Entre las muchas bandas que han ido por libre a lo largo de su existencia se pueden destacar muchos ejemplos y, sin duda alguna, «Trail of Dead» entran en esta categoría por más de una razón. La tarea de definirlos ante alguien que jamás los haya escuchado se antoja complicada, porque decir que son un grupo de rock es quedarse corto. Bichos raros, afincados en Texas y liderados por Conrad Keely y Jason Reece, han hecho lo que les ha dado la real gana desde que dieron el pelotazo con excelentes discos como ‘Source Tags & Codes’ (2002) o ‘Worlds Apart’ (2005): entre el hard rock de grandes riffs y riqueza percutiva por un lado, la agresividad sesuda del post-hardcore por otro y siempre con un manto de épica y complejidad propias del rock progresivo, se han hecho un hueco que parece solo de ellos, por mucho que sus diversas influencias se dejen entrever de vez en cuando. Esa épica de la que hablábamos les ha acompañado en sucesivos álbumes, alcanzando niveles celestiales en 2011 con la salida de ‘Tao Of The Dead’. Ante la situación mundial de crisis, guerras y demás injusticias, Keely, Reece y compañía han decidido poner los pies en la tierra en su nuevo disco, titulado ‘Lost Songs’.
La banda explica que su octavo LP, grabado en Hannover durante el pasado verano, “está inspirado por la apatía ante todos estos sucesos que han plagado la escena independiente durante más de una década”. Por ello, se muestran más politizados y beligerantes que nunca en este álbum, un hecho que no sólo ha afectado a las letras, sino también a la música, más agresiva y con tonos oscuros, que refleja la manera en la que se sienten actualmente. También es notoria, pues, la sensación de unidad que hay en el disco, necesitando ser considerado y escuchado como la suma de las diferentes partes que lo forman. Esa idea de disco conceptual ya nos la han hecho sentir en anteriores ocasiones, aunque de manera más difusa, estando aquí más claro y diáfano el concepto que proponen.
Comenzando con ‘Open Doors’, no se han querido andar con chiquitas y pegan fuerte desde el principio con un tema desgarrador que apenas te deja sitio para respirar. Las guitarras suenan potentes y la batería -elemento protagonista a lo largo y ancho- golpea sin piedad. Apenas dan tiempo para reaccionar, pues tras ésta llega ‘Pinhole Cameras’ con más tempos rápidos y en la que las voces, que suelen ser melódicas, se vuelven gritos según aumenta la intensidad. Rara vez relajarán el ritmo en el disco y por ello la duración total no llega a los tres cuartos de hora, algo que se agradece, pues de lo contrario quizá se haría pesada su digestión. Dedicado a las Pussy Riot, el single ‘Up To Infinity’, cuya letra se refiere al conflicto sirio, sigue por estos derroteros e incluso es más potente si cabe, con unos riffs que van al grano sin perder la habitual magia que desprenden. Tras los aires post-punk a lo U2 del tema titular, nos acercamos a la segunda mitad del álbum con ‘Flower Card Games’, un medio tiempo que parece engañar con su comienzo tranquilo, pero gana en octanaje según se desarrolla para ponerse a la altura de la tónica general.
Con cortes como ‘A Place To Rest’, ‘Heart Of Wires’ o ‘Bright Young Things’ confirman que no van a dar tregua en esta segunda parte a la frenética dinámica que se ha adueñado del álbum: están enfadados y lo quieren demostrar. Además de éstas, destaca sobre todo la brutal ‘Catatonic’ y con ella hay que sacar a relucir de nuevo el excelente trabajo de las guitarras, poderosa arma en la banda. En medio encontraremos la atmosférica ‘Awestruck’, que recuerda las bondades de su anterior trabajo, sin desentonar con éste. En vez de marcharse con el puño en alto, terminan con la risueña ‘Time And Again’, menos asfixiante y que funcionaría como ese halo de esperanza que nos ha de quedar siempre aunque todo pinte mal, un agradable remanso de paz como coda. Probando que son unos todoterrenos, Trail of Dead han querido que ‘Lost Songs’ fuera su álbum-protesta, pisando el acelerador, pero sin perder un ápice de su personalidad y por supuesto de su calidad.
Calificación: 7,8/10 Lo mejor: ‘Up To Infinity’, ‘Catatonic’, ‘Open Doors’, ‘Flower Card Games’, ‘A Place To Rest’. Te gustará si te gustan: At The Drive-In, Sparta o Les Savy Fav, pero con un punto épico. Escúchalo: Spotify
Con bastante sentido del humor, pero provocando la ira de muchos lectores del NME en la red, Alt-J, la banda de moda y posible ganadora del Mercury Prize, ha declarado al semanario que van mejor que Radiohead, si recordamos los inicios de la carrera de estos, burlándose de las interminables comparaciones que vinculan a ambos grupos, medio inexplicables. «¿Has oído lo primero que hicieron, cuando se llamaban On A Friday? Era realmente malo. De momento vamos mejor que Radiohead», ha dicho el teclista Gus Unger-Hamilton. El chico cree además que ambas bandas son comparadas porque las dos son «vagamente inteligentes y pijas».
Tras anunciar sus fechas definitivas (26, 27 y 28 de julio de 2013), el Low Cost desvela los cinco primeros nombres de su cartel, en este caso algunos de los más potentes del panorama nacional. Son Los Enemigos, Love of Lesbian, Fangoria, Lori Meyers y Dorian.
La nota de prensa revela que Dorian presentarán el disco que sacarán a principios de 2013. Sabemos que también es el caso de Fangoria y además se indica que Lori Meyers también están trabajando en su nuevo trabajo. Por su parte Los Enemigos optarán por «el mítico repertorio de la gira la Revuelta Enemiga». Love of Lesbian, por supuesto, aún mantienen la presentación de ‘La Noche eterna – Los días No vividos’. Próximamente habrá nuevas confirmaciones.
El festival informa de que mantiene hasta el 31 de octubre los abonos a precio de lanzamiento, a 35 €, para esta edición V Aniversario. También a la venta los abonos VIP o VIP POOL. Más información, en la web oficial.
María de Miguel y Nerea López han dirigido en Punta Entinas de Almerimar, Almería, el vídeo de ‘At Home’, el nuevo single de ‘Oh Monsters!‘ de Anni B Sweet. Las chicas han sabido captar la sensualidad de la canción, que se acerca peligrosamente a los terrenos dream pop. Anni actúa el 27 de octubre en Málaga, el 30 en Albacete, el 2 de noviembre en Palencia, el 10 de noviembre en la Fnac de Murcia, el 29 de noviembre en Cartagena, el 30 en Almería, el 1 de diciembre en Sevilla, el 20 de diciembre en Cáceres, el 28 de diciembre en Algeciras y el 26 de enero en Granada. En medio hay una gira mexicana. Detalles, aquí.
El 9 de noviembre se celebra en la Nave de Música de Matadero de Madrid una nueva edición de Castañas y Buñuelos, que esta vez contará con la participación de Javiera Mena, Delorentos, Reina Republicana y Go Ibiza Go. Las primeras 100 entradas tienen un precio promocional de 20 euros. Después costarán 25 anticipada y 30 en taquilla. Más información, aquí.
Por si no tienes suficiente con la proyección de su famoso documental de despedida, que pasará por el Festival Beefeater In-Edit de Barcelona estos días, LCD Soundsystem publican un libro. Ruvan Wijesooriya presume de su amistad con la banda fotografiando muchos de los momentos más importantes de su vida privada y pública a lo largo de 216 páginas. Hay instantáneas de Londres, Nueva York, Coachella, Suecia, Miami y un largo etcétera, y muchas de ellas han aparecido de hecho en ‘Shut Up and Play The Hits’ o revistas de moda. La introducción está escrita por el propio James Murphy. En esta web puedes echar un ojo.
Desde que reseñamos el EP de debut del proyecto de Ricardo Álvarez, ha decidido cambiar de nombre, tomando justamente el título de aquel EP. El Mago Howl es desde el año pasado Mijaíl y con este apodo subía de manera gratuita a Bandcamp en abril esta nueva entrega de cinco canciones. ‘Los dos pianistas’ aún cuenta con varias voces amigas y colaboraciones, pero en ella Ricardo aparece como líder más decidido, interpretando casi la totalidad de las pistas sobre un fondo a su vez más uniforme y coherente a pesar de la considerable paleta de arreglos y coros.
Mijaíl sigue su camino cada vez más concentrado en el legado de gente como Serrat, CRAG o Cecilia, y menos en las influencias del indie más deudor de Vainica Doble de los años 90. Abre esta vez el tema homónimo, cuya melodía rezuma optimismo y cuya interpretación vocal se acerca a la de los alumnos más poperos de Joan Manuel, como Ismael Serrano. ‘La enésima vez (versión 2)’, en la que se contraponen de manera deliciosa intimidad, «actos explíticos» y «anarquismo emocional» con moral, es una canción muy apropiadamente desnuda, de voz y guitarra, que parece grabada en directo. Por su parte, la final ‘El invierno en Mostar’ -una ciudad de Bosnia-Herzegovina- es también minimalista, pero está ornamentada con sutileza con unos discretos y apropiados arreglos de theremin y acordeón.
‘La Verdad Sobre Eisenstein’, la respuesta rusa a la obsesión germana de Klaus & Kinski, que gira alrededor del Acorazado Potemkin, sería la composición más compleja del EP, incorporando una sección de vientos quizá influida por Los Planetas de ‘Una semana en el motor de un autobús’. Es probable que Mijaíl, animado por la creciente reivindicación de la canción dentro del mundo independiente, haya ido ganando confianza en sí mismo para publicar estas canciones de melodías estupendas que no temen mezclar influencias dispares, o sonar «rancias o desfasadas» dentro del género cantautor. Aunque de nuevo es curioso que haya querido dejar la composición más amarga y llamativa a una chica, en este caso Ángela Rubio de Lois Casino, como si como fan de las voces femeninas, así lo hubiera preferido.
Es ‘No me barras los pies’ una curiosa canción que en principio parece buscar constantemente la rima a lo Vainica, pero termina tomando su propio camino para hablar de bodas y amores frustrados a través de un costumbrismo irresistible. A menudo las letras escritas por Mijaíl resultan opacas y es algo imposible zambullirse en ellas, permaneciendo en un absoluto segundo plano frente a la belleza cristalina de sus melodías. Si bien en algunas ocasiones la ambigüedad entre política y amor se parece bastante a un no tan desagradable laberinto (atentos a la cita a la ex corresponsal Rosa María Calaf del último tema), en este caso cualquiera puede comulgar con ella, dando lugar a una de las muchas pequeñas obras maestras que seguro aún quedan por venir.
Mijaíl toca hoy 25 de octubre con Algora en un concierto organizado por La Fonoteca en El Juglar (Madrid).
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘No me barras los pies’, ‘La enésima vez (versión 2)’, ‘La Verdad Sobre Eisenstein’ Te gustará si te gustan: CRAG, Klaus & Kinski, Cecilia, Ismael Serrano Escúchalo: Bandcamp
Puede que estemos posiblemente ante el WTF más grande de lo que va de año, y si no, juzgad vosotros mismos. Según informan desde la web TMZ, un señor de Michigan que dice ser padre de Selena Gomez, sin ser él nada de eso, ha demandado a Justin Bieber porque, según él, la estrella infantil le robó una tarjeta de crédito para, entre otras cosas, pagar un aborto de Gomez.
Las palabras del demandante no tienen desperdicio: “Justin me ha cobrado 426,78 dólares que nunca me ha devuelto. Este dinero se utilizó para practicar un aborto porque Justin Bieber preñó a mi hija Selena Gomez en mi habitación”. La historia, que es delirante, continúa. “Usher vino a mi casa el 4 de julio de 2012 y me sodomizó con una bengala y la encendió dentro de mi ano mientras me gritaba ‘Fireworks’ de Katy Perry en el oído”.
Cuando creíamos que imaginar a Usher sodomizando con una bengala a un señor de Michigan mientras canta el tema de Perry es insuperable, él prosigue con su historia: “Bieber me robó la tarjeta de crédito para comprar cocaína para él y P. Diddy para usarla en las zonas libres de drogas de los colegios. Bieber también se compró un alargador de pene con mi tarjeta robada de American Express”. ¿Cómo superar esto? Ni Mariló Montero ha podido…
Coincidiendo con el anuncio de las fechas de su nuevo disco, en las últimas semanas se ha realizado en nuestros foros uno de los «survivors» más reclamados: el realizado para elegir los mejores singles de la historia de Fangoria. La votación se caracterizaba desde el primer momento por cierta división aparentemente generacional, entre quienes aclamaban la primera etapa del grupo, hasta ‘Una temporada en el infierno’, y la posterior, desarrollada principalmente en Warner.
Entre los primeros estaba el usuario Experanto1, que defendía así el primer disco de Fangoria: «Aunque es cierto que ha envejecido fatal y tenía bastante relleno, es mi disco favorito de Fangoria, porque por lo menos eran honestos y pasaron de ser megaestrellas nacionales a poco menos que apestados a partir de este disco, que muy bien titularon ‘Salto Mortal'». Después, continuaba: «Fangoria siempre han sido muy buenos fabricantes de primeros singles, aunque ‘Más es más’ e incluso ‘Criticar por criticar’ me parecen insufribles… ‘No sé qué me das’ tampoco me maravilla, pero ‘En mi prisión’, ‘Disneylandia’, ‘Dios odia a los cobardes’, ‘Electricistas’ y ‘Retorciendo palabras’ me parecen de lo mejor que el pop ha dado en nuestro país…». Lo mismo decía corneacraneo: «‘En mi prisión’ es mucho más vanguardista que otras canciones que han llegado más lejos».
Por el contrario, usuarios como Keoki rebautizaban ‘En mi prisión’ como ‘En mi tostón’ y atacaban así a parte de los Vulcano: «¿Hay gente que se pone alguna vez ‘Dios odia a los cobardes’? En serio, ¿a alguien le apetece escuchar esa canción en algún momento? ¿Y no se duerme a mitad por aburrida y cacharrera?». En una línea algo próxima el usuario NNW se preguntaba en las primeras páginas: «¿Cómo podéis eliminar ya ‘Absolutamente’ o ‘Criticar por criticar’? Anonadado me hallo».
En medio quedaban muchos usuarios como Caótico, fans del disco que ejercía de puente: «Los singles de ‘Naturaleza muerta’, tomados como un todo, ganan por goleada, y ‘Eternamente inocente’ debería ser top 3», proponía en un principio.
Al final al top 20 llegaba un poco de todo: restos de los Vulcano e incluso un single de ‘Absolutamente’, aunque cabría destacar que las versiones de Dinarama y Pegamoides eran eliminadas por los usuarios en la primera ronda, al igual que su último bastión hasta la fecha, ‘Más es más’; quedando todas ellas en los últimos lugares. En realidad, de los dos últimos discos de estudio, sólo dos canciones llegaban al top 20: ‘Criticar por criticar’ y ‘La pequeña edad de hielo’. Practicum explicaba la que podía ser la razón: «El survivor me ha servido para darme cuenta de que están completamente sin rumbo, no sé si por la aparición de su Yoko Ono particular o por Dios sabe qué. Pero es que escucho los últimos singles y me entran ganas de llorar. Además de que ‘El extraño viaje’ me parece pésimo, su peor disco de lejos. Hasta mi madre, que es fans, lo escuchó y me dijo que lo quitara». Sin embargo, ‘La pequeña edad de hielo’ era defendida casi con unanimidad. JoseRamone la definía como temazo: «es lo único decente desde hace años». Ibuprofeno señalaba que era «de sus favoritas» y Keoki pedía que fuera top 10 desde el comienzo.
Entre las sorpresas que llegaban un poco más lejos de lo esperado, ‘Sálvame’ en el top 10; ‘Interferencias’, la gran ganadora de los singles del Club Fan Fatal; e ‘Interior de una nave espacial abandonada’, single menor de ‘Arquitectura efímera’ que de hecho llegaba más alto que ‘Entre mil dudas’ y ‘La mano en el fuego’.
La ganadora a la postre, tras varios días de eliminaciones, resultaba ‘Electricistas’, quedando curiosamente el segundo y último single del mismo disco, ‘Una temporada en el infierno’, ‘Me odio cuando miento’, en segunda posición. Y decimos «curiosamente» porque esta obra de 1999 no es de la que más orgulloso se suele mostrar el dúo formado por Alaska y Nacho Canut. El usuario Elanonimotranquilo lo resumía muy bien: «Seguro que Alaska y Canut pensarían que somos unas catetas por elegir ‘Electricistas'». JoseRamone, fan hetero del grupo, concluía que «‘Electricistas’ era objetivamente la mejor canción de Fangoria», desatando la ira de algunos usuarios por el uso de este adverbio.
Por dejar buen sabor de boca, os dejamos con la opinión del usuario Rafel, sobre ese top 2: «En cualquier caso son dos temazos, y me encanta ese equilibrio entre sobriedad y contundencia, entre oscuridad y comercialidad, que tiene todo el disco de la ‘Temporada’. (…) Nunca Fangoria estuvieron tan cerca de sus idolatrados Pet Shop Boys o Depeche Mode».
1.-Electricistas
2.-Me odio cuando miento
3.-Retorciendo palabras
4.-En la Disneylandia del amor
5.-Hombres
6.-No sé qué me das
7.-Eternamente inocente
8.-Miro la vida pasar
9.-La pequeña edad de hielo
10.-Sálvame
11.-En mi prisión
12.-Hagamos algo superficial y vulgar
13.-Interior de una nave espacial abandonada
14.-Interferencias
15.-Entre mil dudas
16.-Dios odia a los cobardes
17.-Más que una bendición
18.-La mano en el fuego
19.-Punto y final
20.-Criticar por criticar
Enrique Iglesias estrena el primer videoclip de su próximo disco. El tema ‘Finally Found You’, en el que colabora el rapero Sammy Adams, ya lo escuchamos en su momento y ahora es tiempo de poder echar un ojo al clip correspondiente. Una historia de amor a través de los años sirve de hilo conductor para este clip que reúne todos los tópicos del género y que bien podría ser un refrito de muchos de los videoclips del hijo de Julio.
Parece claro que el nuevo volumen navideño de Sufjan no será tan convencional como el anterior. Tras el largo adelanto de ‘Christmas Unicorns‘, atentos a este vídeo de animación con plastilina que incluye muñecos de nieve -en clara relación con el título ‘Mr Frosty Man’- y otros elementos propios del invierno, pero desembocando de modo de lo menos familiar e infantil. El artista encargado de realizarlo ha sido Lee Hardcastle. Os recordamos que ‘Silver & Gold: Songs for Christmas Volumes 6-10’ sale a la venta el 13 de noviembre.
Tras el poco de pop de su primer sencillo, Taylor Swift vuelve a algo más cercano a sus orígenes naturales, el soft country. La joven estrena el videoclip para la balada ‘Begin Again’ y deja claro que es la hija que todo padre quisiera tener. Rodado en las calles de Paris, el clip da para al menos un par de cabezadas mientras Swift pasea en bici, toma un café, hace turismo o canta a orillas del Sena. Tan cursi y azucarado como cabría esperar.
Se espera que su disco nuevo ‘Red’, a la venta esta semana, venda 1 millón de copias en su primera semana, sólo en Estados Unidos.
El 7 y, 8, 9 y 10 de febrero se celebra en Castellón la edición 2013 del mítico Tanned Tin. Ya se habían dado algunos nombres como Lisabö, Tigercats o Julie Doiron, y ahora llegan unos cuantos más. Como podéis comprobar en la web oficial figuran en el cartel Neil Halstead de Slowdive y Mojave 3, Jota de Los Planetas haciendo un acústico en solitario (una rara avis), Tamikrest, Tropa Macaca, Simone White, Matty Charles, Emma Tricca y Pau Vallvé. Los abonos valen 75 euros hasta el 30 de noviembre.
La nueva edición del Madrid Popfest tendrá lugar en la habitual sede del festival, la Sala Clamores de la capital los días 7, 8 y 9 de marzo de 2013. Se acaban de anunciar los primeros confirmados, que son Alpaca Sports, Los Lagos de Hinault, Los Bonsáis, Betacam y Prisma en Llamas. Las entradas estarán próximamente a la venta.
Además, esta semana, el 27 de octubre, hay una fiesta en Fotomatón Bar en Madrid donde sonarán todos los grupos confirmados y tocarán Teacher Teacher y Tiger and Milk. Teacher Teacher estarán adelantando las canciones de su inminente primer single y Tiger & Milk presentando su nuevo EP ‘Entretiempo’, que vio la luz hace pocas semanas. La entrada para esta fiesta costará 6 euros.
Con muy poquitas entradas ya disponibles para el 15 de noviembre en el Teatro Lara de Madrid, Saint Etienne anuncia una segunda fecha en la capital, en el mismo Teatro Lara. Desde la promotora nos aseguran que, a pesar de la huelga convocada, el concierto tendrá lugar. La gira de presentación del excelente ‘Words and Music by Saint Etienne‘ queda como sigue:
14 de noviembre: Madrid, Teatro Lara
15 de noviembre: Madrid, Teatro Lara
16 de noviembre: Vigo, Mondo Club
17 de noviembre: Getaria, Museo Balenciaga
18 de noviembre: Murcia, Auditorio Victor Villegas
‘The Truth, The Whole Truth’ de Arizona Baby, continuación de ‘Second to None‘, es una de las entradas del mundo independiente que encuentra esta semana la lista de ventas de Promusicae. El álbum de la banda se sitúa en el puesto 63.
Arizona Baby se sitúan 13 puestos por encima de The Free Fall Band, que han distribuido desde PIAS ‘Elephants Never Forget’ (top 76). Esta banda catalana se ha ido haciendo popular gracias al boca oreja y tras aparecer en varios festivales como el San Miguel Primavera Sound y las Fiestas Demoscópicas de Mondo Sonoro, Jan, Marc, Miquel y Xavier han alcanzado un considerable nivel de popularidad. Su álbum de pop minimalista con ukelele ha sido producido por Miqui Puig. Está disponible en Bandcamp y esta semana lo presentan con un par de fechas en Barcelona (25 de octubre en Barbara Ann y 26 de octubre en Heliògabal).
En el puesto 1 en España continúa ‘La música no se toca’ de Alejandro Sanz, mientras que la entrada más potente es la de la cantautora Vanesa Martín con ‘Ven, siéntate y me lo cuentas’. El resto de novedades queda como sigue:
16 Jose Mercé / Mi única llave
31 Melocos / Mientras el mundo explota
37 Plácido Domingo / Songs
61 Jotaandjota / Sincericidio
93 Ben Harper / By My Side
94 Carmona / Por necesidad
Wild Nothing estrenan videoclip de otro de los temas incluidos en su último disco, ‘Nocturne’. Para el tema ‘Paradise’ los norteamericanos cuentan con una ayuda inestimable, la de la actriz Michelle Williams, quien protagoniza el clip que ha dirigido Matt Amato. El argumento es tan sencillo como “Michelle Williams viaja en avión”, pero el montaje y el tono documental de las imágenes no pueden sino hacerlo irresistible. Además, incluye una locución con la actriz leyendo un fragmento de la novela ‘El Hijo de las Palabras’ de Iris Murdoch.
Hace unos días os hablábamos de la presentación del debut de coffee&wine, el proyecto de Ana Franco que por fin ve la luz en formato largo. Una de las mejores canciones de ‘From the Ground’ es sin duda ‘Dinda’, el tema dedicado a su abuela que ha sido estrenado en la web de Disco Grande, el programa de Radio3. El clip, creado por la productora y escuela de cine ParaleloB, recoge el costumbrismo del café mañanero -o el té vespertino- seguido de un sincero y natural homenaje a la destinataria del tema. El recuerdo de ‘Dinda’ sigue vivo a través de las frases y expresiones que dejó. Después de ver el montaje final, y gracias a la bonita canción, dan ganas de haber conocido a esa mujer.
Raveonettes han estrenado un vídeo para ‘Curse The Night’, otro de los temas contenidos en ‘Observator‘. Esta historia en blanco y negro en la que Sune y Sharin sólo aparecen en forma de cameo como parte de un cartel, parece perfecta para el encanto infantil de Halloween y las próximas Navidades… pero no. Os recordamos que Raveonettes vienen los días 21, 22 y 23 de febrero a Barcelona, Bilbao y Madrid, respectivamente.
Paul Banks, líder de Interpol, ha estrenado vídeo para una de las canciones contenidas en su disco ‘Banks‘. Sophia Peer retrata la desagradecida vida diaria clásica de un adulto a través de hijos y trabajo, con algunas de las ventajas y desventajas de cada parte, y la toma de partido final.
A finales de este año, por cierto, se reeditará ‘Turn On The Bright Lights’ de Interpol coincidiendo con su décimo aniversario. Habrá remasterización y disco 2 con material extra. Más información, en la web oficial.
John O no ha querido dejar demasiado tiempo pasar desde que publicara su primer disco, aquel que contenía singles como ‘Wait & See‘, ‘Show Me Your Stuff‘ o ‘It’s Not My Party‘. Menos de un año después de que viniera a nuestro país para presentarlo como telonero de Junior Boys, ya está aquí su continuación ‘Free Dimensional’. A través de sus vídeos, de su imagen y por supuesto de sus canciones, desde aquel momento en que yacía en una cama recién diagnosticado con la enfermedad de Crohn en 2008 y decidiera empezar a componer en solitario, se ha ido convirtiendo poco a poco en un artista muy identificable, agradecido en las pistas de baile tipo Pop Bar y esencial para aquellos que se sienten cercanos a lo transgénero.
De esa disyuntiva chico/chica comienza hablando el primer corte de este disco, ‘Everything Speaks’, y en todos los sentidos la autoafirmación es un tema muy importante para Diamond Rings, como muestra también ‘I’m Just Me’ («tenía demasiado miedo de amar, tenía demasiado miedo de mi cuerpo, o de lo que cualquiera pensara de lo que yo pensara, pero ahora he madurado, y me siento más seguro», explica de forma naíf este sencillo). Sin embargo, quienes no comulguen especialmente con sus inquietudes, si es que no han salido corriendo al ver la portada del disco, podrán disfrutar como los que más de un disco de temática universal que habla principalmente sobre el amor.
El productor del álbum es Damian Taylor, probablemente como consecuencia de la gira realizada junto a Robyn, pero aquí quien parece mandar es claramente John, que lleva las canciones por donde le apetece. La sensualidad mística del corte inicial, que podríamos asociar con el responsable de la mezcla del último disco de Austra, apenas vuelve a tener cabida en el tracklist, donde gana por goleada un synthpop muy de manual que ofrece ramalazos de bubblegum (recordando por tanto a Hunx and his Punx en ‘Runaway Love‘), de rap (‘(I Know) What I’m Made Of’) o incluso de metal, algo palpable en alguna guitarra aislada desmadrada, ahijada de su adolescencia punk en bandas como Matters (antes The D’Urbervilles) o de su amistad con gente como PS I Love You o Fucked Up; pero que nunca pierde el norte. A veces las canciones pecan de una sencillez excesiva, pero, escritas desde el pequeño estudio de su habitación en Canadá «para que el mundo se identifique con ellas», llegan en la mayoría de ocasiones a buen puerto con la ayuda de su reconocible tono, propio de un Adam Green sintetizado.
Calificación: 7/10 Lo mejor: ‘I’m Just Me’, ‘Runaway Love’, ‘Everything Speaks’ Te gustará si te gustan: Robyn, Fangoria, Frankmusik Escúchalo: Spotify
Azealia Banks ha indicado en Twitter que realizará un boicot a Dolce & Gabbana, tras interpretar que la colección que han presentado recientemente contiene referencias racistas, en concreto a la esclavitud de la población negra. La autora de ‘212’ ha señalado que las imágenes son «realmente innecesarias. La ropa de la colección estaba bien sin todas esas referencias a la «mami negra». «De verdad, odio cuando la gente hace cosas racistas y las intenta justificar como «arte»».
I really hate when people do corny, racist things then try to justify it as «art.»
Según figura en varias webs desde septiembre, Dolce & Gabbana describían los diseños como inspirados en figuras «moriscas». «»Morisco» es un término que se usa para definir a varios pueblos a través de la historia. En el medievo se aplicaba a árabes, musulmanes en Iberia y africanos de la parte occidental, aunque se ha dicho que el término no tiene relación con ninguna etnia en particular», decía la nota de prensa.
Tres años han bastado para poner la vida del revés a los chicos de Two Door Cinema Club. Un trío irlandés que apenas ha pasado por casa desde que aquel debut llamado ‘Tourist History’ se convirtiera en uno de los discos más escuchados de 2010. De ahí que la expectación ante la publicación de ‘Beacon’, su segundo trabajo, fuera lo suficientemente alta como para que haberse quedado a las puertas del número 1 en Inglaterra sea visto como un pequeño fracaso que no puede ser tal. Muy serio al otro lado del teléfono, quién sabe si por sueño -la banda se encuentra de gira por Estados Unidos- o por hartazgo de tanta promoción, hablamos de ello con Alex Trimble, el vocalista del grupo.
Habéis llamado al nuevo disco ‘Beacon’. ¿Tan perdidos estabais antes de poneros a grabar este álbum?
Es el nombre de una de las canciones del disco, pero también una palabra que hace referencia a un punto destacado en algún lugar que sirve a los viajeros de referencia para no perderse. Nos parecía el nombre perfecto para explicar lo que han sido para nosotros estos tres últimos años.
¿Por qué, es lo que siempre pedíais para desayunar en los hoteles?
Creo que no te sigo.
Lo siento, tenía aquí apuntada una pregunta supuestamente graciosa sobre lo parecido que era la pronunciación en español de «beacon» y «bacon» y después de tu anterior respuesta no se me ha ocurrido mejor forma de meterla en la conversación…
!Ah! Pues de desayunar tomamos… Creo que sigo sin entender la pregunta [Risas]
Casi que mejor. Volvamos al disco. Ha pasado un mes desde que el álbum salió a la venta. Ahora que habéis tenido la oportunidad de tocarlo varias veces en directo, ¿cómo ha sido la reacción del público?
Buenísima, mucho mejor de lo que nunca habría esperado. Estoy realmente contento con la respuesta que estamos teniendo en los conciertos.
¿Entonces vuestros fans tienen ya alguna canción favorita del nuevo disco o siguen reaccionando mejor a los hits del primero?
Sí, a juzgar por lo que vemos desde el escenario, parece que canciones nuevas como ‘Sleep Alone’, que fue el primer sinlge, o ‘Sun’, que es el nuevo, están gustando mucho en directo.
¿Coincidís con ellos?
Personalmente prefiero ‘Handshake‘ o ‘Someday’. Son más divertidas de tocar.
Viendo el exitazo que tuvo el ‘Tourist History’, no sé si sentisteis mucha presión antes de poneros a grabar ‘Beacon’ sobre qué clase de música tenías que hacer para no decepcionar a nadie.
Queríamos ser una continuación, también sonar diferentes, pero por encima de todo, hacer el disco que queríamos. Lo teníamos tan claro que nunca sentimos presión de ningún tipo.
¿Creéis entonces que Two Door Cinema Club es el tipo de grupo que hace las mejores canciones que puede y ya está o todavía podemos esperar grandes cambios estilísticos en el futuro?
Evidentemente nos gustaría experimentar con algo nuevo en el futuro, pero nada alejado de nuestro estilo. Prefiero probar con producciones más elaboradas que acaben haciendo que nuestras canciones parezcan totalmente diferentes, como cuando estamos de gira.
He leído que mientras grababais ‘Tourist History’ escuchabais música de los Beatles y los Beach Boys y que en ‘Bacon’ sonaban más canciones de Kraftwerk o Talking Heads. Sin embargo, hace unas semanas os ponéis a tocar versiones de Metallica en BBC1 que derivan en una reinterpretación de la banda sonora de ‘Parque jurásico’. Creo que ahora el que está perdido soy yo… ¿Hacia dónde vais? ¿Qué música os inspira ahora?
[Risas] La respuesta sería todo lo que has mencionado antes, no hay un estilo de música particular que predomine.
Quizás por eso habéis escogido a Jacknife Lee como productor. Es un tío muy versátil conocido por trabajar lo mismo con discos épicos de U2 como ‘How To Dismantle an Atomic Bomb’ que con otros más rápidos y rockeros como el ‘Accelerate’ de REM. ¿Con qué vertiente de las dos os identificabais más antes de trabajar con él?
Exacto, queríamos que todo eso apareciera en nuestro disco: la grandeza que transmite con U2, la cercanía de sus producciones con Bloc Party…
¿Pero hay algún disco en particular que al escucharlo dijerais: “Este es el tío que queremos”?
Personalmente siento una conexión especial con todo lo que ha hecho con Snow Patrol.
Aunque sois claramente guitarreros, en vuestras canciones a veces introducís la electrónica. No tanto como algunos de vuestros compañeros de sello en Kitsuné, referencia en este género, pero casi. ¿Cuáles son vuestros grupos favoritos de vuestra compañía?
¡Demasiados! Bloc Party, Hot Chip, Classixx… Por ejemplo, de las nuevas adquisiciones destacaría Citizens!, son realmente buenos. Básicamente adoro todo lo que tenga que ver con Kitsuné, por eso me encanta estar con ellos.
¿Me estás diciendo que después del éxito que estáis teniendo incluso en un lugar tan difícil como Estados Unidos, si un gran sello os propone un fichaje con cheque en blanco, no os iríais?
Nos gustan las compañías pequeñas, tenemos mayor control como artistas de la música que hacemos. En Kitsuné nosotros tomamos las decisiones. Algún día igual nos vamos a algo más grande, no puedo saberlo, pero por ahora estamos muy felices aquí.
Ahora que mencionas lo de tener el control… Es curioso, pero la principal idea que saqué después de ver vuestro documental ‘What We See’ es que es verdad aquello de “Ten cuidado con lo que se desea porque igual se cumple”. Quiero decir, sí, sois famosos, pero igual no es tan guay como pensabais.
No, de hecho a veces es realmente complicado. Ahora podemos hacer lo que queremos pero no tenemos tiempo para hacerlo. Nos pasamos los días viajando, haciendo entrevistas y actuando. Eso nos limita, por ejemplo, a la hora de experimentar más las ciudades que visitamos. No podría decirte en qué se diferencian Nueva York de Shangai o Madrid, por ejemplo.
¿Y con una agenda tan apretada, ¿cómo habéis podido preparar este disco? ¿De dónde habéis sacado el tiempo?
Bueno, la verdad es que hicimos un parón de tres meses para conseguirlo. Algunas canciones como ‘Sleep Alone’ o ‘Settle’ las habíamos probado en directo y las grabamos enseguida, pero el resto las creamos desde cero en el estudio.
¿Cómo es esa creación? ¿Primero va la letra y luego la música? ¿Al revés?
Es tan importante que la música y la letra sean buenas que te diría que todo viene a la vez. Es nuestro deber hacerlo así.
¿Y os tenéis que poner de acuerdo los tres?
Bueno, no siempre. Yo soy el que hace las letras…
‘Beacon’ llegó a ser número 2 en las listas británicas. Habría llegado al primer puesto si no hubiese sido porque The Vaccines también sacaron nuevo disco. ¿Os fastidia no haber llegado a la cima?
Sí, habría sido genial tener el número 1, pero estoy muy feliz de tener el 2. Sobre todo porque delante tenemos a quienes tenemos. Es fantástico que dos bandas de guitarreo lleguen a la vez a la cima de las listas, ¿no crees?
Ahora que acabáis de publicar el vídeo de ‘Sun’, vuestro segundo sencillo, se confirma que os gusta mucho cuidar los clips, casi una rareza en una época en la que ni MTV apuesta ya por los videos musicales. ¿Por qué lo hacéis?
Porque los vídeos son realmente importantes para nosotros. Nos gusta pensar en ellos como en pequeñas películas. Es verdad que la gente ya no ve vídeos en televisión, pero sí en sitios como Youtube y similares. Hacer algo que llame la atención ahí es una manera genial de llegar a un público que de otro modo, a lo mejor, nunca se molestaría en escucharte. Por eso los vídeos tienen que ser tan especiales.
¿Volveréis algún día a trabajar con la productora catalana Canada?
Nos encantaría. Ojalá que sea pronto.
Repasando vuestra página web para preparar esta entrevista no he podido evitar fijarme en que en la lista de links que recomendáis en ella a diversas páginas de Facebook y cuentas de Twitter no están los ya célebres Tumblr de Fuck Yeah! Kevin Beard, Fuck Yeah Alex Trimble o I Love Sam Halliday… ¿No están porque no queréis o porque no los conocéis?
Los conocemos, claro que los conocemos. Y nos parecen muy divertidos. Pero preferimos destacar páginas que no están centradas en un miembro en concreto del grupo. Creo que a la gente le interesa más apoyar la banda que solo a uno de nosotros.
No puedo terminar sin preguntarte por la portada del disco. Ya sé que unas piernas de mujer bonitas siempre venden, pero… ¿Quién tuvo la feliz idea de no volver a apostar por la temática gatuna sabiendo lo que mueven estos animales en internet?
Contratamos al mismo tipo que nos hizo la portada del ‘Tourist History’ para que nos diseñara algo que transmitiera misterio y esto fue lo que nos presentó. Es verdad, no hay gato, pero era justo lo que queríamos para este disco.
Quizás el gato os habría dado el número uno…
Me sigo quedando con las piernas (risas).
La canción de Fiona Apple ‘Paper Bag’ aparecía en la estupenda ‘La boda de mi mejor amiga‘, de 2011. Ahora otra composición de la artista, esta vez inédita, aparecerá en ‘This Is 40’, la nueva de Judd Apatow, un spin-off de ‘Knocked Up’ (‘Lío embarazoso’). El tema, llamado ‘Dull Tool’, será presentado a los Oscar, aunque de manera dramática no aparecerá en la banda sonora original ni hay ningún plan para editarlo. La banda sonora de verdad es del amigo de Fiona el productor Jon Brion. Este es el tráiler de la película.