Edurne quedó 21ª en Eurovisión, como contamos en directo, muy lejos del top 10 logrado en 2014 por Ruth Lorenzo. Sin embargo, la audiencia conseguida este año fue mucho más alta, próxima a los 6 millones de personas frente a los 5,1 y 5,4 que lograron Ruth y El Sueño de Morfeo, respectivamente.
5.958.000 personas vieron el Festival de Eurovisión en España este sábado, mientras que 7.079.000 vieron las votaciones, también el mejor dato desde 2012, cuando representó a España Pastora Soler. La emisión de Edurne fue la más vista de Eurovisión en este siglo tras la de Rosa (casi 13 millones), Chikilicuatre (9 millones), Beth (casi 9 millones), Ramón (casi 7 millones) y Pastora Soler.
Por otro lado, se han desvelado los resultados de las semifinales, que ganaron Suecia y Rusia, dejando ver que los punks de Finlandia quedaron últimos.
En cuanto a la división entre televoto y jurado, malas noticias par Edurne: fue antepenúltima para el jurado, mientras que la ganadora para el público no fue Suecia sino Italia. Llama también la atención el poco éxito de la balada Noruega entre la gente, mientras que Australia tuvo una aceptación muy parecida entre expertos y pueblo.
Semifinal 1
1. Rusia 182
2. Bélgica 149
3. Estonia 105
4. Georgia 98
5. Rumanía 89
6. Grecia 81
7. Armenia 77
8. Hungría 67
9. Serbia 63
10. Albania 62
11. Moldavia 41
12. Bielorrusia 39
13. Dinamarca 33
14. Países Bajos 33
15. Macedonia 28
16. Finlandia 13
«No es que esta canción sea sobre ella», canta Ruban Nielson en ‘Multi-Love‘, el excelente corte que titula y abre el nuevo disco de Unknown Mortal Orchestra. «Es que todas lo son». El tema documenta la experiencia poliamorosa de Nielson y su esposa Jenny con una joven de dieciocho años que supuso para ambos, en un pasado no muy lejano, un punto de inflexión en su matrimonio. «Este amor múltiple me tiene de rodillas / éramos uno y ahora somos tres», lamenta asimismo Nielson en esta misma canción. ¿Qué hacer cuando tú mismo has convertido tu matrimonio en un triángulo amoroso? La respuesta de Nielson es su mejor disco hasta la fecha.
Unknown Mortal Orchestra han sabido desarrollar su fórmula de pop lo-fi con dosis de funk y R&B en dos buenos discos como son su álbum debut y ‘II‘, que incluía la sobresaliente ‘So Good at Being in Trouble‘. En el tercero, el grupo medio neozelandés medio norteamericano continúa por la misma vía ahora a través de un mayor enfoque en la canción soul (‘The World Is Crowded’) y especialmente en el laborioso arte de la producción musical (el final de ‘Stage or Screen’). El resultado son piezas más desarrolladas no solo en términos de composición sino también estéticamente, canciones de esencia clásica, tanto en melodía como en temática, envueltas en una estimulante y multicolor bruma de surrealismo sónico en baja fidelidad repleta de ritmos sucios, sintetizadores retrofuturistas y arreglos de funk psicodélico.
‘Multi-Love’, la canción, es una de esas raras composiciones perfectas que podrían haber salido en algún momento de los últimos cuarenta años; un tema donde angustia, psicodelia sesentera y melodía pop confluyen en la creación de una canción atemporal y bella sobre las consecuencias del poliamor. «Ella no quiere ser hombre o mujer / quiere ser tu amor», canta Nielson arropado por la cálida baja fidelidad de sus pianos, sintetizadores, ritmos y armonías vocales. El segundo single, ‘Can’t Keep Checking My Phone‘, no es igual de bueno pero casi, descubriéndonos a un grupo inquieto experimentando ahora con la música disco en una canción infecciosa, de ritmos vigorosos y sustanciosos arreglos, todo al servicio de un Nielson que convierte en extraño todo lo que pasa por sus manos.
No es todo triángulos en el nuevo álbum de UMO. Nielson habla de su adicción a las drogas en la fabulosa ‘The Crowd Is Crowded’, un tema de bajos secos, melodías y arreglos neo-soul y la trompeta de su propio padre, que aparece también en la balada de esqueleto 50’s y fondo de ritmos pedregosos ‘Extreme Wealth and Casual Cruelty’. E inspirado en ‘Stand‘ de Sly & the Family Stone, el grupo cierra el álbum con ‘Puzzles’, un tema sobre los recientes problemas raciales «en Ferguson y otros lugares», como apunta la nota de prensa del álbum, en la que un ahogado Nielson grita: «no quiero resolver tus puzzles ni una vez más».
El grueso de ‘Multi-Love’ mantiene siempre el nivel bien alto. De la rabia medio adolescente de ‘Like Acid Rain’, que dura apenas dos minutos, a la serenidad R&B de ‘Necessary Evil’, una de sus canciones más inmediatas, pasando por el momento esencialmente UMO que es ‘Ur Life One Night’, ‘Multi-Love’ es un disco compuesto por canciones redondas que encuentran desarrollos inesperados y a veces inexplicables pero que son siempre eso, canciones redondas. El álbum pop más estrambótico a la par que satisfactorio que se ha hecho en mucho tiempo. Larga vida, pues, al poliamor.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Multi-Love’, ‘Can’t Keep Checking My Phone’, ‘The World Is Crowded’, ‘Puzzles’ Te gustará si te gusta: Tame Impala, Deerhunter, MGMT Escúchalo:NPR
No hay más que ver a Shamir Bailey moverse en uno de sus vídeos o escuchar su voz de contratenor para darse cuenta de que estamos ante uno de los nuevos talentos más interesantes de los últimos años. El trallazo ‘On the Regular‘, en el que se presenta a sí mismo, es uno de esos himnos de introducción sobre la propia estrella que funcionan a pesar de que el artista no sea todavía demasiado conocido. Él cuenta su historia con sentencias como «esta es mi corona y esta es mi túnica», «cuánto tiempo pasará hasta que el mundo se dé cuenta», además de recordar «desde que tuve 8 años, me pegué al micrófono / quise una guitarra antes que una bici» y anticipar «esta es mi película, prepárate para la secuela»; todo ello sin resultar arrogante, acompañado de una música que hace todo este derroche de egocentrismo divertido y hasta empático. Aunque no sepas quién es Shamir, Shamir canta y tú escuchas.
Las canciones sobre uno mismo son habituales en la música negra y no tan negra (de Amy Winehouse a Eminem pasando por Lady Gaga, The KLF, Hidrogenesse…), pero pocas canciones de presentación en un artista novel resultan tan convincentes como esta. Tamaño ‘Rock ‘n Roll Star’ abriendo el primer disco de Oasis. Aunque el fondo, por supuesto, no tiene nada que ver. Shamir se centra en una mezcla de funk setentero, en su consecuencia cencerros tipo DFA y house noventero, dejando otros singles bastante dignos como ‘Call It Off‘ y canciones tan pizpiretas como ‘Make a Scene’.
Además, ‘Ratchet’ es un disco variado en su justa medida: sin perder la coherencia o alejarse de su concepto sonoro, comienza con algo tan distinto a ‘On the Regular’ como ‘Vegas’, un medio tiempo reflexivo en el que Shamir vuelve a remover el asunto de los estereotipos de su ciudad, debatiéndose entre el amor y la decadencia, como ya ha hecho en alguno de sus videoclips. Aunque a veces se muestra demasiado fiel a sus referentes, como en la monótona ‘Youth’, haciéndote pensar que en realidad no estás escuchando otra cosa que un disco de Hercules & Love Affair (‘In for the Kill’) entonado por un solo cantante (y con lo que a Andy Butler le gustan los vocalistas ambiguos, estamos seguros de que le encantaría haber fichado a Shamir).
Para muestra de los altibajos que encontramos en ‘Ratchet’, el modo de cerrar el disco: la minimalista y original balada ‘Darker‘ -sobre la muerte- nos lleva a la explosiva ‘Head in the Clouds’, que habría sido un cierre perfecto bien arriba. Pero luego no ha podido evitar dejar caer su baladita acústica como bonus track, la soporífera ‘KC’. Escucharemos este disco este verano, casi tanto como hace dos años el de Disclosure, pero de momento, el personaje parece por encima de las canciones y la originalidad de la producción.
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘On the Regular’, ‘Call it Off’, ‘Head in the Clouds’ Te gustará si te gustan: Hercules & Love Affair, Sylvester, Jimmy Somerville Escúchalo: Spotify
Nadie tiene ni idea de cuándo saldrá el nuevo disco de The Cure, así que cada paso dado por Robert Smith, por pequeño que sea, es noticia. La nueva es que ha hecho una versión de ‘There’s a Girl in the Corner’ de The Twilight Sad para el nuevo single de la banda escocesa. Será cara B del single de estos, ‘It Never was the Same’, que sale el 15 de junio.
M.I.A. ha sido noticia recientemente por quejarse de que no puede estrenar uno de sus vídeos porque su discográfica no se lo permite por «uso indebido de elementos culturales». Se rodó en África.
Mientras tratamos de resolver el misterio (en principio su relación con Interscope había acabado), la cantante nos entretiene con una nueva colaboración. Se trata de Gener8ion, el proyecto del francés Surkin. El EP que incluye el tema sale el 15 de junio.
GENER8ION
01 Close (To the Metal)
02 The New International Sound Pt. II [ft. M.I.A.]
03 Emotion Engine
04 Walled City
Lo último que supimos de Christopher Owens fue la edición del notable ‘A New Testament‘, que se promocionó con un videazo. Ahora ha publicado una canción suelta llamada ‘Selfish Feelings’, que merece la pena rescatar aunque sólo sea por la foto que acompaña.
Se indica que este tema será para su próximo álbum, aunque todo podría ser: el cantante tiene decenas y decenas de temas en la recámara.
Joël Iriarte, más conocido como Joe Crepúsculo, ha sido recientemente noticia por la sintonía que compuso para Podemos (puedes leer aquí varias declaraciones de él respecto al tema). Pero más allá de esa noticia que nos pilló a muchos por sorpresa, el «trovador techno» esta semana también es actualidad por el lanzamiento de su séptimo álbum, ‘Nuevos Misterios‘, un trabajo por el que se pasean colaboradores como Tomasito, Las Negris, Soleá Morente, La Bien Querida, La Prohibida o Supremme de Luxe, entre otros. Sobre estas nuevas canciones que por momentos se dejan querer por los ritmos flamencos y demás temas hemos charlado en profundidad con el inquieto artista.
Joe Crepúsculo actúa el 19 de junio en Madrid junto a Tremenda Trementina y Travel Agent.
«Que los medios empiecen a fijarse en mí como algo político me preocupa porque puede que no se vea el disco. No soy de los que piensan que una polémica así sea buena para mi carrera»
Escasos días después de que se supiera que te habías encargado de la sintonía de Podemos publicas tu nuevo álbum. ¿No te da algo de miedo que el lanzamiento de ‘Nuevos Misterios’ se vea eclipsado por esa otra noticia?
Pues sí, es algo que me preocupa porque llevo trabajando dos años en este disco precisamente. Que los medios empiecen a fijarse en mí como algo político me preocupa porque puede que no se vea el disco. No soy de los que piensan que una polémica así sea buena para mi carrera. Yo tengo mi público que asiste a los conciertos y no necesito ninguna controversia. Lo de Podemos lo hice porque me apetecía y ya está. Veamos qué pasa.
Después de vivir en Barcelona te fuiste una temporada a Mallorca y desde hace un par de años te instalaste en Madrid. Ha habido mucho movimiento en tu vida. ¿Es algo que necesitabas?
Son cambios que uno va haciendo. La verdad es que estoy muy contento porque los cambios son buenos. En Madrid se está muy a gusto y se nota eso de que te sientes arropado cuando llegas. Tardas en acostumbrarte un día a todo. Estoy muy contento aquí.
Este nuevo trabajo ve la luz a través de El Volcán y Ópalo Negro, pero curiosamente cada uno de tus trabajos previos lo ha editado un sello distinto. ¿Hay alguna explicación para ello?
Pues no sé. Yo no es que sea un culo inquieto, sólo me limito a ver opciones y a encontrar sitios en los que esté a gusto. Ni mucho menos estoy loco por cambiar de sello. Ahora mismo estoy bastante guay tal como estoy.
Escuchando el álbum mi primera impresión es que para estas canciones parece que te has querido centrar más en las melodías que en las letras. ¿Compartes esta opinión?
No he querido hacer menos letras, aunque sí que en algunas canciones ha primado más el aspecto instrumental. Eso es verdad, por ejemplo, en las dos primeras. ‘Corazón de Colmillo’ es una estrofa que se repite y ‘A Fuego’ es casi instrumental. Pese a que a veces sea poco lo que se dice sí que lo trabajo mucho. Ha dado la casualidad que se han juntado algunos temas instrumentales y repetitivos, pero por mi parte no le he prestado menos atención a las letras y lo que dicen.
Esta vez más que ese punto latino verbenero del que te has valido anteriormente, considero que predominan los sonidos más aflamencados, lo cual es algo nuevo en ti. ¿Desde un principio querías probar suerte con esto?
Sí que es verdad que a los elementos que ya había antes, como lo latino, ahora se le han añadido las palmas y ese punto más flamenco. Estando en Madrid he conocido a gente que podía aportar esto y que ha colaborado en el disco. Ahí está Tomasito, que toca las palmas en casi todas las canciones. Recuerdo que un día que estaba con Las Negris trabajando para otro proyecto se me ocurrió la idea de mezclar un disco nuevo con esas palmas. Igual que en ‘Baile de Magos’ había ese punto más makina o bakalao o en ‘Nuevo Ritmo’ lo latino, ahora he querido añadir este nuevo elemento. Pero eso sí, manteniendo todo lo anterior. Me apetecía mucho que cada canción fuera por un lado diferente, que ninguna tuviera nada que ver con la otra y dejar al oyente enrarecido en una primera escucha aunque después se dé cuenta de que todo suena mucho más unitario de lo que a primeras parece.
Me parece curioso que hayas conectado tan bien con artistas tan diferentes a ti como Tomasito, Las Negris o Soleá Morente. ¿Desde un principio viste claro que esta fusión podía funcionar perfectamente en el universo de Joe Crepúculo?
Me dejé bastante llevar. Desde un principio me apetecía experimentar con esto y fue rodado al conocer a gente tan maravillosa como ellos, que además son muy creativos y realmente pueden aportar cosas. Nunca sabes cómo puede ir, si bien o mal, pero finalmente lo pasamos muy bien grabando. Todo el mundo te dirá siempre eso de que su último disco es el mejor y bla bla bla, pero yo estoy muy contento con el resultado de éste. Me ha molado disponer de dos años para trabajar en esto.
¿Se ha quedado alguna pieza fuera o han acabado entrando todas en el tracklist?
Se ha quedado una fuera que es instrumental. Supongo que algún día saldrá. Realmente no entra todo en un disco porque siempre hay algo que no concuerda o no lo acabas de ver en el conjunto.
A nivel de singles debo confesarte que me encanta ‘Flor de Luz’ y veo un gran potencial en ‘A Fuego’ o ‘La Verdad’, en la que participan La Prohibida y Supremme de Luxe.
La Prohibida acaba de sacar disco y es una artista que me encanta. Ya habíamos cantado en directo alguna vez, pero al tener esta canción surgió la idea de hacerla juntos. Me encanta cómo ha quedado. De lo de ‘Flor de Luz’ hay bastante gente que me ha dicho lo mismo. Es curiosa y muy oscura. No eres el primero que se ha quedado prendado de ella.
«A mí me gusta mucho la Teoría de las Mónadas de Leibniz, que dice que las mónadas son elementos aislados unos de otros. Él hablaba de que cuando Dios creó el mundo creó una armonía preestablecida, y eso me pareció muy bestia. Quería hablar de todas esas cosillas»
¿En ‘El Reino de la Nuez’ querías tratar el tema de la inmigración?
Es una canción con varias capas de significado. Se puede interpretar tal como dices tú o verlo como un tema que habla de la incapacidad de entendernos a nosotros mismos. La nuez sería el cerebro en este caso. A mí me gusta mucho la Teoría de las Mónadas de Leibniz, que dice que las mónadas son elementos aislados unos de otros. Él hablaba de que cuando Dios creó el mundo creó una armonía preestablecida, y eso me pareció muy bestia. Quería hablar de todas esas cosillas.
Cuando escuché ‘Reina del Locutorio’ me chocó no sólo que fuera un tema trap, sino el hecho de que no sé por qué pero me recordó también al ‘Wiggle’ de Jason Derulo y Snoop Dogg.
Esta canción está producida por Aaron Rux con la colaboración vocal de Lorena Iglesias, y supone la primera vez que trabajaba con un tema del que me habían dado la base, ya que se encargó de ello Aaron. Queríamos algo trap porque nos gusta mucho y fuimos a eso directamente. No nos hemos fijado en el ‘Wiggle’, sino que nos hemos fijado en todo tipo de trap y sobre todo el trap holandés para buscar unos bajos brutales.
¿Cómo te ha dado por versionar el ‘Maricas’ de Los Punsetes? ¿La han escuchado ellos ya?
Esto vino por el programa de Radio 3 ‘Hoy Empieza Todo’ en el que hicieron una cadena de versiones. Joan Colomo interpretó ‘Mi Fabrica de Baile’ y yo hice la de Los Punsetes porque me gusta mucho y quería darle un toque diferente. Yo ya estaba masterizando el disco y quise ponerla la última, aunque antes de que saliera el álbum Manu vino a mi casa y se la puse. Intenté coger elementos similares a ‘Mi Fábrica de Baile’ para que quedara potente y bruta.
¿Cómo encaras el nuevo directo? ¿Sergio Pérez te sigue haciendo de escudero?
El otro día en Barcelona me acompañó Sergio, pero como él también tiene sus conciertos con SVPER veremos cómo lo hacemos.
¿Qué estás leyendo y escuchando ahora mismo?
Estoy con la biografía de Robert Graves ‘Adiós a Todo Eso’, que habla mucho de la I Guerra Mundial. Es impresionante. Ahora estoy con el asunto de las trincheras, que es algo que me parece brutal. Y escuchando… espérate que miro en el reproductor. Lo último que estaba escuchando esta mañana era Kanye West. Me gusta mucho el ‘Watch The Throne’.
¿Algún día te vas a animar a lanzar tu propio libro de filosofía, Joel?
De momento no creo que pueda aportar nada interesante. Tengo que tener una buena idea antes porque si no soltaría muchas tonterías.
Sabiendo que nunca paras quieto, ¿te ronda por la cabeza ya un nuevo disco o algún proyecto paralelo?
De momento no quiero pensar porque un álbum es una vorágine, un agujero negro que te tiene durante mucho tiempo pensando en eso. Yo soy un poco maniático pensando sólo en canciones, pero me gustaría que pasara un tiempo antes de ponerme en otras cosas. Aunque no sé si voy a poder parar quieto realmente una temporada porque ya se me están ocurriendo ideas. A veces me dicen que tengo un ritmo muy apresurado sacando discos, pero es el ritmo natural que tengo. Hasta que se me seque la cabeza hay que aprovechar.
Si volvemos a hablar dentro de un año, ¿qué te gustaría que ocurriera?
Espero que este disco guste mucho a la gente, tanto a aquellos que ya les gustaba lo que hacía como a esos otros que no me conocían por lo que hago.
Existe una petición en internet para que se cambie el nombre de la Plaza de Margaret Thatcher de Madrid por el nombre de Plaza de Morrissey. Que exista una plaza dedicada a Margaret Thatcher en la ciudad parece una broma, pero no lo es. Está, como no podía ser de otra manera, en las inmediaciones de la descomunal bandera de España que se plantó hace unos años en Colón y cerca de la calle Serrano. Su inauguración fue registrada por El País el año pasado, citando unas declaraciones de Esperanza Aguirre, que se presenta a alcaldesa por el Partido Popular este domingo. Aguirre dijo que Thatcher fue una «rebelde en política», que no hizo «lo que se había venido haciendo durante tanto tiempo» y llevó a cabo «sus ideas, explicándolas».
Margaret Thatcher es una de las personas más odiadas en la música y son muchos los que han desahogado su odio hacia ella en canciones o entrevistas, entre ellos, repetidamente, Morrissey. El usuario que ha abierto la petición indica sobre Thatcher: «Su aportación a la ciudad de Madrid es nula y su papel como político internacional más que cuestionable. Las muestras de rechazo hacia este «homenaje» por parte de ciudadanos de Madrid han sido múltiples. Se trata de una muestra más de cómo una parte de la clase política de este país antepone sus intereses y caprichos personales a los de la ciudad».
El usuario sí considera a Morrissey mítico por el concierto dado por los Smiths en el 85 en la Plaza Mayor durante los fastos de San Isidro. «El ex líder de los Smiths SÍ es una celebridad pop de primera línea y protagonizó en los ochenta un ya mítico concierto en Madrid en 1985. Una época de libertad y aperturismo bajo la alcaldía de Enrique Tierno Galván», indica. Continúa: «La plaza Morrissey sería también un homenaje a este legado y un recordatorio de que las cosas se pueden hacer de otra manera. Ojalá este domingo cambien las cosas y el cambio, simbólico y del otro, sea posible».
Quizá hayas pasado por alto un detalle sobre la actual gira de Nick Cave que estos días recala en nuestro país (hoy actúa en el Palacio de Congresos de Madrid y ayer lo hizo en el Auditori del Fòrum de Barcelona, con todo el papel agotado). Es una gira de Nick Cave. No de Nick Cave & The Bad Seeds. Y sí, hay algunos Bad Seeds sobre el escenario: su siamés Warren Ellis toca violín, guitarras, acordeón, percusiones y lo que se le ponga por delante; Martyn Casey prosigue impertérrito al bajo, y el recuperado Thomas Wydler, ausente en sus conciertos desde inicios de 2013, retoma la batería. Eso sí, el anunciado Barry Adamson no hizo acto de presencia y fue sustituido en los teclados por un aparentemente desconocido Larry Mullins, más conocido por su alias Toby Dammit, bajo el que ha figurado como miembro de Swans o Iggy & The Stooges, aunque la lista que figura en su biografía es realmente mareante. Pero la formación es casi lo de menos cuando, como vimos anoche en la Ciudad Condal, este nuevo espectáculo está puesto al exclusivo servicio de ese carismático personaje que es Cave.
La escueta banda, por supuesto, brilla, pero está muy claramente dedicada a dar soporte al cantante y compositor australiano, que intercala momentos corales, en los que interviene todo el grupo con potencia, con interpretaciones más minimalistas o con Cave como solista, incluso. La suya es una presencia en escena de esas imponentes, que uno difícilmente olvida en su vida. Pero precisa de la cercanía del público para desplegar sus encantos, como si se retroalimentara de sus caras ensimismadas ante sus aspavientos o al tocar sus manos. Esto, que a priori se contradice bastante con el hecho de hacer una gira en «teatros y auditorios majestuosos del Viejo Continente», se solucionó en un instante: apenas a un pequeño gesto suyo, un tropel de público ocupó el espacio entre el escenario y la primera fila de butacas, desfilando poco a poco hasta ocupar ese área y también pasillos y escaleras. Después de estabilizarse la situación, tras algunos momentos de confusión y euforia (como cuando una joven se abrazó como una lapa a Nick o cuando el propio cantante reprobó a los guardias de seguridad que intentaban apartar al respetable), ya tenía manos que estrechar, caras a las que apuntar mientras cantaba, desafiante.
Lo cierto es que, aunque resultó algo irritante para las primeras hileras de asientos que presumían que en adelante dejarían de visualizar al crooner (observando cómo, para más inri, el único objeto de muchos era hacerse un ridículo selfie con los artistas de fondo), ese acercamiento propició algunos de los momentos más memorables de la noche. Lo fue una verdaderamente increíble ‘Higgs Boson Blues’, cuando después de contonearse con las primeras filas, se adentró entre el público para cantar subido a una butaca, hipnotizando a los presentes con sus artimañas de predicador-seductor, poniendo las manos de algunos sobre su pecho mientras cantaba eso de «Can you feel my heartbeat?». Y lo fue también cuando, en una situación similar, alzaba sus manos pidiendo que cantáramos con él el estribillo de la final, casi susurrada como si de una nana se tratase, ‘Push The Sky Away’. Ahí fue cuando Nick Cave desplegó toda su teatralidad, gustándose y dejándose querer, si bien su actitud amenazante de otros tiempos ha tornado en una más amable, casi entrañable. Cave ya no es el rockero temible de antaño. El tiempo pasa para todos.
Es cierto que, como se anunció, esta es una gira especial, porque se adapta un poco a la solemnidad de los amplios recintos que visita. Y eso se refleja también en un repertorio atípico, en el que la alternancia de alta tensión y calma resulta a veces confusa. No hay duda de que los cortes de ‘The Boatman’s Call’ (¡hasta tres hay en el setlist!) o las sorprendentes interpretaciones de clásicos como ‘The Weeping Song’ o ‘The Mercy Seat’ con Cave solo al piano son perfectas para un patio de butacas. Pero uno se sentía raro asintiendo tontamente desde el asiento ante el ímpetu de una bárbara ‘Red Right Hand’, cuyos espasmos golpeaban con violencia en el espectador, o una brutal ‘Jubilee Street’ que cerraba la primera parte del set. Al final, antes del bis, el auditorio al completo se alzó para aplaudir y ya permaneció así hasta el final, poniendo un poco de cordura.
En un setlist en el que su gran último álbum tenía buena parte del peso y en el que sorprendía la nula presencia de sus tres álbumes precedentes, cupieron casi todos los temas básicos de su discografía, e incluso algunos temas que ya ni soñábamos escuchar en vivo, como un ‘Stranger Than Kindness’ en el que recordó a Anita Lane (sin citar, eso sí, a Blixa Bargeld, ex Bad Seeds y co-autor del tema). Parece irremediable que el espectáculo deje algún leve resquemor, echando de menos este o aquel tema, o añorando, como decía, la fiereza, el sudor, de los viejos tiempos. Pero una señal inequívoca de que el show de este animal escénico es un claro triunfo es que sus más de dos horas de duración transcurren como un suspiro, y uno ansía que no se detenga. 8
Suecia ha ganado el festival de Eurovisión, gracias al buen equilibrio entre canción y puesta en escena. Suecia ha hecho buen uso de las posibilidades técnicas, y sus proyecciones han sido la humillación del resto. Su victoria liberará el año que viene al resto de Europa de duetos y actuaciones tribales y abre un sinfín de posibilidades visuales aunque su canción no fuera tan buena.
Edurne es 21ª. Ni en nuestro momento más crítico habríamos pronosticado una posición peor. Fue antepenúltima para el jurado.
Este fue nuestro croquis y debajo, el «minuto a minuto».
Alex Winston ha estrenado videoclip para el tema que presentó a finales del año pasado, ‘Careless’. Dirigido por BANGS y Allie Avital Tsypin, el vídeo encuentra a Winston interpretando la canción de manera más dramática imposible en varias localizaciones como una piscina o un centro judío. La autora de ‘King Con‘ prepara segundo disco a publicarse en algún momento de este año.
El productor barcelonés Sau Poler, autor del estupendo EP ‘Paradoxes of Progress‘, ha estrenado su nuevo single, ‘Bercy’, aprovechando que se encuentra de gira por Europa. Se trata de un número house vibrante y emotivo, envuelto en paisajes de una belleza cósmica y abstracta, pero efectivo al mismo tiempo para hacernos soñar (y sudar) en la pista de baile.
Soler actuará en Llagostera el próximo 27 de julio como parte del Festival’era, donde también se ha confirmado a The Antlers, Delorean y The New Raemon, entre otros.
Coldplay participa en un corto aparentemente documental que en realidad se trata de un sketch. En la pieza, llena de humor, aparece Chris Martin componiendo un musical sobre ‘Juego de Tronos’. Se trata de un proyecto benéfico para Red Nose Day, un programa de la NBC que se emite cada año. Ha contado con Iwan Rheon, Emilia Clarke, Nikolaj Coster-Waldau, Peter Dinklage y Alfie Allen, algunos de ellos dejando momentos hilarantes. «La mejor ópera de todos los tiempos», lo llama una voz en off.
Como ya avanzamos en diciembre, Coldplay graban ahora mismo su séptimo disco, ‘A Head Full of Dreams‘.
Atenta, Taylor Swift. The Verge ha adquirido el presunto contrato que el sello Sony Music y Spotify firmaron en 2011 y la conclusión es que el sello se forraría de lo lindo con Spotify y no al revés.
El contrato en cuestión estipula en una de sus secciones que Spotify accede a pagar por adelantado 25 millones de dólares a Sony por dos años de contrato pero, de manera cuestionable, no detalla exactamente cómo puede Sony utilizar este dinero. Según fuentes citadas por The Verge, es habitual que los sellos se queden los adelantos de los pagos para sí mismos en lugar de repartirlos equitativamente.
En otra cláusula llamada «nación más favorecida», Spotify está obligado a igualar su mejor acuerdo con otros sellos con Sony para asegurar que no se queda atrás en el ingreso por pago de derechos de autor. Por si fuera poco, los sellos cobrarían en total el 60% de los ingresos generados por Spotify, repartiéndoselo después dependiendo de qué artistas y sellos se tratase.
The Verge escribe que «vale la pena preguntarse, dadas las mil formas en las que Sony sale victorioso del contrato, exactamente a quién deberíamos culpar por los mediocres ingresos que los artistas reciben del streaming y de los que artistas como Taylor Swift tanto se han estado quejando, si a los sellos o a los servicios de streaming».
El contrato ha sido retirado de las páginas de The Verge en las últimas horas, aparentemente por petición de Sony y un problema de «derechos de autor».
Seguramente no ajenos a la filtración de este contrato, Spotify ha anunciado novedades en su servicio. La más interesante es que Spotify introducirá el streaming de vídeos a su plataforma, con el que sus usuarios podrán ver programas de televisión -de momento exclusivos a Estados Unidos- programas de radio o charlas por los propios dirigentes de la compañía.
merican Autumn vuelve este año de nuevo a medias entre Ourense y Madrid, en la que será ya su tercera edición de conciertos de aforo reducido dedicados a la música de raíces americana.
Los primeros artistas confirmados para la edición del festival en Madrid son Vetiver, que presentará su último álbum, ‘Complete Strangers‘; Juan Wauters, Low y Alela Diane, que presentará su notable último trabajo, ‘About Farewell‘.
A Ourense volverán, por supuesto a espera de más confirmaciones, Vetiver y Juan Wauters y ofrecerá también un concierto el veterano cantautor Denison Witmer. Fechas, aquí.
Siguiendo en la línea que ya avanzaba tímidamente ‘There’s No Leaving Now‘, The Tallest Man On Earth abandona en ‘Dark Bird Is Home’ la casi espartana estética minimalista que marcaba sus primeros álbumes. Entonces esbozaba canciones de inspiración folk apenas con su guitarra y su voz -esa característica voz- de forma natural, sin trucos de estudio, logrando estremecer y emocionar por su proximidad. Con una visión muy distinta, el sueco Kristian Matsson introduce en este cuarto disco múltiples arreglos de banjos, percusiones, vientos, teclados y hasta coros próximos al gospel que redimensionan su propuesta, si bien no abandona del todo la línea de obras anteriores, sino que más bien los lleva a su terreno: más que con un sonido cuidado y pulido, típico de ese tipo de arreglos, conserva la encantadora imperfección de la baja fidelidad.
Escuchándolo, resulta palpable la deriva de Mattson durante la creación del disco, que ha sido grabado en distintos estudios de distintos países y, claro, con distintos técnicos. Por eso, no se la juega a una sola baza. De una parte, encontramos cortes de sonido amplio, saturado, en el que mandolinas, slides, coros, teclados o acordeones invaden las canciones. Es el caso de la preciosa ‘Sagres‘, tan cercana al Springsteen más folkie como a (¡glups!) los Revólver de ‘Básico’, ‘Darkness Of The Dream’, ‘Timothy’ o ‘Seventeen’, que nos muestran al autor algo desfigurado por tanta grandilocuencia. Y de otra, parece que se ha resistido a abandonar del todo el minimalismo que tan buenos réditos había dado hasta ahora: es el caso del corte titular que cierra el disco, que se desarrolla casi por completo con guitarra y voz… hasta su explosivo final coral; o ‘Fields Of Our Home’, en el que sintetizadores y coros van llenando poco a poco la base. En ambos casos, como decía, la sensación es que las melodías vocales de Matsson son menos poderosas, y esa cercanía de storyteller que antes nos ganaba, termina un poco diluida.
Además de en lo musical, Matsson también ha progresado en sus letras, dibujando bonitas imágenes de ese espíritu nómada que ha marcado la creación de este disco. Una constante huida hacia ninguna parte que, en el camino, deja pérdidas y dudas, expresadas de una forma preciosa en ‘Sagres’ o ‘Little Nowhere Towns’ (que, conducida por un piano de sonoridad añeja, invoca a una «Carolina» como símbolo de anhelo, un posible guiño a James Taylor). Quizá por esa carga emotiva, las canciones que más rotundamente convencen son aquellas en las que la ornamentación es sencilla, discreta. Es el caso de ‘Singers’, en la que el fingerpicking combina maravillosamente con equilibrados matices de cuerdas y oboe (también de hermosa y ambigua letra -podría ser sobre la muerte física o la muerte de una época-); de ‘Slow Dance’, enérgica pero sin estridencias, con una armónica y trompetas vagabundas que vienen y van; y de ‘Beginners’, con esos simpáticos acentos de piano. Son estos los momentos más deslumbrantes del álbum, por delante de esa ampulosidad antes citada, en la que no se termina de ver cómodo a The Tallest Man On Earth y que hace que este sea su disco menos sólido y rotundo. Pero, a cambio, ofrece vías de crecimiento para un músico que sigue dejando huella.
Calificación: 6,9/10 Lo mejor: ‘Singers’, ‘Sagres’, ‘Slow Dance’, ‘Little Nowhere Towns’ Te gustará si te gusta: Iron & Wine, el Springsteen más folk. Escúchalo: Spotify
Os recordamos que todo esto está resumido en nuestro croquis anual.
1.-Eslovenia
Maraaya no es Mariah, sino más bien Duffy en este ‘Here For You’ que tratará de reunir el voto que siempre aglutinan las canciones con un poso soul-pop, este año casi sin competencia, a pesar del éxito de Meghan Trainor. A pesar de la inconexa y decepcionante puesta en escena vista en la semifinal, una de las canciones más atemporales de este año: ni la cucharadita de 2step ni la de folclore pueden con la melodía. Por cierto, hay más Duffys este año. ¿Una llamada para la artista desaparecida?
Calificación: 6 Lugar en las apuestas: junto a Edurne
2.-Francia
Francia, como Irlanda, es otro de esos países capitales para la música pop en cuanto a influencia en el día a día (de David Guetta a Daft Punk) que, cuando llega la hora del festival, prefiere disfrazarse de antigüedad para ofrecer la peor versión de sí mismos. Y después de dónde terminó Sébastien Tellier, tampoco es que nos extrañe. Este año acuden con este baladón de Lisa Angell, cuyo vídeo nos habla del paso del tiempo, quizá porque ella comenzó su carrera musical a los 40. Bravo por eso. Poco más.
Calificación: 5 Lugar en las apuestas: bottom 5
3.-Israel
¿Nadav Guedj no leyó nada sobre la hostia que se dio el año pasado Bélgica con su baladón de amor refugiado en mamá? Quizá sí: rápidamente ‘Golden Boy’ pasa a mostrarle como un chulopiscinas trajeado con ritmos mediterráneos y una producción dance-folclórica que ni Grecia. Hay guiño dubstep y subida bastante gratuita ya tipo “esto es demasiado”, pero es divertido.
Calificación: 6 Lugar en las apuestas: zona media
4.-Estonia
Elina Born, que ya intentó representar a su país en 2013, lo consigue ahora con el autor Stig Rästa, con el que se marca un dueto. La canción esconde un puntito de las canciones románticas clásicas pero aplicadas a los cánones del pop de hoy, como supieron hacer Rialto o los mejores Mando Diao. Podrían dar la sorpresa: son los Common Linnets de este año.
Calificación: 7 Lugar en las apuestas: top 5
5.-Reino Unido
Si esperábamos más de Francia o de Irlanda, qué decir de Electro Velvet de Reino Unido, que acuden con este simplón número de jazz-pop doscientos años después de que triunfara la versión rockabilly de ‘Umbrella’ de The Baseballs. Interminable. Igual tendrá más gracia cuando lleguemos a los nuevos años 20. De momento, siglo XXI, gracias.
Calificación: 4 Lugar en las apuestas: average
6.-Armenia
Las Espíritas, aquel grupo inventado por Chico y Chica que pintaba el suelo con tiza, hablaba con frecuencia de perro y hacía coreografías mirando al sol para insuflarse de energía, parece una influencia mayúscula todos los años en el festival. Este año podéis visualizarla en Genealogy, cruce indeseado entre Corrs y Evanescence, en el que cada uno de los miembros representa a un continente del mundo, pero haciendo hincapié aparte en Armenia.
Calificación: 2 (suma un punto si eres fan de las campanas) Lugar en las apuestas: top 20 aprox.
7.-Lituania
Monika Linkytė, que consigue llegar al festival a la sexta, a la séptima si contamos Eurovisión Junior, y el cantante y actor Vaidas Baumila intentarán pillar cacho de los fans de los viejos Mumford and Sons, con este optimista ‘This Time’. La canción se percibe desde la primera escucha, aunque es algo cursi en su insistencia con los besitos. Como anécdota, incluye beso gay aprovechando que este año Eurovisión no se celebra en Rusia sino en un país tan gay-friendly que hasta ha homosexualizado los semáforos estos días. La puesta en escena da ganas de vivir.
Calificación: 6 Lugar en las apuestas: de la mitad para abajo
8.-Serbia
Bojana (fan del nombre) Stamenov gustará a los fans de Mónica Naranjo, los de ‘Sobreviviré’, los de ‘Europa’, los de ‘Pantera en libertad’, los de todas las etapas. Aunque la noticia es que ha recurrido a la autoayuda de Conchita Wurst para intentar alzarse con la victoria. Del baladón al techno, si ves el vídeo de reojo, hasta te parecerá ver a famosos tamaño Jimmy Sommerville bailando en varios de los momentos. El letrista, de nombre Charlie Mason (jeje) lo es también de ‘Rise Like a Phoenix’, la canción ganadora del año pasado, y de la canción eslovena de este. En Eurovisión, hace rato que todo queda en casa. Atentos a la puesta en escena: muy graciosa de puro amateur.
Calificación: 5 6 Lugar en las apuestas: ha subido al top 7 tras las semifinales.
9.-Noruega
Este año se llevan los duetos. Mørland & Debrah Scarlett interpretan ‘A Monster Like Me’, un tema que, por tono, podrían haber hecho a dúo el líder de fun. y Lorde, pero que suena demasiado familiar, como a una balada que podrían haber interpretado James Blunt o Fergie. La sobria puesta en escena, recalcando el misterio de la canción en torno a un oscuro pasado, le hace ganar puntos.
Calificación:5 6 Lugar en las apuestas: ¡¡top 10!!
10.-Suecia
Con un poquito de EDM, de UK garage y aromas country tras el éxito de su paisano Avicii, Måns Zelmerlöw sitúa como siempre a Suecia entre las canciones favoritas del año, a pesar de las acusaciones de plagio. Esta vez, se han decantado por el sonido de los macrohits de John Newman y, de nuevo, Rudimental, toda una inspiración para los compositores del festival. La puesta en escena es apoteósica, haciendo muy buen uso de las proyecciones.
Calificación: 6 Lugar en las apuestas: number 1
11.-Chipre
John Karayiannis llenará el cupo “baladita de Westlife o Boyzone” tipo “You say it best when you say nothing at all” que quizá podría haber interpretado en alguno de sus pasajes Michael Jackson en su momento más bajo. ‘One Thing I Should Have Done’ cuenta con un momento a capella que puede darle algunos puntos de cara a la clasificación para la final.
Calificación: 6 Lugar en las apuestas: OK
12.-Australia
“It’s complicated”, se lee en la casilla «estado civil» de muchos perfiles de las redes sociales para ligar. Es lo que pasa con la participación de Australia, ese país que comparte reina con Reino Unido pero no con Irlanda. Su debut en Eurovisión viene de mano de Guy Sebastian, que presenta un tema soul-pop que podría haber co-escrito Pharrell. ‘Tonight Again’ suena fresco aunque tampoco está entre las apuestas más originales del año. Ardo en deseos de averiguar cómo recibe el televoto este tema (la mitad de los puntos los aporta el jurado).
Calificación: 6 Lugar en las apuestas: ¡muy bueno! Calma, si ganan, no veremos el festival a las 13.00. Se celebrará en Europa (o cerca).
13.-Bélgica
Conocimos a Loïc Nottet como el Lorde de Bélgica hace unas semanas. La evidencia del parecido a ‘Royals’ haría sonrojarse hasta al Pharrell que dice que para nada, que se te va la olla, que él nunca ha copiado a Marvin Gaye. El productor de este ‘Rhythm Inside’ es un avispado juez del programa La Voz (de donde ha salido Loïc a los 19 añitos), americano residente en Bruselas, que quizá piense que en el resto de Europa no hay internet. Con todo, una de las pocas canciones del festival que conecta con ese año que tú ves ahí, 2015. Y no hemos tenido suficientes imitadores de Lorde en el mundo real.
Calificación: 7 Lugar en las apuestas top 4
14.-Austria
El país anfitrión repite barba, pero mucho más convencional sobre la cara del líder de The Makemakes. ‘I Am Yours’ es una baladita al piano como tantas, pero con cierto sabor a dejadez, a “no queremos volver a celebrar esto”. ¿Se sigue llevando lo de tocar la mitad del tema al piano y después levantarte mientras el piano sigue sonando, tan campante? Comentarios de Íñigo llamando a Dodo hipster por llevar sombrerito en 3, 2…
Calificación: 4 Lugar en las apuestas: ¡a las semifinales, Austria!
15.-Grecia
Después de bailarse de todo a lo largo de la última década, los griegos lo intentarán en 2015 con este baladón llamado ‘One Last Breath’ interpretado por Maria Elena Kyriakou, concursante de La Voz 2015. ¿Nos terminaremos aprendiendo su apellido cual Paparizou? No lo parece, más bien parece Operación Triunfo 2003 pasado por el filtro James Bond… que ya ganó el año pasado.
Calificación: 4 Lugar en las apuestas: regular tirando a malo
16.-Montenegro
Knez, que ha publicado discos en su país desde los 90, insistirá con el folclore para Montenegro en este ‘Adio’ con mujeres trajeadas que, por desgracia, no se parece nada a Robert Palmer. Addicted to… mirar el móvil a ver qué se dice por el Twitter.
Calificación: 2 Lugar en las apuestas: nadie entiende por qué se ha clasificado
17.-Alemania
Ann Sophie Dürmeyer, que cuenta con un timbre parecido a Duffy y Horace Andy, podría ser la nueva Lena, pues acude con ‘Black Smoke’, un tema de soul-pop y tintes R&B bastante pintón, con un riff de teclado completamente irresistible. Por alguna razón, algo no está yendo bien y parece que no va a pasar nada con esto. ¿Quizá demasiado clásico? Da igual: podría ser un éxito en radios perfectamente.
Mucho se elogia a Suecia, pero un «greatest hits» con las canciones de Eurovisión de Alemania no estaría nada mal.
Calificación: 7 Lugar en las apuestas: bottom 5
18.-Polonia
La segunda semifinal se cerrará a golpe de balada, con la canción de Monika Kuszyńska, una Leona Lewis de la vida. Interpreta la apañada pero muy vista ‘In the Name of Love’.
Monika sufrió un accidente de coche con su grupo en 2006. Desde entonces está paralizada de cintura para abajo. Proyectará imágenes de los días en que podía caminar.
Calificación: 5 Lugar en las apuestas: gente yéndose al baño
19.-Letonia
No entraremos en el siglo XXI en la segunda semifinal de Eurovisión hasta la llegada de Aminata, que parece haber estudiado bien cuáles han sido algunos hits de los últimos años. Encontramos en ‘Love Injected’ restos de FKA twigs, AlunaGeorge, Lorde, iamamiwhoami y la Katy Perry de ‘Fireworks’. Y quizá Rihanna: en el vídeo aparece un porro de a saber qué cosa. No es la panacea, pero es lo primero que vemos que podría conducir a su intérprete a aparecer en nuestra sección Revelación o Timo.
Calificación: 8 Lugar en las apuestas: top 10
20.-Rumanía
Los puntos del televoto español irán este año para Voltaj, un grupo de pop-rock en activo desde los años 90. ‘All Over Again’, sobre la emigración de millones de rumanos dejando a niños detrás, ni destaca ni horroriza: ciertamente dónde puede acabar algo así es tan impredecible como la pronunciación en inglés de los puntos de nuestro país.
Calificación: 4,5 Lugar en las apuestas: bottom 10
21.-España
De todos es sabido ya que la canción que presenta Edurne no es de nuestro agrado. Sobre todo porque nos prometieron el oro y el moro: que ni era balada ni bailable, sino una cosa nunca vista. Al final nos encontramos un medio tiempo semi-tribal más sobado en el festival que la canción folclórica, que además contará con una puesta en escena similar a ‘Euphoria’. Sin embargo, parece que en un par de momentos tendrá su gracia y los gorgoritos de Edurne terminan contagiándose cosa mala. Al menos no es aquel THE RAIN, THE RAIN, DANCING que aún genera terror en nuestras cabezas.
Calificación: 5 Lugar en las apuestas: top 12, en el momento de la redacción de esta noticia.
22.-Hungría
La húngara Boogie no va de Baccara sino de cantautora en este ‘Wars for Nothing’ que ya desde su título no hace falta explicar y que va sumando voces. Éxito seguro… si Eurovisión se celebrara el Día de la Lotería de Navidad.
Calificación: 5 Lugar en las apuestas: bottom 5
23.-Georgia
Imagínate a Ana de Armas disfrazada de Xena «Princesa Guerrera» haciéndose fan de la imaginería de iamamiwhoami pero llamando a Woodkid para dirigir su vídeo con bien de lobos, halcones, flechas y, sí, serpientes. Todo esto es Nina Sublatti, cuyo ‘Warrior’, aunque un poco Ucrania 2004, tiene la fuerza suficiente como para gustarle a Edurne. ¿Será porque tiene la fuerza que le falta a su tema? Estridente de más, la canción se termina pegando.
Calificación: 7 Lugar en las apuestas: hacia la mitad
24.-Azerbaiyán
Elnur Huseynov compite con esta balada, a punto de convertirse en medio tiempo y que, en su defensa, podría estar en el disco de Hozier. Bastante apoteósica en su subida coral con unas voces que, en un momento dado, sólo oirán los perros y los fans de Mariah Carey.
Calificación: 5 Lugar en las apuestas: bueno
25.-Rusia
La cantante Polina Gagarina tiene pinta de haberse tragado los capítulos de las 6 temporadas de ‘Glee’ de siete en siete, trayéndonos en su consecuencia este tipo de canción con pinta de popurrí televisivo (¡¡esto es tele!!) que contiene al menos 4 canciones diferentes en 3 minutos. En ‘A Million Voices’ hay ratitos de Queen (¡Gagarina, claro que sí!), de Kelly Clarkson, de Céline Dion, de marchas militares… Todo cabe en esta loca batidora.
Calificación: 5 Lugar en las apuestas: posible ganadora, entre vecinos y referentes.
26.-Albania
El año antes de la llegada de Sor Cristina, ganó La Voz Italia la albana Elhaida Dani. Una azafata, una bombera, una doctora, una rockera con chupa de cuero, una reportera… van acumulando tensión hacia el crescendo de esta canción con gente llorando por todos los lados, asegurando los 12 puntos del país favorito de Laura Pausini e Hidrogenesse.
Calificación: 4 Lugar en las apuestas: ni chus ni mus
27.-Italia
Uno de mis peores recuerdos musicales es el éxito de Il Divo. No contentos con el daño que hizo aquello, provocando uno de los divorcios más acusados jamás vistos entre indie y mainstream, Italia devuelve el debate a la palestra con Il Volo y esta canción tan antigua. Rezad todo lo que os sepáis para que no gane. De lo contrario, preparaos. El vídeo, entre referencias a ‘Ghost’, ‘Regreso al futuro’ y ‘Spiderman’, le vale ese 1.
Con la campaña electoral de las elecciones municipales y autonómicas en su recta final, echábamos de menos algún dedo en la llaga de El Pardo, la banda del underground estatal reciente que más abiertamente se ha expresado en el plano político. La banda de Raúl Querido con miembros de Alborotador Gomasio, entre otros, ha presentado un vídeo para la feroz ‘Vergüenza’, el tema más certero del EP que presentaron a finales del pasado año. Su letra habla precisamente sobre la vergüenza (o desvergüenza, según se mire) del votante medio para con la clase política, y la pieza, dirigida por La White Trash, combina actuaciones en vivo del grupo con imágenes en angustioso primer plano, terribles de tan ridículas en muchas ocasiones, de políticos nacionales de todo pelaje.
Fernando Alfaro vuelve esta semana con ‘Saint-Malo’, un trabajo que se aleja en términos sonoros de ‘La vida es extraña y rara‘, su predecesor, y que vuelve, gracias a un planteamiento más directo, a la crudeza de Chucho o Surfin’ Bichos. Aprovechando la salida del álbum, nos citamos cara a cara con el manchego para hablar sobre su música con la peculiaridad de que la entrevista se celebraba precisamente hace dos días, el ya conocido como #undiasinmusica.
«La subida del IVA ni siquiera tiene sentido a efectos fiscales o recaudatorios, como se ha demostrado»
La primera pregunta es casi obligada un día como hoy: ¿qué opinas de la iniciativa #undiasinmusica? ¿te has significado de algún modo como han hecho otros artistas?
La legislación actual es nefasta para la música, son malas condiciones para dedicarse a esto y sacar lo mejor de ti mismo, sobre todo desde que subieron el IVA a la estratosfera, que ni siquiera tiene sentido a efectos fiscales o recaudatorios, como se ha demostrado. Comparto totalmente el argumento y si no me he significado más claramente es por circunstancias. Hoy tenía promo, pero si no, tendría cinta americana en la boca y no podría contestarte (risas).
Aunque han pasado cuatro años desde que salió tu anterior trabajo en solitario, mirando atrás en el tiempo no parece que hayas estado excesivamente ocioso, entre multitud de colaboraciones (Alfacrepus, Fundación Robo, conciertos conjuntos con Remate y David Rodríguez -Veo Monstruos-) y la reunión de Chucho. ¿En qué momento decidiste que era buena hora de volver a trabajar en solitario?
A finales de 2012 grabé un EP con ‘Extintor de infiernos’, que era el tema que abría el disco anterior, además de otros tres temas: ‘La soga’, que había incluido en el proyecto de la Fundación Robo y luego otras dos que completaban un EP que era un puente entre lo que había sido el disco anterior y lo que iba a ser este nuevo disco. Mi plan era grabar el disco en 2013, pero entonces nos planteamos la reunión de Chucho, así que se retrasó la grabación. Además, en 2014 tuve una extensa gira en acústico y entre eso y alguna otra circunstancia, como buscar nueva compañía, se ha dilatado la grabación. Todo ha sido un poco circunstancial.
Entiendo que esta gira acústica en solitario ha sido la que has hecho para conmemorar los 25 años del primer disco de Surfin’ Bichos, ¿qué tal fue la experiencia? ¿cómo surgió?
Surgió como las mejores cosas, por casualidad. En este caso, yo estaba embarcado en una gira acústica en la que tuve seis conciertos por Galicia y el que me organizaba la gira allí me recordó que justo se cumplían en otoño de 2014 los 25 años de ‘La luz en tus entrañas’ y me propuso tocar ese disco y me pareció buena idea, me molan esos retos. A lo largo de los años he comprobado que todas las canciones que toco de otras épocas mías, sean en acústico o con banda, funcionan perfectamente y además esas canciones del primer disco de Surfin’ Bichos tienen mucho sentido con el repertorio nuevo que estaba tocando. Esto lo llevé al extremo y el planteamiento fue tocar las diez canciones de aquel disco junto con siete del disco nuevo que nadie había escuchado aún, un salto en el tiempo enorme al que llamaba ‘El viaje de Saint-Malo’.
¿Entonces el disco nuevo se llama así por aquella gira acústica?
No, el nombre del disco venía sobrevolando de hacía tiempo, mientras recolectaba las canciones que iban a entrar en el mismo. Antes, cuando grababa demos, ponía un nombre genérico a esas demos y luego el disco terminaba llamándose así. El caso más evidente de esto es ’78’ de Chucho. Era un número que me vino a la mente por alguna razón y terminó siendo necesario para mí llamar así al disco. A posteriori tuve que buscar argumentos para haber llamado el disco así, diciendo que son los cromosomas que tiene un perro o algo parecido. En este caso, podría dar explicaciones parecidas, pero al final era la propia sonoridad del nombre de esta ciudad, ‘Saint-Malo’, lo que me llamó la atención, quería el nombre para mí.
«En este disco todo es más nítido y sencillo que en ‘Carnevisión’. Para este nuevo disco quería dejarlo todo un poco más en la esencia»
En el nuevo trabajo vuelves a un sonido más parecido a lo que hiciste en ‘Carnevisión’ o en tus dos bandas anteriores, más áspera en las canciones rock y más clásica (órganos, formación clásica de banda) en las más etéreas o pop. ¿Qué te lleva a dar esta especie de «paso atrás»? ¿Qué enfoque querías darle al disco en términos de sonido?
En realidad, hay bastantes diferencias con ‘Carnevisión’, porque la estructura de las canciones y de las letras de aquel disco eran más largas, tenían más recovecos que las de este disco, en donde todo es más nítido y sencillo. Para este nuevo disco quería dejarlo todo un poco más en la esencia y al plantear la producción con Darío (nde: Vuelta, productor de ‘Saint-Malo’) partimos de esa premisa. La producción es sobria, quería sobre todo apoyarme en el estudio en la banda de Barcelona con la que también toco en directo y Darío ha logrado llevar cada canción a caminos distintos, a su extremo, partiendo de algo muy básico.
De hecho, hay canciones como ‘Arrancando las vías’, ‘La Luna Aplastada’ o ‘Se aniquila piso’, con un peso importante de las guitarras, que me hacen pensar en Chucho… ¿haber vuelto con esta banda ha podido influir en los temas de este disco?
La mayoría de las canciones ya las tenía escritas antes de la reunión de Chucho, con lo cual ha sido algo bastante casual. Al fin y al cabo, cada uno tiene su lenguaje y para mí lo que mejor funciona es la naturalidad al expresarme. En lugar de buscar epatarme a mí mismo formalmente con la música, la investigación va dentro de la propia canción, incluyendo la letra. Luego será la canción la que me pida el sonido que tiene que tener. De todas formas, sí que tienes razón en una parte de tu argumento: Darío vino al concierto que hicimos Chucho en Barcelona, en la sala Apolo y en ese momento ya estábamos trabajando en las canciones nuevas. Me dijo que hay canciones del disco anterior, como ‘Hijo de perra’ y alguna otra, que no llegaban del todo al punk rock que pedían, que no llegaban a explotar del todo y que eso en ‘Saint-Malo’ no iba a pasar, así que sí que hay una relación, igual no por mi parte, pero sí por la suya.
«Con Chucho no es lo mismo (que con Surfin Bichos), la idea ha sido retomarlo y dejar el grupo activo. Tenemos un repertorio de puta madre que estaba ahí inutilizado, como tener un Rolls en el garaje y no utilizarlo»
Ya que prácticamente todas estaban escritas antes de la reunión de Chucho, ¿no se te pasó por la cabeza trabajarlas con el grupo y que fueran finalmente parte de un nuevo álbum?
Cuando las escribí, no tenía ninguna intención de reactivar Chucho, la idea de volver vino de gente del grupo, de Miguel y de Javi (nde: guitarrista y batería, respectivamente) y como ha habido muy buen rollo, lo retomamos y además no con una intención de reunirnos, tocar los hits y adiós, como sí había pasado con Surfin’ Bichos, que teníamos claro que tenía principio y final. Con Chucho no es lo mismo, la idea ha sido retomarlo y dejar el grupo activo. Tenemos un repertorio de puta madre que estaba ahí inutilizado, como tener un Rolls en el garaje y no utilizarlo. Hemos retomado el grupo como desde el momento en el que acabó, incluso con la puerta abierta a grabar un nuevo disco. Les expliqué lo de mi nuevo disco en solitario y además les dije que estaba haciendo unas canciones que entrarían de puta madre en Chucho, pero empecé a grabarlo y todos estamos de acuerdo en que el disco tiene que tener su trayectoria. Chucho ahora estamos en stand-by, salvo un concierto en el Contempopránea. Ya iremos preparando canciones, pero tenemos el problema de que todos vivimos en ciudades distintas y lo tenemos difícil para juntarnos y esto de hacer colaboraciones epistolares a través de internet no me gusta nada, prefiero juntarme y tocar. Ya me pasó con Alfacrepus, que desde que Joël se fue de Barcelona a vivir primero en Mallorca y luego en Madrid, apenas hemos podido trabajar. Es altísimamente probable que haya nuevo disco de Chucho a medio plazo. Cuando este disco tenga la vida que tiene que tener, ya lo grabaremos, aunque no se sabe lo que puede deparar el futuro.
«En este disco hay un componente muy fuerte de libertad, algo que se plantea literalmente, como en ‘Velero’, y ese punto de libertad es lo que a mí me ha llevado a dedicarme a esto»
«Siempre me estoy suicidando», cantas en ‘Arrancando las vías’. ¿Es una especie de alegoría a tu carrera musical, en el sentido de que da la impresión de que siempre has sido libre y has hecho más o menos lo que has querido, sin concesión alguna a discográficas o a las modas circundantes?
Seguramente tenga algo que ver, ten en cuenta que las canciones rara vez tienen solo un significado. Se dice que las canciones dicen lo que le digan a cada uno y yo lo comparto. No me suele gustar destripar el sentido original que tiene cada canción, pero luego siempre te descubren un significado nuevo que no controlabas. Esta canción habla de alguien desarraigado, alguien como yo que está siempre con la guitarra entre trenes y aviones. Hay más canciones en el disco que hablan del desarraigo. ‘Siempre me estoy suicidando’ tiene que ver con eso pero también puede tener que ver con esto que propones. Tienes razón en el argumento porque este disco, además del desarraigo, tiene un componente muy fuerte de libertad, algo que se plantea literalmente, como en ‘Velero’ y ese punto de libertad es lo que a mí me ha llevado a dedicarme a esto.
¿Cómo te vas a plantear los conciertos de presentación? ¿Eléctricos, acústicos o ambos?
En principio el planteamiento es hacer conciertos con banda, que además ha aumentado con la incorporación del teclista que grabó el disco. Ya hemos probado este formato en un concierto en El Prat y me encanta cómo suena. Me gusta el formato acústico pero ya doy muchos conciertos así.
¿Habrá continuación a tus otros proyectos (Alfacrepus, etc.)?
Ahora estoy muy centrado en hacer la gira con este disco, pero uno nunca deja de hacer canciones. Con el tiempo he destilado tanto el método de trabajo que ya hago canciones hasta mentalmente, incluso cuando voy conduciendo. Con Alfacrepus falta un segundo EP que tenemos a medias, pero por ahora no tenemos tiempo ni Joël ni yo de ponernos a tocar, ni cuando yo vengo a Madrid ni cuando él viene a Barcelona, pero cuando tengamos un momento, habrá continuidad. Parece que las unidades de tiempo de Alfacrepus fueran de Egipto, de antes de Cristo, van por milenios (risas).
‘Night Changes’ fue el segundo single del que será el último disco de One Direction con sus cinco miembros, irónicamente titulado ‘Four‘.
A su paso por el «lounge» de la BBC es el tema que han escogido The Vaccines para versionar y no les ha quedado nada mal.
Os recordamos que The Vaccines sacan disco tan pronto como la semana que viene (ya en escucha en NPR) y que estarán actuando en Dcode el próximo mes de septiembre.
Supergrupo, formado por miembros de Aviador Dro, L kan y La Monja Enana, estarán presentando su disco, del que han extraído singles como ‘Me gusta mutar‘ o ‘Corazón de batidora‘, este viernes 22 de mayo en el OchoyMedio de Madrid. El álbum se compone de nuevas canciones y revisiones de hits propios y ajenos. Entradas normales, VIP y SUPERVIP, aquí.
Pero lo que ofrecerán este fin de semana no será un concierto, sino una «Tecno-fiesta» que arrancará a las 21.00 con varias actividades paralelas.
Habrá grabación 360º en directo por parte «de la empresa TransReal360. Será el primer vídeo realizado en directo y con público con esta tecnología que, como en la vida real, permite al espectador mirar arriba, abajo o hacia los lados de la imagen, girando sobre sí mismo, utilizando para ello su ratón, teclas, dispositivo táctil o simplemente su cabeza, con unas gafas que incorporen tracking de 360º».
Además, habrá aplausómetro, “provocando sorpresas en la sala cuando estos alcancen el nivel óptimo”; sesión de baile, firma de discos, entrega de objetos míticos de cada grupo que previamente se han subastado por Ebay, concurso de disfraces de superhéroes y zona de identificación facial.
Invitando a ir hay vídeos de gente como Bombay Bicycle club, Felipe Fresón, Ángel Carmona de Hoy empieza todo, Javiera Mena, Bravo Fisher, Love of Lesbian, etc… Sole de Las Virtudes cita una canción de Bla y dice que piensa ir ya peinada. José Luis Moro de Un pingüino en mi ascensor irá pero nos presenta a un colega que no podrá.
JENESAISPOP regala una entrada doble para aquel o aquella al que se le ocurra el mejor nombre para el bicho de la portada del disco de Supergrupo. Las respuestas se pueden enviar a jenesaispop(k)gmail.com
Un día después de #undiasinmusica, la iniciativa a favor de bajar el IVA cultural del 21%, Nacho Vegas ha acudido a Twitter para criticarla: «La pregunta es sencilla: ¿Por qué la protesta de ayer no consistió en salir a tocar todxs a la calle en lugar de lo contrario? La respuesta también: porque eso sería contrario a los intereses de las asociaciones de promotores y empresarios de salas. Por eso tengo dudas razonables de que #undíasinmúsica haya sido mi lucha».
(1) La pregunta es sencilla: ¿Por qué la protesta de ayer no consistió en salir a tocar todxs a la calle en lugar de lo contrario?
Cuando una usuaria le preguntaba: «Según que promotores y empresarios, habrá de muchos tipos ¿no? Pregunto en serio», Vegas contestaba: «Claro. Me refiero a las asociaciones empresariales convocantes».
@coralsoler Claro. Me refiero a las asociaciones empresariales convocantes.
Nuestra redacción ha acudido a la Asociación de Promotores Musicales, donde responden: «Como APM no tenemos mucho que decir. Respetamos su opinión del mismo modo que respetamos la de todos los artistas que han mostrado su apoyo a Un Día Sin Música».
Yelle prosigue presentando canciones extraídas de su último disco. Antes de pasarse por el Low Festival, el próximo mes de julio, la francesa estrena el videoclip para ‘Ba$$in’, otro de los temas incluidos en ‘Complètement Fou’. El clip, utilizando animación un tanto rudimentaria, nos muestra a la cantante convertida en muñeca. El resto de lo que ocurre en el clip es tan excesivo y disparatado que necesitaríamos un par de especiales para resumirlo todo. Incluye un limón con gafas de sol, bragas en la cara, perros de plástico y subtítulos en inglés.
Kendrick Lamar, uno de los músicos del año tras la edición de ‘To Pimp a Butterfly‘, descartó de su primer disco ‘good kid, m.A.A.d. city’ un tema junto a Lady Gaga llamado ‘PARTYNAUSEOUS’. Se citaron diferencias creativas entre ambos.
En la gira de ‘ARTPOP‘ se usó una parte de la canción, y ahora ha aparecido al completo en Soundcloud, filtrada y como veis, aunque estuviera en forma de maqueta, bastante más aprovechable que ese ‘Jewels ‘n Drugs’ que encontrábamos en el último disco de la artista. También se conoció hace tiempo una versión de ‘Bitch, Don’t Kill My Vibe’ featuring Gaga.
Como curiosidad, podéis reíros del día en que, cuando Lamar aún no tenía disco en el mercado titulábamos «Gaga hará famoso a Kendrick Lamar», pues se barajaba este tema como tercer single de ‘good kid, m.A.A.d. city’.
Edurne quedó 21ª en Eurovisión, como contamos en directo, muy lejos del top 10 logrado en 2014 por Ruth Lorenzo. Sin embargo, la audiencia conseguida este año fue mucho más alta, próxima a los 6 millones de personas frente a los 5,1 y 5,4 que lograron Ruth y El Sueño de Morfeo, respectivamente.
«No es que esta canción sea sobre ella», canta Ruban Nielson en ‘
No hay más que ver a Shamir Bailey moverse en uno de sus vídeos o escuchar su voz de contratenor para darse cuenta de que estamos ante uno de los 
Nadie tiene ni idea de cuándo saldrá el nuevo disco de The Cure, así que cada paso dado por Robert Smith, por pequeño que sea, es noticia. La nueva es que ha hecho una versión de ‘There’s a Girl in the Corner’ de The Twilight Sad para el nuevo single de la banda escocesa. Será cara B del single de estos, ‘It Never was the Same’, que sale el 15 de junio. 
M.I.A. ha sido noticia recientemente por quejarse de que no puede estrenar uno de sus vídeos porque su discográfica no se lo permite por «uso indebido de elementos culturales». Se rodó en África. 
Lo último que supimos de Christopher Owens fue la edición del notable ‘
Joël Iriarte, más conocido como Joe Crepúsculo, ha sido recientemente noticia por la sintonía que compuso para Podemos (puedes leer 
Existe una 
El productor barcelonés Sau Poler, autor del estupendo EP ‘
Atenta, Taylor Swift. The Verge ha 
Siguiendo en la línea que ya avanzaba tímidamente ‘
Hoy se celebra la nueva edición del Festival de Eurovisión. Ya analizamos las 
Fernando Alfaro vuelve esta semana con ‘Saint-Malo’, un trabajo que se aleja en términos sonoros de ‘
‘Night Changes’ fue el 
Supergrupo, formado por miembros de Aviador Dro, L kan y La Monja Enana, estarán presentando su disco, del que han extraído singles como ‘
Un día después 
Kendrick Lamar, uno de los músicos del año tras la edición de ‘