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Jens Lekman / I Know What Love Isn’t

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“Nadie nace gilipollas / se necesita trabajar muy duro / y Dios sabe que me lo he currado para ser un imbécil”, canta Jens Lekman en ‘The World Moves On’, uno de los temas destacados de este nuevo trabajo del cantautor sueco que ve la luz nada menos que cinco años después del aclamado ‘Night Falls Over Kortedala’. Frases como esta y otras más resumen la esencia de un álbum agridulce sobre el desamor que actúa como contrapunto del disco al que sucede, resultando, de nuevo y como no podría ser de otra forma, terriblemente encantador.

La cubierta de ‘I Know What Love Isn’t’ muestra a Jens Lekman vagando solitariamente en un desierto, observando sus pasos, ya parte del pasado, en lo que parece una metáfora del largo recorrido que le depara su búsqueda de la felicidad, pese a que el horizonte se divisa casi inalcanzable. En ese sentido, no sería descabellado considerar este nuevo trabajo de Lekman como una especie de remedio catártico para su frágil estado emocional, aunque, como siempre, sea en clave de humor o a través de situaciones anecdóticas que nos cuente su desolación ante la pérdida de un amor, siempre, también, desde la melancolía que desprenden sus melodías, sus arreglos o, directamente, la manera en la que canta frases como “me preguntas qué ocurre y yo te digo: «nada, no es nada»».

Y es que es imposible entender la música de Jens Lekman obviando la calidad de su lírica, a veces un tanto críptica (‘Some Dandruff On Your Shoulder’, una de las joyas del álbum), pero la mayoría de ocasiones lo suficientemente transparente como para asegurar su conexión con el oyente. En el número que titula el álbum, básicamente una conversación con su amiga lesbiana Renée, frases como “qué tal si damos una vuelta, escuchamos música y miramos a chicas / quiero saber si tenemos el mismo gusto” o la fantástica “casémonos, lo digo en serio / aunque solo sea por los papeles / siempre me ha gustado la idea” parecen sacadas del guión de una sitcom americana. Por otro lado, Lekman le devuelve amablemente el favor a Tracey Thorn, quien mencionó al sueco en su tema de 2010 ‘Oh! The Divorces’, y con quien ha colaborado en varias ocasiones, respondiéndole en ‘Become Someone Else’s’: “supongo que depende del prisma desde donde mires / pero todo lo que sé del amor lo aprendí de ti, Tracey”.

‘I Know What Love Isn’t’ se abre con una reveladora introducción instrumental a piano que podría perfectamente ser de Goldmund, y que supone un punto de partida revelador de las intenciones de Jens Lekman por firmar un álbum sobre sus rupturas sentimentales, aunque al final resulte algo así como el boceto del tema que justamente cierra el disco, titulado ‘Every Little Hair Knows Your Name’. Sin embargo, a excepción de algunas canciones, especialmente de la hermosa ‘She Don’t Want To Be With You Anymore’, Jens Lekman prefiere dejarse de trucos lacrimógenos y escoge contar sus historias en composiciones tan adorablemente divertidas (‘Erica America’, ‘The World Moves On’) como irresistiblemente pegadizas (‘I Know What Love Isn’t’). Y, sobre todo, radiantes de esperanza.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Erica America’, ‘Some Dandruff on Your Shoulder’, ‘She Don’t Want To Be With You Anymore’, ‘The World Moves On’
Te gustará si te gusta: Morrissey, The Magnetic Fields, Belle and Sebastian
Escúchalo: The Quietus

Vaccines versionan a Taylor Swift

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Vaccines publican esta semana un segundo disco que reseñaremos en breve, al tiempo que la entrevista que les hicimos tras su paso por el FIB. De momento son noticia por haber versionado el superhit actual de Taylor Swift, número 1 en USA tras vender casi 1 millón de copias en 15 días, ‘We Are Never Ever Getting Back Together’. ¿La considerarán «una artista» a diferencia de lo que sucede con Rihanna?

Ultraísta, movidos

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Pocos días después de haberse dado a conocer ‘Bad Insect’, otra de las canciones con la voz de Laura Bettinson del proyecto de Nigel Godrich, Ultraísta, se estrena este videoclip lleno de imágenes en movimiento y planos superpuestos que le viene al pelo a la canción. El álbum sale el 2 de octubre.

Betacam, cantando con Javiera Mena

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Durante una de sus últimas visitas a España, Javiera Mena grabó un ‘A solas’ para Sol Música en el que, aparte de acompañarse de dos coristas, la asistió en teclados y voces Betacam (también en Templeton) durante ‘Sufrir’, aunque no haciendo exactamente de Jens Lekman, sino en su propio estilo. Lo podéis ver aquí.

The xx y Cat Power bajan de precio a pesar del IVA

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Estos días la subida del IVA está en boca de todos: festivales que tienen que subir de precio, aquellos que lo mantienen, etcétera. Everlasting, sello de Los Punsetes y nudozurdo, entre otras decenas, y distribuidora de algunos de los sellos independientes internacionales más destacados, ha informado de que no subirá el precio de sus «lanzamientos más importantes», sino que de hecho «bajarán de precio». Esos discos contendrán esta pegatina que veis en la imagen e incluye los nuevos lanzamientos de gente como Cat Power o The xx.

Esto dice su texto explicativo de protesta: «Hay que buscar nuevas formas de conseguir que la música sea inaccesible, pero prohibir está mal visto, así que la cultura ya no se prohíbe, ahora se penaliza, o, peor aún, se redefine. El fútbol y los toros son cultura, la música, el cine o el teatro son bienes de lujo. Sólo interesa fomentar ocios inofensivos, y se ataca todo aquel que pueda implicar una actividad intelectual que en un momento dado pueda volverse en contra de quienes deciden».

Orbital featuring Stephen Hawking

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Mucho se habló de los Juegos Olímpicos, y como viene siendo una fea costumbre, apenas se le da la misma importancia a los Juegos Paralímpicos. Uno de los momentos cumbres de la ceremonia de apertura fue la actuación de los británicos Orbital. Con un parlamento inicial a cargo del mismísimo Stephen Hawking y con Gandalf en persona -Sir Ian McKellen-, sobre el escenario, el dúo de electrónica ofreció un espectáculo que nada tuvo que envidiar a las ceremonias de apertura y clausura del pasado mes de agosto. Se espera a Coldplay y a Rihanna el próximo domingo día 9 en la clausura de los Juegos. Os dejamos con Orbital interpretando ‘Where Is It Going?’ con la colaboración de Stephen Hawking.

Katy B, en lo nuevo de Mosca

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La británica Katy B se da un paseo por el último single de Mosca, productor de dubstep reconvertido al UK Garage para la ocasión. Mosca había lanzado el tema ‘Bax’ el pasado verano y ahora lo ha reciclado con un nuevo nombre, ‘What You Came For’ y la voz de Katy B como protagonista, llevándonos de cabeza hasta los 90. Nada que no haya conseguido ella con su disco de debut, pero mientras esperamos material nuevo, no está demás disfrutar de esto.

Revelación o timo: Palma Violets

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Un nuevo cuarteto de Londres empieza a sonar fuerte ya más por haber sido fichado por Rough Trade que porque el NME apueste por ellos (que también). Han recibido comparaciones más que justas con The Clash, The Libertines y Echo & The Bunnymen (sumemos los Horrors, por ejemplo) y publicarán su primer single el próximo 22 de octubre. Es este ‘Best of Friends’ (título ramoniano a más no poder) que contendrá como cara B ‘Last of the Summer Wine’.

Para averiguar si superarán su hit y tendremos un buen álbum clásico de guitarras a lo Strokes o un epic fail tamaño Spector, habrá que esperar todavía unos meses. De momento, os dejamos con otro de sus cortes, ‘Tom The Drum’.

Cat Power / Sun

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Inmenso, luminoso, sincero e intenso. Así es el ‘Sun’ de Cat Power, noveno álbum de estudio de la artista estadounidense. Ya los singles adelanto del disco nos hicieron presagiar lo mejor: ese ritmo latino de ‘Ruin‘ («Bitching, complaining when some ṗeople who ain’t got shit to eat») y ‘Cherokee‘, con esa hipnótica remezcla a cargo de Nicolas Jaar, pero ‘Sun’ es mucho más. Desde luego mucho más que un cambio de estilo en la trayectoria de Chan Marshall. Es uno de esos discos, como ‘Back to Black‘ o ‘Miseducation of Lauryn Hill’, que se van a tener en un futuro no muy lejano como referencia.

Con ese título y viendo su trayectoria anterior, todos nos esperábamos un disco crudo, donde la artista que antes había hecho del blues y el sonido sureño su seña de identidad, se iba a fijar en el sonido de Sun Records para colocarnos el típico disco post-ruptura seco, rudo y difícil. Más si tenemos en cuenta los problemas de alcoholismo por los que ha pasado. En cambio, Chan, ayudada por Philippe Zdar, se salta todas las expectativas y llena casi todas las canciones con sintes, claquetas y autotune sin que por ello el disco deje de sonar sincero. Y ahí radica uno de sus grandes méritos: envolver unas letras amargas en un sonido mucho más «amable» sin perder por ello autenticidad.

‘Nothin But Time’, quizá la mejor canción del disco, se convierte con la inestimable ayuda de Iggy Pop, en un tema capaz de hacerte llorar y reír al mismo tiempo. Escuchar ese «it’s up to you to be a super hero», conociendo como conocemos el historial de su autora, es de ese tipo de cosas que ponen los pelos de punta. Y todo esto, con una música que aunque no tuvieras ni la más mínima idea de inglés, te seguiría emocionando de la misma manera. Pero tampoco es que en estos 11 minutos que dura ‘Nothin But Time’ se acaben las virtudes de ‘Sun’. Ahí están las ya mencionadas ‘Cherokee’ y ‘Ruin’; ‘Manhattan’ y ese piano tétrico o ‘3,6,9’, que parece que se compuso durante una resaca monumental.

Decir que ‘Sun’ supone una ruptura de sonido con respecto a los anteriores trabajos de Cat Power se antoja superfluo cuando ella nos sigue dando lo que siempre nos ha dado. Una fragilidad y sinceridad aplastantes envueltas en sonidos subyugantes. Que para ello recurra a una guitarra eléctrica o a una caja de ritmos es lo de menos. Lo que sí resulta novedoso en este trabajo es que el conjunto resulta mucho más accesible que en otras ocasiones. Quizá sea arriesgado afirmar que con este trabajo la autora de ‘You Are Free‘ pueda llegar a un público «masivo» pero si yo tuviera que prestar alguno de sus discos a alguien que jamás hubiera oído hablar de ella, prestaría este.

Calificación:8,6/10
Te gustará si: eres una persona humana y tienes un mínimo de sensibilidad.
Temas destacados: ‘Manhattan’, ‘Ruin’, ‘Nothin But Time’, ‘Sun’.Escúchalo en: NPR.

Stevie Wonder se disculpa con Frank Ocean

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Después de la “salida del armario” de Frank Ocean, muchos artistas han opinado sobre la misma, la mayoría apoyándole. El último que ha dicho algo sobre el asunto ha sido la leyenda del soul Stevie Wonder. The Guardian publicaba una entrevista la semana pasada en la que, según este medio, el cantante hablaba de que Ocean seguramente estaba “confundido” con su sexualidad. “Honestamente pienso que alguna gente que cree ser gay está confundida. La gente confunde la cercanía con el amor”.

Y al igual que Chris Brown, Stevie ha tenido que aclarar la confusión de sus comentarios, hablando de que se han malinterpretado sus palabras. Así lo ha hecho saber en un comunicado que recoge Rolling Stone. “Siento que mis palabras sobre si alguien se siente confundido con su amor fueron malinterpretadas. Nadie ha sido mayor defensor del poder del amor en este mundo que yo, tanto en mi vida como en mi música. Claramente, el amor es amor, entre un hombre y una mujer, una mujer y un hombre, una mujer y una mujer, y un hombre y un hombre. En lo que no me equivoco es en la necesidad de un mundo con mucho más amor, sin odio, sin prejuicios, sin intolerancia y con mucha más unidad, paz y entendimiento. Punto”.

Top 3-9-2012

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1(-) Calvin Harris ft Florence Welch / Sweet Nothing 1 semana
2(14) Mumford & Sons / I Will Wait 4 semanas
3(-) Chairlift / I Belong In Your Arms 1 semana
4(-) Swans / Lunacy 1 semana
5(-) Bob Dylan / Duquesne Whistle 1 semana
6(1) Garbage / Big Bright World 2 semanas
7(-) Everything Everything / Cough Cough 1 semana
8(12) The Soft Pack / Saratoga 2 semanas
9(2) Muse / Madness 2 semanas
10(-) Syron / Breaking 1 semana
11(-) Sleigh Bells / End of the Line 1 semana
12(3) Ariel Pink’s Haunted Graffiti / Only In My Dreams 2 semanas
13(-) El Palacio de Linares / Himalaya 1 semana
14(-) The Flaming Lips / The First Time Ever I Saw Your Face 1 semana
15(-) Las Lava Lamps / Septiembre 1 semana
16(-) Four Tet / Lion1 semana
17(4) Alt-J / Breezeblocks 2 semanas
18(-) Halls / White Chalk 1 semana
19(-) Pet Shop Boys / Leaving 1 semana
20(35) The Joy Formidable / Wolf’s Law 2 semanas
21(-) Sky Ferreira / Everything Is Embarrasing 1 semana
22(-) Chilly Gonzales / Kenaston 1 semana
23(-) Madrid / Sad Song 1 semana
24(-) No Doubt / Push & Shove 1 semana
25(9) Jessie Ware / Wildest Moments 3 semanas
26(5) Tremenda Trementina / Mi novio es un raro 4 semanas
27(-) Prin’ Lalá / Kiss The Future 1 semana
28(6) Nicki Minaj / I Am Your Leader 2 semanas
29(-) WHY? / Sod In The Seed 1 semana
30(10) Patrick Wolf / Overture 2 semanas
31(-) Sigur Rós / Dauðalogn 1 semana
32(16) Iggy Azalea / Murda Bizness 3 semanas
33(-) Taylor Swift / We Are Never Ever Getting Back Together 1 semana
34(-) Ice Choir / A Vision of Hell, 1996 1 semana
35(-) Yeasayer / Longevity 1 semana
36(-) John Cale / Face to the Sky 1 semana
37(7) Angel Haze / New York 4 semanas
38(-) Zodiac / Come 1 semana
39(-) Bondax / Baby I Got That 1 semana
40(-) Usher / Dive 1 semana

Se podrá votar por el próximo número 1 a lo largo de esta semana en la encuesta de nuestra portada.

Little Mix, la nueva girlband

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Muy poco le ha durado a Sam and The Womp su reinado en listas del Reino Unido. El cuarteto femenino Little Mix entra esta semana hasta lo más alto de la lista de ventas del país con su single de debut, ‘Wings’. ¿Pero quiénes son Little Mix? ¿Qué tipo de grupo se oculta tras semejante horrible nombre?

Banda producto creada expresamente por el Factor X británico, su cuatro componentes se presentaron en solitario a las audiciones y en vista de que por separado no iban a llegar muy lejos, los propios jueces del programa las agruparon para crear la formación actual.

El tema, responsabilidad del equipo de producción TMS, es como el nombre del grupo: una mezcla de todo un poco, demostrando el amor de Inglaterra por los grupos de chicas. ‘Wings’, a pesar de ser su single de debut, no es su primer número 1 en UK, un puesto que ya coronaron el año pasado con una versión de ‘Cannonball’ de Damien Rice. La pregunta es: ¿tendrá esto alguna repercusión fuera del Reino Unido?

Finalistas del concurso de grupos de Dcode

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Falta un confirmado para el Dcode, por el que pasarán Sigur Rós, los Killers y Django Django, entre otros, los próximos días 14 y 15 de septiembre en Madrid. Será el ganador del concurso de maquetas organizado por el festival, B-Dcoder. Acaban de conocerse los 20 finalistas tras los votos populares y ahora un jurado del que formamos parte, escogerá el ganador. Puede escucharse a los 20 a través de la web oficial de Dcode.

1 – ASTROBAHN
2 – ZENO AND THE STOICS
3 – FFORDD
4 – KITAI
5 – COPA TURBO
6 – FLYING PAPALOTES
7 – AER
8 – ONE BODY TWO HEADS
9 – CASPARVON
10 – FEBRERO
11 – THE WHEEL & THE HAMMOND
12 – HONORIS CAUSA
13 – WE ARE ROBOTS!
14 – RUBICK
15 – MIND CONTROL
16 – GRENOUILLE
17 – STEREOSAURIO
18 – THE REBELS
19 – BLUESTAIN
20 – MAUD THE MOTH

Más y más vídeos de Azealia

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Azealia Banks, esa mujer conocida por retrasar la salida de su disco de debut ad infinitum y por cancelar conciertos por encontrarse indispuesta y después tuitear lo bueno que es el alcohol español, presenta videoclips a razón de uno por semana. O casi. Después de crear tanto hype con la salida del clip para ‘Liquorice’ ahora estrena los clips casi de tapadillo. El último en sumarse a la lista de su videografía es el trabajo del realizador Justin Mitchell para el tema ‘1991’. Mitchell, conocido por sus colaboraciones para Marilyn Manson, Death Cab For Cutie y Rilo Kiley, vuelve a incidir en la idea de una Azealia estilizada al máximo jugando a ser modelo y luciendo su pintura de labios.

Robbie Williams detalla ‘Take The Crown’

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Después de varias pistas extrañas, Robbie Wiliams ha confirmado que sacará disco el próximo 5 de noviembre. Se llamará ‘Take The Crown’ y su primer single será ‘Candy’. Que nadie piense que su última marcha de Take That significa algo. Ese primer sencillo ha sido co-escrito con Gary Barlow según Popjustice. Como veis en el tracklist una de las pistas ha contado con Lissie.

1. Be A Boy
2. Gospel
3. Candy
4. Different
5. Shit On The Radio
6. All That I Want
7. Hunting For You
8. Into The Silence
9. Hey Wow Yeah Yeah
10. Not Like The Others
11. Losers (featuring Lissie)

BONUS TRACKS de la edición ‘DELUXE’:
12. Reverse
13. Eight Letters

La asunción del playback en el mundo del pop

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Este fin de semana Fangoria se han llevado un susto, acompañados de las Nancys Rubias, en su visita de gira a Santa Coloma, donde supuestamente les esperaban unos cientos de personas indignadas por el pago de 45.000 euros del ayuntamiento por su «show en playback». Un fan del grupo llamado Juan (¿qué fue de Manolito Crespo, presidente del mítico Fan Fatal?) salía a defenderles, puesto que las Nancys Rubias siempre se han jactado de realizar playback porque su espectáculo consiste en otras cosas y Fangoria actuaban «en directo». Al final no ha llegado la sangre al río y el show se celebró con normalidad. Según informa la prensa local, miles de asistentes acudieron y se lo pasaron bien en un show en el que Alaska, quien por cierto canta hace tiempo bastante mejor en directo que en sus inicios, no hizo playback.

Lo cierto es que Fangoria, por género (el pop y últimamente la revista), se han sumado a la «moda» internacional de alternar voces en directo con pregrabadas, produciendo un efecto confuso en el público (de ahí parece venir la polémica y el grupo de Facebook, atentos a la parte «muevo la pierna, muevo el pie» del vídeo de ‘Bailando’ insertado arriba). Sucede también en conciertos de Beyoncé, por supuesto de Britney y hasta de divas tan reconocidas por medios indies como Robyn, a quien el playback le jugó una malísima pasada en esta actuación cuando se le cayó el micrófono. En ese momento se aprecia perfectamente que las dos cosas son ciertas: Robyn estaba cantando en directo al mismo tiempo que sonaba su voz pregrabada.

El asunto está tan asumido, que Lady Gaga dedicaba un «speech» en su gira pasada a decir que ella no hacía nada de playback. El problema es que lo hacía en mitad de una canción, cuando no venía nada a cuento, y era casi peor el remedio que la enfermedad. La segunda mejor actitud parece, pues, la de los mismos Alaska y Mario, que decían en una entrevista con Buenafuente, hablando sobre las Nancys Rubias, que lo del playback por debajo de las voces «lo hacen todas, aunque no lo reconozcan», refiriéndose probablemente a Madonna, que ha tenido varios encontronazos con Elton John por este motivo. Años antes de que se burlase deseándole suerte con el playback de la Super Bowl, ya había declarado que le parecía una vergüenza cobrar tanto dinero por hacer playback en su gira. El equipo de Madonna se molestó en contestar que sus conciertos son en directo, lo cual era verdad en un 85%.

Madonna canta algunos temas completamente en directo, pero -de nuevo- alterna su propia voz con la de dos coristas con un tono que encaja perfectamente con el suyo (como Alaska con Spunky) y con voces suyas pregrabadas, como puede apreciarse en el vídeo de su nueva gira arriba incluido. Otras veces, las menos, cuando el número que realiza es demasiado espectacular y complicado, las voces en directo apenas existen, como sucede en esta actuación reciente de ‘Girl Gone Wild’.

Al final, el público, que suele estar a sus cosas y ofrece el 100% de concentración en un set muy de vez en cuando, entre copas, cigarrito (se sigue fumando en los conciertos) y visitas al baño, puede extraer que un concierto ha sido en playback o no, dependiendo de en qué momento haya estado atendiendo. Aunque a veces es realmente difícil para el periodista adivinarlo, como sucedió con las últimas visitas de Florrie y Yelle. Tras la última gira de Florrie, intercambié un mail con un gran fan suyo, Jaime de Souvenir, que me decía sobre su directo y sobre su supuesto y comentado «playback», lo siguiente: «En Bilbao estaba en primera fila fijándome mucho en eso y creo que todas las «lead vocals» eran en directo y sin trucos. Tenía un efecto muy, muy bueno en su pista de voz, se notaba cuando hablaba entre versos al despedirse en la última canción, eco, compresión, una ecualización excelente… y eso puede que hiciese parecer que sonaba «demasiado bien». En ocasiones creo que estaba su voz por debajo haciéndose doblete, (en mi opinión legítimo) y luego la teclista le hacía unas armonías que igual se notaba poco pero hacían muchísimo». Y es que también hay quien desconoce que se pueden aplicar efectos a las voces en directo, lo que perjudica bastante la imagen de Goldfrapp desde su primera gira, cuando debería ser lo contrario.

El rock y la música independiente siempre se han horrorizado de la palabra «playback», considerándose un desprestigio, y con razón, claro. ¿Os imagináis a Dominique A, a Triángulo o a Nacho Vegas haciendo playback? Sin embargo, está ya completamente asumido en los espectáculos poperos más «teatrales», aunque no sea muy común hablar de ello en la prensa, probablemente por razones de imagen. Dejando aparte el complejo asunto de la «autenticidad» (volveríamos al aburrido debate sobre si es más auténtico un sintetizador o un solo heavy de manual), parece que el público acepta el uso de voces dobladas en algunos casos. Lo cual no significa que se tenga que abusar de él de manera innecesaria por una cuestión de holgazanería: a veces se nota demasiado y resta mucha intensidad y fuerza a la performance.

Public Enemy logran su primer top 10 en UK

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Public Enemy no necesitan las listas de ventas para haber hecho historia. Sin embargo, desde esta semana y gracias a la tele, las cifras les acompañan más. En Reino Unido se ha usado su canción ‘Harder Than You Think’ para los Juegos Paralímpicos y desde entonces no ha dejado de escalar posiciones en la lista de singles británica. Actualmente es top 4, habiéndose convertido en el primer top 10 en singles de su vida (en álbumes ya lo habían conseguido con el mismo ‘It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back’ de 1988). La canción había sido incluida en su entrega de 2007, ‘How You Sell Soul to a Soulless People Who Sold Their Soul?’.

Animal Collective / Centipede Hz

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¿Cómo plantear tu noveno disco de estudio cuando el anterior fue elevado a los altares? Animal Collective tenía dos alternativas: profundizar en el camino que les ha llevado hasta el Olimpo del pop o darle la espalda al éxito y radicalizar su sonido para demostrar que su espíritu iconoclasta y experimental no ha desaparecido. Es decir, darle al público lo que quiere o darle lo que no quiere. En lugar de eso, el grupo (más que banda al uso) nacido en Baltimore ha seguido por un camino distinto, o más bien ha tomado los dos caminos a la vez. No abandonan la estructura del pop pero su sonido se ha vuelto más denso.

Ya lo explicaba el hijo pródigo Deakin (volvió al colectivo hace poco más de un año): «Sabíamos que ‘Centipede Hz’ no es tan instantáneo como ‘Merriweather Post Pavilion‘, y que iba a ser más difícil que la gente conectara realmente con él». Y es que si en su obra maestra los arreglos seguían unas líneas muy definidas, en su nuevo lanzamiento, pese a contar con el mismo productor (Ben Allen), la explosión de sonidos es tal que en cada escucha descubres una cosa nueva. Las canciones mutan como si formaran parte del oleaje de un mar herziano, sin dejar huecos entre una y otra, como una masa sonora que avanza hacia todos los lados a la vez, muy en consonancia con el trabajo visual que les acompaña últimamente y esa portada en la que una boca parece que va a engullirte y no sabes dónde vas a ir a parar. Buscaban formar un continuo sonoro, como las retransmisiones de la radio, y de hecho ‘Centipede Hz’ está lleno de interferencias radiofónicas. Es más, el propio disco se presentó al público dentro de un formato de sesión radiofónica en My Animal Home, una emisora online del grupo creada para la ocasión donde hemos podido comprobar el eclecticismo de sus miembros y su constante búsqueda de joyas ocultas.

Sin embargo, este nuevo disco no deja de contener canciones pop envueltas en ropajes de psicodelia electrónica. Es el cuarto álbum en que participan todos los miembros del colectivo sin excepción. Avey Tare, Panda Bear, Geologist y Deakin se reunieron en la casa materna de este último -que, por primera vez, es solista en un tema, ‘Wide Eyed’- en Baltimore para componer todo el material, y el resultado es, pese a ello, menos inspirado que el de sus últimas referencias largas. Todos los temas son interesantes, parecen incluir varias canciones en cada uno de ellos con continuos giros, pero sin abandonar las melodías sencillas. Sin embargo, se aprecia una falta de hits claros dentro de la masa sonora de ‘Centipede Hz’. El más inmediato en sin duda el single, ‘Today’s Supernatural‘, y a medida que desbrozas las capas del disco encuentras joyas como ‘Applesauce’, ‘Amanita’ o ‘New Town Burnout’. Pero al final te das cuenta de que el resto, un arsenal de temas como ‘Father Time’, ‘Monkey Riches’ o ‘Mercury Man’ no tiene nada que hacer frente a los menos inmediatos de ‘Strawberry Jam’ -el disco más claramente ligado a este-, como ‘Unsolved Mysteries’, ‘For Reverend Green’ o ‘Cuckoo Cuckoo’.

Quizá sea que la amalgama de sonidos no deja brillar con su personalidad única a cada canción sino que todas se supeditan al sentido unitario de ‘Centipede Hz’. La parte positiva es esa unidad y la originalidad de la amplia paleta sonora de los cuatro de Baltimore, amén de unas canciones sólidas, aunque se eche en falta un sitio donde poder respirar.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Today’s Supernatural’, ‘Applesauce’, ‘New Town Burnout’, ‘Amanita’
Te gustará si te gusta: Los Animal Collective de la época ‘Strawberry Jam’
Escúchalo: NPR

Jack White: clasicismo rock, contundencia punk

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Por si no había quedado claro, The White Stripes es Jack White. En el concierto que dio anoche en La Riviera de Madrid circularon todos sus proyectos, ya sea The Raconteurs, The Dead Weather y, por supuesto, su primer álbum bajo su propio nombre (artístico), ‘Blunderbuss‘, que venía a presentar ante el público de la capital. Pero dio la impresión de que el show era una reivindicación de su primera banda: desde un escenario adornado con tres grandes tiras blancas, símbolo estético junto al color azul de su andadura en solitario, hasta colocar canciones como ‘Dead Leaves And The Dirty Ground’, ‘The Hardest Button To Button’ o ‘My Doorbell’ en momentos clave del concierto, para finalizar, cómo no, con una ‘Seven Nation Army’ que ya fue reclamada a base de «lololós» por el público antes de comenzar los bises.

Eso sí, en lugar del espartano acompañamiento de Meg White, John Gillis (el nombre real de Jack) se rodeó de una banda, The Buzzards, que le permitió transformar el blues rock de impulso punk de sus inicios en una maquinaria que tira más hacia el heavy rock y los excesos de sus últimos proyectos: en no pocas veces White, que parecía querer ser Jimmy Page, se metió en un diálogo guitarra-batería que no parecía ir hacia ningún lado. Se le debe perdonar, porque disfruta de su grupo como un niño con zapatos nuevos. Sin embargo, uno echaba de menos la crudeza de las versiones originales frente a los fuegos de artificio que le permite su muy solvente banda, una de las dos que supuestamente le acompaña en la gira: si The Buzzards está compuesta por hombres elegantemente vestidos, en The Peacocks son todo féminas. Y es que White no deja ningún detalle al azar, y si hay que llevar un piano vertical, un órgano hammond, amén de otros dos teclados más, un contrabajo, un lap steel, etc., se lleva. El despliegue de camiones a la puerta de La Riviera así lo atestiguaba.

El repertorio más reciente de White encaja mejor con el sonido de su banda, por lo que temas como ‘Sixteen Saltines’ y ‘Freedom At 21’, de su último disco, o ‘Steady, As She Goes’, de The Raconteurs, sonaban perfectamente engrasados. Una pena que la sala no estuviera a la altura y demostrara su pésima acústica, convirtiendo las exquisiteces que salían del escenario en una masa informe en la que era difícil diferenciar una cosa de otra. Este hecho ensombreció el disfrute de un público entregado desde el principio que llenó, aunque no abarrotó, el lugar.

White ofrece una amalgama de blues eléctrico y rock de raíces folk que recupera la tradición de los grandes clásicos americanos y los monstruos del heavy rock de los setenta, si bien sabe que para conquistar al público actual hace falta algo más de contundencia y algo menos de contemplación. Solos sí, pero en su justa medida. Se trata de hacer vibrar al personal, no de demostrar virtuosismo. En ese sentido, quizá el éxito de su música se deba a que ha sabido encontrar un hueco que aúna lo comercial y su voz personal acudiendo a joyas de un pasado común entre su público y él, y es que todos acabamos volviendo a Led Zeppelin, a Jimi Hendrix, a The Band, pero también a los Sex Pistols -libres de su carga urticante, eso sí-. No tan purista como Wilco y más partidario del rock de estadio que de las exquisiteces del estudio, Jack White ha encontrado su espacio en la música actual en el que, al igual que sobre el escenario, reina a sus anchas.

WTF: los calzoncillos sucios de Elvis

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Como siempre, la realidad supera con creces a la ficción: según comentan en Rolling Stone, el próximo 8 de septiembre la casa de subastas Omega subastará estos calzoncillos de Elvis Presley, que como bien se ve en la foto, muy limpios no andan.

Se dice que el Rey del rock los llevó durante un concierto el año de su muerte y que quien los ha vendido ha sido su padre Vernon. La casa de subastas estima que se vendarán por la friolera de 12.000 euros.

El karaoke en japonés de Chairlift

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Aprovechando que Caroline Polachek, la cantante de Chairlift, vivió parte de su infancia en Tokio y para celebrar el lanzamiento de su nuevo álbum, ‘Something’, en Japón, el grupo ha decidido ponerse manos a la obra y celebrarlo traduciendo al japonés ‘I Belong In Your Arms’ y haciendo un vídeo un poco cuadro delante de un croma, con las letras de karaoke ya incluidas.

No nos extraña: ¿alguien ha visto alguna vez los vídeos que hacen las empresas de karaoke para los karaokes? Son de vergüenza ajena.

Noisettes / Contact

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El batería Jamie Morrison ha abandonado el barco, pero Shingai Shoniwa y Dan Smith siguen adelante ahora como dúo para tratar de repetir el éxito que lograron en 2009 con ‘Don’t Upset the Rhythm (Go Baby Go)‘, que fue top 2 en las islas británicas. El asunto, desde el punto de vista comercial, pinta a «one hit wonder», pero desde el artístico, ‘Contact’, el tercer disco de Noisettes, contiene material suficiente para contentar a los seguidores que ganara la banda.

La llegada de un nuevo hit se ha intentado desde diferentes estilos, por lo que no es de extrañar que quisieran lanzar un doble single a la vez. ‘Winner’ podría haber sido el pensado para Radio 1, pero el celoso ‘That Girl’ tiene más encanto. Shingai, que de vez en cuando trata de ser una Adele siempre desde un prisma más pop y petardo, salvo excepciones, mucho menos afectado, se merienda este tema de carácter «girl group» que funciona casi al nivel de las primeras Pipettes o la (pen)última Kate Nash.

Noisettes también resuelven con bastante dignidad otros ejercicios retro como la funky ‘Free’, la bossa soul de ‘Star’ o la country ‘Ragtop Car’, cuyo «no nos rendiremos hasta que muramos» resume muy bien el espíritu optimista de un disco inspirado por el cáncer sufrido por la madre de Shingai. Aunque en ocasiones tienen más en común con Shania Twain (‘I Want U Back’) o Virginia Labuat (‘Final Call’, con Deborah Evans-Stickland de The Flying Lizards) que con el Stevie Wonder al que suelen citar, nadie puede negar su simpática versatilidad.

Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘That Girl’, ‘Ragtop Car’, ‘Winner’
Te gustará si te gusta: Dragonette, Pipettes, la mejor Chenoa
Escúchalo: Spotify

Muere Hal David: la importancia de la letra en una canción

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Muy merecidamente, Burt Bacharach ha pasado a la historia como uno de los mejores compositores que jamás se han conocido. ¿Qué habría sido de la carrera de los Carpenters sin melodías tan deliciosas como ‘(They Long To Be) Close To You’ o de la de Aretha Franklin sin ‘I Say A Little Prayer’? Sin embargo, Hal David participó también de todas ellas como letrista, recordando al mundo la importancia de lo que se cuenta en una canción.

Hal David, que ha muerto este sábado a los 91 años, no se conformaba con cumplir. Su sencilla forma de transmitir sentimientos, de hablar de amor de la manera más tonta pero irresistible, se amoldaba melódicamente a la perfección a las composiciones de Bacharach y, lo que es igual de importante, a su espíritu. El «nunca podré detener la lluvia quejándome» de la oscarizada ‘Raindrops Keep Fallin’ On My Head’ redondeaba la que probablemente sea la canción de autoayuda más digna del siglo XX. Igualmente, ‘Close To You’ es una de las declaraciones de amor más puras y hermosas posibles, con un deliberado punto naíf, lleno de ángeles y pajarillos, completamente encantador (mítico aquel «por eso todas las chicas de la ciudad te siguen a todas partes»).

Pertenecen a Burt Bacharach 70 éxitos del top 40 estadounidense y 52 del top 40 británico. Con alguna excepción como el ‘Baby It’s You’ que cantaron los Beatles y antes The Shirelles, Hal David estuvo detrás de la mayoría de ellos hasta los años 70: ‘Only Love Can Break A Heart’ de Gene Pitney, el ‘Wishin’ and Hopin» de Dionne Warwick que popularizó aún más Dusty Springfield, ‘What’s New Pussycat?’ de Tom Jones, el ‘Alfie’ que ha pasado por las manos de Cilla Black, Cher, Dionne Warwick, Everything But The Girl o Rumer… Su influencia llegó hasta nuestros días. ¿Recordáis el hit de White Stripes ‘I Just Don’t Know What To Do With Myself’? También Hal David había estado detrás del original.

A pesar de que hacía casi 40 años que no trabajaban juntos, desde el desastre del remake de ‘Horizontes perdidos’, de cuya banda sonora se encargaron en 1973, Burt Bacharach no se olvidó de mencionar a su colega cuando nos visitó en concierto hace tres años (en aquel momento hacíamos un pequeño playlist con sus mejores canciones). Sin embargo, Hal David también trabajó antes y después de conocerle con otros autores, como Albert Hammond (‘To All The Girls I’ve Loved Before’ de Julio Iglesias y Willie Nelson) o en bandas sonoras y musicales. Este mes de mayo Hal no pudo acudir, por enfermedad, junto a Burt Bacharach a recoger el premio Gershwin, que por primera vez se entregaba a un tándem de dos autores. Pero da igual. Ya había tenido otros reconocimientos y se había dejado ver públicamente con Burt hace pocos años. Hasta cantó. Quedémonos con esa imagen.

Prince anuncia residencia en Chicago

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Hace tiempo que no esperamos al artista toda la vida conocido como Prince en directo por nuestro país a pesar de los rumores que surgen de vez en cuando. Lo seguro es que el artista tendrá una residencia en Chicago en el Union Center de la ciudad a partir del 24 de septiembre. Se desconoce durante cuánto tiempo. Si os pilla cerca, el día 6 de septiembre salen las entradas a la venta. Será la primera vez que actúe en la ciudad en 8 años, así que no es moco de pavo.