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Gossip / A Joyful Noise

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El de Gossip es otro caso más de banda “underground” que decide evolucionar hacia territorios más comerciales una vez se ha hecho famosa. Si ya ‘Standing In The Way of Control’, su gran álbum, presentaba una mayor accesibilidad en contraste con los dos discos anteriores, y el trabajo que vino después, ‘Music for Men’, reflejaba claramente el deseo de la banda por mantener la buena racha, ‘A Joyful Noise’ viene para confirmar que Gossip continúan apuntando bastante alto, esta vez producidos por Brian Higgins (Xenomania).

De todos modos, trabajar con Higgins no es garantía de nada y ‘Perfect World’ ha calado más bien poco entre el público. El single funciona para presentar un álbum claramente inspirado por el sonido de décadas anteriores (sobre todo de los ochenta y los noventa, por muy enganchada que haya estado Ditto a Abba durante el proceso de composición del disco), a excepción de tres medios tiempos, entre los que se encuentra una de las mejores canciones del álbum, la hermosa ‘Casualties of War’. Pero en ‘A Joyful Noise’ hay dos temas sobresalientes y el single no es uno de ellos.

‘Get A Job’ es el primer momento excelente, gracias sobre todo a la maravillosa melodía de las estrofas y a un estribillo tan potente y efectivo que eleva el tema a la categoría de clásico para las pistas de baile. La segunda canción sobresaliente de ‘A Joyful Noise’ es ‘Get Lost’, el momento house del disco, que nos recuerda por qué demonios los noventa vuelven a estar de moda. Ese piano tipo ‘Good Life’ mola tanto que funcionaría hasta en la peor de las canciones de Rebecca Black, pero además el estribillo es tan grande que prácticamente se podría decir que se trata de la mejor canción de Gossip. Eso sería ser demasiado entusiasta, pero desde luego en mi top 5 está.

El resto del álbum es mucho menos emocionante, pero tampoco está mal. ‘I Won’t Play’ destaca en la segunda mitad, sobre todo por encima de ‘Horns’, que ni con las campanillas deja de ser relleno, mientras ‘Moving In The Right Direction’, en la primera parte, pone el punto machacón con una producción más Xenomania imposible. Otra que no está mal es la funky ‘Into the Wild’, pero por lo general el nivel del álbum vuelve a ser un tanto irregular entre canciones espectaculares y otras que son simplemente correctas o no molestan. Sin más, buen disco.

Calificación: 6,4/10
Lo mejor: ‘Get A Job’, ‘Casualties of War’, ‘Into the Wild’, ‘Get Lost’
Te gustará si te gusta: Madonna, Scissor Sisters, Xenomania
Escúchalo: The Guardian

Nuevas entradas para Coldplay + Marina

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Después de la instalación final del escenario para el concierto de Coldplay este domingo 20 de mayo en el Estadio Vicente Calderón de Madrid, se ha decidido poner a la venta mañana martes 15 de mayo a las 10 de la mañana una cantidad limitada de asientos sólo a través de www.livenation.es. Es la última oportunidad de adquirir limitadas entradas para el único show de Coldplay en España, del que hace unos días se conoció quién sería la telonera de lujo: Marina & The Diamonds.


Coldplay – Charlie Brown on MUZU.TV.

El cantante de Pignoise recibe una paliza

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Según informa El Mundo citando un comunicado del artista, Álvaro Benito, cantante de Pignoise y ex jugador del Real Madrid, recibió una paliza en los baños de la discoteca madrileña Fortuny el pasado 5 de mayo. Al parecer, fue agredido con un vaso, produciéndole tres heridas en el párpado inferior, región frontal y puntal nasal. Además, recibió varios puñetazos en los pómulos y la nariz. Según sus declaraciones, no hubo provocación por su parte (el informe médico reconoce que no había lesiones en sus puños como si hubiera participado en la pelea) y los agresores simplemente profirieron «insultos sobre su aspecto» y se metieron con su estilo musical en Pignoise. Álvaro Benito deja constancia de daños y perjuicios, ya que tras esta paliza, ha tenido que cancelar varias de sus actuaciones.


Pignoise – Nada que perder on MUZU.TV.

Blur girarán este verano

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Blur tienen que hacer un concierto en Hyde Park, Londres, este 12 de agosto. Se ha hablado mucho sobre si este podría ser el último show de Blur. Lo último que se dijo fue que posiblemente no lo fuera, y ahora lo parece menos que nunca porque lo que iba a ser una actuación aislada se acaba de convertir en una fecha más dentro de una gira británica que arrancará el 1 de agosto. ¿Se animarán después a salir de las islas? Su caja recopilatoria se publica un poco antes, el 30 de julio.


Blur – Tender on MUZU.TV.

YACHT: «Nos aterroriza la idea de aburrirnos»

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YACHT vuelven esta semana de nuevo a nuestro país para actuar el día 17 de mayo en Music Hall, Barcelona; y el día 18 de mayo en el Charada de Madrid (Spray). Realizarán una nueva presentación del disco recomendadoShangri-La‘, aunque según nos cuenta Claire Evans, su show cambia de manera constante.

Tras tantos meses de gira, ¿hay algo que cambiaríais en vuestro último álbum, ‘Shangri-La’?
No, en absoluto. Cada uno de los discos que hacemos es un documento que representa un momento en nuestras vidas. Grabamos ‘Shangri-La’ en tres meses, en tres lugares muy especiales para nosotros, lo que llamamos el «Utópico Triángulo del Oeste Americano». Todas las canciones fueron escritas según eran grabadas y son una fiel representación de esos tres meses. Cuando veamos que hemos crecido y cambiado lo suficiente como personas, haremos otro disco que hable por nosotros. De momento, seguimos siendo los mismos.

El álbum tiene una visión no muy optimista del mundo de hoy (la idea de «estamos hambrientos», «no hay futuro», etc). Ahora que el mundo está todavía peor que el año pasado (estoy pensando en la crisis financiera), ¿haríais un disco más radical?
Eso honestamente es muy subjetivo; creemos que el disco es particularmente oscuro. La idea de ‘Shangri-La’ era explorar la utopía, como una idea, a través del proceso de grabar y escribir canciones. Literalmente, una utopía es un lugar hecho de ideas, algo que la gente hace cuando es tan fiel a su ideología que quiere llevarlo a la práctica en sus vidas. Como personas que hemos pensado en maneras de «recorrer el camino» de la filosofía personal, el concepto nos atraía. Utilizamos la grabación del disco como una vía para explorar esto. Para nosotros, la búsqueda y el trabajo van mano a mano. Al final, descubrimos que la utopía es insostenible, pero que puede que eso no sea algo malo. ¿Quién quiere vivir apartado del resto del mundo?

Me encanta el álbum, pero creo que ha funcionado por debajo de las expectativas. Esperaba que fuese vuestro disco definitivo tras tantos años en el mundo de la música (creía que os haría tan famosos como Hot Chip). ¿Estáis de acuerdo? ¿O quizás no teníais ninguna expectativa?
No teníamos expectativas. El hecho de poder sacar el álbum y poder hacer una gira por el mundo es más de lo que podíamos haber esperado nunca. Todo lo que nos interesa ahora es seguir trabajando.

Supongo que ‘Utopia’ y ‘Dystopia’ estaban llamadas a compartir el mismo vídeo, pero esto de compartir un mismo vídeo no es algo que sea muy común. ¿Cuándo os vino esta idea a la cabeza? ¿Sabíais desde el principio que eran los singles?
Grabamos ‘Utopia’ y ‘Dystopia’ antes que ninguna otra canción del disco. Fueron diseñadas como «sujetalibros», enmarcando el contexto que queríamos explorar en el proceso creativo. Son dos extremos de la misma idea e indiscutiblemente una es la consecuencia de la otra. Creemos que es imposible crear una utopía práctica sin que finalmente se convierta en su opuesto. Los vídeos, que ilustran lo que sucede cuando intentas imponer tu propia «red» ideológica sobre el mundo, están diseñados para reflejar eso.

Nunca me ha gustado mucho la portada del disco (la blanca). ¿Por qué pensasteis que encajaría mejor con la música que la otra?
Tomamos una decisión consciente con la portada del álbum. Queríamos que pareciera más un libro que un disco. Por eso el LP y el CD tienen una funda anidada y elementos de minimalismo. Para nosotros, ‘Shangri-La’ es un documento que integra muchos elementos no musicales. Es como una especie de filosofía, un set de ideas, una conversación amplia que viene de un gran acuerdo de búsqueda. Queríamos crear un objeto que pudiera ser más grande que colores brillantes o trucos similares.

La banda tiene un gran sentido espiritual. ¿Iréis más allá con esta idea? ¿La religión es importante para vosotros ahora más que nunca?
No estamos tan interesados en la religión como podemos estarlo en tener conversaciones. Nos fascina cómo gente diferente vive sus vidas, cómo la gente trae significado a su existencia, cómo todos interpretamos la misma situación (estando solos en un universo infinito) de diferentes maneras. Siempre estaremos abiertos y tendremos curiosidad por la religión y sus implicaciones. Es una cuestión sin límites.

¿Qué significa Los Ángeles para vosotros? ¿Por qué dijisteis que la «utopía» puede estar allí cuando sacasteis el vídeo de ‘Shangri-La’?
Los Ángeles tiene una reputación muy mala. La gente en Estados Unidos cree que es una ciudad fea, muy contaminada y muy concienciada con la superficialidad. La noción de «utopía» de YACHT es que puede ser implementada en cualquier lugar y en cualquier momento, y esa es una experiencia temporal, no física. Situar la «utopía» en Los Ángeles es una ilustración del poder de la confianza en esto. Si puedes estar allí, es que puede estar en cualquier parte.

Vi un concierto vuestro en Berlín. Me pregunto si los alemanes o los holandeses os dirán algo del otro sentido de la palabra «YACHT» (yate).
YACHT es un acrónimo de Young Americans Challenging High Technology («jóvenes americanos desafiando la alta tecnología). Para nosotros, no hay ningún elemento germano, más allá del origen de la palabra. Pero todo el lenguaje es un collage psicodélico de naciones y orígenes. No podemos pensar de forma demasiado literal en el origen de cada palabra, o de lo contrario nunca seríamos capaces de mantener conversaciones.

¿Ha cambiado vuestro setlist desde la última vez que vinisteis de gira?
Los shows de YACHT cambian constantemente. Diseñamos nuevos arreglos, nuevas presentaciones de vídeo multimedia, introducimos nuevas canciones y performances. Tenemos que cambiar el show todo el tiempo o nos aburriría. Nos aterroriza la idea de aburrirnos.

Una vez tocasteis en un museo de arte moderno en una ciudad cerca de Madrid. ¿Preferís escenarios así u os sentís más cómodos en clubs o festivales?
Tenemos la política de decir siempre que sí cuando nos proponen hacer conciertos, siempre que sea posible. Esto significa que hemos tocado en museos, clubs de rocks, barcos y tejados, en cuevas, para niños, para adultos, para nadie y a todas las horas de la noche. Todo lo que pueda hacer la experiencia de tocar en directo interesante y permita a la gente salir de sí mismos y experimenta un poco, está genial.

La música disco suele tratar el tema de la familia, con hermanos, hermanas, madres y padres; como vosotros. ¿Por qué creéis que es así?
La música disco tiene una larga historia sobre inclusión. ¿Qué es más universal y fácil de compartir que bailar?

Para alguien que sólo ha escuchado vuestros dos últimos álbumes, ¿qué álbumes o canciones de los primeros tiempos recomendaríais?
La verdad es que cada disco de YACHT es totalmente diferente. Hemos existido, de una forma o de otra, durante casi diez años. La música del principio fue hecha por sólo una persona, y la última por grupos de gente cada vez más grande, pero el espíritu siempre ha sido el mismo: viene de nuestros principios punk rock propios a una edad temprana.

¿Alguna idea sobre el nuevo álbum o de cómo sonará?
Tenemos varios proyectos en el horizonte, pero no podemos garantizar que sea algo musical. Para nosotros, YACHT es un nombre que damos a todo nuestro trabajo, lo que incluye textos, vídeos, música, diseño y una filosofía personal que ocasionalmente compartimos. Para la gente no interesada en la música (o en nuestra música), intentamos impartir nuestras ideas bajo diferentes formas y disfraces. No esperamos que a todo el mundo le guste, pero nos interesa ser exhaustivos. Es lo que queremos de los artistas que nos encantan, esa sensación de ser capaces de esconderse en una madriguera.

Muere Donald «Duck» Dunn

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Donald «Duck» Dunn, bajista de los legendarios Booker T. and the MGs y componente de los Blues Brothers, falleció este domingo a los 70 años de edad en Japón mientras dormía, país en el que se encontraba de gira junto al también músico Steve Cropper. Fue este último quien dio a conocer la trágica noticia de su muerte en su perfil de Twitter.

Donald deja a sus espaldas una carrera de reconocido prestigio en el mundo del soul y del blues. Sus líneas de bajo han acompañado a genios como Otis Redding, Wilson Pickett, Albert King y Sam & Dave. Con su banda principal Booker T. and the MGs colaboró en ‘Hip Hug-Her’ y ‘Time Is Tight’. Tras la disolución de la banda y trabajar con Eric Clapton, Bob Dylan o John Fogerty, Donald formó parte de los Blues Brothers entre 1980 y 1990. En 2007 recibió un Grammy honorífico por su trabajo en Booker T. and the MGs, cuyos éxitos abarcan canciones de la talla de ‘Green Onions’ o ‘Soul Limbo’.

Vídeo para ‘I’m Not Saying’

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Chris Croft dirige el vídeo de una de las canciones del nuevo disco de versiones de The Primitives, que reseñaremos pronto. El vídeo huye de ser el típico del grupo interpretando el tema y ya está con una sencilla pero mona puesta en escena. Paul Court habla sobre este tema de la siguiente manera: «Hemos reemplazado el estilo desenfadado de este single de 1965, cantado por Nico y escrito por Gordon Lightfoot, por un especie de zumbido de campanillas folk y percusión incesante que se asocia más con el grupo con quien se juntó Nico al año siguiente. La canción trata de alguien que quiere tenerlo todo, y como hago de voz principal en ésta, me alegro mucho de que la voz de Tracy se una justo en “Baby if you let me have my way”, porque creo que eso hace menos cursi la frase. Hay una armonía angelical al final, gracias a TT, y eso debería de ser suficiente para que quien la escuche no se fije en la falta de compromiso de la protagonista».

Vídeo: 40 minutos de show de Spiritualized

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Spiritualized han publicado recientemente el disco recomendadoSweet Heart Sweet Light‘. Ahora NPR ofrece un vídeo de su reciente actuación en Washington (10 de mayo), donde aparecen canciones como la inolvidable ‘Ladies & Gentlemen We Are Floating In Space’. El acompañamiento estético, la banda y los coros es espectacular por momentos. En la enlazada web está el audio completo del concierto, más de 2 horas en ese caso.

Éxito agridulce de ‘Strangeland’ de Keane

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Strangeland‘ ha logrado un nuevo éxito para Keane, pues el disco, como todos sus lanzamientos, ha llegado esta semana al top 1 en Reino Unido a pesar de la falta de apoyo para los sencillos del álbum. Las cifras, eso sí, no son muy buenas, pues el álbum ha vendido en su primera semana sólo 48.000 copias frente a las 155.000 que vendió el primer álbum en su primera semana, las 222.000 del segundo y las 79.000 del tercero.

Animal Collective anuncian nuevo álbum

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Hace unos días Animal Collective anunciaban un nuevo single que de hecho dejaban escuchar, con los temas ‘Gotham’ y ‘Honeycomb’. Hoy el grupo confirma un nuevo disco que saldrá en septiembre y recibirá el nombre de ‘Centipede Hz’. Se ha desvelado el tracklist y el mencionado sencillo que sale el 26 de junio no estará incluido en el álbum.

01 Moonjock
02 Today’s Supernatural
03 Rosie Oh
04 Applesauce
05 Wide Eyed
06 Father Time
07 New Town Burnout
08 Monkey Riches
09 Mercury Man
10 Pulleys
11 Amanita

Regalamos un abono para Territorios Sevilla

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Este fin de semana se celebra Territorios Sevilla, que contará con las actuaciones de Tricky presentando ‘Maxinquaye’, Iggy Pop & The Stooges, The Orb, Buraka Som Sistema, Amaral, Tiga, Tortoise, Kiko Veneno, Love of Lesbian, Junior Boys DJ Set, Basement Jaxx DJ Set, etcétera. JENESAISPOP regala un abono a la respuesta más divertida recibida en jenesaispop(k)gmail.com a esta pregunta:

¿Qué canción te hace más ilusión escuchar en vivo en Territorios Sevilla y por qué?

Aseguraos de que podéis asistir antes de participar y no olvidéis nombre y apellidos en vuestro mail.

Actualización: El concurso ha finalizado. La respuesta ganadora ha sido: «La canción que más ilusión me hace escuchar es ‘Academy Fight Song’ de Mission Of Burma. Una canción que tiene más años que yo y que sin duda se conserva mucho mejor».

Beach House / Bloom

Aunque ‘Teen Dream‘ sea una cima creativa, no parecía descabellado pensar que ‘Bloom’, su continuación, rayara a la misma altura, como de hecho ocurre. La carrera de Beach House ha ido en una clara, prodigiosa proyección hacia arriba, y este nuevo álbum es un nuevo avance en la misma. En este cuarto disco se limitan a matizar y abrillantar todo lo bueno que ya encontrábamos en su predecesor, pero eso no supone en ningún caso un demérito.

Lejos de sonar reiterativo, es nuevamente fascinante. En ‘Bloom’ de nuevo encontramos ese juego entre guitarras ensoñadoras, teclados extraviados y coros fantasmales en el que siempre se han movido (no en vano, el corte oculto del álbum es un claro homenaje a sus primeros álbumes), una ya sublimada fórmula despojada aquí de ese punto de grandilocuencia y epicidad de ‘Teen Dream’, moviéndose hacia un sonido más nítido y cristalino que les hace luminosos y cálidos como nunca.

Como ellos mismos señalan, no rehuyen a hacer pop pero sí huyen de la obviedad y la mediocridad, y así lo muestran con estructuras atípicas, con melodías que parecen estribillos pero no lo son y puentes que no están en el lugar ortodoxo, algo así como un juego de espejos musical. Además, en ‘Bloom’ se percibe un mayor interés por los detalles, con innumerables pequeños arreglos en segundo plano que engalanan cada canción.

Y todo ese trabajo de orfebrería hace justicia a otra colección de canciones fabulosas, intachables. ‘Myth‘, tema que abre el álbum y que le sirvió de presentación hace unos meses, tiene un poderoso magnetismo que le hace destacar levemente sobre el resto, pero de cerca le persiguen ‘Lazuli’, ‘Other People’, ‘Troublemaker’, ‘New Year’, ‘The Hours’, ‘Wild’, ‘Wishes’… En ellas, Alex Scally y Victoria Legrand (que canta como nunca, equilibrando mimo y fiereza) han logrado su objetivo de transmitir, más allá de sus herméticas letras, un estado de ánimo en cada una de esas canciones.

Hacia su final, ‘Bloom’, adquiere un tono más solemne gracias a ‘On The Sea’, un crescendo erigido en torno a un sencillo piano, que quizá nos esté mostrando hacia dónde podrían dirigirse en futuros pasos. Pero por el momento es imprescindible recrearse en un álbum que, catapultados a los cielos por ‘Teen Dream’, nos sostiene extáticos en ese punto álgido, apurando al máximo este maravilloso sueño.

‘Bloom’ fue puntuado con un 8,2 por JENESAISPOP en 2012, modificándose su calificación en 2022 durante la «Semana Beach House» a la edición de ‘Once Twice Melody.

Memoryhouse / The Slideshow Effect

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El EP ‘The Years’, publicado en 2010 por un pequeño sello y reeditado el pasado año por Sub Pop para anunciar el fichaje de sus autores, Memoryhouse, no terminaba de convencer con su dream pop, un tanto plomizo y lánguido de más. Sin embargo, con su primer LP, este ‘The Slideshow Effect’, el dúo de Toronto formado por Evan Abeele y Denise Nouvion alcanza una propuesta más madura y diferenciada.

Sobre todo, ‘The Slideshow Effect’ sorprende porque, felizmente, abandonan (o casi) la aburrida profusión de baladas y medios tiempos de su primera referencia y desarrollan un clasicista pop de guitarras, elegante y con toques de sofisticación, que casi borra de la mente el nombre de Beach House y hace que resuenen otros menos recurrentes y obvios como Ivy y The Postmarks, no tanto en forma como en espíritu. Porque canciones como la enorme ‘The Kids Were Wrong‘, ‘Heirloom’ o ‘All Our Wonder’ tienen el delicioso regusto atemporal de esas bandas mencionadas.

El dúo canadiense hace también un ostensible esfuerzo por aportar matices que eviten que los cortes más reposados sean pesados y miméticos. Ahí están esos toques de slide en las semi-acústicas ‘Punctum’ y ‘Bonfire’, realmente bonitas y evocadoras, o la creciente intensidad y las cuerdas de ‘Pale Blue’. Sin embargo, parecen no poder sortear el tedio en la última fase del álbum, en la que caen en lo lineal y lo soso. Lo cual no evita que estemos ante un disco precioso, que podría evolucionar hacia algo mucho mejor. En ocasiones, una carrera que va de menos a más tiene más valor que un gran debut al que nunca pueda superarse.

Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘The Kids Were Wrong’, ‘Heirloom’, ‘Pale Blue’, ‘All Our Wonder’
Te gustará si: Ivy, The Postmarks, Beach House
Escúchalo: Spotify

Vuelven Tesla Boy

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A Tesla Boy les hicimos un “Revelación o Timo” allá por 2009. Después de eso les perdimos un poco la pista. Hace un año que reaparecieron convertidos en dúo, colgando mixtapes en internet y remixes de clásicos de Sting o Bryan Ferry en su página de Soundcloud.

El 22 de mayo presentarán su nuevo single, titulado ‘Fantasy’, pero mientras esperamos podemos escuchar dos de los temas que el grupo ha compartido en los últimos meses. Uno es una balada titulada ‘In Your Eyes’, incluida en una de las prestigiosas recopilaciones de Kitsuné Maison. La otra es este ‘Waste My Body’ que sigue manteniendo la esencia del grupo rescatando el sonido ochentero sin ningún tipo de complejo.

Tesla Boy – Waste My Body by Tesla Boy (Official)

‘The Veldt’ de Deadmau5

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Innovando en la manera de hacer música, el canadiense Deadmau5 retransmitió durante 22 horas en directo el proceso de creación de su nuevo single, ‘The Veldt’. Con la colaboración de sus fans, la voz de Chris James y la inspiración de Ray Bradbury, el resultado es un tema de dance pop de casi nueve minutos que muestra el lado más amable de este artista.

Justin Bieber dedica un tema a su madre

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Justin Bieber es tan buen chaval que quiere mucho a su mamá. El angelito ha parado un segundo la promoción de su sencillo ‘Boyfriend’ para estrenar un tema inédito titulado ‘Turn To You’ dedicado a su progenitora. Todo coincide con que este fin de semana se celebra el día de la madre en los EE UU y el niño ha querido tener un gesto. Además, cederá todos los beneficios del tema en iTunes a un colectivo que ayuda a madres solteras. El tema ha sido escrito por el propio Bieber, lo que queda bastante claro cuando escuchas la letra.

La tenista Serena Williams, ahora rapera

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Con tantas amistades del mundo del rap, era cuestión de tiempo que la tenista Serena Williams hiciera su debut en la música. La web de cotilleos TMZ ha estrenado un minuto de un tema en el que la hermana de Venus demuestra sus dotes con las rimas. Ahora, se desconoce qué pasará con este avance, si hay disco en el horizonte o se queda en una anécdota aislada.

Una marioneta para Modeselektor

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Modeselektor opta por estrenar videoclip para uno de los mejores temas de ‘Monkeytown’, excelente último álbum del dúo alemán. ‘This’ es una de las colaboraciones de Thom Yorke de Radiohead y una marioneta es casi la protagonista absoluta de este videoclip dirigido, de manera excelente, por Andrew Jones.

Teaser de lo nuevo de No Doubt

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Es sabido que No Doubt publicarán nuevo disco en septiembre de este año. Ahora, a través de Internet, irán dando a conocer el proceso de grabación del nuevo trabajo. En el primero de estos episodios, podemos escuchar uno de los nuevos temas, titulado ‘Push & Shove’, una colaboración ya anunciada con Major Lazer y Busy Signal. En realidad lo que se oye es bastante pobre, pero sí que nos permite hacernos una idea de por dónde irá el disco de Gwen Stefani y los suyos.

Daniel Rossen / Silent Hour/Golden Mile

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Parece que Department Of Eagles no es suficiente para que Daniel Rossen dé rienda suelta a su capacidad creativa al margen de Grizzly Bear. Cuando el nuevo álbum de estos ya está grabado y en proceso de mezcla, Warp ha publicado una referencia del músico de Brooklyn en solitario, un EP de cinco canciones que tienen mucha más sustancia de lo que pudiera imaginarse y que no solo es imprescindible para los fans del conjunto que forma con Ed Droste, Chris Taylor y Chris Bear.

Escuchándolas es evidente que estas cinco composiciones habían sido escritas para Grizzly Bear, porque encajan perfectamente en la línea compositiva de los dos últimos álbumes del grupo. Lo que no queda tan claro es el motivo por el que quedaran descartadas, porque todas ellas tienen una calidad a esa altura, que no es poco. Rossen ha grabado y producido estas canciones, sin embargo, despojándolas del camaleónico manto en el que los autores de ‘Veckatimest‘ suelen envolver sus composiciones, dejando claro que Daniel es el compositor más clásico de sus compañeros. Aquí, las canciones brillan por lo que son, sin efectismos, aun cuando poseen arreglos exquisitos y cuidados.

Y en el hermoso y apasionante resplandor de ‘Return To Form’, ‘Up On High’, ‘Saint Nothing’, ‘Silent Song’ y ‘Golden Mile’ nos encontramos a un Rossen cálido y cercano, a menudo vitalista, que muestra sin rubor la deuda que en su manera de componer han supuesto el folk británico de Pentangle, la exquisitez orquestal de Van Dyke Parks y, sobre todo, la figura de George Harrison, cuyo espíritu se manifiesta constantemente durante los algo más de veinte minutos que dura esta pequeña gran joya.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Silent Song’, ‘Golden Mile’, ‘Up On High’
Te gustará si: George Harrison, Grizzly Bear, Van Dyke Parks
Escúchalo: Spotify

La estrategia de ‘MDNA’ en 10 fallos

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‘MDNA’ ha vendido 1,2 millones de copias y es el 5º disco más vendido en el mundo en 2012, sólo por detrás de los últimos lanzamientos de Adele, Lana del Rey, Coldplay y One Direction. Sus resultados no son tan «flop» como a este guapísimo columnista de Forbes, obsesionado con el asunto, le gustaría, pero sin duda son decepcionantes en comparación con el resto de la discografía de Madonna, acostumbrada a otras cifras. Dejando de lado la calidad del álbum, de la que ya hablamos en su momento (en resumen, canciones bastante chulas, adictivas o apañadas y más para tratarse de un disco número 12), pasamos a analizar la caótica y nefasta estrategia de márketing que ha acompañado al que era uno de los discos más esperados del año, a través de sus múltiples fallos.

1.-La filtración del single principal: Allá por el mes de noviembre, se filtró una versión de ‘Give Me All Your Luvin» bastante similar a la definitiva. Muchos de nuestros comentaristas creyeron que la filtración tenía que haberla provocado la propia Madonna. Yo nunca creí que fuera así. No tenía sentido, sobre todo cuando se anunció que no se adelantaría el lanzamiento. El tema, sin ser de lo mejor de su carrera, era bastante pizpireto, pero lo claro es que las tenía todas consigo para estar quemado en unos meses y perder todo su efecto sorpresa… Y así sucedió. Ni los raps añadidos de Nicki Minaj y M.I.A., bastante «cool», ni el fantástico vídeo lograron aupar el hit a la categoría de un ‘4 Minutes’. Como curiosidad, España es uno de los países donde mejor ha funcionado, manteniéndose un par de meses en el top 10.

2.-La elección del segundo single: ‘Girl Gone Wild’ es un tema dance correcto. Aunque esté lejos de resultar brillante, se puede bailar y disfrutar sin dar tanta vergüenza ajena como un ‘Starships’ de Nicki Minaj o un ‘I Wanna Go’ de Britney. Podría debatirse si habría sido un buen sencillo para presentar un disco dance a lo ‘Confessions’, pero lo que está fuera de toda duda es que no es un single adecuado para presentar ‘MDNA’. No está entre sus mejores canciones, no es representativo en absoluto de su sonido y en la rarísima secuencia del disco, estorba más que engancha (¡abre, nada menos!). ¿Habrá sido idea de la misma Madonna? ¿Cómo va Interscope a proponer algo así?

3.-El vídeo del segundo single: Un buen vídeo puede resolver una canción ultra mediocre, como demostró hace un par de temporadas ‘Paparazzi’. Pero el de ‘Girl Gone Wild’ sólo ha servido para recordar que Madonna molaba a principios de los 90 y que llegó antes a lo de los hombres con los tacones que Lady Gaga. Pues vale.

4.-La «no lluvia» de singles: En 2012, las cosas no funcionan como en los 80 o los 90. Hoy en día, como bien saben Nicki Minaj o Beyoncé, cuando un single se intuye que no va a ir bien, se pasa al siguiente en cuestión de días. A sabiendas de que ‘Girl Gone Wild’ no estaba entrando en radios (Madonna tiene en ese sentido el mismo problema que sus contemporáneos Pet Shop Boys, U2, Bruce Springsteen, Morrissey, etcétera), lo lógico habría sido optar por cualquier otro inmediatamente. Lo bueno de ‘MDNA’ es que contiene varios posibles (si fuera mal disco, no habría debate): ‘Turn Up The Radio’, ‘I’m Addicted’, ‘Gang Bang’, ‘I Don’t Give A’ y ‘Love Spent’ deberían haber sido ya testados por lo que hubiera podido pasar.

5.-El tercer single sigue sin fecha: Si la opción anterior no ha sido válida, porque como dejaba caer un artículo de MTV, Madonna no ha querido agobiar con una sobreexposición mediática a lo Lady Gaga, OK. Lo que no se comprende es que con el disco en caída libre en Estados Unidos y Reino Unido, a día de hoy no haya ni rastro ni pista alguna sobre el tercer sencillo. Porque habrá tercer sencillo, ¿verdad?

6.-El «timing» del lanzamiento de ‘MDNA’: Por el capricho de asociar el supuesto estreno de ‘Give Me All Your Luvin» a la Super Bowl (aunque todo el mundo tenía ya el single en sus equipos), desde la espectacular presentación del tema ante más de 100 millones de espectadores hasta el lanzamiento del disco, pasaron casi dos meses. Cuando llegó el lanzamiento del álbum la canción ya había perdido todo su momento, quizá porque no gustó, quizá porque apenas se llegó a radiar, quizá porque -atención- ni siquiera se interpretó completa en la Super Bowl (apenas 2 minutos y completamente sepultados entre «featurings», peinetas y hits del tamaño de ‘Vogue’, ‘Music’ y ‘Like A Prayer’). Ante el elevado riesgo de que la radio americana no pinchara un single de Madonna, como viene sucediendo desde hace diez años, el lanzamiento de ‘MDNA’ y su gran baza promocional, la Super Bowl, deberían haber estado mucho más pegados.

7.-La negativa a ir a la tele: Recientemente, dos lanzamientos internacionales del tamaño de ‘MDNA’ alcanzaron en un primer momento cifras muy decepcionantes: ‘4’ de Beyoncé (Sony) y ‘Mylo Xyloto‘ de Coldplay (EMI). En estos dos últimos casos se ha logrado mantener el disco con dignidad en las listas durante meses lanzando singles diversos como churros (ver punto 4) y representándolos en directo en shows anglosajones de máxima audiencia. Tras el éxito moderado tirando a fracaso de ‘Every Teardrop Is A Waterfall’ de Coldplay, los de Chris Martin no dejaron de pasear ‘Paradise’ en directo por los Grammy, un especial de Navidad de ‘X Factor’ y otros lugares. Beyoncé no corrió tanta suerte a pesar de sus múltiples esfuerzos, seis en concreto (‘Run The World (Girls)’, ‘Best Thing I Never Had’, ‘Countdown’, ‘Love On Top’, ‘I Care’, ‘End of Time’), pero logró estirar el álbum hasta los 2 millones de copias, cifra ahora a años luz para una Madonna que, concentrada en su gira mundial, se niega (al menos de momento) a actuar en la tele por razones desconocidas.

8.-‘Masterpiece’ ahora no, ‘Masterpiece’ ahora sí, ‘Masterpiece’ ahora no otra vez: No sólo se privó al mundo de escuchar a calidad decente o de comprar ‘Masterpiece’ cuando este tema de la banda sonora de ‘W.E.’ ganó el Globo de Oro y apareció en todos los medios del mundo (una de las estrategias de márketing más surrealistas que recuerdo), sino que varios meses después a alguien se le ocurrió que era el momento de enviar la balada a las radios británicas, siendo acogida con los brazos abiertos por la gigante Radio 2, la M80 de la BBC (?), desapareciendo después sin dejar vídeo, single físico ni digital. A día de hoy, se desconoce por completo si ‘Masterpiece’ es un single o no. Sus anunciados remixes para el 2 de abril jamás llegaron.

9.-Los CD singles y picture discs: ¿Recordáis los CD-singles, esos simpáticos objetos como los CD’s pero normalmente más finitos? Madonna ha vendido decenas de millones. Y muchos de sus fans los colecciona(ba)n. Sin embargo, las nuevas ediciones son nefastas, con sólo dos canciones en lugar de las 4 ó 6 remezclas que se han conocido en otros tiempos, y en el caso de ‘Give Me All Your Luvin», incluyendo sólo el mismo remix que trae la edición deluxe del álbum. ¿Quién piensa que el comprador medio de cd’s es fan de LMFAO?

La idea de los «picture discs» en vinilo de ‘Girl Gone Wild’ es chula, pero han aparecido en tiendas sin previo aviso ni sin que nadie se enterara. Aparentemente, se están distribuyendo por distintos países con una diferencia de semanas / meses.

10.-El caos generalizado: ‘Love Spent’, a la postre la canción favorita de los fans de Madonna de esta era, sólo era un bonus track en el primer tracklist del disco que se pasó a la prensa; ‘I’m Addicted’, reconocida como la mejor canción del álbum hasta por un medio tan arisco a Madonna como Pitchfork, se rumorea que sólo será un interludio de su gira; y otros desastres que prometen su llegada durante las próximas semanas.

Es fácil imaginarse a Madonna pasando de todo esto. Ya se esforzó en la era ‘Erotica’ (1992) y en la era ‘American Life’ (2003), sus tiempos más difíciles, curiosamente siempre cada 10 años casi clavados, por hacer vídeos a mansalva, ir a la tele, a los premios MTV, etcétera… para nada. Y en cualquier caso, sus aspiraciones, estando la industria como está, y habiendo tomado mejores decisiones, habrían sido vender 3 millones de copias en lugar de 1,5. Pura calderilla para alguien que aspira a ingresar 400 millones de dólares con su gira. Sin embargo, quizá debería empezar a plantearse si le compensa que discos que podrían haber pasado a la historia como notables, como ‘Hard Candy’ en menor medida y sobre todo ‘MDNA’, pasen desapercibidos para el público medio por no haber sabido cómo venderlos, dejándose tantos fans en el camino como si hubiera hecho un disco experimental en lugar de uno ultra pegadizo. Un pecado para la reina del pop.

Montevideo cantan al 15-M

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Hoy 12 de mayo se celebran diversas manifestaciones en toda España que recuerdan las convocatorias reivindicativas que surgieron hace un año y se extendieron después por todo el mundo. Montevideo han incluido en su nuevo álbum, ‘El año del dragón’ (con portada de Chio Romero, del que ya han estrenado el single ‘Es la última vez‘), un tema sobre esta cuestión que estrenamos hoy en JENESAISPOP. Se llama ‘1 y 1’.

Así define Manu, vocalista y teclista del grupo, y autor de la letra, la canción: «Por un lado he tomado conciencia de que la gente de la calle somos más, el 99% (en consonancia con el lema de las protestas en EEUU, We are the 99%) , y por lo tanto, más fuertes para que no nos impongan nada, porque sin nosotros, ese 1% no es nada. Por otro lado, cada vez que bombardean con el miedo le hago frente con lo contrario: sonrisa, buen humor y positivismo. Quiero mostrar que estoy aquí, no escondido, y que seguiré intentándolo mientras me queden fuerzas. Como todo proceso, es consecuencia de la unión y el crecimiento, es por eso que en cada estrofa de la canción el número va aumentando. En la primera estrofa 1+1+3+80=85, mientras que en la última 8+8+3+80=99, (volvemos al We are the 99%, primo hermano del español 15-12M). Eso unido a lo que representa el número 8 (la perfección), del que sale también el símbolo de infinito».

Ama ante el virus de la rabia

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Hace unos días anunciamos que Ama volverían a actuar en Madrid este 12 de mayo en una fiesta Jabalina en el Siroco de Madrid, donde presentarían su aportación a la colección de vinilos Dedicatessen, en compañía de Llum y Doble Pletina, que acaban de firmar con el sello y el domingo también darán en concierto para niños. Entradas para Siroco, aquí.

La buena noticia es que desde esta semana está disponible en Spotify el nuevo single de Ama (también el de J’aime), que consta de tres canciones. Según la nota de prensa, el 7 pulgadas de color naranja explora las «tres fases del duelo por una pérdida: la primera de evitación o defensa, la segunda de dolor y angustia y la última de resolución», aunque esta última no parece terminar de llegar a buen puerto. Entre las tres bonitas canciones, llama poderosamente la atención ‘Gato encerrado’, con un inesperado protagonismo del Autotune.