Nos seguimos haciendo viejos, porque cada vez menos grupos que nos gustaban en los 90 siguen juntos. De hecho en algunos casos estamos siguiendo ya el spin-off del spin-off del spin-off. Es el caso de Sarah Nixey, aquella que formó Black Box Recorder junto a Luke Haines, de Auteurs, y John Moore, de Jesus and Mary Chain.

Sarah, que comparte con la Cracknell decididamente algo más que el nombre, publica ahora su primer disco en solitario. Ya sabéis: Black Box Recorder no se ha separado. Es sólo que «han decidido probar con proyectos en solitario». Aunque teniendo en cuenta que John y Sarah estaban casados y ya no y eso, igual con este ‘Sing, Memory’ sí podríamos dar al grupo por muerto. Lejos de los chicos, el disco ha sido escrito por ella misma, que «maltoca la guitarra» y por James Banbury, que tocaba los teclados en Black Box Recorder y el violonchelo en The Auteurs.

El resultado es un disco 100% Popjustice, que debería ser una categoría más de las revistas musicales de tendencias. En un medio de comunicación si le pasas el disco al redactor gay poppy, es posible que le plante un 8. Si se lo pasas a alguien que con el recopilatorio de Sugababes y Girls Aloud y el reciente dueto entre ambas ya ha tenido bastante pop por ahora, es posible que le plante un 4.

Reconozco que Damon Albarn (o Parla, como os guste más) es un chico bien listo, pese a que ‘Parklife’ fuera un gran oasis (cuñaaaaao) de talento en la, a la postre, plana discografía de Blur. Y es que es listo porque le saca un partido del 1000% a sus dotes musicales (que alguna tiene) y, sobre todo, porque sabe rodearse de las personas adecuadas, por no hablar del olfato comercial que maneja. A mí me sigue impresionando el éxito comercial de Gorillaz, porque con dos discos discretitos, una copia actualizada de los Monkees, cuatro cartoons muy apañaos y una buena operación de marketing se ha vendido unos diez millones de copias. Que ya es tela, tíos.

En su nuevo proyecto, The Good, The Bad & The Queen (posiblemente el nombre de grupo más feo y enrevesao de la historia del pop), se pone en plan músico-de-banda-de-rock-de-largo-recorrido-y-calidad, se agencia a buenas y viejas glorias (Paul Simonon, ex-The Clash, Tony Allen, ex-batería de la banda de Fela Kuti), a uno que estaba libre (Simon Tong, ex-The Verve, no nos engañemos, podría haber sido cualquiera que supiera hacer tres posturas en la guitarra) y, para darle lustre al invento, mantiene a un colega de Gorillaz que ¿casualmente? es el productor de moda (Danger Mouse) y… ta-daaaaaaaa!!! (jejeje…) Ya tenemos un DISCAZO!!! Pues… NO!!!

El próximo mes de abril Elefant edita el album de debut de Lucky Soul. La banda, originaria de Greenwich, se ha hecho en muy poco tiempo un hueco de honor en la escena londinense. En marzo de 2006 salían al mercado con el 7″ ‘My Brittle Heart’. En junio del mismo año daban la campanada con el single ‘Lips Are Unhappy’ consolidándose como la nueva esperanza del pop británico independiente. Dos espléndidos nuevos singles editados en 2007 (‘Ain’t Never Been Cool’ y ‘Add Your Light To Mine’) hacen que su disco y su gira por Europa se esperen como agua de mayo.

Hace cosa de un año alguien me habló de la voz de Ali Howard y desde el primer momento quedé enamorada de lo que representaba Lucky Soul; de las composiciones, de las percusiones, de las letras y de ese perfume a recital de los de antes, en teatros con suelo de madera y telón rojo. ‘The Great Unwanted’ es la perla que no puede faltar en los joyeros de los amantes de los clásicos del pop oldie británico (Petula Clark, Dusty Springfield, Sandie Shaw…).

Y es que Lucky Soul evocan la elegancia de otros tiempos, la sofisticación y la dulzura de los grandes sellos del pop de los sesenta que hace que a una se le pongan los pelos de punta de una forma ciertamente escandalosa pero muy muy placentera. La buena noticia es que en apenas un mes, después de su paso por Suecia, visitarán Madrid y actuarán en el 2º festival CulturaPOP de San Blas. Aquí la que escribe, espera inquieta. 8,5

Cuenta Stuart Murdoch, líder de Belle & Sebastian, que obsesionado con Felt y su cantante Lawrance Hayward, fue en su búsqueda a Londres cuando todavía era un adolescente. No lo encontró. Butcher Boy es un grupo nuevo que nos llega desde Glasgow, como Belle & Sebastian, y parece que sí han dado con él. Con Lawrance y con muchos más.

Detrás de este grupo está John Hunt, el responsable de uno de los clubs indies más famosos de Glasgow, el National Pop League. Butcher Boy comenzó en 1998 cuando John enviaba poemas al periódico local bajo esa firma. Luego, comenzó a tocar y componer canciones, hasta que formó la banda en 2005. Su primer disco, que publican ahora, es ‘Profit in your Poetry’.

Me tengo que remontar mucho tiempo atrás, muchísimo, para recordar un disco que me sacase del hastío musical en el que estaba metido y éste lo ha conseguido. Son tan sólo diez temas que apenas superan los treinta minutos en total, pero que están llenos de referencias a Love, a los Smiths, a Felt y en menor medida al pop indie escocés de los Belle & Sebastian y Camera Obscura. Un disco de folk/pop íntimo, muy bien hecho, que engancha y emociona. Toda una joya que no tiene ni un solo segundo de desperdicio. 9

Lo de Bill Callahan es casi sobrenatural. Se le encendió la bombillita hace casi diez años con ‘Wild Love’ y ahí sigue, entregando un obrón con cada disco. ‘Woke on a whaleheart’, aparte de la desaparición de Smog y (Smog) como alter egos, supone un paso más en una carrera intachable y apasionante. Callahan recurre al ex-Royal Trux Neil Michael Hagerty para la producción del álbum y el resultado es sorprendente. Si a menudo se le ha comparado con Neil Young, en esta ocasión su reflejo sería el del Lou Reed del 72, Hagerty sería su Bowie y este nuevo álbum su ‘Transformer’ particular. Es cierto que ‘The Wheel’ o ‘A Man Needs A…’ podrían estar firmadas por Hank Williams, que los geniales coros gospel son una feliz constante en todo el disco o que el violín, presente en casi todos los temas, no es (a priori) el primer instrumento que uno imagina cuando piensa en rock… Pero es que las guitarras se han afilado, los ritmos son puro funk y todo suena fresco, a menudo desenfadado y (lo juro) divertido. Y sobre todo esto el hecho de que junto a buenos temas como ‘Footprints’ o ‘Honeymoon Child’ (a esto se le llamaba pasodoble, creo yo), Bill Callahan haya entregado dos auténticas joyas: la primera es ‘Diamond Dancer’, un single genial (lo vuelvo a jurar) en el que un riff de violín y la negrísima voz de Deani Pugh-Flemmings guían el funk del bajo a lo largo de una melodía vocal irresistible. Y la segunda es ‘Sycamore’, que más que una canción es un monumento erigido al ‘Satellite Of Love’ de Reed, que va creciendo y creciendo sobre arpegios de guitarra superpuestos para culminar en una de las canciones más preciosas que recuerdo haber escuchado nunca. 8,5.

El quinto disco de los islandeses GusGus puede ser a la temporada lo que a la pasada fue el de Ellen Allien con Apparat. Abre ‘Forever’ ‘Degeneration’, techno tímido aderezado con una repetitiva sección de cuerdas, y le sigue lo que sería la pista de lo mejor que contiene el álbum: las voces de varias divas de raíces negras, dando a las canciones un toque soul similar a lo que tantos grupos de música dance, como Basement Jaxx, han hecho en los últimos años. ‘You’ll never change’ completa su condición de hit con algún guiño electrizante a Richard-X.

El primer single, ‘Moss’, de Daniel Agust, que el grupo presenta como una «historia de amor, sobre la importancia de dar al prójimo el amor que merece», contiene ese lado humano del que carecen instrumentales como ‘Lust’. Tampoco lo pretenden, claro, pero es que esa parte más progressive del grupo aburre bastante más que otros también instrumentales como ‘If you don’t jump (you’re English)’, con ese sample de un tema punk islandés de los años 80. Lejos de sus inicios trip-hop y pop, GusGus gana en sofisticación, pero no siempre en divertimento. La personalidad quizá nunca la tuvo. 6.

Debo reconocer que es muy posible que no me hubiera sentido atraído por The Hold Steady si no hubiese leído un comentario por ahí que les llamaba los ‘Pulp americanos’. «¡Coño!», piensa uno al leer esto, «eso debe ser la bomba». Y claro, como suele pasar con estas cosas, la primera escucha es una total decepción. Porque uno espera oír algo mágico y se encuentra con un rock americano de escuela clásica que suena un poco a Replacements y Hüsker Dü y un mucho a Springsteen. O sea, ¿dónde están Pulp aquí? Y claro después de un par de escuchas, el desánimo cunde y uno olvida el álbum, agobiado por la avalancha de discos que nos aplasta cada día. Un par de meses después, sorprendido por su posición en la lista de 2006 de Pithcfork (recordemos que el disco lleva circulando por ahí desde el verano pasado, pese a que hasta hace un mes no se ha editado en Europa), decidí darles una nueva y definitiva oportunidad. Y, de repente, cuando te familiarizas con los temas y encuentras los ganchos empiezas a descubrir que las palabras que hila Craig Finn como un spoken-word arrastrado por las guitarras no son cualquier cosa. ¡Claro, joder! ¡Lo de Pulp venía por ahí!