Tras el exitazo de anteriores ediciones, el equipo de Jimmy Kimmel ha vuelto a un macrofestival para preguntar a la gente qué opina de grupos y artistas… inventados.
Esta vez han acudido a South By South West, que se celebra estos días, preguntando por gente como Vlad & The Putins, DJ Fictionale o Mary Kate and Nasty. Entre los pobres asistentes víctimas del postureo elevado hasta el extremo, hay hasta quien se atreve a tararear, a decir que fulanito va a petar o hasta a inventar que la líder es una chica. El premio, para la que se empeña en contar que conoció al artista susodicho en Lion. Le freak, c’est chic!
Toundra han publicado este año ‘IV‘, un nuevo disco que ha conquistado a la crítica y al público. Tanto que alcanzaba nada menos que el top 2 en la lista de ventas española, algo no precisamente al alcance de cualquiera. Tras realizar algunos conciertos por aquí, el grupo se marchaba a otros países europeos para tocar en decenas de ciudades de Reino Unido, Noruega, Luxemburgo, Dinamarca o Francia. Hablamos con Esteban Girón, uno de los guitarristas (primero por la izquierda), sobre el desarrollo de esta gira.
Acabáis de terminar una gira europea que ha recorrido varios países, ¿cómo ha ido? ¿Cuál ha sido vuestro concierto favorito?
El balance ha sido muy positivo y cada día disfrutamos más de salir a tocar a Europa. Nos tratan bien, con cariño, hay respuesta de público y la experiencia es inigualable. Es duro y te sientes un poco un vikingo saltando al mar en una cáscara de nuez, pero no hay nada igual. El concierto más emotivo quizás fue el de Londres… una de las cunas de la cultura musical occidental de la que todos hemos bebido… y la sala se llenó.
¿Qué no ha salido, en cambio, como esperabais? ¿Alguna decepción, contratiempo, chasco o concierto para el olvido? Por el diario de Mondo Sonoro parece que habéis pasado un poco de frío, por ejemplo.
Esperábamos más público en Ginebra, por ejemplo… Pero no puedes pedir que haya conciertos con tanta gente cuando te cruzas Europa de lunes a viernes… hay lunes en febrero en los que no le interesas a nadie. Tampoco hemos pasado tanto, tanto frío, podría haber sido mejor. Quizás nos deberíamos haber alimentado mejor. No más, que siempre cumplimos, sino de una manera más sana. Por otro lado, algunos acabaron en comisaría en Noruega y en Copenhague nos reventaron un cristal de la furgoneta y nos robaron unos sintetizadores de Alberto.
Suponemos que habéis estado en ciudades que ya habíais visitado y otras que no conoceríais. ¿Alguna sorpresa tanto turística como musical?
Sorpresa no, pero sí fue muy grato visitar Gouda y comprar queso en un mercado municipal. La gente ahí fue muy maja porque veían (era muy evidente) que no éramos de por ahí. En muchos sitios sabían directamente que éramos españoles al cruzarse con nosotros por la calle… aunque en Burdeos nos gritaban «Ándele, Ándele!» desde el público.
La música de Toundra es muy internacional, en tanto que instrumental, por lo que suponemos que tenéis menos cuota de público español yendo a veros que otra gente, que sólo tiene fans españoles fuera de España. ¿O no es así? ¿Quizá sí había más españoles por ejemplo en Londres?
La verdad es que se nota mucho la «movilidad exterior» (como dice el gobierno) por motivos de empleo de nuestros jóvenes y que mucha gente estudia en el extranjero hoy en día. Con esto quiero decir: sí, hay mucho español que se ha visto obligado a emigrar y que viene a vernos, lo cual es una vergüenza y una pena. Respondiendo a tu pregunta: la mayoría de nuestro público fuera de nuestras fronteras no son españoles.
¿Cómo han cambiado las canciones de ‘IV’ en este mes desde que las presentasteis en España?
Ahora las sabemos tocar mejor y suenan mejor y más compactas. Creo que las hemos «hecho al directo». Siempre que comenzamos a tocar nuevos temas en directo comenzamos reproduciendo más o menos de manera más fiel la versión grabada en el disco. Poco a poco sabemos llevarlas a un sitio en el que funcionan mejor en directo.
‘Viesca’ es una de las canciones con más arreglos del álbum, ¿habéis podido llevarla al directo con instrumentos de cuerda como en Joy Eslava, la hacéis de manera más austera o no la tocáis cuando no se puede?
En el grupo desde hace un tiempo hemos querido hacer diferencias entre lo que es el grupo en disco y lo que es el grupo en directo. ‘Viesca’ es un ejemplo de lo primero y no queremos que la primera faceta invada a la otra. Está bien de vez en cuando revivir en directo ese tipo de canciones porque a mucha gente le gustan y porque es emotivo. Pero creemos que la esencia del grupo en directo es otra. Además, logísticamente es costoso y logísticamente complicado, por lo que de momento las cosas están bien así.
¿Alguna canción ha evolucionado estas semanas, ha aparecido o desaparecido del setlist? ¿O simplemente alguna os ha sorprendido el modo en que ha sido acogida para bien o para mal?
A mí me gusta mucho cómo se lleva ‘Qarqom’ al directo… pero no siempre -por razones de duración del concierto- podemos tocarla porque se quedarían otras dos canciones fuera.
(Ser top 2 en ventas) «no es nunca ni un fin ni nada por el estilo. Consideramos que la cultura no se puede medir por estas cosas. Es simplemente una medición de un mercado y de una industria de la que no nos sentimos parte»
Habéis sido top 2 de ventas en España, ¿cómo y cuándo os enterasteis? ¿Os hizo ilusión o es algo que os da igual porque para un grupo a día de hoy lo más importante es la gira?
Nos enteramos un día a la hora de comer. Paco (Holy Cuervo) nos llamó. Evidentemente es algo que como nunca había pasado, pues te hace relativa ilusión. Pero no es nunca ni un fin ni nada por el estilo. Consideramos que la cultura no se puede medir por estas cosas. Es simplemente una medición de un mercado y de una industria de la que no nos sentimos parte. Ese día salí con un amigo a celebrar… que había terminado sus exámenes.
¿Creéis que estáis, a tenor del dato, en la cumbre de popularidad de vuestra carrera o notáis que más gente todavía está descubriendo a Toundra?
Ser el número dos de ventas no significa ser hoy en día más populares que ayer. Nunca lo he visto así, por lo menos. Nuesta carrera, más que como una colina, la veo como un camino que seguimos paso a paso sin miedo. Lo peligroso de ascender muy rápido es que puedes despistarte y caer al vacío. Nosotros vamos paso a paso disfrutando del camino.
¿Es un hándicap para vosotros lidiar con las comparaciones con otras bandas instrumentales a las que se suele recurrir para hablar de vosotros? ¿Os esforzáis por marcar diferencias, ya sea en sonido, estética…?
La prensa y la crítica cataloga. Es una de sus funciones. No voy a entrar en lo que me parece el catalogar, etiquetar… muchas veces lo sustancial se pierde en esas etiquetas y lo verdaderamente importante queda escondido tras ellas. Nosotros hacemos algo con mucha pasión, algo que nos sale desde dentro y no podemos vivir sin ello. No hacemos esto porque nos metan en X rollo o en Y estilo… si algo de lo que hacemos nos gusta, lo dejamos estar, si no nos gusta, se va fuera. Y así ha sido siempre. El speech que el protagonista de ‘Birdman‘ le suelta a la crítica de teatro justo antes del estreno de su obra de teatro es muy inspirador. Cuando vi la película hace poco me emocionó.
¿Algún proyecto para 2015 al margen de presentar el disco en vivo? ¿Algún EP, vídeo apañado, etc?
Estamos trabajando en un nuevo videoclip y en llevar un paso más allá el aspecto visual de nuestros directos. Volveremos al extranjero y ya están saliendo riffs y partes para el siguiente disco… hemos dicho en todas las entrevistas que no se llamará ‘V’… Molaría ahora llamarlo así.
En la pasada década, la variante hispana y cargada de humor del electroclash, el electroperro, era habitual en clubs de todo el país, hasta que el género perdió toda su vigencia. Ahora, dos chicas de Barcelona, Carla Moreno y Alba Rihe, retoman ese espíritu bailable, chochi y, sobre todo, divertido, bajo el nombre Las Bistecs y con la irreverencia y el humor como principal arma. Formado aparentemente a finales de 2013, el dúo ha ido presentando temas de hilarante «electro-disgusting» como ‘Sexy o no’, ‘Entrecots!’, ‘Cosas negras’ o ‘Humo’, sobre todo en el popular club «¡Que trabaje Rita!».
Pero es, sin duda, ‘Historia del arte’ la canción que las ha sacado del semi-anonimato. Lanzada el pasado verano, no ha sido hasta hace unas semanas que, gracias a su descacharrante videoclip, han logrado una mayor difusión y convertido el irresistible «dórica, jónica, corintia» en un hit «enterground», como ellas dicen.
Esta semana Las Bistecs han vivido su primer momento de gloria televisiva al ser invitadas (es muy digno de elogio que una propuesta como la suya aún pueda caber en la triste deriva de la cadena pública) al programa ‘Alaska y Segura‘ de RTVE, en el que realizaron un divertido playback en vivo, ataviadas con vestuario original del mítico concurso «Un, dos, tres». En un panorama en el que el cachondeo y las ganas de divertir son tan necesarios, aguardaremos novedades de Las Bistecs.
Zayn Malik de One Direction (arriba a la derecha en la imagen) ha abandonado la gira internacional que mantiene ocupada actualmente a la banda por estrés, según su publicista. La boyband tocará ahora en las Filipinas como cuarteto mientras Malik se recupera en su casa de Reino Unido.
Las cosas no pintan bien para One Direction. Malik ya se ausentó en alguna entrevista durante la etapa promocional de ‘Four‘, el último álbum del grupo, por motivos se especula que un tanto turbios, y esta noticia recuerda peligrosamente a la marcha de Geri de las Spice Girls en 1998, anunciada después de que esta se ausentara de tres conciertos de la banda de manera inesperada.
1D statement: Zayn has been signed off with stress and is flying back to the UK to recuperate. The band wish (cont) http://t.co/sqvOnQodYy
Guillermo Farré -cuerpo y alma de Wild Honey- realiza un avance significativo a cada nuevo disco. El último más notable fue en su segundo elepé (‘Big Flash‘, 2013), donde la producción de Tim Gane (Stereolab) dotaba a sus soleadas melodías de nuevos puntos de vista sonoros. ‘Medalla de Plata’ se puede considerar una continuación de aquel sonido, en este caso ya bajo la batuta de Guille, que aprendió mucho de la experiencia con Gane. Pero es en el apartado compositivo, puramente melódico, donde este diez pulgadas de cuatro canciones sorprende más, donde se comprueba que Wild Honey ha dado un verdadero paso de gigante. Quizá haya tenido algo que ver el hecho de que están cantadas en castellano, un reto planteado a sí mismo por Farré como forma de buscar nuevas fuentes de inspiración.
Por esas dos razones ‘Medalla de Plata’ tiene las hechuras de un disco importante, significativo, de cambio. Veremos si el tema del idioma tiene continuidad. Lo que sí esperamos es que las canciones sigan esa ascensión hacia las cumbres del pop que plantea tan elocuentemente desde el mismo inicio esa maravillosa ‘Tu propia montaña Sainte-Victoire’. Pocas melodías se han oído en lo que va de año que igualen la de esta canción, o la de ‘Brillan más que el mar’, y menos tan elegantemente vestidas: sintetizadores de neosicodelia pop 90s, secuencias de acordes que nada tienen que envidiar a los mejores High Llamas y armonías exquisitas (maravillosa Ana Steinberg). Una atractiva mezcla de guitarras, sintes y buenas melodías que en ocasiones recuerda a Lightships, el proyecto en solitario de Gerard Love de Teenage Fanclub, pero las canciones de Wild Honey son composiciones mucho mejores. Además el castellano les da un matiz único: una melodía en castellano siempre será un poco diferente, y aquí se pueden apreciar ecos, si acaso lejanos, de grupos admirados por Guille como Almendra o Nuevos Horizontes.
Los dos acordes de hermosa melancolía de ‘Medalla de Plata’ son la plataforma de bellísimos versos: «estructuras mágicas / extremidades fantasmas / los escalones descendían hasta una plaza / las constelaciones / un monumento en llamas / finges que escribes una carta sobre la almohada». Ese es el otro gran triunfo de este EP: más allá de la propia sonoridad del castellano, que -quizá inesperadamente- encaja como un guante en las melodías de Farré, el cambio de idioma revela además a un letrista capaz de evocaciones visuales formidables, que demuestra que se puede hacer pop en castellano sin caer en costumbrismos facilones. Que liberado del complejo de inferioridad nuestro idioma puede aspirar a un lirismo que nada tiene que envidiar a los textos del pop en inglés. ‘Medalla de Plata’ se resume, en definitiva, en dos palabras: elegancia e inspiración.
Calificación: 8,2/10 Lo mejor: ‘Medalla de Plata’, ‘Brillan más que el mar’ Te gustará si te gustan: Stereolab, Almendra, The Free Design, Lightships Escúchalo: Spotify
Justin Bieber sigue protagonizando noticias que nada tienen que ver con su carrera musical. Esta vez el asunto viene de antes, de cuando Bieber lanzó huevos a la casa de un vecino sin ningún motivo aparente. Esta persona, de nombre real Jeff Schwartz, finalmente ha denunciado a Bieber y a su guardaespaldas por este incidente así como por supuestamente haber hecho carreras de coche por el barrio en el que ambos residen, carreras que, según Schwarts, llegaron a poner la vida de los vecinos en peligro.
Pero, tal y como informa The Guardian, hay más. Schwartz no solo ha denunciado a Bieber sino también a su guardaespaldas por insultos anti-semitas. Al parecer, al quejarse de las carreras al guardaespaldas del cantante, este primero se le acercó un día y le contestó «qué vas a hacer al respeto, pequeño niño judío». Schwartz acusa a Bieber además de producirle angustia emocional y de haberle escupido. «Otro día, otro drama», en definitiva, en la vida de Justin Bieber, que no sabemos si remontará profesionalmente algún día con tanta tontería a su alrededor.
Tras ‘Towards the Sun‘ ha llegado a la red un par de canciones nuevas de Rihanna para la banda sonora de ‘Home’. La primera, ‘Dance In the Dark’, posee un interés escaso y puedes escucharla aquí. La segunda, sin embargo, es una soberbia balada a piano titulada ‘As Real As You and Me’ que bien pudiera ser una de las mejores baladas presentadas por Rihanna hasta el momento. Escúchala a continuación:
Iggy Azalea continúa confirmándose como el último hazmerreír de la música en la red gracias a un nuevo vídeo viral que la muestra rapeando frenéticamente su tema ‘D.R.U.G.S.’ durante un concierto en 2013 y fracasando a lo bestia en el intento. Según esta persona, las ininteligibles palabras de Iggy son estas: «PIS PA POINT BU PASS ME A JOINT GOTTA TWO SIS BE IMMA SPRING MY JOINT STREET CRED RAP ONE TO THE PA PA PU NO JOOTARANG SID YA NO». Por supuesto tiene mucho sentido, ¿verdad?
La autora de ‘The New Classic‘, por cierto, es la artista invitada en el próximo single de Britney Spears, ‘Pretty Girls’, cuya publicación se prevé inminente y será sorpresa.
Tras la decepcionante ‘Go Out’, Blur comparten un nuevo adelanto de su nuevo disco, ‘The Magic Whip’, a la venta el 27 de abril. Se trata de una distópica marcha en la que, a través de cuerdas orquestales y extraños paisajes electrónicos, Damon Albarn y compañía cantan al asunto de la superpoblación en la Tierra. Escúchala a continuación.
Os recordamos que Blur encabezan el próximo Festival de Benicàssim.
Con motivo del Día Internacional de la Felicidad, que se celebra hoy 20 de marzo, la ONU ha invitado a internautas de todo el mundo a buscar las cinco canciones más felices de la historia. «¡Terror!», pensarán algunos y algunas. Con David Guetta, el cachondo de James Blunt y Ed Sheeran en el ajo, ¿qué bueno puede salir de todo esto? A espera de que por supuesto la ya rancia ‘Happy’ de Pharrell Williams aparezca en la lista, os ofrecemos una selección de cinco canciones alternativas que podrían ser incluidas en ella sin ningún problema. Grandes canciones no tan famosas como ‘Shiny Happy People’ y el resto de pistas mil veces vistas en este tipo de listas pero que, como los cortes que formarán el top 5 final, celebran la juventud, el amor y, en definitiva, la vida.
Animal Collective / My Girls Compuesta por Noah Lennox «Panda Bear», ‘My Girls’ es la canción insignia de Animal Collective, un alienígena rompepistas electropop que, en su combinación de densos tejidos abstractos y melodías pop californianas (¿estarán Beach Boys en la lista oficial?), reflexiona en su letra sobre lo que resulta en la edad adulta «verdaderamente importante». «No siento que necesite demasiado», entona Lennox; «quizás un alma fuerte y la sangre que sangro / pero con una niña pequeña y mi esposa / lo único que quiero es una casa en condiciones». Las palabras bastan.
Sigur Rós / Hoppípolla «Sonriente / girando en círculos / nos cogemos de la mano / el mundo luce borroso / pero tú estás aquí», canta Jónsi al principio de ‘Hoppípolla’, la canción más popular de la carrera de Sigur Rós por varios motivos. El más importante, naturalmente, es que se trata de una composición magistral y hermosísima donde melodías vocales y arreglos orquestales, especialmente los de la sección de cuerdas, confluyen apoteósicamente. Cuatro minutos y treinta y siete segundos de pura nostalgia que capturan con tremendo enfoque la inocencia de ser niño.
Moloko / The Time Is Now Horacio acuñó «carpe diem» y Moloko se apropiaron del concepto para escribir una de las grandes obras maestras de su repertorio, ‘The Time Is Now», que entre guitarras, cuerdas aterciopeladas y elegantes ritmos house edifica y eleva al oyente y lo invita a aprovechar el momento y, en definitiva, a exprimir la vida al máximo en una composición de reconfortante musicalidad y deliciosas melodías vocales. «Entrégate al momento / ahora es el momento / entrégate al momento / aprovechemos este instante». La (preciosa) voz de la razón.
Weezer / Island in the Sun El gran clásico de Weezer -con permiso de ‘Buddy Holly’- cuenta con uno de los riffs de guitarra más memorables ever y con una melodía irresistiblemente alegre y reconfortante. Acompañado además por un (segundo) videoclip con animalitos dirigido por Spike Jonze tan tierno que llega a emocionar, el tema celebra en su letra la tranquilidad de una vida sencilla y la felicidad de unas vacaciones calurosas donde lo único que importa es la preciada compañía de la gente que uno ama.
Marina and the Diamonds / Happy Como ‘Happy’ de Pharrell Williams es la elección segura de la lista de canciones felices oficial de la ONU, nosotros proponemos otro ‘Happy’ mucho mejor, el de Marina and the Diamonds. Ambos temas presentan diferencias substanciales en comparación; principalmente, que la de Pharrell se puede bailar alegremente y la de Marina es una balada a piano conmovedora que incita a la llorera. Temáticamente, sin embargo, ‘Happy’ es la esperanza hecha canción y un himno sublime sobre el hallazgo de la anhelada felicidad con uno mismo que acompaña a la madurez. «Finalmente he encontrado la manera de ser feliz», concluye Marina, emocionada. El mejor ‘Happy’ en años.
Cuando Pharrell Williams se aleja de sus cacharros habituales suele ofrecer cosas bastante interesantes. Ahora que le ha caído encima el peso de la ley por hacer lo mismo que lleva haciendo desde hace décadas, es un buen momento para alejarse un poco de su estilo.
Los afortunados en recibir los chorros de inspiración del productor son Lion Babe, el dúo de Nueva York que forman Jillian Hervey (hija de Vanessa L. Williams) y Lucas Goodman. El tema en el que se reúnen los tres es este ‘Wonder Woman’ que presentaba la influyente Annie Mac en su programa de radio con la etiqueta “the hottest record in the world”.
Lion Babe tienen en el mercado un EP homónimo desde el año pasado, un lanzamiento que abrían con un ‘Jump Hi’ en el que colaboraba Childish Gambino. Su sonido lo mismo nos recuerda a Erykah Badu -su estética también- que a las En Vogue más radicales, con puntos de electrónica que no deja de lado el R&B más clásico.
La relevancia que no han conseguido hasta ahora puede que la obtengan añadiendo el nombre del autor de ‘Happy’ a su ecuación. Por ahora, podríamos estar hablando de la respuesta americana a AlunaGeorge, así que tendremos que seguir los pasos de estos dos con bastante atención.
Ahora que su disco acaba de salir al mercado, es un momento perfecto para recordar que Madonna lleva siendo un “corazón rebelde” desde hace décadas. En 1992 se publicaba su libro más famoso, aquel que acompañaba a su disco ‘Erotica’, y que bautizaba con el austero y certero título ‘SEX’, una serie de fotografías obra del gran Steven Meisel.
Y ahora, 23 años después, salen a la luz 51 fotografías descartadas de aquellas sesiones. Una fantástica colección de instantáneas imprescindibles para entender una de las eras clave en la historia de la artista. La serie de imágenes, por supuesto altamente NSFW, se puede ver aquí.
Alborotador Gomasio estrenan un vídeo callejero para ‘Los excesos de los niños’, uno de los temas de su nuevo disco, el que le da nombre. Quique Santamaría es el realizador de esta suerte de actualización de ‘Historias del Kronen’ que incluye rollos variados, pedradas y diferentes escenarios urbanos propios de una película de Gus Van Sant (o el primer Almodóvar)
El grupo actúa este sábado 21 de marzo en Barcelona (La 2 de Nitsa), en la presentación del Festival BIS. Es gratis con la entrada del BIS de septiembre 2014, con la entrada anticipada del BIS de marzo 2015, con la tarjeta Plastic Club y con la tarjeta-abono del Primavera Sound 2014 hasta las 02:30h.
Sagrado Corazón de Jesús publicó uno de los mejores discos de 2014, ‘Ópera Omnia‘. Ahora el proyecto de Jesús Fernández edita un nuevo mini LP en nueva compañía, nada menos que Elefant. Aunque el lanzamiento forma parte de la colección New Adventures In Pop, ‘Locus Amœnus’ recogerá hasta 7 canciones.
La nota de prensa indica que ‘Etapa Imperial’ estará influida por los Pet Shop Boys entre ‘Introspective’ y ‘Behaviour’, mientras ‘Las Revistas Científicas Mienten’ incluirá “toques melancólicos de clavicordio y vientos sintetizados que dan alas a una canción redonda que habla de Lamarck y Darwin”.
La ya conocida ‘El Fin De La Era’ aparece en nueva versión, mientras que completan el lanzamiento ‘Manifiesto’ (se habla de Pachelbel, Wendy Carlos y MOMUS), ‘La Balada Del Último Neandertal’, ‘Novelty Rock’ (“con ecos de Denim y Gnarls Barkley”), y ‘Lugares Comunes’.
Genís Segarra se ha encargado de los mandos técnicos. El disco saldrá el 6 de abril con motivo del aniversario de las victorias de Massiel y Abba en Eurovisión y el fallecimiento de Stravinsky y «San Isaac Asimov».
Cualquiera que haya visto más de dos películas en su vida sabe más o menos por dónde van a ir los tiros en ‘Pride’. Si esas dos películas son ‘Tocando el viento’ (1996) y ‘Billy Elliot’ (2000) entonces se la sabe de memoria. El nuevo trabajo para el cine del dramaturgo Matthew Warchus (el anterior fue la olvidable ‘Círculo de engaños’) es más previsible que el funcionamiento de un semáforo. El conflicto dramático se ve venir de lejos, y su desarrollo, basado en los siempre eficaces choques culturales –rudos mineros galeses contra modernos gays londinenses-, está más visto que la canción de Edurne para Eurovisión.
A pesar de ello, ‘Pride’ funciona. Y bastante bien. La razones son varias. Primera: está basada en un suceso real tan insólito y poco conocido como jugoso desde un punto de vista dramático. En 1984, durante las durísimas huelgas mineras que estallaron en Gran Bretaña contra las políticas neoliberales de Margaret Thatcher, surgió un inesperado sentimiento de solidaridad entre huelguistas y activistas LGTB. Una unión que cristalizó en la Lesbians and Gays Support the Miners (LGSM). Las reivindicaciones de los mineros, como es sabido, no fueron atendidas. La huelga, después de un año (y tres muertos), acabó en fracaso. El apoyo del colectivo gay, sin embargo, no cayó en saco roto. Los derechos que reclamaban los activistas fueron más tarde incorporados al manifiesto del Partido Laborista y al acta del Congreso de Sindicatos.
Segundo: a pesar de ser una película de clara vocación popular, realizada para llegar a todos los públicos, no trata a éste como si fuera Cristiano Ronaldo. Es previsible y poco sutil, sí, pero no estúpida. A través de fórmulas cómicas y dramáticas tan manoseadas como eficaces, el director consigue deslizar un discurso en favor de la solidaridad obrera y la movilización ciudadana con más fuerza, capacidad para agitar conciencias y resonancias con el presente que el noventa por ciento del cine social que se hace actualmente. La letra, está claro, con risas entra.
Tercero: la combinación de actores jóvenes y poco conocidos con pesos pesados de la escena británica como Imelda Staunton, Dominic West, Paddy Considine o un conmovedor Bill Nighy, es otro de los “choques” que maneja la película con enorme solvencia. Los mayores cubren las deficiencias de los jóvenes y, como si fuera una metáfora de la propia película, unidos logran extraer de sus interpretaciones suficiente verdad y humanidad de una mina de estereotipos y clichés.
Cuarto: Frankie Goes To Hollywood, Culture Club, New Order, Pet Shop Boys, The Communards, The Smiths… ¿Una banda sonora ochentera facilona y tópica? Pues sí, como toda la película. Y orgullosa de serlo. 7.
Por si los seguidores de Edurne no tuvieran suficiente con ‘Amanecer‘, Disney España ha aprovechado el tirón de la representante española en Eurovisión para seleccionarla como la artista que ponga voz al tema principal de la nueva versión de ‘La Cenicienta’.
El tema que interpreta Edurne es una versión del clásico ‘Soñar’, ‘A Dream Is A Wish Your Heart Makes’ en su versión original. Curiosamente, una canción que hace unos años también interpretaba Ruth Lorenzo en una gala benéfica, en su versión en inglés.
Después de lo sucedido, estábamos esperando que la controvertida Natalia Kills por fin diera la cara y ofreciese una explicación, más o menos verosímil, sobre las razones que la llevaron a actuar de la manera que lo hizo en ‘Factor X’. Como recordaréis, tanto ella como Willy Moon humillaron a un concursante de la manera más peregrina: acusándole de copiarle a él. Fueron expulsados de inmediato.
A través de un pequeño mensaje en Twitter, la artista y su marido han posteado sendos textos en los que se libran de culpa para explicar que los responsables del programa fueron los que les animaron a actuar de esa manera.
Kills explica: “Hay mucho detrás de las cámaras de un reality y lo que veis no es siempre la historia completa. El programa me contrató para llevar mi pasión, expresión dramática y perspectiva. Me animaron a ser sincera y el asunto se me fue de las manos. Joe (el concursante), espero que puedas perdonarme y te deseo lo mejor. Sé natural, inconformista y sé tú mismo!”. Este es el texto que Natalia acompaña con un mensaje en el que también aclara que se siente liberada por poder “romper su silencio”.
Willy Moon básicamente repite el mensaje de su mujer, deseando lo mejor para el joven que unos días antes acribillaban en directo y también culpa a los responsables del programa de animarles a actuar así.
¿Servirán de algo las explicaciones y las disculpas? Ya veremos. Por lo pronto, un representante de Cherrytree Records, antiguo sello de Natalia Kills, ha declarado que los rumores que apuntaban a que, debido a este incidente, la cantante había sido despedida, son falsos. “Natalia y Cherrytree terminaron su relación hace meses” han sido sus palabras.
«Esta historia terminó, no existe / lo que un día construimos se ha esfumado», comienza diciendo una de las 12 canciones incluidas en ‘Hasta la raíz’, el nuevo disco de la mexicana Natalia Lafourcade, confirmando que 2015 está siendo por alguna razón que se nos escapa el año de los álbumes de ruptura, como certifican Björk, Tobias Jesso Jr o Natalie Prass, entre otros. Lafourcade nos contaba en su carta de Año Nuevo que al igual que algunas canciones de este álbum habían surgido durante su gira sobre Agustín Lara, en un hotel o en una furgoneta, «triste y sola en casa» o en compañía de amigos, muchas son la consecuencia de una relación que ha terminado que ha «marcado su corazón».
«Yo te llevo dentro, hasta la raíz / y por más que crezca, vas a estar aquí» es el primer estribillo que conocimos de este lanzamiento y sin duda el más certero. Una producción propia de Jorge Drexler, con quien Natalia ha colaborado (aunque este álbum está producido en verdad por Cachorro López y Leonel García), en tanto que conjuga sabiamente ese ritmo latino con unas estupendas cuerdas que terminan de avisarnos, sin gritos innecesarios, de que estamos ante uno de los grandes clásicos de la artista. Es el mismo regusto que dejan los vientos jazzies del casi bolero ‘Antes de huir’, la melancólica ‘Vámonos negrito’ remitiendo a Antonio Machín o las cuerdas tamaño Western de ‘Ya no te puedo querer’, que derivan hacia un estribillo más pop y casi propio de Shakira. Aunque por encima de la bossa ‘Para qué sufrir’, quizá el tema más atemporal sea esa balada más grande que la vida que parece haber escrito Manuel Alejandro y que hasta por el título podría ser una canción de Rocío Jurado, ‘Palomas blancas’.
«Tú me haces sentir bien, es un baile incontrolable / Es absurdo intentar comprender lo que siento, sólo sé que es honesto». Antes del desamor se conoce la calma y hay una serie de cortes que suenan optimistas y/o más pop recordando probablemente los tiempos felices de esa antigua relación. ‘Mi lugar favorito’, con un ligerísimo poso soul, es el primero que aparece, pero también se agradece ese ‘Te quiero ver’ entre vientos y efectos electrónicos y sobre todo ‘Nunca es suficiente’, que suena como un desenfadado homenaje muy deliberado a ‘Porque te vas’ de Jeanette.
«Estoy lista para emprender un nuevo viaje, sin saber a donde ir / me voy, me voy de aquí». Justo cuando ‘Hasta la raíz’ empieza a acusar una duración excesiva (52 minutos) que acentúa lo que tiene el disco de inofensivo, aparecen dos canciones necesarias que miran hacia el futuro. ‘Estoy lista’ y ‘No más llorar’ cierran con títulos que no pueden resultar más expresivos. Y lo que es más importante, convenciéndonos de que ya sea a través de guiños latinos, orquestales o puntualmente más modernos, ‘Hasta la raíz’ nos ofrece ese dinamismo que siempre terminamos echando de menos en los discos de Marlango.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Hasta la raíz’, ‘Palomas blancas’, ‘Nunca es suficiente’, ‘Ya no te puedo querer’ Te gustará si te gustan: Jorge Drexler, Labuat, Jeanette Escúchalo: Spotify
‘Amy’, el documental sobre la vida de Amy Winehouse, no se quedará en una curiosidad para televisión o festivales. Según informa la prensa británica llegará a las salas de cine al menos en Reino Unido. Su estreno está fechado en concreto el 3 de julio.
El documental contendrá «algunas pistas inéditas y material de archivo nunca visto». Intenta recoger su historia según sus propias palabras. Según David Joseph de Universal, será una película «complicada y tierna». Tratará temas como «la familia, los medios, la fama, la adicción y el fondo de lo que fue, una persona increíble y un verdadero talento». Lo han realizado los responsables de ‘Senna‘.
Of Monsters and Men intentarán igualar una décima parte del éxito de ‘Little Talks’ con un nuevo álbum que saldrá el 9 de junio bajo el nombre ‘Beneath the Skin’.
Serán 11 canciones (15 en la versión deluxe) que vienen presentadas por el single preparado para el “sing along” ‘Crystals’. A diferencia de lo que sucedía hace poco con Mumford & Sons, no hay gran cambio de tercio -continúa la búsqueda de la épica final- aunque al menos tampoco suena demasiado desesperado. ¿Lograrán igualar las grandes ventas de ‘My Head Is An Animal‘?
El lyric video lo protagoniza el actor y cómico islandés Siggi Sigurjóns.
Este será el tracklist del largo:
Crystals
Human
Hunger
Wolves Without Teeth
Empire
Slow Life
Organs
Black Water
Thousand Eyes
I Of The Storm
We sink
—
Backyard
Winter sound
Black Water (Chris Taylor of Grizzly Bear Remix)
I Of The Storm (Alex Somers Remix)
MNEK saca un EP llamado ‘Small Talk’ el próximo 20 de marzo. Otra de las canciones que componen el lanzamiento aparte de las que ya conocemos (‘The Rhythm’, ‘Every Little Word’, ‘Wrote A Song About You’ o ‘In Your Clouds’) es este ‘More than a Miracle’ que continúa anclado en los 90. Si no se da prisa con su disco largo, igual no queda nada de esta década por exprimir cuando se decida… ¿Resistiremos hasta entonces?
Jill Scott regresa a la actividad musical con la presentación del primer sencillo de su nuevo trabajo, el primero desde ‘The Light Of The Sun’ de 2011. El tema nuevo se llama ‘You Don’t Know’ y es una maravillosa balada soul clásica en la que la vocalista se luce vocalmente y demuestra por qué está a la altura de las grandes. Además, llega acompañada de un sencillo videoclip en el que interpreta el tema con su grupo en un estudio en Nashville. Simple pero igual de emocionante.
En su momento, allá por finales de los ochenta y principios de los noventa, Los Bichos fue uno de los grupos españoles de rock más aclamados por la crítica. La banda navarra, que tan solo cuenta con un par de trabajos en su discografía, ‘Color Hits’ (1989) y ‘In Bitter Pink‘ (1991), sin embargo, jamás disfrutó de éxito comercial y se separó tras el fracaso de su segundo trabajo.
Ahora, como informa hoy el Diario de Navarra, estos dos álbumes de culto serán remasterizados y reeditados por el sello Elkar. El primero, detalla el sello, traerá además los tres temas incluidos en el primer EP del grupo, ‘Anita Latigazo’.
Wavves, la estrella de rock garajero autora de ‘Afraid of Heights‘, y Cloud Nothings, la furiosa banda de Ohio que hace un par de temporadas editaba ‘Nowhere Else‘, han anunciado disco conjunto, ‘No Life for Me’, cuya portada es la que veis. El álbum ha sido producido por Sweet Valley (Wavves y su hermano) y lo editará Ghost Ramp, subsello propiedad del mismo Wavves. El anuncio ha escaseado en detalles, eso sí, pues no se han proporcionado ni tracklist ni fecha de lanzamiento, aunque, por lo menos, sabemos que el álbum ha contado con la colaboración de Rostam de Vampire Weekend.