Beck publica la semana que viene el Disco Recomendado ‘Morning Phase‘. Para promocionarlo, el artista ha concedido una serie de entrevistas y una de sus declaraciones a Billboard está siendo destacada por la prensa. Se trata de una en la que revela que le propusieron componer para ‘Mad Men‘ pero que lo rechazó porque no le pareció que fuera a ningún lado. «Mi instinto definitivamente se ha torcido. Podría darte muchos ejemplos. Rechacé repetidas peticiones para escribir el tema de una serie de una cadena por cable. «¿Es sobre ejecutivos publicitarios en los años 60? ¿Están haciendo un programa sobre eso? ¿En serio? ¡No creo!». Y luego resultó ser el mejor programa de todos los tiempos», bromea.
Beck rechazó componer una canción para ‘Mad Men’
Neneh Cherry / Blank Project
Aprovecha cada lanzamiento de cada artista que te interese como si fuera el último o como si no hubiera más músicos en el mundo. Nadie se habría creído que Neneh Cherry iba a tardar 18 años en sacar su siguiente álbum en solitario cuando en la tele ponían el vídeo de ‘Woman’ -desgraciadamente aún de actualidad a día de hoy- a todas horas. En aquel 1996 el trip-hop era algo muy gordo y el debut de la cantante, ‘Raw Like Sushi’ (1989), que arrasaba gracias al éxito de ‘Buffalo Stance’, se consideraba un precedente, pues incluso había contado con la participación de Robert Del Naja «3D» y Andrew Vowles «DJ Mushroom» dos años antes del seminal e influyente ‘Blue Lines’.
Toda esta dramatización tiene trampa, ya que Neneh Cherry ha seguido relativamente en activo. Con CirKus publicaba sendos discos en 2006 y 2009, ‘Laylow’ y ‘Medicine’; y con The Thing, ‘The Cherry Thing‘ en 2012. Álbum este último con una vocación jazzie que logra que este nuevo ‘Blank Project’ grabado junto a Four Tet en cinco días en una iglesia reconvertida en estudio, con sólo dos o tres tomas de las canciones -incluso sólo hay una de ‘422’ y ‘Everything’- no sea del todo inesperado. ¿Por qué si este largo ha sido grabado junto al prestigioso Kieran Hebden y Cherry no para de elogiar el trabajo de los músicos, Tom y Ben de RocketNumberNine, sí se considera un disco en solitario a diferencia de los anteriores? Por su vocación mucho más personal en letras y concepto, no hay más que atender al texto de la canción titular, donde resuenan frases como «déjame en paz, pero no me dejes sola» o «mi ego no me lo permitirá, perdono, me siento tan pequeña, te odio, te quiero, amo todo».
La improvisación y el método de grabación son clave en un disco que no puede sonar más vívido y orgánico en sus baterías, creando con poco grandes torrentes de energía. Menos es más es un tópico, pero en ‘Blank Project’ a menudo la instrumentación es tan parca y exquisita que cada ritmo se disfruta, urgente, como si efectivamente estuvieras viviendo el momento único de un concierto. A esa urgencia ha contribuido un Four Tet que iba mezclando cada pista a medida que se grababa (!). Y definitivamente podemos encontrar algún resquicio de principios de los años 90 en temas como ‘Naked’, ‘Spit Three Times’ o algún fraseo de la inicial y sobria como ella sola ‘Across the Water’, en verdad la última que se grabó para el disco cuando este ya se daba por terminado. Pero ‘Blank Project’ suena absolutamente como un trabajo de 2014, como algo casi completamente nuevo, con «beats» por los que Timbaland, o ahora también Beyoncé, mataría. De hecho, no es difícil imaginar a esta última versionar alguna de las canciones de este álbum porque a pesar de su desnudez, a menudo no pueden contener más «soul»…
En ese sentido juega un papel fundamental la hermosa voz de Neneh Cherry, evidentemente con un punto negro pero con algún resquicio de su pasado punk, como sucede en el sucísimo corte titular. El disco contiene, como decía, un inequívoco carácter improvisado que da incluso lugar a momentos imperfectos, a ritmos que suenan ligeramente fuera de tiempo. Sin embargo, muy rara vez se abandona su vocación popera. Tras la indispensable ‘Across the Water’, ‘Blank Project’ suena a pepinazo y ‘Naked’ no puede pegarse más gracias a su entregado estribillo. Hay un momento del tracklist que se resiente de cierta languidez y cierta repetición de ideas (‘Cynical’ no es su mejor canción), pero la secuencia no puede haber sido diseñada con más garbo y enseguida acuden al rescate el pizpireto en sus estrofas e intenso en sus estribillos tema junto a Robyn, a quien dice llevar observando desde los 15, el último single ‘Out of the Black‘; y el tema final, ‘Everything‘, siete minutos de locura contenida con una camisa de fuerza que cierra muy, muy arriba.
Con ambientes siniestros, lúgubres, pequeños toques de sintetizador luminosos, guitarras eléctricas o percusión tipo DFA, ‘Blank Project’ presenta a una Neneh Cherry que difícilmente podía haber vuelto en mejor forma, con más acierto. Como si Four Tet hubiera consolidado su carrera durante estos últimos 15 años sólo para esto.
Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘Blank Project’, ‘Everything’, ‘Naked’
Te gustará si te gusta: Matthew Herbert, Four Tet, LCD Soundsystem, la última Beyoncé. El Sónar.
Escúchalo: NPR
Illangelo y Rochelle Jordan regalan ‘What The Fuss’
El que fuera productor y precursor del sonido The Weeknd ha mantenido una carrera al margen de la de Abel Tesfaye. El año pasado se embarcaba en un proyecto imposible de un disco experimental y ahora ha presentado una canción junto a la vocalista Rochelle Jordan. El tema se titula ‘What The Fuss’, y suena como si Aaliyah no hubiese muerto en un accidente de avión hace más de una década y siguiese haciendo música en el 2014, o al menos eso nos gustaría pensar. Se desconoce cuál será el destino de este tema, pero se puede descargar gratuitamente desde Soundcloud.
Otro tema del grupo rapero de Sufjan Stevens
Aparte de guapo, sabemos que Sufjan Steven es hiperactivo. Hace unos meses ya hablamos de la publicación de un trabajo con ese grupo que ha montado junto al rapero Serengeti y al músico de hip hop Son Lux con el nombre Sisyphus. A pesar de que a finales del año pasado ya regalaron un tema titulado ‘Calm It Down’, recientemente han estrenado un “lyric video” para otro corte llamado ‘Alcohol’, que no es más que una sucesión de incontables imágenes de todo tipo, tantas y tan variadas que sería imposible enumerarlas todas. Eso sí, la letra aparece muy poco. El debut homónimo de Sisyphus sale a la venta el 18 de marzo.
Bombay Bicycle Club: «En Londres no hay mucho espacio para que fluya la creatividad»
Bombay Bicycle Club estarán este fin de semana en España presentando su nuevo álbum, ‘So Long, See You Tomorrow‘, que hace unos días lograba posicionarse en el primer puesto de los discos más vendidos en Reino Unido. Era la primera vez que el grupo lo lograba. Los conciertos tendrán lugar el 21 de febrero en la sala Bikini de Barcelona y el 22 de febrero en la sala But de Madrid. Al salir de una sesión de fotos, el guitarrista de la banda, Jamie MacColl, nos habla sobre el éxito del grupo, los diferentes viajes por el mundo de su líder Jack Steadman en busca de inspiración o la importancia de la voz femenina en su música.
¿Cómo ha ido la sesión?
Muy bien, era para la revista Q, del Reino Unido.
Estuve en Londres hace unos días y veía vuestro disco publicitado prácticamente por todas partes. ¿Cómo afronta un grupo como el vuestro la llegada de la popularidad?
No hay que demasiado que afrontar en realidad. En términos de popularidad, de salir en las revistas y eso, nadie se gira cuando nos ve por la calle, por ejemplo. Simplemente nuestra música le gusta a mucha gente, no veo eso como algo de lo que me tenga que proteger. La gente sale, asiste a nuestros conciertos… no hay mucho que afrontar, [la popularidad de Bombay Bicycle Club] tiene más que ver con disfrutar y pasar un buen rato.
Hace unos días ‘So Long, See You Tomorrow’ llegó al número 1 en vuestro país. ¿Quién os informó de la noticia y cuál fue vuestra reacción?
Nos lo dijo nuestro mánager. Estábamos tan relajados que la noticia fue un shock, ni siquiera pensábamos que fuese a ocurrir… Pero es increíble, la verdad, ¡no me lo puedo creer! En general es cierto que no hacemos música específicamente para momentos como este, sino porque disfrutamos haciéndola, pero no puedo negar que estoy en las nubes con esta noticia. No podría estar más contento.
Atendiendo al sonido de ‘So Long, See You Tomorrow’, ¿realmente consideráis ‘Flaws’ vuestro segundo disco como tal? Teniendo en cuenta que contenía versiones propias y ajenas y que era casi todo acústico… Os lo pregunto porque en su momento a los medios les confundió un poco ese cambio brusco de sonido; sin embargo el resto de vuestra discografía sigue un patrón bastante coherente.
Cuando hicimos ‘Flaws’ nunca fue con la intención de que aquel fuera nuestro segundo disco, pero cuando lo sacamos fue tan bien que de algún modo se convirtió en el segundo álbum oficial de Bombay Bicycle Club. Sin embargo, jamás lo ideamos como tal, simplemente teníamos un buen puñado de canciones acústicas y las quisimos reunir en un disco y lanzarlas, nunca pensamos que esos temas pudieran interesarle a alguien.
¿Qué canción fue el punto de partida para el sonido de este disco?
Cuando preparamos un nuevo álbum nunca establecemos una dirección o sonido concretos. A decir verdad, siempre que hablamos sobre el sonido que queremos explorar al final terminamos haciendo algo totalmente diferente. Todo depende de cómo vayan desarrollándose las canciones. Nuestro compositor principal, Jack [Steadman], es quien aporta todas las ideas. Obviamente intentamos que el álbum sea diferente a lo que hayamos hecho antes pero, en general, uno no puede forzar un sonido o una dirección, creo que eso da una imagen de cierta holgazanería que además se notaría mucho en el resultado final.
He leído que Steadman escribió parte del disco durante sus viajes a la India, Turquía y Holanda. También se dice que viajó a Tokio. ¿A dónde fue exactamente?
Fue a Bombay en India, y también a un pueblo en Holanda para estar con su familia. Creo que también viajó a Estambul en Turquía, y a Tokio, además de a un par de sitios en el Reino Unido. Pero no lo hizo por las influencias, esto de viajar lo hace a menudo; en verdad, cuando escuchas el disco, es evidente que la razón principal por la que fue a todos esos sitios fue para liberarse un poco de su ciudad natal, Londres, donde no hay mucho espacio para que fluya la creatividad y donde uno se vuelve algo vago a la hora de escribir… Por eso viajó a lugares donde jamás había estado, para reavivar la llama de la creatividad que uno necesita para escribir música o, en realidad, para desarrollar cualquier otra actividad artística.
¿Qué hacía el resto del grupo mientras Jack viajaba por todo el mundo?
Depende… Por ejemplo, yo viajé a la India con él y estuve un tiempo allí. También fui a Holanda. Y en Turquía, en realidad, tocamos en festivales. Luego cada uno se fue a su casa y, cuando nos pusimos a trabajar en el disco, nos enviábamos unas cuantas ideas y hablábamos sobre lo que estaba bien, lo que no, compartíamos sugerencias…
En un mundo donde millones de bandas matarían por trabajar con el productor de Deerhunter, Animal Collective o Washed Out -Ben H. Allen- vosotros decidís prescindir de él y producir el disco por vuestra cuenta. ¿En qué momento de la grabación de ‘See You’ os disteis cuenta de que el sonido del álbum no tiraba por donde queríais?
Al principio tuvimos algunas sesiones con Ben Allen, y también con David Kosten [NdE: productor de Bat for Lashes y Everything Everything], que fueron muy bien pero de repente nos dimos cuenta de que de alguna manera estábamos intentando repetir el sonido del disco anterior… Entonces, como se nos da muy mal explicarnos en el estudio, sencillamente decidimos encargarnos de la producción, lo cual hizo que el proceso creativo fuera más fácil y rápido.
Habéis sido acusados de grupo sin identidad. Sin embargo, en realidad vuestro eclecticismo os hace coherentes. Incluís en el disco sonoridades orientales (‘Overdone’), indias (‘Luna’), norteamericanas (‘Home By Now’), jamaicanas (‘Feel’); la electrónica en ‘Carry On’, por ejemplo, está más presente que en temas anteriores: ¿se puede decir que ‘So Long, See You Tomorrow’ es el disco más completo de Bombay Bicycle Club?
Yo diría que sí. Dejando de lado que sea un disco de Bombay Bicycle Club, realmente creo que es nuestro mejor disco en términos de composición y sonido, pues aunque hay un montón de sonidos increíblemente diferentes, todos ellos encajan muy bien dentro del álbum, que es lo que queríamos. También creo que es el disco más ‘Bombay Bicycle Club’ porque incluye todas las influencias con las que hemos trabajado en nuestros discos anteriores: hay momentos más ‘indie-rock’ como los del primer disco, otros más calmados como los de ‘Flaws’, y en general es una progresión de algunos momentos de ‘A Different Kind of Fix‘, con un sonido más electrónico y todos esos samples que encontrabas en canciones como ‘Shuffle’. Sin duda continúa por esa vía iniciada en el álbum previo.
‘So Long, See You Tomorrow’ es el disco de Bombay Bicycle Club que más ha tardado en salir. Los demás salieron un año después del anterior. ¿Tenéis más canciones guardadas de las sesiones de este álbum?
Sin lugar a dudas este ha sido el disco para el que más temas hemos escrito, porque esta vez queríamos de verdad que el álbum fuera totalmente consistente en cuanto a la calidad de las canciones. Estoy bastante convencido de que terminamos escogiendo algunas de las 10 mejores canciones que hicimos y cuando miro atrás pienso que algunos temas que metimos en discos anteriores yo no los hubiera metido… Tienes que estar seguro de que estás dando todo de ti y por eso quisimos garantizar que este fuera nuestro mejor disco. Por esa razón escribimos tantas canciones.
Este es el tercer lanzamiento en el que hace coros Lucy Rose, a quien vosotros mismos descubristeis. ¿Cuán esencial es para un grupo de cuatro chicos como vosotros incorporar voces femeninas en sus canciones y por qué, a vuestro parecer, es la voz de Rose tan especial?
No creo que sea algo tan esencial, las canciones seguirían existiendo si las desnudaras de todos los instrumentos. Lo que es esencial de estas voces es lo que añaden al sonido del grupo, porque además son dos voces muy diferentes [NdE: la segunda voz a la que se refiere Jamie McColl es Rae Morris]. La de Lucy Rose es una voz que complementa a la de Jack, y Rae [Morris] tiene esa gran voz pop tan novedosa en nuestra música y que es como un instrumento en sí mismo. Creo que sin ellas las canciones seguirían siendo buenas, pero que nuestro sonido las necesita.
En unos días estaréis en España tocando ‘So Long, See You Tomorrow’. ¿Tocaréis el disco entero? ¿Qué temas antiguos incluiréis en el repertorio?
Sin duda. Nuestros conciertos están enfocados principalmente en este disco, aunque seguiremos tocando temas antiguos. El setlist lo vamos cambiando de vez en cuando. Solemos tocar las canciones que sabemos que el público quiere oír y a veces añadimos un par que no se espera.
La vida nocturna de Chase & Status
El dúo que forman Saul Milton y Will Kennard, Chase & Status, lanza el que es ya el cuarto sencillo extraído de su último disco, ‘Brand New Machine’. La canción escogida es ‘Blk & Blu’, que cuenta con la colaboración vocal de Ed Thomas y en la que se apuntan al revival del 2 step con una canción bastante alejada de su tendencia drum & bass habitual. El clip muestra a unos jóvenes jugando al billar en un pub, fumando petas y dándolo todo en un club. Os recordamos que el dúo es una de las confirmaciones del FIB de este año.
Lana del Rey trabaja con Dan de Black Keys
Lana del Rey ha utilizado Twitter para hacer una actualización sobre su próximo disco, ‘Ultraviolence’, a la venta el 1 de mayo. En ella se ha dejado ver con Dan Auerbach de Black Keys, revelando que con él, «presenta» al público el disco. La colaboración es clara aunque se desconoce de qué manera se ha producido junto al co-autor de ‘El camino‘.
En no pocos medios se está recordando una entrevista de MTV con Black Keys en la que hablan mal de Lana del Rey cuando les preguntan. «Hemos visto lo de Lana del Rey desde el principio. De repente surge alguien nuevo encabezando festivales y pensamos: «Oye, ¿cómo lo han conseguido? Nosotros llevamos dos, tres, cuatro, cinco años y todavía estamos creciendo. Pero tan pronto como vienen, se van. Tan pronto como llegan a lo más alto, desaparecen».
Me and Dan Auerbach are excited to present you Ultraviolence pic.twitter.com/aRAZYscwYd
— Lana Del Rey (@LanaDelRey) February 20, 2014
La realidad virtual de Duke Dumont
Aún sin fecha de salida para su disco de debut, Duke Dumont sigue allanado el camino con la publicación del tercer sencillo oficial. Se trata de ‘I Got U’, una canción que pudimos escuchar a principios de este año y para la que ahora hay un videoclip. La canción, que samplea el ‘My Love Is Your Love’ de Whitney Houston, cuenta con la voz de Jax Jones y un clip que juega con la realidad virtual.
Katy B y Ellie Goulding, también al FIB
El FIB se ha animado a dar dos confirmaciones más. Se trata de dos platos bastante apetecibles e identificativos de lo que ha sido el festival durante los últimos años: dos artistas platino en Reino Unido de plena actualidad. Por un lado Ellie Goulding, sobre la que casualmente preparábamos un editorial sobre «la cumbre de su carrera» tras su triunfo anoche en los Brits, y por otro Katy B, que acaba de ser top 1 en UK con su nuevo álbum, ‘Little Red‘.
Estas dos artistas se suman a otros nombres como M.I.A., Manic Street Preachers, Kasabian y Tame Impala, anunciados esta mañana.
Real Estate, del lyric video al tab video
Real Estate, que recibieran comparaciones bastante jevis con R.E.M. por la edición de ‘Days‘, están de vuelta con un disco llamado ‘Atlas‘ que se edita dentro de un par de semanas y del que ya conocimos el single ‘Talking Backwards‘. Dentro de ese disco está incluido este estupendo ‘Crime’. Su vídeo no es un «lyric video» sino lo que podríamos llamar un «tab video», en el que se nos dan instrucciones de qué acordes tocar con una guitarra o qué punteos hacer con la otra.
Sharon van Etten anuncia ‘Are We There’
En mayo tendremos nuevo disco de la cantautora Sharon Van Etten. Eso es lo que podemos extraer del tráiler que se acaba de hacer público y que nos devolverá a la autora de ‘Tramp‘. Recibe el nombre de ‘Are We There’ y ha sido co-producido por Stewart Lerman (Antony, Elvis Costello, Regina Spektor) y ella misma.
El paseo de Kaiser Chiefs
Kaiser Chiefs están jugando al despiste con la promoción de su nuevo disco. Nos han presentado ‘Misery Company’ y ‘Bows & Arrows’, pero parece que ninguna de las dos será el primer sencillo de ‘Education, Education, Education and War’. Ahora han estrenado otro tema, ‘Coming Home’, acompañado de videoclip, por lo que suponemos que han decidido apostar por esta canción como estandarte de la promoción de su nuevo trabajo. Se trata de una canción en la que no explotan su arsenal rockero y que tiene un clip en el que Ricky Wilson, vocalista del grupo, pasea por un camino encontrándose con todo tipo de personajes y situaciones. Como ya hizo Jarabe de Palo, pero sin croma.
Adam Levine se pone «heavy» para PJ Morton
PJ Morton, teclista de Maroon 5, publicó el año pasado el más que interesante ‘New Orleans’, del que escuchamos atentamente su “dueto” junto a Stevie Wonder. Pero Morton ha decidido ir sobre seguro y ha elegido como siguiente sencillo la canción en la que colabora su amigo Adam Levine. El tema se llama ‘Heavy’ y el clip que acompaña es una cosa sencilla con planos de Levine como reclamo, aunque ciertamente al tema no le haga falta.
‘Her’: ¿sueñan los humanos con amores eléctricos?
A principios de los ochenta se estrenaron dos películas que, con el tiempo, han alcanzado la categoría de culto subterráneo: una de devoción geek, ‘Sueños eléctricos’ (1984), y otra de adoración freak, ‘Un genio con dos cerebros’ (1983). En la primera, una comedia romántica a ritmo de Giorgio Moroder sobre un triángulo amoroso formado por un hombre, su vecina y un Commodore 64, ya se especulaba sobre el concepto de inteligencia artificial en el ámbito doméstico y contemporáneo. En la segunda, donde Steve Martin se enamora de un cerebro de mujer guardado en un frasco de formol, ya se reflexionaba sobre la (im)posibilidad del amor incorpóreo.
‘Her’ se podría leer como una destilación indie de esas dos comedias, como una fábula (retro)futurista (pero realista) sobre la soledad y el amor en tiempos del iPhone. ¿Dónde estaría temporalmente situada la película? ¿Dentro de diez años, de veinte? Un futuro muy presente donde los hombres llevan bigote y pantalones de cintura alta como en los años veinte, y su relación con la tecnología es cada vez más íntima y sentimental.
Spike Jonze, como ya hiciera en la fantástica ‘Donde viven los monstruos’ (2009), aplica una mirada melancólica, bañada por las luces del atardecer y mecida por los acordes de la fabulosa banda sonora de Arcade Fire, a un mundo que, por muy moderno, atractivo y confortable que parezca, sigue siendo el mismo de siempre. ‘Her’ no es una distopía moralista sobre la tecnología como generadora de alienaciones e insatisfacciones emocionales, sino una reflexión sobre cómo nos relacionamos sentimentalmente con el mundo que nos rodea, incluida la tecnología.
¿Puede un sistema operativo estar más “vivo” que una persona? ¿Te puedes enamorar de la “vitalidad” de una máquina, contagiarte de ella? Jonze maneja dramáticamente estas cuestiones para construir una singular historia de amor, un romance sin contraplano que no sería creíble de no ser por el extraordinario trabajo de sus protagonistas. Resulta curioso que haya sido el guión lo más nominado y premiado de esta película, y no sus intérpretes. Puestos a buscar defectos en ‘Her’ los encontramos precisamente en el guión, con algunas secuencias, como la de la primera relación sexual, no muy bien resueltas.
Por el contrario, las mayores virtudes están claras: Joaquin Phoenix y Scarlett Johansson. El primero lleva todo el peso dramático de la película como quien lleva el móvil en el bolsillo: con una naturalidad pasmosa. Y la segunda consigue que solo con su voz, con lo que dice y cómo lo dice, nos creamos que el protagonista se puede enamorar de una máquina. Una oportunidad perdida (en el festival de Roma sí la aprovecharon) para dar un Oscar a una interpretación puramente verbal. Por cierto, hablando de voces: si ves ‘Her’ doblada… ¿has visto ‘Her’? 8,5.
Sean Nicholas Savage anuncia disco, ‘Bermuda Waterfall’
Sean Nicholas Savage no puede parar de crear. Si aún no has terminado de digerir toda su discografía o su último álbum, apresúrate, porque ya tiene preparado su próximo largo. Se llama ‘Bermuda Waterfall’, sale el 13 de mayo y ya puede escucharse su nuevo single, ‘Naturally’. La nota de prensa habla de «pianos cinemáticos en ‘Darkness’ y ‘The Rat'» y de guitarras españolas en ‘Heartless’ y ‘Hands Dance’ como muestra de su evolución. Según el texto del artista el título del largo hace alusión a la «acción invisible, a la fertilización inconsciente, al continuo superplan subconsciente». En este disco se ha inspirado en la decepcionante comunicación que ha tenido con sus seres queridos en el último año, lleno de viajes.
Últimas horas para apuntarse a Converse Make Noise
Que la convocatoria de Converse Make Noise es una de las mayores cunas de talentos interesantes de nuestro país es algo que, si ya estaba claro, desde ayer todavía más. Si el año pasado Trajano lograban llegar a nuestra lista de nuevas esperanzas nacionales, gente como Brigitte Laverne, Sau Poler o John Gray, que han podido grabar temas gracias a esta convocatoria, aparecen en nuestra lista de revelaciones para 2014/2015. Otros, como Panty Pantera, han estado a punto también de llegar a ella.
El último llamamiento a nuevas bandas lleva en marcha unos días y culmina mañana 21 de febrero a las 12.00 de la mañana. Hasta entonces, si tienes un grupo o un proyecto en solitario puedes seguir apuntándote a través de este enlace.
El próximo martes 25 de febrero se darán a conocer las bandas ganadoras del concurso. Las seis bandas escogidas tendrán acceso a locales de ensayo totalmente equipados durante dos meses y se enfrentarán, el 26 de abril, a la prueba de fuego en el Make Noise Malasaña.
Os dejamos con un vídeo de Trajano hablando de su experiencia en esta convocatoria.
Vetusta Morla, Zombie Kids y Neuman, en Alhambra Sound
El 20 de septiembre, Vetusta Morla, The Zombie Kids y Neuman estarán en el Alhambra Sound 2014 de la Feria de Muestras de Armilla (Granada). Son los primeros nombres que la organización del festival acaba de confirmar para la tercera edición a través de las redes sociales. Las entradas para el festival pueden adquirirse en la web oficial por 17 euros (hasta el 7 de marzo o fin de existencias). La entrada VIP son 30 euros.
Triángulo, Crepus y Dorian, entre los nominados a los mexicanos IMA
Los mexicanos premios IMA, asociados con los españoles UFI, cuentan con una categoría al mejor artista español. Los nominados son Triángulo de Amor Bizarro, Joe Crepúsculo, Guadalupe Plata, Oso Leone y Dorian. La ceremonia de entrega será el 1 de abril.
Los nominados locales a banda del año son La Banda Bastön, Quiero Club, URSS bajo el árbol, Little Jesus y Sonido Gallo Negro.
M.I.A., Manic Street Preachers y Tame Impala, al FIB
Como se anunció ayer, al fin han llegado las primeras confirmaciones del Festival de Benicàssim, que se celebra entre los días 17 y 20 de julio en la localidad castellonense.
La primera ha llegado de mano de Facebook, Telegram, y la segunda ha sido confirmada cuando han sonado los primeros segundos de ‘Paper Planes’ en Siglo 21 de Radio 3. Efectivamente M.I.A. presentará ‘Matangi‘, uno de los mejores discos de 2013, en el Festival de Benicàssim.
También se ha confirmado a Tame Impala, Kasabian (cabeza de cartel), Sub Focus, Chase & Status, Tinie Tempah, James, Charlatans, Klaxons, of Montreal, The Presidents of the USA, The Courteeners, Kodaline, The 1975 o Jake Bugg.
Finalmente, también estarán en el FIB Manic Street Preachers, confirmando la inspiración noventera de muchos de los nombres anunciados, en celebración del 20º aniversario del festival. Los Manics, como James, encabezaron el cartel de 2001.
Los abonos en oferta están agotados y mañana viernes volverán a ponerse en venta los siguientes, a 149 euros.
Pablo und Destruktion / Sangrín
En los últimos tiempos se ha hablado bastante de la relación entre política y los grupos asturianos. En el libro sobre ‘Cajas de música difíciles de parar’ de Nacho Vegas se ahondaba en ella cuestionando la despolitización del indie a pesar de que (o quizá debido a que) sólo un par de las canciones de aquel disco trataban temas sociales. Incluso un grupo del «Xixon Sound» al que se presume despolitizado como Pauline en la playa hablaba de ello sin tapujos durante nuestra última entrevista: «El movimiento (musical) es una contestación al sistema. No hace falta que expreses en letras, camisetas o chapas tu ideología para tener una postura política frente a la vida. Si tienes un grupo que va por derroteros que no son los que marca el sistema, que lo retan… ¿Eso no es una postura política? La independencia es una contestación. Lo que extraña es la necesidad de que haya que servir un contenido político. La gente que tenía grupos iba a manifestaciones. No tienes que llevar tus ideas políticas al escenario aunque en el escenario no estés sin ellas», decía Alicia Álvarez. Algunos verán, igualmente, un carácter más político que hedonista en canciones como ‘Soldados del futuro’, contenida en ‘Salsa de cuervo‘ de Fasenuova («son voces de guerra y allí quiero estar yo»).
De todo esto ya es difícil hablar sin pensar en Pablo und Destruktion, el proyecto en solitario de Pablo García Díaz (siendo retorcido, diría que los apellidos son inventados), que este año presenta su segundo trabajo sin dejar de reflexionar sobre ello desde una comunidad en la que los movimientos sociales han sido tan importantes. El single ‘Limónov, desde Asturias al infierno‘ que conocíamos en los primeros días del año, era una llamada a este escritor y político hablando de la «momia de Lenin», de la cruz de la vida moderna o de los bolcheviques, todo ello bien surtido, claro que sí, de coros obreros. De manera igual de explícita, otra de las canciones de este ‘Sangrín’ habla de España, pero no para criticar su concepto sino para declararle su particular amor en plena decadencia: «sabes que fea y calva es como te quiero (…) ahora que nadie te quiere yo a ti me entrego». Tema que no parece irónico según una entrevista concedida a un conocido medio local, llamado casualmente La Nueva España, en la que indicaba lo siguiente: «Estoy harto de los equilibrios ideológicos que se hacen diariamente para negar una nación que como Estado existe. España es una manera de definir el grupo de personas que se va a encargar de hacer que las cosas cambien. Lorca, Buñuel, Blas de Otero. Nadie negaba entonces la existencia de España, para hacerla mejor, el «me duele España». Es un nacionalismo entendido como una manera de acotar el lugar por dónde empezar. Porque sin una conciencia de clase y de nación no se pueden empezar a plantear otras cuestiones, como la conciencia de género o el ecologismo, que deberían estar subordinadas a lo primero, no en primer plano». En otra entrevista con Hipersónica profundiza en esta canción, llamada ‘Pierde los dientes España’, indicando que surgió en torno a una reflexión sobre las diferencias entre la cultura protestante y la cultura católica en Europa, situándolo como un tema central en todo el disco.
Muy interesante. Pero ‘Sangrín’ puede escucharse y disfrutarse desconociendo o ignorando todo esto. Porque por encima de su carga política, no tan espesa como pudiera parecer, está el talento del músico a varios niveles. En el lírico tan sonoras como sus llamamientos a las masas son sus frases cortantes propias de una crisis de identidad a través de las que parece buscarse a sí mismo. «Como un niño me agarré fuerte a tu jersey», dice creando una imagen sencilla pero impactante nada más abrir el disco. «Voy a afeitar mi cuerpo hasta desaparecer», dice en ‘Powder’, un tema que podría haber pertenecido a Rafael Berrio. Su referencia cinematográfica con subtítulo en castellano «powder, pura energía» es hilarante, pero la música duele de veras. Lo que nos lleva al segundo plano. Si su voz indigna, amenaza y podría movilizarte cuando en ‘Por cada rayo que cae’ grita: «somos nosotros quienes sufren en su carne el paro cuando no hay empleo, ¡¡y no lo hay!!», también es capaz de temblar como la de un cantautor desamparado en el tema inmediatamente anterior, ‘Pecho para enfriar balas’.
Y sobre todo Pablo destaca por la buena disposición de arreglos en sus canciones. Puede ser una base electrónica lo que nos introduzca en el disco a través de ‘Aire puro’ y ‘Pierde los dientes España’, pero son sus feroces cuerdas o los bonitos coros (de su novia, la alemana asentada en Asturias Fee Reega) los que acercan sus canciones a las de Nick Cave & The Bad Seeds por su habilidad para combinar con maestría el susurro y el desenfreno, la tensión, la rabia, el dolor. Y lo hacen para enriquecer unas composiciones que ya tenían miga de por sí. Basta echar un ojo al «canción por canción» publicado en Mondo Sonoro. De esto va la impresionante ‘Mamina qué pena’ aunque a ti te parezca una canción escrita en plena depresión: «El año pasado viajé a tocar a una cueva del Sacromonte en Granada. Vinieron cuatro personas y la entrada costaba 3 euros, de los cuales me correspondían la mitad. Empleé mi recaudación en tomar un café al día siguiente y estuve hablando con un marroquí convencido de que iba a haber una guerra en España. Cuando volví a Asturias me acordé mucho de él y de su facilidad de palabra».
Son muchos los nombres que pueden venir a la mente escuchando estas canciones: aparte de los Bad Seeds, Sonic Youth, el equipo de músicos de Christina Rosenvinge, Los Planetas, Tarántula o los nudozurdo más acústicos que últimamente jugaban con las cuerdas. Pero Pablo und Destruktion no se caracteriza por absorber influencias, sino por sí mismo. Escribiendo una columna para La Nueva España, concediendo entrevistas de dos horas y media, como amante de los gif’s animados, inventando términos como «asturpsicodelia», reflexionando sobre la importancia del videoclip y de su deseo de hacer más para este ‘Sangrín’ -parece una tontería pero no lo es entre el underground patrio-, rebelándose contra el rock’n roll y el sexo sin amor, revelándose como un pensador pero declarándose fan de los discos cortos, hablando de la sociedad sin resultar obvio y sobre todo a través de un considerable repertorio de buenas canciones, mucho más sólido y atractivo que en su debut, está claro que estamos ante uno de los talentos más particulares de nuestra sociedad. Igual es porque ha estudiado Veterinaria.
Pablo und Destruktion presentan este sábado 22 de febrero este disco en Oviedo. También tocan Pauline en la Playa y colaborarán Nacho Vegas, Fee Reega y Alberto Acinas.
Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Limónov, desde Asturias al infierno’, ‘Powder’, ‘El aire puro’, ‘Mamina qué pena’
Te gustará si te gusta: Rafael Berrio, Tarántula, Nacho Vegas, Ornamento y delito, los Bad Seeds
Escúchalo: Bandcamp
Marcel Cranc estrena vídeo para ‘Episodios’
Marcel Cranc, el proyecto del compositor mallorquín Miquel Vicensastre, ha seguido el camino inverso de muchos artistas, que tras el éxito de Antònia Font y Manel, se han afianzado en el uso del mallorquín o el catalán en sus canciones. El artista, después de cuatro discos en esta lengua en los que alternaba la canción de autor con el pop de cámara y la electrónica (recomendables ‘Darrerament‘ y ‘Ciencia ficcio‘, por ejemplo), publicaba a finales del año pasado su primer disco en castellano, ‘Despertar’.
Este álbum reciente se abría con un tema llamado ‘Episodios’ cuyo vídeo estrenamos hoy. Dirigido por Ramón Balagué de Minifilms, retrata una bonita performance de Maura Morales en un bosque otoñal, con la producción de Musicbus. La canción contenía un punto optimista en contraposición con las apariencias («Somos aire que se expande, es ahora y siempre, somos héroes», dice su estribillo).
Marcel Cranc presenta su disco el 3 de abril en la sala Thundercat de Madrid y el 4 de abril en la Sala Bikini de Barcelona junto a Inspira y Caïm Riba.
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‘Radioactive’ de Imagine Dragons, canción más longeva del Billboard
Imagine Dragons acaban de batir un récord de la historia del Billboard Hot 100 estadounidense. Esta es la 77ª semana que su tema ‘Radioactive’, en el que recientemente colaboraba Kendrick Lamar, está en la famosa tabla. Ocupa el puesto 26, por lo que aún puede quedarle un largo camino por recorrer. El caso es que con esta, supera a la que hasta ahora era la canción más longeva de la historia de Billboard, ‘I’m Yours’ de Jason Mraz.
Antes de hablar de la canción más exitosa de la historia o del mayor sleeper de la historia, hay que recordar que Billboard Hot 100 cambia de normas para adaptarse a los tiempos regularmente. Actualmente, al tenerse en cuenta el streaming (Spotify, Youtube), la lista suele presentar muchos menos movimientos bruscos que antaño. En cualquier caso el grupo lo celebra. «Hay pocas cosas más satisfactorias que un artista tenga longevidad. Pero nunca habríamos esperado que una de nuestras canciones tuviera tantas vidas como esta. La gente conecta con ella de un modo muy personal, que es lo que esperábamos». El tema nunca llegó a ser top 1, se quedó en el top 3, pero ha vendido 6 millones de copias, muchas más que muchos tops 1.
El tema ha sido recientemente top 22 en España.
Los Amantes cantan a esta «mierda de vida»
Ya os hablamos de Los Amantes, el proyecto paralelo de Patricia Escoín de Lula y Los Romeos hace un par de años, cuando conocíamos sus primeras canciones para el debut ‘Todo lo que hacemos es secreto’. Ahora tienen listo su siguiente paso, el disco ‘Traiciones’, del que se han presentado dos llamativas canciones: ‘Cien años’, sobre esta «vida de mierda», y ‘Tras los cuerpos’, con mención a Las Vegas y a Alaska. Al menos la primera con el gancho de los mejores Lula.
Los Amantes tocarán en Madrid el 7 de marzo y su sello, Lucinda Records, también organiza un concierto de Carolina Otero, Polonio y Bolonia este viernes 21 de febrero en Madrid.
No hay disco de Outkast en camino
Outkast se han reunido este año para dar una serie de conciertos, entre ellos el de Coachella, pero Big Boi ha sido muy claro sobre los rumores de que preparan nuevo disco. La mitad del dúo ha negado que nueva música forme parte de su reunión. «No, no, no. Sólo estamos haciendo una gira, para los fans. Eso es todo, sólo la gira. Es el 20º aniversario de Outkast, sólo es una forma de celebrarlo con nuestros fans, pero no estamos trabajando en un disco, no».
Como veis, el vídeo en el que su mánager decía que sí habría nuevo álbum, ha sido eliminado. ¿Continuará el mareo a lo Blur?
Sí se espera que tanto Big Boi y Andre 3000 sigan con sus carreras respectivas en solitario.