su nueva entrega, ‘Universe in Me’, aparecen en el número 31: un retroceso respecto a ‘Dreamer’, que llegó al número 8.
Robbie Williams, que ha vuelto a ser top 1 en Reino Unido con ‘Swings Both Ways’, tiene que conformarse con el número 13 en nuestro país. En el 96 aparece la banda sonora de ‘Los juegos del hambre: en llamas’, que en España incluye un tema inédito de Lori Meyers. El resto de novedades queda así:
6 Rosana / Ocho Lunas
14 Bertín Osborne / Corazón ranchero
18 Tamara / Incondicional. A Juan Carlos Calderón
27 Los Suaves / Gira de los mil conciertos
42 Zumba / Fitness Zumba
43 Kepa Junkera / Galiza
60 Frank Sinatra / Duets 20th Anniversary
81 David Civera / Versión original
93 Bebo y Cigala / Lágrimas negras. Edición 10 aniversario
100 Ara Malikian / Pizzicato
John Grant pone en pie BARTS
Anoche en el Teatro Barts de Barcelona, gran parte del público despidió al norteamericano John Grant puesto en pie, con una notable ovación. Puede que hoy día, en que oímos y leemos «temazo», «discazo» y «conciertazo» como si no existieran otras palabras para hablar de música en el léxico español, una reacción así suene, sobre el papel, previsible o forzada. Pero, como se encargó de recordar el propio Grant poco antes de acabar, si dio las gracias es porque «a veces olvidamos que el público es gente que, después de una larga y horrible jornada de trabajo (en el mejor de los casos, me permito añadir), decide salir de casa cuando ya es de noche y hace frío para escuchar a un grupo tocar música». Y esa gente, por eso, suele saber reconocer cuándo ha presenciado un gran concierto.
John Grant se presentó, en el marco de la 45ª edición del Festival de Jazz de Barcelona, con la formación que le respalda actualmente, un quinteto compuesto en su mayoría por músicos islandeses (país en el que el de Denver reside en la actualidad) más el británico Chris Pemberton que, con su trabajo a los teclados y coros, se erige en el mejor escudero posible para el gran (en varios aspectos) autor de los notables ‘Queen Of Denmark’ y ‘Pale Green Ghost‘. La banda que le secunda, apoyada en un nítido sonido, logra que las canciones de Grant suenen con una fidelidad pasmosa a como lo hacen en sus álbumes, si bien cuando interpretan cortes de sonido más electrónico como ‘Pale Green Ghost‘, ‘Black Belt‘ o ‘You Don’t Have To’ su papel en escena es secundario, quedando todo en manos de Aron Arnarsson, el mencionado Pemberton y Grant, con esos chirriantes y característicos teclados de sonido setentero que tanto le gustan.
La primera mitad del concierto estuvo gobernada por esa premisa y centrada fundamentalmente en las canciones de su reciente segundo álbum, entre las que solo se coló ‘Marz’ como representante de ‘Queen Of Denmark‘. Todo sonaba muy medido y pulcro, casi demasiado perfecto, casi frío, con Grant mostrándose adorable con sus charlas explicativas en su muy aceptable castellano. El espectáculo subió enteros cuando el grupo enlazó unas emocionantes interpretaciones de ‘Sigourney Weaver’ y ‘Where Dreams Go To Die’, seguidas por la enorme ‘GMF‘ (una canción que apuesto que es la envidia de Rufus Wainwright) y una agridulce ‘I Hate This Town’, seguida con palmas en su parte más festiva. Para rematar el grueso del show, Grant y su combo deslumbraron con dos intensas y ruidosas interpretaciones de una ‘Glacier’ que en disco parece más discreta y una bestial ‘Queen Of Denmark’.
Y aún hubo más. Tras una divertida versión superfunky de ‘Chicken Bones’, la banda dejó solos en escena a Pemberton y Grant, que enfrentados en los teclados y las voces elevaron aún más el nivel emotivo del concierto con dos interpretaciones muy minimalistas de ‘TC And The Honeybear’ y ‘Caramel’, llevándose la mencionada ovación en pie de la platea del teatro barcelonés. Cuando cierra su show, parece imposible no haber empatizado con el doloroso striptease sentimental que Grant brinda en sus canciones y adorar profundamente a ese gigantón con su pinta de tipo temible. 8,5
Tras pasar por Bilbao, Cartagena y Barcelona, John Grant cierra hoy, 27 de noviembre, su gira española en la sala Joy Eslava de Madrid. Un show después del cual dos de nuestros lectores tendrán la oportunidad de conocerle personalmente en un Meet & Greet, por cierto.
The xx protestan por el uso de ‘Intro’ en un anuncio homófobo
Lo peor que le puede suceder a un grupo es descubrir que su música es utilizada para promocionar algo en lo que no creen. Es lo que le ha pasado recientemente a The xx, que han descubierto que su canción ‘Intro’ ha sido utilizada en un vídeo propagandístico por un grupo anti-LGBT de Croacia, en concreto U ime obitelji (A Favor de la Familia).
El trío no ha podido esperar a hacer pública su reacción, y a través de su página de Facebook ha emitido un comunicado en el que no sólo aclaran que el uso de la canción ha sido sin solicitar permiso, sino que además dan “su apoyo incondicional al derecho al matrimonio sin importar la sexualidad”.
Por cierto, en nuestro país también se está volviendo a utilizar ‘Intro’ para algo: un anuncio de Ferrero Rocher. Así, el tema está entre los más vendidos de iTunes España esta semana.
Brigitte Laverne: «El problema de los grupos nuevos es la falta de confianza en sí mismos»
A través de una iniciativa de la plataforma Converse Make Noise y su estudio Rubber Tracks, diez bandas de entre más de doscientas participantes fueron seleccionadas para realizar en Barcelona sesiones de grabación profesional de la mano del experimentado ingeniero de sonido de los estudios Rubber Tracks en Brooklyn. JENESAISPOP tuvo la oportunidad de acudir a una de esas sesiones, en este caso la de la muy prometedora Brigitte Laverne, a la que entrevistamos sobre cómo ha surgido su proyecto, las expectativas que tiene con su personal visión del synth-pop y cómo cree que la banda sonora de la película ‘Drive’ ha cambiado la manera del público de ver ese tipo de música.
Pudimos hablar con la propia Brigitte Laverne en un descanso de la grabación de voces y algunas bases. Tras este proyecto de synth pop de evidente reminiscencia ochentera y con un notable talento para crear ganchos pop, está una joven de Vilanova que se muestra como una ágil conversadora, confiada en sus posibilidades y muy sincera en sus afirmaciones. Aunque no estará actuando junto a Wavves en el Make Noise Festival del próximo sábado día 30 de noviembre en la sala Apolo de Barcelona (invitaciones aquí), Brigitte Laverne sí lo hará el viernes día 29 en la sala Slow de la misma ciudad, junto a Esponja y Sickbrain.
¿Cuál es el punto de partida del proyecto, cómo nace? ¿Has tenido proyectos previos?
Bueno, yo empecé a hacer música muy pequeña, desde que empecé a estudiar en el conservatorio de Vilanova, donde he estado 16 años, y desde siempre me interesó más componer que interpretar la música de otros. Hace algún tiempo intenté montar un grupo con Álex [NdE: su actual bajista], un amigo mío de Shanghai que está muy loco y un mallorquín. Fue muy divertido, tocábamos en el sótano de casa de mis padres y demás, pero cuando quise que fuera una cosa un poco más seria y había que invertir tiempo y dinero, se echaron atrás. Y así me lancé a hacer mi propio proyecto, empecé grabando en el ordenador con un viejo teclado que tenía mi padre en el sótano, con sonidos midi, creando bases y demás. Álex me regaló un micro y me dijo que tenía que cantar y meter voces sobre eso y así fueron saliendo las canciones. Luego un amigo me ayudó y animó a crear un Bandcamp, aunque yo pensé que no serviría de gran cosa, y bueno, ha ido todo muy rápido a partir de ahí, muchísimas visitas, mucha gente preguntando, entrevistas…
He leído esas entrevistas. Me llamó la atención que, en una de ellas, decías que aunque tu música está inspirada en el sonido de sintetizadores clásico de los 80, a ti te gustan las bandas actuales que hacen ese sonido, mucho más que los propios grupos de aquellos años. Me llamó la atención porque me parece una afirmación bastante sincera y valiente, que siempre queda mejor decir que siempre has sido muy fan de OMD y demás. ¿Me podrías contar más? ¿Qué encuentras en bandas como College, Thieves Like Us o Neon Neon que no en las originales?
Mi padre escucha a todas horas esos grupos y siempre hemos discutido porque yo le veía un punto muy hortera que no soportaba. Y claro, cuando le puse mis canciones me decía: «¡pero si tú odias la música de los 80!». Cuando le enseño a esos grupos que mencionas o a John Maus, que me encanta, él apunta a la ironía de que me guste eso y odie los 80. Y yo le contesto: «bueno, me gustan The Cure» (Risas). Intento que me guste pero les veo ese punto hortera que no soporto. En cambio estos grupos toman esos aires retro de los sintes, que me encantan, y le añaden esas guitarras y bases tan cañeras que lo hacen sonar vigente. No tengo una explicación clara, pero enseguida reconozco algo que me gusta y en el 100% de las ocasiones es actual, no de entonces.
Yo encuentro bastantes similitudes en tus canciones con el italodisco y también con los grupos del sello Italians Do It Better. Sobre todo con Glass Candy. Apuesto a que son tus favoritos del sello…
Sí, sí, me encantan. Me encanta sobre todo la cantante, Ida No. Me flipa cómo únicamente con un arpeggiator, que yo también uso a menudo, un buen beat y una voz bonita como la suya se puede sonar tan rematadamente bien y decir tanto.
Ya que hablamos de sonido retro, me veo en la obligación de preguntarte qué opinión te merece ‘Random Access Memories‘ de Daft Punk, uno de los discos más polémicos del año y al que se acusa de saquear los sonidos electrónicos de los 80 y 70 sin aportar gran cosa. ¿Cuál es tu postura?
A mí me gusta, sí, quizá porque lo descubrí en un momento personal muy bonito, estando en Londres a finales del pasado verano, y lo escuché muchísimo entonces y me da muy buen rollo. Sí debo decir que hay algún tema que suena un poco a peli porno antigua, con ese punto hortera que decía, pero en general me encanta, sí.
Dentro del pop electrónico con un punto retro que se hace ahora, como el tuyo, podíamos decir que hay una vertiente más orientada a la pista de baile y otra más ambiental y evocadora. ¿Con cuál de esas dos líneas te gustaría más que se identificara a Brigitte Laverne?
Me gustaría que se identificara con lo más bailable, aunque eso no quita que tenga algunos temas más tranquilos e instrumentales un poco ambient. Yo quiero que la gente baile con mi música, que esté feliz, que esté bien. Y cuando no sean bailables, que les llegue, que les toque. No es fácil, pero yo al menos lo intento.
En tu Bandcamp etiquetas tu música como lo-fi. Ahora que te enfrentas a un estudio de grabación, con más y mejores medios técnicos, ¿hasta qué punto puede eso estar reñido con tu estilo? ¿Te has planteado que eso pueda borrar esa etiqueta de tus canciones?
Qué curioso que lo preguntes, porque justo hace un momento hablaba con Álex de eso. Le decía: «suena de puta madre, pero ¡no sé si quiero que suene tan de puta madre!». A mí me gustaría ser fiel a ese espíritu de mis grabaciones caseras. No es que quiera que tengan fallos ni desaprovechar la técnica, pero… Bueno, aún estamos grabando, eso lo tendré que discutir con Aaron en la fase de mezcla, metiendo reverb en la voz, que suene más sucio…
He leído que planeas sacar un EP en el futuro, ¿serán estas grabaciones las que estarán en él?
Sí, son estas canciones las que irán en el EP. Serán las tres canciones del Bandcamp, ‘Joy’, ‘Beto’ y ‘Phoebe’s Room’, y una más.
¿Y cuáles son tus planes a corto o medio plazo para Brigitte Laverne?
Lo primero, sacar el EP y después rodarlo todo lo que pueda, tocar. Lo que más me interesa ahora mismo es el directo, en el que estaremos Álex, al bajo, y yo, con voces y teclados. Y después, trataré de hacer un álbum. Los temas están compuestos, tengo las demos en Logic y las voy avanzando en cuanto tengo tiempo. Cuando estén acabados, los grabaré.
¿Hasta qué punto es importante para ti la imagen? Toda la estética de tu Bandcamp, las fotos, parecen muy pensados…
Sí, es importante para mí. Yo creo que es positivo cuidar ese aspecto, porque es un proyecto que creo que musicalmente es bastante singular, al menos en nuestro país, y que ayuda a dar una idea más completa. Y bueno, como chica, me gusta cuidar eso también… (risas)
De hecho, también quería preguntarte sobre el debate del sexismo en el pop, que está bastante de actualidad. ¿Alguna vez has percibido algún tipo de sexismo como músico, por parte de público, periodistas, promotores, otros músicos…?
Pues la verdad es que no, para nada. No sé si tendrá que ver que siempre me he rodeado de chicos, mis mejores amigos son chicos, tengo un hermano… Con otros musicos, técnicos, compañeros o periodistas, nunca he notado discriminación.
Antes mencionabas la singularidad de Brigitte Laverne en el panorama, supongo que porque el synth pop es un género tradicionalmente menos valorado por aquí que el rock de guitarras. ¿Crees que eso puede cambiar en el futuro?
Bueno, yo creo que ya lo ha hecho. No sé si mencionar otra vez el tema de la banda sonora de ‘Drive’, que siempre caigo en lo mismo, pero de verdad pienso que ha podido marcar un antes y un después en cuanto a aceptación por parte del público para la música de sintetizadores. Al menos yo lo percibo así, y pienso que eso ayudará a que surjan más grupos. Por ejemplo El Último Vecino, que sí, son más guitarreros, pero tienen ese punto en los teclados que me encanta.
No sé si llevas suficiente tiempo en esto para juzgarlo pero, aunque es evidente que todo está forzado por la mala situación del sector cultural, en mi opinión se percibe cierta falta de ambición y conformismo en las bandas nuevas del panorama underground. ¿Cómo lo percibes tú, con un proyecto como el tuyo que está emergiendo?
Coincido en que hay mucho conformismo, lo cual es muy malo. Escucho gente que se escuda en que hay demasiados grupos o que no tienen pasta, que es normal, pero pienso que en realidad se trata más bien de una cuestión de autoconfianza. Yo he tenido la suerte de tener quien me ha apoyado, ha creído en mi talento y me ha animado a tomarme en serio Brigitte Laverne y quizá falte ese empujón para no limitarte a grabar de cualquier forma y pagar por tocar, que es lo que está pasando. Desde luego, la situación acojona cuando te metes en esto, porque requiere muchas horas de trabajo y casi nadie puede vivir de ello.
Antes de hablar con Brigitte, tuvimos la ocasión de charlar con Aaron Bastinelli, el técnico y productor del estudio Rubber Tracks en Brooklyn que ha dirigido estas doce intensas jornadas de grabación en Barcelona. Bastinelli es un tipo joven pero con una experiencia de ocho años como ingeniero de sonido y productor, de los cuales ha pasado los últimos dos y medio en el proyecto Converse Rubber Tracks, grabando a grupos noveles sobre todo en Brooklyn, pero también en capitales como Amsterdam, Austin (en SXSW), Toronto, Montreal o México DF. Se muestra muy orgulloso de haber colaborado con tanta gente con talento, lo que -nos dice- lleva más tiempo y, sobre todo, trabajo del que podamos sospechar que llegue a un público amplio, especialmente en Brooklyn, donde la cantidad de artistas es brutal. Sobre su experiencia con las diez bandas españolas seleccionadas en esta ocasión, nos cuenta que ya tiene muy asimilado su trabajo y que, aunque tiene sus dificultades tratar con gente tan diferente entre sí estilísticamente, la experiencia ya le ayuda a entenderles como una «segunda naturaleza». Dice que, además del soporte técnico de grabación y mezcla de los temas, ofrece ciertos consejos de producción a las bandas menos experimentadas para orientarlas con trucos y consejos. Aunque no se moja sobre cuál ha sido su favorito estos días, reconoce haberse sorprendido con el gran nivel de los grupos, especialmente con su talento y las composiciones que llevaban al estudio, en ocasiones tanto que ha tenido que animarles a centrarse solo en dos o tres temas para poder obtener un producto mejor acabado. Ciertamente, resultó una experiencia más que interesante poder verle trabajar en la mesa de grabación, ofreciendo consejos y posibles alternativas a los músicos pero siempre respetando al máximo sus decisiones y tratando de entender sus intenciones.
Twin Shadow versiona ‘With or Without You’ de U2
Twin Shadow sigue imparable con su serie ‘UNDER THE CVRS’ en la que ha versionado un buen puñado de clásicos. Bruce Springsteen, Lou Reed, 10cc o Tori Amos ya han pasado por su filtro personal. Ahora se apodera de otro para darle completamente la vuelta. Se trata del ‘With Or Without You’ de U2, y a pesar de que la letra sigue ahí, y parte de la melodía, el giro es tan grande que en algunas partes es casi imposible reconocer el original.
Javiera Mena estrena ‘Espada’
Hace muy poco que hablábamos de lo nuevo de Javiera Mena, previsto para el próximo año. Desde hoy ya podemos escuchar el primer avance de ese inminente nuevo trabajo, aún sin título, de la chilena. ‘Espada’ es el nombre de la canción que ha producido el habitual Cristian Hayne, ha mezclado Javier Garza (Jennifer López) y masterizado Tom Coyne (Britney Spears, Icona Pop). Contará con un videoclip que se rueda actualmente en Barcelona, bajo la dirección de Luis Cerveró, conocido sobre todo por sus trabajos en la productora Canada.
Vetusta Morla dan los detalles de ‘Los ríos de Alice’
Antes de publicar su próximo disco ‘La deriva‘ en 2014, Vetusta Morla se han aliado con el estudio de videojuegos Delirium Studios para coproducir ‘Los Ríos de Alice’, una aventura gráfica para smartphones y tablets basada en las letras y la música del propio grupo, que ha compuesto su banda sonora.
Según la nota de prensa, los catorce cortes que forman ‘Los Ríos de Alice’ «mezclan las canciones que el grupo ha creado para la ocasión con los ambientes y pasajes musicales que adornan el universo en el que Alice, su protagonista, se adentra cada vez que se queda dormida. Un universo plagado de referencias y guiños a la discografía del grupo y que ha sido grabado y producido por ellos mismos con la colaboración de Barrunto Bellota Band. Una vez más, Manuel Colmenero se ha encargado de las mezclas y masterización en los estudios Sonobox de Madrid. El disco comienza con ‘Los Ríos de Alice’, la nana que dio origen al videojuego y que formaba parte del proyecto benéfico Super Nanas, y culmina, a modo de recompensa para aquellos que llegan al final de la aventura gráfica, con ‘Los Buenos’, una de las canciones más aclamadas de la banda y que hasta ahora no se había editado. Entre medias hay canciones y pasajes sonoros que están a caballo entre lo acústico y lo instrumental, con voces susurradas o cantando en un “idioma de los sueños” inventado por el grupo. En total son catorce composiciones con las que sumergirse en el viaje de Alice a través de sus sueños».
El disco sale el 3 de diciembre en CD y digital.
Tracklist:
1_Los Ríos de Alice
2_Juego de espejos
3_Nichos de luciérnagas
4_Marea baja
5_A lomos de un volcán
6_La atalaya de los buitres
7_Sala de máquinas
8_Un lazo en el ventilador
9_Trastos viejos
10_Reflejos
11_Viene hacia aquí
12_Alice y el gigante
13_Nana insomne
14_Los buenos
«Ningún grupo está nunca contento»
El capítulo 7 de ‘El Reality’ del Primavera Sound Touring Party se desarrolla en Reino Unido, no sin antes sortear los problemas de Ricky Lavado de Standstill para volar con un DNI defectuoso. Ya en el espectacular Camber Sands asistimos a las dificultades para encontrar comida vegetariana en un McDonald’s, comprobamos cómo se pueden improvisar conciertos en las habitaciones o presenciamos fragmentos de los shows de Har Mar Superstar y Godspeed You! Black Emperor.
De manera destacada, aparentemente Scout Niblett le echa un ojo a Ricky Lavado y Los Planetas protagonizan un primer cameo, aunque lo mejor viene cuando se discuten sus peticiones extramusicales de camerino. Abel de Primavera Sound le dice a Barry Hogan de ATP que «cree que Los Planetas van a pedir algo», porque son «unos pesados» («un grano en el culo», en el original). Se baraja una botella de Jameson y otra de vodka, aunque a Abel le da apuro pedirlas. La respuesta de Barry es lo mejor del episodio: «Ningún grupo está nunca contento. Tú estabas en un grupo y no estabas contento. Ahora sí, porque eres promotor».
Destroyer / Five Spanish Songs
Destroyer versionando a Sr Chinarro: morbo puro. La velocidad a la que hoy en día se suceden las noticias musicales de un mundo loco en el que Solange versiona a Dirty Projectors, Sondre Lerche a Animal Collective, Haim a Miley Cyrus, Arctic Monkeys a Drake o The Vaccines a Katy Perry puede que nos impida reflexionar sobre cuán rara es esta idea. Todo parece versionable, da igual que el artista referenciado esté bien o mal visto, los prejuicios ya son cosa de sólo unos pocos amargados y nadie se caería de la silla si en el futuro viéramos a Joanna Newsom montando un grupo con Miley Cyrus y su gatito y Panda Bear.
Pero la idea de Destroyer es extraña de cojones, para bien y para mal. Para mal, porque no es lo que sus seguidores esperábamos ya dos años y medio después del sobresaliente ‘Kaputt‘, haciendo pensar que quizá tarde en encontrar el modo adecuado de dar continuidad a tamaña obra. Él mismo dice que ahora mismo se siente más cómodo cantando en un idioma que no sea el inglés: mala señal. También para mal porque el catálogo y la trayectoria de Sr Chinarro no tienen absolutamente nada que envidiar a los de Dan Bejar. ¿Qué posibilidades había de que sus versiones mejoraran en algo los temas originales? Por otro lado, para bien, su decisión supone una mayor proyección para el proyecto sevillano de Antonio Luque. Y no, los americanos no van a lanzarse a las tiendas (digitales) este Black Friday para hacerse con todos los discos de Chinarro, pero es una alegría ver estas excelentes composiciones reseñadas en el New York Times, y muy divertido leer cosas como que para los españoles este proyecto tiene que ser un cumplido porque el diario El País puso muy bien ‘Kaputt’. E hilarante ver cómo Pitchfork ha transcrito «la festiva terminó» en lugar de «la fiesta terminó» -con tilde, eso sí- a pesar de la excelente dicción de Bejar, que además pronuncia mejor que Luque «Franz Kafka».
‘Five Spanish Songs’ parte de un título cobarde -esto no es exactamente un disco de canciones en español, sino un disco de versiones de un autor concreto- y empieza mal: ‘María de las Nieves’ parece en boca de Bejar un número folkie cualquiera que podía haber sido de Chinarro o de Tracy Chapman, en el que se han perdido matices como las cuerdas y en el que sólo las guitarras eléctricas lo libran de parecer una improvisada versión de American Idol. En la misma línea está ‘Del montón’, en la que todo el gracejo flamenco del original ha desaparecido en favor de un ritmo jazzie, tan entretenido como también muy sobado en los programas de imitaciones.
Pero la cosa mejora con ‘El rito’. Aunque nunca lo hubiéramos esperado, Bejar retrocede a sus tiempos más David Bowie con unas guitarras bastante ‘Jean Genie’, que además se encuentran con poderosas palmas, una línea de bajo casi electro y unos coros que, así, en castellano, nos remiten hasta a Los Brincos. El tratamiento dado a ‘Babieca’ también es de considerable mimo, llevando su desarrollo a donde Chinarro quizá no se habría atrevido con ritmos tropicales acompañando a los diferentes punteos de guitarra e intensas cuerdas. Sus casi seis minutos pasan en un abrir y cerrar de ojos y en estos momentos ya es claro: aunque este disco no sea perfecto es lo suficientemente curioso como para ser imprescindible en toda discografía.
Para terminar, una correcta intimista versión de ‘Bye, Bye’, que además evidencia que Destroyer, al recuperar esta canción de hace 20 años, se ha sumergido en toda la discografía de Chinarro, no sólo se ha interesado por sus últimos discos. De hecho, si este EP sirviera para que alguien se diera cuenta de que los últimos lanzamientos de Antonio Luque no están tan mal como a veces se les pinta (dos temas son de ‘Presidente‘), que están lo suficientemente bien como para que alguien desde fuera les eche un ojo, habría merecido la pena.
Calificación: 7,1/10
Lo mejor: ‘El rito’, ‘Babieca’
Te gustará si te gusta: sobre todo Destroyer
Escúchalo:
A la venta las entradas para el segundo «Calderón» de One Direction
One Direction han confirmado su segunda fecha dentro de su gira ‘Where We Are Tour 2014’ en Madrid, tras haber anunciado que estarían tanto en esta ciudad como en Barcelona el próximo mes de julio. El segundo concierto de Madrid será también en el Estadio Vicente Calderón el Viernes 11 de julio de 2014 y las entradas ya están a la venta.
08 de julio de 2014 – Estadio Olímpico Lluis Companys de Barcelona
10 de julio de 2014 – Estadio Vicente Calderón de Madrid
11 de julio de 2014 – Estadio Vicente Calderón de Madrid
The Stranglers y Elle Belga, en Gijón Sound Festival
The Stranglers, Elle Belga, Lucas 15, Pingüino, Kaplan y Los Hermanos Cubero son los primeros artistas confirmados para la segunda edición del Gijón Sound Festival. En realidad, serán de más de veinte los grupos que actúen en Gijón tanto internacionales y nacionales como regionales. Este año, el festival urbano se presenta con novedades con respecto a su edición de presentación. En primer lugar, pasará a celebrarse los días 4 y 5 de abril de 2014. Además, se desarrollará en distintos puntos de la ciudad. Aunque aún falta por definir algunos más, los espacios que acogerán los conciertos serán el Teatro Jovellanos, la Sala Acapulco, la Sala Albéniz, la Colegiata de Revillagigedo o el centro de Cultura Antiguo Instituto. Además, se organizarán fiestas paralelas. Se pretende «generar un mapa sonoro de la ciudad poniendo en valor los lugares donde se puede escuchar música en directo», según la nota de prensa.
En diciembre se pondrán a la venta los abonos para el festival. Esta es la web oficial.
Morrissey critica a Obama por Acción de Gracias y da detalles de ‘Satellite of Love’
Morrissey aprovecha la llegada del día de Acción de Gracias para criticar en su web oficial a Obama por apoyar el día de Acción de Gracias, ya que en estas fechas se sacrifica según su texto a millones de aves. «45 millones de pavos son horriblemente maltratados; arrastrados a través de baños electrificados, y luego son degollados. Y el presidente Obama se ríe. Jajaja, ¡muy gracioso! Como Ingrid Newkirk de PETA señala, la carne de pavo es una de las principales causas de muerte de nuestra nación, provocando ataques de corazón y derrames cerebrales en los seres humanos debido a las grasas saturadas y el colesterol. Y el presidente Obama se ríe. Además, la industria de la carne es responsable del 51% de las emisiones de gases de efecto invernadero causado por el hombre».
Por otro lado, aunque seguimos sin noticias del próximo disco de Morrissey a pesar de que tiene material suficiente como para editar dos álbumes (continúa sin discográfica), sí conocemos los detalles de su próximo lanzamiento, la versión de ‘Satellite of Love’ de Lou Reed, grabada en directo en Las Vegas en 2011. Habrá picture disc de 7 pulgadas y también 12 pulgadas con temas extra. La edición digital será el 3 de diciembre, pero la física no llegará hasta el 28 de enero.
Como curiosidad, el tema incluido ‘You’re Gonna Need Someone On Your Side’ fue producido en 1992 por Mick Ronson, un guitarrista de Bowie que también co-produjo ‘Transformer’, donde aparecía ‘Satellite of Love’. Se cierra el círculo.
12″:
A
«Satellite of Love (Live)»
«You’re Gonna Need Someone on Your Side»
B
«Vicar in a Tutu (Live)»
«All You Need Is Me (Live)»
7″:
A
«Satellite of Love (Live)»
B
«You’re Gonna Need Someone on Your Side»
«You Say You Don’t Love Me (Live)»
Digital
1. «Satellite of Love (Live)»
2. «You’re Gonna Need Someone on Your Side»
3. «Mama Lay Softly on the Riverbed (Live)»
Peter Hook interpreta ahora ‘Low-Life’ y ‘Brotherhood’
Hemos visto al bajista Peter Hook interpretando en vivo el catálogo de Joy Division, después supimos que atacaría en concreto dos discos de otra de sus bandas, New Order, ‘Movement’ y ‘Power, Corruption & Lies’. Y ahora continuará en orden cronológico tocando otro par de álbumes de New Order, ‘Low-Life’ de 1985 y ‘Brotherhood’ de 1986. Aún queda para que se celebren los conciertos pero ya han sido anunciados: será el 25 de septiembre en Mánchester y el 27 de septiembre en el mítico Shepherds Bush Empire de London.