Si algo tienen en común Najwa Nimri y Raúl Santos y Johnny Depp y Tim Burton (por poner un ejemplo cualquiera) es que forman un par de alianzas artísticas que no sorprenden ya a nadie, pero tienden a dar buenos resultados. Sin embargo, mientras Burton acumula por cada nueva producción mil críticas que lo tachan de predecible y de no arriesgar, el “matrimonio” de la también actriz y el ex batería de Los Planetas ha elaborado a lo largo de estos años una carrera llena de discos cada vez menos comparables entre sí. ¿Quién esperaba en los tiempos de ‘Mayday’, su mejor álbum, un trabajo como ‘El último primate’?
Si bien es cierto que el primer trabajo en español de Najwa era consecuencia más o menos directa de sus escarceos con el rock en la que fue la esperada vuelta de Najwajean en 2008, esta tampoco tenía nada que ver con ‘No Blood’, el debut del aclamado combo. Por suerte o por desgracia, siempre será un misterio a qué hubiera sonado el sucesor de ‘Walkabout’ si ‘Till It Breaks’ jamás hubiese existido, pero atendiendo al progresivo acercamiento de Najwa en cada disco hacia diferentes terrenos, ‘Donde rugen los volcanes’ viene a ser, de nuevo, toda una sorpresa.
Igual que las atmósferas tétricas son el elemento recurrente por excelencia en cualquier película de Tim Burton protagonizada por su actor favorito, la música electrónica (la comúnmente catalogada como “electrónica horizontal”, no la de sudar en la pista) ha constituido desde el principio la médula espinal de la carrera musical de Najwa, sin dejar nunca a su intérprete en un plano inferior. En ‘Donde rugen los volcanes’, sin embargo, la electrónica ya no es únicamente una vía para las melodías de la cantante y pasa a representar el componente más importante de un trabajo que, paradójicamente, fue en su origen concebido desde la guitarra acústica de Vicente Miñana (Uma). De ahí lo de “pasado acústico” de la nota de prensa, que definía muy bien con “tecno de corte minimal” la dirección tomada en este trabajo tanto por Raúl Santos como por la misma Najwa, quien no ha tardado en confirmar en alguna entrevista su participación en las labores de producción del álbum.
Lo de “tecno de corte minimal” es un buen resumen, pero un disco de estas características que sale en nuestro país se merece profundizar un poco más… aunque solo un poco. El disco peca de cierta linealidad, pero entre momentos ambientales que mutan a tribales (‘Nada nos puede pasar’), experimentaciones vocales (‘Mi cama’, ‘A ver si me das’), teclados retro (‘Nunca estuve a salvo’, ‘Lenguaje verde’, ‘A ver si me das’) o electrónica voluptuosa y granular à la Frank Bretschneider o Matmos (‘En esta noche’) cada composición va tomando, con repetidas escuchas, su propia forma. No obstante, las melodías cantadas por Najwa, aunque adecuadas a cada tema, son tan agradables en el momento como efímeras, mientras que en lo musical, si ha habido una gran influencia en la producción, esa parece haber ha sido Thom Yorke y su disco en solitario (especialmente en el tema homónimo), un ‘The Eraser’ que, como este trabajo, aportaba instrumentales muy interesantes, pero, en mi opinión, melodías poco perecederas.
De todos modos, siendo ‘Donde rugen los volcanes’ un ejercicio evidente de autocomplacencia y voluntad de experimentación, quejarse de la ausencia de hits claros sería de lo más absurdo. Es cierto que las melodías no son el fuerte del álbum, ¿pero pretendieron serlo alguna vez? La voz de Najwa es un elemento más dentro de un todo hipnótico, atmosférico e introspectivo que invita al trance, al escapismo y a la búsqueda del “yo” interior (o pamplinas pseudofilosóficas igual de manidas). Tan delicioso con auriculares como falto de cualidades para permanecer en la memoria, ‘Donde rugen los volcanes’ convencerá sobre todo a quienes buscamos en este tipo de música una herramienta de evasión del cada vez más estresante mundo exterior.
Calificación: 6,5/10 Lo mejor: ‘Nada nos puede pasar’, ‘Donde rugen los volcanes’, ‘Pájaros de mal agüero’, ‘En esta noche’ Te gustará si te gusta: ‘The Eraser’ de Thom Yorke, el lado más experimental de Radiohead, la “electrónica horizontal” tipo Frank Bretschneider o Matmos, el “minimal techno” Escúchalo: Spotify
El próximo 31 de mayo y el 1 de junio Vetusta Morla actuará junto a la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia en un concierto benéfico para apoyar la reconstrucción del Conservatorio Narciso Yepes de Lorca, que fue destruido por completo en el terremoto que asoló al municipio hace ahora un año. Profesores de esta institución querían adaptar canciones del grupo para orquesta, pero a los de Tres Cantos les gustó tanto la idea que decidieron sumarse al proyecto para ofrecer el concierto más especial que han dado en sus más de diez años de andadura. Charlamos con Guillermo Galván, teclista y guitarra de la banda, sobre tocar con ochenta músicos a tus espaldas, el disco en directo de Portishead de 1998, el éxito de ‘Mapas’, la revolución musical pendiente y la gira que les llevó por Inglaterra, Estados Unidos y México, entre otras cosas. Os recordamos que Vetusta Morla tienen varias fechas por todo el país los próximos meses, lo que incluye el Bilbao BBK Live, Mérida Indie, etcétera.
¿Habéis empezado a ensayar ya con la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia?
No, hasta que no lleguemos a Murcia no lo haremos. Estamos haciéndolo todo por MIDI, ellos nos mandan los arreglos y nosotros trabajamos con el ordenador.
¿Va a cambiar vuestra forma de tocar o es la orquesta la que se adapta a vosotros?
¡Cambia totalmente! Es un proyecto que llevamos trabajando casi un año, desde el verano pasado. La gente del conservatorio se puso en contacto con nosotros y la propuesta inicial era un concierto con canciones de Vetusta Morla adaptadas a orquesta sinfónica pero en el que nosotros no participábamos. Pero nos pareció muy interesante y al final cada profesor escogió una canción del grupo e hizo una versión para orquesta sinfónica. Son doce o trece canciones arregladas para orquesta y nosotros estamos adaptándonos a ellos con nuestro equipo. Pero no queremos hacer las canciones tal y como suenan en el disco y meter una orquesta detrás, no nos gusta el rollo hortera de banda tocando con guitarras eléctricas y detrás la orquesta en plan épico. Queremos ver de qué manera podemos cambiar la instrumentación: hay canciones en las que apenas tocamos, otras en las que solo hay voz, otras en que tocamos todos pero la instrumentación cambia…
La orquesta hace los arreglos y vosotros os adaptáis a ellos, entonces.
Sí, respetamos lo que cada uno nos manda al ser un proyecto solidario, no es como si fuera un disco 100% de Vetusta Morla en que quieres que salga todo como tienes en la cabeza. Aunque no suene exactamente como quieres tú, tienes que respetar que es un proyecto colectivo. Hemos dado unas pautas generales, luego hemos recibido los arreglos -como son arreglistas diferentes, cada uno entiende la música de una u otra forma-, ha habido algunos con los que nos hemos quedado a la primera y otros que hemos trabajado más a través de internet, con MIDIs, etc., sugiriendo cosas hasta que hemos llegado a un punto en el que todos nos sentimos cómodos tocando. Está siendo muy divertido porque algunas canciones se han respetado mucho pero otras son muy distintas y es como si estuviéramos haciendo una versión de Vetusta.
Además, la visión de estos profesionales supongo que es muy enriquecedora.
Totalmente, nosotros estamos aprendiendo mucho. Somos una banda de rock y casi todos somos autodidactas, trabajando con bloques muy establecidos, estrofas y estribillos. Su mundo es completamente distinto, tiene partes apasionantes y es complicado, por lo que tenemos que readaptarnos a su forma de trabajar. A nivel melódico aportan mucha riqueza y nos hacen ver nuestras canciones desde otro punto de vista, no solo la base con batería y bajo, las guitarras haciendo unas historias y la voz estando por arriba… Es como un todo, date cuenta de que vamos a estar casi noventa músicos en un escenario. Va a ser algo muy bonito, la verdad.
Sentir ochenta músicos detrás tiene que ser impresionante. Vuestra música se presta a este tipo de arreglos, con muchos detalles, ¿os gustaría continuar con esta senda en el futuro? El concierto se grabará al menos…
Es un momento muy especial como para no dejarlo registrado. Hay canciones que con estos arreglos han ganado mucho más, parecen casi una banda sonora. Las combinaciones de orquesta y banda que más nos han gustado han sido en las que se integran los dos como un único grupo. No es como una orquesta que está por detrás y hace un colchón. En ese sentido, lo mejor que se ha hecho es el directo de Portishead en Nueva York que grabaron ya hace unos años. Hemos intentado trabajar con esa idea, hay una parte muy orgánica y muy clásica, pero nos gustaría introducir algo que lo complemente, más sucio. En esas estamos, aunque haya sido una locura, merece la pena.
Hace poco tuiteasteis el hashtag #YoVoy12M. Junto al concierto benéfico os muestra como una banda comprometida, ¿veis necesario, como banda influyente, implicarse en este tipo de eventos?
El compromiso es más una decisión como ciudadano que como miembro de un grupo. Cuando ese apoyo lo compartimos los seis, decidimos darle voz en el nombre de la banda. En el caso de Lorca, es bonito y positivo que tu trabajo ayude a otros, y si además te enriquece, como es el caso, mejor. También hemos participado en proyectos de apoyo para pacientes de enfermedades relacionadas con el VIH, para el pueblo saharaui, etc. Supongo que cuando tienes un Twitter al que le das un botón y te leen noventa mil personas estas cosas se amplifican más, pero si tuviéramos cien seguidores haríamos lo mismo.
¿Estuvisteis en la manifestación del 12M?
Yo no estuve porque estaba fuera, pero sí a la del domingo en Sol y el resto del grupo estuvieron casi todos.
Hablando de revoluciones, ¿cuál es la revolución pendiente en la industria musical?
No sé si llamarlo revolución, evolución, no sé… Para intentar evolucionar, hacer obras en cualquier ámbito artístico que estén acordes a los tiempos que vives, tienes que ser una persona con los ojos muy abiertos e intentar ser multidisciplinar. Cuanto más sabemos del mundo en el que vivimos y cómo funciona el sistema somos más libres. El «Antiguo Régimen» musical partía de unos artistas semisagrados que no tenían que preocuparse por nada y existía un escudo gigante que era la discográfica, los managers e intermediarios que se repartían el dinero y hacían que esa persona no se preocupase ni de dónde se fabricaban sus discos. Con la caída de ese «Antiguo Régimen» y con la llegada de un nuevo modelo que tiene que crecer todavía, ha cambiado radicalmente. Ahora, la mayor parte de la gente que ha sacado un disco se ha tenido que trabajar todos los aspectos, llegar a un acuerdo con un tío que le hace la distribución, ir a la fábrica para ver cuánto vale fabricar un disco, se pagan el disco y tienen que buscar estudios… Ahora, cualquier persona que tiene un grupo posee un conocimiento global de toda la estructura musical mucho más amplio que esa estrellita que se formó hace 15 o 20 años. Para mí, ese ha sido el cambio más grande, la toma de conciencia de todos los engranajes. Somos más libres a la hora de decidir cómo queremos hacer nuestra música, moverla y hasta dónde llegar. Por ejemplo, nosotros hemos tomado algunas decisiones que no sé si serán las más acertadas pero nos hacen sentir mejor, como no hacer música para anuncios, no queremos que nuestra música se vincule directamente a un producto o una marca, aunque luego vayas a un festival y tengas el anuncio de una cerveza detrás. Tienes ese anuncio dentro de tu trabajo normal, que es actuar. Son muchos factores que permiten guiar tu carrera, y hace unos años esa carrera venía guiada por gente muy alejada de ti.
De hecho, formasteis vuestra propia discográfica, Pequeño Salto Mortal, para publicar vuestro material. Has comentado cuánto tiene que tener de «empresario» un músico, esas labores que antes delegabas en alguien y de las que ahora te tienes que encargar tú.
Hombre, la palabra empresario a veces la pensamos como algo peyorativo, es más bien «responsable de tu trabajo». La labor del músico no se limita a tocar encima de un escenario, yo creo que hay una responsabilidad en las canciones y sobre los discos. Si tu disco lo venden en una tienda a 24 euros, la manera en que tú haces ese disco está siendo desvirtuada en esa tienda porque lo ponen a precios abusivos. Tú, como músico, tienes responsabilidad en el precio. Implica hacer un trabajo extra y a veces es complicado, porque tienes que hacer números, encargarte de cómo sale un disco, de gestionar cómo haces una promoción… Son horas de decisiones pero al final miras atrás y aunque hayas cosas en las que hayas estado equivocado, al final has seguido los pasos que querías seguir.
Una de esas decisiones fue colgar en streaming ‘Mapas’ antes de salir a la venta y fue un éxito, disco de oro, el puesto veinticinco de los más vendidos de 2011, aunque no sé si estas listas siguen interesando o son un vestigio del pasado.
Son datos. Nosotros echamos cuentas para que podamos seguir haciendo discos y vivir de esto, no miramos las listas de ventas semanalmente pero está claro que cuando te dicen que tu disco ha sido uno de los más vendidos del año y te van saliendo las cuentas te sientes muy afortunado. También piensas que la estrategia de poner ‘Mapas’ para que lo escuche todo el mundo no ha sido tan descabellada porque lo que tú ofreces en un disco es algo distinto. Intentamos que quien compra ese disco no solo compra la música sino un objeto que gusta tener en casa y eso se valora. Hoy en día, acceder a un archivo mp3 o a una canción en internet es cuestión de segundos, pero si te lo curras haces algo apetecible para que la gente lo compre, pues al final hace el esfuerzo. No podemos olvidar que estamos en un momento complicado y se compran muchos menos discos y se va menos a los conciertos que hace un año.
¿Cuánto creéis que le debéis a internet en la difusión de vuestra música?
Está bien pero al final no deja de ser un medio. Para que un grupo funcione en internet tiene que tener canciones y directos. Aunque fuera minoritario porque solo tocábamos en Madrid, el directo funcionaba bien, llenábamos. A nivel mediático y discográfico había un poco de desinterés por el grupo, pero a nivel de público la cosa funcionaba muy bien. Llegó un momento donde se juntó todo, sacamos un disco y gracias a internet la gente pudo acceder a él, los conciertos empezaron a ser en lugares más grandes y todo eso fue una bola de nieve que se fue haciendo cada vez mayor. Cuando llegaron los premios y los reconocimientos, no obstante, ya existía una gran respuesta de la gente. Los medios, para este tipo de cosas, llegan tarde. En el momento en que te saca un telediario sales en todos los demás porque se alimentan unos de otros. Respondiendo a la pregunta, internet ha sido importante pero como otras tantas cosas.
En algunos lados todavía se sigue viendo a Internet como un enemigo.
Internet ha cambiado la manera de entender el negocio y quien lo tenía lo ha perdido. A quien te lo quita lo ves como un enemigo, pero no creo que internet sea en sí mismo ni un enemigo ni un amigo, es un medio, el más importante que existe en la actualidad, y habrá que utilizarlo de la forma más apropiada, tanto los usuarios -para escuchar música y compartir sus canciones-, los músicos -para hacer su trabajo- y la industria, o lo que queda de ella, para intentar hacer rentables sus productos. No creo que internet vaya a acabar con las discográficas, que siguen sacando tajada. Las compañías que compraron las discográficas, como Sony, Virgin y demás, son las que se enriquecieron vendiendo CDs y DVDs vírgenes y dentro de unos años la discográfica al uso no será la que estamos acostumbrados a ver sino la empresa que te instala el ADSL en tu casa, que ya están empezándose a meter en un montón de movidas relacionadas con la música: Terra tiene cosas, sobre todo en Sudamérica, y tendrás a Vodafone y a otros. Son los que se están adueñando y enriqueciéndose con la música «gratis», porque la música en internet no es gratis, estás pagando una línea ADSL a Telefónica. Quien se está enriqueciendo con esto no son los músicos ni las discográficas sino las compañías telefónicas.
Cambiando de tema, acabáis de venir de una gira que os ha llevado por Londres, Estados Unidos y México. No es la primera vez que salís de España pero sí la primera en que dais tantos conciertos seguidos fuera de España.
Normalmente, cuando salíamos fuera íbamos a sitios concretos, Argentina, México… Era algo puntual, y esta vez era la primera vez que tocábamos en una ciudad, volvíamos al aeropuerto, tocábamos en otra ciudad y así. Ha sido muy intenso pero muy importante. Hemos llevado canciones a sitios que ya habíamos estado, como México, y nos hemos dado cuenta de que la cosa funciona cada vez mejor. Luego, en otros que a priori no estaban en nuestra imaginación, como Londres, donde llegamos a una sala y había 2.500 personas, un montón de gente…
México suele ser el punto de inflexión para muchas bandas que están alcanzando otro nivel, lo señalan como la experiencia internacional más importante.
Es la puerta al sur de Estados Unidos y también a Sudamérica. Tiene una manera de entender la música y un público que va a conciertos, con ganas increíbles de ver bandas en directo, muy acostumbrado además a que vengan bandas españolas. En el Vive Latino hemos estado con Napoleón Solo, Manos de Topo, El Columpio Asesino… Es un sitio muy agradecido, desde el momento en que te cogen cariño allí es muy difícil después que te olviden. Hemos notado, además, que a medida que vamos, llenamos salas cada vez más grandes. Era la primera vez que íbamos a Tijuana, que fue increíble, y también en Los Angeles, Chicago, Nueva York. Era en salas modestas, de 400-500 personas, y con mucha presencia de inmigrantes españoles y de hispanohablantes pero también un porcentaje de gente local que de alguna manera ha llegado al grupo, no sabemos muy bien cómo.
Tocasteis en el South By Southwest. ¿Cómo es aquello?
Yo no he visto nada igual nunca, hay ciento y pico escenarios a la vez, muchos de ellos en garitos, y aparte de la programación oficial, tienes a gente tocando por la calle. Son como unos sanfermines del rock, todo lleno de gente desde por la mañana -mucha duerme en la calle-, no para de haber música… A nivel de espectador es muy bonito, una ciudad tomada por la música durante una semana. A nivel musical, es complicado dar calidad en un ambiente tan masificado, y para el músico es un poco estresante porque no haces los conciertos en las condiciones que querrías. Pero como espectador es una experiencia impresionante, por allí pasa todo el mundo, y si no ha pasado este año ya lo hará el que viene.
Un par de preguntas más. Mirando hacia atrás, ¿os habéis planteado qué hubiera pasado con Vetusta Morla de no alcanzar este éxito masivo al que habéis llegado?
Sí, claro, durante todos los años que estuvimos «picando piedra» pensabas en el futuro, pero todo tiene que ver con la ilusión. Cuando te ilusiona hacer canciones, juntarte y el momento del ensayo es especial, dar un concierto lo es también… Mientras eso está ahí, hay gasolina. Cada año que pasábamos teníamos un incentivo, una grabación, un viaje, estuvimos a punto de haber grabado el primer disco mucho antes. Pasaba el tiempo y la respuesta de la gente era muy buena aunque no era masiva, y todo nos daba alas para mantener la ilusión. No sé lo que hubiera pasado, a lo mejor llegaba un momento en que te planteabas, no dejar de tocar, pero sí dedicarle tanto tiempo porque tenías que ganarte la vida por otro lado, como todo el mundo, compatibilizar el trabajo con los ensayos y los conciertos.
Tenéis anunciados conciertos hasta julio. ¿Hasta cuándo va a durar la gira? ¿Pensáis ya en grabar material nuevo?
Estamos pendientes de volver a América pero lo más probable es que termine después del verano en España, en octubre. No es seguro pero no queremos hacer una gira mucho más larga porque ya hemos pasado por casi todos los sitios y tenemos pendiente material nuevo que queremos empezar a trabajar. Además, es bueno dejar una temporada de barbecho para que la gente te eche de menos y puedas volver con fuerza.
¿Probáis los temas nuevos en directo?
Todavía no los hemos montado en el local. Ahora es complicado porque con el primer disco sí que tocábamos canciones inéditas pero ahora las que dejamos sin tocar de nuestro repertorio anterior te las piden y es más fácil tirar de esas canciones que se han caído del repertorio que probar tema nuevo. Está bien probarlos, no solo para ver cómo reacciona la gente sino cómo te sientes tú al tocarlos, ya que no es lo mismo que en el local de ensayo.
No tenéis fechas definidas para grabar todavía.
Como tampoco tenemos fecha de salida de nada… El disco lo tendremos cuando estemos contentos con las canciones que haya y tenga sentido empezar a grabar.
Si hace unos días Maria Rodés nos desvelaba la fantástica ‘Haz lo que te dé la gana‘, este fin de semana nos deleita con otra nueva canción, con un fondo lleno de matices entre el rock, la psicodelia, el folclore español y hasta diríamos que muy tímidamente el funk y el trance en detalles contados. ¡Remezcla ya! Se llama ‘Cae lo que fuego fue’ y según su Facebook está basada en una pesadilla.
Os recordamos que ‘Sueño triangular’ sale el 28 de mayo.
Nicki Minaj ha estrenado esta semana el vídeo de ‘Right By My Side’, otro de los singles de su segundo álbum ‘Pink Friday Roman Reloaded’, uno de los más amables en la línea R&B. El clip ha contado con la colaboración de Nas y Chris Brown, y Nicki aparece, alternativamente, de un lado y de otro.
Una de las joyas que nos trae el San Miguel Primavera Sound este mes es el regreso de The Afghan Whigs, que a finales de 2011 nos anunciaban su reunión. Los autores de ‘Gentlemen’ o ‘1965’ han estrenado su primera nueva canción en más de cinco años (en 2006 se reunieron levemente para un recopilatorio). Se trata, eso sí, simplemente de una versión de ‘See and Don’t See’ de Marie «Queenie» Lyons, grabada a finales de los 60. Esta es la original.
Tras su estreno en la Rolling Stone americana esta semana, puede descargarse gratis la personal revisión de Afghan Whigs aquí.
Primero supimos del regreso de Neil Young & Crazy Horse y después escuchamos cortes como ‘Oh Susannah‘ y ‘Jesus’ Chariot‘. Ahora conocemos otro adelanto de ‘Americana’, en el que Young y los suyos repasan este género. ‘Clementine’, que se basa en una canción que proviene de 1863 o 1884 según la revista Spin, y habla sobre una niña que se ahoga por accidente, cuenta con un vídeo muy apropiadamente vintage.
El cantante de U2, Bono, ha salido al paso de las noticias que lo colocaban ayer, tras la salida a bolsa de Facebook, como el artista con más dinero del mundo de la música con una fortuna estimada en 1.500 millones de dólares. Lo ha negado en unas declaraciones a MSNBC, pero de una forma un tanto ambigua.
Bono dice que no es multimillonario (en inglés «billonario» equivale a «mil millones»), que no va a ser más rico que ninguno de los Beatles «y no sólo en el sentido económico». Según el cantante irlandés, en Elevation, su fondo de inversión a través del cual posee el 2,3% de la red social, se invierte el dinero de otra gente, seguros y fondos de pensiones, y a él le pagan por gestionar ese dinero. En ningún momento llega a decir qué porcentaje de Elevation posee.
En la entrevista también dice que ha invertido en otras empresas tecnológicas como Yelp y Drop Box.
Aparte de hacer un bonito post para The Guardian sobre Donna Summer, Hot Chip han estado esta semana en el mítico programa de Jools Holland para interpretar algunas canciones de su nuevo disco, ‘In Our Heads’, que sale el 12 de junio y presentarán en el Sónar muy poco después. Estas son las bailables ‘Don’t Deny Your Heart’ y ‘How Do You Do’, siendo esta última, aparentemente, una de las más retro que han hecho.
A raíz de una pregunta de un fan de Madonna decepcionado con la no-promoción de ‘MDNA‘, William Orbit ha escrito un post larguísimo en Facebook (recogido en Madonnarama) en el que habla sobre esta era. El co-productor del disco dice que sus seis canciones fueron de lo más disfrutable, que vio a Madonna mejor que nunca e implicada tanto en lo vocal como en lo musical y en las letras. Sin embargo, dice que «no está saltando de alegría por el modo en que han salido las cosas», a pesar de que esperaba que este fuera «el mejor disco del año».
Orbit no quiere meterse en asuntos promocionales (aunque menciona la intromisión de anuncios de perfume, etcétera), pero hablando de la grabación del disco, critica a uno de los ingenieros de sonido y a un asistente por el exceso de procedimientos digitales. «Le conté a un amigo mío, con el que suelo trabajar con Serban Ghenea cómo se había hecho el disco y no se lo creía». Al margen de las razones técnicas para sibaritas del sonido, misteriosamente añade que muchas de las mejores canciones preparadas en aquellas sesiones aparecerán en el disco de Chris Brown y en el de Kreayshawn. Finalmente dice que él estaría dispuesto a rehacer algunas cosas, aunque no va a quedarse sentado esperando a que el teléfono suene porque «sólo hay una persona que lograría que eso pasara».
Perfume Genius ha estrenado la versión de estudio de una canción que recientemente ha formado parte de su repertorio. Se trata de ‘Rusty Chains’ y esta es su explicación oficial: «es una canción sobre un hombre cuyo amante ha muerto. Recuerda los momentos antes de que su compañero enfermara, cuando todo parecía seguro e infinito. Pide ser llevado también para que ambos puedan estar juntos de nuevo».
Según Nvivo, Kitty Daisy and Lewis se suman al cartel de Blues Cazorla, por donde también pasarán otros artistas como Rosendo, Eric Sardinas, Playing for Change, Lucky Peterson, Keb Mo, Bob Margolin, Kenny Smith, Johny Sansone, California Honey Drops, Bob Stroger, Diunna Greenleaf, The Mannish Boys y Travelin’ Brothers Big Ban. El festival se celebra en el Auditorium Municipal de la Plaza de Toros de Cazorla (Jaén), del 19 al 21 de julio. Más información, en la web oficial.
Febrero ha estrenado el vídeo para la pegadiza ‘La cuenta atrás’, uno de los temas incluidos en su segundo disco, que se llama como un capítulo de Cuatro en Alicante de Chico y Chica: ‘Altos vuelos’. El álbum, editado gracias al apoyo de sus fans en la plataforma de crowdfunding Verkami, se promociona ahora con un vídeo colorido y optimista, bastante literal para una canción muy «física o química», que podría interesar a los seguidores de Lori, Vetusta y compañía.
Jack White se ha metido en una movida con la organización del Guinness de los Records, después de que, según él, no reconocieran un show de White Stripes como el concierto más corto del mundo. Un show de un milisegundo que tuvo lugar en 2007 y que podéis disfrutar debajo. A pesar de que el concierto apareció en un libro oficial de 2009, luego se quitó porque varias bandas estaban intentando superarlo con otro set más corto. White ha dicho que se trata de una «organización arbitraria» y desde los Guinness le han invitado a conseguir entrar en el libro de cualquier otra forma.
La nueva tontería de Jack White ha sido contestar a esto y proponer, mediante una nota de prensa, conseguir el récord mundial de «mayor número de metáforas en un solo concierto». En el absurdo texto recogido por Pitchfork, invita a los asistentes de la presentación mundial de ‘Blunderbuss‘ a no interferir en el curso de las metáforas que se vayan produciendo y a producir algunas ellos mismos.
El próximo 23 de mayo Kanye West estrenará en Cannes, fuera de competición, su cortometraje ‘Cruel Summer’, inspirado en su disco colaborativo del mismo nombre de su sello GOOD Music, y del que ya se conocieron el mes pasado las canciones ‘Mercy’ y ‘Cold’ (la del Theraflu). Kanye ha descrito la producción audiovisual como «una mezcla de corto e instalación de arte» y una «experiencia de siete pantallas». Os dejamos con su trabajo previo para ‘Runaway’.
En las últimas horas ha aparecido en la red una grabación inédita de Lana del Rey cuyo destino se desconoce. Su título es ‘Never Let Me Go’, se trata de una balada popera orquestada y en caso de aparecer en ‘Born To Die‘, no habría sido su peor contribución.
Debate a lo largo de páginas y páginas y páginas sobre todo esto en el foro de Lana del Rey.
Paolo Sorrentino es el director italiano más interesante de la actualidad. Después de llamar la atención de la crítica con ‘Las consecuencias del amor’ (2004), puso Cannes a sus pies con la celebrada ‘Il divo’ (2008). Allí conoció a Sean Penn, que estaba como presidente del jurado, y decidieron trabajar juntos. El fruto de esa colaboración es la excéntrica ‘Un lugar donde quedarse’, que llega a España un año después de estrenarse en el festival.
El título original, ‘This Must Be The Place’, hace referencia a la popular canción de Talking Heads (“y no a la de Arcade Fire”, como dicen con sarcasmo en la película). Leitmotiv sonoro y anclaje narrativo que aparece en la película en distintas versiones, una de ellas interpretada por el propio David Byrne. Y es que uno de los aspectos que más destaca de la película es su estupenda selección de canciones -de Jónsi & Alex a Iggy Pop- y su fabulosa banda sonora compuesta por David Byrne y Will Oldham.
Las canciones interpretadas por el irlandés Michael Brunnock acompañan el extraño viaje de Cheyenne, una vieja rock star decadente, deprimida y peterpanesca. Un trasunto extremo y con resaca crónica de Robert Smith en plena búsqueda de “un lugar (mental, emocional) donde quedarse”. Por medio de una puesta en escena tan retórica como hipnótica, un sentido del humor esquinado y unos personajes al borde de la caricatura chanante, Sorrentino nos cuenta, en tono de tragicomedia, el proceso de maduración tardía de un personaje desubicado, un cincuentón embalsamado que encuentra en un inesperado hallazgo el mejor motivo para agitar su monótona existencia. Un hombre que ha traspasado el umbral del desencanto y que ha viajado del “así va a ser mi vida” al “así es la vida”. 7,5.
Además de Hunx & His Punx o The Advent, entre otros, hoy 19 de mayo estarán en Razzmatazz Clubs Spleen United, uno de los grupos claves de la escena electro-rock danesa. El grupo se ha hecho un nombre tras el disco de oro de sus dos primeros álbumes, ‘Godspeed into the Mainstream’ (2006) y ‘Neanderthal’ (2008). El primero contenía el buen tema que daba título a la formación, ‘Spleen United’, mientras que el segundo llegó a ser número 1, conteniendo hits como ‘Suburbia’ y ‘My Tribe’.
En 2010 la banda fue noticia por realizar un evento multidisciplinar tocando durante 24 horas seguidas. Aquella mega-jam session de arte moderno aún puede ser recordada en esta web. Spleen United han publicado al fin en 2012 ‘School of Euphoria’, un nuevo disco que contiene ‘Sunset to Sunset’, relacionada con aquel experimento creado hace dos años, y el sencillo ‘Days of Thunder’.
La noticia de quién es el músico más rico del mundo siempre es atractiva para un medio de comunicación, y así aparece hasta en blogs donde no se suele hablar ni de pasta ni de listas de éxitos, como Stereogum. Sobre todo si el protagonista es alguien de fama tan buena y tan mala como Bono.
U2 son obviamente uno de los grupos más importantes del planeta desde hace más de 20 años. Lejos de verse devorados por el «hype» creciente de discos como ‘Boy’, ‘War’ o ‘The Unforgettable Fire’, se superaron con ‘The Joshua Tree’, después más todavía con el fantástico ‘Achtung Baby’, y personalmente añadiría también que dejaron al mundo helado con el extremo, kitsch y hoy inimaginable ‘Pop’. Lo increíble es que el autor principal de tanta obra magna siga emperrado en ver su imagen deteriorarse por un puñao de parné que no necesita para nada.
La popularidad de Bono fue degradándose desde mediados de los 90. Después de haber clavado la bandera blanca en Live Aid, tanto insistió con las causas benéficas y su comportamiento mesiánico sobre el escenario que muchos empezaron a hartarse de él, incluso mucho antes de la llegada de las redes sociales. Recuerdo, por ejemplo, diversas ridiculizaciones (alguna en forma de divertida tira cómica) en Rockdelux y un nombramiento en el NME como persona más «uncool» del planeta. En aquella época -lo confieso-, me fastidiaba, pero él mismo ha ido haciendo méritos para dar razón a sus detractores.
La evasión de impuestos a Holanda en 2007 -que justificaron alegando que el 95% del dinero que generaban U2 no procedía de Irlanda y que pagaban impuestos por todas partes-, tras varios años de discursos sobre la condonación de la deuda externa, no contribuyó en nada para reconciliarse con el varias veces nominado a Premio Nobel de la Paz. Tampoco unos discos cada vez más conservadores y predecibles que se han mantenido en listas de éxitos sólo por el apoyo de sus millones de incondicionales. Ahora, con el 2,3% de las acciones de Facebook (aquí, el perfil de U2, por si os queréis hacer fans) adquiridas en 2009 y su llegada a Bolsa, se estima que Bono cuenta con una fortuna de 1.500 millones de dólares de nada, lo que le sitúa como número 1 entre los músicos (incluso por encima de Paul McCartney), en la bonita causa del enriquecimiento personal. El hombre que lanzaba billetes al público durante la magistral y autoparódica performance de ‘Desire’ en la gira Zoo TV siempre había mostrado un gran interés por los negocios (Forbes, algún hotelillo, etcétera), ¿pero era necesario regodearse con lo más grande que hay?
U2 siempre han tenido una conciencia espectacular de grupo, saben muy bien qué posición ocupan en la historia y para ellos ha sido muy importante mantenerse unidos sin ningún tipo de rumor sobre su separación o retirada a la vista. A diferencia de los Rolling, Depeche o The Cure, con alguna excepción anecdótica como el hermano de The Edge de los tiempos en que se llamaban The Hype, no tienen ex miembros. Siempre han sido cuatro muchachos, Bono, The Edge, Larry Mullen Jr y Adam Clayton, que se conocieron a través de un anuncio colgado en el tablón de la escuela. Con un «background» tan romántico, extraña todavía más que Bono, que por cierto ha resistido las tentaciones de la fama casado con la misma persona desde hace treinta años, siga su camino hacia la impopularidad bañándose en montañas de panoja mientras la juventud sufre el paro, y la plebe, recortes.
Cuando los rumores les sitúan colaborando con RedOne, el productor de Lady Gaga, para su próximo larga duración (esperemos que se confirme sólo a Danger Mouse), cuesta definitivamente creer que sea la envidia lo que nos ha llevado a odiarle un poquito. Por a y por b, durante los últimos 15 años, cada día ha sido más difícil encontrarse un vinilo o un CD de U2 en la estantería sin pensar cosas extrañísimas.
The Guardian ha publicado un artículo en el que hablan sobre la muerte de Donna Summer, citando los mensajes de reconocimiento que han enviado públicamente artistas como Madonna, Elton John o Liza Minelli. Más interesante todavía son las palabras que ha escrito para el prestigioso periódico Joe Goddard de Hot Chip, que aparecen como columna aparte.
Bajo el título «‘I Feel Love’ cambió todo» presenta un texto en el que habla de la importancia de esta producción. «Salió en 1977, un año que se supone importante para el punk, pero en el que, junto a Kraftwerk, fue este sencillo el que realmente cambió todo. La idea de que la música de baile era el «funk» y el «groove» se desvaneció y en su lugar se convirtió en algo muy robótico, con sonido como de máquina. Para una generación entera, y para bandas como Human League, fue muy importante. Tanto, que su influencia en el house y en el techno y todo lo demás que vino después es inmensa». Finalmente, Joe Goddard dice que hace poco recibió una petición de un grupo joven para producirles sonando a ‘I Feel Love’ y elogia, además de a Moroder, la habilidad de Donna Summer de «perderse en sus discos». Recomienda su álbum ‘Bad Girls’.
Antony & The Johnsons sacará un disco en directo, ‘Cut The World’, el próximo 6 de agosto. El disco contendrá versiones orquestadas de sus cuatro primeros discos y fue grabado el pasado mes de septiembre en Copenhague. La canción que da nombre al disco es inédita, extraída de su espectáculo ‘The Life and Death of Marina Abramović’, que recientemente se estrenó en Madrid. Puedes oírla en vivo bajo el tracklist.
1.-Cut the World
2.-Future Feminism
3.-Cripple and the Starfish
4.-You Are My Sister
5.-Swanlights
6.-Epilepsy Is Dancing
7.-Another World
8.-Kiss My Name
9.-I Fell in Love With a Dead Boy
10.-The Rapture
11.-The Crying Light
12.-Twilight
Un anuncio internacional de Volkswagen se ha «inspirado» en el ‘Take Care’ de Beach House para su nueva campaña, una práctica muy habitual en el mundo de la publicidad a día de hoy (sonar parecido a un tema «x», pero sin ser el mismo). La noticia es curiosa porque recientemente el grupo, en una entrevista, nos indicaba que para evitar ser demasiado famosos no hacían «anuncios y muchas cosas que podrían» hacerles más famosos. A pesar de esta campaña, probablemente involuntaria, Pitchfork recuerda que otro tema suyo sí salió en un anuncio de Guinness hace un par de temporadas. ¿Quizá se referían a hacer anuncios de cuerpo presente?
Según las primeras previsiones («midweeks»), ‘Bloom’ ronda el top 10 en su primera semana tanto en EE UU como en Reino Unido.
Al margen de su peculiar directo, tan fascinante para nosotros como indignante para otros, John Maus tiene más rarezas. Las recopilará en un disco que saldrá el próximo 16 de julio, ‘A Collection of Rarities and Previously Unreleased Material’. Serán 16 canciones. De ellas, cinco (‘This is the Beat’, ‘Castles in the Grave’, ‘Bennington’, ‘My Hatred is Magnificent’ y ‘No Title (Molly)’) han aparecido en varias recopilaciones. Dos (‘Angel of the Night’ y ‘Lost’) nunca se han publicado en ningún formato. El resto, sí apareció en ‘Demos 2011’, un puñado de cortes que se colgaron en mausspace.com.
Como es habitual, habrá edición limitada y numerada de 3000 vinilos, y otra más limitada todavía de 500 en rosa transparente. Más información, aquí. Este es el tracklist y uno de los temas, ‘Mental Breakdown’.
1. North Star (2008)
2. The Law (2003)
3. Castles in the Grave (2010)
4. Angel of the Night (2010)
5. Mental Breakdown (2004)
6. Bennington (2007)
7. Big Dumb Man (2003)
8. No Title (Molly) (2008)
9. Lost (2003)
10. All Aboard (2007)
11. This is The Beat (2005)
12. My Hatred is Magnificent (2008)
13. The Fear (2003)
14. Fish With Broken Dreams (1999)
15. Rock the Bone (2008)
16. I Don’t Eat Human Beings (2008)
Handsome Furs, uno de los grupos de los que más disfrutamos con motivo de la pasada edición del San Miguel Primavera Club, ha anunciado su separación. El dúo, compuesto por Dan Boeckner (de Wolf Parade, separados temporalmente) y su esposa Alexei Perry, ha publicado el siguiente mensaje: «Con un fuerte dolor de corazón, ha llegado el momento de haceros saber que Handsome Furs ya no existen. Lo más importante que tenemos que decir ahora es lo agradecidos que estamos a nuestros fans de todo el mundo, que nos mostraron su amor y apoyo a lo largo de los años. Gracias por todo. Han sido seis años increíbles y os los debemos a vosotros».
Según recuerda Pitchfork, el pasado mes de marzo cancelaron una serie de conciertos por problemas de salud. Su último álbum ha sido por tanto ‘Sound Kapital‘, de 2011. Os dejamos con la increíble ‘What About Us’.
Dos años después de que el dúo sueco pasara por nuestra sección «revelación o timo«, se publica al fin el debut largo de Niki & The Dove. ¿Qué ha pasado desde entonces? iamamiwhoami ha tomado casi oficialmente el testigo de Fever Ray, han progresado tantos grupos próximos a su sonido (Austra, Grimes, Chairlift…) que la reivindicación de los sintetizadores de Enya ya no es tan exótica, Florence & The Machine es una superestrella hasta en Estados Unidos y ha arrasado -al menos en la red- la banda sonora de ‘Drive’.
Malin Dahlström y Gustaf Karlöf no se han olvidado de nosotros. Singles, vídeos y EP’s como ‘The Drummer‘, ‘Mother Protect‘, ‘The Fox‘ o ‘Tomorrow‘, sucediendo a su llamativo tema de debut, ‘DJ Ease My Mind’, han mantenido vivo el hype. Todos ellos aparecen en este disco que sale ahora, y no seré yo quien abogue por tener esas pistas desperdigadas por aquí y por allá en lugar de en este lanzamiento reunidas. Sin embargo, hay que reconocer que en estos dos años se ha perdido el efecto sorpresa y con él, parte de su encanto.
¿Cómo justificar esta espera? El sonido de Niki & The Dove no es tan impactante después de todo. Tomando parte de las texturas salvajes de Kate Bush, las melodías de Fleetwood Mac y las producciones más accesibles de The Knife, el grupo construye su sonido con un importante peso de la percusión tribal, y con múltiples referencias en las letras a la naturaleza («amores más viejos que el cielo», etcétera) y a cosas tan espirituales como el lenguaje corporal. «Voy a enseñarte lo que significa respirar fuego», cantan en ‘Tomorrow’, mientras ‘The Drummer’ hace un paralelismo entre el ritmo y los latidos de corazón.
Así pues, no hay nada excesivamente novedoso en ‘Instinct’ (una canción mejor que ‘DJ Ease My Mind’ habría ayudado), si bien no podemos negar el encanto de ‘In Our Eyes’, ‘Last Night’, ‘Love To The Test’ o ‘Winterheart’, que también podrían atraer a los seguidores de Lykke Li, Little Boots o Ladyhawke.
Calificación: 6,8/10 Lo mejor: ‘DJ Ease My Mind’, ‘Tomorrow’, ‘The Drummer’ Te gustará si te gustan: Chairlift, The Tough Alliance, Kate Bush Escúchalo: Soundcloud
Si algo tienen en común Najwa Nimri y Raúl Santos y Johnny Depp y Tim Burton (por poner un ejemplo cualquiera) es que forman un par de alianzas artísticas que no sorprenden ya a nadie, pero tienden a dar buenos resultados. Sin embargo, mientras Burton acumula por cada nueva producción mil críticas que lo tachan de predecible y de no arriesgar, el “matrimonio” de la también actriz y el ex batería de Los Planetas ha elaborado a lo largo de estos años una carrera llena de discos cada vez menos comparables entre sí. ¿Quién esperaba en los tiempos de ‘Mayday’, su mejor álbum, un trabajo como ‘El último primate’? 
El próximo 31 de mayo y el 1 de junio Vetusta Morla actuará junto a la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia en un concierto benéfico para apoyar la reconstrucción del Conservatorio Narciso Yepes de Lorca, que fue destruido por completo en el terremoto que asoló al municipio hace ahora un año. Profesores de esta institución querían adaptar canciones del grupo para orquesta, pero a los de Tres Cantos les gustó tanto la idea que decidieron sumarse al proyecto para ofrecer el concierto más especial que han dado en sus más de diez años de andadura. Charlamos con Guillermo Galván, teclista y guitarra de la banda, sobre tocar con ochenta músicos a tus espaldas, el disco en directo de Portishead de 1998, el éxito de ‘Mapas’, la revolución musical pendiente y la gira que les llevó por Inglaterra, Estados Unidos y México, entre otras cosas. Os recordamos que Vetusta Morla tienen varias fechas por todo el país los próximos meses, lo que incluye el Bilbao BBK Live, Mérida Indie, 
Si hace unos días Maria Rodés nos desvelaba la fantástica ‘
Nicki Minaj ha estrenado esta semana el vídeo de ‘Right By My Side’, otro de los singles de su segundo álbum 
Una de las joyas que nos trae el San Miguel Primavera Sound este mes es el regreso de The Afghan Whigs, que a finales de 2011 nos anunciaban su reunión. Los autores de ‘Gentlemen’ o ‘1965’ han estrenado su primera nueva canción en más de cinco años (en 2006 se reunieron levemente para un recopilatorio). Se trata, eso sí, simplemente de una versión de ‘See and Don’t See’ de Marie «Queenie» Lyons, grabada a finales de los 60. Esta es la original.
Primero supimos 
Perfume Genius ha estrenado la versión de estudio de una canción que recientemente ha formado parte de su repertorio. Se trata de ‘Rusty Chains’ y esta es su explicación oficial: «es una canción sobre un hombre cuyo amante ha muerto. Recuerda los momentos antes de que su compañero enfermara, cuando todo parecía seguro e infinito. Pide ser llevado también para que ambos puedan estar juntos de nuevo». 
Febrero ha estrenado el vídeo para la pegadiza ‘La cuenta atrás’, uno de los temas incluidos en su segundo disco, que se llama como un capítulo de Cuatro en Alicante de Chico y Chica: ‘Altos vuelos’. El álbum, editado gracias al apoyo de sus fans en la plataforma de crowdfunding Verkami, se promociona ahora con un vídeo colorido y optimista, bastante literal para una canción muy «física o química», que podría interesar a los seguidores de Lori, Vetusta y compañía.
En las últimas horas ha aparecido 
Paolo Sorrentino es el director italiano más interesante de la actualidad. Después de llamar la atención de la crítica con ‘Las consecuencias del amor’ (2004), puso Cannes a sus pies con la celebrada ‘Il divo’ (2008). Allí conoció a Sean Penn, que estaba como presidente del jurado, y decidieron trabajar juntos. El fruto de esa colaboración es la excéntrica ‘Un lugar donde quedarse’, que llega a España un año después de estrenarse en el festival.
Además de 
La noticia de quién es el músico más rico del mundo siempre es atractiva para un medio de comunicación, y así aparece hasta en blogs donde no se suele hablar ni de pasta ni de listas de éxitos, como 
Al margen de su peculiar directo, tan 
Handsome Furs, uno de los grupos de los que más disfrutamos con motivo de la pasada edición del 
Dos años después de que el dúo sueco pasara por nuestra sección «