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Mitch publica ‘Amy, My Daughter’

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El padre de Amy Winehouse y también músico, Mitch Winehouse, publicará este mes un libro llamado ‘Amy, My Daughter’. El libro, planteado como una autobiografía, incluirá algunas notas personales escritas por Amy, así como cartas escritas para su padre, mientras estaba de gira, o desde que tenía 12 años.

Según el New York Post, una de ellas, que data de la grabación de ‘Frank’, dice: «Querido papá, te quiero mucho y no puedo esperar para verte dentro de unas semanas. Estoy trabajando y no he gastado ni un penique. Me he gastado miles de dólares, pero ningún penique en sí. Estoy de broma». De momento se desconoce si este libro se publicará en castellano. Su fecha de publicación internacional es el 26 de junio.

La riot-grrrl Kate Nash

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Kate Nash triunfó con un primer disco muy irregular allá por 2007 y después no triunfó tanto con un notable segundo álbum allá por 2010. Ahora prepara el tercero, pero entre grabación y grabación ha presentado un tema algo radical llamado ‘Under-Estimate The Girl’ que nos recuerda de dónde vino la idea de su tema ‘Kiss That Grrrl’.

Lo explica en su página web así: «La otra noche me estaba volviendo loca del estrés. Estábamos terminando de ensayar y pensé: «ARGHGHHGHGH, necesito escribir una canción y sacar algo y hacer algo creativo en lugar de romper todo lo que tengo»». La canción se preparó en 24 horas y se regala por tiempo limitado a través del enlazado site.

Everything But The Girl reeditan sus primeros discos

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Everything But The Girl reeditan en una edición de lujo sus cuatro primeros álbumes, ‘Eden’, ‘Love Not Money’, ‘Baby, The Stars Shine Bright’ e ‘Idlewild’. Todos ellos vienen con un CD extra con rarezas, descartes, etcétera. The Guardian ha publicado una interesante entrevista con ambos en la que hablan de lo poco que recuerdan de aquellos inicios, las canciones con las que se han encontrado que no les gustan (‘Sean’) o las que sí (‘Eden’, en general).

El dúo dice que se niega por completo a volver a tocar estos discos y parece firme en su decisión de seguir su carrera al margen de Everything But The Girl, a pesar de haberse casado en 2009. «Una de las cosas que contribuyeron al final de Everything But The Girl fue la presión de ser pareja y una banda a la vez. Hemos estado juntos durante mucho tiempo y no necesitas incrementar las cosas que hacen tu vida más estresante». Tracey Thorn, por su parte, anuncia un álbum para Navidad.

Luz Casal y Bajui, primer caso de la Comisión Sinde

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La justicia ya tiene entre manos el primer caso de la Ley Sinde-Wert, iniciada por una y terminada por el otro. Según El País, se trata de un recopilatorio de Luz Casal de 15 canciones con tres temas inéditos, que se publicó hace meses, de cara a las Navidades pasadas. La página web uploaded.to ofrece la posibilidad de descargar el disco ‘Un ramo de rosas’. Por tanto, la asociación AGEDI, que reúne a varias compañías discográficas, ha denunciado a la página suiza que aloja el contenido y al site español Bajui.com, que enlaza a ello.

El País habla con David Bravo, abogado de Juan José Coronel, administrador de Bajui.com. Como todos sabemos, la Comisión creada por Sinde dice que la página suiza tiene 2 días para retirar el contenido, pero según Bravo es probable que ni se enteren de lo que han recibido. Después, desde Bajui esperan el aviso de la Comisión para que el contenido sea también retirado de su site. En caso de que no lo hagan en 72 horas, pueden ser sancionados con una multa entre 150.000 y 600.000 euros, según sus propias previsiones.

Placebo, también en Madrid

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Además de actuar en el Low Cost como cabeza de cartel y en Barcelona el 29 de julio ofreciendo un concierto normal, Placebo estarán también en Madrid el 5 de julio, en concreto en la Sala Joy Eslava a partir de las 19.30. Para este show no se venden las entradas, sino que forma parte de una gira europea organizada por Mercedes-Benz, que les lleva por París, Roma, Zurich, Hamburgo y Madrid. El concierto será gratuito y para participar y conseguir una entrada hay que acudir a la web de Mercedes y contestar una serie de preguntas.

Comunicado de Radiohead sobre la muerte de uno de sus técnicos

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Philip Selway, batería de Radiohead y conocido también por su carrera en solitario, ha enviado un comunicado sobre Scott Johnson, su técnico de batería, que ha muerto al derribarse el escenario sobre el que tenía que actuar la banda en Toronto. «Estamos todos destrozados por la pérdida de Scott Johnson, nuestro amigo y compañero. Era un hombre encantador, siempre positivo y divertido, que nos ha apoyado mucho. Un miembro muy valioso y habilidoso de nuestro equipo. Le echaremos de menos muchísimo. Nuestros pensamientos están con su familia y con todos los que le fueron cercanos».

Fiona Apple / The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do

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A Fiona Apple siempre le ha rodeado una nube de desastres, grandes y pequeños. A su apariencia vulnerable, a sus canciones siempre llenas de una honestidad casi preocupante, se han ido sumando caóticos discursos de agradecimiento en los premios MTV, versiones filtradas de discos enteros compitiendo en calidad con su versión definitiva o alguno de los derrumbamientos más famosos de la historia sobre un escenario.

Sin embargo, Fiona Apple no sólo es una superviviente, sino una ganadora, pues sabe hacer de sus miedos y paranoias pequeñas obras de arte. Su cuarto álbum, que ha titulado para sorpresa de nadie ‘The Idler Wheel Is Wiser Than the Driver of the Screw and Whipping Cords Will Serve You More Than Ropes Will Ever Do’, es una nueva colección de sensibilidades y debilidades, casi tan excesiva como exhibicionista, pero contenida en unas canciones difíciles y sutiles, con un aparente punto de improvisación muy fresco, e interesante si recordamos que su anterior álbum data de 2005.

Dice la artista que el título del disco hace referencia a los dos lugares de su vida en los que se encuentra, y en su deseo de convertirse en una persona «más segura de sí misma y sabia». «Idler Wheel» es una parte de un motor que está conectada a todas las demás partes, pero que no impulsa nada en particular. Y esta metáfora sirve para representar mil y una vertientes de la grabación de este disco, desde esas composiciones en las que parecen pasar pocas cosas en la primera escucha (cuando pasan muchas); hasta esos siete años en los que la gente creerá que Apple no ha hecho nada (cuando ha hecho muchas y muy grandes); pasando por todas las interpretaciones que sus seguidores quieran dar.

Hay muchos aciertos en ‘The Idler Wheel…’, pero si tuviera que quedarme con uno, ese sería la elección del multiinstrumentista, pero sobre todo percusionista, Charlie Drayton como productor del disco. Dejados atrás los tiempos de Jon Brion, había mucha curiosidad por saber cómo Fiona afrontaría la sucesión del despropósito productivo de ‘Extraordinary Machine’ y no podría haber tomado mejor decisión. Estas diez nuevas canciones se componen casi en exclusiva de los afilados y tremebundos pianos de Fiona (que no serán imitados en tienda como los de Adele) acompañados de baterías que van desde un exquisito segundo plano (‘Daredevil’) a lo salvaje (‘Left Alone’) pasando por el lo-fi casero juguetón (‘Anything We Want’). En pocos instantes del disco destaca algún elemento ajeno, aunque cuando esto se produce, sirve para sorprender y elevar el contenido emocional de la canción, como sucede en esa ‘Valentine’ de cuerdas a la deriva, o en ‘Regret’, donde encontramos a la Fiona más desgañitada tomando todo el protagonismo.

En medio de todo el minimalismo, es imposible no prestar atención a unas letras completamente desgarradas. ‘Jonathan’, dedicada a su ex novio el escritor Jonathan Ames, ni siquiera es la que más pupa hace. ‘Valentine’ («You didn’t see my valentine / I sent it via pantomime», «I’m a tulip in a cup / I stand no chance of growing up») es una de las más deliciosas en su muestra de la inmadurez para las relaciones sociales, una línea que también sigue ‘Left Alone’, sobre la soledad. ‘Werewolf’ habla de una infelicidad parecida con alguna bonita metáfora («The lava of a volcano / Shot up hot from under the sea / One thing leads to another / And you made an island of me»); el single ‘Every Single Night’ plantea la lucha con uno mismo con cierto conformismo, mientras ‘Regret’ se anuncia tortuosa desde la primera línea («Remember when we argued on the concept of regret? / You were an expert even then but not me, not yet»).

En todo este torrente emocional, Fiona no deja de lado su sentido del humor. Ese «Just tolerate my little fist / Tugging on your forest chest» de ‘Jonathan’ tiene su punto dramático, pero también cómico, y esa descripción de ‘Periphery’, «el lado tonto» de la ciudad, que se convierte en otra canción sobre celos, hace reír más que otra cosa. El álbum se cierra sin referencias lloricas con la sexual ‘Hot Knife’, cerca del tribalismo de tUnE-yArDs. Además, el tipo de corte final que te hace desear volver darle a «play».

Cuesta creer que Fiona Apple pudiera haber hecho un disco más crudo, emocionante y mejor, acorde con su carrera pero diferente, como sólo PJ Harvey en los últimos tiempos ha podido conseguir. Ahora que hay una ola de pop femenino arrasando como a mediados de los 90, nada mejor que su regreso para recordarnos quién manda.

Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘Hot Knife’, ‘Every Single Night’, ‘Regret’, ‘Anything We Want’
Te gustará si te gusta: Florence, Feist, St Vincent y ella, que llegó antes
Escúchalo: Deezer
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Sónar 2012: viernes

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En la segunda jornada de Sónar se confirmaba la solidez de una programación en la que la experimentación y la curiosidad que suscitan las propuestas más desconocidas no iban reñidas con una asistencia masiva de público, tanto para Sónar Día como para Sónar Noche.

No fue fácil abrirse camino para llegar a las primeras filas de la actuación de Austra en el SonarVillage. Había mucho interés por escuchar la voz de su cantante Katie Stelmanis, que no tuvo demasiada suerte con el sonido. Los canadienses tuvieron dificultades que no se resolvieron a medida que avanzaba su set, principalmente sonidos graves extremos que disiparon los matices vocales que los distinguen. La nota de color a estos problemas la pusieron unas coristas-bailarinas que nada tienen que ver con el concepto operístico de las canciones.

Acto seguido vendría una sesión de uno de los capos fundadores del sello Mute Records, Daniel Miller, por el que han desfilado Nick Cave, Depeche Mode, Apparat, Goldfrapp o Moby. Al menos consiguió momentos de buen ritmo de techno crudo plagado de subidas y bajadas, donde el hilo conductor era el minimalismo electrónico.

Sorprendente fue Mouse on Mars en el SonarHall, respaldados por una extensa discografía. El batería llevó la voz cantante de una actuación que no bajó el listón con aires de experimento casi post-rock, donde los visuales no eran necesarios para desarrollar una psicodelia ruidista. Fueron sin duda responsables de uno de los conciertos de la jornada. A continuación y en el mismo escenario cubierto y que alberga la mejor calidad de sonido del festival, el barcelonés John Talabot ofreció uno de los conciertos más importantes de su carrera, pues se sabía que su actuación era determinante para valorar si el impresionante año que lleva cosechado su gran trabajo ‘Fin’ mantenía el tipo ante el público -precisamente- del Sónar, el festival que le ha visto crecer y que ha terminado por coronarlo como el amo de la electrónica en nuestro país. En la tarea le acompañó Pional, y junto a él ofreció su mejor muestra de un house oscuro, casi tenebroso, pero con una melodía a la vez pop y deslumbrante. Talabot pertenece a una generación privilegiada: la de unos artistas que han crecido con un lenguaje ya elaborado, sin complejos y sin sentirse moralmente obligados a elaborar un discurso que justifique su música. La electrónica tiene hoy una presencia indiscutible en la música popular y no está necesariamente ligada con el rupturismo. Habrá que estar muy pendientes de los siguientes pasos de su carrera, pero todo parece indicar que no es fruto de casualidades ni golpes de suerte: es un compositor exquisito en el estudio, pero también capaz de impresionar a los asistentes con una técnica sobresaliente en sus directos.

Llegaba el momento de abandonar Sónar Día para pasar a la Fira de L’Hospitalet. Comenzamos con un espectáculo audiovisual de ésos que solo se pueden ver en el Sónar, al menos en un formato tan multitudinario. Se trataba de Amon Tobin y su ‘ISAM Live’, un impactante espectáculo audiovisual basado en proyecciones sobre una superficie con diferentes volúmenes, lo cual daba una extraordinaria impresión total de 3D. Un show a medio camino entre la instalación y la performance que hacía del descenso a ciertos infiernos del Sónar Noche una actividad más complaciente. A continuación, Nicolas Jaar, otro de los artistas que hacían doblete en esta edición y, lo que es más difícil, triunfando allá por donde va. Para este momento, el joven Jaar preparó un directo contundente e hipnótico. Una música llena de matices profundos, influencias que van desde el house orgánico al dubstep, en un estilo singular que él mismo trata de definir como «blue wave»: un downtempo misteriosamente bailable, arrollador, y con el paso seguro que aporta el haber firmado ‘Space Is Only Noise’, una de las últimas joyas de la música contemporánea. Y lo que le queda.

Mientras tanto, en el escenario SonarPub, tenía lugar la controvertida actuación de Lana del Rey, de tan solo 40 minutos de duración. Mito venerado por algunos, bluff para otros, la norteamericana ha sido protagonista de uno de los lanzamientos más instantáneos de los últimos años, hasta formar parte, quién lo iba a decir, del festival Sónar como cabeza de cartel. Lana, próxima y comunicativa, apareció con ganas de conquistar no solo a las primeras filas. El cuarteto de cuerda que la acompañaba mostró el aire dramático y casi al desnudo de un repertorio melancólico, lento, que subrayaba la belleza de sus composiciones. En algunos momentos, Lana parecía algo más contenida, y otras veces daba rienda suelta a su actitud de agradecimiento con algo de factor cursi. Una tensión que sirvió como hilo conductor de este concierto, dejando un buen recuerdo con canciones como ‘Born to Die’ o ‘Blue Jeans’.

En el mismo escenario cogía el relevo el británico James Blake, en su faceta de dj, en la que también se muestra como pez en el agua, bien planteada y excelentemente ejecutada. Acompañó la maquinaria dupstep que domina con astucia con hip-hop y R&B y gran gusto por el ritmo (fue muy celebrado el momento Destiny´s Child). Pasamos por alto una constante en músicos que hacen de dj’s: pinchar sus propias canciones en ciertos ambientes provoca rechazo y parece forzado, porque es lo que se espera de ellos.

Poco después, en el enorme escenario de SonarClub, Richie Hawtin cumplió con su particular peregrinaje habitual, año tras año. No fue novedoso su modus operandi, tampoco era necesario en un set apabullante en lo sonoro y en lo visual, siempre predominando el techno minimalista e instrumental y acompañando al canadiense en todo momento y con un apoteósico final de confeti. Una argucia que te deja inmerso en el placer más absoluto como guinda del set de uno de los mejores dj’s del mundo. Venía además a presentar en SonarPro una herramienta lanzada por su sello Mnus: Twitter dj, una aplicación algo simplona basada en publicar por esta red de microblogging los temas que forman parte del repertorio de su sesión.

La actuación de Squarepusher fue sin duda uno de los momentos para recordar de la presente edición. Los breakbeats que el británico lanzó indiscriminadamente llegaban de forma sólida y con una contundencia durísima. Bajo una careta luminosa y apoyado en una tremenda pantalla de Leds, mantuvo la tensión cargado de sonidos complejos, sustentados en el bajo y con influencias de techno, jungle y acid house. Los graves eran tan extremos que te ponían literalmente los pelos de punta, dando la impresión de que se pudieran tocar. Un repertorio muy denso pero que supo a poco. Simultáneamente, el espectáculo más machacón de esta edición corrió a cargo de Fatboy Slim. Su actuación dejó pequeño el SonarPub, totalmente abarrotado por un público mayoritariamente joven y entregado a la causa. Su electrónica trompetera y gamberra («put you hands up in the air» repetido ad nauseam) estaba jaleada por los gestos y aspavientos de su excesivo responsable, que animaba al público a dar palmas, gritos y saltos, convirtiendo el SonarPub en una fiesta algo verbenera y más salvaje, entorpecida por problemas de sonido que hicieron que su sesión se quedara en un silencio de varios minutos. Algo que en ese escenario se repitió en más de una ocasión a lo largo de la noche.

Los últimos momentos de la jornada los vivimos buscando una solución algo más armónica. El poderoso productor Jacques Lu Cont (aka Stuart Price) estaba a los platos en una sesión más intensa de lo esperado pero que dejó momentos muy bailables. Esa densidad, en algunos momentos, como ese mix cañero de Fever Ray, nos sirvió, precisamente, para esquivar los rayos del amanecer y refugiarnos en la oscura sesión de dancefloor de la dj rusa Nina Kraviz, que puso el broche final a una jornada que estuvo marcada por la pluralidad de su contenido. Txema, Sr. John.

Fotos: Prensa Sónar.

Un muerto tras derrumbarse el escenario de Radiohead

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Una persona ha muerto y otra ha sido herida de gravedad tras derrumbarse parte del escenario en el que anoche el grupo Radiohead iba a tocar en Toronto. El concierto, que era el último de su gira americana antes de proseguir por Europa, se suspendió.

La banda pidió a sus fans a través de twitter que no fuesen al lugar del accidente. Algunos testigos han subido a internet fotos de cómo quedó el escenario tras el suceso.

Justin Bieber / Believe

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Cuando se publicó el primer avance del último disco de Justin Bieber, comenzaron a saltar las alarmas de sus detractores. ‘Boyfriend’ no era la bomba, pero su producción urban y su melodía, hacían de él un «guilty pleasure» irresistible. Entonces empezaron las comparaciones. Con Justin Timberlake retirado de la actividad musical desde hace unos años, va siendo hora de buscarle un sustituto. Y para el propio Bieber es una buena referencia, un buen modo de alejarse de su imagen de chiquillo que canta, producto fabricado para humedecer a una serie de adolescentes desquiciadas. Timberlake representa esa línea entre lo comercial y la música de calidad, el ídolo adolescente que crece y se gana el respeto a través de su música. Y precisamente de eso va ‘Believe’, de hacernos “creer” que el muchacho se esfuerza por que lo tomemos en serio.

Lo de Timberlake es la opción más fácil, pero hay aspiraciones más altas. La utilización de un sample del tema de 1972 ‘We’ve Got A Good Thing Going’ de Michael Jackson en ‘Die In Your Arms’, no es gratuita. La producción de Rodney Jerkins, al estilo de la Motown, es excelente, y el tema resultante es de lo mejor del disco, pero le queda mucho camino a Bieber para autoproclamarse Rey del Pop.

Como es obvio, aparte de Rodney ‘Darkchild’ Jerkins, al chaval le han rodeado de la flor y nata de la producción actual. Aunque en este caso con resultados desiguales. Diplo co-produce ‘Thought Of You’, el que es, a fecha de hoy, posiblemente su trabajo como productor menos interesante y con menos personalidad. Kanye West no aparece por ningún lado, como nos prometieron, pero sí le presta a Hit-Boy, productor de confianza de la casa, responsable de ‘Niggas In Paris’, por ejemplo. El tema que resulta, ‘Right Here’, cuenta con la pequeña aportación de Drake y podría pasar por un tema R&B del propio rapero. Incluso se recupera a Babyface, que compone y produce ‘Catching Feelings’ después de haber hecho lo propio con ‘Best Thing I Never Had’ en el último de Beyoncé. Un poco de R&B meloso con olor a los noventa, al que se une también una pequeña concesión a una especie de dubstep -porque está de moda-, en ‘As Long As You Love Me’.

El resto incluye ‘All Around The World’, ‘Take You’ y ‘Beauty And A Beat’, esta última responsabilidad de Max Martin y con la colaboración de Nicki Minaj. Canciones de corte abiertamente dance, bastante innecesarias para un artista que consigue colocar cualquier cosa en los puestos más altos de las listas de medio mundo, y que lo emparejan con quien definitivamente Bieber tiene más puntos en común: su mentor, Usher, además productor ejecutivo del disco.

Para cerrar se reserva un trío de temas bastante insustanciales, incluyendo el corte titular, mucho más cercanos al sonido de su primer disco que al artista adulto que nos han querido vender. Más interesantes son los temas extras de la edición deluxe. Entre ellos, hay que prestar especial atención a ‘Maria’, la canción dedicada a la fan que le acusó de ser el padre de su hijo: como si Timberlake se hiciese un ‘Billie Jean’.

Entre aciertos y desaciertos, lo que tendría que ser un relevo de Justin a Justin, de Timberlake a Bieber, se queda en un paso más en la carrera del adolescente. Aún le queda mucho para llegar a la altura del autor de ‘FutureSex/LoveSounds’, aunque por momentos no vaya tan desencaminado. Es posible que en algunos años estemos hablando de la ahora estrella infantil en otros términos…

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘Boyfriend’, ‘Die In Your Arms’, ‘Right Here’
Te gustará si te gusta: Justin Bieber, Usher y el r&b de los 90
Escúchalo: Previews de minuto y medio en el iTunes alemán

Sónar 2012: jueves

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El Sónar de Barcelona cumple 19 años ofreciendo una fórmula centrada en la multiplicidad de propuestas artísticas relacionadas con la música electrónica y las nuevas tendencias. Su capacidad de internacionalización es sorprendente; si bien Sónar Galicia no tuvo el éxito esperado, lo cierto es que el festival ha esquivado la crisis exportando su modelo más allá de nuestras fronteras, como lleva años haciendo, con ediciones en Sao Paulo, Tokio y hasta en Sudáfrica, manteniendo una línea de programación inconfundible y una afluencia de público sobresaliente, que además se va renovando cada año. Pocos festivales se pueden permitir semejante mezcla generacional. Ahí está además SonarKids, que refleja la realidad del público maduro que les acompaña desde las primeras ediciones.

La verdadera esencia del festival se concentra en Sónar Día, que se celebra en las dependencias del MACBA y el CCCB, un entorno urbano y emblemático; quizá el lugar más apropiado para analizar la cultura electrónica. Y es también una pasarela de modernos donde parece que todo vale. El espacio además permite todas las posibilidades de infraestructuras que este evento tan especial exige. Sin embargo, este año se ha sacrificado SónarMática, la tradicional exposición de New Media Art, que aportaba una dosis de reflexión trascendental a tanto bailoteo. Este año se han limitado a recomendar exposiciones que cuentan con su visto bueno, como la de Francisco López en la Fundación Mies van der Rohe, situada exactamente donde Cristo pegó las tres voces.

Los conciertos más interesantes de la primera jornada comenzaron con el paso seguro de haber agotado todas las entradas individuales de día y los abonos de tres días. Un lleno absoluto que se traduce en 80.000 asistencias, según los cálculos de la organización. Este factor confirma la continuidad de uno de los festivales más veteranos de la escena nacional y con mayor reconocimiento fuera de nuestras fronteras. Entre tantos números, es lógico que los grupos y dj’s más consagrados hayan acudido más de una vez a presentar sus proyectos. La pasada actuación de hace un par de años de Flying Lotus fue nocturna y en una atmósfera más apropiada para su particular visión de la electrónica de cortar y mezclar. A pesar de llevar el mismo tiempo sin publicar ningún trabajo, los loops aportados en directo no sonaron especialmente novedosos y despertaron pocos momentos de exaltación. La técnica sigue siendo la misma: condensación de ritmos infecciosos para un público que abarrotaba el SonarVillage, recurriendo una vez más al bagaje que le supuso la colaboración con Thom Yorke o a los Jackson 5 para cerrar, con la novedad de acompañarse al final de Thundercat disfrazado de guerrero del espacio, dejando al californiano en una posición que no cumplió del todo con lo que se esperaba de él.

Poco después, se subió a este mítico escenario el músico británico Totally Enormous Extinct Dinosaurs, vestido con plumas a lo Patrick Wolf y desgranando su disco de debut, ‘Trouble’, interpretado haciendo más concesiones al baile y acompañado en su actuación por dos gogós con coreografías bastante al límite de lo humano y con unos modelos que quitaban el hipo. Era de agradecer esta nota de color que coronó uno de los mejores conciertos de la jornada. Al menos de los que vimos, porque el lleno absoluto del reducido espacio SonarComplex (una capilla anexa) nos impidió asistir al esperado show de los canadienses Trust.

El SonarHall se ha convertido en un espacio idílico año tras año. Es la sala con mejor acústica de la versión diurna y donde siempre se programan los directos más atractivos. No es fácil olvidar los shows de otros años de Broadcast, Jon Hopkins, Aufgang, Nicolas Jaar o Micachu and the Shapes. Estas expectativas del espacio se añaden a las que despiertan los propios grupos. Por ejemplo, la actuación de When Saints Go Machine. El folk electrónico contundente que estos cuatro jóvenes daneses supieron ejecutar desde el principio, gracias sobre todo a su enérgica batería y al contraste con la voz afectada de su cantante, que a veces recuerda a Karin Dreijer Andersson (The Knife, Fever Ray), daba forma a un repertorio discreto pero en el que brillaban hits como ‘Kelly’.

Mostly Robot, por su parte, fueron artífices de una electrónica algo más saturada y voluntariamente sucia. La banda, formada por cinco artistas de diferente naturaleza unidos por la tecnología de Native Instruments y acompañada por Pfadfinderei (colectivo berlinés, responsable de los visuales de otros proyectos como Moderat o Modeselektor), sobresalió gracias a la voz del portentoso Jamie Lidell, que parece últimamente interesado en tendencias más experimentales.

Para terminar la jornada de introducción de Sónar, en el escenario SonarDôme, programado en exclusiva por la Red Bull Music Academy, Dj Spinn & Dj Rashad nos transportaron a la escena de Chicago con una sesión saturada de bases, durísima, en la que el público en estado de trance, estaba ya totalmente entregado a los ritmos machacones de su propuesta de bajos fondos. Un cierre contundente a una nueva jornada brillante de Sónar. Sr. John, Txema.

Fotos: Prensa Sónar.

Escucha ‘Celebrate’ de Mika

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Quizá por aquello de que en su nuevo álbum canta en francés, es Universal Francia quien estrena en su Youtube el nuevo single de Mika. Tras dos «buzz-singles«, ‘Celebrate’ es la presentación oficial de ‘The Origin of Love’, el tercer álbum de Mika, que se editará el próximo mes de septiembre.

‘Celebrate’, un single de pop ultra Daft Punk, cuenta con la colaboración de Pharrell Williams, y ha sido producido por Nick Littlemore de Empire of the Sun, aunque quizá lo que más llama la atención es que como coautor del tema aparece frYars. ¿Os acordabais de frYars? Nuestro veredicto, en breve.

Russian Red canta en castellano para Pixar

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Las agencias del país y en su consecuencia varios medios titulan que Russian Red va a cantar por primera vez en castellano, aunque no es cierto. Lourdes Hernández ya ha interpretado por ejemplo una versión de Joe Crepúsculo en esta lengua.

El caso es que la noticia es que Russian Red cantará un par de canciones para Pixar, en concreto para la película ‘Brave (Indomable)’, que se estrena en agosto. Se llamarán ‘A la luz del sol’ y ‘Volaré’ y son versiones de los temas ‘Into The Open Air’ y ‘Touch The Sky’ de Julie Fowlis. Por lo que recogen medios como Público citando a EFE (impagable la foto), debemos esperar toques celtas en estas producciones, así como un claro mensaje de libertad. Os dejamos con Lourdes cantando en nuestro idioma materno.

Ben Gibbard versiona a Stars

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En 2007, Stars publicaron un disco de versiones y de remixes de su álbum ‘Do You Trust Your Friends?’ (2004), que contó con la participación de Metric, Kevin Drew, The Stills o Junior Boys, entre otros. En un primer momento, Ben Gibbard iba a colaborar en el álbum con su particular revisión de ‘Set Yourself on Fire’. Finalmente, y por razones desconocidas, la cover del vocalista de Death Cab For Cutie no llegó a conocerse. Ahora Ben ha presentado en su Soundcloud la esperada versión, que combina el folk con la electrónica en una canción en la que destaca la presencia de la guitarra acústica.

Peter Buck estrena su primer tema en solitario

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Peter Buck es el único miembro de R.E.M. que se ha aventurado en un nuevo proyecto musical de momento. A tenor de las declaraciones de Michael Stipe -dijo que no le interesaba grabar en solitario- y de lo poco que sabemos de Mike Mills, el guitarrista es el único que vislumbra el futuro sin la banda.

Como ya os informamos, Peter está preparando su disco debut. De él ya podemos escuchar la primera toma de contacto. Guitarras sucias, psicodelia y gritos a lo «uh la la la» conviven en ’10 Million BC’, que se puede escuchar en Soundcloud. La canción fue radiada en un programa de radio de Nueva Jersey. Por el momento, desconocemos el título del disco y la fecha de lanzamiento del mismo.

Sangre, suburbios y venganza en lo nuevo de Luis Brea

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Luis Brea es capaz de todo. En el videoclip presentado para ‘Automáticamente’, perteneciente al disco ‘Hipotenusa‘, da muestra de ello. Si no, que alguien explique cómo alguien puede estar desangrándose y no perder el hilo de la canción a la vez. La culpa de todo la tiene una heroína que emula por su vestimenta y actitud a la Uma Thurman de ‘Kill Bill’ sin la ‘Pussy Wagon’ de por medio. Os recordamos que Luis Brea actuará en los conciertos gratuitos del Día de la Música el próximo 23 de junio. Puedes ver el videoclip por cortesía de Radio 3.

Crystal Castles estrenan nuevo tema en directo

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Crystal Castles anunciaron que publicarían su tercer disco este verano. A día de hoy, las informaciones sobre su nuevo trabajo son bastante escasas. Sin embargo, los canadienses apovecharon su reciente actuación en Manchester para estrenar un tema en directo. La canción fue la elegida para abrir su actuación y tiene un toque rave muy noventero. A tenor de la respuesta del público, la canción parece que no decepciona. Por el momento, desconocemos si estará incluida en su nuevo material. Os recordamos que Crystal Castles actúan en el FIB.

Lee Fields & The Expressions / Faithful Man

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No es casual que Lee Fields haya titulado su nuevo disco con los magníficos The Expressions ‘Faithful Man’. Este cantante de mirada penetrante lleva en la música –con sus idas y venidas- más de cuatro décadas. A pesar del tiempo, Lee nunca ha dado la espalda a géneros como el funk, el R&B y el sonido clásico de la Motown. Ahora que los sonidos negros viven un nuevo revival, el artista proclama a los cuatro vientos que es un “hombre fiel” con un disco tan disfrutable para los que se acercan al soul por primera vez como para los que llevan toda la vida deleitándose con la música del alma.

En la década de los 70, Lee Fields era conocido como Little JB por su parecido con James Brown. Las cosas parecen haber cambiado. Hoy en día, y como ya dejó claro en el anterior ‘My World’, hace suyo el soul más desgarrador con un trabajo en el que nos recuerda que no quiere parecerse a nadie. Se trata de su segunda referencia en el sello Truth & Soul, creado en 2004 para recuperar la esencia original de este género. En él, vuelve a estar acompañado de The Expressions, que también han trabajado con Aloe Blacc, Adele, Ghostafe Killah o Jay-Z.

El álbum supone la enésima interpretación de lo que, en pocas palabras, significa vivir. Historias de amor y de relaciones extramaritales se intercalan en este LP en el que la voz rasgada de Lee Fields nos recuerda que para disfrutar también hay que sufrir (‘I Wish You Were Here’). En ‘Faithful Man’, un coro de voces femeninas respaldan la cara más vulnerable del artista, que no duda en reconocer sus debilidades («siempre he sido un hombre fiel hasta que apareciste»). Pensar en Marvin Gaye es inevitable. En ‘You’re The Kind Of Girl’, sin embargo, invade un cierto toque de chanson al comienzo de la pista. Para finalizar, la magistral ‘Walk On Thru That Door’. Cuando piensas que el cantante va a sorprendernos con algún grito al estilo de Eli “Paperboy” Reed’, él usa -que no abusa- de los arreglos orquestales para suplir el silencio. Magnífico.

Os recordamos que Lee Fields junto a The Expressions actuará este sábado en el Azkena Rock Festival y la semana que viene en la Sala Apolo de Barcelona y el Día de la Música en Madrid.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Faithful Man’, ‘Walk On Thru That Door’, ‘I Still Got It’
Te gustará si te gusta: el soul, Charles Bradley, Marvin Gaye
Escúchalo: Spotify

«Compartir piso con tu banda es una muerte en vida»

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Los donostiarras Thee Brandy Hips continúan con la gira de presentación de su álbum ‘Raincoat‘. Este sábado 16 de junio pasan por la sala Nasti de Madrid para dar cuenta de ello compartiendo escenario con los madrileños Cohete. Hemos charlado con Asier Martín, bajista y voz principal de la banda, sobre el momento en el que se encuentran, sus influencias, lo que supone la autogestión y la relación entre ellos más allá de Thee Brandy Hips. En las próximas semanas actuarán en varios festivales como el ICO de Huesca, Embassa’t Festival de Sabadell, Big Festival de Biarritz, el FIB y el DKastle Festival de Vitoria-Gasteiz. Para más detalles sobre la gira podéis consultar su web.

¿Qué creéis que es lo más significativo que separa a ‘Raincoat’ de ‘We Are Love’? ¿Cómo veis la evolución de vuestro sonido? ¿Habéis cambiado como grupo?
Bueno, básicamente ‘Raincoat’ es mucho más pop. En ‘We Are Love’ los desarrollos eran algo barrocos, así que la sensación general era algo difusa. En ‘Raincoat’ hemos intentado hacer canciones directas y sin rodeos para tocarlas como si fuésemos a perder el autobús. Claramente hemos cambiado, sí.

¿Qué os llevó a trabajar con Jon Aguirrezabalaga y Xabier Egia de We Are Standard?
Nos conocíamos de antes. Ellos iban a inaugurar el estudio tan chulo que se han montado, El Tigre, y querían un grupo que les hiciese gracia. Nosotros buscábamos alguien con quien grabar. Bastaron un par de charlas para ver que buscábamos algo parecido. Jon nos propuso unos 2000 cambios y el 98% funcionaron, así que todo fue bastante rodado.

Os habéis autoeditado el disco y actualmente gestionáis todo desde Young Hipster Records, vuestro propio sello. Las dificultades de llevar todo el proceso de creación del álbum, su distribución y venta, negociar las condiciones de los conciertos, etc… debe de resultar una labor agotadora. ¿Qué creéis que cambiaría si se encargara una agencia? ¿La autogestión mató a la estrella del pop?
La verdad es que no lo sé, básicamente hacemos lo que nos da la gana así que no nos podemos quejar. Tenemos amigos que están en sellos y tampoco debe de ser la panacea. Claro que nos gustaría que alguien nos ayudase y nos quitase un poco de trabajo pero tampoco sé si estaríamos cómodos cediendo en ciertos temas. Quizá se echa en falta cierto aire de comunidad y camaradería que suponemos que surge cuando compartes sello, rollo Famèlic o Discos Humeantes. Al fin y al cabo, siempre hemos ido a nuestro aire. De todas formas hay muchísimos grupos autogestionándose, así que creo que podemos quitarnos ya la vitola de sufridos outsiders.

Siendo una banda pop de San Sebastián, ¿creéis que algo os toca del llamado «sonido Donosti» o pensáis que esa herencia no os corresponde?
Bueno, a mí particularmente sí. Hace poco me explicaron que la etiqueta «Donosti Sound» originalmente se utilizó para UHF, el grupo de Rafa Berrio, del que somos bastante fans, y algún otro de aquella generación. Supongo que no es ni de lejos lo que más nos ha influido, pero aun así tengo una especie de orgullo de patria chica con La Buena Vida o Family.

¿Quiénes sois los autores de las canciones? ¿Cómo decidís el sonido final? ¿Qué diferencias veis entre vuestros directos y el trabajo de estudio?
En realidad lo principal para mí es que las canciones queden bien registradas, tal y como yo me las imagino. En el directo simplemente intentamos defender lo que hacemos de la mejor forma posible. En el tema compositivo somos bastante anárquicos y creo que es mejor así. No me gusta la idea de seguir un proceso fijo en plan producción en cadena para hacer canciones como churros, pero hemos acabado siguiendo unos pequeños pasos que parecen asegurar el hit: Uno trae una idea vagamente desarrollada, un segundo trata de aportar con escaso éxito, otros dos miran al suelo y de esos dos uno invariablemente persiste en sacar (torpemente) el riff de ‘Enola Gay’ de OMD, y el último mira Twitter. Nah, es coña. Discutimos muchísimo, y se podría decir que desarrollamos las canciones entre todos, aunque sería más exacto expresarlo en negativo: las ideas que pasan el filtro de los cinco son las que acaban saliendo. Es así de injusto. Luego los desorbitantes cheques de la SGAE llegan en 5 partes iguales, claro.

Hoy en día, donde todo producto está sobre-etiquetado, ¿con qué denominación os sentís más cómodos? ¿Creéis que es necesaria esta constante clasificación de géneros?
Cuando me preguntan digo que hacemos pop de guitarras o power-pop. Supongo que hay tantos grupos que hace falta separarlos por detalles nimios, así queda todo más ordenadito.

¿Por qué elegisteis ‘Dissolve Your Love In Water’ como primer avance de vuestro álbum?
Bueno, la idea era enseñar algo chocante, algo que no nos pegase. El concepto era destrozar una canción 50’s utilizando frases de guitarra a lo ‘Bandwagonesque’ de TFC, y separarnos mucho de lo que habíamos sacado antes.

¿Planeáis grabar más vídeos? ¿Cómo fue la experiencia con ‘In My Room’ o ‘Cynicism’?
Creo que nos dejamos el presupuesto en Dixan después de grabar el último, fue en un campo de barro a 0 grados y con aguanieve así que ahora soy el doble de pies de Juanito Oyarzabal.

En vuestras canciones queda patente una clara influencia del pop de hace varias décadas. Grabasteis para Dod Magazine el tema ‘98.6’ de Keith que en castellano popularizaron Los Ángeles. ¿Qué peso real creéis que tiene el pop de los 60 en vuestras canciones?
A mí siempre me han impactado mucho los grupos de muchas voces. Generalmente por cada pista de voz grabo otras seis de coros. Supongo que Brian Wilson tiene gran parte de la culpa, también los Brincos, Los Ángeles y algunos grupos folkies rollo Fairport Convention. El resto de elementos me llama más a los primeros 90 la verdad.

¿Quedo como una loca si os digo que cada vez que empieza a sonar vuestra ‘Wayne’ no puedo evitar acordarme de ‘Walking On Sunshine’ de Katrina & The Waves?
Sí.

El título del álbum, ‘Raincoat’, ¿supondría esa barrera emocional que todos deberíamos colocarnos en algún momento para hacer que los problemas “nos resbalen” para poder avanzar? Muchas de las letras de ‘Raincoat’ plantean historias más o menos oscuras donde al final siempre acaba saliendo el sol. ¿Fue algo buscado a la hora de componer, dotarlas de una especie de nexo? ¿O pensáis que simplemente se trata de una constante inherente a la música pop en general?
Ese es el concepto, sí. Estar triste, afrontémoslo, es una actitud infantil y una completa pérdida de tiempo. Aun así es algo universal, y en cierto modo inevitable. Ese es el contraste, las canciones son alegres aunque a veces toquen temas algo deprimentes o sean un pequeño drama algo vergonzoso. Así que de alguna forma relativizan la importancia que tienen y hacen que tomes algo de distancia como para ver que no es para tanto, hablar de tragedias como quien habla del tiempo, vaya. No sé si es inherente al pop, los Smiths por ejemplo lo hacían bastante.

¿Vuestro nombre fue fruto del azar o llegó como algo premeditado? ¿Preferís que con “Hips” se evoque el término “modernetes” o el sustantivo “caderas”? ¿Sabéis lo que significa “Thee”?
Bueno, no evoca ni a una cosa ni a la otra, más bien es una onomatopeya del hipo de alguien ebrio. Nada que ver con el hipsterismo ni chorradas de esas, por otro lado inexistentes en nuestro entorno en 2006, cuando empezábamos. El nombre no tiene mucha historia, una broma que perdió la gracia allá por 2008, y Thee es un préstamo que cogimos de los grupos de garaje (antes meábamos más por esos prados…).

Al estilo de los compuestos “Lina Morgan Freeman” o “Billy Joel Alme” yo a veces pienso en vosotros como “Thee Brandy Hips Don’t Lie” y me imagino a Shakira y Wyclef Jean cantando el ‘Dissolve Your Love In Water’ en modo reggaeton, ¿cómo veis el híbrido? ;)
Confieso que es una gracieta que se me ocurrió tiempo ha y guardé para mi regocijo ante la inquietud de que no tuviese gracia alguna. El mundo lo construyen gentes valientes y decididas como usted.

Cuenta la leyenda que los Brandys compartís algo más que local de ensayo. ¿Cómo es vuestra relación fuera de Thee Brandy Hips?
Bueno, éramos cuadrilla antes que grupo, y lo seguimos siendo, así que casi nunca hay desconexión. Por si fuera poco, compartimos piso, lo cual no ayuda demasiado al grupo y a la relación entre nosotros. Desde fuera puede parecer algo guay y jipilongo en plan ‘Casi Famosos’ pero en realidad es una muerte en vida, no lo hagáis nunca. Aquí se debate todo, y de esta manera lo hacemos todo el tiempo. Después de los Brandy seguramente seamos tertulianos profesionales y pesebreros.

Soléis estar bastante activos por las redes sociales, sobre todo en Twitter. ¿Qué importancia creéis que tiene para una banda -o sus miembros- la presencia y constancia en una plataforma como Twitter?
En realidad no tengo ni idea, supongo que es una herramienta útil pero nosotros lo utilizamos sobre todo para compartir cosas que nos molan o perder el tiempo. Somos más activos en nuestras cuentas particulares que en la del grupo, básicamente.

Este sábado tendrá lugar la presentación de Raincoat en la capital junto a los madrileños Cohete. ¿Habéis preparado algo especial u os lo tomáis como un concierto más? ¿Conocéis el directo de Cohete? ¿Cómo surge compartir escenario con ellos?
Pues somos fans de Cohete desde hace tiempo. Teníamos la fecha pillada para presentar el disco en Madrid, y estuvimos pensando en algún grupo capitalino con el que compartir, y les escribimos. Por otra parte el Nasti me hace mucha ilu porque es mi bar más favorito de Madrid así que seguro que será guay.

Os esperan de aquí al final de julio varios festivales, desde el ICO en Huesca, pasando por el FIB hasta el Big Festival de Biarritz. ¿Creéis que es importante formar parte del cartel de ciertos festivales? ¿Os han llamado o lo habéis buscado vosotros? ¿En cuál os hace más ilusión tocar?
Más allá de los conciertos en sí, o el cachondeo que los rodea, los festivales tienen ese punto de “selección musical” de la que está muy guay formar parte. Por ello, aunque seamos fantasmillas en general, en realidad nos sentimos muy pequeñitos y agradecidos de que nos llamen para festivales.

¿Qué planes tenéis una vez pasen los festivales?
No hacemos planes con tanta antelación.

Foto: Yosigo

Bennett, ¿la mejor opción para Lady Gaga?

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Metro publica una corta pero interesante entrevista con Tony Bennett en la que habla sobre los consejos que recibió de Frank Sinatra, la comida que le preparaba Ella Fitzgerald o el buen recuerdo que tiene del talento de Amy Winehouse a raíz de su dueto ‘Body & Soul‘. Pero la gran novedad serían las intenciones de volver a grabar con Lady Gaga. «Hace poco estuve con sus padres y me dijeron que ella quería hacer un disco conmigo. A mí me encantaría también. Lo estoy deseando».

La colaboración de Gaga con Tony Bennett de ‘Duets 2’ quedó algo oscurecida por la de Amy, pero ya que la chica sabe cantar y tocar el piano, a todas luces parece el mejor camino que podría tomar después de ‘Born This Way’: algo diferente, relajado y sin las presiones de emular éxitos pasados. ¿No es esta grabación de ‘The Lady Is A Tramp’ lo mejor que ha hecho Germanotta desde ‘Telephone’? Aunque al margen de lo vago de las declaraciones, parece que no irá el asunto por ahí.

Damon Albarn estrena una canción de Blur

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A la espera de que lleguen esos conciertos que Blur dará este verano, Damon Albarn ha estrenado lo que se considera una canción nueva del grupo. Así lo cuentan en Consequence of Sound. A pesar de la pobreza de calidad de la grabación, merece la pena compartirla por su carácter completamente «sing-along» hacia el final. ¿Se mantendrá así en el estudio?

Luis Miguélez se enfada con Mario Vaquerizo

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Luis Miguélez, conocido por sus labores como guitarrista de Dinarama, miembro de McNamara y coautor del genial ‘Rock Station‘, y de otras formaciones como Glamour to Kill, está muy enfadado con Mario Vaquerizo, el marido de Alaska. La raíz del asunto viene de una entrevista en Nanosónico con Mario en la que este cuenta que Luis Miguélez pudo producir ‘Indicios’ de Carlos Berlanga. «No quiso, y así le va a Luis Miguélez, entre otras cosas».

A pesar de lo escueto del comentario, Miguélez contesta ampliamente en Facebook: «Desde aquí le digo al Sr. Vaquerizo que me bajo el sombrero ante su ironía y sabiduría porque el motivo de no producir el disco de Carlos es que en ese momento estábamos grabando el disco ‘A tutti plein’ con McNamara (…) Y añado, pues así me va. Divinamente, rubia, divina y vivita y coleando por Berlín. Lo más gracioso es que en el año 2012 el Sr. Vaquerizo y su señora tienen que recurrir a una de mis composiciones y producciones, como la canción ‘Boogie Movie’. Y yo te pregunto: «¿por qué lo haces, corazón mío? ¿No tienes talento para componer una canción? De todos modos, a comentarios absurdos, mejor dejarlos en eso: el absurdo… porque torres más altas he visto caer de los tacones!».

Después, en otro mensaje de Facebook, incluye la actuación de Mario Vaquerizo (Nancys Rubias) y Alaska a la que se refiere, junto a otro largo mensaje que incluye cosas como: «¿pero qué es esto? una versión coloreada y mala de una película de Stan Laurel & Oliver Hardy? Porque al nivel de Marilyn Manson o de la familia Adams o de una película de John Waters no llega» o «me critica y a la vez me imita, jajaja».

Os dejamos con uno de los últimos trabajos de Luis Miguélez, ‘Whip Me’.

Youtube retransmite el Sónar 2012

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Algunos conciertos del Sónar, que se está celebrando este fin de semana en Barcelona, serán retransmitidos a través de Youtube. Este es el calendario, que como veis, incluye algunas actuaciones pre-grabadas y otras en directo. El canal es este.

Viernes 15:
21.00 Austra SonarVillage Pre-recorded
22.00 Mouse on Mars SonarHall Pre-recorded
22.50 When Saints go Machine SonarHall Pre-recorded
23.50 Daedelus Archimedes Show SonarHall Pre-recorded
0.40 Peaking Lights SonarComplex Pre-recorded
1.30 Friendly Fires SonarPub Live
2.00 Richie Hawtin SonarClub Live
3.30 Trust SonarComplex Pre-recorded
4.00 Fatboy Slim SonarPub Live

Sábado 16:
21.00 Plapla Pinky SonarComplex Pre-recorded
21.45 Cornelius presents Salyu x Salyu SonarHall Pre-recorded
22.45 Diamond Version + Atsuhiro Ito SonarHall Pre-recorded
23.00 New Order SonarClub Live
0.00 The Roots SonarPub Live
0.30 John Talabot SonarHall Pre-recorded
1.30 Hot Chip SonarPub Live
2.30 Azari & III SonarLab
3.30 Modeselektor SonarPub Live

Un Drums y una The Pains remezclan a Javiera

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Javiera Mena no sólo logró una colaboración internacional como la de Jens Lekman para ‘Sufrir’, sino que ahora la canción ha sido remezclada por Totally Sincere. Se trata del proyecto formado por Connor Hanwick (batería de The Drums y actualmente también involucrado en The Pains Of Being Pure At Heart) y Peggy Wang (la chica de The Pains Of Being Pure At Heart). El veraniego resultado no tiene casi nada que ver con ninguno de los artistas mencionados.

Os recordamos que Javiera Mena actúa hoy viernes 15 de junio con Hidrogenesse en Madrid.