Si ‘I am not afraid of you and I will beat your ass’ (no te tengo miedo y te voy a patear el culo), título del último trabajo de Yo La Tengo, es una declaración de intenciones ante el álbum y su posible público, desde luego las cumplen. Bajo esas pintas de ‘raros’, y no en el sentido moderno de la palabra, que siempre han tenido y de la que incluso se rieron hace años en su vídeo ‘Sugarcube’, esta banda referencia de la música indie americana vuelve a hacer lo que le da la gana, sin ningún tipo de tapujos. Que muy poca gente a estas alturas se atrevería a meter de pista número uno de un disco un tema de casi once minutos, oscuro y repetitivo como lo hacen con ‘Pass the Hatchet, I Think I’m Goodkind’, y encima salir sin despeinarse del desafío.

Este es un disco ecléctico en el que no se atan a ningún estilo. ‘Mr Tough’ podría haber estado tranquilamente en el último disco de Belle&Sebastian, ‘The Room Got Heavy’ la podrían haber sacado tras haber pasado una temporada con los Stereolab, y ‘Watch Out For Me Ronnie’… pues que también les apetece darle al punk estilo Ramones. Y entre estas canciones, otras que suenan más a Yo La Tengo, aunque no dejen de sonar en ningún momento a ellos, tras tres pistas de unos diez minutos de duración y 77 minutos de disco por los que en algún momento pensamos que nos están pateando el culo, tan sólo podemos dar gracias porque existan bandas así. 7

Alguno pensará que se había metido a jurado en OT pero no, Jarvis Cocker en estos momentos se dedica a promocionar su primer disco en solitario llamado como él mismo, ‘Jarvis’. Después de la disolución -sin mucho ruido y sin muchas explicaciones, por cierto- en 2002 de Pulp, Cocker se lanzó a una nueva aventura musical, bajo el pseudónimo de Darren Spooner, que no convenció demasiado llamada Relaxed Muscle, un experimento de electroclash creado más bien para la diversión y dispersión del músico. Ha sido en 2006 cuando ha decidido tomarse un poco más en serio su carrera y lanzar por fin un disco de verdad con un estilo definido y unas canciones de verdad.

Es inevitable recordar a Pulp al escuchar ‘Jarvis’, pero no la banda que contaba historias de ligues en discotecas o cómo se enrollaba con la hermana de su novia en su propia habitación. Jarvis Cocker ya no necesita ligar ni está tan atormentado como cuando grabó ‘This Is Hardcore’; por el contrario, vive apaciblemente en París con su pareja y el hijo de ambos, algo que se refleja en el sonido de este disco. Salvo algún arranque guitarrero como ‘Fat Children’, donde se desmadra un poco más, y ‘Don’t Let Him Waste YourTime’, en la que parece declararse admirador de Belle&Sebastian, el resto del disco se inclina hacia un pop más calmado y reflexivo. Sin lugar a dudas, ‘Jarvis’ ha sido compuesto por el mismo autor, intimista y más pacífico, de ‘We Love Life’ aunque conserva algo del mismo gamberro que se subió al escenario de los Brits en 1996. No en vano, colabora quien fue bajista de Pulp, su amigo de toda la vida y su pareja en los Desperate Djs, Steve Mackey.

Este disco reserva más de una sorpresa: si quieres encontrar aquel primer single que salió hace unos meses, ‘Running The World’, tendrás que buscarlo a conciencia, pero está. Su MySpace, que actualiza él mismo, es una visita obligada sólo por el vídeo que ha colgado, en el que sale de una casita en un jardín como si fuera la cosa más normal del mundo. Jarvis Cocker no decepciona. 8.

Irene es el grupo cuyo debut más fans de Labrador han esperado este año. Sin el apoyo de Pitchforkmedia ni la prensa inglesa, lo cual es muy bonito. De su nota de prensa se desprende que les encanta grabar en directo y sólo pequeños arreglos como voces, trompetas o palmadas se graban después. Se trata de una de las múltiples bandas de pop sueco del momento, aunque para etiquetar su sonido, quién mejor que ellos: «60’s, Motown soul, grupos de chicas y pop contemporáneo y americano de la costa oeste (…) Crooners de playa, punks y chicos tan normales como un vecino cualquiera. Todo a la vez». Son ocho.

‘Apple Bay’ tiene 12 canciones y una duración de 24 minutos, lo que significa que la duración media de los temas es de 2 minutos. Es casi una obviedad decir que:

-las canciones son instantáneas, hedonistas y muy agradables y agradecidas de escuchar, sobre todo después de intentar cogerle el punto al disco de Joanna Newsom.
-el tema principal es el amor.
-se confunden unas canciones con otras.

Desde luego ‘Apple Bay’ es perfecto para los que quieren vivir siempre en verano o para los que una producción 50’s como la de ‘Accidentally yours’ vale más que todas las cosas. El vozarrón a lo Morrissey o Stephin Merritt de Tobias Isaksson (le llaman Bobby), los deliciosos vientos de ‘Stardust’ o ‘Baby I love your way’ o el arranque Velvet Underground de ‘To be with you’ son las bazas. Y los inconvenientes, los que señalamos en su momento sobre el pop sueco de hoy en general. En su página web regalan 3 mp3.7.

Tenía entendido que Fon Román era el más experimental de Los Piratas. Según se ha comentado en casi todas las notas de prensa que han salido con respecto a su nuevo trabajo en solitario titulado ‘Silencio cómodo en un jardín descuidado’, Fon fue el que «empujó» a Los Piratas a juguetear con la electrónica. Con estas premisas, tengo que decir que me ha decepcionado un poquito encontrarme poco más que una voz y una guitarra en sus canciones.

Pese a la decepción inicial, me apetecía profundizar un poco más en el disco, en parte porque viene de donde viene y en parte porque últimamente intento que no sean los prejuicios los que me fastidien algo bueno. Por eso me veo obligado a decir que Fon ha escrito unas letras muy pero que muy buenas para este disco, y que hay algunas que se merecen una mención especial, como ‘Corazón de juguete’ -pese a ese título imposible- o ‘Dosis Pr’.

Por lo demás, encontramos lo que en otros muchos discos de pop: muchísima guitarra, bastante batería y algún que otro sintetizador, más perdido de lo que yo me esperaba. Sin embargo, con este disco me pasa algo muy curioso que hace mucho tiempo que no experimentaba: no me apasiona ni me he puesto a devorarlo como un loco después de comprarlo, pero cada vez que lo escucho me queda el regustillo ese de «llegará un momento en el que este disco se convierta en uno de mis discos imprescindibles», así que le subo un puntito la nota. 7’5

Hace tiempo que teníamos pendiente un repaso al disco de Charlotte Gainsbourg, ‘5:55’. La actriz/ cantante de origen anglo-francés se atreve con su primer disco cantado mayoritariamente en inglés, y el segundo en su discografía. A pesar de que su carrera quizá se haya centrado más en el mundo del celuloide, Charlotte nunca abandonó del todo el mundo de la música, quizá inculcada por su padre, Serge Gainsbourg, y también su madre, Jane Birkin, todavía en activo. De hecho fue Serge el autor de todas las canciones de su debut, ‘Charlotte Forever’ (1986), que incluía la polémica ‘Lemon incest’ a dúo con él mismo. De este modo, a pesar del gran margen cronológico entre álbum y álbum, no ha dejado de colaborar en numerosas bandas sonoras, discos recopilatorios y tributos (como el que hace poco se hizo a su padre con la colaboración de otros artistas como Franz Ferdinand, Marc Almond, Tricky, Portishead, o Cat Power), en shows de TV, sin olvidarnos de las colaboraciones con artistas como Etienne Daho, con la que hizo un dúo, ‘If’, en su álbum ‘Réévolution; (2003); o Madonna, con la que colaboró en ‘Music’ al principio de ‘What It Feels Like For a Girl’.

‘5:55’ (2006) es un disco que, sin haberlo escuchado una sola vez, llama la atención por diferentes motivos. En primer lugar, el single de presentación, ‘The Songs That We Sing’, es una pasada, simplemente brillante. En segundo lugar, el disco cuenta con la colaboración de Jarvis Cocker, Air, Nigel Godrich (productor de bandas como Radiohead, R.E.M o Beck), Tony Allen, David Campbell (quien se ha encargado de todos los arreglos de cuerda y padre del mismísimo Beck) y Neil Hannon de The Divine Comedy. Con este largo elenco de artistazos resulta imposible no darle una oportunidad a ‘5:55’. La mayor parte del disco lleva el sello inconfundible de Air (como ejemplo destacamos el tema que da nombre al álbum, ‘5:55’) que, junto a la sensual y sugerente voz de Charlotte y la suavidad de las melodías, hacen de este álbum un disco deliciosamente pop, triste e ideal para determinados momentos de ensoñación y nostalgia. Recomendados quedan temas como ‘The Songs That We Sing’, ‘AF607105’, ‘The Operation’, ‘5:55’, ‘Night-Time Intermission’, el magnífico ‘Beauty Mark’ y, por supuesto, ‘Everything I Cannot See’, tan sencillo como precioso. 8.

«Lo que se ha ido se ha ido, pero al menos alguna vez lo tuvimos». Esta es una de las agridulces citas de Edison Woods, la banda de Brooklyn liderada por Julia Frodahl que ahora publica su tercer álbum, ‘Nest of machines’. De la horrible portada que lo ilustra al menos sacamos en claro el aislamiento intimista y, como en el caso de Marissa Nadler, casi siniestro de muchas de las producciones del grupo.

Guiños slowcore, a Leonard Cohen o a Björk de clara inspiración cinematográfica nos remiten en los mejores momentos del disco al universo de David Lynch y Angelo Badalamenti. Hasta el punto de que algunas pistas como ‘Letter to the garden’ suenan tan meramente funcionales que casi te falta la película. Con la ayuda de algunos de los músicos de Antony & The Johnsons, Elysian Fields o The Vanity Set, algunos temas como ‘Last night I dreamt it would last forever’, que no desentonaría demasiado en el ‘Felt Mountain’ de Goldfrapp, asfixian. Otros, como ‘Swing swan’, quizá no alcanzan sus objetivos, pero tampoco estorban. 7.