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‘Oblivion’, Tom Cruise elevado a la enésima potencia

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No nos engañemos, las películas de Tom Cruise las conocemos como películas de Tom Cruise porque Tom Cruise es el epicentro de todo el espectáculo. Así que haters de la estrella estadounidense absteneos de acudir al cine a despotricar contra el trabajo del actor porque aquí, más que dos tazas de caldo, os llevaréis una olla tamaño cocina de comedor escolar. Y es que todo en ‘Oblivion’ gira en torno a demostrarnos una vez más que nadie mejor que Tom para salvar al mundo de sus desgracias con un papel de héroe que en cintas como ‘Misión: Imposible’ le queda perfecto pero que en esta ocasión, quizás por tratarse de un filme apocalíptico con reparto limitado, puede provocar empacho.

Esto no es excusa para no reconocer que el tipo aguanta sin rechistar sobre sus hombros el peso de este blockbuster como el que lleva una carísima mochila vacía. Claro que igual es porque esa mochila imaginaria es la perfecta metáfora de lo que representa ‘Oblivion’, una película exclusiva y de diseño espectacular digna de ser admirada en salas IMAX pero que no guarda dentro nada de valor. De ahí que la cinta se disfrute más cuanto menos sepas de ella.

Una verdadera lástima, porque el director Joseph Kosinski tenía entre manos potencial para entregar una cinta de entretenimiento más que decente, como bien demuestra cuando la acción entra en escena con secuencias que no por recordar a las peleas coreografiadas de cintas como ‘Star Wars’ o ‘Mad Max’ son menos válidas. El problema es que para llegar a ellas hay que aguantar un constante discurso filosófico supuestamente trascendental que, enfatizado por voces en off y diálogos explicativos que mastican más de la cuenta, lleva el tono del filme a latitudes que nos confirman una vez más que ‘2001, una odisea en el espacio’ sigue siendo única.

Aunque no es la de Kubrik la única película que como espectador te viene a la cabeza. Desde ‘Matrix’ a ‘Moon’, pasando por ‘El planeta de los simios’, ‘Stargate’, ‘La guerra de los mundos’, ‘Solaris’ o ‘Wall-E’, son infinidad los títulos que por temática, por estética o directamente por similitud en la trama hacen que ‘Oblivion’ se quede fuera de ese exclusivo grupo de cintas que, sin valorar si son buenas o malas, siempre serán tomadas como referencia original de todas las que llegaron detrás.

Claro que no todo van a ser quejas, ya que si después de encargar a Anthony Gonzalez de M83 la música de la cinta, en Hollywood comienzan a confiar en grandes de la música pop para firmar bandas sonoras (Kosinski ya consiguió que Daft Punk compusieran la de ‘Tron:Legacy’) daremos esta superproducción por buena viendo que lo que como película falla como videoclip sí funciona. 4,5

Woodkid / The Golden Age

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El polifacético artista francés Yoann Lemoine ya había dirigido vídeos musicales para Katy Perry o Lana del Rey (inolvidable aquel clip para ‘Blue Jeans’) antes de que su proyecto como músico solista Woodkid tomara la relevancia que disfruta en la actualidad. ‘Iron’ encendió la mecha pero su discreta posición en este disco (es la pista trece de un total de catorce) no puede sino indicar que el artista se ha reservado más de un as en la manga para su esperada puesta de largo.

La fórmula continúa en la línea de los magníficos sencillos de presentación, aunque ya en sus directos se intuía que en ‘The Golden Age’ pocas concesiones iba a haber a la introspección de temas como ‘Brooklyn’. El debut de Woodkid ofrece más épica de banda sonora en su uso de los vientos, la grandilocuente furia de las percusiones, el dramatismo de película bélica de las cuerdas e incluso coros solemnes y campanillas en algunos temas contados. Por supuesto la quebradiza, imperfecta y hasta cierto punto agotadora voz de Lemoine es también un elemento esencial en estas canciones porque sin ella, sencillamente, no podríamos hablar de sus letras, en más de una ocasión tan metafóricas y evocadoras como cabe esperar, aunque a veces las melodías que las acompañan no aporten demasiado.

No es el caso del último sencillo ‘I Love You’, una gran canción por cuenta propia y uno de los pocos momentos en ‘The Golden Age’ en que Woodkid no desarrolla sus arreglos hacia la excitante tensión/relajación cinematográfica que predomina a lo largo de todo el disco. En ‘I Love You’ orquesta y letra, acerca de amar a alguien que no te hace caso, fluyen de manera armónica y no en paralelo, como ocurre en, por ejemplo, ‘Conquest of Spaces’, que funcionaría perfectamente como tema instrumental. Ahí están composiciones tan bellas como ‘Shadows’ para corroborar que Wooodkid sería un excelente creador de bandas sonoras, tan atmosféricas y sugerentes como ‘Falling’, en la que suenan cacofonías de órgano a lo lejos, como venido del «otro lado» del que versa la última y emocionante canción del disco.

En ‘The Other Side’, sin ir más lejos, Woodkid se transforma en un caballero que muere en combate. La marcha final sugiere el final de su vida. “Caigo lentamente en el sueño porque he perdido las fuerzas”, entona Lemoine. Otros títulos como ‘The Great Escape’, ‘The Golden Age’ o la misma ‘Conquest of Spaces’, todos muy de película de ciencia ficción, no hacen sino añadir fuerza al cinemático discurso musical de un artista que es prácticamente un director de cine en sí mismo. Solo hace falta echar un vistazo a sus impresionantes creaciones visuales para darse cuenta de que Woodkid es más que un músico al uso. El trabajo orquestal en ‘Stabat Mater’, coros incluidos, construye por sí solo un dramatismo propio únicamente de la más emotiva banda sonora.

Por suerte, Lemoine entiende la ley del menos es más incluso cuando, musicalmente, lo suyo es sobre todo el más es más. Así, en el álbum no hay ni un solo tema que sobrepase los cinco minutos de duración. La mayoría de estas canciones, de hecho, apenas alcanzan los cuatro minutos y algunas ni siquiera llegan a los tres. Para un lanzamiento que cuenta con catorce pistas tan cohesivas en su fórmula esa decisión es un rotundo acierto. Canciones como ‘The Golden Age’ ascienden hacia su clímax de manera tan inteligente que cuando sus vientos explotan hacia el final al tema le quedan tan solo unos segundos para que termine. La orquesta está tan bien dirigida que es imposible que el oyente se aburra lo más mínimo incluso cuando, de nuevo, las melodías carecen de ganchos más identificables.

E inteligentemente, también, Woodkid incluye en el disco algunas piezas más calmadas que le dan dinamismo al conjunto. De no haber sido así, ‘The Golden Age’ hubiera pecado de excesivamente emotivo y su escucha hubiera caído en lo tedioso. ‘Boat Song’ muestra el hábil uso de la metáfora en este disco, con frases como “hicimos nuestras maletas y dijimos adiós / desatamos las cuerdas y alzamos la vela / lanzamos nuestros corazones al mar / y olvidamos todos nuestros recuerdos” para hablarnos sobre empezar de nuevo en la vida. Los metales en esta misma canción alcanzan la belleza sin recurrir a esas estridencias en búsqueda de la épica propias de Lemoine.

‘The Golden Age’ es casi un ejercicio de dirección cinematográfica en disco, en el que tanto la orquesta como las letras producen vívidas imágenes en el oyente, aunque melódicamente pocos temas aquí resulten igual de brillantes que sus arreglos. Por momentos uno se pregunta si un trabajo como este, tan emparentado con el arte de la banda sonora, funcionaría igual o incluso mejor sin la voz de Lemoine, que no es precisamente el mejor vocalista. Con la tontería, sin embargo, se rumorea que Woodkid va a trabajar en lo nuevo de Britney y dirigir un clip para Beyoncé. Dirigiéndose de este modo a las altas esferas a las que apuntan los vientos de este álbum, el destino de Lemoine parece encontrarse en lo alto, al estilo de sus propias canciones.

Calificación: 7,2/10
Lo mejor: ‘Run Boy Run’, ‘I Love You’, ‘Boat Song’, ‘Stabat Mater’, ‘Conquest of Spaces’, ‘Iron’
Te gustará si te gusta: el más es más en la producción musical, las películas bélicas
Escúchalo: Deezer

Elvis Costello, también en Madrid

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El sábado 27 de julio Elvis Costello ofrecerá un concierto en Madrid, concretamente en el Teatro Circe Price. Con esta son ya dos las fechas que aporta nuestro país a su gira europea (el 26 de julio estará en el Poble Espanyol de Barcelona), de la que de momento se han anunciado 35 actuaciones. Falta una tercera, que se comunicará en breve. El londinense estará acompañado en este tour por The Imposters: Steve Nieve a cargo de los teclados, Pete Thomas tocando la batería y Davey Faragher encargándose del bajo.

Por otro lado, están a punto de agotarse las entradas para verle en Barcelona por 38 euros. Después el precio pasará a 45 euros y finalmente a 55 euros.

Jay-Jay Johanson presenta a ‘Mr Frederikson’

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Aparte de presentarse a las semifinales suecas eurovisivas quedando muy mal, Jay Jay Johanson ha publicado un recopilatorio con un tracklist muy poco favorecedor recientemente.

Pero al margen de eso ha grabado un disco llamado ‘Cockroach’ para el que acaba de presentar el primer single. Junto a un vídeo en el que vemos a Jay Jay al volante, ‘Mr Frederikson’ resulta una de sus clásicas baladas post-trip hop. Según su Facebook, el disco sale en septiembre.

Os dejamos también con el recopilatorio de tracklist mejorable y os recordamos que Jay-Jay estará actuando el día 26 de abril en Madrid y el 27 en Barcelona junto a Natalia Lafourcade en un concierto de la gira Budweiser Live Circuit. Además, el 19 de mayo pinchará en Razzmatazz en la fiesta sueca en que actuarán iamamiwhoami y Kate Boy.

El amor raro de Benjamin Biolay

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Benjamin Biolay publica el segundo videoclip correspondiente a alguna canción de su último disco, el notable ‘Vengeance‘. Nico Kasakoff y Martin Jalfen son los autores del videoclip para ‘Profite’, aquella canción en la que colaboraba Vanessa Paradis. No era la canción más vistosa del álbum pero quizá gane alguna notoriedad a través de esta extraña historia de amor entre personajes imposibles, protagonizada por Ivana Korab y Eddy Rise Jr.

Tulsa estrena cortometraje

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Después de unos años bastante ajetreados, incluyendo un dueto con Bunbury, Miren Iza se encuentra en Nueva York trabajando en el que será el tercer disco de Tulsa. La artista ha aprovechado su estancia en la icónica ciudad de los rascacielos para rodar un cortometraje con la complicidad del director Raúl Santos. Además de ser la protagonista, Miren ha aportado tres nuevas canciones grabadas en 2012 y que se pueden escuchar por primera vez en este trabajo audiovisual. ‘Bórrame del Mapa’, Verano Averno’ y ‘El Baile’ son los títulos de los temas que suenan a lo largo de los 15 minutos que dura este experimento, que ha contado con la producción de Abel Hernández.

Pedro Marín, el Santo

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Pedro Marín estrena videoclip para otro de los temas extraídos de su nuevo disco, ‘El Hombre Mecánico’. La canción escogida es ‘The Saint’, que también ha sido producida por Stefano Maccarrone de Mendetz. Al igual que en ‘Te Veo Bailar’, Pedro vuelve a hacerse un “Juan Palomo” y se encarga él de la dirección del videoclip. No sabemos si inspirado por aquel segundo e improvisado videoclip de Madonna para ‘American Life’ con banderas, Marín aparece sobre un fondo sin planchar, luciendo una corona de espinas y lágrimas de sangre mientras a sus espaldas se proyectan banderas y planos de carreteras. El álbum sale el 13 de mayo.

Bilbao BBK Live triplica su zona de acampada

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La octava edición del Bilbao BBK Live ampliará considerablemente su zona de acampada. Las tres zonas destinadas a tal efecto el año pasado, situadas en el camping de autocaravanas y en la cervecera de Kobetamendi, alcanzaban un espacio de 35.000 metros cuadrados, que se triplicará con el traslado de la zona de acampada al monte Arraiz. Según la nota de prensa del festival, esta nueva ubicación se encuentra a apenas un kilómetro del recinto. «Se trata de una zona verde, natural, con 7.000 árboles y con una superficie total de 340.000 metros sobre superficie llana, de los cuales aproximadamente 120.000 se destinarán a la nueva zona de acampada del festival, con aforo para casi 20.000 personas con respecto a las 5.000 que se acogieron en 2012. Con el traslado de la zona de acampada al monte Arraiz desaparecerán las zonas de años anteriores que resultaron insuficientes ante el constante crecimiento de la asistencia del Bilbao BBK Live año tras año y la demanda para acampar». La nueva zona de acampada se abrirá al público el miércoles, 10 de julio, a las seis de la tarde y se cerrará el domingo 14, a las 15h. Cualquier entrada del festival, se trate de bono de 3 días o de entrada de día, dará acceso a este espacio, hasta agotar aforo.

Os recordamos que en el festival actuará gente como Twin Shadow, Editors, alt-J, Kings of Leon, Two Door Cinema Club y Depeche Mode, y os dejamos con un concierto completo de estos últimos. Está online en esta web.

Natalia, dominatrix e indígena

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Natalia sigue con esa carrera imparable que nos ha dejado tantos buenos momentos en los últimos años. Después de practicar la introspección en el videoclip de ‘Tú’, nuestra amiga vuelve a lo que mejor sabe hacer, mover el cucu. La canción nueva se titula ‘Nunca Digas No’ y la acompañan Xriz y CHK, dos raperos canarios hinchados de vocoder. La buena noticia es que la cantante no necesita los 30.000 euros que recolectó Soraya para hacer exactamente lo mismo.

El videoclip, como viene siendo habitual, es un no parar de momentos para la historia. Adelantado por un prólogo con absenta que posiblemente sea una advertencia, podemos ver a Natalia en plan dominatrix con 4 maromos untados en aceite o en plan indígena bailando alrededor de una hoguera. Grabado en alguna discoteca ramdom de España, la cantante aparece en algunos planos tan mal iluminada que a veces aparece más blanca que Michael Jackson.

El 23% de los universitarios tiene discos enteros de los Beatles (en plural)

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Hubo una época en la que, a raíz de cierto medio en el que algunos de nosotros trabajamos, nos reíamos mucho de los estudios que llegaban por agencia, procedentes de universidades recónditas de las que nunca habíamos oído hablar. A veces bromeábamos sobre inventarnos los nombres de las universidades o de las ciudades, sobre todo porque los estudios, sobre las cuestiones más improbables, muchas veces ni siquiera se realizaban con una muestra representativa de la sociedad. Daba igual. Este tipo de artículos siempre han sido una mina de titulares y la gente siempre se los lee con ganas. No falla. El realizado por el Área de Sociología del Departamento de Ciencias Humanas de la Universidad de La Rioja sobre juventud y música es un ejemplo más. Se ha hecho en base a 600 entrevistas a estudiantes, extrapolando de manera turbadora en su informe que los universitarios «no presentan muchas diferencias con los no universitarios, ya que su acceso a la música seguirá los mismos cauces» y con el 93% de los estudiantes cursando 1º, 2º o 3º de carrera, por lo que no hay que olvidar que la mayoría de los encuestados (un 60% exactamente) está entre los 17 y los 20 años. Ni en la era internet una persona con un interés medio por la música de esa edad ha tenido tiempo y ganas de reunir discos de todos los artistas planteados, por muy a golpe de un clic que estén.

Además, hay otros sesgos aparte del geográfico, favorito de muchos de nuestros lectores, como el hecho de que en esta Universidad se impartan unas carreras sí y otras no. No hay Facultad de Ciencias de la Información (Periodismo, Comunicación Audiovisual, Publicidad) ni de Bellas Artes, y sólo el 3,7% de los encuestados estudia Geografía e Historia, carreras que algunos escogimos por contener algún tipo de relación, aunque fuera remota, con la música y otras artes relacionadas como el cine (aunque muchos no lo crean en Periodismo se imparten cosas como Crítica de Arte, en Geografía e Historia en la Complutense hay un par de asignaturas optativas y de libre configuración sobre música como Música Popular Urbana).

Sin embargo, es difícil no entretenerse buceando entre las conclusiones, donde se mezclan algunas comprensibles y asumidas por todos con otras más discutibles. Entre las primeras están cosas como que crece el consumo de vídeos en internet en lugar de en la tele (¡¡donde ya no echan!!), la mayor aceptación del flamenco a medida que se cumplen años o el escaso porcentaje de público que compra discos «siempre» (sic): un 1% de los encuestados que se convierte en un 10% para los universitarios mayores de 31 años, como consecuencia evidentemente de un mayor poder adquisitivo. También ese 87,5% de la gente que nunca compra revistas de música o ese 75% que escucha música por canales gratuitos.

Entre las segundas, especialmente un ránking extraño sobre la popularidad de artistas que mezcla conocimiento con aceptación. La metodología era rarita. Para puntuar a un artista con un «5», lo máximo, tenías que, no sólo conocer al artista, sino poseer «sus discos» (ojo al plural, muy del postureo), eso sí «originales o no». Este sistema deja un top resultante bastante poco indicativo, pues aparte de lo señalado, como reconoce el propio estudio en sus páginas, los artistas nuevos como LMFAO principalmente no son seguidos por sus discos enteros (que poseen sólo un 8% de los universitarios) sino por canciones sueltas (que poseen un 45%). Por el contrario, aunque el 23% no sepan quiénes son Led Zepellin, más de un 10% posee sus discos enteros. Más que el caso de LMFAO.

En la línea, Madonna aparece pegada a Lady Gaga en resultados de popularidad, aunque un puesto por detrás. Madonna gana en «tengo discos» pero Lady Gaga la arrasa en «tengo canciones sueltas», mientras Madonna sufre un alto porcentaje «la conozco pero no tengo sus discos ni canciones». De manera más alarmante, mientras el 99,5% de los universitarios sí saben quiénes son los Beatles (y el 23% tiene «sus discos» en plural), el 4,2% de los universitarios no sabe quiénes son U2. Pero no te preguntes quiénes son esas personas: el 48% nunca ha oído hablar de los mismísimos R.E.M. Sí, aquellos R.E.M. que eran multiplatino en nuestro país y han sonado en M80 o Kiss FM hasta la saciedad.

Mención aparte merecen Vetusta Morla y Love of Lesbian, dos grupos que podíamos considerar de moda entre los universitarios, ambos rondando el 30% del desconocimiento del público. Según el estudio, «estos grupos, teóricamente, estarían más cerca del público entrevistado, pero estos datos nos muestran que no, que son seguidos por generaciones mayores y que, dentro de los más jóvenes, se encuadran en nichos muy específicos». Un tanto pesimista si recordamos que el 20% de todos los universitarios se han molestado en conseguir discos o canciones sueltas de ambos sin que ninguno de ellos suene en radio. En sintonía, sobre el 53% del desconocimiento de toda esta gente de Arctic Monkeys o el dato peor aún de Radiohead, Björk, Arcade Fire o Wilco, el estudio concluye que «estos grupos han logrado éxito de ventas, crítica y premios, pero en España son minoritarios, aunque llenen en sus conciertos, lo que nos indica que su público no es el universitario, ya que tampoco suelen sonar en sus medios y canales».

De nuevo, las cifras pueden resultar desoladoras para aquellos que consideren a Radiohead autores de varios de los discos más reconocidos de la historia, pero tampoco hay que alarmarse con ciertas afirmaciones, tan absurdas como situar que el 95% de los españoles pasó de comprar ‘Más’ ya que el disco de Alejandro Sanz, el más vendido de la historia en España, fue sólo adquirido por 2 millones de personas y no por 40 millones. Ni siquiera el dato de Wilco es tan malo si recordamos que el 7% de los universitarios desconoce quién es Pablo Alborán, ese tipo que lleva 3 añazos en el top 10 de la lista de los discos más vendidos en España. Es típico imaginar al universitario como un público inquieto que está todo el día escuchando a los Pixies y documentándose sobre el origen de la cassette que regaló el NME en el 86, pero todos sabemos que eso no es así en ningún lugar del mundo, y que has de ser muy grande para que toda una muestra con gente de todos los estratos, ideas políticas y orígenes conozca tu pequeño grupo musical. Y no hay motivo para el pesimismo porque mirando a todo el conjunto de la sociedad, el número de personas que cabe en una sala de conciertos es muy limitado. Honestamente, no creo que Radiohead tengan de qué preocuparse mientras un 7% de todos los universitarios, así en general, tenga dos discos suyos en su disco duro. Seguro que cuando vuelvan, les basta para llenar.

Por supuesto, pueden ponerse mil y un pegas a todas estas conclusiones peregrinas sobre un estudio peregrino. Por eso lo divertido es coger la lista y lanzarse al vacío, concluyendo que James Brown es más famoso que Vetusta Morla y que por tanto llenaría más veces La Riviera que ellos de estar vivo (¡ja!), que Bob Dylan está casi tan valorado como LMFAO por la gente joven (otro ¡ja!), que gracias a Dios los Beatles son casi tan, tan conocidos como Marea, y que había un fan de Radio Futura entre quienes han realizado el estudio.

Al margen de la tablita de marras, la conclusión oficial del informe es algo así como que a todo el mundo le gusta la música, pero que casi nadie la valora porque es demasiado accesible desde cualquier dispositivo. Estoy de acuerdo, es interesante, abre un debate y ojalá se hagan más en la línea que den lugar a nuevas cuestiones que nos hagan echar unas risas. Y es que mucho se ha comentado que el 31% no sepa lo que es indie-rock, ¿pero qué me decís sobre que el fan del indie tienda más a estudiar Enología? ¿Y sobre ese interrogante gigantesco que apareció sobre la cabeza del 51% de los estudiantes cuando les preguntaron qué era eso de new age? ¿Es la new age el nuevo indie?

EnCrudo, enología y gastronomía con concierto sorpresa

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El sábado 20 de abril se celebra en la sala Moby Dick de Madrid EnCrudo, un festival de música y gastronomía. Además de las catas de vino y la comida, por la tarde actúan Wilhelm and the Dancing Animals y un artista sorpresa (desde la redacción garantizamos que mola).

El evento empezará a las 13:00 h y dura «hasta que los bailes aguanten». El precio de 55 euros incluye todos los vinos desde por la mañana, las catas dirigidas de 4 bodegas de diferentes denominaciones de origen, la comida del cocinero Rodrigo Roza, la primera copa y los conciertos. Más información, en la web oficial.

Richie Hawtin presenta Enter. en Sónar

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Sónar presenta nuevas confirmaciones para su cartel, que ya contaba con Kraftwerk, Pet Shop Boys, Bat For Lashes, Diplo y Major Lazer, entre otras decenas. Las novedades son Richie Hawtin, ligado a la historia del festival desde sus inicios, esta vez con su espectáculo ENTER.; desde Barcelona Angel Molina, Zero y César de Melero para el mítico escenario SonarCar el viernes 14 de junio (Molina también hará el set previo de Pet Shop Boys el 15 de junio); y por último el joven británico Melé, el londinense George Fitzgerald y Arcanoid.

Respecto al espectáculo de Richie Hawtin, ENTER. se basa en cuatro pilares: «música, tecnología, experiencia y… sake, la bebida japonesa que, junto con el resto de la cultura nipona, le ha inspirado continuamente durante los últimos 20 años» (ha creado el primer «sake bar» en Ibiza). Junto a él estarán presentes la DJ británica Maya Jane Coles y el español Paco Osuna. Este show será el viernes 14. Más información, en la web de Sónar.

La Ruleta China actúa con Julio Bustamante

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Este sábado 13 de abril La Boca del Lobo de Madrid vivirá una noche de excepción al acoger los conciertos del gran Julio Bustamante, acompañado según la nota de prensa «por una banda asombrosa» y con La Ruleta China como teloneros, el proyecto de El Zurdo (Kaka de Luxe, Paraíso, La Mode), Charlie Mysterio (Los Caramelos) y Clara Guitar (Los Autonautas), que quizá algún día lleguen a publicar su disco grabado hace años para Siesta.

Cansei de Ser Sexy: de la borrachera a la resaca

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Cansei de Ser Sexy, que hace unos meses cantaban sobre borracheras, ahora lo hacen sobre resacas en su nuevo single, ‘Hangover’, muy animado en su uso de vientos y próximo a las producciones de Diplo. En realidad el álbum ‘Planta’ (muy Hidrogenesse el título) sale a la venta el 11 de junio con la producción de Dave Sitek, con el que ya grabaron ‘I’ve Seen You Drunk, Girl’. Este es el tracklist. Atentos a ‘Frankie Goes To North Hollywood’.

Honey
Hangover
Into The Sun
Girlfriend
Dynamite
Sweet
Too Hot
Teenage Tiger Cat
Frankie Goes To North Hollywood
The Hangout

Blacanova insisten con ‘Checoslovaquia’

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Blacanova estrenan un sencillo vídeo en el que simplemente aparecen tocando ‘Checoslovaquia’, una de las canciones estrella de su disco ‘¿Cómo ve el mundo un caballo?‘. Ha sido realizado por Joaquín Blanes y José A. Díaz-Meco. El grupo actúa los días 12 y 13 de abril en Granada.

Las cosas favoritas de Eleanor Friedberger

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Eleanor Friedberger de The Fiery Furnaces publica su nuevo disco, ingeniosamente titulado ‘Personal Record‘, el próximo 4 de junio. En él estará incluido este sencillo titulado ‘Stare At The Sun’ que acaba de estrenar vídeo. Según el director Scott Jacobson (The National, Dinosaur Jr, etc), el vídeo es un homenaje a una escena de ‘Manhattan’ de Woody Allen con una lista de las cosas favoritas que hacen que la vida merezca la pena. Entre ellas hay varios animales.

Avey Tare de Animal Collective forma un supergrupo con Angel Deradoorian

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Avey Tare de Animal Collective ha montado un nuevo supergrupo (aparte del propio, nos referimos), en el que están la cantante Angel Deradoorian de Dirty Projectors y el batería de Ponytail Jeremy Hyman. Recibirán el nombre de Avey Tare’s Slasher Flicks y de momento no tienen un plan concreto para lanzar un álbum, pero sí una gira de cuatro conciertos por Estados Unidos y Reino Unido. Se describen como «tres hippies en un viaje de carretera a través de la escena rural musical de 2013» en una nota que también habla de asesinato caníbal y se indica que veremos a Avey Tare con una máscara de cuero.

‘Masterchef’, síndrome de Estocolmo en la cocina

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Que en un «talent show» la gente no cante da puntos. Si además de manera coyuntural se fomenta una profesión que requiere más dedicación que convertirte en una estrella mediática en 15 minutos, mejor todavía. Y si no hay tontería de directo ni tres horas de duración sino un ágil montaje de hora y cuarenta cinco minutos, el programa puede convertirse en la bomba, como es el caso de ‘Masterchef’.

La nueva apuesta para la noche de los miércoles de Televisión Española es este formato que ha sido producido en 37 países y emitido en 145. Tras un cásting realizado a más de 9000 aspirantes a chef de alta cocina, o en su defecto a editar un libro de recetas que se venderá como rosquillas y a llevarse 100.000 euros de nada, vemos a unos cuantos cientos elegidos realizando una prueba en la Plaza de Oriente de Madrid -por suerte ese día no llovió-. De ellos se seleccionan 40 finalistas que acuden a plató y allí el primer programa ha ofrecido una rápida nueva criba de la que han quedado quince finalistas.

Quitando los planos de esos 150 soldados entrenando a los que los concursantes han tenido que abastecer por equipos (en el camino de lo siniestro lo siguiente debería ser una prisión de alta seguridad), ‘Masterchef’ ha sido un triunfo absoluto, mostrando un excelente equilibrio entre lo icónico -esa entrega de la cuchara gigante a los seleccionados, esa gente llevándose las manos a la boca tras observar el delantal de la victoria; lo lacrimógeno -esos abrazos con bien de música épica tipo ‘Juego de tronos’, han sonado hasta Arcade Fire-; lo cómico -esas caras de horror al tener que enfrentarse a un rodaballo- y lo deconstruible -«no te preocupes por tu eliminación, vas a poder seguir experimentando con los electrodomésticos que te regala nuestro patrocinador»-.

A estos dos últimos puntos fundamentales contribuye con firmeza lo que se adivina ya como un cásting excelente, con gente de muy diferentes edades y procedencias (de la cocina tradicional al moderneo) y personalidades entre lo inaguantable y lo adictivo como Maribel. Pero sobre todo un jurado formado por Samantha Vallejo Nájera, Jordi Cruz y Pepe Rodríguez, que se acerca a los platos en plan Tiburón Ataca y después de probarlos pone cara de todo excepto de gusto y/o placer. El último particularmente se adivina la revelación de la temporada. Es ese profesor cínico, estricto y riguroso pero a la vez sabio, ocurrente y divertido con el que a veces te dan ganas de llorar humillado pero otras no puedes evitar reírte… y recuerdas toda la vida. Síndrome de Estocolmo asegurado. Por cierto, las recetas ganadoras están online.

Calificación: 8/10
Destacamos: A Pepe Rodríguez, el nuevo Risto
Te gustará si te gusta: El Comidista
Predictor: Éxito seguro, esperamos.
Actualización: De momento el programa ha hecho un 11% de share, quedando por debajo de su competencia (‘Homeland‘ entre ella)

She & Him estrenan ‘I Could’ve Been Your Girl’

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Parece que She & Him esta vez no han logrado demasiada notoriedad con el primer single de ‘Volume 3’, ‘Never Wanted Your Love‘.

Para tratar de resolverlo llega otro tema adelanto a Soundcloud, el delicioso ‘I Could’ve Been Your Girl’, que difícilmente decepcionará a sus fans entre cuerdas, coros y melodía. El álbum se acerca: sale el 7 de mayo.

El Oso Panda de Franc3s

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Franc3s presentan un nuevo sencillo de su disco editado el año pasado, ‘Campanas de fuego rosa‘. Esta vez es el turno de ‘Entrelazamiento’ y llega en forma de vídeo realizado por Rubén Domínguez, en este caso junto a Mar Catarina, después de su trabajo para la pegadiza ‘Apartamento alquilado‘. Un Oso Panda y una carrera en la oscuridad de un bosque son protagonistas. El grupo presentará sus canciones en Contempopránea.

El angustioso paseo de The Soft Moon

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The Soft Moon ha estrenado un vídeo correspondiente a otro de los temas de su disco ‘Zeros‘ (el que se cerraba con una canción al revés). ‘Want’ se convierte aquí en un angustioso paseo nocturno lleno de violencia que, por ritmo y ambientación creada entre imágenes y música, no puede dejar de hacernos pensar en aquella obra maestra llamada ‘Smack My Bitch Up’. Dirige Grant Singer.

Yeah Yeah Yeahs / Mosquito

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Yeah Yeah Yeahs siempre nos la juegan. ‘It’s Blitz‘, el que tenía que haber sido su disco definitivo tras una buena sucesión de singles extraídos de los dos primeros álbumes, venía presentado por un sencillo tan atronador como ‘Zero’… que no tenía una correspondencia demasiado directa con lo que encontrábamos en el resto del álbum. Y ahora igual. Su nuevo lanzamiento, ‘Mosquito’, de portadón polémico con ciertas reminiscencias a ‘Nevermind’, ha llegado precedido de un tema que cuenta con el mejor gospel que ha visto el pop desde la edición de ‘Screamadelica‘ (lo siento, Blur). No es la primera vez que el grupo de Karen O se inspira en Primal Scream, ya lo hacía en otra de sus vertientes la misma ‘Zero’, pero el caso es que ‘Sacrilege‘ es una canción tan contundente que sólo por ella dan ganas de comprarse el álbum entero como si estuviéramos en los años 90. Por no hablar de su interpretación televisiva, con la directora de coro más cool de la historia.

‘Mosquito’, en cambio, es otra cosa y, como todo disco de Yeah Yeah Yeahs, no logra convertirse en una obra maestra. La banda mantiene ciertos problemas de cohesión, pasando de incluir cosas tan intrascendentes como la tonta canción titular -Karen está irresistible zumbando, eso sí- a despedir el disco con una ‘Wedding Song’ que trata de resultar emocionante tirando de unos punteos a lo The xx. Las letras se mantienen además demasiado modestas, y no me refiero a ‘Mosquito’, que tiene su gracia (aunque ya que Karen dice que no hay muchas canciones sobre este tema, ‘Qué piensas de los insectos’ de Los Pegamoides llegó antes), sino a lo escueta que resulta la misma ‘Sacrilege’. Sin embargo, y para sorpresa de los que los identificaron como un hype rockero hace 10 años, sus álbumes han conseguido quedarse con nosotros a lo largo del tiempo y ‘Mosquito’ no será una excepción por muchos motivos.

La maravilla que Björk creó con el sonido de un tren en ‘Bailar en la oscuridad’ es ahora recreada en la curiosa ‘Subway’ -explícito título que introducen como el segundo tema sobre Nueva York de su carrera aparte de una cara B-. Puede que 13 años después el recurso no sea tan original, y que tampoco lo sean otros trucos empleados en el álbum, pero la clave por la que el disco funciona es la comodidad con que Yeah Yeah Yeahs se muestran tanto en esta propuesta como a lo largo de los diferentes géneros recorridos después, dando la sensación de que pueden hacer lo que quieran, que siempre les saldrá bien.

Ayudados por la paz de grabar a gusto en un estudio modesto de Nueva York en plan lo-fi, salen airosos de un hip-hop en ‘Buried Alive’ (ft. Dr Octagon, Kool Keith), en donde la participación de James Murphy en la producción, como él mismo avanzó, es anecdótica; de una ambiental ‘Always’ que habría pegado en aquel disco editado en el 95 por The Passengers y donde había una canción igual de encantadora llamada ‘Always Forever Now’; de ese experimento que recuerda a Bronski Beat llamado ‘Slave’; y por supuesto del hit rock a lo ‘Area 52’, perfecto para suceder a la preciosista ‘These Paths’ como contrapartida.

Vuelve a repetir Dave Sitek de TV On The Radio en la producción acompañado de Nick Launay, definitivamente las personas perfectas para hacer al grupo sonar mucho más interesante de lo que probablemente sea en realidad. Lo comprobamos cuando incluso las dos únicas canciones todavía no mencionadas, ‘Under The Earth’ y ‘Despair’, quizá no tan vistosas como otras a simple vista, presentan espléndidos desarrollos. No hay difícil cuarto disco para la banda, que con algo tan sólido como ‘Mosquito’ se confirma definitivamente como una superviviente de la pasada década.

Calificación: 8/10

Lo mejor: ‘Sacrilege’, ‘Mosquito’, ‘Under The Earth’, ‘Despair’
Te gustará si te gustan: Primal Scream, TV On The Radio, Garbage, U2
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‘Los invisibles’: no tengo miedo al futuro

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Puede parecer frivolidad y estoy seguro de que muchas veces lo es, pero los homosexuales no tenemos complejo de Peter Pan por gusto, sino por miedo a afrontar un vacío del que no tenemos referentes porque nuestros mayores, a diferencia de los vuestros, simplemente no existen. Y no porque no estén ahí (aunque a algunos les joda tampoco nos curamos con la edad), sino porque a diferencia de las parejas heterosexuales que pudieron llegar a viejos dentro de una sociedad que aceptaba su estado, los homosexuales de determinada edad han estado condenados a vivir toda la vida un amor escondido, prohibido, o lo que es peor, ignorado. ¿Acaso existen los que de ellos nadie habla?

Acabar con esa invisibilidad forzada es precisamente lo que consigue el título francés ‘Los invisibles’, ganador del César al Mejor documental y reconocido en festivales como Cannes que estos días podemos visionar en España dentro de la sección oficial del Atlántida Film Festival. Una ocasión única para darnos cuenta de que en un país en el que muchos afirman que no tenemos ya nada que reivindicar, todavía nos falta derribar algunos tabúes que nos permitan crecer como sociedad.

Porque sí, es decisión de cada uno querer mirar a los ojos a un rostro arrugado y cansado para escuchar sus vivencias, allá cada cual con su manera de afrontar la edad, pero nadie debería estar privado de compartir su amor en público ni tampoco de permitir a los que vienen detrás empaparse de esa tradición oral que de generación en generación pasan los abuelos a sus nietos en un gesto hoy totalmente impensable para los de nuestra condición.

Y aunque sea sólo a través de unos pocos testimonios y en una pantalla de televisión, esto es lo que ofrece la película de Sèbastien Lifshitz, un realizador que lejos de conformarse con la autocomplaciente narración pasiva de simple oyente de batallitas de viejas aprovecha la ocasión no sólo para hacer justicia a toda esa generación que, entre lágrimas, reconoce haber perdido su juventud; sino también para montar un relato histórico nada académico sobre cómo los luchas por las libertades homosexuales en Francia a principios de los años 70 tuvieron como consecuencia una apertura de miras que todavía hoy no ha concluido su conquista total. Peleas públicas y privadas que tuvieron como protagonistas a estos valientes que ahora, solos o en pareja, confirman que independientemente de con quien te acuestes la vejez no es el final, sino simplemente otra cosa. 8,5

Akron/Family, desde la silla

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Akron/Family han preparado un vídeo sencillo pero resultón para una de las canciones contenidas en su próximo disco, ‘Sub Verses’, que sale a la venta el 30 de abril. En él encontramos a uno de los miembros principales de la formación, Miles Seaton, sentado en una silla entonando en general, medio y primer plano este ‘Until The Morning’. Complementan apenas la silla ardiendo y unos bailes espontáneos a la puerta de la casa. Os recordamos que ya conocíamos otro tema del álbum llamado ‘No Room‘.