Green Day han dado una sorpresa publicando el casi notable ‘¡Uno!’, están a punto de publicar ‘¡Dos!’ y tenían que publicar ‘¡Tré!’, la última parte de su trilogía, en enero de 2013. Sin embargo, este lanzamiento ha sido adelantado a diciembre debido a que continúan los problemas con las adicciones de Billie Joe Armstrong, desde hace unas semanas en rehabilitación, y han querido compensar a sus fans por la falta de promoción (y de paso vender unas cuantas copias extra en Navidad). «Obviamente el calendario no es el ideal, pero la salud de Billie Joe es nuestra principal preocupación», se indica en la web oficial. «Estamos contentos de poder decir que Billie Joe está muy bien, y queremos agradeceros el apoyo absoluto que estamos recibiendo. No podemos esperar para veros». ‘Tré’ saldrá finalmente el 11 de diciembre de 2012. El grupo ha cancelado su gira, que les iba a llevar a Estados Unidos, hasta 2013.
Green Day cancelan su gira, pero adelantan ‘¡Tré!’
Baladón de One Direction
Tras ‘Live While We’re Young’, el primer single de su segundo disco, número 1 en Irlanda y Nueva Zelanda, One Direction han compartido el segundo, la baladita ‘Little Things’, que fue estrenada ayer en la BBC y subida a Youtube en forma de lyric video. El vídeo verdadero está en camino. ‘Little Things’, destinada a conquistar vuestros corazones navideños, ha sido co-escrita por el cantautor Ed Sheeran. El álbum ‘Take Me Home’ sale a la venta el 12 de noviembre.
Primera exposición de Javier Aramburu
Este lunes nos ha dejado una gran alegría: habrá exposición en Madrid con la obra del esquivo Javier Aramburu, miembro de Family (el año que viene habrá reedición en vinilo de su único disco ‘Un soplo en el corazón’, coincidiendo con el 20º aniversario) y responsable de ilustraciones y diseño gráfico de discos de Los Planetas, Fangoria, La Buena Vida o Single. En la confluencia de las calles Alameda y Almadén de Madrid, entre los días 30 de noviembre y 16 de diciembre, Javier Aramburu ofrecerá su primera exposición, que según la nota de prensa acogerá «una obra altamente personal, realizada durante estos últimos cinco años de retiro tras abandonar la labor por la que ha sido reconocido hasta el momento».
La nota concluye de la siguiente manera: «En 2007 Aramburu decidió volver al punto de partida, regresar al dibujo y la pintura. Un giro en el que parecen leerse las palabras de Josep Plá: «Yo no estoy a favor del progreso, yo estoy a favor del regreso». En esta primera exposición, lejos de ocultarse tras la estética creada para otros, Javier Aramburu se expone, limitando su radio de observación a su entorno más íntimo y concentrando su energía en retratarlo. La muestra consta de más de quince dibujos, otros tantos óleos y sus seis primeros grabados. Obras de lenta elaboración, de formato generalmente pequeño, que revelan a personas y cosas próximas escrutadas con la intensidad y la cercanía que sólo esa proximidad permite. Y es en su tratamiento, en su particular equilibrio entre potencia y contención donde radican la singularidad y el poder de estas obras. Primera exposición es un trabajo en curso que arranca de una convicción: la contemporaneidad de la que son capaces el dibujo y la pintura desde la conciencia de su tradición. Un trabajo en el que el rigor y la independencia que ha venido caracterizando a su autor quedan subrayados. Aramburu sigue prefiriendo no añadir palabras. Sus imágenes –ahora más que nunca– hablan por él».
Una versión digital de estas obras podrá verse en su página web a partir del día 7 de noviembre.
Calvin Harris / 18 Months
Ya no me acuerdo de si cuando Calvin Harris publicó ‘Acceptable in the 80’s’, una canción que podríamos considerar premonitoria, definitoria o autoparódica de su carrera, nos reímos de él o con él, pero lo seguro es que él se ha reído el último. Sin que casi nadie lo viera venir, su tema escrito para Rihanna ‘We Found Love‘ se ha convertido en un superventas internacional como hay pocos, vendiendo millones de copias y conquistando incluso a medios que pasan tanto del pop como Pitchfork, donde -recordemos- ni Hurts ni The Sound of Arrows ni Lady Gaga ni Adele ni Katy Perry han sido reseñados con sus últimos discos.
Calvin Harris ha trascendido fronteras, gustos y estratos sociales por países, de los USA a los polígonos pasando por los gays y los indies con esta canción que parecía una horterada pero que a la larga ha resultado una obra maestra en su estilo, una de mis canciones favoritas, así en general. De la misma forma que parece un cénit también para una Rihanna que se había interesado por Europa desde siempre (‘SOS’ sampleaba ‘Tainted Love’).
Otros singles anteriores y posteriores de ’18 Months’ (¿cuántos van? ¿cinco?) siguen una estrategia similar. Harris escoge un sintetizador y le da brillo en forma de subi-subidón en un momento u otro de la canción. A veces es el estribillo, otras un puente, otras el final, y otras toda la canción va bien servida de zapatilla. Este cansino y bochornoso recurso funciona a Calvin mucho mejor que a David Guetta. Su producción no es espectacular ni siquiera cuando imita a Daft Punk (‘Iron’), pero hay algo en sus composiciones que las hace sonar naturales y misteriosamente poco forzadas. Seguro que tiene mucho que ver que en su Twitter se siga mostrando como una persona sencilla, llana, con los pies en la tierra y sentido del humor. También que Kelis, Ellie Goulding, Rihanna, Florence y Example molen mucho más que will.i.am, Flo Rida, Usher y Sia.
Puede parecer oportunista que ‘We Found Love’ esté por aquí tantos meses después de su edición, pero hay que recordar que es una composición en música y letra exclusiva de Calvin Harris. Y de repente te sorprenderá averiguar que ni siquiera es la canción que ahora mismo más engancha del tracklist, mérito que hoy por hoy cae en el nuevo sencillo, el irresistible ‘Sweet Nothing‘ de Florence. ‘Bounce’ con Kelis, ‘Feel So Close’, ‘We’ll Be Coming Back’ con Example, ‘I Need Your Love’ con Ellie Goulding, ‘Let’s Go’ con Ne-Yo y hasta ‘Awooga’, que -ahora sí- funciona en el tracklist, van completando una secuencia de vértigo en la que Harris ha tenido el detalle de incluir alguna gracieta instrumental funky como ‘School’ para relajar un poco de tanto baile (la intro del álbum mola menos). ’18 Months’ parece un «grandes éxitos», pero no lo es. Es el tercer disco de un artista que roza la perfección pop. El mejor álbum de pop desde hace siete meses, ese que nunca han sabido darnos ni Lady Gaga ni Britney ni siquiera Rihanna.
Calificación: 8,4/10
Lo mejor: ‘Sweet Nothing’, ‘We Found Love’, ‘We’ll Be Coming Back’
Te gustará si: en el fondo siempre has sido un poco bakala
Escúchalo: Deezer
Muere Natina Reed de Blaque
Natina Reed, una de las integrantes del grupo Blaque, ha muerto en Atlanta al ser atropellada por un coche cuando cruzaba la calle, según informa MTV. Tenía 32 años. Había sido precisamente una protegida de Lisa «Left-Eye» Lopes de TLC.
Los aficionados al R&B de los 90, últimamente tan reivindicado por todo tipo de artistas, recordarán a Blaque por sus éxitos ‘Bring It All To Me’ y ‘808’. Ambos fueron top 10 en Estados Unidos y top 40 en Reino Unido. Después de ellos la banda sólo llegó a sacar dos discos más, ‘Blaque Out’ (2002), un estrepitoso fracaso que Natina consideraba en realidad su mejor álbum, y ‘Torch’ (2004).
Ed Sheeran y Taio Cruz versionan a Rihanna
Estos días han aparecido en Internet dos versiones de temas de Rihanna, una de Ed Sheeran y otra de Taio Cruz. Taio Cruz aprovechaba su llegada a su nuevo estudio en Los Ángeles para grabarse interpretando una versión al piano de ‘Diamonds’, último single de la de Barbados. Bien cargadito de autotune, porque estamos seguros de que este hombre ha pasado por algún tipo de cirugía que le ha colocado el dispositivo en el interior de su cuerpo.
Por otro lado, Ed Sheeran hacía lo propio con el que fue el primer sencillo del disco anterior de Rihanna, ‘We Found Love’, a su paso por un programa de radio. Sólo su guitarra y su voz son suficientes para ofrecer una versión transformada y calmada del éxito de Calvin Harris.
¿Confirmado en una gorra el nuevo disco de Eminem?
Eminem tiene que ser diferente hasta en la manera de anunciar sus discos. O se trata de un error de cálculo. En la tienda de su web oficial han puesto a la venta una nueva gorra que en un lateral incluye una serie de fechas que marcan las salidas de sus trabajos en solitario y curiosamente el último año que aparece es 2013. En la leyenda de la tienda podemos leer: “el panel lateral está dedicado a las fechas de los discos en solitario de Eminem”. Ahora sólo nos queda esperar una confirmación un poco más oficial que una impresión en una gorra.
Tema inédito de Stevie Wonder para Obama
Stevie Wonder no publica material nuevo desde 2005, pero este 2012 Wonder ha encontrado un buen motivo para meterse en el estudio. Con el fin de apoyar la reelección de Barack Obama, el músico ha grabado un tema titulado ‘Keep Moving Forward’ de marcadas influencias árabes, no sabemos si muy acertadas. De calidad bastante dudosa y una letra panfletaria a más no poder, no sabemos si recopilará más votos para el actual presidente de los EEUU, pero no le hace ningún favor a la carrera de Wonder.
Nicki Minaj, princesa de cuento
Nicki Minaj presenta el tercer videoclip consecutivo para anunciar la reedición de su último disco. En esta ocasión es el prestigioso realizador Hype Williams el encargado de dirigir el clip para el tema ‘Va Va Voom’. Minaj aparece en un cuento de hadas como una especie de Cenicienta versión mamarracha con unicornios, espejos mágicos, madrastras y príncipes. Todo aderezado con unos efectos de vídeo que ni TVE en 1986, que nos hace pensar que el presupuesto se lo gastaron en el clip de ‘The Boys’.
De fiesta con Carly Rae Jepsen
Si alguien tiene el teléfono de Carly Rae Jepsen que la llame y le explique que no importa lo que se esfuerce: nunca va a conseguir igualar el éxito de ‘Call Me Maybe’. De momento no lo sabe y presenta el videoclip de su nuevo sencillo, ‘This Kiss’, en el que interpreta el tema en una fiesta. Hay tan pocas cosas reseñables en el clip que es muy probable que, después del primer minuto, la mayoría se aburra de esta versión adolescente de Katy Perry.
WTF: Rafa Mora saca tema y vídeo
En una época en la que el que no corre vuela y el más tonto hace relojes, cuando crees que lo has visto todo, llega algo nuevo que te vuelve a dejar de pasta de boniato.
Resulta que Rafa Mora, ese personaje conocido por ser tronista de MYHYV, ha decidido seguir la estela de otras grandes figuras de la canción como Álex Lecquio o Kiko Rivera, pero dándole una nueva vuelta de tuerca. La gran diferencia esta vez es que él ni siquiera canta, sino que solo aporta su imagen, sus risas y unos interludios horteras ad nauseam, siendo el rapero Subze el que pone la voz y la letra a un tema que relata la vida y milagros del «tete» por antonomasia.
Mientras que en casos parecidos se nos suele escapar una sonrisa socarrona alimentada por el patetismo morboso del personaje en cuestión, en este caso no. Hubiera sido gracioso si toda la broma se hubiese limitado a esa intro en el gimnasio, con el nivel de un diálogo de película porno gay. El problema es que la prosa refinada de sus historias con tronistas y personajes del corazón o las elegantes estrofas en la línea de “Con él (Kiko Rivera) se quitan el top, con nosotros se quitan las bragas” mientras teclea cifras de muchos ceros en su calculadora, quedan eclipsadas por el insulto que suponen otras como “Ese que tacháis de tonto está cobrando más que un médico”. Eso sí, al fin y al cabo, posiblemente tenemos lo que nos merecemos: ya lo dice Subze, “Más seguidores en su Twitter que en el de Rajoy”.
‘El índice del miedo’: el monstruo de las finanzas
Robert Harris es uno de los más destacados herederos de esa tradición literaria británica que empieza con Joseph Conrad, pasa por Graham Greene y continua con John Le Carré. Novelistas superventas que ponen su formidable talento al servicio de atractivas tramas con las que iluminar diferentes aspectos del mundo contemporáneo. Lúcidos analistas del presente disfrazados de espías, aventureros o patricios romanos.
Después del éxito de ‘El poder en la sombra’ (adaptada de forma magistral por Roman Polanski en ‘El escritor’), se publica su última novela, ‘El índice del miedo’ (Grijalbo). Con su destreza habitual para enganchar al lector (solo hay que leer el adictivo primer capítulo), Harris construye un apasionante tecno-thriller que traza sugestivas relaciones con el presente -la actual coyuntura económica- y reveladoras asociaciones: Frankenstein con Wall Street, el cibercapitalismo con ‘El origen de las especies’, o la ciencia ficción gótica con un manual de economía financiera.
Ambientada en Ginebra, en la “lavadora del capitalismo”, la novela narra la historia de un científico (Alex Hoffmann) que desarrolla un sofisticado software financiero -un potente algoritmo que trabaja como un organismo digital de aprendizaje autónomo- capaz de predecir los movimientos de los mercados “alimentándose” del miedo de los inversores. Este “monstruo de las finanzas” funciona como símbolo de un mundo, el financiero, que parece vivir en una realidad paralela, líquida y altamente inestable, cuyos efectos sobre el mundo real son devastadores. Una realidad donde, por ejemplo, el accidente de un avión de pasajeros es interpretado en términos mercantiles suponiendo la pérdida o el beneficio de millones de dólares.
Como índica el título, ‘El índice del miedo’ es sobre todo una reflexión en forma de thriller sobre el sentimiento del miedo. El miedo a la maquina (que recuerda mucho al HAL 9000 ideado por Kubrick), el miedo a la bancarrota (la empresa que preside el protagonista es un «hedge fund», un fondo de inversión), el miedo a la enfermedad y la locura (principal miedo del científico protagonista), y el miedo como emoción humana más potente y verdadero motor de nuestra existencia. Como dice Alex Hoffmann en un momento de la novela: “¿Quién se despierta a las cuatro de la mañana porque está contento?”. 8,5.
Madonna pide el voto para Obama
«No me importa a quién votéis, siempre que votéis por Obama». Madonna ha sido muy clara durante uno de los conciertos de su gira americana y se ha querido asegurar de que ninguno de sus fans renuncie a su derecho al voto en las próximas elecciones de Estados Unidos. «De verdad, no me importa a quien votéis siempre que seáis responsables con el futuro de vuestro país. No deis por sentado este privilegio. Id a votar». El titular que circula por el mundo es que la han abucheado por esto, pero por lo que vemos en el vídeo, no es para tanto…
El paseo enfadado de Titus Andronicus
Isaac Ravishankara ha dirigido el vídeo de ‘In A Big City’, el primer single del álbum ‘Local Business’, que conocimos hace unas semanas. Un paseo de bastante mal humor no sólo por la ciudad que se queda a las puertas de terminar muy mal. El álbum está ya a la venta.
Muere Terry Callier
Terry Callier falleció ayer en su casa a los 67 años a causa de una enfermedad. Callier fue un músico de Chicago que, tras una fructífera carrera mezclando como pocos soul, jazz y folk durante los años setenta, compartió escenario y giras con artistas como George Benson o Gil-Scott Heron. Se retiró durante los años 80 para criar a su hija (tras ganar su custodia) y retomar sus estudios de sociología. Estuvo más de quince años sin tocar una guitarra, hasta que a mediados de los 90 su figura fue reivindicada por gurús como Eddie Piller, del sello Acid Jazz Records, que reeditó sus viejos álbumes.
En 1997, poco antes de que se publicara su primer álbum de estudio en dos décadas, ‘TimePeace’, Beth Orton cantaba su tema ‘Lean On Me‘ a dúo con el propio Callier, una colaboración que prolongarían en el disco ‘Central Reservation’, en el que el norteamericano hizo coros en numerosos temas. A partir de entonces le llegó el reconocimiento de otros artistas contemporáneos como 4 Hero o Massive Attack, que le escogieron para poner voz al single ‘Live With Me’ y que produjeron y participaron en la composición de ‘Hidden Conversations‘, último álbum de estudio que publicó Terry Callier.
Kylie / The Abbey Road Sessions
Tuvo que ser el cantautor sueco José González el que, en 2005, abriera los ojos sobre la valía de Kylie a todos los que odian el pop comercial por defecto. Los mismos que ponían cara de incredulidad cuando descubrían que aquella melancólica canción folk llamada ‘Hand On Your Heart‘ publicada en su Australian Tour EP era una versión desnuda de uno de los primeros éxitos de la Minogue en la factoría Stock, Aitken & Waterman. Está claro que a veces hay que quitárselo todo para llamar la atención.
Eso es justo lo que había hecho Kylie años antes con el ‘Impossible Princess’, aquella rareza que se atrevió a publicar en 1997 aprovechando que su carrera parecía terminada con la esperanza, quién sabe, de labrarse un futuro digno en la corriente independiente. Camino que pronto abandonó cuando embutida en unos shorts dorados resurgió de sus cenizas con el hedonista ‘Light Years’, el disco que puso otra vez a la Kylie producto por delante de aquella Kylie artista que González reivindicaba.
Favor que la Minogue ahora le devuelve recuperando aquella versión a guitarra en ‘The Abbey Road Sessions’, el capricho que la cantante se ha pegado para celebrar sus 25 años en la industria que nos venden como un grandes éxitos orquestal sin que la etiqueta sea del todo verdad. Y es que en lugar de encontrarnos con el delirio barroco que suelen suponer estos habituales encuentros con grandes bandas sinfónicas (de Metallica a Rocío Jurado la lista es interminable), en este disco reaparece aquella Kylie susurrante que existe sólo cuando las fans histéricas le dejan.
Precisamente son esos temas en los que su voz solo se acompaña de un piano o una guitarra los que mejor funcionan. Canciones reducidas a la mínima expresión que alcanzan un nuevo significado como ‘Better The Devil You Know’, ‘Never Too Late’, ‘I Believe In You’ o la ya mencionada ‘Hand On Your Heart’ que, así y todo, se quedan en anécdota comparadas con el resultado que alcanza el experimento en ‘Come Into My World’ y, sobre todo, ‘Where The Wild Roses Grow’, la balada necrófila que Nick Cave le regaló en 1995 y que ambos han vuelto a grabar con tal asepsia sentimental que acaban superando a la original.
Una proeza que se repite con ‘Finer Feelings‘, que pasa de ser una gran balada a convertirse en la sucesora del ‘Frozen’ de Madonna; ‘Slow’, el tema que Jessica Rabbit cantaría ahora enfundada en aquel mítico traje rojo de lentejuelas; y ‘Confide In Me’, que con el cambio parece que no ha cambiado nada.
No es lo habitual. A veces hay cosas tan perfectas que es mejor dejarlas como están, y por muy buena intención que haya detrás es imposible que hits míticos como ‘Can’t Get You Out Of My Head’, ‘On A Night Like This’, ‘Love At First Sight’ o ‘All The Lovers’ salgan indemnes de un desollamiento que, por el contrario, aguantan más que bien dos de sus clásicos, ‘The Locomotion’ y ‘I Should Be So Lucky’. Claro que después de haberlos escuchado retrabajados en casi todos sus directos, tampoco era complicado conseguirlo.
¿Conseguirá este álbum que los haters dejen de odiar? Ojalá. Pero hay que ser realistas y no olvidar que, por mucho que la portada pretenda captar estas navidades a todos los que regalaron a sus madres el año pasado el disco de Adele, ‘The Abbey Road Sessions’ no deja de ser un producto destinado exclusivamente a esos fans que tratan a Kylie como a la Virgen de Almatosa. Esos que compran el disco el primer día que sale a la venta para tener ‘Flower’, la única canción inédita que incluye este álbum; o lo que es más probable, para poder poner de fondo a su diva en una cena íntima sin miedo a que la rave comience antes de servir la ensalada.
Calificación: 6,5/10
Lo mejor: ‘Come Into My World’, ‘Finer Feelings’ ‘Where The Wild Roses Grow’
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Solange anuncia EP
Solange, la hermanísima de Beyoncé, publicará su nuevo EP el próximo 27 de noviembre. Se titulará ‘True’ y saldrá en el sello de Chris Taylor de Grizzly Bear. Serán 7 temas de los que ya pudimos escuchar el primer single producido por Dev Haynes, ‘Losing You’, quien, según parece, se ha encargado también de dar forma al resto de los temas. Este será el tracklist del EP:
1. ‘Losing You’
2. ‘Some Things Never Seem To Fucking Work’
3. ‘Locked In Closets’
4. ‘Lovers In The Parking Lot’
5. ‘Don’t Let Me Down’
6. ‘Look Good With Trouble’
7. ‘Bad Girls (Verdine Version) ‘
Revelación o timo: A*M*E
Originaria de Sierra Leona pero residente en Londres desde pequeña, A*M*E (o sea, Amy) ya está despuntando en el Reino Unido como algo más que una promesa del pop. Protegida por Gary Barlow, que la ha fichado para su sello Future (dentro de Universal), editó a principios de este año su primer single, cuando apenas contaba con 17 años. ‘City Lights’, producida por MNEK (Rudimental), era una buena pieza de pop contemporáneo, R&B con guiños al dubstep y pegadizo como él solo. Más tarde llegaron ‘Ride Or Die‘, producida de nuevo por MNEK (esta vez con toques de moombahton) y ‘Find A Boy‘, compuesta para ella por Emeli Sandé y producida por un habitual de esta, Naughty Boy.
Ya ha realizado alguna gira abriendo para Jessie J y JLS, y ahora parece que puede llegar su momento, gracias a un single fantástico como ‘Play The Game Boy’. Se trata de un tema que, entre referencias ochenteras, rebosa frescura y descaro, y que además cuenta con un clip de esos de los que es difícil despegar la vista y difícilmente se olvidan. Por el momento, publicaciones tan prestigiosas como Music Week la han situado como número 1 de su chart urban, desbancando nada menos que a Rihanna. Y eso que esto solo acaba de empezar.
Unos jóvenes Stones inauguran Beefeater In-Edit
En 1965, tras haber sido publicado ‘A Hard Day’s Night’ de los Beatles, el manager y productor de los Rolling Stones, Andrew Loog Oldham, contrató a Peter Whitehead para que realizara una prueba de cámara de sus chicos durante dos días de gira en Irlanda. Tras permanecer el material completamente olvidado excepto por algunos fragmentos filtrados en Internet, el director Mick Gochanour encontró la filmación en mal estado hace dos años y se propuso restaurarla minuciosamente junto al productor Robin Klein.
En ‘Charlie is my Darling’, que ha inaugurado el festival de cine documental musical Beefeater In-Edit, descubrimos a unos jóvenes Stones en el backstage improvisando melodías continuamente. Mick Jagger, azorado e inagotable, entona acompañado por la guitarra de un incansable Keith, que se atreve a desgarrar, sobrado de actitud a pesar de su juventud, ‘Needle of Death’.
Disfrutamos en directo de temas como ‘Heart of Stone’, ‘Play with Fire’, ‘Time Is On My Side’, ‘The Last Time’, ‘I’m All Right’ o, la interpretada por primera vez en público durante esta gira, ‘(I Can’t Get No) Satisfaction’. Desgraciadamente, los clips de conciertos delatan demasiados cortes, que dejan en evidencia el trabajo al que se sometió Gochanour para conseguir presentar la filmación con suficiente calidad. Sin embargo, el documental también puede ser considerado la crónica del cambio de una generación. No sólo en las entrevistas con los miembros de la banda (siempre planos cortos en blanco y negro con demasiado movimiento y repletos de ruido) podemos observarlo. “Los jóvenes están cambiando porque se han dado cuenta de que pueden hacer cosas que eran imposibles hace 50 años”, dice Mick Jagger en referencia al cambio de actitud de los años sesenta. En la cola de la entrada, Whitehead pregunta a una aglutinada juventud por qué ha dejado de cortarse el cabello y qué piensan de los medios informativos que critican a los Stones por ser “demasiado sucios”.
Tras terminar el primer día de concierto antes de lo previsto porque los asistentes del show consiguen acceder al escenario y agredir a los miembros de la banda, que crece demasiado deprisa, Charlie Watts parece sentirse obligado a explicar que lo sucedido no está vinculado con que las canciones que interpretan tengan un efecto inmoral, pues situaciones similares han sucedido en conciertos de los Beatles.
Resulta gracioso hacer referencia a este hecho porque, durante todo el documental, el grupo de Liverpool es nombrado continuamente, lo que lleva a pensar que toda banda británica trabajaba a la sombra del cuarteto inglés y, los Stones, guiados por su manager (ex asesor Beatle) todavía se encontraba en un momento demasiado prematuro como para diferenciarse de ellos, algo que lograrían a través de una oferta mucho más traviesa, agresiva y teatralmente sexual que acabaría por funcionar logrando que, en 1966, el grupo dejara de viajar en transporte público durante sus giras. 7,5.
Taylor Swift / Red
¿Tienes ganas de escuchar 16 canciones -22 en la edición deluxe- de Taylor Swift, rebautizada por nuestros usuarios como Taylor Zzzzz? Nosotros tampoco, pero nos puede la curiosidad cuando hablamos del que será uno de los discos más vendidos del año, sobre todo gracias a la fuerza con que ha irrumpido en Estados Unidos, donde se esperan más de 1 millón de copias despachadas sólo en los primeros siete días.
El excelente single ‘We Are Never Ever Getting Back Together‘, en mi opinión uno de los clásicos más claros de este 2012 (me encanta el «what??»), anticipaba un giro hacia el pop para la artista que se popularizara en ciertos sectores del mundo tras ser humillada por Kanye West en unos premios MTV (antes era más que nada pasto para adolescentes y habitantes de la América profunda). Sin duda, este ‘Red’ abre puertas en muchas direcciones. Una de ellas -lo habéis adivinado- es el dubstep (suspiro), que hace un simpático «featuring» en ‘I Knew You Were Trouble’, una de las dos pistas producidas por Max Martin y Shellaback, conocidos por sus labores junto a Britney Spears, por ejemplo. La otra es ’22’. ¿Recordáis que el sencillo -nos referimos al principal, porque en realidad van cinco o seis ya- incluía la simpática frase «encontraste la paz con un disco indie que mola mucho más que el mío»? Pues esta moderneta canción, casi propia de Ke$ha, arranca diciendo: «es la noche perfecta para que nos vistamos de modernos».
No hay más pistas en ‘Red’ en las que la belleza más aburrida del pop se disfrace de hipster, pero sí hay un par de momentos destacables más. Mientras el dúo con el siempre emocionado Ed Sheeran (‘Everything Has Changed’) es más predecible, destaca la aparición de Gary Lightbody de Snow Patrol en ‘The Last Time’, acompañado de su productor Jacknife Lee. El estribillo cantado a dos voces «esta es la última vez que te pido que me pongas al principio de tu lista» conformaría una de las mejores canciones del disco si al final la coda no resultara algo excesiva y larga. Más redondas son las aspiraciones de estadio a lo Coldplay (¿los llegará a llenar alguna vez en España?) de la inicial ‘State of Grace’ o la mandolina de la estupenda ‘Stay, Stay, Stay’.
En sus baladas clásicas, como ‘I Almost Do’, Taylor emociona lo mismo que una merluza, aburriendo hasta a las vacas del estado de Texas. Sin embargo, que celebremos que su éxito no llegue a nuestro país no significa que no podamos apreciar algunos de sus aciertos, como ‘The Lucky One’ o el corte titular. Lo primero que se ve al abrir el libreto del CD es un texto de Swift en el que se pone a hablar de Pablo Neruda y de cómo cree que el color «rojo» es el que se asocia mejor con sus emociones y -añadiríamos- rupturas varias, la última de ellas esta misma semana (no, ‘Red’ no tenía nada que ver con los Communards ni con la URSS). Cuando creíamos que esta canción estaría hecha para un anuncio de compresas, se revela en realidad como un single excelente que asocia emociones a diferentes colores (como Linda Guilala) en los estribillos sí, pero en las estrofas no. Un juego tonto que habría encantado a Katy Perry, sólo que mejor cantado.
Aunque carne de Grammy, ‘Red’ no es la obra maestra que venderán los medios más generalistas. Tampoco es el disco a ignorar como (no) dirán los independientes. En algún lugar en medio, como mínimo es la demostración de que todo funciona mejor cuando se cambian las cosas porque apetece, yendo bien; que como maniobra por desesperación, cuando las cosas van mal.
Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘We Are Never Ever Getting Back Together’, ‘Stay Stay Stay’, ‘Red’
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Escúchalo: de momento sólo el single en Spotify
Maria Coma: «Todo lo que se pueda hacer en el campo, mejor»
Maria Coma cierra este sábado 27 de octubre su gira ‘Magnòlia‘ en el Faraday Tardor, como ya anunciamos. Como podéis comprobar en su web han sido meses con decenas y decenas de conciertos llevados a cabo sobre todo en Cataluña, pero también en otros lugares como Madrid, País Vasco o Alemania. Aprovechamos el cierre de esta bonita era llena de grandes canciones y excelentes resultados para recuperar el encuentro que tuvimos con ella en una tetería de Madrid con motivo de una de sus visitas al Fotomatón.
Has estado de gira en otros países, como Alemania, en concreto en Berlín. ¿Qué tal ha ido?
Pues genial. La primera vez que fui a Berlín fue en agosto de 2011, cuando monté un concierto gracias a unos amigos. La gente que conocí me dio muy buen rollo y en octubre volví en condiciones mejores. En abril de este año monté minigira de tres conciertos en tres sitios nuevos y llené, y la gente parecía encantada.
¿Cómo puede ser que una artista de aquí encuentre su público sin el apoyo de un sello enorme? ¿Sobre todo va a verte gente de aquí o cómo?
Había catalanes y españoles, y la otra mitad eran alemanes. No sé cómo se acaban enterando, la verdad. Unas chicas bailarinas me contaron que me descubrieron por casualidad. También había ingleses.
La verdad es que yo vi actuar en Berlín a Sundae, y creo que yo era el único español, era un pequeño festivalillo… ¿Lo tuyo era algo así?
No, toqué sola los tres días. El tercer día después de mí había otra banda, pero era como una entrada aparte. A mí me sorprendió, ya que pagas… El otro era jazz moderno y lo mío… no sé.
¿No sabrías cómo definirlo?
Siempre digo: «escuchadlo», es un híbrido de cosas.
¿Por qué os molesta tanto a los artistas clasificaros en un género?
Me gusta decir a la gente que lo escuche y que ya verán. Creo que tengo influencia clásica, con melodías pop, pero también me da por improvisar en directo, aunque no a lo jazz… Me gustan muchas músicas, como Patrick Watson. Toqué con él en Barcelona como telonero y así le descubrí. Me quedé impresionada y ellos son muy buena gente. También coincidí con él en Berlín y me invitó a su concierto. Me gusta mucho.
¿Qué significa tocar en directo por lugares tan diferentes? ¿Es lo que más te gusta?
Cuanto más viajo, más siento que estoy haciendo lo que quiero hacer. Tocar en Cataluña está muy bien, pero salir y tener un público nuevo es emocionante. Igual he tenido mucha suerte con dónde he ido, o igual es que es algo nuevo para mí.
Magnetic Fields nos decían en una entrevista que quien diga que le gusta girar, miente…
He viajado mucho pero de gira no vamos muy lejos, apenas salimos de Cataluña. Imagino que una gira por Europa es más cansado y debe de ser un follón. De todas formas, siempre he viajado sola, me encanta, conocer gente… Me suelo quedar en casas de amigos. Ir a hoteles supongo que no está tan bien.
Esta gira que has hecho ha conocido diversos formatos, ¿verdad?
Manejo tres formatos: voy sola cuando viajo o cuando hay un piano de pared en el local. En este formato me siento un poco más libre. Me agota muy poco, es muy natural. Con la banda de batería, guitarra, pedales… tiene mucha fuerza pero has de poner más energía y atención para los otros músicos, pero bueno, me emociona ver a gente tocando mis canciones. Y luego a veces se nos une el Quartet Brossa.
¿Te es muy costoso viajar con un piano?
A Madrid vine con piano para Fotomatón porque en este bar no hay piano y veníamos en coche, pero por ejemplo en Radio 3 tienen un piano de cola, pido que lo afinen y ya está. Con lo que viajo es un teclado, con una funda muy chula para poner pedales encima. Llevo un delay conectado, un sample encima…
¿Cuál es tu piano favorito para tocar?
En Berlín he tocado con uno de cola, otro de pared, uno de ellos muy antiguo… Es distinto. Cada piano tiene un tacto diferente. Personalmente escogería uno de pared, que me gusta más cómo suena que el de cola, con sus teclas de marfil… pero cada piano tiene su rollo.
‘Magnòlia’ está dedicado de hecho a quien te regaló un piano…
A mi abuela, que hizo el esfuerzo de regalármelo porque veía que me encantaba. Es el piano con el que grabé el disco. Para los músicos es muy importante el instrumento con el que trabajas. En aquel momento no lo sabía, pero qué suerte que me compré ese piano. Si no, lo habría tenido que alquilar…
Y con este no viajas, claro…
Este está en casa…
¿Cómo es que tus padres te apuntaron desde pequeña a música? ¿Son músicos? Los míos no lo hicieron…
Iba a una escuela muy pequeña que le daba mucha importancia a la música. Mi profesora era pianista y me flipaba verla. Desde los cinco años iba a una escuela en que te enseñaban instrumentos, y yo escogí el piano. Mis padres preferían el violín y siempre me dicen: «nunca te hemos dicho que tocaras». Mi padre toca la guitarra, la flauta, canta en masías… Mi tío sí era de la era de Maria del Mar Bonet, mallorquín, y en aquella época estaba muy metido en el mundillo. Pero hay gente de mi familia que no tiene nada que ver. Hay de todo.
¿Y qué opinan de tu música? ¿Les gusta?
El día de Navidad se nota mucho. Mi tío siempre se pone a tocar y cantamos todos, y la última Navidad, fue un concierto en familia de 40 personas como en un salón. Ahí está bien tocar porque te quieren hagas lo que hagas (risas).
¿Les tocaste tus propias canciones?
Soy muy de tocar mis canciones, sí. Me cuesta encontrar versiones que me peguen. Evidentemente toco canciones de otros, pero en concierto casi no hago, sólo hago ‘Bridges and Ballons’ de Joanna Newsom, está en un disco en directo que saqué.
¿Cómo es que sacaste un disco en directo tan pronto?
No me lo planteé como «es pronto, es tarde». Me hacía ilusión porque éramos sólo un trío tocando las canciones de un disco que tiene mil capas. Y me gustaba ese contraste. Mucha gente me decía «me gusta más el directo». A mí también me pasa cuando voy a ver a amigos en directo, pienso: «qué lástima que no se grabe».
¿’Linòleum’ ya no te gusta?
Me gusta más en directo pero sí me gusta el disco, aunque hace mucho que no lo escucho. En aquel momento lo saqué súper convencida, pero para mí el tipo de producción se ha pasado. Pero en aquel momento era la manera en que quería hacerlo. Ahora tiro más por ‘Magnòlia’, que ha sido más de maqueta y menos de trabajar en el estudio.
¿Con ‘Magnòlia’ ya tenías las canciones escritas antes? Como tardasteis tantos meses en hacerlo…
Sí. Lo que pasa es que grabando ‘Magnòlia’ no fuimos al estudio cada día de ocho a ocho. Era muy relajado, los fines de semana estábamos de gira, y grabamos en mi casa y en la de mi padre, en la montaña. Una semana grabamos los pianos, el esqueleto del disco; luego las baterías, que grabamos sin claqueta porque yo quería ir más libre, pasábamos horas colocando micros; luego las cuerdas… Los arreglos los hicimos en la casa del pueblo de mi padre y yo era como: «todo lo que se pueda hacer en el campo, mejor».
¿Te gusta mucho el campo?
Se está mejor que en Barcelona, es más tranquilo. En Barcelona igual te lías si vas al bar nosequé. Para componer me fui diez días allí al campo, a esta casa.
Igual por eso te sale tanto vocabulario relacionado con el campo…
No soy consciente, pero es normal, de pequeña iba al pueblo de mi padre en la montaña y al pueblo de mi madre en Mallorca los fines de semana y los veranos. Yo nací en Barcelona pero los buenos momentos de pequeña o cuando quiero estar tranquila me recuerdan a eso. Barcelona es un lugar en el que se está bien, pero no sé si es de paso o no.
Bueno, Berlín no es muy campo… aunque haya grandes parques…
Berlín me tira por otros motivos. Es una ciudad que te permite trabajar con músicos que tienen ganas de probar cosas nuevas. No es que no esté bien en Barcelona, pero tengo más posibilidad de trabajar con danza, hay más ganas de arriesgar. En Barcelona ya trabajo con la gente con la que quiero trabajar, pero allí veo una puerta abierta. Ya veremos qué pasa cuando acabe la gira.
¿Te sientes cómoda en la escena? Lo pregunto por lo de llamar a los bares a ver si hay piano, ¿hay lugar para algo así?
Me siento cómoda haciendo lo que hago y pienso que el público ya me va conociendo y les va gustando. Yo hago lo que hago. Hablando de escenas es difícil…
¿Qué sueles escuchar?
No considero que escuche pop o clásico, me aporta mucho desde Messiaen con sus preludios para piano hasta Sufjan Stevens, que para mí es de los mayores. A Silver Mount Zion me ha aportado mucho a nivel de cuerdas. El cantante desafina bastante pero no importa… (risas)
Antes te ha sonado el móvil y llevabas Radiohead, me ha sorprendido un poco…
Soy muy fan de Radiohead, me encantan desde hace mucho. Las bandas sonoras de Jonny Greenwood, sobre todo la de ‘There Will Be Blood’; el disco solo de Thom Yorke, ‘The Eraser’… Es de la mejor electrónica que he escuchado.
Estudiaste algo relacionado con el mundo audiovisual, ¿verdad? ¿Crees que ha sido definitivo para que te guste tanto implicarte en vídeos, la imagen…?
Acabé la carrera haciendo discos, giras… Ya estaba metidísima en la música. El contacto con el audiovisual en aquella época es que ya hacía bandas sonoras. Los vídeos los hago para mí, no voy a quitar el trabajo a nadie (risas).
También retocas tus fotos como si fueran cuadros o a modo de collage…
Es defecto de mi forma de ser que me gusta controlar todo. Antes de la carrera hice bachillerato artístico. O lo hago yo o me meto de lleno en lo que sea. No me voy a poner a tocar la batería, pero en ese caso encuentras gente con la que te entiendes fácil, como Pau. O como en el caso de la portada, encuentras gente que admiras que va contigo, como Rafa Castañer y Román Yñán. No la hice yo, la hicieron ellos, pero si te fijas, tiene mucho que ver con los videoclips. Fui a su casa y estuvimos con el Photoshop cambiando la imagen que me presentaron. No podía estar tal cual (risas).
¿Qué es la foto?
La foto misterio. Yo no lo sé. Es un misterio de Román Yñan.
Este sentido global que das a todo, ¿te crea una satisfacción especial? ¿Así es más auténtico? ¿Podría ser de otra manera?
Si se da la casualidad de que encuentro algo, como la portada, que no es mía, estoy dispuesta a aceptar lo que sea. Cuando encuentras a alguien que sabe hacer las cosas… Lo que no creo que haga es encargar una portada a alguien porque me encante su estilo, sin dar una premisa. Lo importante es quedarse tranquila porque todo está como tú quieres, como tú lo quieres transmitir.
Hay una Lyona en los créditos, ¿no será la de los videoclips?
Es colega. Con Marta (NdE: Lyona) hicimos un vídeo para mi primer disco, el de ‘Mil Orelles’. Somos muy amigas, ella y todo su equipo de rodaje. Ella tenía esta mini cámara, las harinezumis, y fue como un juego. Le di una idea muy tonta, quedamos una tarde y lo hicimos.
¿Y para presentar este disco Lyona no era una opción?
Sí, íbamos a hacer uno para este disco, pero aún no lo hemos hecho. Marta va muy liada y yo soy muy de hacer mis vídeos. Entiendo que pueda ser raro. A veces la llamo para dudas técnicas sobre los programas de edición (risas).
¿Y la colaboración con Anímic cómo surgió?
Los conocí hace años cuando el disco ‘ü_ma’. Pau Vallvé y yo nos conocimos e hicimos un disco en 2007 con este nombre, que salió en una netlabel que es la misma de Anímic. Nos encantó. Hace años que nos conocemos. Ferrá ha sacado también un disco en solitario.
Tu single ‘Tots els colors’ distaba un poco del resto, por el final…
… más apoteósico.
¿Fue un punto de partida o más bien un punto de llegada? ¿No te dio por seguir por ahí?
No… La hice a final de veranito. Este disco tiende a ser más melancólico y esta canción es más vitalista, me salió en verano, en Formentera. Todo me pareció ideal y no me dio por tirar por ahí, aunque creo que sí va con el disco. Al ponerla la primera quedaba muy bien para empezar.
¿Tienes algo de lo que podría ser el siguiente disco?
Tengo ideas y para mí lo más importante es tener el concepto. Yo puedo ir haciendo canciones aleatoriamente que después pueden perder el sentido. Es muy importante crear una historia en un disco. Para este tenía veintipico canciones y las que se quedaron ni las toco ni las voy a poner en ningún disco. Eran de ese momento y ya está. Voy teniendo ideas. Sobre el siguiente disco, estoy en ello, va cambiando la idea, pero la tengo muy enfocada…
¿Es duro dejar fuera canciones tuyas?
A veces sí, canciones y partes que dices «esta es muy larga» y dices «¡este trozo de letra no!», pero luego dices: «esta en realidad no me gustaba». Ayuda enseñarla a más gente…
¿Algún otro proyecto?
Bueno, lo de la danza sería interesante. He hecho alguna banda sonora y algún documental, pero tengo muchas ganas de tocar con bailarines, porque lo probé en Berlín, porque un amigo me llamó y me gustó bastante.
Foto: Pau Vallvé.
Revelación o timo: Wild Balbina
A Wild Balbina ya las hemos mencionado alguna vez por ser una de las nuevas apuestas de Elefant, pero este sábado podría llegar su reválida cuando actúen en el Ochoymedio de Madrid junto a The Primitives y Papá Topo (también pincha Guille Milkyway, que sacará a la venta su álbum de maquetas de Milkyway en ese momento).
Wild Balbina es el proyecto desde Vigo de Antía Figueiras y Marta González, que según la biografía oficial, «tras compartir conservatorio y amistad, decidieron empezar a hacer canciones en su casa mientras ponían de fondo pelis de Wim Wenders y Marisol». Guille V. Zapata de Mvnich les ayudó con la batería y pronto empezaron a cambiar, citando como influencia a gente como Helen Love y recordando por estilo a los nuevos grupos con chica californianos en la estela de Best Coast o Vivian Girls. Tan cerca del movimiento de Bikini Kill podrían estar que hasta hacen un fanzine llamado Typical Girls.
Las cuatro canciones incluidas incluidas en su single de 7″ para Elefant, ‘Eat Tacos’, cuentan con melodías excelentes medio surferas medio punk-pop, siempre melancólicas, que atrapan enseguida. Y la única duda que surge es si el público tendrá ganas de darles una oportunidad o está ya saturado de este estilo hasta que se repita el ciclo dentro de 15-20 años.
Os dejamos con el vídeo para su canción ‘Spit Your Love’, dirigido por Javi Camino. En él las chicas desnudan a un hombre y atan a otro. Se puede interpretar que torturan a ambos, y desde luego, tiene su gracia. Un grito de tintes femenistas que evidentemente resulta puro riot-grrrl.
John Talabot y Pional componen para un maratón
Dos de los músicos de nuestro país más reconocidos internacionalmente han compuesto un tema para el 32º Maratón Divina Pastora que se celebra en Valencia el próximo 18 de noviembre. ‘Braves’ es el nombre del tema que según relatan en la nota de prensa ha sido “hecho a partir del latido del corazón de un corredor anónimo y a través de la interpretación de La Cultura del Esfuerzo y del Trabajo”. El tema se puede descargar gratuitamente desde la web oficial del citado maratón.
Ciara, reina del desierto
Ante el desinterés general por su último sencillo, la balada ‘Sorry’, Ciara presenta single y videoclip extraído de su próximo disco ‘One Woman Army’. ‘Got Me Good’ es una producción de Darkchild mucho más interesante que las entregas anteriores. El reputado director Joseph Kahn es el encargado de sacar a la cantante del cuarto de baño y llevársela hasta el desierto para que baile a gusto durante los cuatro minutos que dura el clip.