Luz Casal, que acaba de publicar su nuevo disco, ‘Almas Gemelas’, ha sido galardonada con el Premio Nacional de las Músicas Actuales 2013. El jurado que ha votado para premiar a la intérprete ha destacado “la calidez de una voz que se graba en la memoria” y una trayectoria que “ha recorrido un camino fértil que empezó con el rock y que abrazó géneros como las baladas y los boleros, que ensancharon su trayectoria y la de todos y han llegado a públicos diversos y a diferentes generaciones”. Luz, que recibió la noticia del galardón en medio de la promoción de su nuevo trabajo, sigue a Kiko Veneno, galardonado el año pasado y a Santiago Auserón de Radio Futura, el año antes. El premio, valorado en 30.000 euros, lo concede anualmente el Ministerio de Cultura.
Luz Casal, Premio Nacional de las Músicas Actuales 2013
‘Camille Claudel 1915’: la “locura” de Binoche
Como Ingrid Bergman hizo con Rossellini, Juliette Binoche telefoneó a Bruno Dumont (‘L’humanité’, ‘Twentynine Palms’, ‘Hadewijch’) ofreciéndose para trabajar con él (aun sabiendo que no trabaja con actores profesionales). De su relación no ha surgido el amor, como ocurrió con la estrella de Hollywood y el padre del neorrealismo, pero sí la película más atípica del director francés. ¿Un biopic protagonizado por una estrella del cine galo, con un guión de origen literario (el ‘Diario’ de Paul Claudel) y con ambientación “de época”?
Después de ver ‘Camille Claudel 1915’ las dudas se disipan y los signos de interrogación se vuelven de admiración. La película no ha supuesto ninguna concesión a cierta idea de comercialidad o autocensura artística. El director ha llevado tanto al personaje histórico, la escultora Camille Claudel, como a la propia Binoche a su terreno. Ha aprovechado el talento y la disposición de la actriz para conseguir extraer una de sus más intensas interpretaciones (aparece sin maquillaje, muy vulnerable), y se ha servido de su popularidad para, por ejemplo, estrenar por vez primera en España.
‘Camille Claudel 1915’ empieza donde acaba ‘La pasión de Camille Claudel’ (1988), la película que catapultó a la fama a Isabelle Adjani (nominación al Oscar incluida). El filme describe tres días en la vida de la artista dentro de la institución psiquiátrica donde fue confinada. Tres días llenos de ilusión por la futura visita de su hermano, el escritor Paul Claudel, esperanza por la posibilidad de ser liberada, pero también de tristeza y pesar por lo demorado e injusto de su internamiento.
Con su estilo austero y despojado, Dumont logra trasladar al espectador la sensación de desesperación y soledad de la escultora, el espesor y la monotonía del paso del tiempo dentro del sanatorio/convento. En un arranque de genialidad, el director decidió “encerrar” a Juliette Binoche con enfermos mentales reales. Una decisión que aporta verosimilitud a la historia a la vez que funciona como eficaz metáfora sobre el castigo que recibió Camille Claudel: toda una vida encerrada y rodeada de locos por atreverse a exhibir un “temperamento artístico” que no casaba con su condición femenina.
Lo que sí resulta inesperado y, a la postre, fallido, es el cambio que se produce en el último tercio de la película. De repente el protagonismo lo adquiere el hermano de la artista. El peso dramático de la historia, que hasta ese momento estaba sustentado por las miradas -a su alrededor, a los demás internos, al infinito- de los llorosos ojos de la escultora, recae ahora en el verbo severo de Paul Claudel, en su discurso impregnado de fervoroso catolicismo. Un espesor literario –todas las palabras provienen de textos escritos- que ahoga la película hasta el final, hasta -¿es necesario avisar de SPOILER en una película así?- ese desgarrador plano fijo donde, sobre el rostro resignado, vencido, de la escultora, se superpone la explicación escrita de lo que será su futuro. 7,5.
Miqui Puig asesora a «los bebés de la gira» del Primavera Sound
El Primavera Sound Touring Party, que esta quincena recorre varias ciudades de la península, ha publicado el segundo episodio de su ‘Reality’, también situado en los primeros conciertos de Barcelona. Escuchamos a los portugueses Paus hablando sobre su problemática relación con la comida («soy muy snob», dice uno; «odio los calamares», contesta otro), a Svper sobre cómo catalogarían su música, a Headbirds sobre la diferencia entre abrir o cerrar un cartel, o a Miqui Puig hablar sobre cómo ha asesorado a sus protegidos, «los bebés de la gira» (sic) The Free Fall Band, sobre las maldades del rock’n roll. Roces, afters, amigos, novias y calzoncillos salen a colación.
Kelela / CUT 4 ME
De vez en cuando salen discos que te hacen replantearte el uso de los términos “moderno” y “anticuado” en la crítica musical. Uno de esos discos es la mixtape con la que debuta Kelela. ‘CUT 4 ME’ es un cruce de neo-soul y R&B contemporáneo entendido por las mentes más creativas de la música electrónica underground. Es el disco que sacaría Janet Jackson si de repente decidiera ir de moderna y el disco que le hubiera encantado sacar a Rihanna si este año no hubiese decidido no sacar nada.
Tomado con un poco de seriedad, ‘CUT 4 ME’ es bastante tremendo. Los beats no son profundos sino muy profundos, los voluptuosos ritmos erupcionan a cada segundo y son de una agresividad y un enfoque electrónico inéditos en el R&B actual, y las producciones en general, a cargo únicamente de artistas del sello Fade to Mind, son extremadamente dinámicas y refrescantes. Luego está Kelela y su vaporosa voz, aterciopelada pero lo suficientemente expresiva como para no terminar dominada por la monstruosidad sónica del álbum. Kelela suena a veces como Erykah Badu, otras como Aaliyah, otras como Janet y otras como Chili de las TLC, pero ninguna de estas cantantes ha sonado nunca como Kelela.
Entre los grandes nombres en los créditos de producción de ‘CUT 4 ME’ se encuentran Kingdom, Jam City, Girl Unit o Nguzunguzu. El primero se ha encargado de dos de las más intensas y sensuales slow jams del disco: ‘Bank Head’ y ‘Send Me Out’, esta última elegantemente impulsada por nostálgicos teclados e interpretada por una Kelela que suena, en una misma canción, a todas esas artistas anteriormente mencionadas. Los hondos ritmos esféricos de la primera flotan como el falsete de la artista y la melodía de la segunda ofrece una pista aproximada de cómo sonaría una quiet storm de Jessie Ware en 2015.
Algunas de las pistas más abrasivas las firman Bok Bok (‘Guns & Synths’) y Nguzunguzu (‘Enemy’) pero la tónica general del álbum, pese al nervio y la variedad de los beats y la deliciosísima profundidad de los bajos, es bastante sosegada. Ahí está ‘Go All Night’, distribuida en el disco en dos pistas (la primera deja con ganas de que continúe porque el fade out entra en la mejor parte), la pulsante ‘Floor Show’ o el tramo final del álbum, con la hermosa ‘Something Else’, pura clase; ‘A Lie’, de delicados ritmos, o esos románticos seis minutos de ‘Cherry Coffee’ con los que cierra el disco.
‘CUT 4 ME’ es una de las sorpresas más agradables que nos ha dado 2013 en el ámbito del R&B, un año en el que el género no ha dejado de revitalizarse con los lanzamientos de Rhye, Jessie Lanza o kwes. Pero el de Kelela, pese a contar con algunos momentos ciertamente poco memorables (‘Keep It Cool’, ‘Do It Again’)‘ es un disco moderno de verdad: no solo actualiza los sonidos del R&B de toda la vida con la cálida compañía melódica del mejor neo-soul, sino que presenta otros nuevos seguramente ya en los post-its de “música para copiar” de Rihanna y Beyoncé. ¿Veremos el debut oficial de Kelela, en estos momentos gestándose, coronando las listas como merece?
Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Enemy’, ‘Bank Head’, ‘Send Me Out’, ‘Something Else’
Te gustará si te gusta: Aaliyah, Erykah Badu, TLC
Escúchalo: Deezer
Visita a la mansión tenebrosa de QOTSA
‘…Like A Clockwork‘, el exitoso reciente trabajo de Queens Of The Stone Age, sigue teniendo vida. El grupo de Josh Homme lanza como single la balada ‘The Vampyre Of Time And Memory’, que se hace acompañar de un curioso complemento audivisual. Dirigido por Kii Arens y Jason Trucco, nos lleva a una web que nos introduce en una mansión lúgubre en la que podemos visualizar diferentes interpretaciones de la canción, algunas de ellas llevadas a cabo por el propio grupo (una, entre fieras disecadas; otra, ante un fondo escrupulosamente blanco) y otra por una extraña mujer, de aspecto lúgubre y vampírico, y su curioso séquito. Dentro de la «mansión», podemos movernos al gusto mientras escuchamos la canción, leemos la letra o compramos el álbum en iTunes. Por supuesto, también hay una «versión del director» a modo de clip oficial, que mezcla imágenes de las escenas mencionadas.
Reedición de ‘Música moderna’ de El Zurdo
LaFonoteca informa de la reedición del libro ‘Música moderna’ escrito por Fernando Márquez «El Zurdo» junto a Libros Walden. El prólogo será de José Manuel Costa. El libro se presentará con un coloquio el 19 de diciembre en La Fábrica y un concierto acústico el 20 de diciembre en el Siroco (entrada sin libro, 6 euros; con libro, 12 euros). El show correrá a cargo, lógicamente, de La Ruleta China, el proyecto nuevo de Márquez.
Publicado por primera vez en 1981, el libro habla de la creación de grupos como Zombies, Kaka de Luxe, Radio Futura, Las Chinas, Tequila o Los Elegantes, así como del contexto en el que se desarrolló esta nueva ola desde el punto de vista de uno de sus protagonistas.
José Manuel Costa escribe en el prólogo: «Música Moderna es la visión de un músico, de un protagonista principal y eso le sitúa en un nivel de conversación al que ningún crítico o radiofonista, por muy cercano que estuviera, podía acceder. Esa mirada del artista como cronista no existe en ninguna parte y menos describiendo una fase tan temprana en la evolución del sujeto: la Nueva Ola. El Zurdo describía desde el absoluto presente un breve pasado que tendría un futuro igualmente efímero».
Se incluirán también fotografías de dos grandes cronistas visuales de la época: Miguel Trillo y Javier Senovilla, que ceden varias de sus instantáneas, algunas inéditas, para reflejar en imágenes la efervescencia que describe Fernando Márquez en las páginas del libro.
Xiu Xiu anuncian nuevo disco de material inédito
‘Nina‘, disco tributo a Nina Simone, no es lo único que planean lanzar próximamente Xiu Xiu. La banda ha anunciado el lanzamiento de un nuevo disco de material inédito para el año que viene titulado ‘Angel Guts: Red Classroom’, en referencia a la película erótica japonesa del mismo nombre estrenada en 1979. La nota de prensa explica que con este disco Xiu Xiu comienzan su «descenso hacia la negritud más profunda e insoportable» y lo describe como «el sonido de la muerte de Xiu Xiu». La nota continúa con que «la temática del material -sexo racial, suicidio doble, doble penetración, delincuencia, miedo al daño físico- es inadecuada para la debilidad del corazón, pero cuando el corazón deja de latir lo único que queda para continuar es el alma». ‘Angel Guts: Red Classroom’ sale a la venta el 4 de febrero vía Polyvinyl y viene presentado por la inquietante y agresiva ‘Stupid in the Dark’.
01 Angel Guts:
02 Archie’s Fades
03 Stupid in the Dark
04 Lawrence Liquors
05 Black Dick
06 New Life Immigration
07 EL Naco
08 Adult Friends
09 The Silver Platter
10 Bitter Melon
11 A Knife in the Sun
12 Cinthya’s Unisex
13 Botanica de Los Angeles
14 :Red Classroom
‘ARTPOP’, el corto (o la mina de gif’s)
Lady Gaga ha subido a su canal de Youtube una serie de imágenes acompañando al tema que titula su nuevo álbum, ‘ARTPOP’. Las imágenes, dirigidas por Inez & Vinoodh, son las que están definiendo estéticamente esta era: portadas de singles promocionales, imágenes promocionales, etcétera.
Carne de gif’s aparte, Gaga ha escrito una serie de tweets en los que acusa a los medios de no apoyar la música y de basarse en el odio. Eso ha incluido una cita a Billboard. Desde el portal han contestado que todo lo que le han mostrado a la artista es «amor», al tiempo que la han invitado a hablar de ello fuera de Twitter.
Or maybe thats what entertainment is now. It's more fun to point & laugh than appreciate the artist. I'll keep rehearsing my steps #showbiz
— Lady Gaga (@ladygaga) November 20, 2013
@ladygaga We got nothin' but love for you & all who dare to create. Would love to talk soon, maybe at more than 140 characters? –@bwerde
— Billboard (@billboard) November 20, 2013
Backstreet Boys, descamisados en la oscuridad
Backstreet Boys, próximamente en España, presentan nuevo vídeo para uno de los temas contenidos en su último disco, ‘In A World Like This’. Se trata del medio tiempo ‘Show ‘Em (What You’re Made Of)’, en cuyo clip podemos ver a los cinco miembros del grupo en la oscuridad interpretando la canción. Si pensabais pasar de hacer click que sepáis que algunos salen descamisados. O viceversa.
Sufjan Stevens, ahora contra los «adolescentes hipersexualizados»
Sufjan Stevens sigue publicando extraños comunicados en su Tumblr. La última víctima no ha sido Miley Cyrus -ya lo fue– sino Justin Bieber, aunque más o menos. Stevens utiliza el último single de Justin Bieber junto a R. Kelly, ‘PYD‘, para hacer una serie de llamamientos contra los «adolescentes hipersexualizados» que utilizan, entre otras cosas, «abreviaciones sexuales que suenan como la palabra «pubertad» y a los que, al parecer, Stevens responsabiliza por el nacimiento de un nuevo género llamado «pop ninfómano». Puedes leer el extraño texto aquí. Él, mientras, se va a leer unos salmos.
The National, entre las masas
The National han visitado esta noche Madrid por primera vez en ocho años. Ocho años que han sido fundamentales para su desarrollo como grupo y que les han llevado a un escenario muy distinto a aquel Moby Dick en el que actuaron frente a unas 50 personas. Pero ahora la banda tenía que entretener a alrededor de 4.500 en el Palacio Vistalegre (pista agotada y medio graderío abierto y completo) y lo cierto es que han aprendido unos cuantos trucos para ello, siempre sin recurrir a la caspa de arengar al público hasta el hartazgo.
El más visible desde el primer momento, pero también menos importante al final de la noche, eran las grandes proyecciones, un mero acompañamiento de sombras y colores que rara vez enriquecía la puesta en escena, y que servía más que nada para sustituir planos claros de un grupo que ha resultado siempre sombrío y huidizo, poco amigo probablemente de ser reconocido por la calle. El segundo es el innegable carisma de un Matt Berninger que consigue resultar muy expresivo incluso en la lejanía, sin el retrato de las pantallas y sin apoyarse en ningún instrumento, simplemente a través de su lenguaje corporal, su manera de arrastrarse por el escenario y su voz, bastante capaz de transmitir sus incontables emociones salvo en algún momento de descontrol y exceso. Y el más importante ha sido la habilidad para disponer su repertorio de manera que quedaba muy disimulada la ausencia de macrohits. Y ojo, ‘Bloodbuzz Ohio’ fue número 1 en la lista de mejores canciones de 2010 de esta misma casa, pero no olvidemos que estamos hablando de medio llenar un estadio que, por poner un ejemplo, ha visto actuar a los multiplatino -varias veces- Depeche Mode.
Tras dos obligadas canciones de ‘Trouble Will Find Me‘, su último disco (‘Don’t Swallow the Cap’ y ‘I Should Live in Salt’), han sido capaces de desprenderse en los primeros 20 minutos de concierto de tres de sus mejores bazas seguidas: ‘Mistaken for Strangers’, no tan habitual de su setlist como pudiera parecer; la mencionada ‘Bloodbuzz Ohio’ y el reciente single ‘Demons’. A continuación han seguido recuperando su nuevo álbum a través de contrastes, de la agresividad de ‘Sea of Love’ a la intimidad de ‘Slipped’… para volver a pisar sobre seguro con otra de las grandes, ‘Afraid of Everyone’.
Así se ha desarrollado el concierto, dejando momentos fieros como un ‘Abel’ demasiado desgañitado, frente a otros más comedidos y más acertados y disfrutables en sus matices, como ‘Sorrow’. El quinteto se convierte en septeto con un par de músicos a los metales en directo y su trabajo en los medios tiempos o llevando de una canción a otra (como sucedía entre ‘Mistaken for Strangers’ y ‘Bloodbuzz Ohio’) es mucho más apreciable. Para agradecer a esos músicos extra han sido precisamente las pocas palabras que ha pronunciado Matt Berninger entre canción y canción, además de para el equipo que le acompaña en esta gira, muy atractivo (en inglés) y «guapo» (en castellano).
Sus energías, las verdaderas, parecían reservadas para el final. Tras un intenso cierre con ‘Graceless’, ‘About Today’ y ‘Fake Empire’ -se dice rápido, pasó más pronto todavía-, el grupo vuelve para interpretar cuatro canciones más y las tres últimas son fundamentales: una ‘Mr November’ en la que Matt logró llegar, a través de los laterales, al mismísimo centro de la pista rodeado de gente y mareas humanas; una ‘Terrible Love’ en la que repitió hazaña de nuevo micro en mano; y una ‘Vanderlyle Crybaby Geeks’ casi completamente desenchufada. Fue el último de los trucos para volver a casa como auténticos campeones: un cierre acústico con la participación popular, pero espontánea. Allí no se oyó ni un «sing it!». Está claro que la elegancia no se puede comprar. 8.
Connan Mockasin, al acecho
Daniel Bereton ha dirigido el nuevo videoclip de Connan Mockasin para uno de los temas incluidos en su último disco, el estupendo ‘Caramel‘. En la inquietante aunque pegadiza ‘I’m That Man That Will Find You’ podemos ver a Mockasin acechando a una hermosa mujer o dándose un buen baño en un jacuzzi. Como la canción a la que acompaña, el clip se apropia de la estética ochentera para elaborar algo extraño y un poco twinpeaksiano.
Dodos y las manzanas vivientes
Dodos sacaron disco nuevo el pasado mes de agosto, ‘Carrier’, que presentaron con un videoclip para ‘Confidence‘. Ahora le llega el turno a ‘Transformer’, la pista que abre el quinto álbum de la banda de San Francisco. Ilustrado y dirigido por Spencer Hicks, en este nuevo vídeo animado podemos observar la rutinaria vida de un hombre soltero y su perro. La sucesión de acontecimientos es tan sorprendente como surrealista, pero os adelantamos que salen unas manzanas caníbales vivientes bailando en una fiesta.
Colorido «teaser» para lo nuevo de Liars
Últimamente Liars han estado publicando en sus cuentas de Twitter e Instagram unos extraños vídeos en los que aparecían un montón de hilos de colores moviéndose al son de unos ritmos electrónicos. El último, sin embargo, es más revelador: según se puede leer en el «teaser» la banda neoyorquina estaría de vuelta con nuevo disco tan pronto como en marzo del año que viene. Un trabajo desde luego esperado con ganas tras el formidable ‘WIXIW‘.
Repunte de ‘Querido Tommy’, antepenúltimo viral de moda
Tommy Torres, portorriqueño que ha compuesto y producido a artistas como Ricky Martin, Paulina Rubio, Chambao, Julieta Venegas o Alejandro Sanz, es el protagonista del viral de moda en internet. La historia, edulcorada hasta límites insospechados, comienza cuando el novio de una fan del artista le envía un mensaje para pedirle sus servicios, cual Cyrano de Bergerac, para que le ayude a conquistar el corazón de su amada. Tras un primer intento, el joven, de nombre Paco, le escribe otra carta insistiendo sobre el tema. El artista, que debía de estar muy aburrido o realmente conmovido por la historia, le ha compuesto un tema al chaval convirtiendo sus mensajes en una canción y un videoclip. La jugada le ha salido redonda al artista, el vídeo no ha parado de compartirse repetidamente en todas las redes sociales y ahora mismo cuenta con más de 5 millones y medio de visionados en Youtube.
Últimamente ha habido un repunte de la canción, con la posibilidad de comprar la canción en iTunes y actualmente ronda el top 20 de la tienda digital en España. La cosa tiene un punto de gracia, ¿estaremos ante el comienzo de una nueva moda?
We Are Standard y Oreka TX, juntos en un nuevo single
Continúan las colaboraciones sorprendentes ideadas por la serie Artists Encounters de Red Bull, que hace poco uniera a Los Pilotos y The Suicide of Western Culture. En esta ocasión We Are Standard se han reunido en los Red Bull Studios de Madrid con Oreka TX, conocido dúo de txalapartaris. La txalaparta, como todos los fans de Madonna y Crystal Fighters saben, es un instrumento tradicional vasco de percusión hecho de piedra o madera imposible de ser tocado «con menos de dos personas al unísono». Para perfilar y terminar de dar forma a la creación de este extraño emparejamiento ha estado también en el estudio Alex Ferrer, miembro de la banda Requesters junto a John Talabot y productor de Delorean. El resultado de todo esto ha sido doble: una versión de ‘Something Bigger’ de We Are Standard de su último trabajo, ‘Day‘, y una canción nueva titulada ‘We Are Ready Now’. Ambos temas ya se encuentran disponibles en las plataformas digitales.
Daft Punk, primer platino en España de streaming
A partir de esta semana, Promusicae certificará con los Discos de Oro y Platino a aquellas canciones cuyas escuchas en streaming hayan superado los 4 y 8 millones de reproducciones, respectivamente. Esta decisión, según explica la página en su comunicado, se debe a que en los últimos años el streaming «ha superado con creces el 55% del consumo de música en España», como consecuencia de una más fácil accesibilidad al catálogo musical ofrecido por las páginas de streaming disponibles en España -Spotify, Deezer, Xbox Music y muy pronto Napster- y a la enorme variedad del mismo.
‘Get Lucky’ de Daft Punk, indica Promusicae, es la primera canción que ha logrado un Disco de Platino en España gracias al streaming, mientras que los afortunados por haber logrado un Oro son, entre otros, Passenger, Juan Magan, Pink, Ryan Lewis & Macklemore, Miley Cyrus, Icona Pop o Marc Anthony.
Detenida la persona responsable de filtrar el último de Extremoduro
Un buen día para Extremoduro el de hoy. Tras conocer que su último disco, ‘Para todos los públicos’, ha logrado mantenerse fuerte en el top 2 en España tras haber sido top 1 la semana pasada, se sabe ahora que la persona que lo filtró semanas antes y quien obligó a la banda a adelantar su lanzamiento al 8 de noviembre, ha sido detenida por La Guardia Civil. Responsables del Grupo de Delitos Telemáticos de la Unidad Central Operativa de la Guardia Civil y Promusicae concederán mañana una rueda de prensa en la que informarán más detalladamente sobre este asunto.
Sevilla y el cine X
El cartel que el pintor Miki Leal ha creado para la décima edición del Festival de Sevilla de Cine Europeo ha sido como un presagio. Su diseño está inspirado en la tipografía y en los anuncios artesanales de la mítica Sala X del centro de Sevilla, un edificio casi en ruinas que sorprendentemente conserva su fachada original. El icono no sólo es adecuado por esta naturalidad con la que autores actuales muestran sexo explícito en el cine de salas comerciales, sino también porque estamos hablando de un cine inclasificable, tarea a la que lleva diez años dedicado con sus altibajos este festival de Sevilla, segundo bajo el mando del ex director del Festival de Gijón (por cierto, se pisan algunos días). Las bromas respecto al cartel brotaron durante las galas y su diseño ha sido tan mencionado por el público como una película más, y eso ya da ejemplo de su trascendencia.
Poner las entradas baratas es un recurso tan facilón como eficiente, y aquí es marca de la casa. El precio oscila desde los tres euros para el público general hasta un miserable euro para los estudiantes. La afluencia, por supuesto, ha sido notable, y ya quisiera el cine europeo verse siempre en estas circunstancias. Además, salvo los típicos despistados, casi todos los espectadores sabían a lo que iban y era raro ver a alguien abandonar la sala en mitad de la proyección ni entrar con la película empezada, que además estaba prohibido para desconsuelo de los impuntuales. Había respeto. Y eso que se trata de una programación de 182 películas, con títulos menos llamativos que años anteriores y de las cuales muchas no juegan precisamente con la autocomplacencia de la que se vale el porno. Aquí es habitual encontrarse con un cine incómodo y, en todos los sentidos, de difícil acceso. Así le ocurre a la taiwanesa ‘Stray Dogs‘, de Tsai Ming-Lian, premiada en Venecia, con planos larguísimos que duran unos 15 minutos. Uno de los homenajeados en esta edición, el francés Claude Lanzmann, presentó ‘El tiempo de los injustos‘, un documental sobre el holocausto de 216 minutos de duración. Recordemos que él ya alcanzó su particular cenit con ‘Shoah’ (1985), a la que hay que dedicar varias sentadas: dura diez horas. De hecho, la estrella de los homenajeados fue Léos Carax, protagonista de una retrospectiva sobre su insólita carrera (incluida la erótica ‘Pola X’, de 1999) que además mantuvo un encuentro con su público, donde aclaró que él tampoco puede explicar ‘Holy Motors‘ (2012) y que no hay que empeñarse en encontrarle significado a todo, en particular a lo que él hace, porque no es precisamente ahí donde reside su sentido. Su cine es hipnótico. Por otro lado, se dedicó otra programación a la directora sueca de cine experimental Gunvor Nelson y una panorámica al cine portugués (el año pasado fue al griego). La sección con más éxito suele ser la que selecciona la Academia de Cine Europeo, entidad que desvela los nominados a sus premios en el marco de este festival.
También hay que señalar la apuesta de esta edición por el cine producido en nuestro país con la inclusión de una nueva sección, Resistencias, sobre «cine español en los márgenes» como el que dirige Antonio Hens en ‘La Partida‘, una historia de amor gay interrumpida por Toni Cantó, que interpreta a un entrenador de fútbol que va a Cuba a desahogarse con chaperos. Casi no había espacio del festival que no tuviera alguna presencia de cine español, desde la exposición –anecdótica, por otro lado- hasta la sección oficial, en la que participó ‘10.000 noches en ninguna parte‘ de Ramón Salazar, que vuelve a la dirección tras un periplo de varios años cuyo resultado es una cinta valiente, generosa, con unos actores entregados a la improvisación bajo unas condiciones de rodaje heterodoxas. Incluso la sesión inaugural estaba a cargo de ‘Tres bodas de más’, de un Javier Ruiz Caldera empeñado en acercarse a la comedia norteamericana, y aquí los vínculos con ‘La boda de mi mejor amiga’ (Paul Freig, 2011) y de la factoría Judd Apatow son evidentes y algo forzados.
No hay que olvidarse de la música, que además acompañaba en off al público mientras se acomodaba en sus butacas. La entretenidísima comedia ‘We Are The Best‘, de Lukas Moodysson (que se dio a conocer por ‘Fucking Amal’), habla del punk desde el punto de vista de tres niñas unidas por su odio a las clases de educación física. La cinta belga ‘Alabama Monroe‘ (de Felix Van Groeningen) trata sobre las pasiones de dos entregados a los placeres del country. Y una mención especial merece otro grande: el británico Shane Meadows ha vuelto a firmar una maravilla, esta vez en forma de documental sobre The Stone Roses (‘Made of Stone‘); uno se da cuenta de lo bien hecho que está cuando descubres que le ha gustado a gente que ni siquiera conoce al grupo.
También ha habido tiempo para una programación de conciertos, con una calidad de sonido mejorable. Como los de Hola a todo el mundo, que actuaron en la noche inaugural, o Baths, que nos regaló un espectáculo muy potente, interrumpido en alguna ocasión por un entrañable problema de ardores que no le impidió cumplir sobre las tablas donde defendía su excelente último disco ‘Obsidian‘ con precisión y entusiasmo. La noche de clausura fue para Joaquín Pascual, que estrenó en primicia un nuevo espectáculo acompañado de La Orquesta Descacharrada y de unas imágenes en sincronía recopiladas gracias a una convocatoria en su web. El concierto de este grandísimo talento contó con un público más entregado que numeroso. El resto, que alternaba en la terraza, quizás hubiera preferido una música más bailable, y para eso estaban las fiestas que cerraron todas las jornadas, haciendo estragos en los pases de las nueve de la mañana.
En mi particular ranking de las mejores películas vistas entraría en el top ‘La gran belleza‘ de Paolo Sorrentino: una auténtica fiesta para los sentidos, con personajes, banda sonora y situaciones a la vez bellos y estridentes, declarada ya obra maestra heredera de ‘La dolce vita’ y cuya nominación a los Oscar se da por segura, y puede que no sólo en la categoría extranjera. Pero sin duda esta selección de películas la encabeza ‘El Desconocido del Lago‘. La firma un director francés injustamente tratado en España, Alain Guiraudie, que hasta ahora no ha encontrado distribución en nuestro país para ninguna de sus películas anteriores, todas por cierto interesantísimas (recomiendo su penúltimo trabajo, ‘El rey de la evasión’ de 2009). La película, ganadora del gran premio del festival, está ambientada en una zona de cruising, habla de forma abierta y divertida de los códigos que rigen en el cancaneo y traza un excitante camino a paso ligero que deambula por la comedia, el suspense, el drama y el terror, salpicados por un buen número de secuencias de sexo explícito que, de hecho, fueron objeto de su correspondiente polémica. Pese al anuncio de que la película proyectada tras la clausura sería la ganadora, la elegida fue ‘Alabama Monroe’ (premio del público), y eso levantó sospechas de censura que incluso ha valido una carta de la oposición para aclarar este extremo. La organización lo ha desmentido ya en varias ocasiones, declarando que el cambio se debió a un problema técnico: no se había previsto una copia extra, y la que había estaba destinada a otra sala, por supuesto llena hasta los topes, porque está claro que el cine funciona mejor a bajo precio. Y gracias a este cóctel tan seductor podemos sentir además la reacción de una sala llena y en silencio frente a unas imágenes que, igual que en el porno, se nutren de nuestro voyeurismo.
El palmarés del décimo Festival de Cine Europeo de Sevilla ha sido el siguiente:
Giraldillo de Oro: El desconocido del lago de Alain Guiraudie
Giraldillo de plata: Sacro GRA de Gianfranco Rosi
Mejor director: Tsai Ming-liang por Stray Dogs
Mejor guión: Clio Barnard por The Selfish Giant
Mejor actor: Toni Servillo por La gran belleza
Mejor actriz: Alexandra Finder por The Police Officer’s Wife
Mejor fotografía: Claire Mathon por El desconocido del lago
Premio Jurado Campus US Nuevas Olas: La jungla interior de Juan Barrero
Premio Nuevas Olas no ficción: Costa da Morte de Lois Patiño
Mención Nuevas Olas no ficción: It for others de Duncan Campbell
Premio FIPRESCI a Resistencias: El triste olor de la carne de Cristóbal Arteaga Rozas
Premio Europa Junior: Oggy y las cucharachas de Olivier Jean-Marie
Premio EFA: Alabama Monroe de Felix van Groeningen
Premio Eurimages: La gran belleza de Paolo Sorrentino
Premio Marvin & Wayne: Tin & Tina de Rubin Stein
Premio corto panorama andaluz: No tiene gracia de Carlos Violadé Guerrero
Premio ASECAN oficial: La gran belleza de Paolo Sorrentino
Premio ASECAN mención especial: 10.000 noches en ninguna parte de Ramón Salazar
Premio Ciudad de Sevilla: Claude Lanzmann
Nino Bravo / En libertad by La Casa Azul
Jeff Lynne de la Electric Light Orchestra, Phil Spector o Brian Wilson no han sido los únicos referentes para La Casa Azul: no hay que ser muy listo para darse cuenta de la importancia de la canción española en su discografía. Y no estoy hablando de la rumbita compuesta para la banda sonora de ‘Yo también’, que le valió un Goya a la mejor canción, sino de grandes arreglistas, compositores y directores de orquesta como el recientemente desaparecido Augusto Algueró o José Torregrosa, que trabajaron con gente como Nino Bravo, Marisol, Serrat o Massiel. El mismo Guille Milkyway se está encargando de recordar estos días que uno de los primeros discos que se compró fue ‘Un beso y una flor’ de Nino Bravo y es fácil imaginarle soñando durante años con disponer de sus recursos a la hora de grabar o de cantar.
La vida da vueltas, el pequeño proyecto salido de Elefant cada vez tiene más peticiones internacionales o de majors, y no es del todo una sorpresa que en los últimos meses se haya encargado de realizar este disco para Universal, una recopilación navideña con una docena de canciones de Nino Bravo con un sonido ligeramente más actualizado. La idea ha sido darle a las canciones más cuerpo, con la dificultad técnica que implica apenas haber podido disponer de las pistas vocales de las grabaciones originales de tres de las canciones, e intentar no convertir este álbum en un disco kitsch de remezclas sino respetar el protagonismo vocal del artista, dando sólo pequeños nuevos matices que acerquen su sonido al de 2013.
En algunos casos se han doblado pistas, se han añadido nuevos arreglos de cuerda y viento, pero la idea general de la canción casi siempre se ha respetado. La grandilocuencia de despampanentes orquestas ya estaba ahí, conociendo el trabajo de La Casa Azul no era posiblemente una opción reducirlas o exagerarlas muchísimo más todavía, y su aportación se ha producido sobre todo en las bases rítmicas y en las guitarras, algo que se aprecia perfectamente en las nuevas versiones de ‘Te quiero, te quiero’ o ‘Esa será mi casa’, y también, aisladamente y para nuestro morbo y regocijo, en los coros. ¿Alguien había pensado alguna vez en escuchar a Milkyway haciendo coros a Nino Bravo en ‘¿Quién eres tú?’.
En la búsqueda de un disco coherente, que pudiera ser un disco de estudio de Nino Bravo en 2013, y en función de la disponibilidad técnica, se han evitado algunos éxitos como ‘Libre’, ‘Noelia’ o ‘Un beso y una flor’, pero sí podemos disfrutar de retocadas y elegantes versiones de hits como ‘Te quiero, te quiero’ o la siempre formidable ‘Cartas amarillas’. Y con el permiso del trip-hop de ‘Vete’, las revisiones más libres se ha hecho muy bien en guardarlas para el final, casi como si fueran bonus tracks. ‘América América’ aparece contenida en un reggae que no renuncia a cierta explosión en el estribillo, y ‘En libertad’ es lo que más se podría parecer a una remezcla: su minuto y medio final es lo más identificable como la batidora de La Casa Azul de todo el disco, y llega tan tarde que ya no puede espantar a los escépticos.
En su peor expresión, ‘En libertad’ es un disco menos sorprendente y a la vez por tanto menos necesario de lo que podría esperarse. Pero en su mejor cara, es la fascinante conexión entre dos generaciones: la de los fans de La Casa Azul que con toda seguridad se rendirán ante estas composiciones y producciones tan pasionales; y la de los fans de Nino Bravo, que aún siguen recordándole como el primer día y que tendrán que reconocer que cualquier tiempo pasado no siempre es mejor: también hay talento en la música del siglo XXI.
Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Cartas amarillas’, ‘Esa será mi casa’, ‘América América’, ‘En libertad’
Te gustará si te gusta: la canción por encima de todo
Escúchalo: Deezer
Filtraciones y «lyric video» de Britney Spears
En la última semana, con la salida del nuevo disco de Britney Spears más cerca, no han dejado de producirse filtraciones de temas que irán incluidos en ‘Britney Jean‘. ‘Alien’, que ha producido William Orbit, en una versión inacabada, ha sido una de las últimas en aparecer (y desaparecer casi al mismo tiempo) en internet. Ahora incluso existen fragmentos de varios segundos de todas las canciones, lo que indica que podría ser cuestión de horas que el disco completo encuentre su camino en internet. Mientras su compañía se empeña en retener el disco hasta su salida oficial, han estrenado un “lyric video” del segundo sencillo, la balada que le ha escrito Sia, ‘Perfume’.
Lady Gaga vuelve a perderse el top 1 de álbumes en España
A pesar del éxito de sus singles promocionales por la estrategia de los pre-pedidos de iTunes, que ha llevado al top 1 a ‘Venus‘ y ‘Dope‘ después de que lo lograra ‘Applause’, el álbum nuevo de Lady Gaga, ‘ARTPOP’, ha corrido suerte muy distinta. Stefani parece tener un gafe con Extremoduro en nuestro país y si ‘Born This Way’ no pudo ser top 1 en España por editarse a la vez que el anterior disco de Extremo, esta vez ha sucedido lo mismo. ‘ARTPOP’ es top 3 por detrás de ‘Para todos los públicos’ y también de ‘Cadore 33’, lo nuevo de Sergio Dalma, en realidad entrada directa al número 1 en la nueva tabla.
Los datos internacionales para Lady Gaga son tan buenos como distantes de la era ‘Born This Way’. ‘ARTPOP’ no ha logrado el número 1 en países como Alemania o Australia y aunque sí lo ha logrado en Japón y Reino Unido, y según las primeras previsiones, lo logrará en Estados Unidos en unas horas, las cifras de ventas son entre un 60% y un 70% inferiores a las logradas en la primera semana de ‘Born This Way’. De 215.000 copias se ha pasado a 65.000 en Reino Unido y de 1,1 millones -400.000 de ellas pertenecientes a una promoción de Amazon- a unas 260.000 copias en Estados Unidos en los primeros siete días.
El resto de entradas en España queda así:
4 Alejandro Sanz / La música no se toca en vivo
5 BSO Hoy somos más (Violetta)
6 Abraham Mateo / AM
10 Pavarotti / 50 Greatest Tracks
13 Laura Pausini / 20 Greatest Hits
16 The Beatles / The Beatles On Air. Live at the BBC 2
17 Little Mix / Salute
18 María Dolores Pradera / Gracias a vosotros Vol. II
24 Keane / The Best Of
26 Diana Navarro / La Esencia
34 The Killers / Direct Hits
35 María Dolores Pradera / Direct Hits
40 The Beatles / Live at the BBC The Collection
43 ZPU / Doce lunas
97 Sergio Dalma / Lo mejor de…
Miley Cyrus logra su primer top 1 en singles en España
Unas semanas después de arrasar en el resto del mundo, como es habitual, el éxito de ‘Wrecking Ball’ de Miley Cyrus se asienta en España. El polémico single de la cantante, tras un abrasivo apoyo de las radios, logra al fin llegar al número 1 de la lista de ventas de Promusicae. Se trata, además, del primer número 1 que Miley logra en singles en nuestro país, pues ‘We Can’t Stop’ había sido número 5, ‘Can’t Be Tamed’ número 14 y ‘Party in the USA’ número 32.
En álbumes, ‘Hannah Montana. The Movie’ sí había logrado llegar a la cima en nuestro país, conteniendo temas como ‘The Climb’. El álbum actual, ‘Bangerz‘, que fue número 2 en su semana de salida, pasa su sexta semana en el puesto 19 en España.
Refree quiere hacer «algo para perrear» con Za!
Hoy se ha estrenado el primer episodio de ‘El Reality’ perpetrado por Primavera Sound Touring Party, que contará las experiencias de los grupos durante el tour que realizan durante esta quincena por todo el país y algunas ciudades extranjeras (Francia y Reino Unido). La gira arrancaba el pasado sábado en Barcelona (nuestra crónica, aquí) y este primer episodio se centra precisamente en los tres artistas que tocaron en Barts: Lee Ranaldo, Standstill y Refree.
Al miembro de Sonic Youth le vemos escogiendo entre varias guitarras, con hasta 14 afinaciones diferentes programadas para interpretar todo su repertorio de esta gira; y también hablando de cómo las audiencias se han fragmentado siguiendo a artistas distintos entre sí, a diferencia de lo que pasaba en los tiempos de los Beatles y los Rolling, o incluso Madonna y Nirvana, que lograban mayor unanimidad, según su criterio.
Lee Ranaldo menciona a Refree, quien a su vez habla de su relación con Standstill o baraja componer un reggaeton «para perrear» junto a Za! ante el desafío de la organización de componer una canción por autobús con el título ‘In Live We Trust’, el lema de esta gira. El primer episodio termina con un espontáneo dándolo todo y más durante la interpretación de Standstill de ‘Me gusta tanto’.