Hacía mucho que La Terremoto de Alcorcón no versionaba algún tema de éxito. El motivo de su regreso es el ‘Work Bitch’ de Britney Spears, reconvertido en ‘¡Muévelo Perra!’ con la complicidad de Mr. K! La base original de la canción adquiere una nueva vida con frases como “¿quieres un Seat Panda?’ o “¿quieres jamón Bellota?”. Puede que estemos a finales de diciembre, pero apostamos que esto sonará, y mucho, en las próximas fiestas del Orgullo de toda España.
La Terremoto canta ‘¡Muévelo Perra!’
Jonas Brothers regalan las canciones de su disco inédito
Los Jonas Brothers se han separado (o casi) dejando a millones (o cientos) de fans en el mundo huérfanos de nueva música del trío de hermanos. La situación fue mucho más grave porque el grupo se encontraba trabajando en el que sería su siguiente disco, que fue cancelado. Pero los chavales, como son tan buena gente, han decidido regalar a sus seguidores las canciones que ya tenían terminadas para ese disco fallido. A través de su página web, y solo disponible para subscriptores, el grupo ha dispuesto un disco titulado ‘LiVe’ en el que aparte de esas nuevas canciones incluyen otras en directo. ‘Found’, ‘The World’, ‘Weddding Bells’, ‘What Do I Mean’ y ‘Neon’ son los títulos de los temas a los que tienen acceso los miembros de su club de fans. Esta es una de esas canciones.
Le Parody: «Igual no soy carne de sello»
Para celebrar que hace un año de la publicación del Disco Recomendado ‘Cásala‘, Le Parody ofrece hoy 28 de noviembre un concierto en Madrid de «fin de gira» en Copérnico. Hablamos con Sole sobre sus planes futuros, sobre este año en que ha ofrecido 30 conciertos, sobre la «parálisis» de la industria, la gente que no calla en los conciertos, feminismo y toda la música desde Laura Pausini a Raúl Querido, pasando por la referenciada Juana Molina. Una conversación en la que caben casi tantas curiosidades como samples en sus canciones.
El concierto de hoy lo planteas como fin de gira por el aniversario de ‘Cásala’. ¿Qué vendrá después?
Lo que viene son ganas de parar. Ha sido un año ajetreado con conciertos y mil cosas. Todavía no sé, lo que quiero hacer es pararme a pensarlo. Tengo muchas ideas: meter más samplers, menos ukelele… Efectos de voz. Estoy obsesionada con música Bollywood y de Marruecos. Voy a hacer un experimento, el clásico de encerrarte a componer, un rollo como… ¿cómo se llama este?
¿Bon Iver?
Sí, pero entre olivares, otro rollo (risas). En Andalucía. Yo nunca he compuesto así. Ahora voy a probar qué sale si te encierras un mes y haces sólo eso. En el primer EP probaba con retales que tenía… Para mí tenía coherencia, pero fue hecho poco a poco. Del disco pasado la primera mitad la hice sin haber tocado, la siguiente fue durante los conciertos. Lo que funcionaba lo guardaba, iba tanteando… y luego le di coherencia a todo y saqué el disco. Ahora me meto a samplear de verdad, a escuchar música, como cuando ves una peli, mirando una pared y sacando los sonidos que gustan, trocitos que llaman la atención… Con todo ello quiero hacer un collage. Está un poco en el aire, no sé si me aburriré y haré lo que hacía antes: un ritmo y trabajar encima. Pero la idea es otra.
En tu primer disco había samples cinematográficos, pero la melodía de la canción iba aparte. Ahora será distinto, por lo que dices…
La forma de hacerlo es distinta, pero el resultado no sé si será parecido. Me gusta lo melódico y eso probablemente esté siempre ahí. Quiero probar otras cosas porque no tengo compromiso con ningún sello para mantener un estilo o para hacer un disco en «x» tiempo.
Al final cambiarás de idea y tu disco no sonará nada a Bollywood y Marruecos (NdE: como suele pasar cuando entrevistamos a alguien antes de entrar al estudio), pero desarróllame la idea…
Todo esto empieza por el flamenco, que me gusta mucho y este año he estudiado cante, aunque no creo que llegue a… Bueno, igual hoy hago un experimento en público… Estuve en Marruecos porque tenía un amigo allí y me gusta mucho ese tipo de folclore, y si sigues para atrás llegas al rollo zíngaro, gitano… y a la India. Y cuanto más hortera, más me gusta. Me gustaba el rollo mujer orquesta, pero también me gustaría estar más libre en el escenario. El primer disco lo hice en mi cuarto, más encima de los instrumentos, pero sobre el escenario me gustaría por ejemplo poder agarrar el micro. Por eso empecé a pensar en algo más práctico y usar el sampler para lo que es, para samplear. Mi idea cumbre sería coger melodías que estén hechas, reciclar trocitos de otros discos, y hacer un collage. Me gustaría hacer un disco reciclando melodías de otros discos, pero con mi voz por encima.
Los samples de pelis usados en el disco pasado son algo muy distinto, claro…
Claro, el disco pasado lo empecé al revés, pensando en el tema del que iba a hablar. Cada vez que veía una peli o un anuncio con una frase que me llamaba la atención, la cogía. Estaba siempre alerta. Y el sampleo de ahora sería más de melodía.
El sample de cine le ha dado bastante personalidad a tu proyecto. Como elemento identificativo está descartado, por lo que veo…
Sí, ahora igual ya no lo voy a echar de menos…
¿Cómo puede ser que no tengas sello?
Tengo varias teorías. Una es por mi forma de ser, que igual espanta un poco, por cómo muevo todo. Igual no soy carne de sello. Y la otra es que creo que esto se está yendo a la mierda. Creo que todo está bastante parado. No estoy muy dentro de la industria, entonces no sé bien… Pero de dos años a esta parte veo que hay cierta parálisis, no ha salido nadie nuevo que lo haya petado y no porque no se hagan cosas que molen sino porque ya hay un cierto número de grupos que molan y ya no caben más.
Es raro porque en cuanto a indie, los sellos sacan a artistas menos vendibles; y en cuanto a majors, aunque no te parezcas nada a Marlango, quizá sí podrías encajar entre su público por el rollo cinematográfico, melódico… ¿A ti te parece que haces música indie?
No, al final no… Nunca busqué que lo fuera. Sí venía de ahí, he tocado en grupos indies y conozco el rollito. Yo me puse a hacer esto pensando que era más normal y la gente me decía «no me suena a nada». Frank, el trompetista, con él me he metido en el funky, músicas del mundo… No creo que mi música lleve eso, pero se te pega un poco. Lo indie, la parte que yo conozco, es como muy pose… No lo digo como algo negativo. La gente que conozco del rollo malasañero es como para divertirse, pero luego tienen sus trabajos y sus hobbies… y está guay, pero para mí es algo más: esto es lo que hago en mi vida. Y aparte a veces necesito currar para tener pasta porque no me da, pero lo central es esto.
Igual no se te ve tan indie porque vas sin guitarra eléctrica…
De hecho es que de indie se me escapa la definición, pero sí vengo y sigo en el underground. El underground sí mola, lo indie no sé, pero el underground es la hostia: la gente te cuida, haces una piña de gente que se lo pasa bien y te apoya de muchas formas.
¿A qué grupos te sientes próxima?
Narcoléptica, Roldán, Raúl Querido, que todo lo que hace me supera… Gente que se mueve mucho y hace combinaciones con gente de otros grupos. O Sef, que siempre toco con él. Se hace familia musical, eso en Madrid mola mucho. Trasciende lo indie, es muy underground… Si no te enteras…
Bueno, lo que hace Raúl Querido me parece que siempre será underground, pero lo tuyo lo veo mucho más pop, ¿te parece un insulto hacer música pop?
Al principio sí… porque pensaba pop… (silencio)
¿De dónde vienes? ¿Qué escuchabas de adolescente?
Bueno, vengo de sitios oscuros (risas), pero en plan cutre, no gothic. No tenía referencias, era lo que me fuera cayendo, mi padre escuchaba de Silvio Rodríguez a Marta Sánchez. Luego me gustaba lo mismo Laura Pausini que Pennywise, mis primeros conciertos eran de punk.
¿Entonces por qué te repele el pop?
De pronto pop me suena como Camera Obsura, que es bonito, pero no sé, estrofa, estribillo, estrofa, estribillo, voz lánguida… para un rato está bien pero yo no me veo así. Pero entiendo que lo que hago no es folclore y que las canciones son melódicas. Con el paso del tiempo y las reseñas he aceptado que es pop. Ahora el pop está también un poco loco así que…
He visto en Facebook que fuiste a Solletico y que estabas indignada porque la gente no callaba. Había una ilustración chula, ¿de quién era?
Sí, es mía, hago viñetitas. Es que me escama, no puedo con eso, ni tocando ni viendo un concierto. Es de estupor. ¿Por qué lo hacéis? Hay maneras de hablar en un garito sin que se enteren tres filas por delante. Pero bueno, tengo que superar eso porque tampoco puedes llenarte de odio (risas). Como artista ya lo hago menos porque tengo más tablas y se me va menos la olla, pero al principio… mis amigos se ríen de mí porque llegué a parar una canción y decir: «hasta que no os calléis, no pienso seguir».
Hace 4 años hicimos un artículo sobre esto, preguntando a artistas, y la conclusión que saqué al final es que para la mayoría un concierto es un evento social en el que ves a tus amigos que no has visto en toda la semana, pero lo peor es que si no fuera por ese público casual no habría concierto, porque el grueso es así. Ha habido conciertos históricos de The xx, James Blake… con la gente hablando, y estoy seguro de que el grueso de público es casual, va a distraerse un rato sin más…
¡Cómo puede hablar alguien en James Blake! He probado cosas, no he llegado a irme porque no tengo ese estatus (risas). Pero me gusta ser honesta y seguir siendo yo. Si estoy incómoda porque no me oigo porque las cinco primeras filas están chillando, lo voy a contar, aunque os quiera porque sois mi público. Pero también depende del contexto, en Joy Eslava con Mondo Sonoro la gente estaba gritando y no oía mis propias bases… Ahí me dio palo, pero joder, fue difícil. Es una putada porque es la mitad del concierto. Te dicen: «si lo haces bien, la gente se calla». Y no, es: «Si la gente se calla, te sale muy bien». Te dicen «no vas a ir ahí y quedarte de forma pasiva escuchando», pero me vuelvo loca. ¡Es que la escucha no es pasiva!
El técnico también es importante y The xx han tenido a menudo un problema de volumen: su sonido no inunda la sala y la gente se distrae…
Esa es la tercera parte, es grupo, público y técnico. El técnico se puede cargar un concierto entero si te hace mal el sonido.
¿Cuántos conciertos has hecho este año? ¿Alguno que recuerdes para bien o mal?
Hago unos 3 al mes, igual han sido 30… El que más me ha gustado sobre todo ha sido el del BAM. Nos enteraamos poco antes de que Frank no llegaba porque estaba en Colombia con Joaquín Cortés (risitas). Tuve que salir sola y soné muy bien. Oía capas de las bases que no oigo normalmente y con bajos, graves… Toda la parte electrónica casi siempre se pierde y me llaman «chica con ukelele», pero claro, porque lo has oído con el ordenador o me has visto en Siroco con un ampli pequeño. Pero el equipo del BAM era buenísimo y tenía 3 monitores, como 6 técnicos para mí… Muy pro todo. De verdad, en Barcelona hacen las cosas de otra forma. También conciertos pequeñitos, en Canarias también súper bien, aunque no suenes perfecto, te vienes arriba porque la gente está ahí. El del FIB fue un poco desastroso, pero ya se me ha pasado.
Lo pusiste en Facebook…
No salió mal pero yo lo percibí mal. En el backstage estaba cabreada. Bueno, no voy a liarla… Se enfadaron mucho pero ya nos reconciliamos (risas). Entendí que es un festival grande y me lo tomé como que yo no tenía suficientes tablas en festivales.
¿Qué tal el Festival SinSal? ¿Estabas en las dos tandas del cartel secreto, en la primera que se canceló y en la definitiva?
Sí, yo aguanté las dos. Fue maravilloso, la hostia, una isla en mitad de una ría… yo estaba floja y con los conciertos no me quedé contenta, estaba en un momento un poco chungo; pero para mí estar allí fue como un aprendizaje porque estás tocando y no puedes ponerte a llorar si te sientes mal, así que estuvo bien. Y conocí a Triángulo de amor bizarro, que soy fan fatal y encima son la hostia de majos.
¿Cómo funcionan las pistas que dan de SinSal como cartel secreto? ¿Los artistas las podéis supervisar?
Estaba con unas ganas de decir que tocaba… y no lo podía decir. Las pistas las dan ellos… yo ponía en Twitter que iba a un sitio maravilloso. En la descripción salían un montón de ukeleles, supongo (risas). A mí me da un poco igual, ya he oído de todo.
Frank, el trompetista, toca con otros grupos, no sois un dúo, ¿verdad?
Sí, él toca con Afrobeat, Color Out… Bueno, me gusta que esté diluido, pero yo soy la que lo lleva para adelante. En directo cuando puedo meto a más gente, como a César, el productor, que toca alguna vez instrumentos; o Christian de Sef, que este sí que es underground, no tiene nada grabado… yo le echo la bronca.
¿Crees que tus temas funcionan por separado como singles o más bien se entiende el disco como un conjunto?
Más lo segundo. De hecho, no ha salido al final, pero queríamos sacar un vinilo con un tema antiguo y otro nuevo, porque no hay single y en la radio cada uno pone una, pero no sabíamos cuál meter.
Bueno, has hecho un vídeo, es una elección
Sí, pero también muy aleatorio, sólo porque rodamos en mi casa, porque era la canción más de amor y el vídeo iba a ser con mis colegas. Ahora saldrá el vídeo de ‘Tip Toe’ porque un chico me escribió diciendo que le gustaba mucho esa canción… La verdad es que di muchas vueltas a ver cómo colocar el disco, me llevó dos semanas. En directo es una movida, me cuesta mucho salir de «esta tiene que ser siempre la primera y esta la última».
¿Entonces habrá 7 pulgadas?
No sé, ha sido todo muy accidentado, nos iban a reeditar y nos iba a distribuir una distribuidora, que al final se ha caído… De verdad, creo que se está yendo a la mierda la industria discográfica. Pero como lo quiero hacer a retales y no «empeñar mi creatividad con un sello», va muy despacio. Ahora estoy con una gente como equipo de management.
¿Es tan malo estar con un sello?
No sé, el grupo en el que tocaba antes estaba en un sello y, aunque yo era músico de acompañamiento, me parecían contratos muy abusivos: «nos llevamos la mitad de lo que ganes, no gastamos nada y le ponemos el sello que queda muy bonito». No puede ser que el artista esté pagando por existir.
¿Para ti la edición física es importante? ¿Por ejemplo, el vinilo?
Yo soy poco fetichista. En casa, mi compi tiene un tocadiscos y está guay poner disquitos, pero como estoy en la autogestión, sólo veo el gasto y luego me lo tengo que quitar de encima. Ahora tengo una caja con 300 cd’s y guay, pero tener una caja con 300 vinilos…
¿Entonces sí tienes un par de canciones antes de encerrarte, para ese 7 pulgadas?
Es que tengo dos ahí guardadas como bonus tracks del disco reeditado. Eran 2 más en la onda del anterior, rehice bocetos que no saqué. Pero tampoco sé hasta dónde se puede mover un disco. Yo no me canso, pero ya estoy pensando en lo próximo. En cambio, la gente de management con la que trabajo ahora piensa que lo puedo seguir moviendo.
¿De qué va hoy el concierto gratis para los 10 primeros que lleven tarta?
Es «voy a hacer una tarta, ¿puedo ir gratis?». Una fiesta Le Parody es muy completa, con gente muy entregada, siempre hay algo de comer, con el vídeo hicimos una comida antes. Hay gente que no tiene pelas y le da palo que la invites, pues que hagan fotos o se pongan en el merchandising o lleven tarta…
Haces peticiones en Facebook: pides furgonetas a fans, compartes transporte… ¿has tenido suerte, te han ayudado, no te ha salido ningún loco?
Yo estoy encantada. Nos trajeron del FIB en coche, y te haces amigos. Los locos son más de escribir mails, no dan la cara. Tengo un par de haters, gente que te escribe una cosa muy loca, tú contestas amablemente y se va de las manos. Ya he visto que no hay que contestar.
¿Has estado viendo en directo a Juana Molina?
Me encantó, yo tengo dos o tres «ídolas» de las que soy muy fan. Juana Molina y La Mala Rodríguez. De La Mala me dicen «el último disco es malísimo» y yo: «¡qué va!». Seguro que mola más el primero, pero a mí me gusta.
El primero está envejeciendo raro, la voz es completamente distinta. En verdad, está teniendo unos 30 años estupendos.
Es más macarra… Y de Juana Molina me hice fan al hilo de que me compararon con ella. Escuché los primeros y no me gustaron, pero ‘Un día’ me flipó y me gusta la órbita en la que está. En el concierto con el sonido la cagaron mucho y la tía estaba incómoda, paró el concierto e hizo un monólogo. Cuando no la oías, la tía te hacía un chiste. Claro, viene de ahí.
Te he encontrado en un listado de Notodo como representante del «activismo feminista artístico» estatal. ¿Te identificas?
Sí, claro. Una de las grandes cosas del año pasado fue Ladyfest.
¿Tienes conciencia social desde adolescente?
No mucho, estaba atontada y sobre todo fue cuando llegué a Madrid y a partir del 15-M.
No sorprende, pero tampoco está tan evidente en tus canciones…
Yo espero que la música se empape de cómo soy yo. Y tampoco canto: «Te espero aquí sentada porque me muero porque tú no estás». Bueno, antes estuve en una banda de punk feminista más evidente, pero duró muy poco.
En ese especial había grupos que ni me había dado cuenta de que eran chicas quienes los conformaban, y nunca las habría identificado como «riot».
Está bien que sea más sutil, los grupos de tíos no están hablando de pertenecer a grupos de tíos. Igual mi música no tiene nada de eso, pero si me sigues más de cerca, pongo este tipo de movidas en Twitter. Si fuera carnicera, también sería feminista. No hago una letra para definir eso.
¿Tus referentes musicales vienen de ahí?
No especialmente, aunque coincide que últimamente sí me gustan. tUnE-yArDs me encanta y es muy del rollo, pero también St Vincent, que para mí es una guitarrista de la hostia, aunque su actitud es más de muñequita, de pose de modelo… no me cuadra mucho con el rollo feminista, pero me gusta. De hecho el rollo más evidente Amanda Palmer me va, pero su música me parece demasiado…
Hablando de imagen, ¿has tenido clara la imagen que querías vender de ti misma?
No, y partiendo de lo más básico, tampoco es que yo tenga un look ultra fotogénico. Y luego encima transmitir una imagen… le mandé unas fotos a algunos colegas y me aconsejaron.
Igual para estas cosas sí está bien que te asesore un sello…
¿Tú crees? Igual te meten en algo que no te gusta. La única vez que he delegado fue con un chico que nos plantó en un estudio con un flash con unos modelos… y al final no lo usamos. Yo vengo del mundo de la foto y me mola el rollo teatral… Por lo menos hasta ahora ha funcionado.
Jake Bugg / Shangri La
Por muy reticente que uno fuera a tragar con un chiquillo de 18 años haciendo rock al más puro estilo británico y con un evidente poso clásico, era muy difícil no desencajar la mandíbula escuchando buena parte de ‘Jake Bugg‘. El post-púber de Nottingham se ha dado más prisa de la habitual en publicar su difícil segundo álbum, un ‘Shangri La’ que, de nuevo, arranca obligándonos a arquear las cejas irremediablemente.
‘There’s A Beast And We All Feed It’, entre Elvis y el Dylan más vivaracho; el single ‘Slumville Sunrise‘, irresistible rock sureño a toda pastilla; ‘What Doesn’t Kill You‘, un eficaz número que remite a los primeros Arctic Monkeys (quizá algo desubicado en el conjunto); y el bonito medio tiempo folk ‘Me And You’, suponen todo un meneo mental que deja fuera de toda duda la capacidad del chaval. Pero no todo es tan brillante en ‘Shangri La’, y no solo es lo plomizo de una segunda parte del álbum dominada por tempos lentos (solo se libra el enérgico rhythm & blues de ‘Kingpin’) que van de lo bonito (‘Pine Trees’) y lo clásico (‘Storm Passes Away’) a lo previsible (‘All Your Reasons’) e incluso lo místico (‘Kitchen Table’).
Los mayores problemas de este nuevo disco de Bugg es que no logra reprimir el deje de una voz que lo emparenta con el zoquete de Liam Gallagher, rememorando a sus adorados Oasis con pobres resultados en coñazos como ‘Simple Pleasures’ o la empalagosa ‘A Song About Love’, que contra todo pronóstico consiguen dignificar los últimos trabajos de los hermanos Gallagher por separado. Por no hablar de la incontinencia que le ha llevado a publicar una canción tan mediocre como ‘Messed Up Kids’, la típica mojigatería en la línea de «se empieza por un cigarrito y se acaba con una jeringuilla en una cuneta». Quizá un poco más de pausa le vendría bien a su indudable talento para recuperar los ecos de Kinks y Beatles de su debut y rehusar publicar naderías de ese tipo. Aunque, a tenor de sus declaraciones, igual es algo intencionado.
Calificación: 6,6/10
Lo mejor: ‘There’s A Beast And We All Feed It’, ‘Slumville Sunrise’, ‘Me And You’, ‘Pine Trees’
Te gustará si te gustan: los últimos discos de los hermanos Gallagher por separado, Dylan, Elvis
Escúchalo: Deezer
Skygaze, más electrónica de aquí con gran potencial
Escuchando proyectos como Skygaze resulta ya innegable que la música electrónica nacional ha alcanzado un fabuloso estatus de madurez y es capaz de presentar proyectos capaces de traspasar las fronteras. Como ya ha ocurrido con John Talabot y Pional y debería ocurrir con BFlecha, el proyecto del gijonés afincado en Madrid Jaime Tellado tiene la calidad y el potencial suficiente como para que ya le hayan echado el ojo en Reino Unido, donde su canción ‘Fantasy’ llamó la atención de la web Drowned in Sound.
Con la mirada puesta en los mejores hallazgos de Four Tet o Nathan Fake pero sin rehuir a tendencias como el Uk Garage, Skygaze impacta rápidamente por la calidad técnica y la imaginación que derrochan sus producciones, que le sitúan en una órbita semejante a la de artistas como Rusty o Nicolas Jaar. Tras varios temas tan fascinantes como ‘So Above‘ o ‘Drowned‘, Skygaze lanzó hace un par de meses ‘Over’, su primer EP, a través del sello Soulless Lab Records (puede descargarse a precio libre en Bandcamp). Un disco sólido y bello que confirma con claridad su talento y su capacidad. Skygaze forma parte del cartel de la décima edición del club Valle Eléctrico, que tiene lugar mañana día 29 de noviembre en el madrileño Café La Palma. En esta ocasión, este siempre interesante evento musical presenta a la canadiense Jessy Lanza, con el gran ‘Pull My Hair Back‘ bajo el brazo, junto al dúo de electrofolk asturiano HUIAS y el ya mencionado Skygaze en directo, además de los DJs Beatrix Bones y The Pony.
Radio 3 bate nuevo récord de audiencia
Radio 3 informa a través de su web de que según el Estudio General de Medios que se ha conocido hoy, 503.000 personas sintonizan cada día Radio 3. Este dato supone una subida del 24,5% respecto a la anterior oleada y el «récord de audiencia en toda la historia de la emisora». De hecho en 2012 celebraban los 450.000 oyentes. Este es su comunicado de celebración y agradecimiento:
«Todos los que hacemos los programas de Radio3 sabemos que los oyentes sois lo mejor de la emisora. Contribuyendo a nuestra compartida pasión por la música, la creación, por el arte, por la cultura. Eso que hace que Radio 3 sea especial y distinta. Aquí no suena siempre la misma canción.
Cada programa, cada contenido de Radio 3, quiere ser evidencia de esa compartida pasión por la calidad. Radio 3 es la única emisora dedicada a los nuevos creadores de nuestro país, la única emisora con programas de cine, tendecias, artes escénicas, comics, videojuegos, cultura joven, acción social, ecología, ficción, literatura…
Radio 3 es la única emisora en la que puedes escuchar programas de pop, de hardcore, de rap, de electrónica, de heavy, de rock, de música brasileñas, de flamenco… de estilos muy diferentes que muestran la fértil complejidad de la cultura.
Radio 3 no la hacen ordenadores, ni listas de canciones. Radio 3 es una emisora en la que compartimos ideas e innovación. Radio 3 en la FM y en nuestra web, contenedor de nuevos soportes y programas audiovisuales en Radio 3 Extra.
Compartimos algo muy especial. A todos, gracias por ser parte de esta Radio 3. Porque, como sabes, eres lo que escuchas».
James Blake, disco del año para Mondo Sonoro
Mondo Sonoro acaba de terminar de publicar su lista internacional de lo mejor del año, coronada por James Blake, Arctic Monkeys, Kanye West, Vampire Weekend y Foals. El listado completo de 40 álbumes lo puedes consultar en su web e incluye reconocimientos para QOTSA, The National, Arcade Fire, Daft Punk, David Bowie, Franz Ferdinand, The Knife o Deafheaven. Este es el top 10.
1.- JAMES BLAKE “Overgrown”
2.- ARCTIC MONKEYS “AM”
3.- KANYE WEST “Yeezus”
4.- VAMPIRE WEEKEND “Modern Vampires Of The City”
5.- FOALS “Holy Fire”
6.- DISCLOSURE “Settle”
7.- SAVAGES “Silence Yourself”
8.- JON HOPKINS “Immunity”
9.- FACTORY FLOOR “Factory Floor”
10.- THE NATIONAL “Trouble Will Find Me”
Antònia Font se separan
Esta mañana ha empezado a correr el rumor en las redes sociales y, hace minutos, la propia banda mallorquina lo ha confirmado en su Facebook oficial: Antònia Font se separan. «Ante los rumores de hoy por la mañana, esperando el comunicado oficial, os comunicamos la disolución del grupo. En breve publicaremos más info. Gracias», reza el escueto mensaje en la red social. Un triste noticia de una de las bandas más queridas y reconocidas del país en la última década que nos ha dejado discos tan singulares y bonitos como ‘Batiscafo Katiuscas’, ‘Alegria’ o ‘Lamparetes‘.
Posteriormente el grupo ha publicado este mensaje: «Hasta aquí llega nuestra trayectoria como grupo. Han sido unos años muy reconfortantes para nosotros. Nos vamos con una sonrisa y contentos por el trabajo realizado. Sólo daros las gracias por compartir y hacer posible estos 17 años de música. Nos vemos el día 27 de diciembre en el Teatre Principal». Esta última será su despedida en directo, y por supuesto tendrá lugar en Palma.
Los Punsetes recuerdan ‘Que llegue el verano’
Los Punsetes acaban de subir a sus redes sociales un tema que sus hardcore fans ya conocerían. En las sesiones de ‘LP2’ grabaron con DaBeef (David Rodríguez de Beef) una versión de ‘Indian Summer’ con Julián López a la trompa. La canción de Beat Happening, también versionada por Sonic Boom en su momento, ha sido subida a Youtube y suena como toda una reivindicación en este día de nieve en la ciudad del grupo, Madrid. Aparentemente, fue un bonus track para la edición mexicana de aquel segundo disco.
La oda a América de Prin La Lá
Uno de los temas con los que las Prin La Lá presentaron su segundo trabajo fue ‘Oda a América’, la de los pegajosos aunque inquietantes coros infantiles. Ahora las hermanas cordobesas ganadoras del UFI sacan nuevo EP con esta canción como single principal. De su vídeo se ha encargado nada menos que Maria Mochnacz, habitual fotógrafa de PJ Harvey. Un videoclip colorido, no falto de stop-motion, para presentar este EP que además incluirá remezclas de Los Pilotos, Suze y una versión al piano. Su lanzamiento, en breve.
La guerra entre Beastie Boys y el fabricante de juguetes GoldieBlox llega a su fin
Hace un par de días se supo que el fabricante de juguetes infantiles GoldieBlox había usado una canción de los Beastie Boys para un anuncio y que al grupo no le había gustado nada la idea. GoldieBlox, tras interponer una demanda contra el grupo alegando amenazas, ha colgado una carta en su página web en la que se disculpa por el incidente, si bien indica que la demanda se retirará una vez el equipo legal del grupo deje de amenazarles. La canción, además, ya ha sido retirada del anuncio. Esta es la carta completa:
«Queridos Adam y Mike,
no queremos pelearnos con vosotros. Os queremos y en realidad somos grandes seguidores vuestros.
Cuando hicimos nuestra parodia de vuestra canción ‘Girls’ lo hicimos con la mejor de nuestras intenciones. Quisimos coger un tema y transformarlo en un poderoso himno para las chicas. Durante esta última semana, padres y madres nos han enviado fotos y vídeos de sus hijos cantando la nueva letra con orgullo, construyendo sus propias máquinas Rube Goldberg en sus salas de estar y declarando interés en la ingeniería. Ha sido algo increíble de ver.
Se nos cayó el alma al suelo la semana pasada cuando vuestros abogados nos llamaron con amenazas, las cuales nos tomamos muy en serio. Siendo una empresa pequeña no nos quedó más remedio que actuar por nuestra cuenta. Lo hicimos esperando de verdad que pudiéramos llegar a un acuerdo amistoso con vosotros.
Queremos que sepáis que cuando publicamos el vídeo, no teníamos ni idea de que el gran Adam Yauch había pedido en su testamento que las canciones de los Beastie Boys jamás fueran usadas en anuncios. Aunque creemos que nuestra parodia es justa, queremos respetar sus deseos y los vuestros.
Como una acción vale más que mil palabras, ya hemos retirado la canción de nuestro vídeo. Además, estamos a punto de parar la demanda siempre y cuando no sigamos recibiendo amenazas de vuestro equipo legal.
No queremos pasarnos la vida peleando en batallas legales. Queremos inspirar a la siguiente generación. Queremos ser modelos a seguir. Y queremos ser amigos vuestros.
Atentamente,
Debbie + el equipo de GoldieBlox.»
The National le cantan a la salsa del pavo
Tal y como hicieron el año pasado, The National han participado este año en el episodio dedicado a Acción de Gracias de la serie de animación norteamericana ‘Bob’s Burguers’. El grupo entona una de las canciones que sonaron en el último episodio, titulada ‘Sailors In Your Mouth’, dedicada a la sabrosa salsa que condimenta el pavo y a su sabor. Además le han hecho un divertido videoclip que se puede ver aquí.
Daughter: «En directo intentamos crear un momento comunal»
Daughter ha sido una de las bandas que ha debutado en 2013 que ha logrado una mayor repercusión y un considerable éxito crítico con su primer largo, ‘If You Leave‘. El trío británico, que en Reino Unido cuenta sus conciertos por sold-outs visita estos días de nuevo nuestro país: hoy, 28 de noviembre, estará en la sala Apolo de Barcelona, y el 29 de noviembre, en la sala Joy Eslava de Madrid. Con motivo de esta minigira, tuvimos la ocasión de charlar hace unos días con Igor Haefeli, guitarrista de la banda londinense, sobre el carácter oscuro de sus canciones, de hasta qué punto les molesta que les comparen con The xx y también sobre su estupenda versión de ‘Get Lucky’ de Daft Punk.
Escuchando hoy vuestros primeros EPs, puede percibirse la base de vuestro sonido en ellos, si bien ha ido evolucionando hacia algo más grande y oscuro. ¿Cómo ha sido esa transición musical para vosotros?
Creo que ha sido algo muy progresivo aunque el primer EP no era exactamente lo que hubiéramos soñado, lo grabamos en mi habitación con un par de guitarras y un set de percusión mínimo, así que simplemente interpretamos el esqueleto de la canción sin producción alguna. El segundo EP ya lo pudimos grabar en un verdadero estudio, con la producción de Ian Grimble, y pasamos mucho tiempo intentando hacer funcionar el aspecto sonoro. Y ya en el álbum queríamos hacer un verdadero progreso, desarrollar todo lo que teníamos en mente y en lo que habíamos trabajado, cuidando la parte electrónica y probando diferentes técnicas de grabación.
De hecho, pienso que el mayor acierto de ‘If You Leave’ es que deja muy clara la impronta de sonido de la banda…
Oh, gracias…
¿Era eso más importante para vosotros que las canciones, incluso?
No, no, las canciones siempre han sido lo más importante. Estábamos muy interesados en conseguir una canción fuerte y un sonido fuerte, pienso que a menudo las bandas se esfuerzan solo en una de esas dos cosas y nosotros trabajamos muchísimo para conseguir ambas. Para eso, no nos guiábamos únicamente por la fuerza de la línea vocal o las letras, que es algo muy común, sino que hemos intentado usar también los silencios, esos espacios entre la línea melódica, para crear un mundo sonoro muy propio. No puedo decir que nos hayamos esforzado en una de las dos cosas más que en la otra, aunque es evidente que siempre debe haber una canción potente, es la fundación de todo. Quizá el mejor ejemplo de lo que decía es ‘Winter’, la primera canción del disco, que arranca con un loop de estática sobre el que se va incorporando la canción…
Precisamente, tú eres el que mejor puede responder a esto… Es una decisión valiente que hayáis decidido que tú fueras el productor del disco, tratándose de un debut. ¿Costó mucho que 4AD aceptara esta decisión?
No, para nada, precisamente 4AD es un sello muy abierto a este tipo de decisiones. Se me ocurren los casos de Bon Iver, The National, Indians… Todos ellos han autoproducido sus discos en este sello. La mejora en las tecnologías propicia que haya más y mejores equipos al alcance y han democratizado el aspecto técnico. Y yo creo que el sello tenía claro que nadie como nosotros podía entender a dónde queríamos llegar, y que nada podría hacerlo sonar tan personal como que saliera directamente de nuestro sudor. (Risas)
Escuché al disco cuando se publicó en la pasada primavera y, sinceramente, se hacía difícil de escuchar con el sol y el calor de esa época en nuestro país. Sin embargo, ahora que ha llegado el frío, es más cómodo. ¿Habéis puesto conscientemente ese punto invernal en él?
Es cierto que es un disco oscuro y triste, y bueno, empezamos a crearlo en enero de 2012, en pleno invierno, así que es lógico que algunas canciones transmitan un poco el ambiente de esos días. Pero bueno, en los festivales de verano la recepción del público ha sido fantástica, así que parecen funcionar bien al sol. (Risas)
Pero el disco está lleno de imágenes de mares profundos, hielo, soledad, oscuridad… y pienso que eso conecta muy íntimamente con la música. Tanto que a veces resulta casi angustioso…
Sí, es un disco muy intenso, con un sentimiento muy unilateral, que oscila del negro al gris, sí… Es, en cierto modo, muy catártico.
Tenía algunas preguntas sobre las letras, pero eso es cosa de Elena [NdE: Tonra, cantante, guitarrista y principal compositora del grupo], claro…
Sí, y si te soy sincero, no es muy amiga de hablar sobre ellas, la verdad…
Ok, entonces, te pregunto: son unas letras muy potentes, ¿cómo te sientes como músico cuando ella llega al local de ensayo o al estudio con esas líneas? ¿En qué sentido te inspiran como músico?
Bueno, es la misma sensación que cuando descubres la música que te llega, sientes que te identificas con esas letras y que está poniendo en palabras sentimientos que tú reconoces pero serías incapaz de explicar. Y te resulta tan cercano que realmente quieres involucrarte, crear un mundo sobre lo que ella está contando, que también es tu propio sentimiento.
He visto vídeos de vuestros directos y son muy potentes, la verdad, y puedo entender que a menudo agotéis las entradas en vuestros shows, sobre todo en UK y también aquí. Pero es chocante que haya tanta gente dispuesta a enfrentarse a sentimientos tan duros como los que mostráis en vuestras canciones, y puedo imaginar gente llorando en vuestros conciertos, sinceramente. ¿Por qué crees tú que eso atrae al público?
Ni idea, la verdad, pero en directo buscamos hacer las canciones más envolventes y crear un momento bonito. Trabajamos realmente duro en los directos y es maravilloso que venga tanta gente. Pero pienso que el público realmente se siente identificado con nuestra música, podemos ver chicos y chicas cantar las letras, a gritos o en voz baja. Hay mucha gente sintiéndose de forma similar dentro del mismo espacio y compartiendo ese momento. Y realmente intentamos que ocurra así, crear un momento comunal.
La canción ‘Youth’ es la única que habéis rescatado de los dos EPs. De hecho, ha sido el último single del disco. ¿Por qué esa canción?
Bueno, pese a que el resto de canciones eran nuevas, esta encajaba especialmente en la estética del disco, simplemente eso.
Es una canción muy amarga y en la que yo veo una especie de anti-himno generacional, ¿creéis que la actual coyuntura y desencanto es lo que hace que la gente conecte especialmente con este tema?
La verdad es que sí, es una canción muy amarga. Sí, está claro que la gente se identifica con ella, es de nuestros temas más populares. Estoy seguro de que Elena no la escribió como un himno, sino como algo muy personal, pero está claro que el público encuentra algo en su letra, quizá algo que encaja con esa impotencia y el temor que siente la gente ante un sistema que está obviamente en colapso por la crisis financiera.
Ese single viene acompañado en su cara B de ‘Smoke‘, que según he leído es una de las últimas canciones que habéis escrito, y tiene un tono muy próximo al disco. ¿Pensáis que tenéis aún más que explorar en este punto que habéis alcanzado o estáis ya pensando en algo distinto para el futuro?
Bueno, en realidad esa canción se grabó en las mismas sesiones que el resto del disco, pero entiendo tu pregunta. Pues creo que sí, no puedo asegurarlo, pero siempre estamos muy abiertos a ver qué vendrá después, grabamos ideas… No es que esté haciendo nada concreto pero creo que hemos creado una buena base de partida y que, cuando estemos listos, tenemos de dónde empezar a pensar en un segundo álbum. Pero es muy pronto para decirlo, llevamos dos años sin parar y tendremos que detenernos a ver dónde vamos pero, definitivamente, no es algo que vaya a pasar pronto.
Frecuentemente se alude a The xx para definir vuestra propuesta, básicamente por el sonido de las guitarras (que tampoco es que ellos lo hayan inventado, precisamente), aunque yo, por ejemplo, percibo una mayor conexión con Bon Iver, por ejemplo. ¿Podrías decirme si crees que hay alguna banda en la actualidad que esté realmente cerca de vuestro concepto musical?
(Silencio) ¡Buena pregunta! No sé, escucho muchos tipos diferentes de música, mucha música electrónica. Pero si hay una banda de la que me gusta todo lo que han hecho y de la que sí veo un reflejo en mi forma de tocar la guitarra es Sigur Rós. La cantidad de emoción que son capaces de transmitir en una canción que en realidad nadie sabe lo que dice me parece maravilloso. Pienso que un álbum como ‘( )’ es fantástico porque prueba que la música puede ser un elemento universal que una a gente muy diferente y que cada uno puede interpretar a su manera, o detalles como que el libreto eran páginas en blanco, para que cada uno pudiera escribir sus propias letras o no poner un título al álbum. Es algo muy altruista y unificador, y para mí muy inspirador. Pero también me gustan The xx, creo que son una gran banda, que hacen canciones más pop pero que evidentemente sí conectan con nosotros. Y sí, reconozco que aspiro a alcanzar la pureza del sonido de algunas de sus canciones.
La versión que hicisteis para un programa de radio de ‘Get Lucky’ de Daft Punk era muy sorprendente porque sonaba realmente muy Daughter. ¿Os habéis planteado vampirizar algún otro hit pop?
No, en realidad no, pero aquello fue muy divertido. Fue para un programa de BBC Radio 1 llamado Live Lounge, que propone escoger una canción de la selección de BBC Radio de las últimas semanas y adaptarla. Fue difícil elegir, pensamos en Justin Timberlake o Rihanna, pero cuando escuchamos ‘Get Lucky’, pocos días antes de aquello, pensamos que podía funcionar. Así que improvisé un poco los acordes al piano y, luego esa guitarra que quedaba muy oscura, muy nuestra.
Lengua de Trapo recupera a Kortatu y Alaska y los Pegamoides
El próximo 11 de diciembre la editorial Lengua de Trapo publicará dos libros sobre el rol que tomaron en la convulsa España de los años ochenta dos de las bandas más representativas de la época: Kortatu y Alaska y los Pegamoides.
Roberto Herreros e Isidro López firman ‘El estado de las cosas de Kortatu: Lucha, fiesta y guerra sucia’, obra que, concentrada en el periodo que va de 1984 a 1988 explica desde la perspectiva del rabioso punk de los vascos Kortatu los «periodos turbulentos» de un país social y políticamente definido por la contracultura y el auge del terrorismo. El libro pretende poner en contexto el material incluido en ‘El estado de las cosas’ de Kortatu, un disco cuyo contenido constituye «la banda sonora de esa red cultural formada por radios libres, centros sociales okupados y boletines de contrainformación» tejida en aquellos años de transición.
Los protagonistas del otro libro que presenta Lengua de Trapo son Alaska y los Pegamoides, como se anunció hace más de un año. ‘El año en que España se volvió loca’, que así se titula este libro escrito por Patricia Godes tras un «minucioso trabajo de análisis y hemeroteca», es 1982. Godes narra el periodo de la Movida a través los grandes éxitos de Alaska y los Pegamoides, esos temas en forma de «himnos escapistas» con trasfondo político que suponen «el reflejo de un momento crucial de la juventud española» durante la que la editorial llama «la juerga juvenil más mediática de la historia», la Movida.
Eminem es Max Headroom en ‘Rap God’
Mientras se prepara el vídeo para su nuevo tema junto a Rihanna, Eminem acaba de estrenar el de su frenético single ‘Rap God’. Dirigido por Rich Lee, en él vemos a un Eminem viajando en el tiempo e imitando a Max Headroom, el conocido personaje ‘cyberpunk’ que dio nombre a la popular serie del mismo nombre en los años ochenta. El último trabajo del rapero, ‘The Marshall Mathers LP 2’, vuelve a coronar la lista de álbumes estadounidense.
Sophie Ellis-Bextor, aburrida en el sofá
Nuestra amiga Sophie Ellis-Bextor, que en otro tiempo no dejaba de hacernos bailar, sigue empeñada en que nos creamos esta nueva época que traerá un disco alejado de sus mejores momentos dance. Ahora estrena videoclip para ‘Young Blood’, primer sencillo de ‘Wanderlust’, y aparte de poder volver a comprobar lo increíblemente guapa que es esta mujer, poco más aporta con esos planos debajo de un puente o sentada, aburrida, en un sofá.
Marta Sánchez se apunta al dubstep con su novio
Después de causarnos escalofríos con su versión de ‘Y, ¿Si Fuera Ella?‘, su paso rockero con su novio por el Sonorama y su participación en el anuncio de la Lotería de Navidad, Marta Sánchez va más allá y, como si fuera una Christina Aguilera cualquiera, se marca una participación en el single de lo que parece un grupo random.
Pero no. Se trata de otro de los grupos de su novio, Dani Terán. La canción es una versión de ‘Get It Up’ de New England que ahora pasa al dubstep este grupo llamado Gang Religion, que debuta con esta canción que canta íntegramente Marta. El 5 de diciembre actúan en La Riviera. ¿Veremos a Marta por allí, verdad?
Escucha ‘I’m Not a Young Man Anymore’, inédita de la Velvet
El sello Universal reeditará el próximo 3 de diciembre, con motivo de su cuadragésimo-quinto aniversario, el segundo álbum de Velvet Underground, ‘White Light/White Heat’, publicado originalmente en el invierno de 1968. El disco, que ha sido comisariado por John Cale y el mismo Lou Reed antes de fallecer el pasado octubre, incluirá versiones en mono y estéreo de las pistas del álbum, así como nuevas mezclas, tomas alternativas y canciones inéditas. Una de estas, de hecho, ya se ha dado a conocer. Se trata de ‘I’m Not a Young Man Anymore’, composición de Reed que Velvet Underground estrenó en vivo el 30 de abril de 1967 en el Gymnasium de Nueva York y que, al parecer, jamás volvió a tocar. Os dejamos con el tracklist y el Soundcloud:
Disco Uno: White Light/White Heat (Stereo Version)
‘White Light / White Heat’
‘The Gift’
‘Lady Godivas Operation’
‘Here She Comes Now’
‘I Heard Her Call My Name’
‘Sister Ray’
‘I Heard Her Call My Name’ (Alternate Take)
‘Guess I’m Falling in Love’ (Instrumental Version)
‘Temptation Inside Your Heart’ (Original Mix)
‘Stephanie Says’ (Original Mix)
‘Hey Mr. Rain’ (Version One)
‘Hey Mr. Rain’ (Version Two)
‘Beginning to See the Light’ (Previously Unreleased Early Version)
Disco Dos: White Light/White Heat (Mono Version)
‘White Light / White Heat’
‘The Gift’
‘Lady Godivas Operation’
‘Here She Comes Now’
‘I Heard Her Call My Name’
‘Sister Ray’
‘White Light / White Heat’ (Mono Single Mix)
‘Here She Comes Now’ (Mono Single Mix)
‘The Gift’ (Vocal Version)
‘The Gift’ (Instrumental Version)
Disco Tres: Live at the Gymnasium New York City, April 30, 1967
‘Booker T.’
‘I’m Not a Young Man Anymore’
‘Guess I’m Falling in Love’
‘I’m Waiting for the Man’
‘Run Run Run’
‘Sister Ray’
‘The Gift’
Major Lazer, con flúor
Major Lazer han ido abandonando progresivamente sus habituales culos y twerkings, o los han ido refinando y transformando en algo más estilizado. Sirva como ejemplo el último videoclip del colectivo que encabeza Diplo. El tema escogido es ‘Sweat’, en el que participan Laidback Luke y Ms. Dynamite y el clip es una sucesión de imágenes iluminadas con luz negra y colores flúor, que ha sido dirigida por Ryan Staake.
La Casa Azul con Nino Bravo, Soraya y Robbie, en la lista de ventas
La entrada más fuerte de la semana en la lista de ventas española la protagoniza el homenaje a Alejandro Sanz ‘Y si fueran ellas’, que curiosamente se queda en el puesto 5, uno por debajo de ‘La música no se toca en vivo’ del propio Alejandro Sanz. Al top 1 asciende la banda sonora de ‘Violetta: Hoy somos más’, el terror de estas Navidades.
La entrada más interesante es para ‘En libertad‘ de Nino Bravo con las mezclas de La Casa Azul. Es curioso que el disco sea top 19 porque esta es exactamente la misma posición que alcanzó ‘La polinesia meridional’.
Soraya y su nueva entrega, ‘Universe in Me’, aparecen en el número 31: un retroceso respecto a ‘Dreamer’, que llegó al número 8.
Robbie Williams, que ha vuelto a ser top 1 en Reino Unido con ‘Swings Both Ways’, tiene que conformarse con el número 13 en nuestro país. En el 96 aparece la banda sonora de ‘Los juegos del hambre: en llamas’, que en España incluye un tema inédito de Lori Meyers. El resto de novedades queda así:
6 Rosana / Ocho Lunas
14 Bertín Osborne / Corazón ranchero
18 Tamara / Incondicional. A Juan Carlos Calderón
27 Los Suaves / Gira de los mil conciertos
42 Zumba / Fitness Zumba
43 Kepa Junkera / Galiza
60 Frank Sinatra / Duets 20th Anniversary
81 David Civera / Versión original
93 Bebo y Cigala / Lágrimas negras. Edición 10 aniversario
100 Ara Malikian / Pizzicato
John Grant pone en pie BARTS
Anoche en el Teatro Barts de Barcelona, gran parte del público despidió al norteamericano John Grant puesto en pie, con una notable ovación. Puede que hoy día, en que oímos y leemos «temazo», «discazo» y «conciertazo» como si no existieran otras palabras para hablar de música en el léxico español, una reacción así suene, sobre el papel, previsible o forzada. Pero, como se encargó de recordar el propio Grant poco antes de acabar, si dio las gracias es porque «a veces olvidamos que el público es gente que, después de una larga y horrible jornada de trabajo (en el mejor de los casos, me permito añadir), decide salir de casa cuando ya es de noche y hace frío para escuchar a un grupo tocar música». Y esa gente, por eso, suele saber reconocer cuándo ha presenciado un gran concierto.
John Grant se presentó, en el marco de la 45ª edición del Festival de Jazz de Barcelona, con la formación que le respalda actualmente, un quinteto compuesto en su mayoría por músicos islandeses (país en el que el de Denver reside en la actualidad) más el británico Chris Pemberton que, con su trabajo a los teclados y coros, se erige en el mejor escudero posible para el gran (en varios aspectos) autor de los notables ‘Queen Of Denmark’ y ‘Pale Green Ghost‘. La banda que le secunda, apoyada en un nítido sonido, logra que las canciones de Grant suenen con una fidelidad pasmosa a como lo hacen en sus álbumes, si bien cuando interpretan cortes de sonido más electrónico como ‘Pale Green Ghost‘, ‘Black Belt‘ o ‘You Don’t Have To’ su papel en escena es secundario, quedando todo en manos de Aron Arnarsson, el mencionado Pemberton y Grant, con esos chirriantes y característicos teclados de sonido setentero que tanto le gustan.
La primera mitad del concierto estuvo gobernada por esa premisa y centrada fundamentalmente en las canciones de su reciente segundo álbum, entre las que solo se coló ‘Marz’ como representante de ‘Queen Of Denmark‘. Todo sonaba muy medido y pulcro, casi demasiado perfecto, casi frío, con Grant mostrándose adorable con sus charlas explicativas en su muy aceptable castellano. El espectáculo subió enteros cuando el grupo enlazó unas emocionantes interpretaciones de ‘Sigourney Weaver’ y ‘Where Dreams Go To Die’, seguidas por la enorme ‘GMF‘ (una canción que apuesto que es la envidia de Rufus Wainwright) y una agridulce ‘I Hate This Town’, seguida con palmas en su parte más festiva. Para rematar el grueso del show, Grant y su combo deslumbraron con dos intensas y ruidosas interpretaciones de una ‘Glacier’ que en disco parece más discreta y una bestial ‘Queen Of Denmark’.
Y aún hubo más. Tras una divertida versión superfunky de ‘Chicken Bones’, la banda dejó solos en escena a Pemberton y Grant, que enfrentados en los teclados y las voces elevaron aún más el nivel emotivo del concierto con dos interpretaciones muy minimalistas de ‘TC And The Honeybear’ y ‘Caramel’, llevándose la mencionada ovación en pie de la platea del teatro barcelonés. Cuando cierra su show, parece imposible no haber empatizado con el doloroso striptease sentimental que Grant brinda en sus canciones y adorar profundamente a ese gigantón con su pinta de tipo temible. 8,5
Tras pasar por Bilbao, Cartagena y Barcelona, John Grant cierra hoy, 27 de noviembre, su gira española en la sala Joy Eslava de Madrid. Un show después del cual dos de nuestros lectores tendrán la oportunidad de conocerle personalmente en un Meet & Greet, por cierto.
The xx protestan por el uso de ‘Intro’ en un anuncio homófobo
Lo peor que le puede suceder a un grupo es descubrir que su música es utilizada para promocionar algo en lo que no creen. Es lo que le ha pasado recientemente a The xx, que han descubierto que su canción ‘Intro’ ha sido utilizada en un vídeo propagandístico por un grupo anti-LGBT de Croacia, en concreto U ime obitelji (A Favor de la Familia).
El trío no ha podido esperar a hacer pública su reacción, y a través de su página de Facebook ha emitido un comunicado en el que no sólo aclaran que el uso de la canción ha sido sin solicitar permiso, sino que además dan “su apoyo incondicional al derecho al matrimonio sin importar la sexualidad”.
Por cierto, en nuestro país también se está volviendo a utilizar ‘Intro’ para algo: un anuncio de Ferrero Rocher. Así, el tema está entre los más vendidos de iTunes España esta semana.
Brigitte Laverne: «El problema de los grupos nuevos es la falta de confianza en sí mismos»
A través de una iniciativa de la plataforma Converse Make Noise y su estudio Rubber Tracks, diez bandas de entre más de doscientas participantes fueron seleccionadas para realizar en Barcelona sesiones de grabación profesional de la mano del experimentado ingeniero de sonido de los estudios Rubber Tracks en Brooklyn. JENESAISPOP tuvo la oportunidad de acudir a una de esas sesiones, en este caso la de la muy prometedora Brigitte Laverne, a la que entrevistamos sobre cómo ha surgido su proyecto, las expectativas que tiene con su personal visión del synth-pop y cómo cree que la banda sonora de la película ‘Drive’ ha cambiado la manera del público de ver ese tipo de música.
Pudimos hablar con la propia Brigitte Laverne en un descanso de la grabación de voces y algunas bases. Tras este proyecto de synth pop de evidente reminiscencia ochentera y con un notable talento para crear ganchos pop, está una joven de Vilanova que se muestra como una ágil conversadora, confiada en sus posibilidades y muy sincera en sus afirmaciones. Aunque no estará actuando junto a Wavves en el Make Noise Festival del próximo sábado día 30 de noviembre en la sala Apolo de Barcelona (invitaciones aquí), Brigitte Laverne sí lo hará el viernes día 29 en la sala Slow de la misma ciudad, junto a Esponja y Sickbrain.
¿Cuál es el punto de partida del proyecto, cómo nace? ¿Has tenido proyectos previos?
Bueno, yo empecé a hacer música muy pequeña, desde que empecé a estudiar en el conservatorio de Vilanova, donde he estado 16 años, y desde siempre me interesó más componer que interpretar la música de otros. Hace algún tiempo intenté montar un grupo con Álex [NdE: su actual bajista], un amigo mío de Shanghai que está muy loco y un mallorquín. Fue muy divertido, tocábamos en el sótano de casa de mis padres y demás, pero cuando quise que fuera una cosa un poco más seria y había que invertir tiempo y dinero, se echaron atrás. Y así me lancé a hacer mi propio proyecto, empecé grabando en el ordenador con un viejo teclado que tenía mi padre en el sótano, con sonidos midi, creando bases y demás. Álex me regaló un micro y me dijo que tenía que cantar y meter voces sobre eso y así fueron saliendo las canciones. Luego un amigo me ayudó y animó a crear un Bandcamp, aunque yo pensé que no serviría de gran cosa, y bueno, ha ido todo muy rápido a partir de ahí, muchísimas visitas, mucha gente preguntando, entrevistas…
He leído esas entrevistas. Me llamó la atención que, en una de ellas, decías que aunque tu música está inspirada en el sonido de sintetizadores clásico de los 80, a ti te gustan las bandas actuales que hacen ese sonido, mucho más que los propios grupos de aquellos años. Me llamó la atención porque me parece una afirmación bastante sincera y valiente, que siempre queda mejor decir que siempre has sido muy fan de OMD y demás. ¿Me podrías contar más? ¿Qué encuentras en bandas como College, Thieves Like Us o Neon Neon que no en las originales?
Mi padre escucha a todas horas esos grupos y siempre hemos discutido porque yo le veía un punto muy hortera que no soportaba. Y claro, cuando le puse mis canciones me decía: «¡pero si tú odias la música de los 80!». Cuando le enseño a esos grupos que mencionas o a John Maus, que me encanta, él apunta a la ironía de que me guste eso y odie los 80. Y yo le contesto: «bueno, me gustan The Cure» (Risas). Intento que me guste pero les veo ese punto hortera que no soporto. En cambio estos grupos toman esos aires retro de los sintes, que me encantan, y le añaden esas guitarras y bases tan cañeras que lo hacen sonar vigente. No tengo una explicación clara, pero enseguida reconozco algo que me gusta y en el 100% de las ocasiones es actual, no de entonces.
Yo encuentro bastantes similitudes en tus canciones con el italodisco y también con los grupos del sello Italians Do It Better. Sobre todo con Glass Candy. Apuesto a que son tus favoritos del sello…
Sí, sí, me encantan. Me encanta sobre todo la cantante, Ida No. Me flipa cómo únicamente con un arpeggiator, que yo también uso a menudo, un buen beat y una voz bonita como la suya se puede sonar tan rematadamente bien y decir tanto.
Ya que hablamos de sonido retro, me veo en la obligación de preguntarte qué opinión te merece ‘Random Access Memories‘ de Daft Punk, uno de los discos más polémicos del año y al que se acusa de saquear los sonidos electrónicos de los 80 y 70 sin aportar gran cosa. ¿Cuál es tu postura?
A mí me gusta, sí, quizá porque lo descubrí en un momento personal muy bonito, estando en Londres a finales del pasado verano, y lo escuché muchísimo entonces y me da muy buen rollo. Sí debo decir que hay algún tema que suena un poco a peli porno antigua, con ese punto hortera que decía, pero en general me encanta, sí.
Dentro del pop electrónico con un punto retro que se hace ahora, como el tuyo, podíamos decir que hay una vertiente más orientada a la pista de baile y otra más ambiental y evocadora. ¿Con cuál de esas dos líneas te gustaría más que se identificara a Brigitte Laverne?
Me gustaría que se identificara con lo más bailable, aunque eso no quita que tenga algunos temas más tranquilos e instrumentales un poco ambient. Yo quiero que la gente baile con mi música, que esté feliz, que esté bien. Y cuando no sean bailables, que les llegue, que les toque. No es fácil, pero yo al menos lo intento.
En tu Bandcamp etiquetas tu música como lo-fi. Ahora que te enfrentas a un estudio de grabación, con más y mejores medios técnicos, ¿hasta qué punto puede eso estar reñido con tu estilo? ¿Te has planteado que eso pueda borrar esa etiqueta de tus canciones?
Qué curioso que lo preguntes, porque justo hace un momento hablaba con Álex de eso. Le decía: «suena de puta madre, pero ¡no sé si quiero que suene tan de puta madre!». A mí me gustaría ser fiel a ese espíritu de mis grabaciones caseras. No es que quiera que tengan fallos ni desaprovechar la técnica, pero… Bueno, aún estamos grabando, eso lo tendré que discutir con Aaron en la fase de mezcla, metiendo reverb en la voz, que suene más sucio…
He leído que planeas sacar un EP en el futuro, ¿serán estas grabaciones las que estarán en él?
Sí, son estas canciones las que irán en el EP. Serán las tres canciones del Bandcamp, ‘Joy’, ‘Beto’ y ‘Phoebe’s Room’, y una más.
¿Y cuáles son tus planes a corto o medio plazo para Brigitte Laverne?
Lo primero, sacar el EP y después rodarlo todo lo que pueda, tocar. Lo que más me interesa ahora mismo es el directo, en el que estaremos Álex, al bajo, y yo, con voces y teclados. Y después, trataré de hacer un álbum. Los temas están compuestos, tengo las demos en Logic y las voy avanzando en cuanto tengo tiempo. Cuando estén acabados, los grabaré.
¿Hasta qué punto es importante para ti la imagen? Toda la estética de tu Bandcamp, las fotos, parecen muy pensados…
Sí, es importante para mí. Yo creo que es positivo cuidar ese aspecto, porque es un proyecto que creo que musicalmente es bastante singular, al menos en nuestro país, y que ayuda a dar una idea más completa. Y bueno, como chica, me gusta cuidar eso también… (risas)
De hecho, también quería preguntarte sobre el debate del sexismo en el pop, que está bastante de actualidad. ¿Alguna vez has percibido algún tipo de sexismo como músico, por parte de público, periodistas, promotores, otros músicos…?
Pues la verdad es que no, para nada. No sé si tendrá que ver que siempre me he rodeado de chicos, mis mejores amigos son chicos, tengo un hermano… Con otros musicos, técnicos, compañeros o periodistas, nunca he notado discriminación.
Antes mencionabas la singularidad de Brigitte Laverne en el panorama, supongo que porque el synth pop es un género tradicionalmente menos valorado por aquí que el rock de guitarras. ¿Crees que eso puede cambiar en el futuro?
Bueno, yo creo que ya lo ha hecho. No sé si mencionar otra vez el tema de la banda sonora de ‘Drive’, que siempre caigo en lo mismo, pero de verdad pienso que ha podido marcar un antes y un después en cuanto a aceptación por parte del público para la música de sintetizadores. Al menos yo lo percibo así, y pienso que eso ayudará a que surjan más grupos. Por ejemplo El Último Vecino, que sí, son más guitarreros, pero tienen ese punto en los teclados que me encanta.
No sé si llevas suficiente tiempo en esto para juzgarlo pero, aunque es evidente que todo está forzado por la mala situación del sector cultural, en mi opinión se percibe cierta falta de ambición y conformismo en las bandas nuevas del panorama underground. ¿Cómo lo percibes tú, con un proyecto como el tuyo que está emergiendo?
Coincido en que hay mucho conformismo, lo cual es muy malo. Escucho gente que se escuda en que hay demasiados grupos o que no tienen pasta, que es normal, pero pienso que en realidad se trata más bien de una cuestión de autoconfianza. Yo he tenido la suerte de tener quien me ha apoyado, ha creído en mi talento y me ha animado a tomarme en serio Brigitte Laverne y quizá falte ese empujón para no limitarte a grabar de cualquier forma y pagar por tocar, que es lo que está pasando. Desde luego, la situación acojona cuando te metes en esto, porque requiere muchas horas de trabajo y casi nadie puede vivir de ello.
Antes de hablar con Brigitte, tuvimos la ocasión de charlar con Aaron Bastinelli, el técnico y productor del estudio Rubber Tracks en Brooklyn que ha dirigido estas doce intensas jornadas de grabación en Barcelona. Bastinelli es un tipo joven pero con una experiencia de ocho años como ingeniero de sonido y productor, de los cuales ha pasado los últimos dos y medio en el proyecto Converse Rubber Tracks, grabando a grupos noveles sobre todo en Brooklyn, pero también en capitales como Amsterdam, Austin (en SXSW), Toronto, Montreal o México DF. Se muestra muy orgulloso de haber colaborado con tanta gente con talento, lo que -nos dice- lleva más tiempo y, sobre todo, trabajo del que podamos sospechar que llegue a un público amplio, especialmente en Brooklyn, donde la cantidad de artistas es brutal. Sobre su experiencia con las diez bandas españolas seleccionadas en esta ocasión, nos cuenta que ya tiene muy asimilado su trabajo y que, aunque tiene sus dificultades tratar con gente tan diferente entre sí estilísticamente, la experiencia ya le ayuda a entenderles como una «segunda naturaleza». Dice que, además del soporte técnico de grabación y mezcla de los temas, ofrece ciertos consejos de producción a las bandas menos experimentadas para orientarlas con trucos y consejos. Aunque no se moja sobre cuál ha sido su favorito estos días, reconoce haberse sorprendido con el gran nivel de los grupos, especialmente con su talento y las composiciones que llevaban al estudio, en ocasiones tanto que ha tenido que animarles a centrarse solo en dos o tres temas para poder obtener un producto mejor acabado. Ciertamente, resultó una experiencia más que interesante poder verle trabajar en la mesa de grabación, ofreciendo consejos y posibles alternativas a los músicos pero siempre respetando al máximo sus decisiones y tratando de entender sus intenciones.
Twin Shadow versiona ‘With or Without You’ de U2
Twin Shadow sigue imparable con su serie ‘UNDER THE CVRS’ en la que ha versionado un buen puñado de clásicos. Bruce Springsteen, Lou Reed, 10cc o Tori Amos ya han pasado por su filtro personal. Ahora se apodera de otro para darle completamente la vuelta. Se trata del ‘With Or Without You’ de U2, y a pesar de que la letra sigue ahí, y parte de la melodía, el giro es tan grande que en algunas partes es casi imposible reconocer el original.