The Zombie Kids publicaban el año pasado su disco debut homónimo, y sorprende que hasta hoy no haya llegado el vídeo para uno de los que, con el paso del tiempo, se ha convertido en uno de los singles claros del LP: ‘Fire’, donde Aqeel es el encargado del trabajo vocal.
Ha sido justo ahora cuando los DJs se han encargado de presentar el vídeo que pone imágenes a esta canción, que no es más que un exhaustivo recorrido por algunos de los festivales en los que han tocado últimamente.
Santa Teresa South Pop Sevilla ha anunciado su primera tanda de confirmaciones. El festival se celebrará los días 22 y 23 de marzo en el Teatro Alameda con un total de diez nombres en su cartel, de los que de momento se han dado a conocer cuatro.
Las cuatro bandas son The Primitives, que editan nuevo single la semana que viene, Pegasvs, Exsonvaldés presentando su nuevo álbum ‘Lights’ y Azure Blue, la banda del ex Irene Tobias Isaksson, que recientemente editaba ‘Rule of Thirds’. Los primeros 150 abonos tienen un precio de sólo 20 euros y ya están a la venta.
Con solo un tema, ‘Pilgrim‘, subido a su Soundcloud el pasado otoño, Karen Marie Ørsted, conocida por las iniciales MØ, logró un contrato con Sony para publicar su música en los países escandinavos (en Reino Unido y el resto de Europa lo hará Chess Club). Este tema, producido por Ronni Vindahl, se antojaba como una especie de versión pizpireta y festiva de Lykke Li, con toques jamaicanos a lo Santigold y unos vientos irresistibles.
Hace pocas semanas conocimos ‘Glass’, un nuevo single aun más convincente que el anterior, con una base post-reggaeton enriquecida por un riff de guitarra africanista y un estribillo definitivo. Ahora el lanzamiento es reforzado por un fantástico clip, rodado en un pequeño pueblo de su Dinamarca natal que pretende reflejar la «inquietud y la ansiedad» de una chica joven que quiere hacer cosas en un entorno provinciano y cerrado.
Wild Nothing siguen dando vueltas a ‘Nocturne‘, el disco que sacaron el año pasado y presentarán en el próximo Primavera Sound. La novedad es un vídeo para su canción ‘Only Heather’, que ha sido dirigido por Ryan Reichenfeld y grabado en una sola toma en las calles de Los Ángeles. El actor James Downing camina con una espada clavada, mientras el mundo que le rodea es completamente ajeno a su dolor.
La banda de hardcore (como su propio nombre indica) Pissed Jeans ha publicado esta semana su nuevo álbum, ‘Honeys’, en el sello indie Sub Pop. El disco, que está recibiendo críticas excelentes, se presenta con un divertido vídeo para una de las canciones, ‘Bathroom Laughter’. Está protagonizado por una cocinera televisiva a la que todo sale tan mal que termina resultando una actriz involuntaria de serie Z.
Tras la cancelación forzosa del concierto de Reserva Espiritual de Occidente después de que se saliera de madre su versión de un himno falangista en su repertorio, Giradiscos ha enviado un comunicado del grupo a la prensa, según sus palabras, «para desmarcarse de las acusaciones y amenazas recibidas por parte de algunos colectivos de extrema ¿izquierda? entre los que se encuentran Klinamen Editorial, laihaine.org o kaosenlared. Tras demostrarse que las acusaciones eran falsas e infundadas casi todos han retirado las campañas de boicot que habían publicado en sus webs, sin en ningún momento dado ofrecer ninguna explicación ni disculpa». Asimismo se informa de que el grupo quiere pasar página y no tratará más este asunto. Este es el texto:
«Hoy se ha suspendido el concierto de Reserva Espiritual de Occidente tras un aluvión de amenazas físicas y contra la propiedad por parte de grupos de personas que se escudan en una lucha «antifascista». Ha llegado un momento en el que la noticia ha generado tanta polémica y debate que, como miembros de REO, hagamos lo que hagamos, tendrá un eco en esa máquina gigante que es internet. Si nos pronunciamos es que estamos victimizando y elaborando un discurso derrotista; y si no decimos nada, somos unos miedosos o se corrobora que somos nazis y comemos niños vivos. Esto viene a probar que ya no podemos hacer nada con nuestras palabras. Nuestra conciencia está en paz. ¡Al fin somos libres! ¡Viva Jesucristo! ¡Viva Satán! ¡Vivan Martes y 13!
Nosotros somos artistas, y aunque nos lo tengamos que costear poniendo copas, descargando camiones u ocho horas al día en una oficina, no nos van a quitar eso. Seguiremos haciendo arte. Lo único que nos entristece es que hoy hay un concierto menos en el mundo y un montón de información basura más en Internet.
Dado que, por suerte, entre tanta gente aún quedan personas, sólo nos queda agradecer de corazón a todos aquellos que han sabido informarse antes de juzgar, que han debatido sin elevar el tono ni emplear la violencia y que demuestran flexibilidad, coherencia, respeto, sentido crítico y reflexión. En especial a los trabajadores de Nodo50.org, La Felguera Ediciones, Nos Toca Madrid, Vanishing Point, Holy Cuervo, Giradiscos y todas esas personitas que nos siguen desde antes y también han estado ahí con nosotros estos días».
Con el éxito alcanzado por proyectos tan interesantes como The Weeknd, es normal que aparezcan muchos artistas inspirados por el sonido de Abel Tesfaye e Illangelo. Hace poco hablábamos del hijo de Tommy Hilfiger y hoy nos detenemos en otro de esos ejemplos, Johnny Rain.
De nombre real John-Anthony Webb, Rain tiene 19 años y es de California. Se declara cantante, compositor y productor. Ha publicado varias mixtapes, la primera de ellas bajo el seudónimo J.Nyce. El año pasado Johnny fue fichado por el reputado productor Christopher “Tricky” Stewart y este 2013 publica lo que considera su primer disco ‘Lullaby Of Machine’, en descarga gratuita en su web.
El primer sencillo es este ‘Mulholland Drive, My Abyss’, que él abrevia como MDMA y que deja claro cuáles son los caminos que sigue este joven fan de Prince, Marvin Gaye, MGMT, Aaliyah y Daft Punk. Y aunque no nombre a The Weeknd, la canción no necesita que digamos mucho más.
El disco merece un par de escuchas y aunque aún le quede encontrar un sonido propio, no tan apegado al del canadiense, lo cierto es que con 19 años es todo un logro que haya podido entregar un disco tan coherente como ‘Lullaby Of Machine’. Y además es gratis.
El título del nuevo disco de Darwin Deez parece sugerir que nadie presta demasiada atención a lo que el neoyorquino tiene que decir. Atendiendo a las pocas reseñas que hay de su nuevo disco por Internet (aunque, también hay que decirlo, NME le ha plantado un 8), por no hablar de que Pitchfork directamente pasó de él cuando publicó su debut y pinta a que va a hacer lo mismo esta vez, no parece que ande muy desencaminado. Deez es no obstante un guitarrista creativo y un letrista audaz y divertido que suele soltar más de una perla memorable en sus canciones. ‘Songs for Imaginary People’ es su segundo álbum para el sello Lucky Numbers.
Como casi todo segundo disco, ‘Songs for Imaginary People’ presenta una evolución para bien en el sonido de Darwin Deez. Donde antes asomaba el lo-fi y el conjunto no era todo lo convincente que podría haber sido, ahora hay nitidez y un todo mucho más sólido. Pero como casi todo segundo disco, también, la propuesta es continuista y viene bien servida de sintetizadores retro, ritmos afilados y cuidadosamente elaborados, pegajosos riffs de guitarra (la clave de todo disco de Darwin Deez), melodías muy Strokes y letras a medio camino entre lo inteligente y lo «borderline». Deez, de hecho, parece no dedicarle el mismo trabajo a sus melodías que a sus letras, lo que resulta en canciones que, un poco al estilo de la última Björk, suenan inequívocamente improvisadas, aunque, por alguna razón, funcionen.
El arsenal de hits instantáneos del álbum sigue siendo el mínimo, limitándose Deez a un par o tres de grandes canciones que, igual que pasó con ‘Radar Detector’, no deberían encontrar problema para asegurarse un hueco en la lista de éxitos británica. Destaca en especial la asombrosa ‘Moonlit’, una canción sobre una relación inestable que presenta de nuevo un inolvidable riff. Deez se supera también en ‘You Can’t Be My Girl’, en la que se queja de los malos hábitos de su pareja, a quien, al fin y al cabo, necesita, y cuyo estribillo es, de tan sencillo, efectivo. ‘(800) HUMAN’ abre el álbum obligando al oyente a no abandonar la escucha ya desde los primeros segundos con la asertividad de ese “¿estás cansado de no existir?”, y tanto la suciedad cercana al shoegaze del sencillo ‘Free (The Editorial Me)’ como el carácter R&B de la estupenda ‘Redshift’ se encuentran entre los instantes más destacables del álbum.
El resto de canciones no apuntan tan alto como las mencionadas pero no están mal. ‘All In The Wrist’ presenta un buen desarrollo, ‘Good To Lose’ es pegadiza, y la romántica ‘Chelsea’s Hotel’, en la que Deez nos cuenta que quiere construir “un hotel en el corazón” de su amada Chelsea (con la que se pelea de vez en cuando, ahí está ‘Moonlit’) cierra el disco de manera digna, dejando un buen sabor de boca. En medio, más riffs memorables de la mano de ‘No Love’ y más sintes alienígenas en ‘Alice’, en la que suelta la gran frase “you have monopolized cute”. Todo el disco es una mezcla de sonidos extraños, melodías directas, un uso estupendo de las guitarras y letras que son dignas de citar en alguna ocasión.
En definitiva, ‘Songs for Imaginary People’ es un disco de pop del modo que lo entiende su peculiar autor, divertido pero con una producción cuidada y detalles que vale la pena descubrir. Deez es además un buen contador de historias o incluso un buen poeta. Parece contradecirse en ‘Free (The Editorial Me)’, alabando las ventajas de la libertad con la memorable frase “sonrío a lo que vea que está pasando / porque yo decido lo que significa para mí” cuando en la primera pista del álbum califica la libertad de “condena”, pero en general siempre logra entretener y ser adorable al mismo tiempo. Quizás no lo vaya a escuchar todo el mundo, solo la “gente imaginaria” que reza su título, pero este es un disco muy recomendable para quienes busquen pop fuera de convenciones.
Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘(800) HUMAN’, ‘You Can’t Be My Girl’, ‘Moonlit’
Te gustará si te gusta: Sondre Lerche, The Strokes
Escúchalo: Deezer
De todos sabidos que The xx son ultra fans de Beyoncé. Para celebrar el Día de San Valentín, el grupo ha decidido subir a Youtube oficialmente la versión de ‘I Miss You’ realizada en vivo hace unos días. El mensaje oficial no tiene pierde. «Mientras girábamos por Texas, decidimos versionar un tema de alguien tejano. Una de nuestras artistas favoritas de todos los tiempos es Beyoncé. Esta canción significa mucho para nosotros y fue escrita con otro artista que realmente admiramos, Frank Ocean. Feliz Día de San Valentín».
De promesa del cine europeo y musa indie de los noventa gracias a ‘Tres colores: Blanco’ (1994) y ‘Antes del amanecer’ (1995), a cuarentona olvidada con el cambio de milenio. Pero no. Julie Delpy se reveló contra el destino habitual de las actrices maduras y en 2002 debutó como guionista y directora en ‘Looking for Jimmy’. “Si no me dan papeles”, debió pensar, “ya me los fabrico yo misma”.
Y no le salió mal. En 2007 rodó su mejor película, ‘2 días en París’. Tras esa woodyalleniana y desenfadada comedia romántica dirigió tres más: ‘La condesa’ (2009), un curioso acercamiento a la figura de la “vampiresa” Elisabeth Bathory, la premiada comedia familiar ‘El Skylab’ (2011), y ‘Dos días en Nueva York’, la secuela de ‘2 días en París’ que se estrena esta semana coincidiendo con la presentación en la Berlinale de ‘Antes de medianoche’, el esperado cierre de la trilogía romántica de Richard Linklater protagonizada por Ethan Hawke y la propia Julie Delpy.
‘Dos días en Nueva York’ llega a la cartelera española renqueando, aquejada de lo que podríamos denominar “mal de la secuela de comedia”, una enfermedad fílmica caracterizada por síntomas como la tendencia a la repetición, la sensación de fatigoso deja vu o la impresión de estar viendo lo mismo con otro envoltorio. La directora se vuelve a poner el traje de Woody Allen (que aquí le queda aún más grande) y aplica el mismo esquema argumental y parecido discurso que la primera.
La Delpy construye su película sobre dos pilares dramáticos: las tensiones familiares y conyugales, y el choque cultural (entre franceses ordinarios y neoyorquinos sofisticados). El resultado es una comedia modesta y simpática, una irregular sucesión de gags que provocan más o menos gracia dependiendo de si los protagoniza o no Chris Rock. El cómico estadounidense hace un papel que recuerda a los personajes que suele interpretar Ben Stiller: es el objetivo de las burlas de los demás personajes (aquí centradas en los equívocos con el idioma) y el protagonista de las situaciones embarazosas que éstos provocan.
El mayor problema de la película viene provocado por una mala decisión: dejar que, conforme avanza el relato, el humor pierda peso en favor del drama con barniz lírico. Es como si la directora, incómoda por tanta ligereza, quisiera inyectar un poco de profundidad dramática a su película. Y lo hace de la peor forma, explicando la desorientación vital de su protagonista por medio de un forzado paseo por un desfile de Halloween, a través de una grotesca conversación con un Vicent Gallo disfrazado de moderno Mefistófeles, y con el (ab)uso simbólico de la figura de una paloma. Un decepcionante desenlace para un agradable pasatiempo. 6.
La semana que viene se publica la nueva edición de la paranoia pirata de Johnny Depp, ‘Son Of Rogues Gallery: Pirate Ballads, Sea Songs & Chanteys’, un álbum colaborativo en el que aparecen artistas como Nick Cave, Patti Smith, Courtney Love, etcétera. El álbum al completo, del que ya te presentamos su tracklist, se puede escuchar en NPR, pero uno de los números destacados es el de Michael Stipe y Courtney Love, aunque sólo sea porque REM ya no existen y porque estábamos acostumbrados a verlos en fotos juntos pero no tanto a oírles juntos. Esto es ‘Rio Grande’.
¿Quién nos iba a decir cuando salió ‘Diamonds’ que casi seis meses después seguiríamos hablando de la canción? El tema de Rihanna ha resultado un hit mundial y después de la versión de Sugababes, Jessie Ware es la nueva artista que se ha animado a interpretarla. Una versión ligeramente más intimista que también cuenta con coros aunque no sean de Sia.
Buffetlibre preparan la llegada de su primer disco de estudio, que viene presentado por un single junto a Micah P Hinson, ‘Fade Into You’, una versión de Mazzy Star que incluye remixes de Fennesz (!!), Dubstar y Frankmusik. La canción estará incluida en el primer álbum de los catalanes, que llevará por título ‘Songs for Elaine’ y se publicará en primavera. Desde hoy pueden escucharse las cuatro versiones en Deezer.
Por otra parte, el dúo de dj’s ha realizado una mixtape de aniversario para el 11º cumpleaños de la sala The Loft de Razzmatazz. Puede escucharse gracias a Soundcloud.
1-Buffetlibre – Intro Razzmatazz Clubs
2-Boston Bun – Housecall
3-Jonas Rathsman – Tobago
4-Aeroplane feat. Jamie Principle – In Her Eyes (Tiger & Woods Remix)
5-Two Inch Punch – Moonstruck
6-Tensnake feat. Syron – Mainline
7-Dj Hell – U Can Dance (Simian Mobile Disco Remix)
8-Doorly feat. Soraya Vivian – Rush
9-Round Table Knights – Calypso
10-Aeroplane – My Enemy (Rex The Dog Remix)
11-Busy P – Procrastinator (Hey Today! Remix)
12-Alex Metric – Rave Weapon
13-Fritz Kalkbrenner – Make Me Say (Dj F.H.1 Remix)
14-Zombie Nation – Kernkraft 400 (Savoy Bootleg Remix)
15-Zombie Nation – Tight (Etienne De Crecy Remix)
16-Alex Metric – Prophecies
17-Jesse Rose – Touch My Horn (Crookers Remix)
18-Riton – Lost My Mind
19-Mykki Blanco – Haze. Boogie. Life (Klever Remix)
Nuestro usuario Rulohead32 trae a nuestro foro de The Knife una canción nueva de su próximo disco con un mensaje muy claro: «escúchala antes de que la borren». ‘A Tooth For An Eye’ tiene portada propia por lo que es claro que será el siguiente single de ‘Shaking The Habitual’ tras el medio decepcionante ‘Full of Fire‘. Su fecha de lanzamiento es el 19 de febrero y será, atención, el corte que abra el álbum.
Actualización: La canción puede oírse en Hypem tras ser borrada de Soundcloud.
Sony, incluso en su subdivisión española, anuncia a bombo y platillo el estreno del vídeo de ‘Suit & Tie’, el nuevo single de Justin Timberlake con Jay-Z y la producción de Timbaland. Se ha encargado de dirigirlo nada menos que David Fincher, con quien Justin ya trabajara en ‘La red social‘, y recoge una actuación en blanco y negro con coros, músicos, coristas y bailarines que recrea con bastante éxito el sabor clásico de la canción. Jay-Z no se lo ha querido perder. De momento la canción sólo ha logrado ser top 1 en Dinamarca y Corea del Sur.
Es curioso como Frankmusik ha pasado de ser un artista ligado a una multinacional a publicar su música de manera totalmente independiente y a su bola. La última entrega del británico es la publicación de un EP titulado ‘Far From Over’. Cuatro canciones nuevas que vuelven a evidenciar lo bien que le ha sentado a Vincent alejarse de las discográficas para concentrarse en su música. El primer sencillo del EP se titula ‘Maps’ y llega acompañado de un sencillo videoclip con el artista interpretando la canción al aire libre.
El resto del EP está disponible en Soundcloud:
Llevamos casi dos meses de este 2013, y sin noticias de ningún lanzamiento de Nicki Minaj. ¿Cómo es eso posible? ¿Habrá leído nuestro artículo y nos habrá hecho caso? Pues parece que no. La artista regresa, por las vías de la colaboración, para inaugurar este año de manera oficial. Minaj aparece en lo nuevo del rapero French Montana, un tema titulado ‘Freaks’ que podría ser el primo lejano de ‘Stupid Hoe’ de Minaj. Y esto es solo el comienzo, porque la rapera amenaza con nuevo disco este año, y suponemos que su reedición correspondiente.
Laetitia Sadier anunciaba a principios de febrero una gira que la traía por España para presentar el notable ‘Silencio‘. El tour era bien amplio pero curiosamente no incluía la ciudad de Madrid. Ahora la promotora ha anunciado una fecha finalmente en el Siroco. Además, las primeras 50 entradas costarán sólo 8 euros.
Os recordamos que esta vez la ex líder de Stereolab nos visitará con banda: serán el bajista castellonense Xavi Muñoz (quien ya ha girado con artistas de la talla de Daniel Johnston, Ora Cogan o Paula Frazer, y miembro de A Veces Ciclón) y el percusionista Emmanuel Mario quienes la acompañen. Las fechas quedan así:
14.03 Barcelona: Becool
15.03 Bilbao: La Alhóndiga
17.03 Granada: Planta Baja
18.03 Murcia: Auditorio Villegas
19.03 Madrid: Siroco
20.03 Huesca: Matadero
21.03 Burgos: Cultural Cordón
22.03 Zaragoza: C.C. Rio Ebro
Lana del Rey debería estar pensando en ponerse manos a la obra con su próximo disco, si es que no lo está ya. Sin embargo, la marca de coches Jaguar, a cuya última campaña Lana puso banda sonora, ha decidido darle un videoclip a ‘Burning Desire’, el tema escrito para el spot. Con la cantante interpretando el tema en un teatro vacío y mezclando la actuación con imágenes un poco random, muestra abundante publicidad del coche, que para algo son ellos los que ponen la pasta. En cualquier caso, una nueva fuente de gif’s animados, cuando menos.
Os recordamos que la artista actúa en mayo en Madrid, ya con todo agotado.
¿Os acordáis de Zenttric? No os culpamos. Era aquel grupo que tuvo la brillante idea de publicar un tema titulado ‘Lady Gaga’. Tiempo después nos enteramos de que aquella canción y el romance del grupo con la discográfica EMI habían terminado como el rosario de la aurora. Al final, el grupo ha terminado fichando con Astro y trabajando en un sonido que su nueva compañía describe como liberado de “urgencias mercantiles”. Su nuevo disco se titula ‘3’ porque es el tercero en su carrera y el primer sencillo tiene el prometedor título de ‘Modernos Que Critican A Modernos’. Con una letra que va más allá de lo imaginable y un videoclip que sospechamos quiere imitar a los de la productora Canadá, os dejamos con Zenttric para que juzguéis vosotros mismos si el tema de los modernos, después de tantos años, da más de sí o está ya definitivamente agotado.
Avalada por los entusiastas comentarios de Jonathan Franzen o Paul Auster, la primera novela del poeta estadounidense Ben Lerner llega a España (ed. Mondadori) bajo la aureola de “libro de moda de 2012” en los círculos literarios neoyorquinos.
‘Saliendo de la estación de Atocha’ –título prestado de un poema de John Ashbery, referente de la escuela poética de Nueva York- está protagonizada por un joven poeta norteamericano que disfruta de una beca de investigación en Madrid. Una «versión exagerada y despreciativa» del propio autor que, mientras realiza su “proyecto poético” sobre el legado literario de la Guerra Civil, pasa los días en su buhardilla de Huertas, visitando El Prado, fumando porros en El Retiro o saliendo por Chueca.
Lerner utiliza el relato de iniciación, la crónica en primera persona de un guiri en España (sí, también visita Toledo, Barcelona o Granada), como excusa para expandir su novela en dos direcciones: la descripción de las tensiones derivadas del choque cultural y la reflexión sobre la creación artística.
El autor mezcla de forma brillante lo anecdótico con lo trascendente, lo ligero con lo profundo. Sus problemas con el idioma (reales o fingidos) y las relaciones con los madrileños, su cultura y sus costumbres (besar a las chicas como saludo, la vida en los espacios públicos, el mito de la siesta) proporcionan los momentos más divertidos de la novela. Como aquel en el que, al escuchar una conversación a lo lejos y en pleno subidón de hachís, se imagina toda una rocambolesca trama almodovariana basándose en el cine español que ha visto desde su llegada.
Pero detrás de todo ese anecdotario de encontronazos culturales y sociales hay una lúcida reflexión, admirablemente escrita, sobre el arte y, en particular, la poesía. Desde su desmitificación, con la sarcástica utilización de la expresión “experiencia profunda del arte”, hasta su cuestionamiento: el sentido y la autenticidad de su poesía. 8,5.
Este 14 de febrero se celebraba en la Sala Wurlitzer de Madrid un concierto de los americanos King Dude con el grupo local Reserva Espiritual de Occidente, una extraña mezcla entre Dead Can Dance, folclore patrio y el cinismo político de gente como Ornamento y delito, como teloneros. Sin embargo, el concierto ha sido suspendido después de una polémica surgida en internet en los últimos días a raíz de su versión de un himno falangista en su disco, ‘Primavera’.
Los problemas comenzaron cuando Klinamen Editorial pedía el boicot del concierto, arrastrando a varios sites de izquierda radical a pedir lo mismo. JENESAISPOP contactaba con el grupo y su management el pasado martes para averiguar exactamente qué estaba pasando y solicitarles una entrevista que esperamos publicar durante las próximas semanas. La banda negaba evidentemente su carácter fascista desde el primer momento, algo que también habían hecho a través de un texto recogido por Vanishing Point.
Klinamen Editorial decidía borrar su noticia, así como otros sites, publicando un «tweet» en el que, en cualquier caso, ironizaban sobre su adaptación de «el «cara al sol» en versión popi».
Aun así, la organización ha decidido cancelar el concierto de Reserva Espiritual de Occidente «para preservar la integridad física de todo el mundo».
@j_duran_runos patinamos y otros se cantan el Cara el Sol versión popi – Noticia borrada.
— Editorial Klinamen (@Klinamen_libros) February 11, 2013
Estos eran los textos originales de Klenin Editorial y la respuesta de la banda, según Vanishing Point:
«Reserva Espiritual de Occidente, amparándose en la experimentación y el artisteo moderno, lleva un mensaje abiertamente fascista, llegando a meter en su último disco una versión de ‘Primavera’, un himno de la División Azul. Mirando un poco su Facebook, podremos comprobar que tienen en “favoritos” cosas como: “El Valle de los Caídos no se toca”, los amantes de la parafernalia nazi “Veteran Militaria”, el escritor revisionista “César Vidal”, la inocente “Familiares y amigos de los represaliados por la 2ª República” o los españolistas de “Inútiles que creen que no se puede ser catalán y español”.
Quizá argumentarán que buscan provocar sentimientos fuertes, investigar en la naturaleza de las reacciones humanas o tonterías por el estilo. Lo que es evidente es que hacen apología del franquismo, y eso es algo que no deberíamos dejar pasar así como así. Tenemos hasta el jueves para conseguir que la sala suspenda el concierto”.
El grupo contestaba amparándose en la «ficción y la teatralidad» de su música.
“Al igual que un mago “corta” por la mitad el cuerpo de su ayudante y el público pasa un mal rato, pero acaba aplaudiendo pues el ayudante no ha sufrido daño alguno, en Reserva Espiritual de Occidente ofrecemos un miedo controlado como puede ocurrir en el tren de la bruja o en una montaña rusa: nada más alejado de una arenga política, una llamada a las armas o a la violencia.
Igual que hoy cantamos canciones sobre brujería, asesinos en serie o paraísos imaginados por los testigos de Jehová, no descartamos extraer ideas del régimen Stalinista, de las doctrinas de Dulcino o de los poemas de Aleister Crowley en nuestras próximas composiciones.
Usamos canciones con letras incómodas y una puesta en escena inquietante, pero nunca hemos elaborado un discurso político, pues no es nuestra intención.
Si ustedes leen cualquiera de nuestras entrevistas podrán comprobarlo. En todas ellas hacemos hincapié sobre conceptos como “ficción” y “teatralidad”.
Creemos que ustedes, sin embargo, están jugando con un miedo real. Los organizadores del concierto del jueves han recibido amenazas, en las que va copiado este mismo comunicado, contra la tienda de discos que regentan o el local donde se celebra el concierto. Desde luego, nosotros no estamos a favor de ningún tipo de violencia ni de amenaza, de la naturaleza que sea. Estamos a favor del respeto y el diálogo.
La censura y persecución de propuestas artísticas diferentes a las que uno está acostumbrado nos parecen mucho más similares a los métodos empleados por violentos regimenes dictatoriales fascistas, que cantar una canción o usar un disfraz para dar un concierto, que es lo que hacemos nosotros.
Esperamos que rectifiquen su actitud e intenten focalizar sus condenas hacia injusticias reales”.
Esben and The Witch acaban de estrenar un vídeo para ‘When That Head Splits’, una de las canciones contenidas en su último disco ‘Wash The Sins Not Only The Face‘. El vídeo dirigido por Ralph Bonilla, construido a partir de muñecos de plastilina, y animado a mano a través de 9000 fotogramas, se ha inspirado abiertamente en la ‘Metamorfosis de Narciso‘ de Dalí. «Una de mis cosas favoritas de Dalí es que sus pinturas estaban llenas de mensajes ocultos y simbolismo, así que intenté hacer lo mismo. Combiné la letra y la idea de la banda sobre una chica que se transforma a lo largo del paisaje por el que viaja. La chica del vídeo es una combinación de mujeres desnudas y el perro de la pintura de Dalí y, a medida que viaja, su cuerpo se transforma. Veía a los personajes y las localizaciones como reflejos de ella misma, hasta que al final, acaba en un lugar hecho de carne y hueso, literalmente dentro de su propio cuerpo», indica Ralph en la web del sello Matador.
La banda de Glasgow Frightened Rabbit mostró a lo largo de sus tres álbumes anteriores una clara progresión sonora, de la intensidad rock de su debut, ‘Sings The Greys’ (2006), hacia la propuesta más épica y melodramática que mostraban en ‘The Winter Of Mixed Drinks’ (2010) y que por momentos hacía pensar en fórmulas mucho más populares como Snow Patrol o David Gray. Aunque de forma discreta, el público valoró ese giro progresivo de los de Scott Hutchinson y eso les valió el paso de la indie Fat Cat a Warner, que acaba de publicar el cuarto álbum de la banda, ‘Pedestrian Verse’. Cuando todo hacía pensar en una sangría crítica por parte de los medios especializados por las concesiones populistas que se auguraban, el quinteto no deja lugar a peros con un álbum soberbio, el mejor de su carrera.
Aunque, como decíamos, han ido poco a poco dando paso a una versión más vendible de sí mismos, los escoceses aún conservan de forma irrenunciable la raíz del folk rock norteamericano más genuino y una elogiable buena mano para aportar matices interesantes a sus canciones, asistidos en esta ocasión por el productor y arreglista Leo Abrahams y apostando por no caer en el obvio recurso de llenarlo todo de ampulosas cuerdas. Digamos que, sin llegar a alinearse con la algarabía simplista de Mumford & Sons, Frightened Rabbit son una versión europea de lo que tan bien hacen bandas norteamericanas como Okkervil River, Shearwater o Bright Eyes. ‘Pedestrian Verse’ supone una conseguida mezcla de rock tan inteligente e intenso como eficaz y emotivo, en una sucesión de cortes que raramente descienden de la categoría de himno.
El medio tiempo que abre el álbum, ‘Acts Of Man’, ejerce de introducción a una palpitante primera parte en la que ‘Backyard Skulls’, el acertado single ‘The Woodpile‘, ‘Late March, Death March’ o ‘Holy’ (¿un pequeño homenaje a los U2 de los 80?) pugnan por erigirse en favoritas del oyente, a las que se suman más tarde ‘Dead Now‘ y ‘State Hospital’ (protagonista de un EP publicado ya hace unos meses y recuperada para la ocasión). Estas dos últimas realzan una segunda mitad del álbum algo más reposada, quizá algo lastrada por los dos interludios de ‘Housing’, en la que los de Glasgow saben sacarse partido en pistas menos eufóricas, como la bellísima ‘Nitrous Gas’ o la final ‘The Oil Slick’.
Sin ser una pluma privilegiada, resulta destacable el esfuerzo de Hutchinson, que por primera vez ha sido ayudado por sus socios en la composición de todos los temas, por ofrecer unas letras bonitas y alejadas de lo facilón, aunque no siempre lo consiga (la aparente crítica a la Iglesia de ‘Holy’ se antoja algo timorata). Demuestra aquí su talento para dotar de tintes literarios temas tan distintos como el aislamiento (‘The Woodpile’), la dificultad de preservar la individualidad en una relación (‘Backyard Skulls’) o la dura narración de una vida abocada al desastre desde su concepción (‘State Hospital’), buscando esta vez un punto de vista más universal que personal. Aunque, claro, parece inevitable que la ruptura con su última pareja, sucedida durante la composición del álbum, salga a flote, tal y como se intuye en ‘Late March, Death March’ o ‘Dead Now’. ‘Pedestrian Verse’ es un álbum muy completo, que ofrece una ponderada mezcla de pop rock interesante y disfrutable y que, si hubiera justicia, debería catapultar a Frightened Rabbit a llenar amplios recintos y ver su nombre a la altura de grupos como los antes mencionados Mumford & Sons o Band Of Horses.
Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘The Woodpile’, ‘Backyard Skulls’, ‘Nitrous Gas’, ‘Late March, Death March’
Te gustará si te gustan: Shearwater, Okkervil River, Mumford & Sons
Escúchalo: Deezer
