El título de este post plasma lo que me vino a la cabeza después de una primera y descuidada escucha de ‘Some Loud Thunder’, el nuevo y esperadísimo álbum de una de las bandas triunfadoras de 2005. Y es que lo primero que uno descubre es que tiene que decir adiós (al menos de momento) a aquellos hits urgentes y eufóricos de su primer álbum. Y lo segundo es decir hola a las nuevas propuestas de Alec Ounsworth, que se revela como un tipo muy listo que, ante la posibilidad de morir de éxito, opta por consolidar la personalidad de su banda antes que seguir dejando crecer un globo que cualquier día pudiera explotar.

En ‘Some Loud Thunder’, aun manteniendo sus obvios referentes (sí, Alec sigue cantando como David Byrne), CYHSY amplían sus miras y se mueven por gran variedad de estilos con, eso sí, resultados algo irregulares. Así, en ‘Some Loud Thunder’ (el tema) hacen suyo el desaliño noise de Pavement, en ‘Emily Jean Stock’ se transforman en algo a medio camino entre The Beach Boys y The Flaming Lips (solo aquí se nota la producción invisible de Dave Fridmann), en el single (un grower, aviso) ‘Satan Said Dance’ te hacen bailar mezclando psicodelia y funk, en ‘Goodbye To Mother And The Cove’ se enzarzan en una espiral de guitarras dignas (con permiso) de Television… y así muchos temas. Para resumir, digamos que si antes se acercaban más a los primeros Violent Femmes ahora se arriman más a los Soft Boys de ‘Underwater Moonlight’ (las similitudes en la preciosa ‘Underwater (You & Me)’ no se quedan sólo en el título). También hay momentos no tan buenos, como un interludio instrumental que no lleva a ninguna parte, ‘Arm And Hammer’ (muy floja) o ‘Love Song Nº 7’, con ese inquietante piano vodevilesco.

Pese a esos bajoncillos, los momentazos son más: el glorioso final con la mencionada ‘Underwater’, la efectiva ‘Yankee Go Home’ y la extraña belleza de ‘Five Easy Pieces’, un instrumental a-là-Belle & Sebastian sobre el que Alec se dedica a… ¿dar balidos? Un disco que parece no dejar de crecer nunca. 7,5.

«Quiero ser como Momus», sentenció Teresa Iturrioz, Single, en la entrevista que tuvimos con ella. El artista-de-culto y periodista de Wired publicó su disco más o menos número 22 a finales del pasado año y ofreció un concierto en el Neu! para el que los asistentes se han deshecho en elogios y que yo me perdí. Aunque hay unos vídeos de esta actuación en Youtube.

‘Ocky milk’ completa la trilogía de Berlín iniciada con ‘Oskar Tennis Champion’ en 2003, aunque, a pesar de alguna referencia a Alexanderplatz, el disco parece más bien inspirado en Asia. La historia detrás del single, el maravilloso ‘Nervous heartbeat’, es tan fascinante que estoy seguro de que ocupa el número 73 en la lista de canciones del año de RDL, que la revista se olvidó de incluir en la edición de enero.

Según he leído en este blog, la letra de este tema estaría dirigida a una mujer japonesa de la que un hombre occidental está enamorado. Momus canta un frase en inglés y a continuación su traducción al japonés o, mejor, su correspondiente onomatopeya. Las maravillosas cuerdas del tema estarían sampleadas de una canción de autor desconocido de los años 30, cantada por una tal 周璇, que en los años 70 la «superestrella taiwanesa 邓丽君» habría popularizado en Asia. Pero hay más. La canción parece baneada de las radios chinas, por su popularidad en Japón, y en definitiva, el ‘Nervous heartbeat’ de Momus significaría la rotura de fronteras, un canto de esperanza al amor libre. ¿Ha quedado claro, no?

El caso es que ‘Ocky milk’ no es un disco fácil. En ningún sentido. Las capas de instrumentos se superponen confusamente, recordando a Herbert, a los 10 segundos a Avalanches y a los 10 segundos a ninguna otra cosa en el mundo. Las letras contienen fragmentos tan delirantes como «Seré tu señora militar con volantes / tu amante con el pelo largo de Francia». Sin embargo, hay algo cálido y cautivador en cada tema. Algo o muchas cosas. La compleja ‘The birdcatcher’ comienza con coros easy-listening, referencias al suicidio de Mickey Mouse y un toque eurovisivo que no choca con un decidido aire Leonard Cohen. ‘Dialtone’ colaría en un disco de Stephin Merritt y ‘Hang low’ en alguno de Radiohead. El disco ralla en la segunda mitad (‘Permagasm’, ‘Pleasentness’…) en tanto que recuerda al Gainsbourg más complejo o recurre a referencias tribales bastante chuscas (‘Zanzibar’), pero se recupera al final con retazos… ¡country! en la divertida ‘I refuse to die’, con la que es imposible no empatizar. La última, ‘Ex-erotomone’, recupera la polémica sexual de ‘Hippopotamomus’ (1991), aquel disco del que se destruyeron todas las copias del mercado por su contenido supuestamente p*edófilo, antifeminista y satírico sobre el muñeco Michelín. ¿Dónde ha quedado Nick Currie en esos absurdos reportajes de artistas escoceses que muchos hemos escrito? 8.

Air, desde el principio de su carrera, se han movido (levitando, eso sí) en una frontera estrechísima entre el ensimismamiento arty o la emoción analógica, entre aburridas postales o bellos paisajes, entre sintonías de relleno o canciones eternas. Entre el pan sin sal o el pan tumaca. ¿Y qué les hace ser/parecer unas cosas u otras? Siendo claros, la diferencia entre el coñazo y la gloria es que tu amiga Sofia Coppola te regale un videoclip en ‘Lost In Translation’, o toda una película (‘Las Vírgenes Suicidas’). ¿O soy el único al que aquellas escenas de Tokio le cambiaron la forma de apreciar ‘Talkie Walkie’?

A falta de otra película que les ampare, ‘Pocket Symphony’ contiene de lo mejor y lo peor de Air, introduciendo como única (pequeña) novedad una mayor presencia de guitarras acústicas y la de un par de tradicionales instrumentos japoneses. Entre lo mejor están el single ‘Once Upon A Time’, ‘Leftbank’, ‘Napalm Love’ y, sobre todo, las dos colaboraciones estelares del disco: ‘Somewhere between waking and sleeping’, una evocadora y bonita canción escrita a la medida de la voz de Neil Hannon, y ‘One Hell Of A Party’, el drama de la resaca contado cantado por Jarvis Cocker (amigo y residente en París) entre acordes de koto, un ancestral instrumento japonés que Godin ha aprendido a tocar. Por otra parte, rozan la obviedad cansina con la temática nipona tanto en el vídeo de ‘Once Upon…’ como llamando a un tema ‘Mer du Japon’ (vaya tela, tíos). E incluyen dos o tres temas (demasiados) muy insulsetes (‘Mayfair Song’, ‘Redhead girl’) cuya aportación a su bagaje es cero. Un disco que, escuchado en el momento y en el lugar adecuados, puede ser muy bonito. Si no, pasará por tu cabeza sin dejar apenas huella. 6,5

Es sorprendente que desde Florida nos llegue este disco que parece hecho en una casa de madera perdida en un bosque nevado. Pues sí, The Postmarks son de Florida y debutan estos días con un LP homónimo después de haber editado el pasado otoño un EP de remezclas de su brillante ‘Goodbye‘. La primera vez que los oí me dije maravillada: «¿de dónde ha salido esta especie de Jeanette?». The Postmarks lo conforman Jonathan Wilkins, Christopher Moll y Tim Yehezkely. Tim, nacida en Israel con diversos orígenes europeos, pone voz a este disco de pop dulce y meláncolico de casita de muñecas, de ése de «me has roto el corazón». Nos hace reencontrarnos con la filosofía francesa del pop de Gainsbourg o esas bandas sonoras de John Barry o Nathan Larsson, con alguna reminiscencia a The Smiths o Brian Wilson.

De momento, en España sólo es posible conseguir el disco a través de Amazon, Insound o iTunes. Nada recomendable, eso sí, a aquellas personas a las que no les atrae ni un poquito este pop lullaby de voces frágiles, porque hay canciones que pueden convertirse en verdaderas torturas. Sin embargo, y superado ese riesgo al tedio que algunos puedan sufrir, este LP vale la pena por el gran potencial que muestran temas estupendos como el ya mencionado ‘Goodbye’, ‘Weather The Weather’, ‘Let Go’ o ‘Know Which Way The Wind Blows’. The Postmarks han tenido el detallazo de habilitar una e-card donde podemos escuchar el disco completo e ir abriendo boca de una maravilla a la que le auguro, a bote pronto, un futuro inmediato lleno de buenas críticas y cálidas acogidas. 7.

El nuevo disco de Hidrogenesse ya está a la venta en tiendas como CD Drome, Discos Castelló, Charada y El Garaje. En algunas de ellas se vende al módico precio de 10 euros y en breve llegará a la Fnac. El grupo presentará además el disco en Madrid, Barcelona, Zaragoza y Bilbao en marzo.

Los grupos Austrohúngaro tienen el sambenito de ser considerados malos o modernas descerebradas. Paradójicamente la filosofía de la base fundadora, la pareja compuesta por Genís Segarra y Carlos Ballesteros en Hidrogenesse, se sumerge en unas influencias cada vez más variadas, ricas y cultas. ¿O lo fueron siempre? No había ironía en ‘Góngora’. En la entrevista que el grupo nos concedió hace unos meses hablaba del lujo que suponía poder utilizar esos «versos preciosos» que el poeta escribió y que ahora «son de todos». Tampoco parece haber ironía en ‘El vestir d’en Pascual’, una versión de una canción «de music-hall catalana que en los años setenta versioneó Guillermina Motta», y que termina siendo una de las más pop de ‘Animalitos’.

Y lo mejor que puede decirse del segundo largo del grupo (en 10 años de historia, por cierto), es que esa sofisticación, esa cierta intelectualización de sus canciones, ese vocabulario tan diferente al resto de grupos pop (ahora nos hablan de animales: perros enterrados, ‘Caballos y (más) ponis’), no resultan pedantes ni pretenciosos, sino que, moviéndose entre lo cómico y lo dramático, se parecen, como pocas cosas, a la vida misma. Ese ha sido siempre el triunfo de Austrohúngaro y también de este disco: la cotidianeidad, las ventajas de poder bromear sobre lo más escabroso y la sensibilidad suficiente para derrumbarse al minuto siguiente.

Musicalmente, además, el grupo recoge los frutos de haber dado mil y una vueltas a los temas de su escaso repertorio. Mi favorita, ‘Vamos a casarnos’ («Vamos a evitar que te devuelvan a Hungría»), prefiere los derroteros Beirut al tecnopop; el que parece el single, ‘Disfraz de tigre’, por melodía recuerda a ‘Qué dolor’ de Raffaella Carrá; mientras que ‘El poder de mis tejanos’ es punk sin guitarras. Puede que la instrumental ‘Pajaritos y pajarracos’ o la egocéntrica ‘Hotel Italia Delta Romeo’ nos hagan echar de menos las dianas pop que fueron ‘Nada más triste que lo tuyo’, ‘Hidroboy’ o ‘He vuelto’, pero ‘Los perezosos’ o la majestuosidad tecnopop de ‘Schloss’ y a lo Kraftwerk de ‘Fuig llop fuig llop’ no dan mucha tregua. 8.

Están los buenos, los malos, los discos de moda que con cada escucha van perdiendo el brillo y los que van creciendo, conocidos como «growers». Discos, claro. Si los últimos trabajos de Junior Boys y The Knife tardaron un tiempo en terminar de gustarme para finalmente convertirse en unos de mis favoritos del año, el último trabajo de Of Montreal, ‘Hissing Fauna, Are You the Destroyer?’, va a recorrer el mismo camino.

Of Montreal ha sido uno de esos grupos que conocí a través de last.fm, ya que mis vecinos lo tenían altísimo en sus listas. Y la primera impresión que me he llevado, al escuchar el grupo y su último trabajo, ha sido de que suenan demasiado british para ser americanos. Exactamente a algo parecido a Bis o Baxendale, aunque muchísimo menos gamberro.

‘Hissing Fauna, Are You the Destroyer?’ es un disco pop en las melodías, con toques electrónicos en cada una de las pistas, múltiples cambios de ritmos, letras tristes, hasta cierto punto bailable, más espeso de lo que parece, pero con unas voces que se quedan al límite de lo irritante. Y aunque en la primera escucha puede llegar a aburrir, temas como ‘The Past Is a Grotesque Animal’, repetitivo y creciente, dejan ver que aquí hay mucho más de lo que parece. 7.

‘I’ve gotta get up to get down and start all over again / (…) / Keep those white mice and black dogs out / Keep those white mice and baboons out / Keep those baboons and all the motherfuckers out and… / Get it on, get it on, on the day when you got born’

Así de crudo empieza ‘Get It On’, segundo single del álbum de Grinderman, nuevo proyecto de Nick Cave con tres de sus Bad Seeds (Mick Harvey al bajo, Jim Sclavunos a la batería y percusiones y Warren Ellis a lo suyo, como siempre). Y uno piensa: ‘El Señor Cueva se ha dejado bigotón, ha cogido la guitarra y ha dejado suelto a ese personaje sucio y salvaje que hace años le hizo famoso y que últimamente estaba ahogado por el Don Nicolás, crooner, amante y padre religioso’. Sí, pero no tanto.

Pese a que el disco comienza con los trallazos ‘Get It On’ y ‘No Pussy Blues’, toda una oda al deseo insatisfecho con la banda desatada de furia, el resultado global es mucho más ortodoxo de lo que en principio parece. Tras la tensión generada por el violín desquiciado de Ellis en ‘Electric Alice / Grinderman’, las aguas vuelven un poco a su cauce con la bonita ‘Chain Of Flowers’ y discurren por lugares comunes en el último Cave. Y conste que no lo digo como algo despectivo, porque ‘Don’t Set Me Free’, ‘Decoration Day’, la emotiva ‘Man On The Moon’ y, sobre todo, ‘Vortex’ (lo más cerca del pop que puede estar el australiano) son buenas canciones, a la altura de su último repertorio. Eso sí, el ‘hombre-demoledor’ vuelve a la carga en la bluesy ‘Love Bomb’ (casi se puede bailar) y en la vibrante ‘Honey Bee’. Mención especial para ‘Go Tell The Women’, un medio tiempo con bajo funky en el que Cave se marca un pedazo de letra cargada de divertida ironía en la que El Hombre, ese poderoso ser supremo, se declara agotado y dice a las mujeres que abandona.