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Vanessa Hudgens se pasa al electroclash

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Aunque sólo sea de manera temporal, la otrora reina de las comedias Disney se pasa al electroclash. Todo es culpa de Harmony Korine y su ‘Spring Breakers’, que interpreta Hudgens junto a otras princesas infantiles. Producida por Rock Mafia y con la colaboración del grupo YLA, ‘$$$ex’ se publica para acompañar el estreno de la película. Se trata de un tema que sorprenderá a los seguidores de la actriz de ‘High School Musical’ y que se estrena estos días para acompañar.

Misha B, fuego y agua

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Misha B es otra de las apuestas nacida en Reino Unido en el programa ‘X Factor’. Después de publicar una mixtape y dos singles que consiguieron muy buenas posiciones en las listas británicas, la artista lanza el que debería ser su single definitivo.

Titulada ‘Here’s To Everything (Ooh La La)’, la canción sirve como avance de un disco de debut que saldrá a la venta el próximo 29 de julio. Un poco de r&b, otro de reggae y un mucho de drum&bass sirven de ingredientes para cocinar este tema que samplea el ‘Fu-Gee-La’ de Fugees, que a su vez sampleaba el ‘Ooh La La’ de Teena Marie. Además llega junto a un videoclip dirigido por Dava Cut con mucha agua y mucho fuego.

Virginia Labuat: «Por fin he encontrado mi propio sonido»

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La transición se ha completado. O al menos el viaje emprendido hace cinco años para dejar atrás para siempre atrás a la concursante del reality para que ocupe su espacio una artista orgullosa de haber encontrado por fin su sonido. Y aunque no lo dice con estas palabras, Virgina Labuat habla de su tercer álbum, ‘Night & Day’, casi como si fuera el primero. Un disco cantado íntegramente en inglés en el que se da el gustazo de exorcizar algunos fantasmas del pasado que se habían quedado ahí enquistados.

‘Dulce hogar’ era un disco repleto de pop amable capaz de conectar con todos los públicos. ¿Cómo convenciste a Sony para que te dejaran que algo tan diferente a aquello como ‘Night & Day’ fuera el siguiente paso?
La verdad es que surgió todo de una forma muy natural. Cuatro meses después de publicar ‘Dulce hogar’ comencé a componer nuevas canciones pensando en un posible tercer disco, que pensé que tardaría en llegar. Pero a principios del año pasado me pasó lo que no esperaba pero sí deseaba. Recibí una llamada de Javier Portugués en la que me dijo que le habían llamado del departamento de ventas de Sony, que estaban muy contentos con ‘Dulce hogar’ y que querían que sacara un nuevo disco en diciembre. Yo no me lo creía.

¿No confiabas en tus posibilidades?
Sí, lo que pasa es que me sorprendía porque con ‘Dulce hogar’ había sido un poco al contrario, fui yo la que estuvo persiguiendo a la compañía durante meses para que me dejaran grabar una maqueta. En cualquier caso, después de aquella llamada quedamos Portu y yo en su estudio para grabar las ventitantas canciones que yo quería incluir en este nuevo disco.

¿Por qué tantas precisamente ahora que se llevan los discos más cortos? ¿Tenías miedo de equivocarte a la hora de dejar algo fuera?
Para nada. Esas ventitantas canciones eran el resultado de una selección de entre más de 80 que tenía compuestas. Fue demasiado duro dejarlas en una veintena. Pero claro, la compañía me pedía que quitara más, y yo no tenía narices para hacerlo, así que un día de reuniones en Sony en el que iba de despacho en despacho para hablar del proyecto se me ocurrió sobre la marcha una solución: ofrecerles por el mismo precio un DVD y un CD. Les conté que la idea era mostrar las dos caras de un posible disco, la del disco producido en el tiempo y la del grabado en directo. Y les gustó, así que por suerte no tuve que seguir eliminando canciones.

Y ante tantos tracks, ¿Cómo decides que ‘Dream Man’ tenía que ser el single de presentación de ‘Night & Day’?
Lo supe desde un principio porque era la que la gente más fácil memorizaba, incluso antes de tener productor. De hecho, cuando Sony me dijo que buscara uno, esa fue la demo que le pasé a los posibles candidatos para que me mostraran qué podían hacer con ella, y la que más me gustó fue la de Berni Calvo, Sergio Fernández y Pete Nollan. Fue una decisión arriesgada porque yo apenas los conocía. Bueno, a Pete sí que lo había visto en una Jam session en Madrid y entonces ya me quedé fascinada con él.

Esta es la primera vez que cantas un disco íntegramente en inglés ¿Crees que el éxito de artistas como Russian Red o Annie B. Sweet ha ayudado a que pudieras hacerlo sin miedo al qué dirán?
Desde luego que para mí ha sido una fortuna que tanto la una como la otra hayan abierto esa puerta. Yo siempre he querido grabar un disco en inglés, y cuando empecé a escuchar a estas chicas me dije: “qué maravilla que haya gente que esté abriendo este camino”. Porque yo sabía que me iba a venir muy bien en el futuro. Es como cuando tienes hermanos mayores que luchan por ampliar el horario de vuelta a casa y al final llegas tú, la pequeña, y te dejan volver a la hora que te dé la gana. En ese sentido, ellas han sido algo así como mis hermanas mayores.

¿Pero la compañía no te puso ninguna pega?
Ninguna, como te dije antes, estaban muy entusiasmados por cómo había funcionado ‘Dulce hogar’ y me dieron total libertad. Evidentemente la gente de Sony venía al estudio a ver qué estaba pasando, pero no se metían en nada porque cada vez que escuchaban lo grabado compartían esta pasión por el proyecto. Sí que es verdad que al principio me insinuaron que por qué no componía algo en castellano, y de hecho compuse algunos temas que me salieron en castellano de forma natural y que he incluido en el DVD porque me encantan. Si hubiera sido algo forzado no estaría ahí.

Lo cierto es que ‘Night & Day’ suena mucho mejor producido que tus anteriores discos. ¿Tuviste mucho tiempo para jugar en el estudio? ¿Cuánto has tardado en grabar este álbum?
Antes de entrar a grabar me obsesionaba la coherencia y encontrar mi propio sonido. Es algo que arrastro de tiempo atrás. Cada trabajo que he publicado lo he sentido como un paso hacia adelante, hacia esta dirección. ‘Labuat’ fue el inicio de mi carrera discográfica, lo que pasa que fue como intérprete, no era verdaderamente mi proyecto, y ‘Dulce hogar’ siempre tuve muy claro que era una transición hacia otra cosa. Pues bien, esa otra cosa es ‘Night & Day’. Llegar hasta aquí ha costado casi cuatro meses en el estudio de 9 de la mañana a 9 de la noche y de lunes a viernes. Pero ha sido tan divertido… Día a día decidíamos qué nos apetecía hacer con las canciones, proponíamos ideas nuevas, posibles samples, y como Pete toca la batería y Sergio toca el bajo y Berni y yo la guitarra, las grabábamos.

No tenía ni idea que que habías incluido samples…
Sí, bastantes. En ‘Main Street’, por ejemplo, el clarinete que suena es un sample. Lo que pasa es que no recuerdo muy bien de qué tema, porque Bernardo Calvo tiene un montón de carpetas con canciones lo suficientemente viejas para que las podamos utilizar sin tener que pedir derechos de autor. De hecho, en nuestra primera versión de ‘Let Me Talk’ yo me empeñé en meter un sample de una canción de Glenn Miller cuyo título no recuerdo ahora mismo pero al final la tiramos abajo porque la base de la batería se parecía mucho a la del ‘You Know That I’m No Good’ de Amy Winehouse…

Te voy a echar un piropo que no sé si lo es. Sin saber de quién es el disco, cuando lo escuchas parece que está sonando realmente un álbum de los años 50. Al menos en la superficie, que luego te metes en la letra y en los detalles y ya ves que no. ¿Era lo que buscabas? Porque si sí, ¿dónde queda entonces reflejada tu propia personalidad?
Madre mía, pues para mí eso que me estás diciendo es un halago importante. ¿Que cómo sabes que es mío? Pues aparte de que porque lo he compuesto yo y que es mi voz la que suena, no sabría decirte muy bien cómo… Ya te digo que este disco lo siento muy mío porque en él he encontrado por fin mi propio sonido, y entiendo que eso puede desubicar un poco porque nunca había tenido tanta unidad estilística en toda mi carrera. Por eso que me digas que parecen incluso versiones de temas clásicos para mí es muy buena señal, porque es el tipo de música y de canciones que he escuchado siempre. Pero no hemos querido imitar a nadie, te lo prometo.


Virginia Labuat – Dream Man on MUZU.TV.

¿Ya has pensado cómo va a ser el directo?
En la gira de presentación por salas me voy a llevar una banda acústica con batería, contrabajo, guitarra eléctrica y acústica, bandolinas, banjos… Más adelante, salvo cuando me pueda permitir reunir al grupo, tendré que ser yo con mi guitarra. Lo bueno es que el disco lo grabamos pensando en esto, en que cuando yo tenga que defender en solitario las canciones siguieran manteniendo su esencia, que sonaran coherentes. Lo hemos construido todo a partir de la voz y la guitarra acústica.

He leído en alguna entrevista que ya no te importa tanto hablar de tu paso por ‘Operación triunfo’. Yo veo esto como cuando rompes con alguien después de una relación muy intensa, que al principio todo es rencor pero con el paso del tiempo solo te acuerdas de lo bueno. ¿Estás en ese momento?
No exactamente. El motivo por el que ya no tengo tanto reparo a la hora de hablar del programa es el tiempo, obviamente, pero a mí esa experiencia me dejó una serie de heridas que han tardado mucho en curarse, y hasta que esto no ha pasado no me he sentido capaz de hablar del tema con tranquilidad. No es que no tenga ya recuerdos amargos, siempre los voy a tener porque mi paso por ‘Operación triunfo’ tuvo muchas cosas buenas pero también muchas malas. Lo que pasa es que siempre he querido ser muy diplomática y muy prudente, tener mucho cuidado con lo que decía y con lo que no. Pero ha llegado un momento que simplemente me he dicho: “Nena, tampoco hay nada que ocultar”. Al fin y al cabo conseguí lo que quería, fichar con Sony Music, sí que era hora de sacar la rabia que tenía guardada debajo de la alfombra. Por eso empiezo el disco con ‘Let Me Talk’, que habla precisamente de esa rabia.

¿No te preocupa qué puedan pensar tus compañeros de edición de esa canción?
En absoluto, siempre que cada uno asuma la valentía de ser honesto consigo mismo. Muchos de mis ex compañeros saben perfectamente de qué estoy hablando en la canción y a quién me dirijo, que no es a todo el mundo.

Aprovechando esta etapa de reconciliación con tu pasado, recuerdo que la última vez que te entrevistamos para JENESAISPOP nos dijiste que el primer single de ‘Labuat’ ni de coña ibas a volver a cantarlo. ¿Has cambiado de opinión?
Recuerdo que os dije que no iba a cantar ‘Soy tu aire’ ni nada del primer álbum en los conciertos del segundo, pero no era porque yo renegara de aquello, sino porque tenía un montón de canciones nuevas que me apetecía tocar en directo. Ahora me pasa un poco lo mismo, pero tú sabes que al final el público es el que manda, y si me piden que haga ‘Yo soy tu aire’, al final lo haré.

En aquella entrevista también nos dijiste que te gustaría hacer un dúo con Rufus Wainwright…
No es un sueño que me plantee muy a menudo, pero él o Jack Johnson siguen en lo alto de la lista de colaboraciones que me gustaría realizar. También me gustaría resucitar a Ray Charles para una, pero… (Se ríe)

Te lo digo porque a Rufus se le vio hace nada cantando en el pianobar Toni2 de Madrid.
Me lo han contado, sí. ¿Qué fuerte no?

Si llegas a estar allí, habría sido una buena ocasión de pedirle el dúo.
No sé si me habría atrevido, no tengo espíritu fan.

Pero si sí, ¿qué te habría gustado cantar con él?
Por soñar, algún tema mío. Pero a la hora de improvisar siempre es mejor tirar de grupos míticos. Le habría preguntado por su canción favorita de los Beatles, que es casi como lenguaje popular.

Háblame de la portada. Aunque la estética es acorde con el contenido del disco, yo la veo demasiado colorida.
Te esperabas algo más oscuro, ¿verdad? De hecho lo hablamos en el estudio antes de hacerme la foto. Bernardo me lo decía, que al sonido le pegaba algo más oscurito y más al aire libre, y yo lo veía muy claro. Pero por otro lado me apetecía también una portada muy clásica. En cualquier caso, a mí el resultado me encanta, y eso que el día que hicimos la sesión de foto no tenía yo mi mejor cara para posar, estaba agobiada. Por suerte el fotógrafo lo supo disimular.

Nuestros lectores nos han dejado algunas preguntas para ti, pero solo nos queda tiempo para una que además, como no tengo ni idea de componer música, no sé si es coherente. Ahí va. ¿Cuál es el primer acorde que te viene a la cabeza después de tocar un La Mayor?
Pues un La 7, que ahora que lo pienso es algo que hago mucho en mis composiciones. Aparece en varias canciones de ‘Night & Day’ como por ejemplo en ‘I Wonder’. Es como el siguiente escalón.

No puedo dejarte sin preguntarte por la opinión de Risto. La última vez nos dijiste que te había mandado un mail en respuesta a un envío masivo diciendo que le había gustado ‘Dulce hogar’. ¿De este sabes algo?
Todavía nada, pero claro, acaba de salir y no he podido mandárselo. De hecho, él me mandó su último libro y soy tan desastre que todavía no le he dicho lo que me parecía. Pero voy a hacer lo mismo que la última vez, le voy a enviar el CD ya mismo. Así que cuando lo escuche y me diga lo que le parece, ya os comento.

Drake, en lo nuevo de Snoop Lion

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Como sigamos escuchando canciones del disco reggae de Snoop Dogg, para cuando llegue el próximo 23 de abril ya lo habremos escuchado entero. Ahora es tiempo de saber cómo suena la aportación de Drake en el tema ‘No Guns Allowed’. La canción también incluye las colaboraciones de Cori B. y Angela Hunte y se trata de una balada con coros producida por Major Lazer y Ariel Rechtshaid que bien podría haber formado parte de algún disco de Gorillaz. Os recordamos que el disco ‘Reincarnated’ de Snoop Lion saldrá a la venta en abril y contendrá colaboraciones de Chris Brown, Rita Ora y Busta Rhymes.

Comando Suzie presenta ‘Hipermejores’

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Comando Suzie presenta este sábado 23 de marzo su tercer disco ‘Hipermejores’ en la Sala Juglar de Madrid. El álbum, que sucede al notable ‘El hombre sentimental‘, viene precedido por el single ‘Destructores’, en el que el artista carga contra la escena, metiéndose con Rockdelux o Radio 3, refiriéndose a «eso que dicen que es un hit» y con frases como «Tu nuevo disco me hace vomitar».

Así la defendía en la nota de prensa de Autoreverse: «‘Destructores’ es polémica, es bonita, es rara con ese final eterno de trompetas funk y sintetizadores… y lo más importante es que no pasará inadvertida para bien o para mal». En el concierto de este sábado le acompañará El Giro Orgánico, cuyo disco está editado por el mismo sello.

El ‘Paraíso caníbal’ de Colectivo Oruga

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Colectivo Oruga, a los que llevamos observando desde que publicaran aquel vídeo promocional que parecía del Sonar o el disco ‘Too Many Knobs‘, han estrenado este mes su nuevo disco a través de Bandcamp. ‘Paraíso Caníbal’ fue grabado y mezclado en los estudios Sá da Bandeira de Porto, por João Brandão, del mastering se encargó Robin Schmidt de 24-96 Mastering y el artwork es obra de Rui Vitorino dos Santos. Nuevas canciones que oscilan entre el rock más árido a lo Nudozurdo y la electrónica de grupos más experimentales (Lasers) y pop (Dorian).

El grupo cierra su tour Girando por Salas este sábado 23 de marzo en COC de Badajoz, tras haber pasado por Barcelona, Castellón, Madrid y Torrelavega. Después llegarán La Fábrica de Chocolate (Vigo) el 4 de abril, Sala Karma (Pontevedra) el día 10 y LeClub (Coruña) el día 11.

Cruza la carretera, Molina

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El pasado día 16 de marzo Jason Molina murió consumido por una adicción al alcohol que le había mantenido prácticamente inactivo musicalmente desde el año 2009, cuando canceló una gira con Will Johnson para presentar su álbum conjunto. Desapareció de la escena hasta que, en 2011, su familia hizo un llamamiento de ayuda para poder financiar un seguro médico que le permitiera continuar con su tratamiento de desintoxicación. No fue suficiente o no llegó a tiempo, y ahora tenemos que lamentar la pérdida de uno de los artistas cruciales de la llamada Americana. Para mí en principio, la oscuridad de discos como ‘Ghost Tropic’ o ‘Impala’ hacía que Songs:Ohia quedara siempre un poco relegado frente a los proyectos de sus colegas Will Oldham y Bill Callahan. Algo cambió en 2002 cuando llegó ‘Didn’t It Rain’, un álbum muy singular en su carrera (en realidad, cada álbum de Molina tiene un ambiente y un sonido muy particular). Era sombrío y apesadumbrado, pero esas siete canciones tenían algo poderoso que las hacía brillar especialmente.

No recuerdo qué me hizo decidirlo así, pero finalmente ‘Didn’t It Rain’ quedó fuera de aquella selección de los álbumes favoritos de los 00 para JENESAISPOP. Y me pesa, porque pienso que cualquier reconocimiento póstumo siempre puede ser dudoso. Y porque, a día de hoy, lo escucho de nuevo y me sigue estremeciendo. Por entonces, ya andaba rondando en la cabeza de Molina la apertura de sonido que llevó a cabo en su siguiente álbum, el también sobresaliente ‘Magnolia Electric Co’ que, además de servir para rebautizar su alter-ego musical, supuso un gran espaldarazo para su carrera. Pero, en mi opinión, el cambio más crucial llegó con ‘Didn’t It Rain’, porque en él Molina sonaba con una confianza nunca antes vista, expandiendo un magnetismo insospechado, justificando todas las comparaciones que de él se hacían con el gran Neil Young.

‘Didn’t It Rain’ se alejaba de los cánones típicos de grabación de sus discos. A medio camino del lo-fi del mencionado ‘Ghost Tropic’ y la riqueza de ‘Axxess & Aces’ o ‘The Lioness’, el octavo álbum de estudio del músico de Ohio se grabó en un pequeño estudio de Philadelphia, con la ayuda del ingeniero de sonido Edan Cohen. Cohen metió a todos los músicos en una habitación con toda la banda tocando literalmente codo con codo y así registró las sesiones. Esto propicia el especial sonido de este álbum, en el que el espacio, el eco, la distancia de los instrumentos a los micrófonos juegan un papel activo, logrando una intimidad inusitada, haciendo sentir al oyente partícipe de lo que escucha. Parece fácil, muchos lo han hecho, pero los resultados logrados aquí son escalofriantes.

Este disco respira cierta espiritualidad, que parte de su propia revisión de los clásicos del country, tal y como acostumbró en toda su carrera, pero se muestra inesperadamente próximo al gospel tradicional. Buena parte de la culpa de esto, además de la mencionada ambientación, la tienen las armonías vocales y coros. Entre los siete músicos reclutados para esta grabación (hubo una formación única para cada disco de Songs:Ohia), destaca el papel ejercido por Jennie Benford y Jim Krewson, del conjunto de bluegrass Jim & Jennie And The Pinetops, cuyas voces brillan especialmente y contribuyen a que los estribillos de estas canciones suenen más memorables y emotivos de lo que acostumbraban en otros discos de Molina. Por supuesto, se trata de una sucesión de siete canciones magníficas, incontestables una a una, aunque destaquen inevitablemente ‘Ring The Bell’ o la enorme ‘Blue Factory Flame’, una de las cumbres de su carrera.

El corte titular abre el álbum, al parecer inspirado en un tema homónimo de la cantante Mahalia Jackson, nos introduce con una cadencia lenta y desnuda, envolviéndonos hasta introducirnos en esa desoladora tormenta de la que habla su letra, en la que encontramos líneas de sorprendente vigencia como «si ellos creen que tienes la luz de la verdad, van a sacártela a golpes con trabajo y deuda, es todo lo que habrá». Pero, al margen de esos atisbos de orgullo proletario, el tema central de este álbum es nada menos que la depresión. Ojo, no es que el álbum sea depresivo. Es triste, mucho, pero no depresivo. Más bien, se trata de una mirada a los ojos de, como reza una frase de Molina en el disco, «pensar en lo que oscurece mi vida». Ese, dicen, es el primer paso para poder superar esos momentos de aflicción anímica.

Esas miradas se producen en formas y situaciones poco comunes. Por ejemplo, en ‘Steve Albini’s Blues’, Molina se fotografía a sí mismo en un atasco sobre un puente de Chicago bajo la lluvia, de camino al estudio del afamado productor (con el que grabaría después el mencionado ‘Magnolia Electric Co’). En ‘Cross The Road, Molina’ logra hacer tangible la ansiedad y el desasosiego, en un alucinado texto en el que imagina que la luna azul de Chicago es una cuchilla que «oscila sobre el Medio Oeste, sobre nosotros». «Veamos cuán cerca puedes llegar». Chicago, una ciudad que debió de marcar de alguna manera al cantante y que en este álbum es protagonista. De hecho, ‘Blue Chicago Moon’ cierra el álbum enfrentándose «cara a cara con la oscuridad y la desolación, la infinita, infinita, infinita, infinita, infinita, infinita depresión», así, repetido para transmitir todo ese ahogo.

Aunque, sin duda, el número que se lleva la palma en ese aspecto es la mencionada ‘Blue Factory Flame’, ocho minutos de letanía en los que Molina habla del momento de su muerte y pide que no escriban su nombre sobre una piedra, sino que se sienten a su lado en la costa, pongan dos cañas de pescar y observen los barcos llegar a puerto, donde ya estará «paralizado por el vacío».

Pero como decíamos antes, ‘Didn’t It Rain’ resulta, en contraposición a esos textos terribles, un disco extrañamente cálido y reconfortante, sin duda el mejor punto de partida, en mi opinión, para adentrarse en la vasta discografía de Jason Molina que, desde hace un par de días, Secretly Canadian (su sello de siempre) ha puesto íntegramente a disposición de todo el mundo en streaming. Un bonito homenaje que servirá para que mucha más gente se acerque a un catálogo tan rico como el de Jason Molina y resarza la sombra de su tristemente predecible desaparición.

Deerhunter anuncian ‘Monomania’

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Deerhunter no paran. Su nueva aventura es volver al redil, como se intuía, tras desarrollar proyectos paralelos varios. El grupo ha anunciado la edición de ‘Monomania’ para el próximo 7 de mayo. Será su primer disco desde el fantástico ‘Halcyon Digest‘. Estos son el tracklist y la portada.

1 Neon Junkyard
2 Leather Jacket II
3 The Missing
4 Pensacola
5 Dream Captain
6 Blue Agent
7 T.H.M.
8 Sleepwalking
9 Back to the Middle
10 Monomania
11 Nitebike
12 Punk (La Vie Anté:rieure)

Lori Meyers / Impronta

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Lori Meyers llegan a su quinto disco con el público completamente dividido entre quienes pensamos que ‘Mi realidad’ era una canción más fea que pegar a un padre y los que pensaron que era una canción tan bonita como para casarse con ella. Al final ganaron por goleada estos últimos y el primer single de ‘Cuando el destino nos alcance‘ es la canción más escuchada del grupo de los últimos 6 meses en Last.fm, lo que se traduce en que la banda afronta el lanzamiento de este álbum con un merecido estatus de (casi) súper estrellas, después de tantos años creciendo desde la nada.

No había motivo, pues, para grandes cambios e ‘Impronta’ está producido de nuevo por Sebastian Krys y también por Ricky Falkner (Standstill, Love Of Lesbian) y el propio grupo. Vuelven los estribillos claros (como el de ‘Planilandia’, a pesar de desarrollarse casi en silencio, o quizá por ello), las letras adolescentes con citas abiertas a la obsesión con WhatsApp de ‘Emborracharme’ (dicen en los mentideros que curiosamente suenan más adolescentes cuanto mayores son), y también esos teclados a lo Oreja de Van Gogh (‘Huracán’) que incluso han inspirado el título autoparódico ‘A-sinte-odio’ (humor no les falta, la verdad). Algo curioso, lo del parecido tan claro con LODVG, cuando son capaces de crear con sintetizadores algo tan evocador e irresistible como la ambientación de ‘El tiempo pasará’.

En muchos sentidos, y aunque sólo sea por la proximidad de su lanzamiento en el tiempo y su probable top 1 en la lista de ventas, Lori Meyers son los Fangoria heteros. Ambos tienen en común unas letras absolutamente autocomplacientes, el empeño en co-producir ellos mismos junto a alguien que adoran en lugar de encargar las labores a alguien que les obligue fríamente a pulir sus defectos, y, en su consecuencia, no ser siempre capaces de rematar melodías excelentes con las ideas adecuadas. Realmente hay fragmentos en ‘Impronta’ (la canción), ‘Tengo un plan’ o ‘Zen’ que me hacen pensar en el mejor pop clásico en castellano de CRAG, Hilario Camacho o Los Brincos. Pero todas ellas terminan evolucionando hacia terrenos algo comunes en el indie de hoy o tropiezan en su desarrollo (efectos vocales en ‘Tengo un plan’).

No siempre sucede así y el disco sabe cerrarse con una delicia de canción melódica llamada ‘Despedirse’, además emparentada con otros momentos del álbum como ‘Deshielo’, según ellos la mejor balada que les ha salido. Entre que su lado más clásico queda satisfecho con estas pistas y que el tracklist es generoso en triunfos asegurados para sus directos como la synthpopera ‘Una señal’, no hay mala noticia posible en ‘Impronta’: el grupo seguirá arañando seguidores de aquí y de allá y ejerciendo esa labor de puente entre indie y mainstream que tanto se ha necesitado en este país en el que cuando empezaban -recordemos- la gente no conocía más que el huracán latino.

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘El tiempo pasará’, ‘Impronta’, ‘Despedirse’
Te gustará si te gusta: el anterior
Escúchalo: en Deezer.

CocoRosie, en Milestone Project Festival

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CocoRosie resisten la temprana filtración de su nuevo disco aportando buena noticia. Según se desprende de la web de su sello, el próximo 8 de junio estarán en Girona, dentro de la programación de Milestone Project Festival. Según la web de este evento, este 2013 el festival desarrollará sus actividades entre el 31 de mayo y el 9 de junio. El nuevo programa aún no está actualizado.

Como podéis observar, tienen muchísimas fechas libres antes y después, pero evidentemente ahora mismo se desconoce si habrá más conciertos en España.

Za! te lo traen ‘Calentito’

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Za! siguen compartiendo canciones que estarán en su nuevo álbum ‘Wanananai’, que sale a la venta el 3 de abril. La nueva aventura es ‘El Calentito EP’, que se compone de tres canciones que se llaman igual. Según su nota de prensa en Facebook, es «una trilogía que explora el significado del qué (y el quién) lo trae Caliente, y el que (y quién) no, lo cual quiere decir que ello (o él) es bastante Panseco». Lo mejor es que lo leáis en inglés. Los temas, de nuevo de toques latinos y jazz, sin perder de vista su afán experimental, se pueden escuchar en Grooveshark.

El «sin manos» de Death Grips

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La última aventura audiovisual de la banda de hip-hop experimental Death Grips, que en el pasado ha probado con vídeos interactivos, etcétera, es un vídeo para su canción ‘Lock Your Doors’. La nueva idea ha sido filmar por sí mismos su primera actuación en el SXSW con cámaras colocadas en sus caras, a modo de gafas, se cree que con Google Glass. Un festival de distorsión que han tenido a bien llamar ‘No Hands’ por razones evidentes.

Escucha lo nuevo de Sigur Rós

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Sigur Rós anuncia los detalles de su nuevo disco de estudio. Titulado ‘Kveikur’, el álbum es el primero editado por XL Recordings para todo el mundo y saldrá a la venta el 17 de junio.

La noticia viene acompañada del estreno de la nueva canción ‘Brennisteinn’, el primer track extraído de ‘Kveikur’, auto-producido por los tres miembros actuales de Sigur Rós: Jón Þór Birgisson, Georg Holm y Orri Páll Dýrason. Está acompañada por el vídeo dirigido por Andrew Huang.

El lanzamiento es una sorpresa relativa: el grupo sacaba disco el mismo 2012, extendiendo su promoción con una lista casi interminable de vídeos, pero por otro lado, ya habían interpretado algunos de los nuevos cortes en directo.

‘Érase una vez en Anatolia’, contemplando que es gerundio

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Conseguir un premio en un festival no asegura nunca el favor del público. De hecho, hay veces que incluso te condena al ostracismo, ya que el espectador medio, ese que acude al cine muy de vez en cuando, seguramente saldrá echando pestes de cualquier película galardonada que se salga de las normas establecidas por el cine comercial. Y es que ganar un Oscar no es lo mismo que ganar el Gran Premio del Jurado en Cannes. El primero te da taquilla, el segundo, salvo contadas ocasiones, el aplauso de la crítica y nada más.

‘Érase una vez en Anatolia’, del director turco Nuri Bilge Ceylan, entra dentro del segundo grupo. No imagino al público que acude a las sesiones del sábado tarde saliendo encantado después de haberse pasado tres horas visionando una de las ganadoras de la edición de 2011. Siendo sinceros, de hecho no imagino a nadie saliendo encantado, ya que esta propuesta de cine contemplativo, construido por planos interminables y escenas en las que parece que nunca pasa nada, sólo se aprecia cuando se reposa.

Curiosa digestión para un argumento que, en principio, no parece complicado: tres coches con policías, médicos forenses, un juez y un supuesto asesino recorren las carreteras de un paisaje rural en busca de un cuerpo enterrado. Material para una «road movie» clásica que se convierte en manos de este realizador en una experiencia densa y complicada no apta para todos los públicos. Y es que a veces sufrir es la experiencia buscada. Sublimación creo que se llama. Es la conclusión clara después de comprobar que el alivio llega al final con una larga secuencia centrada en una autopsia. Ahí es nada. 6,8.

El médico pide a Morrissey que deje de girar

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Estos días se publicaba una entrevista de Morrissey con un medio mexicano, muy esperada dado su estado de salud y sus catastrofistas declaraciones «espero que esto no sea el final». Las noticias no son buenas, ya que Mozz detalla en ella sus problemas de salud y asegura que el médico le ha dicho que deje de girar.

Morrissey ha sufrido una doble neumonía y una úlcera en la vejiga y en la entrevista detalla que sufrió una hemorragia interna y perdió mucha sangre, por lo que sufrió una anemia y su sistema inmunológico se vio afectado. Los doctores le han dicho entonces que debería plantearse dejar de girar. Su respuesta ha sido que es muy difícil para él. «Sé que es lo mejor de la vida, cuando giras y haces música, y cuando cantas. No hay nada mejor. ¿Se te ocurre algo mejor?».

La noticia deja en muy mala situación la carrera de Morrissey, pues recordamos que sigue sin sello, «por el desinterés de las multinacionales». Mozz asegura que ya tiene material para publicar hasta tres discos, pero que a los sellos sólo les interesan los artistas de usar y tirar y que ninguna radio británica emitiría su nuevo single.

Baño de masas de todos los tipos para Battiato

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Puede parecer que en España todo el mundo se ríe de Franco Battiato o, por lo menos, que es tomado un poco a la ligera. El recuerdo de sus actuaciones en televisión durante los ochenta como un freak simpático -que le llevó hasta a ser parodiado por Martes y 13– tiene mucho que con eso de que digas que vas a un concierto de Battiato y la gente se sonría.

Sin embargo, el cantante italiano no deja de colgar el cartel de «no hay entradas» en todas sus visitas a nuestro país, vaya al recinto que vaya y tenga la entrada el precio que tenga. Cada uno o dos años que tiene a bien hacer un concierto en Madrid, una extrañísima mezcla de personas de todas las edades y pelajes -nostálgicos maduros, poperos modernillos, amantes de la cultura italiana, pijos sensibles, nerds irredentos… gente rara de verdad y también pura common people- acudimos a la cita.

Y, no nos engañemos, todos vamos a ver a un señor cuya madurez artística quizá no sea tan brillante como la de los grandes referentes anglosajones. Pese a todos sus esfuerzos, los discos del último Battiato distan mucho de esos sorprendentes trabajos recientes de un Leonard Cohen o un Tom Waits (pese a su inevitable sobrevaloración como «vacas sagradas»). Si a eso le sumamos el frenesí creador al que nos acostumbra el siciliano en todas sus diferentes facetas -cineasta, autor de óperas, cantante pop, guía espiritual new age- nos queda la imagen de uno de esos artistas consagrados que, en su lucha por no quedarse atrás, se van dispersando y desorientando.

El disco que vino a presentar, ‘Ábrete Sésamo’ (adaptación al español de ‘Apriti Sesamo’, que ha contado con Jota y Manu Ferrón en la adaptación de las letras) es un nuevo intento por acercarse a tiempos mejores. Durante toda la primera parte del concierto Battiato confirmó esa impresión desgranando las canciones de este nuevo álbum junto a una formación (cuarto de cuerda, teclados, piano, guitarra, bajo, batería) correcta pero algo anodina en la que destacaba -por lo curioso- la presencia de Simon Tong -ex de The Verve, miembro de The Good, The Bad and The Queen y colaborador de Gorillaz- que también ha participado en el disco.

Pese al buen recibimiento de algunas de las canciones más animadas y que más pueden recordar a antiguos éxitos (caso de ‘Pasacalle’) y a un bonito puente entre fases en la que sonó la ‘Danza’ de su ópera Telesio y brilló la interpretación ‘Lode all’inviolato’, no fue hasta la fabulosa ‘Prospettiva Nevskij’ cuando comenzó lo que muchos estábamos deseando: un más que digno rescate muchos de sus mejores clásicos.

Y es que uno no puede escuchar ‘Mesopotamia’ -y de ver el maravilloso vídeo que proyectaron en el escenario- y dejar de pensar en que Battiato merece ser reconocido como uno de los grandes de la música pop de todos los tiempos. Una inspiradísima mezcla de contrarios basada en melodías pegadizas y arreglos no convencionales, letras que de tan pedantes son totalmente populares y un acercamiento claramente anglosajón a unas temáticas indudablemente mediterráneas, hacen que, si hoy en día alguien apareciese con una propuesta así, ésta seguiría siendo única y novedosa. Pero, con lo que ha costado que el mundo anglosajón consiga, por lo menos, reconocer a Gainsbourg, mucho me temo que Battiato (por mucho que Jim O’Rourke sea fan) seguirá siendo un tesoro privado, fuera de su alcance. Aprovechémosnos.

Solo la interpretación metalera de ‘Il mantello e la spiga’ y la apertura del bis recuperando ‘Propiedad prohibida’, a medio camino entre Kraftwerk y Can, interrumpieron un hit after hit entre los que destacaron ‘Nómadas’, ‘La estación de los amores’ el medley de ‘Bandiera bianca’ y ‘Up Patriots to Arms’, ‘Cuccurucucù’, ‘L’era del cinghiale bianco’, una apropiada y muy aplaudida ‘Povera Patria’ y, por supuesto, los cierres. Primero con una apoteósica ‘Voglio vederti danzare’ -con locura generalizada, banderas sicilianas en la pista, gente bailando en el graderío como si no hubiera mañana- y, ya en el bis, con un catárquico ‘Centro di Gravità Permanente’ que, si bien no lo ha interpretado durante esta gira en Italia, Battiato sabe que en España es de rigor.

Un final propio de una fiesta de pueblo de un lugar mucho más pop y mejor que el nuestro que hace que -mientras esperamos a que Franco Battiato se tope con su Rick Rubin particular para ofrecernos su gran obra tardía- no dejemos de sentirnos un poquito mejor tras cada una de sus visitas. 7,5.

Dramón para frYars

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Hace unos días frYars presentaba una canción llamada ‘On Your Own’ que ahora cuenta con un videoclip lleno de gente llorando cuando no está tirada en una bañera vacía absurda. Como decíamos cuando oíamos el tema, todo un tanto grandilocuente y casi desesperado por emocionar. Dirige Olivier Groiux.

Noah & The Whale estrenan single

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El regreso de Noah & The Whale es uno de los más esperados en las islas después del éxito de su último álbum. Se había anunciado la publicación de ‘Heart of Nowhere’ para el próximo 6 de mayo y ahora al fin se ha revelado el primer single, ‘There Will Come A Time’ junto a su videoclip. En realidad, se trata de una parte del corto que Charlie Fink ha rodado para el disco, al modo de la película de Arcade Fire. Este también está protagonizado por una serie de jóvenes en problemas.

‘Los Croods’, ¿alguien dijo evolución?

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Del mismo modo que no hay campo sin grillo ni hortera sin amarillo, tampoco hay periodo vacacional sin su película infantil con la que mantener durante unas horas a las bestias calmadas. Propuestas animadas que acostumbran a hacer guiños al público más adulto que por obligación, e incluso por gusto, compra entrada sin saber que, al menos en esta ocasión, no siempre hay lugar para ellos en la historia.

Que sí, que los más pequeños se lo pasarán de miedo con ‘Los Croods’, pero viendo el resultado final de esta prehistórica aventura es imposible no pensar cuánto podría haber dado de sí su argumento si en Dreamworks Animation hubiesen dejado a su director Chris Sanders, autor de ‘Lilo & Stitch’, total libertad para llevar a un nivel superior el material que tenía entre manos. Y es que en el mundo de los dibujos animados hay decenas de historias de padres sobreprotectores que se niegan a dar libertad a sus indefensos vástagos. Algunas, como ‘Buscando a Nemo’, resultaron brillantes por saber conectar con nuestras emociones más primarias. Otras, como ‘Brave’, fallidas. Pero ambas intentaron ir más allá, y eso es lo que aquí se echa en falta.

En cualquier caso resulta evidente que la intención de los responsables de este filme era, más que trascender, encontrar una digna sucesora a la saga ‘Ice Age’, que después de cuatro entregas empieza a agotar su fórmula. Mejor dicho, a sus personajes, que comienzan a ser todavía más parodia de lo que en principio eran.

Es ahí donde gana enteros ‘Los Croods’, que presenta a una asustadiza familia de cavernícolas obligada a enfrentarse a un mundo cambiante con la que resulta muy fácil empatizar, en parte gracias a la excelente labor de sus dobladores (en versión original suenan las voces de gente como Emma Stone, Nicolas Cage, Ryan Reynolds), en parte a la de los artistas que trabajan en la película. Animadores que han dado profundidad a un mundo de diseño libre que recuerda a la naturaleza vista en ‘Avatar’ pero que a diferencia de Pandora, aquí sí resulta creíble. Lástima que el guión, repleto de gags que abusan del golpe, de situaciones cómicas mil veces vistas y de comportamientos que se quedan en la superficie, no esté a la altura. 5,5.

Florrie da novedades

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¿Qué ha pasado con ese nuevo disco de Florrie que no acaba de llegar? La cantante lo ha explicado a través de su blog. Allí ha dicho que ha preferido esperar a juntar un elevado número de canciones antes de realizar ningún lanzamiento más y, de esta manera, ha reunido 20 composiciones que irán en sus próximos disco, ep’s, singles, etcétera. De ellas 15 son totalmente nuevas y 5 ya las conocemos pero se han grabado de ellas versiones definitivas. Además, ha realizado un tema para una campaña publicitaria en Japón del que ya puede escucharse un teaser.

Nitoniko estrenan ‘Colimbo’

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Tras un primer álbum ‘Selva de Mar’, Nitoniko presentan un nuevo álbum llamado ‘Rayos y centellas’. El nuevo disco del proyecto de Juanjo Depedro -de voz cada vez más andrógina- junto a Paulo Murphy ha sido grabado en los estudios Blind Records (Sidonie, Love Of Lesbian), mezclado por el productor Sidechains (Dorian, Delorean, We are Standard) y masterizado en The Exchange por Mike Marsh (Björk, Lykke Li, Depeche Mode). Se publicará a principios de mayo en el sello Brave Coast con la ayuda de Discmedi y Green Ufos.

El primer single se puede escuchar en Bandcamp y es este ‘Colimbo’ de severas influencias ochenteras tipo OMD. También disponible otro tema nuevo llamado ‘Berrinche’, que ejerce las funciones de cara B.

Eme estrena ‘Giant’

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Eme publica su anunciado EP de debut, ‘Giant’, el próximo 9 de abril con las remezclas de Buffetlibre, Alejandro Paz, Radiocontrol y Simøne. El tema principal acaba de ser estrenado con la estupenda voz de «Nimio», que no es otra que Josephine Ayling de Boat Beam, y cuenta con la colaboración de Bugambilia Studio. Estamos ante un corte que bebe de la tradición electropop, pero no por ello menos infalible.

Kurt Vile y su hija te pone su nuevo single

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Kurt Vile sigue presentando las canciones que componen su nuevo álbum ‘Wakin On A Pretty Daze’. Después de ‘Wakin On A Pretty Day‘ llega el turno del nuevo single ‘Never Run Away’, de graves influencias de la Velvet y Bob Dylan. Existe este vídeo promocional en el que el propio Kurt Vile te pone la canción acompañado de su hija, aunque si prefieres oírla sin sus palmas o sin que le pregunte a la niña si le gusta o no, puedes bajarla gratis desde Matador.

DevianLynx publican su primer EP

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La banda formada por Ninu Lopez (voz), Guillem Mora (bajo), Roger Comas (teclados), Javier Vilarrubias (guitarra) y Hugh Perelló (batería), DevianLynx, que se define como «rock alternativo» con influencias del grunge y de la electrónica, publica su primer EP. La banda ha pasado por varios concursos maqueteros, como Wolfest‘11 (Razzmatazz 2), Brot’11, Budweiser Open Stage (Music Hall), Salón Myspace Smint (para tocar en el Primavera Sound‘12) y ha ganado las Promo Nights del Wolfest‘12 (Bikini). El EP que ahora sacan y se puede oír en su web viene presentado por un vídeo con temática terror (aunque sea a uno mismo) para su canción ‘Untitled Lies’.

Devianlynx actúan el 13 de abril en Music Hall, Barcelona; el 20 de abril en Galileo Galilei, Madrid; el 27 de abril de nuevo en Madrid, esta vez en Joy Eslava; y el 31 de mayo en la Sala Alfa de Barcelona.