No es casual que Lee Fields haya titulado su nuevo disco con los magníficos The Expressions ‘Faithful Man’. Este cantante de mirada penetrante lleva en la música –con sus idas y venidas- más de cuatro décadas. A pesar del tiempo, Lee nunca ha dado la espalda a géneros como el funk, el R&B y el sonido clásico de la Motown. Ahora que los sonidos negros viven un nuevo revival, el artista proclama a los cuatro vientos que es un “hombre fiel” con un disco tan disfrutable para los que se acercan al soul por primera vez como para los que llevan toda la vida deleitándose con la música del alma.
En la década de los 70, Lee Fields era conocido como Little JB por su parecido con James Brown. Las cosas parecen haber cambiado. Hoy en día, y como ya dejó claro en el anterior ‘My World’, hace suyo el soul más desgarrador con un trabajo en el que nos recuerda que no quiere parecerse a nadie. Se trata de su segunda referencia en el sello Truth & Soul, creado en 2004 para recuperar la esencia original de este género. En él, vuelve a estar acompañado de The Expressions, que también han trabajado con Aloe Blacc, Adele, Ghostafe Killah o Jay-Z.
El álbum supone la enésima interpretación de lo que, en pocas palabras, significa vivir. Historias de amor y de relaciones extramaritales se intercalan en este LP en el que la voz rasgada de Lee Fields nos recuerda que para disfrutar también hay que sufrir (‘I Wish You Were Here’). En ‘Faithful Man’, un coro de voces femeninas respaldan la cara más vulnerable del artista, que no duda en reconocer sus debilidades («siempre he sido un hombre fiel hasta que apareciste»). Pensar en Marvin Gaye es inevitable. En ‘You’re The Kind Of Girl’, sin embargo, invade un cierto toque de chanson al comienzo de la pista. Para finalizar, la magistral ‘Walk On Thru That Door’. Cuando piensas que el cantante va a sorprendernos con algún grito al estilo de Eli “Paperboy” Reed’, él usa -que no abusa- de los arreglos orquestales para suplir el silencio. Magnífico.
Os recordamos que Lee Fields junto a The Expressions actuará este sábado en el Azkena Rock Festival y la semana que viene en la Sala Apolo de Barcelona y el Día de la Música en Madrid.
Calificación: 7,8/10 Lo mejor: ‘Faithful Man’, ‘Walk On Thru That Door’, ‘I Still Got It’ Te gustará si te gusta: el soul, Charles Bradley, Marvin Gaye Escúchalo: Spotify
Los donostiarras Thee Brandy Hips continúan con la gira de presentación de su álbum ‘Raincoat‘. Este sábado 16 de junio pasan por la sala Nasti de Madrid para dar cuenta de ello compartiendo escenario con los madrileños Cohete. Hemos charlado con Asier Martín, bajista y voz principal de la banda, sobre el momento en el que se encuentran, sus influencias, lo que supone la autogestión y la relación entre ellos más allá de Thee Brandy Hips. En las próximas semanas actuarán en varios festivales como el ICO de Huesca, Embassa’t Festival de Sabadell, Big Festival de Biarritz, el FIB y el DKastle Festival de Vitoria-Gasteiz. Para más detalles sobre la gira podéis consultar su web.
¿Qué creéis que es lo más significativo que separa a ‘Raincoat’ de ‘We Are Love’? ¿Cómo veis la evolución de vuestro sonido? ¿Habéis cambiado como grupo?
Bueno, básicamente ‘Raincoat’ es mucho más pop. En ‘We Are Love’ los desarrollos eran algo barrocos, así que la sensación general era algo difusa. En ‘Raincoat’ hemos intentado hacer canciones directas y sin rodeos para tocarlas como si fuésemos a perder el autobús. Claramente hemos cambiado, sí.
¿Qué os llevó a trabajar con Jon Aguirrezabalaga y Xabier Egia de We Are Standard?
Nos conocíamos de antes. Ellos iban a inaugurar el estudio tan chulo que se han montado, El Tigre, y querían un grupo que les hiciese gracia. Nosotros buscábamos alguien con quien grabar. Bastaron un par de charlas para ver que buscábamos algo parecido. Jon nos propuso unos 2000 cambios y el 98% funcionaron, así que todo fue bastante rodado.
Os habéis autoeditado el disco y actualmente gestionáis todo desde Young Hipster Records, vuestro propio sello. Las dificultades de llevar todo el proceso de creación del álbum, su distribución y venta, negociar las condiciones de los conciertos, etc… debe de resultar una labor agotadora. ¿Qué creéis que cambiaría si se encargara una agencia? ¿La autogestión mató a la estrella del pop?
La verdad es que no lo sé, básicamente hacemos lo que nos da la gana así que no nos podemos quejar. Tenemos amigos que están en sellos y tampoco debe de ser la panacea. Claro que nos gustaría que alguien nos ayudase y nos quitase un poco de trabajo pero tampoco sé si estaríamos cómodos cediendo en ciertos temas. Quizá se echa en falta cierto aire de comunidad y camaradería que suponemos que surge cuando compartes sello, rollo Famèlic o Discos Humeantes. Al fin y al cabo, siempre hemos ido a nuestro aire. De todas formas hay muchísimos grupos autogestionándose, así que creo que podemos quitarnos ya la vitola de sufridos outsiders.
Siendo una banda pop de San Sebastián, ¿creéis que algo os toca del llamado «sonido Donosti» o pensáis que esa herencia no os corresponde?
Bueno, a mí particularmente sí. Hace poco me explicaron que la etiqueta «Donosti Sound» originalmente se utilizó para UHF, el grupo de Rafa Berrio, del que somos bastante fans, y algún otro de aquella generación. Supongo que no es ni de lejos lo que más nos ha influido, pero aun así tengo una especie de orgullo de patria chica con La Buena Vida o Family.
¿Quiénes sois los autores de las canciones? ¿Cómo decidís el sonido final? ¿Qué diferencias veis entre vuestros directos y el trabajo de estudio?
En realidad lo principal para mí es que las canciones queden bien registradas, tal y como yo me las imagino. En el directo simplemente intentamos defender lo que hacemos de la mejor forma posible. En el tema compositivo somos bastante anárquicos y creo que es mejor así. No me gusta la idea de seguir un proceso fijo en plan producción en cadena para hacer canciones como churros, pero hemos acabado siguiendo unos pequeños pasos que parecen asegurar el hit: Uno trae una idea vagamente desarrollada, un segundo trata de aportar con escaso éxito, otros dos miran al suelo y de esos dos uno invariablemente persiste en sacar (torpemente) el riff de ‘Enola Gay’ de OMD, y el último mira Twitter. Nah, es coña. Discutimos muchísimo, y se podría decir que desarrollamos las canciones entre todos, aunque sería más exacto expresarlo en negativo: las ideas que pasan el filtro de los cinco son las que acaban saliendo. Es así de injusto. Luego los desorbitantes cheques de la SGAE llegan en 5 partes iguales, claro.
Hoy en día, donde todo producto está sobre-etiquetado, ¿con qué denominación os sentís más cómodos? ¿Creéis que es necesaria esta constante clasificación de géneros?
Cuando me preguntan digo que hacemos pop de guitarras o power-pop. Supongo que hay tantos grupos que hace falta separarlos por detalles nimios, así queda todo más ordenadito.
¿Por qué elegisteis ‘Dissolve Your Love In Water’ como primer avance de vuestro álbum?
Bueno, la idea era enseñar algo chocante, algo que no nos pegase. El concepto era destrozar una canción 50’s utilizando frases de guitarra a lo ‘Bandwagonesque’ de TFC, y separarnos mucho de lo que habíamos sacado antes.
¿Planeáis grabar más vídeos? ¿Cómo fue la experiencia con ‘In My Room’ o ‘Cynicism’?
Creo que nos dejamos el presupuesto en Dixan después de grabar el último, fue en un campo de barro a 0 grados y con aguanieve así que ahora soy el doble de pies de Juanito Oyarzabal.
En vuestras canciones queda patente una clara influencia del pop de hace varias décadas. Grabasteis para Dod Magazine el tema ‘98.6’ de Keith que en castellano popularizaron Los Ángeles. ¿Qué peso real creéis que tiene el pop de los 60 en vuestras canciones?
A mí siempre me han impactado mucho los grupos de muchas voces. Generalmente por cada pista de voz grabo otras seis de coros. Supongo que Brian Wilson tiene gran parte de la culpa, también los Brincos, Los Ángeles y algunos grupos folkies rollo Fairport Convention. El resto de elementos me llama más a los primeros 90 la verdad.
¿Quedo como una loca si os digo que cada vez que empieza a sonar vuestra ‘Wayne’ no puedo evitar acordarme de ‘Walking On Sunshine’ de Katrina & The Waves?
Sí.
El título del álbum, ‘Raincoat’, ¿supondría esa barrera emocional que todos deberíamos colocarnos en algún momento para hacer que los problemas “nos resbalen” para poder avanzar? Muchas de las letras de ‘Raincoat’ plantean historias más o menos oscuras donde al final siempre acaba saliendo el sol. ¿Fue algo buscado a la hora de componer, dotarlas de una especie de nexo? ¿O pensáis que simplemente se trata de una constante inherente a la música pop en general?
Ese es el concepto, sí. Estar triste, afrontémoslo, es una actitud infantil y una completa pérdida de tiempo. Aun así es algo universal, y en cierto modo inevitable. Ese es el contraste, las canciones son alegres aunque a veces toquen temas algo deprimentes o sean un pequeño drama algo vergonzoso. Así que de alguna forma relativizan la importancia que tienen y hacen que tomes algo de distancia como para ver que no es para tanto, hablar de tragedias como quien habla del tiempo, vaya. No sé si es inherente al pop, los Smiths por ejemplo lo hacían bastante.
¿Vuestro nombre fue fruto del azar o llegó como algo premeditado? ¿Preferís que con “Hips” se evoque el término “modernetes” o el sustantivo “caderas”? ¿Sabéis lo que significa “Thee”?
Bueno, no evoca ni a una cosa ni a la otra, más bien es una onomatopeya del hipo de alguien ebrio. Nada que ver con el hipsterismo ni chorradas de esas, por otro lado inexistentes en nuestro entorno en 2006, cuando empezábamos. El nombre no tiene mucha historia, una broma que perdió la gracia allá por 2008, y Thee es un préstamo que cogimos de los grupos de garaje (antes meábamos más por esos prados…).
Al estilo de los compuestos “Lina Morgan Freeman” o “Billy Joel Alme” yo a veces pienso en vosotros como “Thee Brandy Hips Don’t Lie” y me imagino a Shakira y Wyclef Jean cantando el ‘Dissolve Your Love In Water’ en modo reggaeton, ¿cómo veis el híbrido? ;)
Confieso que es una gracieta que se me ocurrió tiempo ha y guardé para mi regocijo ante la inquietud de que no tuviese gracia alguna. El mundo lo construyen gentes valientes y decididas como usted.
Cuenta la leyenda que los Brandys compartís algo más que local de ensayo. ¿Cómo es vuestra relación fuera de Thee Brandy Hips?
Bueno, éramos cuadrilla antes que grupo, y lo seguimos siendo, así que casi nunca hay desconexión. Por si fuera poco, compartimos piso, lo cual no ayuda demasiado al grupo y a la relación entre nosotros. Desde fuera puede parecer algo guay y jipilongo en plan ‘Casi Famosos’ pero en realidad es una muerte en vida, no lo hagáis nunca. Aquí se debate todo, y de esta manera lo hacemos todo el tiempo. Después de los Brandy seguramente seamos tertulianos profesionales y pesebreros.
Soléis estar bastante activos por las redes sociales, sobre todo en Twitter. ¿Qué importancia creéis que tiene para una banda -o sus miembros- la presencia y constancia en una plataforma como Twitter?
En realidad no tengo ni idea, supongo que es una herramienta útil pero nosotros lo utilizamos sobre todo para compartir cosas que nos molan o perder el tiempo. Somos más activos en nuestras cuentas particulares que en la del grupo, básicamente.
Este sábado tendrá lugar la presentación de Raincoat en la capital junto a los madrileños Cohete. ¿Habéis preparado algo especial u os lo tomáis como un concierto más? ¿Conocéis el directo de Cohete? ¿Cómo surge compartir escenario con ellos?
Pues somos fans de Cohete desde hace tiempo. Teníamos la fecha pillada para presentar el disco en Madrid, y estuvimos pensando en algún grupo capitalino con el que compartir, y les escribimos. Por otra parte el Nasti me hace mucha ilu porque es mi bar más favorito de Madrid así que seguro que será guay.
Os esperan de aquí al final de julio varios festivales, desde el ICO en Huesca, pasando por el FIB hasta el Big Festival de Biarritz. ¿Creéis que es importante formar parte del cartel de ciertos festivales? ¿Os han llamado o lo habéis buscado vosotros? ¿En cuál os hace más ilusión tocar?
Más allá de los conciertos en sí, o el cachondeo que los rodea, los festivales tienen ese punto de “selección musical” de la que está muy guay formar parte. Por ello, aunque seamos fantasmillas en general, en realidad nos sentimos muy pequeñitos y agradecidos de que nos llamen para festivales.
¿Qué planes tenéis una vez pasen los festivales?
No hacemos planes con tanta antelación.
Metro publica una corta pero interesante entrevista con Tony Bennett en la que habla sobre los consejos que recibió de Frank Sinatra, la comida que le preparaba Ella Fitzgerald o el buen recuerdo que tiene del talento de Amy Winehouse a raíz de su dueto ‘Body & Soul‘. Pero la gran novedad serían las intenciones de volver a grabar con Lady Gaga. «Hace poco estuve con sus padres y me dijeron que ella quería hacer un disco conmigo. A mí me encantaría también. Lo estoy deseando».
La colaboración de Gaga con Tony Bennett de ‘Duets 2’ quedó algo oscurecida por la de Amy, pero ya que la chica sabe cantar y tocar el piano, a todas luces parece el mejor camino que podría tomar después de ‘Born This Way’: algo diferente, relajado y sin las presiones de emular éxitos pasados. ¿No es esta grabación de ‘The Lady Is A Tramp’ lo mejor que ha hecho Germanotta desde ‘Telephone’? Aunque al margen de lo vago de las declaraciones, parece que no irá el asunto por ahí.
A la espera de que lleguen esos conciertos que Blur dará este verano, Damon Albarn ha estrenado lo que se considera una canción nueva del grupo. Así lo cuentan en Consequence of Sound. A pesar de la pobreza de calidad de la grabación, merece la pena compartirla por su carácter completamente «sing-along» hacia el final. ¿Se mantendrá así en el estudio?
Luis Miguélez, conocido por sus labores como guitarrista de Dinarama, miembro de McNamara y coautor del genial ‘Rock Station‘, y de otras formaciones como Glamour to Kill, está muy enfadado con Mario Vaquerizo, el marido de Alaska. La raíz del asunto viene de una entrevista en Nanosónico con Mario en la que este cuenta que Luis Miguélez pudo producir ‘Indicios’ de Carlos Berlanga. «No quiso, y así le va a Luis Miguélez, entre otras cosas».
A pesar de lo escueto del comentario, Miguélez contesta ampliamente en Facebook: «Desde aquí le digo al Sr. Vaquerizo que me bajo el sombrero ante su ironía y sabiduría porque el motivo de no producir el disco de Carlos es que en ese momento estábamos grabando el disco ‘A tutti plein’ con McNamara (…) Y añado, pues así me va. Divinamente, rubia, divina y vivita y coleando por Berlín. Lo más gracioso es que en el año 2012 el Sr. Vaquerizo y su señora tienen que recurrir a una de mis composiciones y producciones, como la canción ‘Boogie Movie’. Y yo te pregunto: «¿por qué lo haces, corazón mío? ¿No tienes talento para componer una canción? De todos modos, a comentarios absurdos, mejor dejarlos en eso: el absurdo… porque torres más altas he visto caer de los tacones!».
Después, en otro mensaje de Facebook, incluye la actuación de Mario Vaquerizo (Nancys Rubias) y Alaska a la que se refiere, junto a otro largo mensaje que incluye cosas como: «¿pero qué es esto? una versión coloreada y mala de una película de Stan Laurel & Oliver Hardy? Porque al nivel de Marilyn Manson o de la familia Adams o de una película de John Waters no llega» o «me critica y a la vez me imita, jajaja».
Os dejamos con uno de los últimos trabajos de Luis Miguélez, ‘Whip Me’.
Algunos conciertos del Sónar, que se está celebrando este fin de semana en Barcelona, serán retransmitidos a través de Youtube. Este es el calendario, que como veis, incluye algunas actuaciones pre-grabadas y otras en directo. El canal es este.
Viernes 15:
21.00 Austra SonarVillage Pre-recorded
22.00 Mouse on Mars SonarHall Pre-recorded
22.50 When Saints go Machine SonarHall Pre-recorded
23.50 Daedelus Archimedes Show SonarHall Pre-recorded
0.40 Peaking Lights SonarComplex Pre-recorded
1.30 Friendly Fires SonarPub Live
2.00 Richie Hawtin SonarClub Live
3.30 Trust SonarComplex Pre-recorded
4.00 Fatboy Slim SonarPub Live
Sábado 16:
21.00 Plapla Pinky SonarComplex Pre-recorded
21.45 Cornelius presents Salyu x Salyu SonarHall Pre-recorded
22.45 Diamond Version + Atsuhiro Ito SonarHall Pre-recorded
23.00 New Order SonarClub Live
0.00 The Roots SonarPub Live
0.30 John Talabot SonarHall Pre-recorded
1.30 Hot Chip SonarPub Live
2.30 Azari & III SonarLab
3.30 Modeselektor SonarPub Live
Javiera Mena no sólo logró una colaboración internacional como la de Jens Lekman para ‘Sufrir’, sino que ahora la canción ha sido remezclada por Totally Sincere. Se trata del proyecto formado por Connor Hanwick (batería de The Drums y actualmente también involucrado en The Pains Of Being Pure At Heart) y Peggy Wang (la chica de The Pains Of Being Pure At Heart). El veraniego resultado no tiene casi nada que ver con ninguno de los artistas mencionados.
Os recordamos que Javiera Mena actúa hoy viernes 15 de junio con Hidrogenesse en Madrid.
Habíamos escuchado el primer single del nuevo disco de Yeasayer, ‘Fragrant World’, que saldrá a la venta a finales de agosto. Pero no estábamos preparados para el viaje psicodélico que es en realidad el videoclip de ‘Henrietta’. Descrito por ellos mismos como “una viñeta para tomar drogas”, cuenta con visuales, entre caleidoscópicos y mareantes, obra de Yoshi Sodeoka. Y tras acabar su visionado, si no has tomado drogas, quedarás igual que si lo hubieses hecho.
Si el otro día comentábamos que Nelly Furtado había hecho otro videoclip para su último single, ahora es Avicii quien hace lo mismo. Ya conocíamos el vídeo de ‘Silhouettes’, pero ahora tenemos otra versión. Mucho más cinematográfica que la anterior, se trata de una historia de cambio de sexo con el DJ sueco en el papel de un cocinero en televisión, dando una pista sobre el argumento en una metáfora nada sutil.
Usher presenta videoclip para el otro segundo single de su último disco, ‘Looking 4 Myself’. Si ‘Scream’ es el lado dance, ‘Lemme See’ representa su vertiente más R&B. Acompañado del rapero Rick Ross, el cantante se monta una historia de secuestro, con tatuajes que tienen vida propia y pechos bien descubiertos.
Además, durante su visita a Londres, se pasó por el inevitable programa de la BBC y dejó constancia de su talento como músico haciendo una versión de ‘Pumped Up Kicks’ de Foster The People. Bastante inesperada, por lo diferente de su apuesta y por ver a Usher aporreando la guitarra, como un rockero cualquiera.
A falta de material nuevo, tendremos que conformarnos con esto. Bon Iver publicará la próxima semana un EP en directo que recogerá varias actuaciones y que formará parte de las célebres series de iTunes Sessions. El lanzamiento estará compuesto por 7 temas, incluyendo una versión de ‘Who Is It?’ de Björk que ya pudimos ver y escuchar hace tiempo.
El tracklist del EP será este:
1.-Beth/Rest
2.-Michicant
3.-Holocene
4.-Minnesota, WI
5.-Hinnom, TX
6.-Wash
7.-Who Is It?
Bon Iver estará visitando nuestro país el próximo mes de julio con la inexplicable colaboración de Beth Orton como telonera el 27 de julio en Barcelona. El 22 estará en Bilbao con Sam Amidon.
Os dejamos con una grabación, bastante decente, de la versión del tema de Björk que el grupo interpretó en directo el pasado verano.
nudozurdo actúan este sábado 16 de junio en el Ocho y Medio de Madrid, presentando un nuevo EP que supone su regreso tras el parón de la gira de ‘Tara motor hembra’. JENESAISPOP regala cinco entradas individuales a los primeros que escriban un mail a jenesaispop(k)gmail.com indicando su nombre y apellidos. Puedes escuchar su último single, ‘Chico promo’, aquí.
En los primeros 80, el funk y el disco ya no eran patrimonio de los negros y muchas bandas blancas lo usaban como aderezo en propuestas más o menos arriesgadas que dieron origen a la new wave y a su lado oscuro, la no wave neoyorquina. Bandas como Liquid Liquid, The Flying Lizards, The Waitresses, James Chance & The Contortions, Tom Tom Club o ESG (estas sí eran negras) se salían por la tangente o hacían directos temas pop, pero siempre con las hoy clásicas escalas de bajo funky. El grupo de Brooklyn Friends se erige en su debut ‘Manifest!’ en heredero de aquellos grupos, solo que adaptándolos al consumo inmediato del pop de hoy.
Con singles tan directos como ‘Friend Crush’ y ‘I’m His Girl’ (una especie de homenaje a ‘Rapper’s Delight’ de The Sugarhill Gang) alborotaron lo bastante como para que la prensa musical los expusiera como uno de los hypes de este 2012 a seguir de cerca. Así, el quinteto comandado por la voz de Samantha Urbani tenía muchas cosas que demostrar en ‘Manifest!’, cuyo single ‘Mind Control’ resultaba convincente, aunque menos inmediato que los previos. Con desiguales pinceladas de R&B (‘A Thing Like This’), afro-indie (‘Sorry’, ‘Stay Dreaming’), disco (‘Ideas On Ghosts’), no-wave (‘Ruins’) y punk-funk (‘Va Fan Gör Du’), el álbum redunda en esa recuperación del funk como preciado objeto de baile.
Lo mejor de ‘Manifest!’ es que los ya mencionados singles siguen casi tan frescos como el primer día que los escuchas, y que cortes como ‘Sorry’ o ‘Home’ son muy resultones, pero eso no logra maquillar sus faltas. La secuenciación es bastante mala, logrando que sus menos de cuarenta minutos se hagan largos, y con la peor ubicación para un single ever: ‘Mind Control’ es el último tema. Además, hay varios cortes a los que parece que les falta un hervor más, un gancho que convenza definitivamente. Así ocurre con ‘Ideas On Ghosts’, que podría ser un temazo memorable de tener un estribillo en condiciones, o ‘Proud/Ashamed’, claramente el tema más flojo de un disco que termina por resultar más aburrido de lo que intuíamos por su entretenido directo. ‘Manifest!’ se queda así a medio camino de todo: ni apuestan por hacer hits rotundos, ni por el lado transgresor de la escena neoyorquina de hace tres décadas, a la que tanto recuerdan. Así, existiendo hoy día bandas como Twin Sister o YACHT, no parece que Friends vayan a conseguir su relevancia.
Calificación: 5,8/10 Lo mejor: ‘I’m His Girl’, ‘Friend Crush’, ‘Mind Control’. Te gustará si te gusta: Twin Sister, Yacht, ESG. Escúchalo: Spotify
Rafael Berrio es probablemente uno de los autores más interesantes que ha dado el pop del País Vasco. Pionero del original «Donosti Sound» con UHF, continuó su carrera con los proyectos Amor a Traición y Deriva. La gran sorpresa llega con ‘1971‘, un álbum conmovedor e impecable con el que muchos realmente lo descubrimos, esta vez bajo el nombre de Rafael Berrio. Actualmente se encuentra en plena grabación de un nuevo álbum con la dirección técnica de Jose María Rosillo y con la inestimable colaboración de Joserra Senperena (que ha trabajado con La Buena Vida, Duncan Dhu, Jabier Muguruza o Alondra Bentley por citar algunos de la interminable lista de nombres). Se prevé su salida para finales de este año o principios del que viene. Además, acaba de arrancar junto a Maite Arroitajauregi de Mursego el proyecto ‘Phantasma’, una delicatessen de textos musicados (o canciones recitadas, según se quiera ver) con una puesta en escena de gran peso visual.
Errante, bohemio, amigo de sus amigos, humilde, apasionado, cercano y gran conversador es como se muestra Rafael Berrio en la charla que mantuvimos con él recién terminada su jornada de grabación. Charlamos sobre sus influencias, sobre su nuevo disco, su trayectoria y sobre aquella explosión pop a finales de los 70 y primeros 80 que se dio en San Sebastián y posiblemente cambiara el rumbo de lo que más tarde se convertiría en uno de los más importantes referentes musicales para muchos de nosotros. Hoy viernes 15 de junio tenemos una nueva oportunidad para disfrutar de su directo. Estará actuando en el Rincón del Arte Nuevo a las 22:00h, en la castiza calle Segovia de Madrid.
Te pillamos recién salido del estudio ¿cómo va la grabación del nuevo disco, de nuevo con Joserra Senperena?
Rafael Berrio: «Llevamos 3 días, estamos todavía en la primera fase. Tenemos 11 canciones nuevas que van a ser muy potentes.»
¿No llevas más canciones para descartarlas luego?
RB: «No, no, lo llevo siempre todo muy cerrado. Ufff… eso de componer 20 canciones es un disparate, me cuesta un montón.»
Y además con esa intensidad…
RB: «Razón de más. Si canciones puedes hacer con cuatro acordes, pero yo es que soy muy maniático…»
Háblanos de esas nuevas canciones.
RB: «‘La alegría de vivir’ está incorporada en el repertorio en directo desde hace tiempo. Hay 2 canciones que ya las tenía con el disco de ‘1971’, que fueron las últimas en salir y no entraron en el disco. Luego hay una canción que hemos hecho a medias Mikel Erentxun y yo, ‘Sé libre, sé mía’, letra mía y música de Mikel. Y después 8 nuevas. Están todas en la onda de ‘1971’. Este disco lo he hecho más rápido, hasta ahora me llevaba casi 5 años hacer un disco, pero -aun así- creo que éste va a ser definitivo.»
¿Será un disco continuista?
RB: «Sí, pero será quizás más afrancesado. Hay como 4 valses -aunque yo no sabía que eran valses hasta que Joserra Senperena me lo dijo, claro- un poco al estilo de Jacques Brel.»
Eres un gran apasionado de los cantantes franceses, ¿cuáles son tus favoritos?
RB: «Barbara me parece la mejor. Mejor incluso que Brel, que puede acabar siendo muy teatral y engolado. Aznavour también es grandísimo, me encanta. De Gainsbourg, aunque participé en un disco de versiones suyas en euskera, no te creas que conozco tanto su obra. Eso sí, para la próxima vez ya prometo alejarme de esto y hacer un disco de rock.»
Sí, porque en algunos conciertos te hemos visto hacer algunas versiones más rock de las canciones de ‘1971’…
RB: «Al principio lo presenté en formato trío, más próximo al sonido del disco, con piano, viola y guitarra, pero últimamente estoy girando solo en plan cantautor, que es muy cómodo.»
Un formato que te permite recitar, que es algo que te encanta, ¿no?
RB: «Sí, realmente me gusta más que cantar. Precisamente acabo de estrenar en San Sebastián -dos días antes de venir a Madrid- ‘Phantasma’, un proyecto con Maite Arroitajauregi (Mursego) que consta de trece números recitados. Lo presentamos en la última edición del Homeless Festival en un teatro maravilloso de un seminario fantasmagórico. Maite toca la loop station sobre textos recitados, un piano Bontempi de juguete, una melódica y, sobre todo, el chelo y yo la guitarra eléctrica. Todo con unas videoproyecciones con nuestros propios «fantasmas»… bueno no voy a decir más. Es una cosa muy arty, muy neoyorkina.»
¿Vais a mover este proyecto, ‘Phantasma’?
RB: «Sí, esto fue como un preestreno, en otoño queremos girar y, a ser posible, traerlo a Madrid. Eso va a generar un pequeño conflicto con la salida del nuevo disco, pero voy a intentar retrasar un poco el disco para poder salir a girar con ‘Phantasma’.»
¿Y también vais a grabarlo?
RB: «No, es sólo para escenarios, no queremos grabarlo. Es más un espectáculo, diría que de terror… pero es más una misa nihilista que otra cosa.»
Entonces, ¿te consideras más músico o letrista?
RB: «Creo que no conviene ser buen letrista. Cuesta mucho hacer la música, tanto como la letra, y si eres muy buen letrista nadie se acuerda luego de ella. Muchas poesías musicadas no funcionan en absoluto. Jamás diré que hago poesía, hago canciones.»
Pero, por ejemplo, a Leonard Cohen se le considera poeta…
RB: «Ya, pero tiene grandes melodías… Bueno, más que melodías, tiene grandes tonos. Sobre todo es eso, el tono. El caso de Cohen no es el mismo que el de Brassens, más poeta que otra cosa, por ejemplo.»
El cambio a ritmo de vals en ‘Las mujeres de este mundo’ recuerda bastante al Cohen de discos como ‘I’m your man’, ese es el tono al que te refieres, ¿no?
RB: «Sí, ése es un arreglo de Joserra.»
Joserra Senperena: «Y el de ‘Mis Amigos’ es de Rafa. Músicalmente pasan muchas cosas. Como normalmente en el pop a las letras no se le dan importancia por eso llama la atención, pero son las dos cosas.»
RB: «Yo primero hago las letras, pero hasta que no encuentro la música que encaja perfectamente no paro, no me conformo.»
Respecto a letras, es complicado ver una carga referencial tan grande como ‘El amor es una cosa rara’, con los homenajes claros a -entre otros- Miguel Hernández, Gabriela Mistral o Fernando Pessoa.
RB: «Sí, esa canción en concreto es un acertijo de poetas.»
Pero en ‘Mis amigos’ acudes al “spleen” baudeleriano… ¿No te da miedo que cosas como esas se entiendan y se pierda parte de tu universo referencial?
RB: «Me da igual, yo escribo para mis amigos. Esa canción yo la escribí pensando especialmente en Diego Vasallo.»
La mayoría de lectores de esta web sólo conocerán a Diego Vasallo por Duncan Dhu.
RB: «Diego es mi amigo. Tiene una carrera admirable, interesantísima, sabiendo muy bien lo que quiere. Pero Joserra lo conoce de mucho antes y lleva colaborando con él desde hace muchos años. Musicalmente estamos en el mismo tipo de canciones. Nos une el uso de valses, la importancia de las letras… He cantado ‘La vida mata’ de Diego y la siento como mía.»
JS: «Pero yo creo que musicalmente sois muy diferentes, Diego es más sencillo, y, además, sus canciones no tienen ni rastro de humor, es negro como el carbón.»
RB: «Yo creo que sí que se ríe algo de sí mismo, de una cierta decrepitud, una especie de regodeo de la decadencia.»
¿Y el disco de Diego Vasallo con Roger Wolfe?
RB: «Ese disco es una clara influencia para el proyecto de «Phantasma». Cuando yo vi recitar a Roger Wolfe dije: «esto es lo que yo quiero hacer».»
Hablando de gente de la escena de San Sebastián, como Diego Vasallo… A UHF, tu primer grupo a principios de los 80, se le considera Donosti Sound. Para la mayoría de la gente de nuestra generación, Donosti Sound es La Buena Vida, Le Mans…
RB: «Eso es el segundo Donosti Sound, casi con más repercusión. Son cosas distintas aunque no tenemos nada en contra. Yo admiro mucho a Ibon Errazkin desde Aventuras de Kirlian, por ejemplo. Eran muy frescos, como lo que hacíamos nosotros pero en bueno. El primer Donosti Sound coincide con la movida madrileña, la transición y esas «pequeñas movidas» que hubo por toda España. A nosotros nos influenciaba tanto la nueva ola como el punk. La etiqueta la inventó Santi Ugarte (Santi Records) en el 79 u 80.»
¿Y qué pasó con ese movimiento?
RB: «Es un tema delicado. Veníamos de los cantautores protesta vascos y el rock sinfónico, a los que despreciábamos. Nosotros fuimos como un relámpago pop entre eso y el rock radical vasco, que arrasó con todo. Pero nosotros cantábamos en español, llevábamos los pelos de colores, nos perdía la imagen, estábamos en otra movida muy diferente al rock radical, que era más político y a mí particularmente me horrorizaba. Duncan Dhu era una cosa un poco diferente, algo posterior, pero provenía de ese primer Donosti Sound.»
Pero tú eras punk, ¿no?
RB: «Sí, pero no me interesa el punk político del rock radical. Lo más punk que hay para mí es la Velvet. Es mi influencia más importante. En Amor a Traición estábamos especialmente obsesionados con Lou Reed, por ejemplo. Les he visto en directo incluso, en París en el 93… aunque ahora ya no puedo escucharlos, me da una pereza horrible.»
¿Y después, desde UHF hasta ‘1971’?
RB: «Nos hicieron luz de gas. Estuve todos los años 80 en la sombra en locales de ensayo mientras que el rock radical de expandía. En San Sebastián -una isla con respecto a la provincia- siempre se ha hecho pop, pero no se le prestaba atención. O, si se le hacía algo de caso, era desde Madrid. Y me da rabia porque en los 80 monté Amor a Traición y teníamos un repertorio cojonudo.
En el 91 me grabaron mi primer disco, con Amor a Traición y en el 94 saco ‘Una canción de mala muerte’. Sigue llamándose Amor a Traición pero no está el guitarrista. Aquí conozco a Diego Vasallo que financia el disco a través de su discográfica Galerna.
En el 99 grabo ‘Planes de fuga’ bajo el nombre de Deriva, con el sello valenciano Criminal Records. Yo creía que ya tenía por fin una compañía, pero el dueño desapareció para siempre, dejó todas sus cosas, su familia y se esfumó para siempre. Sólo se sabe que está vivo.»
Ya y el disco se llamaba ‘Planes de fuga’…
RB: «No existen copias, es un disco muy raro. Lo produjo mi buen amigo Iñaki de Lucas (productor de La Buena Vida, por ejemplo) que por entonces se había comprado unos aparatos digitales y quería probarlos a toda costa. Así que acabamos haciendo una cosa así con máquinas, samples, efectos con la voz, rollo trance… como electro rock.
Luego ya ‘Harresilanda’ en 2005 y también bajo el nombre de Deriva y con Iñaki de Lucas. Pero ya mucho más orgánico, como un precedente de ‘1971’. Me junto con Joserra Senperena y me anima mucho a componer, haciendo que trabaje de manera más sistematizada. Joserra es un músico de partitura que entiende el lenguaje del rock. En el País Vasco este disco tuvo algo de éxito e hicimos un videoclip de ‘Algo delicado y difícil’. Este disco lo compuse en una caravana.»
¡Una caravana!
RB: «Más o menos, de 2000 a 2005 estuve viviendo en una «mobile home» en mitad de la nada, sin buzón ni nada. La verdad es que me gusta vivir en sitios raros. Antes estuve cuatro años viviendo en un despacho de abogados. Una habitación de oficina con todo eléctrico, con el baño en el pasillo…»
Esas aventuras nos recuerdan a lo que comentaste alguna vez que de provenías de una familia de gitanos vascos…
RB: «Sí, la familia de mi padre eran gitanos vascos, errabundos, y hablaban erromintxela, una especie de mezcla de romaní y euskera. Mi hermano es periodista y estuvo unos años investigando el tema. Mis padres vivían en París, porque en la familia de mi madre emigraron todos allí, pero regresaron cuando nació mi hermano.»
¿Tu hermano se puede considerar tu pigmalión?
RB: «Sí, desde luego. Mi hermano es poeta secreto, que no publica, y escribió algunas letras de Amor a Traición. Ahora no emite ningún juicio, ni bueno ni malo, sobre mi música. Yo creo que no le gusta.»
Y después de ‘Harresilanda’ ya llega ‘1971’, con tu nombre.
RB: «Me lo tomé más en serio gracias a Joserra. Me ha sorprendido que le haya gustado a generaciones posteriores. Me parece muy gracioso que salga en un sitio como JENESAISPOP cuando yo mismo me considero un carroza que no está al día de nada.»
Justamente respecto a tus influencias, ¿nos hemos dejado algo?
RB: «Bob Dylan también me gusta muchísimo. Y me gusta escuchar Radio Clásica. Pero no soy muy de influencias, tengo unas lagunas enormes, escucho muy poquita cosa. Y de unos años a esta parte no escucho nada. Me encanta oír hablar a Joserra Senperena y Diego Vasallo porque siempre están a la última y tienen una cultura musical enorme, de antes y de ahora, pero yo no conozco nada.
Además en mi casa estoy condenado a no escuchar música, estoy escribiendo letras y si pongo música me despisto. Creo que no conviene componer muy influenciado por otras cosas, yo prefiero seguir una línea personal. Y reconozco que si escucho algo muy bueno, me desmoralizo un poco.»
¿Vives profesionalmente de la música?
RB: «¡No! Bueno este año vivo un poco mejor pero yo siempre he sido ama de casa. También es que soy muy sobrio, siempre al borde de la bohemia. Ahora vivo en una buhardilla en San Sebastián que perteneció a mi abuela.»
¿Qué te gusta más componer, grabar o actuar en directo?
RB: «Actuar me trastorna mucho, me da pereza, por lo que no toco casi nada, aunque a veces te lo pasas bien. Grabar me gusta mucho, el sonido, ver cómo se va construyendo un disco. Pero creo que lo más bonito del oficio es estar tú solo en el local de ensayo… es la creación pura. Aunque todo es angustioso, eh.»
Tu disco se ha agotado y tu discográfica Warner no lo reedita ¿cómo ves la industria musical?
RB: «No me parece mal que todo se haya convertido en algo más amateur. Como yo nunca me he sentido músico ni del oficio ni nada… siempre he estado como al margen, me financio mis propios discos y cobro una miseria de Autores. A mí la situación actual me parece lo normal. Entiendo que la gente profesional se queje muchísimo y acusen la crisis pero a mí lo cierto es que no me afecta porque nunca me he dedicado profesionalmente a esto, cosa que -aparte- debe de ser horroroso. La verdad es que yo siempre he compuesto con el único objetivo de impresionar a mujeres y complacer a mis amigos. » Carlos Úbeda y Angèle Leciel
Los amantes de la electrónica, el house y el electropop tienen una cita este fin de semana en la sala Razzmatazz. La nueva edición de This Is Hardcore reúne a nombres consagrados de la electrónica como Boys Noize –que está de celebración con el séptimo aniversario de su sello Boysnoize Records- Breakbot o Para One.
Breakbot y Victor Aime, ambos del sello Ed Banger, nos ofrecerán una muestra de lo que suena en el país vecino. En una de estas fiestas nunca puede faltar el electropop. De eso saben bastante Punks Jump Up con sus remezclas para artistas como Gossip, Lykke Li o Digitalism. Filthy Dukes, Baio (miembro de Vampire Weekend) o Clock Opera harán el resto. Esta es la estupenda ‘1 Out Of 2’ de Breakbot.
Tampoco el sábado 16 habría que perder de vista a Light Asylum, cerca del techno épico y clásico (Yazoo, Ultravox) con voz de barítono. Recientemente ha colaborado con Matias Aguayo. This Is Hardcore se celebra a lo largo de todo este fin de semana en Barcelona.
El mercado del streaming despunta cada vez más, en parte gracias al éxito de algunas plataformas que han llevado a este formato a ser uno de los más populares en la era en la que todo lo hacemos por Internet. Muchos usuarios ya no se plantean siquiera descargar música, porque la pueden encontrar en la mayor parte de estas plataformas, y con el beneplácito de la industria. Biit es una de las aplicaciones que ha entrado en este juego, con una clara diferencia con respecto a las demás: es de factura española. Tras siete meses de vida y haber alcanzado casi un millón de descargas, la empresa ha decidido remozar la aplicación y abrazar un modelo de negocio diferente: desaparece la publicidad por completo y sus usuarios pasarán a un modelo freemium similar al de otras plataformas del mercado, en el que el servicio es gratuito pero puede mejorarse a cambio de un módico precio. Hablamos con Carlos de Otto, David Cano y Vicente García (Fundador, Director de Contenido y Responsable de Comunicación, respectivamente) sobre el mercado de la música, su industria y el papel del streaming en el presente y futuro de nuestra experiencia musical.
¿Pasa el futuro de la música necesariamente por el streaming?
Existen formas diferentes de disfrutar de la música, y es necesario diferenciar el instrumento del fin en sí mismo. El fin es escuchar música, lo más variada posible y en todo tipo de formatos, y para eso el streaming es un instrumento más. Desde el punto de vista de negocio, no obstante, no se puede salvar un negocio que ha desaparecido, que es el que existía en los ’90. Se vendía mucho de un producto con unos márgenes tremendos, y ahora estamos viviendo un cambio profundo que afecta a todos los aspectos. Un ejemplo son los contratos 360, que incluyen venta de entradas, discos, merchandising… El problema al que nos enfrentamos es que la industria de la música no ve que las plataformas de streaming sean equiparables al nivel de ingresos del formato físico.
¿Y cómo ha sido vuestra relación con las discográficas? ¿Cordial o una tortura?
Para nosotros no deja de ser una relación con un proveedor: ellos nos surten de contenido. Pero esta relación tiene algunas peculiaridades, porque son pocos y están asociados por lo que tienen condiciones de partida con las que hay que jugar. La cuestión es que hay un debate en la calle que se ha complementado con algunos problemas de comunicación que no han hecho sino amplificarlo.
¿Qué es lo más importante para el cliente de Biit desde que se baja la aplicación?
Tener siempre sus temazos. Buscamos que, cuando alguien arranca la aplicación y escucha una canción, las siguientes le satisfagan.
La retirada de la publicidad, ¿viene propiciada por las quejas de los usuarios o porque el usuario está dispuesto a pagar por eliminarla?
La respuesta ideal sería que el usuario está dispuesto a pagar por el servicio, aunque siempre hay otros motivos. Vivir de la publicidad es complicado y encima al usuario le molesta, por lo que pensamos que era mejor no molestar a la mayoría con algo que no gusta, que no se valora.
¿Ha cambiado el modo de consumir música? Al fin y al cabo vuestra aplicación se centra más en canciones que en álbumes completos…
Absolutamente, pero ese es un cambio que lleva en el mercado alrededor de una década. Desde que aparece Napster y la música se digitaliza, la unidad de consumo mínima se convierte en la canción. Aunque esto es nuevo para España, porque en otros países el mercado del single tiene mucho éxito.
Definidme en una palabra el catálogo de Biit.
Ecléctico.
¿Cuál es el proceso que seguís para incluir una canción o un artista?
Tenemos algunas fuentes: desde listas hasta publicaciones de todo tipo, pasando por los charts internacionales. Siempre intentamos ir de lo más nicho o lo más independiente a lo más mainstream, por lo que no podemos olvidar tampoco algunas revistas adolescentes, que pueden llegar a ser parte de nuestro público con potencial. Hay que hacer un trabajo importante a la hora de liberarte de prejuicios, ir más allá del gusto personal, porque algunas canciones sabes que tienen que estar.
¿Y en qué os basáis para crear un canal?
En los géneros que más se consumen, pensando en un público que va desde los 15 hasta los 25-30 años de media (aunque tenemos usuarios de todas las edades). Básicamente intentamos afinar, pero también arriesgarnos un poco de cuando en cuando, que es importante.
¿Hay bandas independientes (en el estricto sentido de la palabra) en Biit?
Sí, claro. Basta con que nos contacten y nos envíen el material en el formato que precisamos. Nos llega de todo, y buscamos que nuestro catálogo sea útil y tenga sentido, por lo que a veces tenemos que hacer una pequeña selección.
¿Y cómo funciona la remuneración de los artistas?
En realidad esta remuneración la gestionan las discográficas, las entidades de gestión y la SGAE. Nosotros pagamos de manera agregada, y en función de los diferentes acuerdos de cada artista con las entidades de gestión y las discográficas, ellos se reparten el total, aunque nosotros desconocemos en qué porcentajes. Nuestro trabajo acaba después de informar de la música que se escucha para pagar acorde con nuestra licencia.
Claro que, si realmente los servicios de música en streaming se instalasen, sustituyendo a todas las demás formas de consumir música y el artista pudiese vivir de eso y de los conciertos, podrían acceder directamente al servicio, o a través de una entidad de gestión, desapareciendo la discográfica. Pero entonces la promoción se la tendrían que hacer otros, porque la realidad es esta: las discográficas siguen jugando un papel importante en el mercado porque son las únicas que siguen apostando por artistas nuevos.
Gracias a Dios, hemos tenido la suerte de ver a Elizabeth Fraser actuar en directo, por ejemplo como acompañante de Massive Attack. Pero ahora la mítica voz de Cocteau Twins ha anunciado el que será su primer concierto desde 1998. Según el NME, presentará nuevo material (sin fecha de edición), así como reinterpretaciones de canciones de Cocteau Twins, el próximo sábado 4 de agosto en Bath Pavillion. Este show será un calentamiento de las dos noches que tiene vendidas en el Royal Albert Hall más adelante en agosto, como parte del festival Meltdown, diseñado por Antony Hegarty.
Como Elephant, como AlunaGeorge, Alpines es un dúo británico mixto que mezcla canciones abiertamente pop y electrónica más o menos actual. En este último caso, Catherine Pockson y Bob Matthews apuestan por la elegancia y la sofisticación como seña de identidad, haciendo brillar la personal voz de ella (cuyos gorgoritos recuerdan claramente a los de Florence Welch) en unas canciones con cierta tendencia a lo épico en las que encontramos esa electrónica ligera y sugerente que The xx hicieron exitosa. En ‘Cocoon’, además, aportaban unos breakbeats que la hacían realmente interesante.
Después de un EP de colaboraciones con productores como Hoax, Dark Sky y Maya Jane Coles, esta misma semana han publicado su nuevo single, ‘Empire’, en el que acentúan con percusiones esa vertiente pomposa y adoptan una imagen neo-étnica entre Niki And The Dove y el folklore búlgaro que, la verdad, no sabemos bien a dónde llevará. De momento no se ha concretado la edición de un álbum de debut que, suponemos, no tardará mucho en llegar.
St Vincent y David Byrne ya habían avanzado que tramaban algo juntos. Ese algo juntos se materializará en forma de disco colaborativo el próximo 11 de septiembre. Se llamará ‘Love This Giant’ y de momento puede descargarse gratis la estupenda ‘Who’, más cerca de él que de ella (melódicamente es bastante Talking Heads, incluso un poco ‘Burning Down The House’), y de algunas producciones de Matthew Herbert Band. No sorprende nada que The Dap-Kings estén también en otra pista, ¿verdad?
Hay gira conjunta en octubre por Estados Unidos, por lo que un San Miguel Primavera Club pegaría mil.
1.-Who
2.-Weekend in the Dust
3.-Dinner For Two
4.-Ice Age
5.-I Am An Ape
6.-The Forest Awakes
7.-I Should Watch TV
8.-Lazarus
9.-Optimist
10.-Lightning
11.-The One Who Broke Your Heart (feat. The Dap-Kings and Antibalas)
12.-Outside of Space & Time
St Vincent actúa el 20 de junio en Barcelona, el 21 en Donosti y el 22 en el Día de la Música en Madrid.
Tras el single ‘Gun Has No Trigger‘, del que se estrenó un vídeo recientemente, Dirty Projectors avanzan otro tema más de su nuevo álbum, ‘Swing Lo Magellan’, a la venta el 9 de julio. Se trata de ‘Dance For You’, un corte menos bailable de lo que avanza su título pero también prometedor en su conjugación de sus típicas guitarras, programaciones electrónicas y unas deliciosas cuerdas que brillan en la segunda mitad de la canción.
Best Coast no se rinden a pesar de que el hype en torno a la banda parece haberse desinflado un poco desde su debut. Su nuevo paso es un vídeo bastante payasete para el tema titular de su último álbum, ‘The Only Place‘. Incluye sandías, cheerleaders, televisores rotos por estrellas del rock y, por supuesto, sol, mucho sol…
En la primera entrevista que concedieron los dos Beastie Boys restantes tras la trágica muerte de Adam Yauch, contaban que Adam había querido grabar semanas antes de su fallecimiento. Es de suponer que ese material algún día verá la luz, pues para eso se grabó. Pero hay más. Mario C, productor del grupo durante los 90, desde ‘Paul’s Boutique’ (1989) hasta ‘Hello Nasty’ (1998), ha concedido una entrevista al NME en la que habla sobre el material inédito correspondiente a aquella época.
«Hay mucho material extra de cada disco aparte de ‘Paul’s Boutique’. De hecho he revisado hace poco algunas cosas que no fueron utilizadas para ‘Hello Nasty’ y definitivamente hay dos o tres pistas que no se utilizaron que podrían ser utilizadas», aclara. Sobre cuándo sería eso, no hay noticia, pero Mario C cree que todavía es «demasiado pronto» y que hay que esperar. No cree que sea en un futuro cercano.
Hace unos días Pet Shop Boys dieron a conocer una de las canciones de ‘Elysium’, el nuevo disco que sacarán en otoño, pero si no te satisfizo, hay esperanza. Según This Is Not Retro, que a su vez cita a la famosa revista Music Week, el dúo editará el primer single verdadero, el día 6 de agosto. Se llamará ‘Winner’. De momento os dejamos de nuevo con ‘Invisible’.
Por increíble que parezca, ‘Liquorice’ es sólo el segundo videoclip de Azealia Banks tras pegar el pelotazo con ‘212’. Pero todo lo que en aquel era sencillez y encanto, en esta ocasión es sofisticación y presupuesto. Rodado por Rankin y con estilismo de Nicola Formichetti, conocido por su trabajo junto a Lady Gaga (Azealia ha roto hace poco de manera amistosa con el mánager que compartían), el clip adopta la estética del western y se llena de banderas de los EE UU y referencias sexuales. A pesar de una Azealia estilizada al máximo y explotando su lado sexy, el clip no alcanza el nivel icónico de su clip de debut. Y eso que unos cuantos planos míticos sueltos tiene.
Os recordamos que Azealia Banks actúa en breve en el Día de la Música de Madrid.
No es casual que Lee Fields haya titulado su nuevo disco con los magníficos The Expressions ‘Faithful Man’. Este cantante de mirada penetrante lleva en la música –con sus idas y venidas- más de cuatro décadas. A pesar del tiempo, Lee nunca ha dado la espalda a géneros como el funk, el R&B y el sonido clásico de la Motown. Ahora que los sonidos negros viven un nuevo revival, el artista proclama a los cuatro vientos que es un “hombre fiel” con un disco tan disfrutable para los que se acercan al soul por primera vez como para los que llevan toda la vida deleitándose con la música del alma.
Los donostiarras Thee Brandy Hips continúan con la gira de presentación de su álbum ‘
Luis Miguélez, conocido por sus labores como guitarrista de Dinarama, miembro de McNamara y coautor del genial ‘
Algunos conciertos del Sónar, que se está celebrando este fin de semana en Barcelona, serán retransmitidos a través de Youtube. Este es el calendario, que como veis, incluye algunas actuaciones pre-grabadas y otras en directo. El canal es 
Si el otro día comentábamos que Nelly Furtado había hecho otro videoclip para su último single, ahora es Avicii quien hace lo mismo. Ya conocíamos el 
En los primeros 80, el funk y el disco ya no eran patrimonio de los negros y muchas bandas blancas lo usaban como aderezo en propuestas más o menos arriesgadas que dieron origen a la new wave y a su lado oscuro, la no wave neoyorquina. Bandas como Liquid Liquid, The Flying Lizards, The Waitresses, James Chance & The Contortions, Tom Tom Club o ESG (estas sí eran negras) se salían por la tangente o hacían directos temas pop, pero siempre con las hoy clásicas escalas de bajo funky. El grupo de Brooklyn 
Rafael Berrio es probablemente uno de los autores más interesantes que ha dado el pop del País Vasco. Pionero del original «Donosti Sound» con UHF, continuó su carrera con los proyectos Amor a Traición y Deriva. La gran sorpresa llega con ‘
El mercado del streaming despunta cada vez más, en parte gracias al éxito de algunas plataformas que han llevado a este formato a ser uno de los más populares en la era en la que todo lo hacemos por Internet. Muchos usuarios ya no se plantean siquiera descargar música, porque la pueden encontrar en la mayor parte de estas plataformas, y con el beneplácito de la industria. Biit es una de las aplicaciones que ha entrado en este juego, con una clara diferencia con respecto a las demás: es de factura española. Tras siete meses de vida y haber alcanzado casi un millón de descargas, la empresa ha decidido remozar la aplicación y abrazar un modelo de negocio diferente: desaparece la publicidad por completo y sus usuarios pasarán a un modelo freemium similar al de otras plataformas del mercado, en el que el servicio es gratuito pero puede mejorarse a cambio de un módico precio. Hablamos con Carlos de Otto, David Cano y Vicente García (Fundador, Director de Contenido y Responsable de Comunicación, respectivamente) sobre el mercado de la música, su industria y el papel del streaming en el presente y futuro de nuestra experiencia musical.
St Vincent y David Byrne 
Tras el single ‘
Best Coast no se rinden a pesar de que el hype en torno a la banda parece haberse desinflado un poco desde 
Por increíble que parezca, ‘Liquorice’ es sólo el segundo videoclip de Azealia Banks tras pegar el pelotazo con ‘