50.-Sleigh Bells / Treats: Crystal Castles son la vuelta que siempre necesitó el electropop después de su eclosión en 2001 y Sleigh Bells, con un peso decisivo de unas guitarras eléctricas bastante salvajes, son su contrapartida electro-rock, además de muchas otras cosas. Aunque no lo hayas leído antes, en cuanto suena el single ‘Tell ‘Em’ que abre ‘Treats’ es evidente que Derek Miller cuenta con un pasado hardcorero, metalero o similar, que ahora ha decidido combinar con bases hip-hop o incluso trance (aún estamos hablando de la misma canción), consiguiendo sólo de esta forma hacer sonar blandos a los grupos que probablemente escucharía en su adolescencia.

49.-Robyn / Body Talk: El error de planteamiento y de tracklist enfanga, en parte, lo que podría haber sido en realidad ‘Body Talk’ con el material de que disponía Robyn: una sucesión de grandes canciones de pop sofisticado, tan disfrutable en la pista de baile como en los auriculares, en manos de una artista inteligente y en un gran estado de forma. Si obviáramos tres de los cortes de este recopilatorio final, estaríamos hablando de una colección pop difícilmente superable por otras artistas de sus características, y eso incluye a su poco apreciada Lady Gaga.

48.-Perfume Genius / Learning: El debut discográfico de Mike Hadreas recuerda a aquel magnífico ‘More You Becomes You‘ del esquivo genio Liam Hayes (conocido entonces como Plush), pero la mejor forma de describir su sonido es compararle con el Sufjan Stevens espiritual de ‘Seven Swans’ y el dramático Antony de ‘I’m A Bird Now’, aliado con un admirable sentido melódico que hace que cortes como ‘Lookout, Lookout’, ‘You Won’t B Here’, ‘Perry’ o ‘Learning’ no se pierdan en la memoria con facilidad.

47.-Lucky Soul / A Coming Of Age: Cuando Andrew buscaba cantante era una obsesión para él no encontrar divas chillonas a lo ‘Factor X’. Llegó a mencionar en su anuncio que no quería que se pareciera en nada a Christina Aguilera y suele contar que la única de las candidatas que no sonaba a Christina Aguilera fue Ali. Una voz dulce como la suya es perfecta para defender baladas como ‘Warm Water’, ‘Southern Melancholy’ o temas basados en una línea de piano como ‘Could Be I Don’t Belong Anywhere’. A nadie puede empalagar sino resultar maravillosa en esta nueva búsqueda de lo atemporal (y del amor, en las letras) que llega a buen puerto.

46.-Scissor Sisters / Night Work: No es ‘Night Work’ el disco que salvará la música electrónica ni copiarán sus armas los productores a la última. No esperes verlo en la sección BNM de Pitchfork ni que sea el álbum más influyente del año. Pero si lo que esperas de Scissor Sisters es un buen disco de pop sin relleno ni baladas y con varios temas que podrían ser single sin problema, el tercero de Scissor Sisters resultaba el mejor del verano.

45.-Avi Buffalo / Avi Buffalo: Avi Buffalo es el proyecto de un chico modesto que demuestra un potencial asombroso ya que sus canciones solo inspiran la mención de artistas de talla mayúscula. Su debut es un álbum insólitamente coherente y compacto, con clara vocación de clásico. Personalmente, ardo en deseos de ver de lo que este chico es capaz en el futuro pero, sinceramente, podría morirse tranquilamente porque con estas diez canciones ya ha llegado más lejos de lo que miles de advenedizos conseguirán en toda su carrera.

44.-Pauline en la playa / Física del equipaje: Cuentan Pauline en la Playa en las entrevistas promocionales que en su primer disco se entusiasmaron demasiado con los arreglos orquestales. Con el tiempo, su sonido ha ido agradeciendo la contención. Ahora cada viento, cada cuerda o cada percusión está exactamente en su sitio. Así, ya no hay canciones en sus discos tan inmediatas que entren a la primera escucha, sus temas no son de los que encontrar en un MySpace y devorar, sino de los de sentarte a disfrutar, libreto con las letras en mano, para dejarte llevar poco a poco por sus encantos. Si en estos cuatro años que han pasado desde que editaran ‘Silabario‘, te habías olvidado de que Alicia y Mar son algunas de las mejores letristas y arreglistas de nuestro país, ‘Física del equipaje’ te lo recordará pronto.

43.-Jónsi / Go: Producido por el mismo Jónsi, por Alex Somers (su novio, con quien ya trabajó en ‘Riceboy Sleeps) y por Peter Katis (Interpol), el álbum cuenta con la estrella Nico Muhly (Björk, Grizzly Bear, Antony and the Johnsons). Sus arreglos orquestales son, junto con la particular voz de Jónsi y su característica forma de impostarla, la columna vertebral del disco. Básicamente mete en una batidora las cuerdas y la percusión de Final Fantasy, el espíritu épico de Arcade Fire, los últimos trabajos de Sigur Rós y una instrumentación por momentos excesiva (aunque nunca fuera de lugar).

42.-She & Him / Volume Two: Aquellos que despreciaron el talento de Zooey Deschanel como autora, compositora y música cuando se publicó hace dos años ‘Volume One‘, fruto de la colaboración de la actriz con M Ward, van a tener que buscarse muy buenos argumentos para justificarse tras la publicación del segundo disco de She & Him, este ‘Volume Two’. Compuesto en casi su totalidad (con la excepción de dos versiones) por la propia Deschanel, que también canta y toca el piano con algo más que corrección, hay poco donde rascar. Ya no hay duda de que Zooey Deschanel lo tiene.

41.-The Tallest Man On Earth / The Wild Hunt: La menuda figura de este sueco contrasta con su voz rotunda que, sin dejar nunca de recordar la del autor de ‘The Times They Are A-Changing’, gusta de jugar con inflexiones vocales propias del ragga y marcados contrastes de dulzura y fiereza, apoderándose del espacio sonoro con vigor en canciones tan notables como la que da nombre al álbum, el single ‘King Of Spain’, ‘Burden Of Tomorrow’ o ‘Troubles Will Be Gone’, que incesablemente van dejando una impronta en el oyente, como sacando a la superficie sensaciones ya enterradas y olvidadas de un gozo primigenio y puro. Sus trovas, que circulan sobre una delgada línea entre la realidad y el ensueño, hablan de amor y muerte pero celebran la vida. Este álbum estremece y acongoja no pocas veces, pero no por mostrarnos algo oscuro y desolado sino más bien por invadirnos con una reconfortante luz, caliente y cegadora.

40.-Best Coast / Crazy For You: La perversión del sonido Beach Boys es algo que se ha practicado de casi todas formas (Animal Collective) y maneras (No Age). Best Coast toma el camino de aquellos que han alternado este tipo de melodía sesentera con un punto lo-fi, indie-rock y a veces un tanto noise, en sintonía con el trabajo de Crystal Stilts, su amigo Wavves o Vivian Girls, para hacer una serie de canciones con letras que parecen parodias de las «girl-groups».

39.-Four Tet / ‘There Is Love In You:Más luminoso que de costumbre, Four Tet nos sorprendía a principios de año con ‘There Is Love In You’, un disco emocional, divertido y en el que Kieran Hebden plasma a la perfección un momento de su vida en el que parece que todo le sonríe. Con su ya típica superposición de capas y loops, perpetrados con los instrumentos más insospechados, Hebden construye el que es uno de los discos imprescindibles de electrónica de 2010.

38.-Nadadora / Luz, oscuridad, luz: ‘Luz, oscuridad, luz’ es un disco que ofrece una variada paleta sonora que abarca varios tonos dentro del indie pop/rock, y lo mejor de todo es que una vez que acaba el último corte, no da pereza alguna volverle a dar al play, probablemente gracias al añadido de agresividad y guitarras con querencia shoegaze al sonido de su etapa Jabalina. Muchos artistas lo dicen con ligereza, pero Nadadora podrían afirmar sin ruborizarse que su último álbum es el mejor.

37.-Ellos / Cardiopatía severa: Las doce canciones del cuarto álbum de Ellos, entre reproches, suspiros de nostalgia y referencias continuas al amor y al desamor se suceden entre los espectaculares arreglos de la Orquesta Sinfónica de Bulgaria. Gracias a la solidez de hasta media docena de singles (‘Hasta el final’, ‘Lo nuestro, ‘Cumpleaños feliz’, ‘Cerca’, ‘Por qué no volvemos’, ‘Justicia cósmica’), ‘Cardiopatía severa’ se perfila como un gran disco, que debería situar a Ellos definitivamente en el Olimpo de los grupos españoles superventas, donde debieron estar siempre.

36.-Single / Monólogo interior: Lo que ellos confirman como un esfuerzo por superarse acaba, tras varias escuchas (porque nos encontramos ante un disco difícil que incluso para los fans del dúo supone todo un desafío), superando la autocomplacencia y mostrando su palpable mejoría, especialmente en la voz de Teresa que, como ya pudo comprobarse en sus directos, ha pasado de la timidez dulce a una briosa seguridad, poderosa, que la hace atreverse con cosas tan complejas como asimilar el delicado ejercicio mental de quien pinta un cuadro en ‘Chinese White’ o poner verbo al mecanismo (i)lógico de un minino, en ‘¡Miau!’. Puede presumir, además, de ser una de las letristas más singulares y talentosas de nuestro país, con un vocabulario cuidado incluso en su musicalidad, cuyo mejor ejemplo es la maravillosa ‘La cama’.

35.-Surfer Blood / Astro Coast: Los oyentes escépticos con los hypes creados por los medios y con las copias de grupos de décadas anteriores podrían encontrar excusas para criticar a Surfer Blood negativamente en cuanto comienza el disco con ‘Floating Vibes’, de ritmos y guitarras muy a lo Dinosaur Jr./Pavement (época ‘Brighten The Corners’). Sin embargo, aquellos que no quieran seguir sabiendo más se están perdiendo uno de los mejores debuts discográficos de este año, porque está claro que Surfer Blood tienen sus influencias, pero no sólo las copian, sino que beben de ellas y avanzan con la intención de crear un terreno propio, con buenas canciones y más variadas de lo que parecen por encima de todo.

34.-Los Planetas / Una ópera egipcia: Puede que el planteamiento de ‘Una ópera egicia’ no sea el más apetecible para el fan más exigente de Los Planetas. Incluye una canción ya publicada en un single el año pasado, otra ya incluida en el recopilatorio de Juanjo Sáez, otra de la banda sonora de ‘La habitación de Fermat‘, un instrumental, un tema pensado para Christina Rosenvinge que rechazó y terminó cantando La Bien Querida por accidente y un par de canciones electrónicas que lo son sólo porque Eric no estaba en el estudio, una de las cuales, de nuevo, está interpretada casi, casi en solitario por La Bien Querida. Sin embargo, a pesar de que el concepto tiene pinta de ser un absoluto desastre, la crítica, como siempre, está siendo más que generosa con el grupo, y esta vez nos vamos a subir al carro porque todos los temas son notables o sobresalientes, desde los que más conocidos a los de supuesto relleno (‘Siete faroles’, ‘Atravesando los montes’) pasando por el tema de Enrique Morente que, desgraciadamente, estos días adquiría nuevo significado.

33.-Hot Chip / One Life Stand: La primera canción de ‘One Life Stand’, ‘Thieves In The Night’, es una de las más bailables con diferencia, pero también una de las que más recuerdan a etapas previas, especialmente a ‘Made In The Dark’. Los tres primeros temas son, de hecho, una especie de recorrido por su carrera, en el que avanzan cierta evolución: del estallido electrónico de la pista 1, con ese “happiness is what all we want”, al estilo más barroco y recargado de ‘I Feel Better’, salpicados de sus momentos habituales bailables y melancólicos.

32.-El Hijo / Madrileña: Abel Hernández se ha mostrado en algunas entrevistas algo decepcionado porque la lírica de su álbum de debut ‘Las otras vidas‘ se interpretó en un sentido literal, sin trasladar sus imágenes históricas al contexto universal que en realidad buscaban. Seguramente ese es el motivo que le ha llevado a situar las canciones de ‘Madrileña‘, su continuación, en un contexto radicalmente urbano. Hernández busca en la ciudad de Madrid un símbolo de urbe que resulte cercano al oyente, un entorno sucio, frío y agresivo en su ajetreo pero a la vez acogedor y familiar, dentro de cuyas aglomeraciones humanas se encuentran sus personajes y sus pequeñas singularidades, que son observadas por el cantautor madrileño con minuciosidad, poniendo en el microscopio su fragilidad y su desamparo.

31.-Tulsa / Espera la pálida: Karlos Osinaga (Lisabö, Anari) ha sido sin duda una elección perfecta en la producción para contener en la medida exacta este cúmulo de pasiones “que piden a gritos la demolición” y los arreglos, grabados en solo una semana y en directo, aportando matices exquisitos sin destacar demasiado. Tiene Tulsa mucho de la americana, de Cat Power, Songs: Ohia o Aroah, pero también en las voces y en su música encontramos de vez en cuando similitudes con Mai Meneses, Julieta Venegas, Luz Casal o el último Coque Malla (el bueno). Y no es malo, sino todo lo contrario. Significa que se puede hacer buena música en castellano muy próxima a la que le gusta a la gente de la calle.

30.-Joanna Newsom / Have One On Me: Seguramente lo que convierte ‘Have One On Me’ en una obra importante es su carácter intrincado y denso, sus estructuras rocambolescas que se van por las ramas de pirueta en pirueta para volver al punto de partida, giros vocales y melódicos inesperados que fascinan, descolocan, irritan, maravillan o desesperan, rehúyen la inmediatez (característica hoy en día aparentemente imprescindible en la música para trascender), aguardan oídos inquietos e inconformistas que osen profundizar en su inmensidad, sin prisas, con detenimiento, atrapando hoy un conmovedor detalle de kora y mañana una poética línea de texto que ayer pasó desapercibida. Así que, que nadie se frustre. ‘Have One On Me’ es una gran obra como las de antes (como las de Joni Mitchell o Rickie Lee Jones que la han inspirado), en fondo y forma, un disco que claramente requiere un largo tiempo de atención y disgresión para ser ponderado con justicia y que, probablemente, solo dé su verdadera dimensión con el paso de los años.

29.-Joaquín Pascual / El ritmo de los acontecimientos: Su puesta en escena, primordialmente minimalista (la tónica es que apenas guitarra o teclado acompañen a su voz), refleja perfectamente el espíritu doméstico y de inmediatez que Pascual quería plasmar en estas canciones grabadas por Paco Loco, consiguiendo así mostrarse más cercano y familiar que nunca en melodías que poseen ecos de Buddy Holly o Phil Spector (con mención especial a los coros de Ana Galletero y Muni Camón), aunque a menudo recurra a un sofocante volumen de guitarra que casi consigue ahogar su voz, en un efecto tremendamente desasosegante, en coincidencia con esa nueva corriente norteamericana comandada por Best Coast o Real Estate.

28.-Twin Shadow / Forget: La historia de este personaje comienza en un pueblo, con una infancia aburrida y sin apenas amistades, y termina en Brooklyn, presentando un debut titulado ‘Forget’, producido por Chris Taylor de Grizzly Bear, que no parece tener ninguna intención de caer en el olvido. El single ‘Slow’ resume de sobra lo que le espera al oyente con este álbum tan dulce y caprichoso: años ochenta, electropop y, sobre todo, raudales de elegancia potenciados por su reconocible voz.

27.-Tracey Thorn / Love and Its Opposite: En una de las canciones sobre la crisis de los 40 de su disco, Thorn se preguntaba en medio de un bar: “Estoy resignada a llevarme lo que encuentre si no puedo llevarme lo que quiero. ¿Puedes adivinar cuánto tiempo llevo aquí? ¿Puedes oler el miedo?”. Miedo a quedarse sola sólo equiparable al miedo a aferrarse a alguien en ‘Long White Dress’, en el que una adulta que sí ha conocido el amor recibe la incómoda pregunta de un niño demasiado listo para su edad: “¿Por qué no te has casado?”. Tracey Thorn sabe ponerse en todas las posiciones, sin perder el sentido del humor, para interpretar estas maravillosas canciones que nos recuerdan que es tan triste pintarrajear una foto de familia como la de la portada por envidia como por despecho.

26.-Nacho Umbert & La Compañía / Ay…: Canciones como ‘Colorete y quitasueño’, ‘La gata soprano’, ‘Prêt-a-porter’ o ‘Confidencias en el palomar’ traen inmediatamente a la mente discos como ‘Compito’ o ‘El porqué de mis peinados’ de Sr. Chinarro. Quizá sea en buena medida gracias a la forma monocorde y grave de entonar de Umbert, pero también porque los aires jazzy de los arreglos de Fernández estupendamente ejecutados por La Compañía hacen un trabajo demoledor que dan calidez y cercanía a estas canciones hasta hacernos sentir partícipes de esas agridulces vidas, tan comunes y familiares, contenidas en estos diez cortes que redimensionan y dignifican el concepto de cantautor patrio, mucho más allá de la insoportable turra de progres trasnochados y buenrrollistas.

25.-These New Puritans / Hidden: “Somos anti-experimental, anti-distorsión, anti-vanguardia. Me interesa lo narrativo, la precisión, la claridad”. Así habla Jack Barnett de lo que su banda, These New Puritans, es en 2010 y de lo que persigue. ‘Beat Pyramid’ era un interesante ejercicio de búsqueda más allá del trillado revivalismo post-punk que ponía en evidencia a precedentes como Bloc Party y que, por qué no, puede ser un claro referente estético para The xx (a los que, paradójicamente, han teloneado recientemente). Pero no hacía presagiar un paso adelante tan brutal como este ‘Hidden’, una obra en la que el cuarteto de Southend se despoja voluntaria y radicalmente de cualquier etiqueta para labrarse una nueva vía en el pop, una tortuosa y espinosa, apasionante.

24.-Ariel Pink’s Haunted Graffitti / Before Today: Entre el funk de saxo calentorro de ‘Hot Body Rub’ (“métete en mi bañera caliente”), el glam con toques grunge de ‘Butthouse Blondies’, el post punk marcial de ‘Revolution’s A Lie’, el disco de ‘Fright Night (Nevermore)’ y el pop psicodélico y playero de ‘Bright Lit Blue Sky’ (versión de los Rockin’ Ramrods de Ronn Campisi) podrían mediar abismos, pero la aplastante personalidad de Pink y su visión alucinada y alucinante de la música, de una absoluta falta de escrúpulos, cohesionan este batiburrillo.

23.-The Morning Benders / Big Echo: ‘Stitches’, que comienza como una balada y a medida que avanza, contiene mayor peso de las guitarras, reincide en la densidad armónica tan identificable con el sonido de Grizzly Bear (productores), pero tampoco estamos ante un disco que suene especialmente atormentado. Hay momentos identificables como pop, como ‘All Day Day Light’, que nos recuerda por qué hubo un día en que The Morning Benders ejercieron de teloneros de Death Cab For Cutie, mientras que la final ‘Sleepin’ In’ hace honor a su nombre recordando a sus referentes más luminosos. En el equilibrio encontrado entre todas sus vertientes, a las que han sabido dar perfecta unidad, está el secreto de que su disco termine resultando tan bonito. Y posiblemente en la elección de ‘Excuses’ como single, el tema menos Grizzly Bear del álbum, la definición de su personalidad de cara al futuro.

22.-Damien Jurado / Saint Barlett: ¿Cuál ha sido el siguiente paso para Jurado dos años después? Volver a las formas de su anterior álbum, contando con temas de instrumentación elaborada por un lado, y otros en los que Damien se acompaña de poco más que su guitarra. La diferencia de ‘Saint Bartlett’ frente a sus discos anteriores es que, en cortes como ‘Cloudy Shoes’ o ‘Arkansas’ hay un toque pop sixtie, con coros y ritmos philspectorianos (especialmente en la segunda), un giro acertadísimo que después de quince años de actividad renueva su propuesta musical.

21.-Dënver / Música, gramática, gimnasia: En la nueva obra de Dënver, el salto cualitativo es realmente asombroso. De la mano de Cristian Heyne (productor de los últimos trabajos de Javiera Mena, Gepe o Enrique Iglesias), Milton y Mariana han adquirido una visión estereoscópica y sofisticada del pop, ambiciosa y desprejuiciada, cuya mayor virtud es aunar estilos a menudo disociados como el disco, el noise, la canción melódica, el electro, el funk, los arreglos orquestales, la electrónica y el pop (siempre), en una amalgama coherente, que versa sobre la adolescencia.

20.-The Divine Comedy / Bang Goes The Knighthood: Neil Hannon nunca tuvo tanta suerte como otros colegas procedentes de las islas. Al fin y al cabo este décimo disco de estudio de Divine Comedy es el cuarto que más alto ha llegado en las listas británicas de su carrera (top 20). El grupo sigue teniendo sus fans, que mantienen animadas conversaciones en foros de internet sobre sus nuevos temas, pero la sensación de que Neil no va a protagonizar ninguna portada importante nunca más y de que la mitad de la gente ni se enterará de que la banda tiene un nuevo disco en la calle, es tan inevitable como injusta, porque ‘Bang Goes The Knighthood’ la única decadencia que presenta es la de los tiempos que vivimos, nunca la de sus composiciones.

19.-Vampire Weekend / Contra: Vampire Weekend siguen manteniendo la perfección de unas melodías capaces de aunar baterías con violines, e incluso con unos interesantísimos coros que crecen en intensidad, como sucede en ‘California English’, por ejemplo. Asimismo, han concedido muchísima más importancia a la voz de su cantante, tal y como muestra ‘Taxi Cab’, donde Ezra Koenig desgrana una historia bien melodramática, parece que inspirada en Joe Strummer, cantante de The Clash. ‘Contra’ pierde parte de la espontaneidad e inmediatez de su debut, pero no decepciona, abriendo nuevas vías de expresión para la banda.

18.-Caribou / Swim: A pesar de que ‘Swim’ es mucho menos Animal Collective, Beach Boys y Stereolab que ‘Andorra’, mantiene algún punto de relación como las voces de ‘Jamelia’ y sigue sonando francamente ecléctico. Es clarísimo el referente de Kieran Hebden; pero también el de James Murphy en el uso que hace de la percusión durante canciones como ‘Leave House’. Del mismo modo, es reseñable y muy disfrutable el uso de la parte vocal de Snaith durante todo el disco. Muy al contrario que otros músicos experimentales, las voces y las letras toman protagonismo durante casi todos los temas, donde va contando una historia de amor entre dos personas que tiene sus altibajos.

17.-Joel Alme / Waiting For The Bells: La voz desgañitada pero segura de Joel aporta un factor emocional extra que, como el Springsteen de ‘Born To Run’, reivindica con pasión el legado del maestro Phil Spector con estas deslumbrantes canciones que sacan el frío del cuerpo y la mente, dando nueva vida a aquel muro de sonido desde la perspectiva de un crooner romántico, al más puro estilo Elvis circa ‘In The Ghetto’, situándose muy cerca de Neil Hannon o Richard Hawley en la constatación de la vigencia del clasicismo y el romanticismo en el pop actual, sin atisbo de ranciedad ni nostalgia barata.

16.-Crystal Castles / Crystal Castles: Muchas de las canciones de este álbum siguen recordando a Ladytron, a Felix da Housecat o a Fischerspooner (sobre todo a su versión de Wire, ‘The 15th’), pero Crystal Castles vuelven a añadir el componente friqui que ha terminado sirviéndoles para conseguir un sonido único. Piensa en Alice gritando como una loca en el Sónar porque su micrófono no funcionaba. Piensa que han grabado, entre otros lugares, en una iglesia en Islandia y en un garaje abandonado. Eso es ‘Baptism’, una de las grandes composiciones (sic) de este disco.

15.-Hurts / Happiness: Por fin alguien ha entendido que los 80 no sólo consistían en salir al escenario con unas mallas rosas, laca y hombreras a cantar unos temas supuestamente divertidísimos y desenfadados. Desde luego que los seguidores de C-86, los Smiths o Aztec Camera lo sabían muy bien, pero el synthpop llevaba un tiempo devaluado, quizá por el exceso de propuestas, todas iguales. Nadie duda de que Little Boots, Frankmusik y hasta Sam Sparro han dejado algún hit suelto histórico, pero faltaban ideas nuevas y diferentes. Hurts, el ex misterioso dúo que lleva sonando más de año y medio por webs, blogs y redes sociales, sin realizar una mezcla tan excitante de sonidos como The Tough Alliance, ahora ceo, resulta incluso más interesante por haber tenido la ocurrencia de reivindicar algo tan completamente fuera de onda como la balada.

14.-Owen Pallett / Heartland: ‘Heartland’ es un trabajo conceptual que musicalmente se presenta mucho más elaborado que cualquier otro trabajo que Owen Pallett haya realizado hasta ahora. Ante este álbum, cualquier disco pasado parece una obra de dormitorio. Ya estamos acostumbrados a su faceta de compositor de arreglos para Beirut, The Last Shadow Puppets, Pet Shop Boys o Arcade Fire por mencionar a unos pocos, pero aquí deja libre su fuerza compositiva y acompaña y resalta cada uno de los momentos del protagonista, Lewis, como si fuese una banda sonora, con una composición llena de detalles que adquiere función narrativa.

13.-Sufjan Stevens / The Age of Adz: Sufjan, que ha cantado a ovnis, zombies y superheroínas sexys, no anda muy alejado del mundo alucinado de Royal Robertson, inspiración de este álbum; ambos usan una imaginería de serie B para tratar temas trascendentales. Sufjan ha cimentado ‘Age of Adz’ sobre una estructura electrónica deliberadamente demodé, con reminiscencias a películas antiguas de ciencia-ficción, aunque no faltan vientos, flautas, guitarras ni coros de boy-scouts angélicos (no busquen banjos, por eso). Con esta base, crea un álbum sobre el deseo, la ausencia (del amigo, del amante), el abandono, el despecho y el anhelo del castigo divino purificador.

12.-Klaus & Kinski / Tierra, trágalos: Es un placer ver que a Klaus & Kinski no les queda nada por demostrar. Han conseguido un estilo propio a base de no tener uno determinado, huyendo totalmente de los convencionalismos y atreviéndose además con algunos nada propios de los tiempos en los que vivimos. Y por otro lado, también tienen una imaginería propia muy particular, algo sólo al alcance de unos pocos en el mundo de la música, con unas letras en las que se entremezclan personajes populares con otros históricos y religiosos, sin que ninguno de ellos rechine en ninguna de sus composiciones. Y lo que es más, vuelven a crear un disco de 14 canciones y casi una hora de duración en el que -como su predecesor- no sobra ni falta nada.

11.-Kanye West / My Beautiful Dark Twisted Fantasy: El amor de Kanye West por su propia persona es objeto de chistes en todo tipo de reuniones sociales a lo largo y ancho del globo terráqueo. Pero no podemos decir que en su quinto disco haya perdido el juicio de manera que su personalidad se reduzca a la ridiculización. En este disco, en gran medida un regreso a los dos primeros, los mejores, demuestra que los errores que ha cometido después no han sido en vano, dosificando el autotune, sampleando ahora a Bon Iver y colaborando con John Legend y Gil Scott-Heron en las dos últimas pistas. Un momento fundamental que sirve para empalmar dos facetas sin las que la personalidad de Kanye no sería lo mismo: su debilidad, su romanticismo y su pasión con su correspondiente complejo de culpa de un lado; y su implicación política, de otro.

10.-The National / High Violet: Grabado de nuevo con la ayuda de Peter Katis entre el estudio que la formación tiene en este lugar y los Tarquin Studios de Bridgeport, Connecticut, el nuevo álbum de The National sigue recorriendo la autopista del rock oscuro y melancólico que emociona sin tener que echar mano de demasiadas florituras, con las dosis justas, más desgarrador que preciosista. Asimismo, las letras vuelven por terrenos desoladores, hablándonos de lo más triste de la condición humana, tal y como canta Matt Berninger en ‘Sorrow’, el segundo corte (“Sorrow found me when I was young, sorrow waited sorrow won”) o en ‘Afraid Of Everyone’ (“With my kid on my shoulders I try not to hurt anybody out loud, but I don’t have the drugs to sort it out”).

9.-Delorean / Subiza: Los que durante estos años se hayan empapado de acid, balearic y tropicalia, encontrarán en ‘Subiza’ un gran hallazgo. Y lo será porque suena como el último disco de Animal Collective si todas sus pistas hubieran sido tan bailables como ‘Brothersport’, como si el último de Cut Copy no hubiera contenido tantos intermedios absurdos, como si Memory Tapes tuvieran un mayor número de buenas ideas o canciones, como si Passion Pit hubieran sido más ambiciosos o como si Air France se hubieran decidido a hacer un álbum de verdad. Tal y como nos lo describía Ekhi en una entrevista, “una batidora gigante de ya sea house, pop, de todo…”, debemos añadir que de lo más excitante.

8.-LCD Soundsystem / This Is Happening: Hay un claro componente Bowie en ‘All I Want’ (‘Heroes’) y en ‘Drunk Girls’ (‘Boys Keep Swinging’), pero como ha sucedido varias veces en el pasado, LCD Soundsystem consiguen hacer propias sus referencias. A veces es la repetición obsesiva de una base (‘Home’), el arranque definitivo de una canción cuando lleva tres minutos sonando o una letra que llama nuestra atención (aparecen el marxismo en ‘Dance Yourself Clean’ y Michael Musto y Bruce Vilanch en ‘Pow Pow’, que también dice “tenemos un presidente negro y vosotros no, así que callaos, porque toda la mierda que sabes del lugar de donde soy la has sacado de la tele”), pero siempre James Murphy termina dándonos lo que necesitamos.

7.-Sufjan Stevens / All Delighted People: El 20 de agosto llegó por sorpresa este falso EP, pulverizando temores y dinamitando cualquier tipo de idea preconcebida sobre él. Bueno, mentira; refuerza definitivamente la percepción de que es un absoluto genio. Porque, perdonen por la expresión, pero esto es acojonante. Sufjan se alimenta de toda la tradición de la música popular norteamericana: del soul exuberante al folk intimista, de todo el rock y el pop, pasando por el musical de Broadway para crear una obra desmesurada, barroca, desbordante y delirante sobre el Apocalipsis (y cómo salir de él). Los arreglos orquestales suntuosos y los coros en cascadas se desparraman y burbujean a través de ese tema inicial de once minutos que le da título, una canción que es un homenaje a ‘The Sounds of Silence’, pero que recuerda muchísimo al ‘A Day in the Life’ de los Beatles; que no desmerece a esas otras canciones aparentemente más simples que tampoco dan tregua.

6.-The Drums / The Drums: La excitación post-adolescente de The Drums es especialmente acusada en una primera mitad del disco arrolladora. A las ya conocidas ‘Best Friend’, la imprescindible ‘Let’s Go Surfing’ y el glorioso single ‘Forever And Ever, Amen‘, se suman las estupendas ‘Me And The Moon’, ‘Skippin’ Town’ y ‘Book Of Stories’. El baladón de aire 50′s ‘Down By The Water’ sirve de transición a una segunda parte del álbum menos enardecedora pero igualmente disfrutable, que muestra facetas distintas del grupo como el fraseo a lo Buddy Holly de ‘It Will All End In Tears’, el medio tiempo de estribillo glorioso ‘We Tried’ o la semi-acústica ‘I’ll Never Drop My Sword’.

5.-Arcade Fire / The Suburbs: ‘The Suburbs’, que está recibiendo comparaciones con ‘OK Computer’ más que por su sonido por su concepto, nos habla de una escapada a la gran ciudad que topa con el chasco de un mundo moderno que aporta igual grado de infelicidad. Y lo hace a través de unas canciones que cada vez dejan más atrás la pomposidad, las florituras y los cambios grandilocuentes de ‘Funeral‘. Aún aparecen algunos dejes en el tipo de arreglos o en algunos finales (‘Suburban War’), pero como anunciaban en ‘Neon Bible‘, el grupo está más contenido, uniendo a fans y detractores optando por lo intermedio en un disco complejo, ideal para descubrir interesantes detalles como el contrapunto que ‘Sprawl II’ supone para ‘Sprawl I’.

4.-Janelle Monáe / The Archandroid: ‘The Archandroid’, que reúne los movimientos II y III de la obra conceptual de la artista, multiplica por tres los hallazgos que se intuían en el EP: voz fantásticamente cálida y dulce, imaginación desbordante en los arreglos, apertura de mente sin límites y un magnífico instinto para equilibrar el riesgo y lo popular. Monáe y sus secuaces demuestran una amplitud de miras ilimitada, fundiendo en estos minutos cualquier estilo que se les pase por la mente sin limitarse, felizmente, a la música negra. Ni siquiera se limita a la música: Stevie Wonder, John Barry, Disney, Dalí, Muhammad Ali, Arthur Lee, ‘Ziggy Stardust’, ‘Stankonia’, Star Wars, Tim Burton, Bob Marley o Prince son citados en este álbum que, curiosamente, prescinde de cualquier tipo de sample para interpretar cada uno de sus dieciséis cortes con una amplia banda.

3.-Deerhunter / Halcyon Digest: ‘Halcyon Digest’ contiene un alto nivel de decepción desde su observación de la realidad, algo que se manifiesta en letras y melodías, pero al menos podemos decir que, en lo musical, sí es un compendio más perfecto que idílico de muchas de las mejores cosas que han pasado en los últimos 60 años. Tras él, Deerhunter no dejan ningún lugar a dudas sobre el importante lugar que ocupan en el indie internacional, creando imágenes tan desasosegantes como ‘Helicopter’ y sobre todo una colección de canciones entre las que cuesta mucho escoger favoritas.

2.-Beach House / Teen Dream: Las canciones de Beach House suenan expansivas y cálidas, misteriosas y brillantes, en contrapunto a unas letras que aluden de forma más o menos velada a ese período de abandono y vacío en el que Victoria y Alex se vieron inmersos cuando se apartaron de los suyos para parir esta magnífica obra que sin duda será un hito en su carrera y en el pop contemporáneo. No, no sería descabellado definirlos como una versión indie de Fleetwood Mac, o quizá sería más exacto imaginar una banda sonora de ‘Twin Peaks’ interpretada por Stevie Nicks haciendo de Julee Cruise con Mazzy Star en plan shogaze como banda de acompañamiento, o incluso a la Velvet con Julee Cruise haciendo de Nico… Pero son solo pobres intentos de describir una obra de estilo único y belleza duradera que será, con seguridad, un hito en la carrera de Beach House.

1.-Triángulo de amor bizarro / Año santo: TAB son uno de los grupos (nacionales o internacionales, nos da igual) que mejor entienden la conjunción entre pop y underground. ‘Año santo’ es un disco más ruidoso que su debut, de voces en ocasiones completamente ahogadas, bastante próximo a The Smell y a HEALTH, con temas que son un auténtico tiro, como ‘El radar al servicio de los magos’; pero que nunca pierde de vista el concepto de canción tarareable. Además, Triángulo evitan quedarse en la mímesis de lo que hacen los grupos extranjeros porque lo suyo es indisociable de sus letras, que podéis leer en medio de un caos muy oportuno en el libreto del CD o el vinilo. Son tan habituales las referencias religiosas y políticas que llegas a creer que son ellos y no Nudozurdo los que se han fotografiado en El Valle de los Caídos. Monarquías, criptocracias, monaguillos y catequistas protagonizan unas canciones a las que ponen un punto de perversión que hasta es incómodo que resulte tan excitante. Es genial que un grupo culmine un tema llamado ‘Amigos del género humano’ repitiendo “transfusión no es canibalismo”, pero lo mejor es la música que acompaña, en esta pista o en ‘El culto al cargo’, llevándote a querer subir el volumen en los últimos segundos de las canciones y a repetir tu parte favorita veinte veces seguidas. Literalmente. ¿No era eso el pop?