Make Noise, de nuevo con el apoyo de Converse y This Is Underground, organiza un nuevo concierto el próximo 25 de enero en Gràcia (Barcelona). Ocellot y Ghost Trasmission encabezan una programación de hasta nueve sellos que actuarán entre Heliogàbal, la tienda Bcore, Sonotek y la Milagrossa. Los grupos que conforman el cartel son Capitán (Discoteca Océano), Cut Your Hair (Mushroom Pillow), Grushenka (El Genio Equivocado), Diego García (Sonido Muchacho) y LucaMates Mates (Famèlic Records) en acústico. Además, participarán nuevos valores como Monki Valley (Pendrive) y D.A.R.A.L (Music or Nothing). Los horarios y lugares quedan así:
– Heliogàbal: 21h Diego Garcia / 22h Ocellot / 23h Capitán / 00h A Viva Veu dj’s
– BCore: 20h Luca (Mates Mates) / 20:30h Comentari Anònim dj’s (Gent Normal)
– Milagrossa: 19:30h Ghost Transmission / 20:30h Grushenka / 21:30h Cut Your Hair / 22:00h crises dj
– Sonotek: 20h D.A.R.A.L / 21h Monki Valley / 21:45h Egyptian Maraccas dj
Iker Insausti y Jeffrey Frígula son los encargados de dirigir el primer vídeo de ‘Ceremonia‘, correspondiente al single ‘Arenas movedizas‘. Oficialmente «es un homenaje a los clásicos del cine de misterio y terror en el que Ana, David y Fran (la nueva formación en directo de La Bien Querida) se ven envueltos en un misterioso episodio donde las fuerzas del mal y lo demoniaco dan a luz a un extraño ser». Más cerca del cine negro que de ‘La posesión’, el vídeo viene a confirmar en cualquier caso los nuevos terrenos explorados por el grupo.
La Bien Querida girará desde esta semana como parte del ciclo Girando por Salas. Estará el 25 de enero en la Sala Zeppelín de Castellón, el 26 de enero en la Sala Café del Teatre de Lleida, el 1 de febrero en la Sala Matisse de Valencia y el 2 de febrero en la Sala MusicHall de Barcelona. Luego vendrán otras fechas en Madrid (8 de febrero y 13 de febrero), Burgos (14 de febrero), Bilbao (8 de marzo), San Sebastián (9 de marzo), Málaga (19 de abril) y Granada (20 de abril).
Los lectores de JENESAISPOP habéis votado ‘Where Are We Now?’ como top 1 de nuestra lista esta semana. Estas son algunas curiosidades sobre el inesperado single de regreso de David Bowie.
1.-El origen: Visconti dice que después de que Bowie tuviera su problema de corazón en 2004 (que aclara que no fue un infarto), estuvo descansando durante un año y no quiso ver a nadie. El punto de partida de este álbum tuvo lugar hace dos años, en noviembre de 2010, cuando le llamó para trabajar en unas demos por sorpresa. Bowie tenía ya varias ideas de canciones en un 8 pistas casero, y trabajaron en ellas durante 5 días. En abril de 2011 volvieron a quedar para trabajar en más material escrito entre estos meses. Grabaron en varios períodos de dos semanas hasta sumar tres meses y medio de grabación a lo largo de este par de años. Visconti dice que le veía muy saludable y que simplemente le apetecía volver a escribir. También que el hecho de que todo se mantuviera en secreto fue una idea de Bowie, quien pidió a Tony y a los músicos de estudio ni siquiera decir a su mejor amigo que estaban grabando. Visconti cuenta que ni se lo dijo a sus hijos.
2.-Autoría y producción: A pesar de que las múltiples entrevistas concedidas por Tony Visconti en los últimos días hayan podido llevar a error, David Bowie es el único autor de la canción y Tony Visconti figura simplemente como productor. Una constante -la de firmar solo- en la carrera de Bowie con algunas excepciones como ‘Outside’ (1995) y ‘Hours’ (1999), en cuyos créditos sí figuraban como co-autores Brian Eno o Reeves Gabrels.
3.-El productor: Tony Visconti ya había trabajado con David Bowie en varios álbumes, como ‘Space Oddity’ (1969), ‘Heroes’ (1977), ‘Young Americans’ (1975) y ‘Scary Monsters’ (1980). Más recientemente estuvo involucrado en ‘Heathen’ (2002) y ‘Reality’ (2003). A lo largo de los últimos 50 años ha trabajado con gente como T Rex, Iggy Pop o, en los últimos años, Kaiser Chiefs (‘The Future Is Medieval’), Manic Street Preachers (‘Lifeblood’) o Dean & Britta. Visconti también produjo el complejo ‘Ringleader of the Tormentors’ de Morrissey, el que ha sido su penúltimo disco de momento. Visconti dice que se escribe con Mozz constantemente y que hace poco se han visto. No hay novedades sobre la falta de contrato discográfico del ex líder de los Smiths.
4.-La letra, Berlín: El diseñador gráfico de la portada del nuevo álbum, Jonathan Barnbrook, ha dicho que la canción compara al Berlín de antes del Muro con el Berlín de hoy. En el Berlín con muro fue donde Bowie situó su trilogía de discos sobre la ciudad. Aparecen varios puntos de la capital alemana en la canción, aunque el más significativo es Bösebrücke, la primera frontera que se abrió cuando el Muro cayó y que atravesaron 20.000 personas en una hora sin saber muy bien qué iba a pasar («twenty thousand people / Cross Bösebrücke / Fingers are crossed / just in case»). También figuran la famosa Potsdamer Platz o el club Dschungel, que estuvo abierto desde 1978 a 1993, situado entre Schöneberg y Charlottenburg.
5.-El videoartista: El vídeo ha sido dirigido por Tony Oursler, un artista multimedia de Nueva York de 56 años conocido por cintas caseras como ‘The Loner‘ (1980) o ‘EVOL’ (1984), en las que alternaba la banda sonora con el «stop-action» y los efectos ópticos. Ya trabajó con Bowie en 1997, cuando realizó los vídeos de fondo para su concierto de 50 aniversario. Hay quien dice que que la serie de objetos que aparecen en el clip (maniquíes, botellas, un huevo, una oreja gigante azul, etcétera) podrían haber pertenecido al apartamento de Bowie en la ciudad durante los 70.
6.-La chica: La muchacha que aparece junto a Bowie en el vídeo de la canción no es otra que la pintora Jacqueline Humphries, esposa de Oursler y bastante conocida en el mundo del arte en Nueva York. Se comenta que el director y Bowie buscaban a alguien parecido a Corrine «Coco» Schwab, la ayudante personal que le acompañara en Berlín durante los años 70. Tony Visconti dice que se emocionó tanto al ver el vídeo recordando aquellos tiempos que lloró.
7.-La camiseta: Al final del vídeo Bowie aparece con una camiseta en la que se puede leer «m/s Song of Norway». Se trata de una referencia a ‘Song of Norway’, una película de 1970 insignificante en la que la novia de David en aquella época, Hermione Farthingale, bailaba. A ella estuvieron dedicadas canciones como ‘Letter to Hermione’ y ‘An Ocassional Dream’.
8.-¿Es un hit?: Aunque en su segunda semana habrá caída libre en todas las listas (ya ha desaparecido del top 40 británico), la verdad es que ‘Where Are We Now?’ ha tenido una entrada excelente en las listas de éxitos. Ha sido top 6 en Reino Unido (su mejor posición para un single en este país desde 1986) y top 10 en Bélgica, Francia, Italia y Holanda. En Dinamarca ha llegado incluso al top 2. En España ha sido top 9: un verdadero milagro si echamos un vistazo al resto de la lista de Promusicae.
9.-En JENESAISPOP: ‘Where Are We Now?’ es el primer número 1 de David Bowie en JENESAISPOP, aunque lo ha alcanzado a lo grande: con un 72% de los votos. Es el mayor porcentaje jamás conocido para uno de nuestros tops 1. El récord hasta ahora lo tenía el 65% del ‘Blue Jeans’ de Lana del Rey.
10.-El disco: Según las entrevistas que ha concedido Tony Visconti estos días, ‘Where Are We Now?’ no es demasiado indicativa del sonido del álbum ni de sus letras. Dice en Rolling Stone que esta es la única canción de ‘The Next Day’ que mira hacia su pasado. El álbum parece dividirse entre temas rock (‘(You Will) Set The World On Fire’, ‘The Stars (Are Out Tonight)’, ‘The Next Day’) y otros más funky (‘Love Is Lost’, ‘Boss of Me’). Visconti ha declarado a la BBC que el álbum tiene sonidos más innovadores y también parte del Bowie clásico. En las letras, hay canciones sobre guerras mundiales (‘I’d Rather Be High’) y soldados (‘How Does The Grass Grow’), influidas por la gran cantidad de libros medievales que Bowie ha leído en estos años. El guitarrista Earl Slick, que ha tocado durante años con Bowie y ha grabado el disco, coincide por completo en su análisis.
Radio 3 acaba de confirmar otra de las actuaciones que tendrán lugar dentro del murciano SOS 4.8. Se trata de Bloc Party, que recientemente presentaban el vídeo de ‘Truth’, extraído de su último disco, ‘Four‘. Los de Kele Okereke se suman a un cartel que ya contaba con confirmados como The xx, M83 o Javiera Mena.
Además, el festival ha informado tras la confirmación de Bloc Party que también se suman al cartel Jero Romero, Extraperlo y L.A. Os recordamos que el SOS 4.8 se celebra el primer fin de semana de mayo.
Este fin de semana se han celebrado los premios P3 Guld en Suecia, donde se ha reconocido la labor de El Perro del Mar por ‘Pale Fire‘, Labyrint, Swedish House Mafia o Icona Pop. Entre las sorpresas de la gala, este popurrí en el que podéis ver a Amanda Mair interpretar ‘Euphoria’, el hit de Loreen, delante de la propia Loreen. Minuto 2.20.
Os dejamos también con las actuaciones de Icona Pop y Loreen.
¿No veías la elegancia en la producción de ‘Everything Is Embarrassing’? ¿A ti lo que te gusta es el sonido bailable de canciones como ‘Lost In My Bedroom’? Twin Shadow ha puesto una solución a la primera de las mencionadas, publicando un remix mucho más descarado de la que es, hasta el momento, la canción más prometedora de Sky Ferreira. El remix está en el Soundcloud oficial de ella, por lo que sabemos que es oficial.
Sobre todo a partir de su estupendo segundo disco, Chazwick Bandick parece decidido a mantener la producción musical de Toro y Moi dentro de los parámetros de la canción tradicional. Por esa razón, siempre será un misterio cómo (de bien) hubiera sonado su propuesta de haber querido llevar los experimentos «chillwave» de su primer disco hacia esos mismos parámetros. ‘Imprint After’, de todos modos, sigue siendo una pequeña obra maestra, pero el camino que inició Bandick en ‘Underneath the Pine’, más orgánico y menos enfocado en la creación de atmósferas como principal atractivo de su sonido, continúa, se expande y evoluciona en ‘Anything In Return’, tercer trabajo de estudio del prolífico productor estadounidense.
Por supuesto, que las canciones de Toro y Moi sean ahora más reconocibles que nunca como tal no significa que ya no haya atmósferas en las que perderse. Las hay y muchas y, en esta ocasión, de un modo quizás más experimental que antes. Una escucha a ‘Anything In Return’ revela una telaraña sonora complejísima en la que cabe de todo, desde house (‘Harm In Change’) a hip-hop (‘Never Matter’) pasando por algo parecido a IDM (‘Grown Up Calls’), entre miles de cosas más, que, sin embargo, pueden situarse fácilmente en un marco en el que reina, de manera incuestionable, el R&B de los noventa. Ese mismo género, de hecho, ya era uno de los elementos clave del sonido chillwave, pero a medida que las canciones de Toro y Moi toman formas más definidas, su relación con esa etiqueta resulta cada vez menos adecuada.
Chazwick Bandick, por lo tanto, parece encajar sin demasiada dificultad, y atendiendo a la evolución de su sonido a lo largo de su trayectoria, en el perfil de compositor en busca de un continuo perfeccionamiento de su lenguaje sonoro. En este caso, ‘Anything In Return’ tampoco es ese disco perfecto que, especulativamente, anda buscando Toro y Moi, más que nada porque Bandick aún no ha logrado conjugar de la manera más equitativa posible su talento para la producción con su talento para la escritura de canciones; sin embargo, el nivel de momentos brillantes en este disco quizás sea el más alto al que ha llegado Bandick hasta la fecha. ‘Harm In Change’, con ese clásico riff de piano house, es, sin ir más lejos, el mejor inicio de disco de su carrera.
No es el único instante inspirado por el house en el álbum. La eufórica ‘Never Matter’, con unos sintetizadores hacia el final que parecen ir totalmente a su bola, dejando el tema más arriba imposible, también incluye un piano del estilo, en tanto que el uso de samples de voces femeninas sexys sucede en el disco de forma casi generalizada. Son esas voces, de hecho, el gancho más importante de ‘Say That’, una bonita canción de amor destacable asimismo por su corpulenta percusión, y uno de los secretos de ‘High Living’, en la que la figura femenina aparece en forma de respiros, otorgando a la canción esa cualidad romántica que conforma el concepto sonoro y lírico de ‘Anything In Return’.
Para nada es de extrañar que este sea un disco romántico, en el que lo amoroso y lo sensual conviven a partes iguales; al fin y al cabo, ‘Anything In Return’ no deja de ser, pese a la caleidoscópica y multicolor maraña de samples y loops característica de Toro y Moi, un disco de R&B, en el que las melodías que beben de dicho género son fácilmente detectables, especialmente en temas como ‘Cola’, ‘Rose Quartz’ o ‘Touch’, que es casi igual de envolvente que un «quiet storm». De entre la densidad de sonidos y efectos también encontramos canciones que han levantado comparaciones con Steely Dan (‘High Living’) o Stereolab (‘Studies’), hits como templos como ‘Cake’ o ‘Harm In Change’ y, sobre todo, desarrollos muy estimulantes que confirman a Toro y Moi como un productor más que un compositor: un productor que esta vez tampoco ha entregado el disco de su vida, pero que sigue rezumando creatividad, originalidad, frescura y estilo por todas partes.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Harm In Change’, ‘High Living’, ‘Day One’, ‘Never Matter’ Te gustará si te gustan: tanto Jessie Ware como Washed Out Escúchalo: Pitchfork
La 18ª edición del Minifestival de Barcelona se celebrará el 23 de febrero en el Espai Jove les Basses y cuenta con The Primitives y Amor de Días como figuras internacionales. La entrada se puede comprar de forma anticipada a un precio de 10€ o en taquilla por 13€.
Amor de Días es el proyecto de Alasdair McLean (The Clientele) junto a Lupe Núñez-Fernandéz (Pipas), que presentarán su nuevo disco ‘The House at the Sea’ editado en Merge Records. Hace poco podía escucharse el single ‘Jean’s Waving’ y además ahora puede escucharse la deliciosa ‘In The Winter Sun’ en Rockdelux, de tintes bossa.
El cartel además cuenta con Pleasant Dreams, Coffee&Wine, Xiu Xiu Plàstic y Les Atxes i The Trees. Previamente, el 26 de enero, en el Espai Jove la Fontana se celebrará un concierto de presentación gratuito con Gerard i els Civets, Cyrene y Please Wait. También en el marco de las actividades del Minifestival se encuentra una muestra de cine en Super 8 el día 19 de enero en el Centre Cívic Pati Llimona. Más información, aquí.
Como bien nos contaba el propio autor en una reciente entrevista concedida a JENESAISPOP, hay libro de Dominique A. El próximo 18 de febrero Alpha Decay publicará la edición en español de ‘Regresar’, el libro en el que Dominique Ané relata su relación con Provnis, su ciudad natal. Los detalles, en la web de la editorial.
Esto es lo que nos contaba en aquel momento sobre la escritura. «Es un ejercicio que no tiene nada que ver con las canciones y que me ha inhibido bastante. He dudado mucho antes de ponerme a escribir, porque detesto la idea de un cantante que escribe. Quita credibilidad a un proyecto literario, porque normalmente escribes sobre cosas que conoces bien, en este caso la música, pero yo quería evitar eso. Cuando escribes una canción piensas más que nada en el sonido porque la finalidad es la música. La música para mí es un arte que va muy relacionado con los demás, es un encuentro con los músicos, hay una perspectiva de trabajo a en común. En el libro estás solo frente a ti mismo, sobre todo si hablas de tu vida. Quería que fuera un trabajo completo, y que tuviera una idea de perfección que no busco en la música».
La banda de punk pop madrileña Pantones presenta vídeo para su canción ‘El día de tu cumpleaños’, dirigido por el ilustrador y director Borja Crespo, conocido por sus muchas colaboraciones con Subterfuge (de ‘Electricistas’ de Fangoria al Plan B de Carlos Jean) y con bien de pelotas de colores. La canción forma parte del EP ‘Ruido Rosa’, editado el pasado 2012, y también del recopilatorio ‘Stereoparty’, y menciona aquella cosa llamada Fotolog.
S.C.U.M. ha anunciado su separación a través de Facebook después de mantenerse inactivos desde su último concierto en el Festival de Leeds en agosto del año pasado. Lo anunciaban mediante el siguiente comunicado: «Hola a todos, parece un momento apropiado para anunciar después de una larga pausa que S.C.U.M ha decidido colectivamente no seguir tocando o componiendo juntos”. El comunicado también anuncia que los miembros están trabajando en nuevos proyectos. En su carrera la banda solo lanzó un disco, ‘Again into Eyes’ y sus singles ‘Amber Hands’, ‘Faith Unfolds’ y ‘Whitechapel’, además de la canción ‘Visions Arise’.
El sonido del grupo encajaría en la ola de revival post-punk que se ha venido dando en los últimos años, actualizando el sonido con un punto más ambiental y noise en ocasiones, recordando a grupos como The Horrors o The Raveonettes.
Death Grips han estrenado recientemente una especie de corto de 13 minutos. Lo ha dirigido el mismo miembro de la banda Zach Hill durante la grabación de su último disco ‘No Love, Deep Web’, con la ayuda del también miembro Stefan Burnett. Es principalmente mudo, aunque hacia el final aparece la pista ‘Come Up and Get Me’, con algo más que un punto de locura. Una nueva aventura audiovisual que se suma a aquel vídeo interactivo que rodaron con MTV (‘I’ve Seen Footage‘).
Puede parecer que Foxygen saquen discos a un ritmo vertiginoso. Hace bien poquito revisábamos por aquí su fantástico debut ‘Take the Kids Off Broadway‘ pero, como comentábamos entonces, había que tener en cuenta que el álbum era originalmente de finales de 2011.
Por lo tanto, Sam France y Jonathan Rado han tenido un añito en el que les ha dado tiempo a varias cosas. Por un lado a reeditar su debut en Jagjaguwar logrando generar un runrún que, poco a poco, ha alcanzado niveles próximos al hype. Por otro, a preparar 9 canciones nuevas y grabarlas junto a su principal valedor, el productor de moda Richard Swift. Foxygen han pasado de empezar 2012 siendo unos absolutos desconocidos a terminarlo estando en el ojo del huracán. Veamos pues qué nos deparan en esta nueva aventura.
Lo primero, cambios. Y, algunos, a mejor. Por ejemplo, una canción como ‘San Francisco‘ (‘San Fran’ en el adelanto promocional ‘Introducing Foxygen’ con el que fueron calentando motores a final de año) justifica ella solita un disco entero.
Y es que es cierto que en ‘Take the Kids Off Broadway’ tenían momentos enormes pero también lo es que estaban un poco tocados por una especie de «síndrome del menú degustación». Es decir, en su afán por meter mil ideas en cada canción, acababan ofreciendo un non-stop de fogonazos absolutamente disfrutables pero que te dejaban con las dudas de si las composiciones realmente soportarían un tratamiento más tradicional. Si, fuera del contexto desestructurado, serían perdurables, memorables.
Pues ‘San Francisco’ demuestra que sí, que puede meterse en la misma liga que el ‘San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in your Hair)’ de Scott McKenzie o el ‘Come Back from San Francisco’ de los Magnetic Fields. O, ya puestos, del ‘Sunday Morning’ de la Velvet o del ‘Sunny Afternoon’ de los Kinks.
Pero no solo de la excelsa ‘San Francisco’ vive ‘We Are the 21st Century Ambassadors of Peace & Magic’. El single que adelantó el disco hace unos meses, ‘Shuggie’, es tan brilante como sólido. Más cerca de los últimos MGMT que nunca, ofrece una versión más sofisticada y moderna del dúo, con un sinuosa línea de bajo que recorre toda la canción, extraños arreglos de flauta y un vídeo arty más o menos incomprensible.
Sin embargo, esta adaptación de Foxygen a estructuras más o menos normales no siempre da tan buenos resultados. Aun existiendo canciones bastante resultonas -como ‘In the Darkness’, con la que se abre el disco- u otras en las que recuperan parte de la magia y la locura de sus primeras grabaciones -como la que da título al álbum-, el resto de temas no mantiene el nivel de sus singles.
Porque, para ser sincero, yo me esperaba algo más que el rock de corte clasicón y sorprendentemente romo de ‘No Destruction’ o de ‘Oh No 2’. Del mismo modo, si bien ‘Oh Yeah’ o ‘On Blue Mountain’ tienen cosas totalmente aprovechables, ¿realmente son merecedoras de extenderse durante más de 5 minutos? Por no hablar de ‘Bowling Trophies’, una cortinilla instrumental que en su debut no les habría dado juego ni para 15 segundos.
Por lo tanto, si bien podríamos decir que el disco es un poco decepcionante, lo cierto es que no lo es lo suficiente como para perder el interés por lo que pueda venir de una propuesta que, de momento, en el peor de los casos te suelta un par de clásicos. Eso se merece un respeto.
Calificación: 7,2/10 Lo mejor: ‘San Francisco’, ‘Shuggie’, ‘In the Darkness’ Te gustará si te gusta: Los Kinks, la Velvet Underground, Richard Swift. Escúchalo: Pitchfork
Mentiría si dijera que no he echado muchísimo de menos ‘Girls’, fundamentalmente porque solo los velocísimos y extravagantes diálogos de ‘The Newsroom’ durante el verano fueron capaces de hacerme olvidar los guiones de Lena Dunham, creadora de una de las series revelación de 2012 y cuya frescura e innovación se han visto premiadas por un enorme reconocimiento en los Globos de Oro. Esa misma noche que la Dunham veía cómo su creación salía victoriosa de semejante prueba, la HBO -quizás en previsión- había programado el primer capítulo que da a luz a una segunda temporada que muchos esperábamos como agua de mayo. ¿Es que nadie más ha echado de menos la idas y venidas de estas cuatro veinteañeras con una palpable verborrea y una tendencia al diálogo enrevesado y retórico?
Pues tenemos una buena noticia: parece que la segunda temporada de la serie viene dispuesta a darnos más de lo que se nos habría ocurrido pedir. Más conversaciones que de puro denso son irreales. Más situaciones que no por ser cómicas dejan de ser de un realismo recalcitrante. Más escenas de sexo gratuito y desinhibido, pero no por ello menos importante para entender la trama… y más fotos fijas de una generación que intenta abrirse paso entre trabajos precarios y un preocupante Síndrome de Peter Pan que les lleva a una dicotomía constante entre continuar con su adolescencia eterna o aprender a crecer.
Y una cosa está clara: es innegable que ‘Girls’, desde su primera temporada, retrata a una generación egoísta, individualista, propensa a la inmediatez y frívola hasta un punto hasta ahora desconocido, pero el que no sepa ver más allá padece una increíble ceguera. El cuarteto también deja entrever las iras, la fragilidad y dos miedos constantes (al devenir del tiempo y al fracaso) que prácticamente dictan todos y cada uno de los movimientos de las protagonistas, de una forma tan directa y desgarradora que a veces, entre risa y risa, uno siente una profunda angustia porque se ve reflejado a la perfección.
Calificación: 8/10 Destacamos: ¿No es Shoshanna el mejor personaje creado en mucho tiempo? Te gustará si te gusta: la primera temporada. Predictor: ojalá dure mucho tiempo, pero no se corrompa como ‘Como conocí a vuestra madre’.
A los fans de los grupos guitarreros les suele gustar poco que sus artistas favoritos se pasen a la electrónica. Radiohead pudieron dominar a su público con obras maestras tan claras como ‘OK Computer’ o ‘Kid A’, pero pocos ejemplos más se han conocido. O si no, preguntadle a un fan de U2 qué es mejor, si ‘All That You Can’t Leave Behind’ o ‘Zooropa’. Ra Ra Riot recibieron interminables comparaciones con Vampire Weekend cuando editaron su primer álbum, pero ahora se desmarcan por completo de los punteos afro-indies y, a falta de comprobar qué es lo que han hecho los de Ezra Koenig, se sitúan por delante como mínimo en la carrera del desconcierto, quizá tomando alguna idea del proyecto paralelo del líder de Ra Ra Riot, Wes Miles, y Rostam Batmanglii de Vampire Weeknd, Discovery.
‘Beta Love’ ha sido producido por Dennis Herring, que en realidad ha trabajado tanto con Modest Mouse como con gente como Wavves, pero el punto que parece haber marcado su camino ha sido el de la salida de la banda de su violonchelista Alexandra Lawn. El disco se abre con la infecciosa ‘Dance With Me’ de estribillo tontísimo («siempre seré tu juguete», repiten una y otra vez) y continúa con la ochentera y fiestera ‘Binary Mind’ y la explosiva y casi petarda ‘Beta Love’. Con este arranque parecemos estar escuchando, dependiendo del pasaje, a Passion Pit, a los MGMT más hedonistas y hasta a Mika. Son canciones muy adictivas, bailables y con un punto hortera, que anticipan un disco despreocupado y muy disfrutable.
El giro en su carrera divierte y hasta entusiasma en estos primeros instantes, dejando además la puerta abierta a los fans de arreglos más clásicos (las cuerdas aparecen en el mencionado corte titular o en la balada ‘Is It Too Much’). De hecho, hay guiños modernillos a la Motown al modo de la Kate Nash de ‘My Best Friend Is You‘ (‘For Once’, ‘Angel, Please’), precisamente ahora que esta se ha pasado a riot-grrrl, y también al modo de entender las cuerdas de grupos de folk buenrollistas como Kings of Convenience. Sin embargo, el disco desconcierta a medida que se desarrolla su secuencia. ‘What I Do For You’, entre Timbaland, el dub y -ahora- el peor Mika es un corte tan innecesario como insulsa resulta ‘Wilderness’.
En esa segunda mitad no tan buena, salva los muebles la final ‘I Shut Off’, propia de una película de John Hughes y diría que con un guiño a la siempre genial ‘Johnny and Mary’. ¿Sintetizadores para Ra Ra Riot? ¡Sí! ¿Buena idea? ¡También! No será aquí donde leáis que ‘Version 2.0’ era un álbum «demasiado electrónico» o que ‘Gran Turismo’ estuvo a punto de echar a perder la carrera de los Cardigans. Sin embargo, Ra Ra Riot habrían necesitado a otro productor o canciones algo más sólidas para convencer a lo grande.
Calificación: 7,4/10 Lo mejor: ‘Dance With Me’, ‘Binary Mind’, ‘I Shut Off’ Te gustará si te gustan: Passion Pit y Mika por igual Escúchalo: Deezer
Al igual que hace unos días Promusicae publicaba la lista de los discos más vendidos del año en España, lo hacía también con la lista de canciones más vendidas. El mayor éxito del año proviene de 2011 (una constante en nuestro país que las canciones más exitosas del momento sean algo antiguas) y corresponde a Michel Telo, el ‘Ai se eu te pego’, bastante distanciado de la segunda posición con cuatro platinos (160.000 copias) frente a los dos de Cali y El Dandee con ‘Yo te esperaré’ (80.000 copias). En realidad toda la lista es para echarse a llorar, con las excepciones contadas de Gotye, Loreen, Adele, Rihanna, fun., Maroon 5 ft Christina Aguilera y Madonna. Y el ‘Call Me Maybe’.
1.-MICHEL TELO / AI SE EU TE PEGO 4**
2.-CALI & EL DANDEE / YO TE ESPERARE 2**
3.-JOSE DE RICO & HENRY MENDEZ / RAYOS DE SOL **
4.-PABLO ALBORAN / TE HE ECHADO DE MENOS **
5.-JUAN MAGAN / BELINDA TE VOY A ESPERAR **
6.-GOTYE / KIMBRA SOMEBODY THAT I USED TO KNOW **
7.-TACABRO / TACATA **
8.-PABLO ALBORAN / PERDONAME **
9.-LOREEN / EUPHORIA **
10.-CALI / EL DANDEE / DAVID BISBAL NO HAY 2 SIN 3 (GOL) *
11.-JENNIFER LOPEZ / PITBULL DANCE AGAIN *
12.-ADELE / SOMEONE LIKE YOU **
13.-PSY / GANGNAM STYLE *
14.-PAULINA RUBIO / BOYS WILL BE BOYS *
15.-PABLO ALBORAN / TANTO *
16.-CARLY RAE JEPSEN / CALL ME MAYBE *
17.-JUAN MAGAN / NO SIGUE MODAS *
18.-DAVID GUETTA & SIA / TITANIUM *
19.-RIHANNA / CALVIN HARRIS WE FOUND LOVE **
20.-ALEJANDRO SANZ / NO ME COMPARES *
21.-LMFAO / SEXY AND I KNOW IT *
22.-JUAN MAGAN /SE VUELVE LOCA *
23.-JUAN MAGAN / CROSSFIRE BAILANDO POR AHI **
24.-RASEL & CARLOS BAUTE / ME PONES TIERNO *
25.-ADELE / ROLLING IN THE DEEP **
26.-PITBULL & CHRIS BROWN / INTERNATIONAL LOVE *
27.-MADONNA & NICKI MINAJ & M.I.A / GIVE ME ALL YOUR LUVIN’
28.-GUSTTAVO LIMA / BALADA (TCHE TCHERERE TCHE TCHE)
29.-PABLO ALBORAN / SOLAMENTE TU 2**
30.-FUN. & JANELLE MONAE / WE ARE YOUNG
31.-RIHANNA / DIAMONDS
32.-INDIA MARTINEZ / VENCER AL AMOR **
33.-MAROON 5 & CHRISTINA AGUILERA / MOVES LIKE JAGGER **
34.-KELLY CLARKSON / STRONGER (WHAT DOESN’T KILL YOU)
35.-PASTORA SOLER / QUEDATE CONMIGO (EUROVISION)
36.-MAROON 5 / WIZ KHALIFA / PAYPHONE
37.-FLO RIDA / WHISTLE
38.-DON OMAR / LUCENZO DANZA KUDURO 2**
39.-PITBULL / MARC ANTHONY RAIN OVER ME **
40.-TRAIN / DRIVE BY
41.-SEAN PAUL & ALEXIS JORDAN / GOT 2 LUV U *
42.-ADELE / SET FIRE TO THE RAIN
43.-JOSE DE RICO & HENRY MENDEZ / JAY SANTOS NOCHE DE ESTRELLAS
44.-ANTONIO OROZCO / ESTOY HECHO DE PEDACITOS DE TI
45.-DAVID GUETTA & USHER / WITHOUT YOU
46.-YANDAR & YOSTIN & ANDY RIVIERA / TE PINTARON PAJARITOS WE LOVE ASERE!
47.-RIHANNA / WHERE HAVE YOU BEEN
48.-SHAKIRA / ADDICTED TO YOU
49.-WHITNEY HOUSTON / I WILL ALWAYS LOVE YOU
50.-SEAN PAUL / SHE DOESN’T MIND
¿Ansiabas noticias de That Girl With Dark Eyes? Aquí están, pero no se trata de un disco. La artista californiana afincada en Barcelona, a la que deberías recordar por el petardazo ‘Drop It’, está grabando material junto a Julián Saldarriaga, guitarrista de Love of Lesbian (el que nos tocó entrevistar), en los estudios Blind Records, según informan los muchachos de Mondo Sonoro. Al parecer, un nuevo EP aparecerá durante los próximos meses. Sobre el largo en el que colaboraba Pascal Gabriel, no hay novedades.
Megaafonía han comunicado su decisión de separarse. Textualmente lo han llamado un «cese temporal de la convivencia» a través de su página web. El próximo sábado 9 de febrero, PedroL, Manel, Gerard, Lluís, Toni y Damien ofrecerán su último concierto y como no podía ser de otra manera -y esta vez no es un decir-, será en el lugar que les vio nacer: el Pop Bar de la Sala Razzmatazz, aquel al que le dedicaron la canción ‘Han cerrado la puerta del Razzmatazz con todos dentro y nadie se ha dado cuenta’, que ocupó un lugar destacado en nuestra lista de mejores canciones de 2006.
Posteriormente el grupo editó ‘Tutto‘. Ahora la banda se separa por motivos «puramente artísticos». Megaafonía explica, en un comunicado oficial enviado por su agencia, que «siguen siendo tan amigos como siempre y que no descartan poder hacer cosas juntos en un futuro, aunque consideran que su etapa como miembros de esta formación ha finalizado».
Son solo cuarenta segundos de vídeo, pero son francamente deliciosos. Paul McCartney canta ‘Heart Of The Country’ de su disco ‘Ram’ (1971) y, mientras tanto, Linda -su mujer, fallecida en el 98, que también firmó este álbum- se dedica a hacer fotografías de animales. Todavía no se sabe muy bien a qué responde este vídeo, pero en Efe Eme comentan que podría ser una campaña pro-vegetariana.
Alphabeat lograron conquistar el top 10 británico con la entusiasta ‘Fascination’. Después, los daneses continuaron publicando singles y discos igual de luminosos, el último de los cuales, ‘Express Non-Stop’, salía a la venta el año pasado. Este sábado 19 de enero el grupo actúa en Barcelona dentro de la programación de RazzClubs, que podéis consultar al completo aquí. Hablamos con Troels, batería, sobre un poco de todo, desde Twin Shadow a la música perdida de Dinamarca.
¿Ha habido grandes cambios en la manera en que escribís las canciones desde el primer álbum?
El primer disco fue el resultado de escribir en nuestra casa de Silkeborg y de noches en Copenhague. Simplemente fuimos al estudio y las grabamos. El segundo, ‘The Beat Is…’, lo trabajamos más con sintetizadores, buscábamos un sonido más bailable y una producción más resbaladiza. Esta vez hemos combinado las dos cosas: hemos trabajado con nuestros portátiles y luego hemos grabado en el estudio con samples, viejos sintetizadores y baterías en directo. Así que ‘Express Non-Stop’ es más o menos un «mash-up» de lo que hemos aprendido estos años. Escribimos por separado y luego unimos todo en el estudio. Es un privilegio ser seis y poder combinar todo en el estudio, eso es lo que hace una buena canción. Al final, lo importante es escribir buenas canciones de pop que perduren. Cualquiera puede escribir una canción de pop, pero lo bueno es escribir algunas que puedas escuchar de aquí a 20 años.
¿Han cambiado mucho las canciones durante la producción al trabajar en el estudio o estabais muy seguros de lo que llevabais?
No, nunca estamos seguros sobre una canción. Bueno, de la melodía sí: si es un hit, es un hit. Si una canción tanto en el álbum como en acústico funciona, entonces es una buena canción. Pero en cuanto a producción, los sonidos y el desarrollo… son un trabajo muy duro. Para algo como ‘Younger Than Yesterday’, Anders B grabó las guitarras acústicas cuatro o cinco veces: mismos acordes, mismo ritmo, pero distinta instalación de micrófonos. Queríamos un sonido crujiente como el de Fleetwood Mac y lo logramos al final. En el disco queríamos que cada canción tuviera su vibración adecuada: sonidos playeros para ‘Vacation’, Motown para ‘Since I Met You’ o ese sonido electrónico en ‘Love On The Line’.
¿Qué os gustaría incluir en vuestros discos que todavía no habéis hecho?
El próximo disco de Alphabeat va a ser algo diferente a ‘Express Non-Stop’ y al resto. Siempre puedes decir que es un disco de Alphabeat por la marca de las voces y la manera de escribir, pero siempre intentamos algo diferente y nuevo. Si no, nos aburriríamos. Si tenemos que mencionar algo, sería conseguir a Nile Rodgers para una canción. Ya le sacamos en el vídeo de ‘Love Sea’, pero conseguir un solo suyo sería increíble.
¿Cómo conseguisteis que salieran en el vídeo Nile Rodgers y Scissor Sisters?
El vídeo de ‘Love Sea’ era un proyecto en el que una cámara viajaba sola por el mundo. Preguntamos a gente en la industria y también miramos quién nos seguía en Twitter. Dimos con gente como Boy George, Nile Rodgers, Sam Sparro y Jake Shears y todos dijeron que sí. Nos encanta la gente que es así y dice que sí a un proyecto divertido. Fue cuestión de dos minutos y conseguir un plano de Boy George nadando en su piscina hizo el proyecto mucho más divertido. También conseguimos un clip de Ladyhawke pero puso la cámara boca abajo y nos dimos cuenta demasiado tarde. Lo usaremos en nuestro próximo vídeo, se lo merece (risas).
Si pudierais trabajar con cualquier productor del mundo, ¿con quién lo haríais?
Alguien que fuera una mezcla de Mark Ronson, Stock Aitken Waterman y Calvin Harris. Quizá. Alguien que entienda la vieja escuela pero que sea moderno a la vez.
‘Express Non-Stop’ suena muy luminoso y de hecho los singles se llaman ‘Vacation’ y ‘Love Sea’. ¿Hay alguna razón especial o Alphabeat siempre sonarán luminosos?
Al principio intentamos hacer algo más melancólico y deprimente, pero nos dimos cuenta enseguida de que no es lo que nos gusta hacer y de que no se nos da bien. Lo dejamos para otros grupos que lo sepan hacer y nosotros haremos lo que se nos da mejor. Nos gusta la luminosidad y pensar en positivo. No es que estemos constantemente felices -a mucha gente le sorprendería saber cómo es Anders SG en persona, nada que ver con el escenario, y hasta qué punto está con los pies en la Tierra-, pero es obvio que nos gusta escribir canciones de amor y pasarlo bien.
La canción ‘Express Non Stop’ es bastante diferente, más funky, más años 70, también más larga… ¿Por qué da nombre al disco? ¿Tiraréis por ahí en el futuro?
Básicamente es una canción increíble (risas). Está inspirada por el «moog» de Talking Heads en la era ‘Stop Making Sense’ y en Paul McCartney en su era chiflada. Simplemente queríamos capturar lo que nos gusta de la música antigua: la diversión, la despreocupación, los sonidos extraños… para producir una buena canción con letra divertida. Cuando se la pusimos a nuestro mánager nos dijo: «¡Dios! Suena como la música que escuchaba en mi cuarto en los 80 y subía el volumen». ¡Misión cumplida! Siempre tenemos un tema que se sale de lo que es el disco (‘Rubberboots’, ‘Nothing But My Baby’, ‘Q&A’), algo distinto que llama la atención.
¿Creéis que estáis centrados en los 80? ¿Hay alguna banda del siglo XXI que haya podido tener una influencia en vuestra música? ¿Cuáles son vuestros grupos favoritos a día de hoy?
Nos inspira música muy distinta a cada uno y en cuanto a géneros. Un día oyes algo muy mainstream y al siguiente algo totalmente oscuro que nadie diría que te fuera a gustar. Los 80 seguramente seguirán con nosotros pero es que fue una década donde se escribieron muy grandes canciones. Si piensas en una canción antigua, seguramente lo primero que te vendrá a la mente es algo de los 80. Fue una década kitsch, sí. Pero no puedes discutir que hubiera buenas canciones. Somos cada uno muy nuestro con la música, pero nos gustan cosas con un punto retro. Me gusta el nuevo de Sam Sparro, es increíble, «funkylicious» y con una bocanada de aire pop. ‘Something‘ de Chairlift es un disco que oí muchísimo el año pasado. La producción es increíble y las letras, brillantes. También hemos tenido a Twin Shadow como fetiche. No hemos hecho una fiesta en los últimos seis meses sin poner dos o tres canciones de ‘Confess‘.
¿Escuchasteis la música de los 70 y los 80 desde pequeños o es algo que descubristeis a los 20?
Cuando vivíamos en Silkeborg, teníamos al lado una tienda de segunda mano, de las que venden videojuegos, dibujos animados antiguos y revistas porno. En la parte de atrás había una colección de LP’s extremadamente baratos. Así que en vez de comprar nueva música porque era muy caro y no nos lo podíamos permitir, íbamos a la tienda después de clase y comprábamos viejos vinilos. El amor por la vieja música empezó así, con los grandes vendedores: Madonna, Michael Jackson y Wham!, pero también Gary Numan, Human League, Visage… Los sintetizadores ganaron nuestro corazón.
¿Algo interesante en Dinamarca que seguro que nos hemos perdido?
Echad un ojo a Vinnie Who. Compone muy bien y es un gran artista sobre el escenario. Echad un ojo a ‘Killerbee‘, inspirada en Queen, el tema años 70 ‘Remedy‘ o su último single ‘How Can I Be Sure‘, una especie de affair entre Bee Gees y The Buggles. También podéis echar un ojo a nuestra amiga Nabiha, que tiene una voz increíble y la actitud más cool para su sonido popero internacional (su single ‘Mind The Gap‘) o, si sois más indies, a CTM. Cæcilie Trier es la chica que está detrás del proyecto y también de otros como Choir of Young Believers y Chimes and Bells. Es pegadizo, de la vieja escuela y cada sonido es adorable.
¿Podemos esperar un lanzamiento internacional de este último disco propiamente dicho? En las plataformas digitales españolas aún sólo aparecen los singles… ¿O pensáis más bien en el siguiente disco?
¿En serio? Pensé que estaba al completo en iTunes en España. De todas formas, podéis ir a Alphabeat.dk, donde tenemos un servicio de descarga para todo el mundo y encargar el CD. Siempre estamos pensando en nuevos proyectos. Esta semana y la pasada nos reunimos para hablar de nuevas canciones. No va a suceder mañana, pero siempre estamos pensando en nuevo material.
Para terminar, un pequeño test. ¿Quién es el miembro…
a) más grosero, el que no es tan majo como parece? Ninguno. De verdad. Anders SG tiene un lado oculto porque odia perder. Si pierde a un juego de FIFA o Fussball le da una patada al suelo y se va dando un portazo. Pero siempre está de buen humor y lo vuelve a intentar 5 minutos después. b) que recibe más cartas de amor de chicos y chicas? Anders B. Igual es porque se parece un poco a Justin Bieber. c) que cocina mejor? Anders Reinholdt. Puede hacer una cena que al menos tenga buen aspecto, con un poco de pan, huevo y ketchup. d) que no baila tan bien como los demás? Yo. Nunca bailo. Si lo hago es porque ha habido un montón de alcohol y porque todo el mundo alrededor lo está haciendo.
Mark McGuire, uno de los tres miembros de Emeralds, decidía abandonar la banda hace unos días y ahora el grupo ha anunciado su separación. Steve Hauschieldt, uno de los dos que quedaban, ha escrito en Twitter que la banda se ha acabado. «Después de pensarlo mucho, he decidido dejar Emeralds por razones personales. La banda se ha terminado y todas las fechas se han cancelado. Ha sido una decisión difícil, he hecho muchos amigos por todo el mundo y me llevo muchos recuerdos (…) Quizá con el tiempo nuestra influencia sea mejor entendida, pero por ahora simplemente «escucha un sonido hasta que ya no lo reconozcas»».
After much thought, I too have decided to leave Emeralds for personal reasons. The band is now over and all tour dates are cancelled.
Emeralds han publicado numerosos EP’S, singles y cassettes y también algunos discos -el último de los cuales fue ‘Just To Feel Anything’- el año pasado, desde que comenzaran en 2006. Muchos los recordaréis por su buena actuación en el San Miguel Primavera Sound de 2011.
No es la primera vez (la banda vasca ya se vio forzada a cancelar su actuación en Leganés en 2008, prácticamente por imperativo de Esperanza Aguirre) pero Soziedad Alkoholika se han visto obligados a suspender el concierto que tenían planeado para hoy en la sala Rock Kitchen de Madrid. Según la banda, la cancelación viene provocada por presiones policiales: «El concierto previsto para este viernes 18 de enero en la sala Rockitchen de Madrid queda suspendido definitivamente. Después de los tres últimos intentos de actuar en Madrid, los promotores del concierto nos comunican que debido a las amenazas y presiones policiales recibidas por las salas Revirock, Penelope y Rockitchen, va a ser imposible que actuemos de momento en Madrid. Como todos sabéis, nos han intentado callar utilizando todos los medios legales, pero sus propias leyes siempre nos han dado la razón y nos dan todo el derecho a expresarnos libremente y a actuar en cualquier lugar». Los responsables de la sala prefieren ser más cautos al respecto. El dinero de las entradas se podrá recuperar en los puntos de venta a partir del lunes.
En el mismo orden de cosas, el Irreductibles Fest, que se iba a celebrar en esta misma sala el sábado y que contaba con actuaciones de Boikot o Los Chikos del Maíz, ha sido trasladado al Centro Social Okupado Autogestionado La Traba por «intervención de la policía municipal», según sus organizadores.
¿Es ‘Tabú’ otro acercamiento posmoderno a la estética del cine mudo como ‘The Artist’ (2011) o ‘Blancanieves’ (2012)? Sí, pero de otra manera. La nueva película de Miguel Gomes (y primera estrenada en España) tras la estupenda ‘Aquele querido mês de agosto’ (2008) es mucho más que un homenaje a las películas mudas: es una mirada empapada de nostalgia cinéfila y libertad expresiva hacia un cine primitivo y una mitología colonial.
“Ella tenía una hacienda en África…”. Así comienza a relatar el amante de la protagonista sus “memorias de África”. Después de una olvidable primera parte, que cuenta de forma anodina la relación entre dos vecinas en la Lisboa actual, la segunda parte se despliega ante el espectador en toda su riqueza expresiva y conceptual. Las referencias se acumulan. La más obvia es ‘Tabu’ (1931), la obra maestra de Murnau y Flaherty (que el Thyssen programó hace unos días con motivo de su exposición sobre Gauguin). Esta nueva ‘Tabu’ se podría ver como una especie de remake posmoderno de la anterior. Otra influencia evidente es el cine clásico de aventuras ambientado en África, desde las películas de Tarzán hasta melodramas como ‘Mogambo’ (1953).
Pero, y ahí reside la originalidad de la propuesta, lo que se podría quedar en un simple homenaje, se convierte en algo mucho más complejo y sugerente. A pesar de su estética de cine mudo (aunque narrada con una voice over, como se hacía en muchos cines antes de que hubiera sonido), la película está ambientada en los años 60. De hecho, dos de los protagonistas tienen una banda de pop donde interpretan hits como el ‘Tú serás mi baby’ de Les Surfs. Y no solo eso, la película es deliberadamente anacrónica. La realidad, el documental -los niños que aparecen en la aldeas vistiendo ropas actuales- alimenta la ficción de una forma extrañamente poética.
Al director portugués no le interesa, por tanto, reproducir una estética determinada, sino devolver el cine a un estado primigenio, inocente; a un “paraíso perdido” donde, como él mismo dice, “los espectadores podían mirar las nubes y ver cómo se transformaban en animales”. 7.
Sólo hace 2 años que Yelle publicaron su último disco, el aún divertido ‘Safari Disco Club‘ (¿o no os ha sorprendido la fuerza de canciones como ‘Comme un enfant’ en vuestro reproductor en modo aleatorio recientemente?), pero ya están de vuelta.
Además de elogiar el nuevo trabajo de Everything Everything en Twitter esta semana, el trío francés ha anunciado en esta red social e Instagram que su próximo sencillo saldrá el 11 de febrero. Acompaña esta foto tan apoteósica.