Como te hemos venido contando, Wavves saca su nuevo álbum ‘Afraid of Heights’ la última semana de marzo. Uno de los singles que hemos venido conociendo es ‘Demon To Lean On‘, que desde hoy tiene videoclip. Dirigido por BLACK // DOCTOR y con estética de tragicomedia ochentera, está protagonizado por un niño que termina en un desguace de coches por error.
Wavves, en el desguace
Karmin enfrentan a Eurythmics con Future
El dúo Karmin ha decidido utilizar la etiqueta “Manic Mondays” para regalar un tema nuevo cada vez que les apetezca. Hace semanas versionaban el ‘Started From The Bottom’ de Drake y ahora han optado por algo un poco más elaborado. Esta vez han colgado en su página de Soundcloud una versión de ‘Karate Chop’ del rapero Future añadiéndole el estribillo del clásico ‘Sweet Dreams’ de Eurythmics. Otro movimiento interesante en la corta carrera de Amy Heidemann y Nick Noonan.
Jota, Antonio Arias, Miguel Ríos, Noni y Niños Mutantes, en Salvemos La Vega
Miguel Ríos, Antonio Arias (Lagartija Nick), Juan Alberto (Niños Mutantes) y Jota (Los Planetas) presentaban hace unas semanas un concierto benéfico para salvar la Vega de Granada, acosada por la especulación urbanística. Granada Hoy recogía sus declaraciones en una rueda de prensa conjunta, al tiempo que se daban los detalles del show, que se celebrará el 26 de abril en el Palacio de Exposiciones y Congresos de la ciudad. Se espera la colaboración de músicos como José Ignacio Lapido, Noni, de Lori Meyers, Napoleón Solo, Los Ángeles o Soleá Morente. Juan Alberto, por ejemplo, contaba lo siguiente: «Lo que se hace en la Vega es una burrada, yo vivía en el Zaidín, en la zona en donde ahora está el Parque de las Ciencias, y desde la terraza de la casa de mis padres veía toda la Vega y ahora sólo se ven kilómetros de cemento. En este momento, desde la perspectiva de padre, me da pena que mi hijo no vaya a ver eso».
Partiendo de ‘Viva las Vegas’ de Elvis (ya había un grupo llamado así, ¿recordáis?) se ha compuesto una canción que se llama ‘Viva la Vega’, que desde hoy puede escucharse en Tumblr. El tema está firmado por Lori Meyers, Lagartija Nick, Niños Mutantes y Miguel Ríos, aunque podéis oír a Jota claramente.
Jacco Gardner / Cabinet of Curiosities
Hay que reconocer que la propuesta de Jacco Gardner tiene su atractivo: Joven, desconocido y misterioso músico completamente obsesionado con el pop psicodélico perpetra -prácticamente en solitario- un apabullante y detallista disco de debut desde su estudio casero sito en un lugar tan inesperado como puede ser Holanda. Las promesas de una especie de tesoro anacrónico -introvertido, hecho a mano y ajeno a las tendencias- que aterriza en un momento en el que la música es poco más que una excusa social no pueden ser recibidas por unos cuantos (entre los que me encuentro) como otra cosa que no sea un regalo de los dioses.
Y ‘Cabinet of Curiosities’ ofrece exactamente lo que promete. Desde el mismo primer instante, con el comienzo de ‘Clean the Air’ -ese redoble, ese clavicordio- te das cuenta de que estamos ante una suerte de viaje interior al mundo de una persona completamente apasionada por todo lo que rodea al mejor pop barroco de finales de los 60. Ahora bien, donde otros se quedan en el artificio kitsch o el revival superficial, el minucioso Gardner se adentra en lo más esencial consiguiendo que sus canciones sorprendan e impresionen a la primera como si las hubieras estado esperando toda la vida.
Sensaciones parecidas a cuando Elefant rescató del olvido a Nick Garrie o cuando llegó a Europa el debut de Smiles and Frowns. No en vano, los más fanáticos de ‘The Nightmare of J.B. Stanislas’ verán en alguna canción -como ‘Pupets Dangling’ y muy especialmente ‘The One Eyed King’- una estupenda continuación del mismo modo que los que esperamos con entusiasmo la nueva entrega del dúo de Arizona encontramos más de un paralelismo en temas como ‘Watching the Moon’ o ‘The Riddle’.
Sin embargo, hay en este ‘Cabinet of Curiosities’ algo que -dentro de un sentimiento de satisfacción general- lo hace más pesado, más complicado de digerir si realmente se le presta atención. Me atrevería a decir que es porque parece un trabajo más centrado en el sonido que en las canciones. Esto tiene su lado bueno, por supuesto, que no es otro que esa sensación de inmersión total -totalmente reconocible- que se tiene al escuchar cualquier pequeño fragmento del disco. La maravillosa instrumental que le da título -no muy alejada del primer Mark Tranmer, cuando se hacía llamar Gnac- podría ser un ejemplo de cómo sugerir apropiándose de sonidos y recursos ajenos. Por contra, hace que las canciones se queden a veces en un segundo plano (‘Lullaby’ o incluso el single previo ‘Where Will You Go’). Por ese motivo, los cuatro últimos temas del álbum -algo más ligeros, levemente menos cargados de psicodelia- componen un final de álbum realmente bonito: los evocadores ‘Help me Out’ y ‘Summer’s Game’, pero -sobre todo- los maravillosos ‘Chameleon’ y ‘The Ballad of Little Jane’, donde los arreglos subrayan unas melodías ya de por sí brillantes.
En definitiva, ‘Cabinet of Curiosities’ -publicado por la discográfica norteamericana Trouble in Mind- es un álbum valiente y notable de un músico que visitará España durante el mes de abril de la mano de quien editara su primer single -‘Clear the Air’- el año pasado: el sello cántabro Action Weekend.
Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Cabinet of Curiosities’, ‘Chameleon’, ‘The Ballad of Little Jane’, ‘Clear the Air’
Te gustará si te gustan: The Millenium, The Association, The Zombies, The Smiles and Frowns
Escúchalo: Deezer.
The Vaccines, en el parque de atracciones
The Vaccines dan una inyección de vida a su segundo álbum ‘Come of Age‘ con el vídeo de ‘Bad Mood’. El grupo aparece en un parque de atracciones, lo cual podría parecer contradictorio con el título de la canción. Al final resulta que no lo es tanto. Os recordamos que el grupo formará parte del próximo Primavera Sound.
El triste hotel de Foals
Foals estrenan vídeo para el nuevo single de ‘Holy Fire‘. Nabil ha dirigido el correspondiente a ‘Late Night’. El grupo interpreta la canción en un hotel mientras asistimos a las tristes historias de sus habitaciones. Algunas deberían ser alegres (una pareja teniendo sexo, una mujer dando a luz), pero las circunstancias no parecen precisamente las óptimas, sobre todo en el segundo de los casos. Quizá por la nostalgia que desprende la canción, quizá por esa muerte fatídica de uno de los personajes, el sabor que deja esta historia es mucho peor que amargo.
El fin del mundo según Band à Part
La semana que viene se publica el mini LP de Band à Part, una de las apuestas de Elefant del momento. Hoy se estrena el vídeo de ‘Verano azul, invierno nuclear‘, en el que se alternan unas tranquilas imágenes de chiringuito hawaiano con la retransmisión de una invasión a la Tierra que parece conducir al fin del mundo. Al mismo tiempo, se ha estrenado otra canción extraída del mini LP, ‘Franny y tú’. Con ambas novedades os dejamos.
Four Tet remezcla a Justin Timberlake
Mientras ‘Mirrors’ sigue disfrutando del número 1 de la lista de ventas británica, ‘Suit & Tie‘ sigue su camino. La novedad es un repetitivo y esquizofrénico remix de mano de Four Tet, que ha llevado por completo a su terreno la canción.
Aunque en España no podemos ver Saturday Night Live y los vídeos no paran de ser borrados de la red, sabemos que Justin Timberlake ha interpretado la canción en el programa cambiando su letra en lo que se cree una respuesta a Kanye West. En un momento de la canción habría cantado: «My hit’s so sick, got rappers acting dramatic», en referencia a Kanye, que hace poco dijo que le gustaba Jay-Z, pero no Justin Timberlake.
Bastille, número 1 en Reino Unido
Una semana le ha bastado a Bastille para coronar la lista de ventas de su país. Desbancando a Emeli Sandé, a la que han teloneado en alguna ocasión, el grupo se ha coronado en lo más alto de álbumes con su disco de debut ‘Bad Blood’. Añadiéndole que su single ‘Pompeii’ ha llegado hasta el número 2 en la lista de sencillos, podemos afirmar que los británicos son la nueva revelación musical de lo que va de año. Ahora solo falta comprobar cuál es la repercusión que Dan Smith y los suyos consiguen fuera de las islas.
Escucha ‘Dudo que el amor nos salve’ de Rusos Blancos
Hemos conocido recientemente el notable primer single del nuevo álbum de Rusos Blancos, ‘Baile letal 3‘, y ahora es el momento de conocer la canción que abrirá el disco ‘Tiempo de nísperos’. Se trata de ‘Dudo que el amor nos salve’, una espléndida producción de Paco Loco en la que se encuentran los instrumentos de cuerda con un final de guitarras eléctricas distorsionadas, entre otros arreglos inesperados (atención a los coros), todos al servicio de una bonita balada que se pregunta en su estribillo si es tarde «para que el amor nos salve».
Todos aquellos que seguisteis el diario de Rusos Blancos sobre la grabación de este disco recordaréis la entrada sobre la canción que decía «nos enamoramos en la clínica de venéreas». Esta es, en su momento descrita por ellos mismos como «un baladón bigger-than-life algo fuera de época para el que hemos pensado unos arreglos de cuerda y vientos ideales para cerrar conciertos a lo Elvis cuando construyan Eurovegas».
Así continuaba Manu hablando de la canción: «A Eli y a Javi no les convence mucho cómo empieza la letra de la canción: “Nos enamoramos en la clínica de venéreas / fue un fin de semana de antibiótico y felicidad”. Piensan que lleva la canción a un terreno cómico. Yo no estoy muy de acuerdo. Creo que al igual que sucede con algunas películas, que reciben el calificativo de comedias por alejarse de lo común, hay muchos músicos que asocian con esa misma idea (pienso en gente como Anntona), cuando más bien hacen dramas poco convencionales. Lo que no significa que no haya humor en ellos. Me gusta la idea de hablar de un amor que empieza en un sitio tan poco propicio para ello y me cuesta encontrar una metáfora más apropiada para hablar de cómo a veces el equipaje emocional que arrastramos de relaciones pasadas nos impide ser felices y arriesgarnos a conocer a alguien nuevo. “Y aun así, no paramos de buscar / no nos rendimos y al final / todo arde”.
Este será el tracklist del álbum.
1. Dudo que el amor nos salve.
2. Orfidal y caballero
3. Baile letal 3.
4. Hogareña
5. Oro, disfruto
6. La playa de los locos
7. Bonito cortejo
8. Marina
9. Se me enamoran
10 Algunas cosas sobre mí que aprendí estando contigo.
Foto: Iciar J. Carrasco.
Delorean, Standstill y Delafé, en Tres Sesenta
The Gift, Lori Meyers, Standstill, Corizonas, Delafé y las Flores Azules y Delorean forman la primera tanda de confirmaciones del Festival Tres Sesenta, que se celebra en Pamplona. El 13, 14 y 15 de junio serán las fechas de celebración de este evento en el que se aúnan música, talleres, encuentros, arte, diseño y gastronomía navarra. A la espera de que se vayan confirmando más bandas, los primeros abonos ya han salido a la venta con un precio reducido de 40 euros hasta el 11 de abril. Más información, en la web oficial del festival.
Carey, dirigida por LaChapelle
Se estrena al fin el videoclip que ha dirigido el prestigioso David LaChapelle para la aportación de Mariah Carey a la banda sonora de ‘Oz, Un Mundo de Fantasía’. Y aunque la elección del fotógrafo fuese de primeras una opción lógica para acompañar las coloridas aventuras de James Franco en tierras del Mago de Oz, el resultado es decepcionante. Los planos rodados por LaChapelle se limitan a Mariah Carey en blanco y negro, dándose bien de ventilador y encendiendo y apagando luces, poco más. Algo que podría haber hecho cualquiera de sus becarios.
Gran éxito de ‘Los amantes pasajeros’ en taquilla
Había mucha expectación por conocer los datos de taquilla de ‘Los amantes pasajeros‘ de Almodóvar después de que Carlos Boyero indicara en su crítica que las películas del director cada vez interesan menos al público (todo ello a pesar de que ‘La piel que habito‘ recaudó algo más que ‘Los abrazos rotos‘, 4,6 frente a 4,1 millones de euros).
Como cualquier persona que intentara conseguir una entrada para ver la película este sábado (al menos en Madrid el asunto se convirtió en la guerra) habrá intuido, ‘Los amantes pasajeros’ ha sido un exitazo, recaudando 1,9 millones de euros sólo en los primeros días gracias a la asistencia de casi 250.000 espectadores. No será número 1 de la semana porque ha sido superada por ‘Oz, un mundo de fantasía’, pero sólo porque esta se estrenó en el doble de pantallas y cobró más dinero por el 3D, resultando en realidad menos rentable.
‘Los amantes pasajeros’ ha superado ampliamente los resultados de ‘La piel que habito’, que en su primer fin de semana recaudó 1.213.274 euros gracias a 175.969 espectadores. A falta de ver qué sucede con el boca oreja, la cosa no puede pintar mejor para el director manchego.
Podéis recordar nuestra hilarante conversación con los actores de la película aquí.
Escucha ‘Yung Rapunxel’ de Azealia Banks
Cuando no está deseando la muerte y excrementos varios a Stone Roses por hacer su prueba de sonido mientras ella da un concierto en un festival de Australia («es cosa de mi ex mánager, ha hecho un pacto con Stone Roses para sabotearme porque le he despedido», indicaba este fin de semana, mientras mantenía otras polémicas con Rita Ora, Shystie, etcétera), Azealia Banks estrena música.
Su nuevo single se llama ‘Yung Rapunxel’ y puede escucharse ya por cortesía de Soundcloud. Un trepidante tema en el que curiosamente su protagonismo vocal es escaso, ecos de Crystal Castles aparte.
CaperucitaGeorge y otros cuentos
Por si quedaba alguien dudando de que AlunaGeorge eran uno de los grupos de moda, aun sin disco en el mercado, el dúo ha realizado un vídeo para su canción más reciente, el single ‘Attracting Flies‘. En él hacen una adaptación libre de varios cuentos, como es el caso evidente de ‘Caperucita Roja’ o ‘La princesa y el guisante’. Os recordamos que el grupo estará en el FIB y en el Sónar actuando.
Baauer, denunciado por los samples de ‘Harlem Shake’
Con el éxito de ‘Harlem Shake‘, número 1 en Estados Unidos, evidentemente llegaron los problemas para Baauer. Dos personas han reclamado aparecer en los créditos del tema según New York Times. El primero es Hector «El Father» Delgado, cuya voz aparece al principio de la canción, y el segundo es Jayson Musson, cuya voz es la que pronuncia la frase «do the Harlem Shake» (minuto 3.55 en la original).
Os dejamos con las canciones originales: ‘Maldades’ del álbum ‘The Bad Boy’ de 2006, que luego fue remezclada, (más otro tema suyo en que se usa el mismo sample más claramente) y ‘Miller Time’, de 2001.
En estos momentos, Mad Decent está intentando llegar a un acuerdo y al menos Musson dice que el sello de Diplo está colaborando.
Ezra de Vampire Weekend, Major Lazer y ‘Jessica’
Se va acercando el lanzamiento del varias veces retrasado nuevo disco de Major Lazer y se van desvelando algunas de las colaboraciones contenidas en él. Una de las más esperadas es la de Ezra de Vampire Weekend, llamada ‘Jessica’. A pesar de la mala calidad con que ha aparecido en internet, sí se aprecia que la sensualidad jamaicana de la canción pega tanto a unos como al otro.
Escucha ‘Harmonic Loops’ de Radiohead
Poco después del lanzamiento de su notable nuevo disco como Atoms for Peace, ‘AMOK‘, Thom Yorke y Nigel Godrich han realizado un mix de dos horas para la BBC que puede escucharse online. Al parecer el mix contiene un tema inédito instrumental de 2 minutos de Radiohead llamado ‘Harmonic Loops’ y alguien se ha encargado de subirlo aparte a Youtube. Con él os dejamos por si pudiera dar una pista de la continuación de ‘The King of Limbs’.
En el gimnasio con Dan Deacon
Dan Deacon ha estrenado un vídeo para una de las canciones contenidas en ‘America‘. Ben O’Brien ha editado este clip para ‘Crash Jam’ que se compone de imágenes del entrenador Tony Horton, conocido por los que hacen gimnasia en su casa con su invento el P90X. Contiene subidones y un final muy feliz.
Haim, en el vídeo de Mumford & Sons
Después de tantas entregas de premios, es posible que dudes que en ‘Babel‘ haya otra canción de Mumford & Sons que no sea ‘I Will Wait’. Pero sí. Justo cuando el grupo está a punto de llegar de gira a nuestro país, se estrena el clip de ‘Whispers in The Dark’. En él, cuatro cámaras buscan la reunión del grupo antes de un concierto. Incluye conducción de una moto sin casco y la colaboración de las hermanas Haim, uno de los grupos de moda, como ayudantes de uno de los miembros.
Por cierto, Live Nation regala entradas para un concierto especial, privado, del grupo. Será un acústico para muy pocos fans después de la prueba de sonido de Madrid y Barcelona.
John Grant: «Si algo resume este disco es la aceptación»
John Grant te recibe con el semblante serio. Resulta amable y por momentos divertido, pero tampoco da mucho pie a demasiada broma cuando te cuenta algunas de las tragedias que han seguido sacudiendo su vida durante los últimos años. Hablamos en un hotel de Madrid sobre su nuevo álbum, el excelente ‘Pale Green Ghosts’, que sucede esta semana al emocionante ‘Queen of Denmark‘ alternando la delicadeza de este con nuevos toques de electrónica incluso abrasiva y desconcertante.
El álbum contiene una mezcla de dos cosas, por un lado hay una evidente influencia del folk y por otro de la electrónica, pero siempre desde un punto de vista muy pasional, ¿nunca quisiste tomar simplemente una dirección? ¿Era tu objetivo alternar las dos?
No, no me vi en la obligación de escoger por ninguna razón. Esta vez he introducido sonidos que me han gustado por igual desde siempre aunque no lo haya expresado. Por ejemplo, me encanta una banda de los 80, Devo, y es algo que creo que no había expresado en mi música con anterioridad, pero que estaba ahí. La pasión es algo que siempre me ha interesado, pero quería que este disco fuera en diferentes direcciones, no sólo que reflejara el sentimiento de dolor, sino que ayudara a soportar la vida.
¿Cómo es la vida?
Una mierda.
Bueno, no está tan mal, ¿no?
Un mundo en el que tu madre se muere de cáncer, en el que te pueden llamar maricón, en el que puedes ser seropositivo… Por supuesto hay cosas buenas y en muchos sentidos eso también se refleja en el álbum. Si una idea resumiera este disco, esa sería la de aceptación.
He leído mucho sobre lo mal que lo pasaste en los 90, tu adicción a las drogas, tu miedo escénico… ¿estos cuatro años desde el último disco han sido tan malos? En cierto sentido, pareces calmado, tranquilo, como con las cosas asumidas…
Pues creo que estos últimos cuatro años han sido los más duros de mi vida, porque ya no tenía las drogas para protegerme a mí mismo. Antes, de alguna manera, me ayudaban a salir adelante. Es triste decirlo, pero las drogas logran apartarte de ti mismo cuando lo necesitas…
He leído en algún lado que el cerebro no se desarrolla por completo hasta casi los 30 años, pero que gracias a ello a partir de entonces las cosas no te afectan tanto como de adolescente, pero igual ha sido un estudio bastante tonto sin fundamento. Desde luego no es tu caso…
Estoy de acuerdo con esa teoría también. Pero a su vez tienes que lidiar con el dolor de una manera en la que no tenías que hacerlo antes. Empiezas a perder gente, tus amigos mueren y mirar hacia otro lado fingiendo que no pasa nada ya no es una opción.
A pesar de todo el disco contiene grandes dosis de humor y dices que querías abiertamente hacer un disco divertido. Hay algo divertido simplemente en frases como «tengo 43 años», aunque no me preguntes por qué, por no hablar de ese 65% de diversión de que hablas en la letra de la misma canción.
Sí, me gusta alternar. El humor, el saber reírte de ti mismo es lo que te ayuda a salir adelante. Como te decía antes, era justo eso lo que quería buscar en este álbum. Era muy importante hablar de las cosas malas que han pasado a lo largo de estos años, pero no hacerlo sólo para enterrarte en una especie de fango, sino para ayudarte a reírte de ello y afrontar la vida lo mejor que se pueda. Es lo que he querido decir en la letra de ‘I Hate This Town’. Si te lo he conseguido transmitir, es que lo he hecho bien.
Has trabajado con Sinéad O’Connor, que también lo ha pasado muy mal recientemente, ¿a veces no te daban ganas de ayudarla, de darle un consejo?
En absoluto. En todo caso me lo tendría que dar ella a mí. Para mí lo más importante es la relación de amistad que tenemos o el apoyo que podemos encontrar el uno en el otro, es una relación de igual a igual. Yo no sabría darle ningún consejo. Está donde está porque es una persona muy fuerte. En el fondo, lo que le pasa es lo mismo que le pasa a muchísima gente, la única diferencia es que ella lo pone en el mapa, por alguna razón lo hace público. No te sé decir si eso es algo positivo o no, pero sí sé que es lo único que hace que su caso sea diferente. Es muy buena madre, es una persona muy inteligente que sigue sacando discos buenísimos y una excelente amiga. Yo no estoy en la situación de darle un consejo…
Cuando te entrevistamos a finales de 2011 ya nos hablaste del sonido ochentero de este disco, pero no dijiste que GusGus estaban implicados, ¿no lo sabías entonces o era un secreto? ¿Has sido siempre fan? Parecen siempre algo infravalorados…
No, nunca fue un secreto, supongo que entonces aún no lo sabía. Los conocí en Iceland Airlines, que es un festival, y creo que compartimos el modo de entender la música. Empecé a hablar con ellos y me pareció buena idea que se implicaran en el álbum. El primer disco fue muy grande, bastante popular y realmente ’24/7′ para mí fue un punto de inflexión, me ayudó a salir de un enorme pozo en el que me encontraba y a encontrarme a mí mismo.
¿Por qué has escogido un single tan sintético y después has sacado otro también sintético, cuando hay otros más clásicos que habrían gustado a los fans del anterior?
Bueno, mi idea no era que ‘Pale Green Ghosts’ fuera un single, sino simplemente una canción que sirviera como introducción para el álbum. De hecho por eso el disco se llama como este tema. No me preocupan mucho las decisiones de qué tema mandar a las radios y cosas así. Puede que te comas la cabeza pensando qué tema escoger y de repente al DJ le gusta otra y pincha esa otra. Esto ahora mismo ya funciona así. Si me hubieran pedido escoger un single, creo que me habría decantado por ‘Great Mother Fucker’ y ‘I Hate This Town’.
Estaba pensando más en tus fans que en lo que pudiera resultar de una radio, sobre si la gente se asustaría al escuchar dos canciones electrónicas seguidas.
Bueno, hay cinco o seis canciones que podrían estar sin problema en el álbum anterior…
‘Why Don’t You Love me Anymore’ es una de las más experimentales, y yo creo que es una de las fundamentales, ¿es de tus favoritas también? Oigo ecos de Dead Can Dance y el final es muy interesante, me pregunto si lo tenías en la cabeza desde el principio o experimentaste con él en el estudio.
Lo tenía en la cabeza desde el principio. De hecho, con ese final quería representar el sentimiento de pérdida del amor. Es una de las preguntas más sinsentido que te puedes hacer. «¿Por qué ya no me quieres?». En el mismo momento en el que lo planteas, ya no hay nada más que decir. Es completamente absurdo. Y quería que los sonidos reflejaran eso exactamente.
¿Es tu favorita?
Creo que una de ellas es ‘It Doesn’t Matter To Him’, me gusta mucho cómo suena la armónica al final.
¿Qué hay de ‘Sensitive New Age Guy’? Es una de las que realmente te hace bailar.
Es una canción muy especial, está dedicada a un amigo que se pegó un tiro en la cabeza.
Lo siento muchísimo, nunca lo habría adivinado…
Con los sonidos que incorpora la canción trataba de evocar su personalidad, su manera de ser. Es por eso un tema oscuro en el que he intentado rendirle homenaje y honorarle. Yo creo que le pegaría lo que he hecho.
¿Y ‘Vietnam’?
Escogí el título preguntando a la audiencia si querían que se llamara así o ‘Agent Orange’, alguien en el público dijo que ‘Vietnam’, así que lo decidí en ese momento. ‘Vietnam’ es una palabra muy fuerte, y en algún momento pensé que todo el disco se tenía que llamar así, pero se ha usado demasiado en el pasado para titular cosas, por lo que al final opté por otro nombre.
Colaboraste con Hercules & Love Affair. ¿Andy nunca fue una opción para producir el disco?
Tiene el mismo sentido que yo de mezclar sentimientos encontrados dentro de la misma canción. Conocí a Andy en 2012, en enero, por eso quizá ya no fue una opción para producir el disco. Ni se me ocurrió, estaba muy avanzado y él además es muy rápido. Tengo dificultades para escribir con gente, pero es un tipo muy divertido, me lo he pasado muy muy bien con él. No descarto volver en el futuro.
Ke$ha cambia de registro en ‘Vampire’
Cuando Ke$ha no anda dando entrevistas en las que aclara de qué parte de su anatomía habla en sus canciones, la cantante deja caer alguna canción inédita. Ahora encuentra su lugar en Internet una canción titulada ‘Vampire’. Lo primero que llama la atención de este tema es su tono reposado, abandonando la estridencia a la que nos tiene acostumbrados la cantante. El otro factor destacable, y lo más increíble, es la aparente ausencia de vocoder en la voz de Ke$ha. No sabemos qué ocurrirá con este tema pero tiene todas las papeletas para terminar en una futura y probable reedición de su último disco, ‘Warrior’.
La canción, que está siendo borrada de internet, puede escucharse ahora mismo en Youtube.
David Bowie / The Next Day
Muchos (aunque algunos digan ahora que ellos lo sabían porque llevan años descifrando los enigmas que Robert Fripp y Tony Visconti desgranaban en sus cuentas de Twitter) nos hemos visto sorprendidos por la reaparición de Bowie tras diez años de retiro discográfico. La sorpresa se tornó excitación al escuchar los dos temas que han servido de avance para este ‘The Next Day’, unos ‘Where Are We Now?‘ y ‘The Stars (Are Out Tonight)‘ que nos dejaban pegados a nuestros asientos de la pura emoción al encontrar de nuevo todo ese poder que la figura del Duque Blanco era capaz de desplegar en sus mejores momentos. Y su portada, en una jugada maestra digna de reverencia, atesora el leitmotiv del vigésimoquinto álbum de estudio de David Robert Jones: un gran cuadrado de color blanco cubriendo su cara en la portada de su mítico ‘Heroes’ que nos dice «fui aquel artista y, aunque ya no soy el mismo, sigo aquí».
En esa línea incide también el primer single del álbum. Esta emocionante y atemporal balada, que crece sin cesar, evoca sus recuerdos de la era en que vivió en Berlín (y que tuvo como fruto una histórica trilogía discográfica), pero situándose con rotundidad en el presente desde su mismo título y esa poderosa coda final que derrite con su «mientras quede yo, mientras quedes tú». En cada corte de ‘The Next Day’ podemos encontrar varios de estos autohomenajes a su pasado, con incontables ejemplos: en el ya conocido y magnífico segundo single, ‘The Stars (Are Out Tonight)’, diversos pasajes nos remiten a ‘China Girl’ o ‘Let’s Dance‘; los coros del corte titular, que además abre el álbum, nos remiten al glam enérgico de ‘Diamond Dogs’; el clasicismo travestido, a lo ‘Absolute Beginners’, emerge en ‘Valentine’s Day’; el prog-rock de ‘If You Can See Me’ recuerda los esfuerzos por contemporaneizarse de ‘Outside’.
Pero, lejos de ser pobres ejercicios nostálgicos, son ráfagas de su propia historia que muestran su vigencia en un contexto actual. En una decisión a la altura de su grandeza, Bowie pone en valor su legado haciéndolo sonar tan contemporáneo como genuino. La impresionante labor de producción de uno de sus más fieles colaboradores a lo largo de todos estos años, Tony Visconti, tiene mucho que ver. Además de equilibrar el eterno sonido de saxo en los discos de Bowie con unas afiladas guitarras, obra de Gerry Leonard y David Torn, perfectamente soportadas en el músculo de la recurrente base rítmica, Gail Ann Dorsey y Sterling Campbell, Visconti ha sabido dotar el conjunto de vigor y actualidad. Con ese soporte, el artista británico se ha atrevido incluso a introducir matices poco frecuentados en su discografía, como los aires a Tom Waits con los que arranca ‘Dirty Boys’, con notable éxito.
La ansiada reconciliación con lo mejor de sí mismo, que Jones llevaba esquivando un par de décadas en una línea tan valiente como poco atinada artísticamente, llega pues en este ‘The Next Day’. Tras diez años de espera y con esa certeza, unido a lo satisfactorio de los singles previos, es fácil caer en un entusiasmo desmesurado y querer incluirlo desde ya entre sus mejores álbumes. Sin embargo, no podemos lanzar las campanas al vuelo: es un álbum con ciertos puntos flacos. Especialmente en el tramo central, hay cortes como ‘Boss Of Me’, ‘I’d Rather Be High’, ‘Dancing Into Space’ e ‘If You Can See Me’ (personalmente, encuentro cierta reminiscencia a los primeros Tortoise aquí) que, aun dentro de una total coherencia, no pasan de fillers de alto nivel.
Pero eso solo indica que, de haber impuesto cierta mesura en el minutaje, sí podríamos hablar de un nuevo clásico del de Brixton. Porque el resto de ‘The Next Day’ es altísimo. La vibrante y poderosa ‘Love Is Lost’, la energía rockera del corte titular enlazada con el poso soulero de ‘Dirty Boys’, una ‘How Does The Grass Grow’ que parece revisitar los tiempos de ‘Let’s Dance’, el himno rock ‘(You Will) Set The World On Fire’, la preciosa torch song ‘You Feel So Lonely You Could Die’ recuperando el espíritu de ‘Hunky Dory’ y el sombrío pero excelso final con ‘Heat’, con Bowie metido en la piel del Scott Walker, sumados a los singles, conforman un conjunto con el que pocos ya soñaban que saliera de la mente del creador de Ziggy Stardust. Y, como remate, se acompañan de unas letras en las que se mira al pasado, al presente (la efervescencia de las protestas globales de los últimos años se intuyen como inspiración) y al futuro (la confrontación con la muerte es un tema recurrente en el disco) de manera serena y preclara.
La mera intención de ser un autohomenaje al icono (no solo musical) que lleva siendo durante décadas habría sido suficiente para recomendar este ‘The Next Day’ como perfecta introducción para unas nuevas generaciones que ni siquiera eran adolescentes cuando se publicó ‘Reality’, su disco predecesor. Pero es que, aun sin alcanzar el nivel de sus álbumes más cruciales, se trata de un álbum soberbio capaz de satisfacer a sus más exigentes seguidores, un regreso a la altura de su leyenda, al fin.
Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Where Are We Now?’, ‘The Stars (Are Out Tonight)’, ‘Love Is Lost’, ‘Heat’, ‘You Feel So Lonely You Could Die’
Te gustará si te gusta: cuando un grande del pop vuelve a lo grande
Escúchalo: iTunes, Deezer
Cámara, Areces y Arévalo: “En el Congreso deberían darle a las ‘mescas’: te vuelven más comunicativo y menos cardo”
Javier Cámara es como Penélope Cruz, sólo Almodóvar consigue sacarle notas que con nadie más alcanza. Así lo comprobamos en ‘Hable con ella’ y en ‘La mala educación’ y así se vuelve a confirmar en ‘Los amantes pasajeros’. La novedad, por lo tanto, era comprobar cómo Carlos Areces y Raúl Arévalo iban a encajar con él para componer ese particular monstruo de tres cabezas que protagoniza la película, conscientes de que han sido muy pocos hombres los que han brillado en manos del director.
Visto el resultado, e independientemente de si te apuntas al equipo a favor o al equipo en contra de la película (esta semana a España le toca dividirse en estos dos bandos), no se puede negar que la química entre ellos funciona. Una compenetración que se mantiene cuando se juntan para hablar del filme en una conversación en la que Arévalo, ante el huracán hiperactivo de Cámara y Areces, se queda casi observando en una esquina.
Hace unos años en JENESAISPOP hicimos un artículo en el que recogíamos todas las frases de las películas de Almodóvar que se habían convertido en coletillas populares. ¿Tenéis idea de cuáles de ‘Los amantes pasajeros’ acabarán formando parte del lenguaje popular? Javier sabrá de lo que le hablamos, porque su Paca de ‘La mala educación’ es fuente de varias de estas coletillas…
Javier Cámara: “Y tanto (Poniendo la voz de Paca) ‘Una rayita para la tronquita Paca’, ‘Dos rayas, dos amigas, dos cabalgan juntas, dos por la carretera’, ‘Anda que te pones ciega de hormonas y ciega de drogas y te vuelves loca maricón’….”
Carlos Areces: “¡En el rodaje le pedíamos todo el rato que nos las dijera!”
Cámara: “Prefiero esperar a que la gente encuentre sus frases favoritas, que la película está llena de ellas. Como comprenderás, nosotros no podemos marcar el iconismo.”
Areces: “¿Cómo que no? Pero si antes lo has reivindicado muy alegremente en otra entrevista. Has dicho que querías que fuéramos icónicos.”
Cámara: “Sí, bueno, pero me refería a que la coreografía, por ejemplo, tiene muchos planos con pinta de convertirse en míticos. Y algunas frases también…”
Raúl Arévalo: “De hecho, Pedro incluso ha reciclado frases de otras películas”.
¿Hablas del momento en que Carlos Areces suelta “La muchacha tiene razón”?
Areces: “Efectivamente. Yo es que esa frase la repito mucho con mis amigos. Hasta la saciedad. ¡Imagínate lo que es llegar de repente a la película de Pedro y tenerla! Aunque para serte sincero en el guión ponía exactamente “El chico tiene razón”, y en uno de los ensayos fui yo el que le dije a Almodóvar que me haría mucha ilusión cambiarla por esta que decía Candela, el personaje que hacía María Barranco, en ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’. Y me dejó”.
Cámara: “Pero volviendo a tu pregunta, yo espero que “El musical ha matado al auténtico cabaret” se convierta en frase icónica”.
Arévalo: “A mí me gusta mucho una de Carlos: “Hasta a mí, gorda como un trullo como estoy, me la mamaron viva en la mili”. Esa también la reivindico”.
Areces: “Haces bien, porque para mí fue muy duro prepararme el papel engordando desaforadamente para ser un gordo desaforado”.
Cámara: “Me he acordado de otra mía fantástica. “Los azafatos y yo les haremos pasar un viaje de lo más agradable. No me pregunten cómo”.
Areces: “Pero bueno, que esas nos gustan a nosotros. A lo mejor luego no calan”.
Para bien o para mal, la mayoría de críticas hacen hincapié en vuestra pluma excesiva en la película. ¿Cómo habéis trabajado estos personajes? ¿Teníais miedo de caer en la sobreactuación que tanto se da en la comedia?
Areces: “Entre los actores y directores el tema de la sobreactuación está muy mal visto, se lleva muy mal. Pero es que yo soy muy de Jim Carrey y creo que una cosa mesurada está muy bien pero que una sobreactuada, a veces, está mejor. Por ejemplo, Javier es una de las personas que mejor sabe sobreactuar en este país. Lo digo en serio. Su registro en ‘Hable con Ella’ es creíble, pero en ‘7 vidas’ también”.
Cámara: “El problema es que hay gente que no puede evitar sobreactuar porque en el fondo no son muy buenos actores y esa es su forma de esconderlo. En nuestro caso Pedro nos exigió desde un principio pasarnos de rosca todo lo posible, pero le dio miedo cuando vio todo el plumerío y nos dijo que bajáramos el tono. Menos mal que luego rectificó”.
Areces: “A mí concretamente me pedía más subactuación que otra cosa. ‘Ataraxia expresiva’ eran sus palabras. De hecho, las primeras indicaciones que me dio fue: “Quiero que abordes el personaje como lo hace Chus Lampreave en mis películas, es decir, que tu acting diga «qué hago aquí si no soy actor pero me da igual y me voy a quedar porque me lo estoy pasando muy bien». Eso es lo que quiero”. Y es que resulta que Pedro es muy fan de toda una caterva de secundarios del cine español que a mí también me fascinan como Lali Soldevilla, Luis Ciges o Pepe Isbert. Gente que a lo mejor no tenía un registro amplísimo pero llenaban la pantalla. Yo te juro que me pones a Luis Ciges al lado de Marlon Brando y no me entero de que está Brando”.
Arévalo: “Depende de lo que haga Marlon Brando”.
Areces: “Si se hace una paja igual le miro por curiosidad. Pero tendría que ser una paja muy grande”.
Cámara: “Es problema es que ellos han pasado a la historia como grandes secundarios y tú pides mucho protagonismo”.
Areces: “Es que creo que tengo el mismo problema que Miguel Ángel Silvestre con su encasillamiento pero a la inversa: soy objeto de desdeseo. De hecho es muy frustrante que prácticamente el único que no folla de toda la película sea yo”.
Cámara: “Tú tranquilo que siempre llega alguien que te desencasilla. A mí me pasó después de hacer tanta comedia cuando me llamó Pedro para protagonizar ‘Hable con ella’. Al principio muchos se echaban las manos a la cabeza, pero fue estrenarse y de repente todo el mundo aplaudía porque sabía hacer drama”.
Areces: “Eso es hacerse un Landa”.
Si haces un repaso a la filmografía de Pedro descubres que hay muchas referencias a otras películas en esta comedia. ¿Qué escenas de aquellas películas creéis que encajarían perfectamente en el tono de ‘Los amantes pasajeros’?
Areces: “La sesión de fotos de Almodóvar a Fabio en ‘Laberinto de pasiones’. Esa y la entrevista que les hizo Paloma Chamorro en ‘La edad de oro’ de TVE, que la revisitamos el otro día y no podíamos parar de reírnos con McNamara”.
Cámara: “A mi me encanta la recepcionista que se está cagando y la gente no deja de preguntarle cosas y ella agobiada porque se lo hace encima”.
Areces: “Pero es que Pedro es así, que lo mismo te mete un chiste de cacas que una escena de danza de Pina Bausch”.
Arévalo: “De hecho, ayer nos contó por mensaje lo de las tartas de Ikea y pensábamos que era otro chiste de caca suyo… En cualquier caso, a mí viene todo el rato a la cabeza una escena de ‘Qué he hecho yo para merecer esto’ en la que Javier Gurruchaga hace de dentista que intenta seducir al hijo de Carmen Maura. Esa secuencia, en esta película, hoy en día sí que sería transgresora y se habría montado un escándalo con ella. Es que si lo piensas, ‘Los amantes pasajeros’ es en realidad una comedia muy naíf”.
Cámara: “A la gente le puede parecer muy gay, muy ligera, muy blanca.. ¿Pero fuerte como nos han dicho algunos periodistas? No”.
Areces: “Pues cuando estabais hablando de la caca me he acordado de otra escena que me volvió loco en ‘Hable con ella’ que protagonizaba otra recepcionista.
Cámara: “Sí, la de “Me acabo de echar una mierda como un celemín”
Areces: “¿No era como un zepelín?”
Cámara: “No, celemín, que es una medida de tierra. Pero un zepelín también podría ser… No, si esto es como las canciones de Mecano, que uno entiende una cosa y otro otra”.
Areces: “Yo creía que en ‘Cruz de navajas’ decían «madalenas del sexo con besos”.
Cámara: “Pues un amigo mío creía que en ‘Barco a Venus’ decían “Déjalo ya, sabes que nunca ha ido a Venus un ser humano”.
Carlos: “Qué mongólico tu amigo también, ¿no?”.
Cámara: “Bueno, es que él es más de Serrat”.
Ha dicho Almodóvar que él es consciente de que pone muy nervioso a sus actores, pero que Raúl Arévalo era el único que no ha mostrado ese nerviosismo…
Arévalo: “Me encantaría generar esa leyenda”.
Areces: “Pero es verdad, yo estaba a tu lado y cuando Pedro te hablaba estabas ahí tirado tan tranquilo desmitificando la situación, que no sé cómo podías”.
Arévalo: “Pero es que tú eres muy mitómano. Lo que pasa es que Pedro tiene expresiones que me resultan muy familiares porque tengo familia castellana, y cuando le escucho hablar me hacen sentir más cómodo de lo normal. Igual si fuera David Lynch el que me habla me pondría más histérico. Además, Javier tampoco parecía muy nervioso”.
Cámara: “¿Cómo que no? Estaba histérico porque aunque había hecho más películas con Pedro tenía miedo de no estar a la altura de la situación. Nunca me había catado con algo de comedia…»
Areces: “¿Nunca, verdad? Porque la Paca de ‘La mala educación’ era lo que se dice un personaje sobrio, sobrio…”
Por cierto Javier, la voz de la asistenta de Cecilia Roth al teléfono… ¿Eres tú haciendo de la Paca, verdad?
Cámara: “No, es…”
Arévalo: (Le interrumpe) “Sí. Te tengo que pedir perdón, Javier, porque no sé si querías guardar el secreto, pero me ha impresionado un poco que se hayan dado cuenta”.
Cámara: «En los títulos de crédito aparece acreditada como “Paca La Mala”. Yo me lo pasé en grande grabando esa escena”.
Areces: “¿Sabes como surgió además que lo hiciera Javier? Porque en los ensayos era él el que daba la réplica a Cecilia y Pedro acabó decidiendo que para qué buscar a nadie fuera si ya tenía lo que necesita en casa».
¿Vosotros también compartís la teoría de que el avión de la película es una metáfora de la España actual?
Cámara: “Eso depende de cada uno. Hombre, hay referencias muy explícitas que recuerdan a la situación actual como lo de la corrupción o el aeropuerto, pero hay otras, como la historia de Corinna, la amiga del rey, que han salido ahora y estaban en el guión escritas hace un año y medio”.
Areces: “En el futuro Pedro será recordado como Julio Verne, como un visionario”.
Arévalo: “Ahora solo falta que en el congreso le den a las Mescas”.
Areces: “¿Te crees tú que no las hay ya? Si no, deberían, que te vuelven más comunicativo y menos cardo”.
Cámara: “Igual en las revistas del corazón ahora se pone de moda dar mescas en lugar de máquinas de la verdad. ¿Te imaginas? Sería mucho más relajado todo”.
No puedo terminar sin preguntaros por la famosa coreografía del ‘I´m So Excited’… ¿Siempre fue la canción de las Pointer Sisters la única opción o se barajaron otros temas?
Cámara: “Mira, te lo vamos a contar todo desde el principio que te lo mereces”.
Areces: “Al principio en el guión no había ni coreografía. Pero un día Javier y yo estábamos en las oficinas de El Deseo cantando el ‘Qué suerte’ de Violeta Rivas, haciendo mucho el mamarracho, esperando a que llegara el ascensor y cuando se abrió apareció Pedro y nos pilló con el número montado. Le debió hacer gracia porque en ese momento decidió que había que meter un número musical en la película”.
Cámara: “Vio que estos personajes eran unas cabareteras y que necesitaban hacer su número. Y nosotros felices”.
Areces: “Es que además una película de Pedro sin momento musical es menos película de Almodóvar, ¿no? Y yo quería que mi película de Almodóvar fuera muy Almodóvar”.