Hace poco hablábamos de The Faint a causa de la reedición de lujo del no tan lejano ‘Danse Macabre‘, que sale precisamente hoy al mercado. Lo cierto es que ha servido para reactivar al grupo de Omaha, que estos días hace una gira por USA interpretando al completo ese disco de 2002. La noticia es que en dicha gira, la banda está vendiendo en su puesto de merchandising un vinilo de 12″ con cuatro canciones totalmente nuevas, las primeras desde que en 2008 publicaran ‘Fasciination’. ‘Evil Voices’ es una de ellas, y The Faint la ofrecen para escucha y descarga gratuita, con la promesa de escribir y publicar más música nueva el año que viene.
Escucha y descarga un tema nuevo de The Faint
‘Stone Arabia’: los sueños incumplidos del rock
Apadrinada por Bret Easton Ellis y Don DeLillo, Dana Spiotta está considerada como una de las más prometedoras escritoras norteamericanas de la actualidad. Inédita en España, la editorial Blackie Books acaba de publicar su tercera novela, la celebrada ‘Stone Arabia’ (la mejor novela de rock para Thurston Moore, líder de Sonic Youth).
El libro comienza con una reveladora cita de Jean Dubuffet, el padre del Art Brut: «La belleza a la que aspiro necesita poco para aflorar, increíblemente poco. Cualquier lugar, incluso el más miserable, basta». Ese lugar es un garaje. Un espacio íntimo y simbólico donde el rockero Nik Worth, uno de los protagonistas de la novela, crea música (belleza) al margen de modas, mercados y corrientes culturales. Como se reflexiona en la reciente ‘Holy Motors’ (2012), ¿es necesario tener público para que una obra de arte sea considerada como tal? ¿No es suficiente con «la belleza del gesto»?
Inspirada por músicos reales como R. Stevie Moore, Ariel Pink o Jandek (así como su propio padrastro, Richard Frasca), y con la vista puesta en la escena musical de los años 70 y los primeros 80, Dana Spiotta hace un fascinante retrato, complejo y lleno de aristas, sobre la figura del outsider, el rockero maduro que crea música para si mismo en la soledad de su modesto hogar. Ni romanticismo ni malditismo. Nik Worth bien podría ser un genio, pero también un fracasado. Podría ser un lúcido marginal apartado por la industria, pero también un inmaduro inadaptado abocado a una vida de fantasía y solipsismo.
El único «público» de Worth es su familia, en especial su hermana Denise, la narradora de la novela. Su voz y la de su hermano se confunden en un brillante relato posmoderno articulado por medio de diarios, crónicas y contracrónicas. Un retrato generacional, en forma de bitácoras, sobre unas vidas suspendidas, atenazadas por un sentimiento: la decepción, el desengaño. Personajes desencantados, incapaces de aceptar su entrada en la edad madura, que ven como sus sueños de juventud se han escapado y nada ha salido como planeaban. 8.
Johnny Marr adelanta ‘The Messenger’
Johnny Marr había anunciado recientemente su primer disco en solitario, en el año en que se cumplen 25 años de su abandono de los Smiths. El largo llegará ya en 2013, pero desde hace unos días puede escucharse el adelanto ‘The Messenger’, con esas guitarras propias ya no tan smithianas, que en los últimos tiempos ha paseado por diferentes formaciones anglosajonas. El adelanto tiene incluso un apunte electropop en un momento dado. El disco, que ha contado con Frank Arkwright, llegará el 25 de febrero.
Rihanna / Unapologetic
Rihanna publica hoy su séptimo álbum de estudio convertida en una artista polémica. Por ello no es casualidad que el disco se titule ‘Unapologetic’, porque la barbadense no le debe cuentas a nadie y hace lo que le viene en gana. Esta actitud de chica mala, desde luego más creíble que la de cualquier otra diva del pop de su categoría, aunque también algo irritante, predomina en un disco de planteamiento completamente absurdo; como es habitual, con multitud de escritores y productores involucrados en cada una de las canciones (hasta Adele aparece por aquí) y sin clásicos claros, pero notablemente más interesante que el anterior.
Abre ‘Unapologetic’ una producción de David Guetta llamada ‘Phresh Out The Runway’, bastante más urban de lo habitual en él, y le sigue la canción estrella (de momento) del álbum, ‘Diamonds’, que además está a punto de caramelo de convertirse en el duodécimo número 1 de Rihanna en Estados Unidos. Toda una hazaña a sus veinticuatro años. A partir de aquí, el disco despliega una serie de temas de R&B experimental como ‘Numb’ o ‘Pour It Up’ que crisparán sobremanera a aquellos que buscan en Rihanna grandes hits de sonido europeo, pero que harán las delicias de los fans de temas como ‘Cockiness (Love It)’ o de algunas de las joyas escondidas en los discos de Janet Jackson o Beyoncé.
Chase & Status y David Guetta (otra vez) concluyen con sus respectivas producciones la primera mitad de ‘Unapologetic’, sin relleno para los oyentes de música negra, insoportable para más o menos el resto. Este batiburrillo de estilos continúa con una segunda mitad aún más dispersa pero que entrega canciones tan apañadas como ‘What Now’, que da lugar a una de sus mejores interpretaciones vocales; ‘Stay’, su mejor balada desde ‘Unfaithful’, y ‘Nobody’s Business’, el estupendo número disco-house junto a su ex Chris Brown, que samplea a Michael Jackson pero recuerda más a ‘Vogue’.
La relación de Rihanna con Chris Brown, de hecho, parece la razón de algunos temas de este disco, un ‘Unapologetic’ en el que incluso las letras sobre pasarlo bien y vivir el momento son perfectamente identificables con la vida de su intérprete. ¿O es que nadie ha pensado en los múltiples titulares de los últimos meses sobre las fiestas locas de Rihanna mientras ella canta eso de “el mañana está muy lejos, el pasado ya no puede volver pero somos jóvenes ahora mismo”? Por esta razón el séptimo álbum de Rihanna se percibe también como su obra más personal desde ‘Rated R’ aunque, curiosamente, por razones algo diferentes.
Hace tres años, Rihanna publicaba su cuarto álbum de estudio, y el primero tras la paliza que le dio Chris Brown. La inspiración del sonido opresivo y deprimente de temas como ‘Russian Roulette’ era evidente pero, en 2012, Rihanna ya no es víctima sino aliada de su agresor. En ‘Nobody’s Business’ ambos pretenden dejar claro que su relación no le concierne a nadie; ‘Love Without Tragedy’ parece escrita un mes después de la noche de los Grammy de 2009, y con la letra del estupendo reggae ‘No Love Allowed’ (toda una lección de estilo), tan ambigua que puede leerse irónicamente, Rihanna parece mofarse de todos quienes cuestionaron su decisión de perdonar a Brown, incluidos, por supuesto, sus propios fans.
Al final, solo queda concluir que este es, sorprendentemente, uno de los mejores discos de Rihanna. A la par con ‘Good Girl Gone Bad’ y ‘Loud’, ‘Unapologetic’ propone una experiencia sónica repleta de bases potentes como la de ‘Jump’, producciones lustrosas y sensuales como la de ‘Loveeeeeee Song’ y momentos de enorme belleza como ‘Get It Over With’ (que merece una escucha aunque suene a medio cocer) o el baladón ‘Stay’, aderezadas cada una de ellas con esa honestidad que siempre da puntos. Quizás le sobre un tema o dos y le falten grandes canciones, además de un planteamiento más coherente, pero ‘Unapologetic’, definitivamente, mola.
Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘Diamonds’, ‘Pour It Up’, ‘Jump’, ‘Stay’, ‘Nobody’s Business’, ‘No Love Allowed’
Te gustará si te gusta: Beyoncé, Nicki Minaj, Drake, Chase & Status, Janet Jackson
Hipnosis Pony Bravo
Los sevillanos Pony Bravo han cerrado la gira de ‘Un Gramo de Fe‘ con prácticamente igual repertorio con el que aterrizaron en la misma sala, la madrileña Joy Eslava, en enero de este mismo año -quizá por la relativa cercanía de este concierto el lugar no estaba a rebosar, como la anterior vez-, pero con una diferencia de espíritu notable. Sin variar apenas su forma de tocar, han dejado de lado su faceta más cortante y post-punk en favor del rollo dub en el que el bajo es el auténtico protagonista: simbólicamente, Pablo Peña, el principal bajista (se intercambian los instrumentos) y compositor del grupo paralelo, los radicales Fiera, se ha cortado la melena que le caracteriza y ha lucido un rapado bastante alejado de la marca de la casa.
Quizá este cambio se ha hecho más patente en las canciones de su primer disco, ‘Si Bajo de Espalda No Me Da Miedo (y Otras Historias)’, aunque con matices: la alucinógena ‘El Piloto Automático’ se ha conservado con pocas variaciones, mientras que ‘El Guarda Forestal’ ha completado una transformación hacia unos terrenos más expansivos y aturdidores. Uno desea a veces que las canciones se extiendan todos los minutos que haga falta, sin importar el final, que muten y que se vuelvan otras, pero ahí Pony Bravo se han mostrado más conservadores de lo que nos acostumbran. Es posible que el público actual sea reticente a esta clase de experimentos pero dudo de que a los que han movido su cuerpo hasta la extenuación con la apoteosis final de ‘La Rave de Dios’ (juegos de luces de la famosa roseta de la Joy Eslava incluidos) les hubiera importado que durara el doble.
Antes, los sevillanos hicieron homenaje a Devo, grupo con el que comparten espíritu transgresor y surrealista sentido del humor, versionando ‘Whip It’, y presentaron dos temas nuevos: ‘Mi DNI’, un spoken word sobre lo que realmente “importa” en el mundillo musical que ya tocaron el pasado enero, y ‘Eurovegas’, una fantasía kitsch que le viene al pelo a la temática de la canción. A pesar de haber terminado ya de grabar su nuevo disco, han preferido centrarse en ‘Un Gramo de Fe’, que han tocado prácticamente de principio de fin, incluyendo las improbables ‘Salmos 52:8’ y ‘Mangosta’, transformada para el directo en otra demostración de que Pony Bravo sigue una senda única en la música española, en la que los estilos más dispares encajan con peculiar singularidad gracias a un imaginario familiar y extraño al mismo tiempo, pero tremendamente personal.
Fallece ‘Miliki’, el último de los payasos de la tele
Emilio Aragón padre, más conocido como «Miliki», ha fallecido esta madrugada en Madrid a los 83 años de edad. Era el último de los «payasos de la tele», el trío que formaba junto con Gaby y Fofó y que fue parte fundamental de la programación infantil de TVE en las décadas de los 70 y 80 con ‘El gran circo de TVE’.
Tras finalizar las emisiones de ‘El gran circo de TVE’ (de donde por cierto salió el personaje que inspiró el nombre Sr Chinarro a Antonio Luque), siguió haciendo programas infantiles en otras cadenas, como ‘La Merienda’ o ‘La Guardería’ en Antena 3 o ‘Superguay’ en Telecinco, este último presentado junto a su hija Rita Irasema.
Pero también tuvo una carrera discográfica siempre enfocada al mundo infantil. Publicó varios discos junto a sus hermanos, su hija o en solitario. Entre sus mayores éxitos infantiles están lo que ya son clásicos como ‘Susanita’, ‘Cómo me pica la nariz’, ‘En el coche de Papá’ o ‘La Gallina Turuleca’. Precisamente, en su carrera discográfica llegó a ganar dos premios Grammy Latino por Grabación del Año, en los años 1999 y 2000, por ‘A Mis Niños de 30 Años’ y ‘Cómo están ustedes’ respectivamente.
‘Teenage’, el veredicto
«En su regreso tras un celebrado debut, el cuarteto británico parece apostar por limpiar el toque siniestro de sus guitarras y dejar más espacio a la dulzura, en una canción que toma las esencias de genuinos grupos beat como The Troggs o The Kinks, pasándolas por un tamiz muy parecido al de los primeros R.E.M. Exquisita ‘Teenage'». Raúl Guillén.
«El avance de ‘Waiting For Something To Happen’ me ha gustado pero ha sorprendido un poco por blandito. ‘Teenage’ se apoya en una de esas preciosas melodías de jangle pop ochentero que caracterizaron a las canciones de su debut, pero se olvida casi por completo de esos detalles shoegazers y más próximos al dream-pop noventero que convirtieron en excitantes a muchas de ellas.
Esperemos, por lo tanto, que en el resto del disco enseñen más las uñas». Carlos Úbeda.
«La historia del pop está llena de paseos traumáticos en coche. Algunos han sido realmente épicos, como ‘The Luckiest Guy On the Lower East Side’ de Magnetic Fields o ‘There Is A Light That Never Goes Out’ de los Smiths. El nuevo single de Veronica Falls no será tan mítico pero consolida a la banda de indie pop, tanto por su título como por su pequeña desestructura (y por supuesto por su melodía), como una de las que esconden mayor potencial junto a The Pains of Being Pure At Heart. Una monada». Sebas.
«En general, los tonos del debut de Veronica Falls tiraban hacia lo oscuro, y aunque ‘Teenage’ no dista tanto de lo propuesto hasta ahora por la joven banda, sí que parece abrir nuevos caminos. Tiene un punto más risueño y sobre todo apunta muy buenas maneras, así que parece muy posible que ‘Waiting For Something To Happen’ los confirme como una de las bandas más interesantes de la actualidad». quietmansmiling.
Remix de ‘Diamonds’ de Rihanna con Kanye West
‘Diamonds’ de Rihanna ya era un hit internacional, pero por si acaso, se acaba de publicar un remix con un rap de Kanye West -que ya tenía su propio ‘Diamonds’- al principio de la canción que ha quedado un poco pegote pero ahí está, asegurando nuevas ventas jugosas a la canción.
James Franco sí dirigió a R.E.M.
¿Recordabais que entre los planes de promoción del notable ‘Collapse Into Now‘ de R.E.M. estaba realizar un videoclip para cada canción y que uno de ellos había de ser dirigido por James Franco? Nosotros sí, pero pensábamos que al haberse separado el grupo, esta idea se había desvanecido. Sin embargo, para nada. Aquí está, un año y medio después. El trabajo de James Franco para la canción ‘Blue’, el dúo con Patti Smith que cerraba el disco con autorreferencias a su carrera y al mismo arranque del álbum, y por tanto, lleno de dobles significados a posteriori, acaba de darse a conocer y es un tranquilo paseo por las estrellas de Hollywood, entre otros lugares, que esconde cierta sensualidad.
Killers versionan a U2 y graban con Tim Burton y Winona
The Killers son noticia por dos cosas. Por un lado, han incluido una versión de ‘With Or Without You’ de U2 en su repertorio a su paso reciente por el 02 de Londres (el día anterior se habían decantado por ‘Shadowplay’ de Joy Division y ‘Don’t Look Back In Anger’ de Oasis). El grupo volvía así a la normalidad después de haber tenido que cancelar un concierto en Manchester después de sólo cuatro canciones por problemas de voz de Brandon Flowers.
Por otro lado, se sabe que el grupo acaba de rodar un videoclip para el próximo single de ‘Battle Born’ bajo los mandos nada menos que de Tim Burton. Protagonizará nada menos que Winona Ryder. Tim Burton ya había dirigido el vídeo de ‘Bones’ para la banda.
The School, de nuevo con el corazón roto
The School han presentado esta semana un vídeo para su canción ‘Why Do You Have To Break My Heart Again?’, incluida en su disco ‘Reading Too Much Into Things Like Everything‘. A mitad de camino entre el lyric video y su clásico vídeo popero, sirve para recordar el carácter completamente atemporal de este lanzamiento.
Mary Onettes dejan escuchar ‘Evil Coast’
Mary Onettes, aparte de fans de Klaus & Kinski, son uno de los grupos que protagonizaron la eclosión del pop sueco hace unos cinco años. Ahora están de vuelta con un disco llamado ‘Hit The Waves’ que saldrá el próximo mes de marzo. El primer adelanto es este ‘Evil Coast’ que ya puede escucharse en Soundcloud. El álbum ha sido producido por Dan Lissvik de los ya separados Studio. Se ha citado como influencia a Vangelis y la verdad es que tras escuchar el adelanto nos lo creemos.
Mogwai sacan disco de remezclas
Mogwai van a sacar la semana que viene un disco de remezclas titulado ‘A Wrenched Virile Lore’. Se centrará en su última obra, ‘Hardcore Will Never Die But You Will‘, y contará con el trabajo de Tim Hecker, The Soft Moon, RM Hubbert, Robert Hampson, Zombi, Justin Broadrick, Xander Harris, Umberto y Cylob. De momento han querido regalar la correspondiente a Xander Harris para el tema ‘How To Be A Werewolf’.Tracklist:
George Square Thatcher Death Party – (Justin K Broadrick Reshape)
Rano Pano – Klad Hest (Mogwai is My Dick RMX)
White Noise (EVP Mix by Cylob)
How To Be A Werewolf – (Xander Harris remix)
Letters To The Metro – (Zombi remix)
Mexican Grand Prix – (reworked by RM Hubbert)
Rano Pano (Tim Hecker remix)
San Pedro – (The Soft Moon remix)
Too Raging To Cheers – (Umberto remix)
La Mort Blanche – (Robert Hampson remix)
Kate Nash publica ‘Death Proof’
Ya bromeábamos este verano con el nuevo destino riot-grrrl de Kate Nash y parece que esta nueva vena más rockerilla se confirma en el nuevo EP que lanza este lunes 19 de noviembre y que lleva como título ‘Death Proof’, inspirado abiertamente en la película de Tarantino. Se ha presentado con un vídeo lanzado por Halloween llamado ‘Fri-End?’.
El tema titular ya ha sido tocado varias veces en directo. El disco ‘Girl Talk’, producido por Tom Biller, se espera para principios de 2013. Mientras, os dejamos con el tracklist del EP.
1.-Death Proof
2.-Fri-End?
3.-I Want A Boyfriend With A Car
4.-All Day And All of The Night
5.-May Queen
Muere Pete Namlook
Esta semana hemos conocido la muerte del pionero de música electrónica Pete Namlook, que también trabajara con elementos ambient, clásicos o próximos al trance. El fundador del sello Fax falleció en realidad, a los 51 años, el 8 de noviembre por causas desconocidas, aunque Resident Advisor indicaba que su muerte se producía «en paz». Había trabajado junto a gente como Richie Hawtin (‘From Within’), Klaus Schulze, Bill Laswell o Mixmaster Morris, entre muchos otros. Tanto en solitario como junto a multitud de artistas, se le presumen más de 135 lanzamientos. Os dejamos con una de las maravillas realizadas junto a Richie Hawtin y otra con Biosphere.
‘Love Your Friends, Hate Politicians’
The Suicide of Western Culture, una de las grandes esperanzas de la música electrónica nacional (y así fueron reconocidos con su nominación a los premios UFI), tienen preparado su nuevo álbum, ‘Hope Only Brings Pain’, para el próximo mes de febrero. De momento tenemos que contentarnos con este tema ‘Love Your Friends, Hate Politicians’, de título muy 2012, que cuenta con un inquietante vídeo apocalíptico dirigido por el dúo Actop, de múltiples interpretaciones. La canción se puede descargar gratis desde su Facebook.
Llum: comida, bebida y baile
Cuando reseñábamos el largo publicado por Llum en Jabalina, nos extrañábamos de que el álbum comenzara hablando de comida. Desde hace un par de semanas, el tema en cuestión ‘All The Spanish Cooks’ tiene un videoclip que ahora redescubrimos en las páginas del NME por cortesía de su partner de vídeos Muzu. Un vídeo casi literal con comida, bebida y gente bailando que transmite perfectamente la esencia de la canción. Ha sido dirigido por Pau Martínez y Gabriel Ochoa.
Llum actúa hoy 18 de noviembre en la Fnac de San Agustín, Valencia. Es gratis a partir de las 19.00
Soundgarden / King Animal
El desafortunado termino grunge agrupó a principios de los noventa a diversas bandas que, al fin y al cabo, poco tenían que ver entre sí. Meter a grupos como Pearl Jam, Nirvana o Alice in Chains en el mismo saco por el hecho de proceder de Seattle y gozar de éxito podía servir para hacer negocio, pero en el fondo cada conjunto caminaba por caminos distintos. A Soundgarden también los incluyeron, pero su hard rock psicodélico poco tenía que ver con las inclinaciones punk de los de Kurt Cobain, por poner un ejemplo (algo más de afinidad podían tener con Alice in Chains, pero aquello se resumía a matices). Curiosamente, según se iba pasando la moda del grunge, su llama se fue apagando tras el lanzamiento del tibio ‘Down On The Upside’ en 1996, separándose un año después y sólo tres años desde llegar a la cima de su popularidad con ‘Superunknown’. Algunos de sus miembros mantuvieron perfiles bajos, mientras que otros siguieron activos, como el batería Matt Cameron con Pearl Jam o el frontman Chris Cornell, quien empezó una errática carrera en solitario para posteriormente unirse a Audioslave. Tras el final de este último proyecto, Cornell parecía perdido y el mejor ejemplo de esto fue cuando intentó dar un giro definitivo hacia el pop mainstream en el horrendo ‘Scream’ (2009), con Timbaland tras los controles. Ya que vivimos en la era de las reuniones y tal y como estaba la cosa para algunos de ellos (Cornell dando vergüenza ajena y el bajista Ben Shepherd arruinado), lo mejor era desempolvar la nave nodriza, como sucedió en 2010.
No sólo se limitaron a girar, sino que empezaron a grabar material nuevo. Temas para recopilatorios o bandas sonoras como ‘Black Rain’ o ‘Live To Rise’ anticipaban que el cuarteto estaba en plena forma y la confirmación de esto llega con ‘King Animal’, su primer álbum en dieciséis años. Más en la onda del rock psicodélico de ‘Superunknown’ que de la crudeza de ‘Badmotorfinger’, comienzan como una avalancha con el single ‘Been Away Too Long’, cuyo título y letra evidencian las ganas de volver a las que había precedido una necesaria pausa (“I only ever really wanted a break, I’ve been away for too long”), pero lo mejor está por llegar, con ‘Non-State Actor’ y ‘By Crooked Steps’, con los clásicos aullidos de Cornell y una complejidad rítmica como sólo Shepherd y Cameron saben llevar a cabo, a la postre uno de los grandes atractivos del grupo, así como los potentes riffs de Kim Thayil.
Como si de un menú de degustación se tratase, ‘King Animal’ muestra de lo que han sido capaces Soundgarden, especialmente en su etapa más popular. En ‘A Thousand Days Before’ o ‘Black Saturday’ se fusionan con el folclore oriental (como frecuentemente hicieron sus ídolos Led Zeppelin) y dan buena cuenta de su afán por los riffs pesados a lo Black Sabbath con ‘Blood On The Valley Floor’ o ‘Attrition’. Con el acento puesto en la melancolía, ‘Bones of Birds’ y ‘Taree’ ofrecen la parte más vulnerable de su repertorio, con base musculosa pero con los sentimientos a flor de piel. Aunque por el comienzo del álbum pudiera parecer que se lanzaban a arrasar con todo, se va desvelando una heterogeneidad, con los temas oscilando entre la fiereza y la reflexión. No dejan que el interés del oyente se les escape ni siquiera en la recta final. Es hasta conveniente la ligereza de ‘Halfway There’ para prepararnos ante un final de aúpa, protagonizado por la explosiva ‘Worse Dreams’ y el misterio y tensión de ‘Eyelid’s Mouth’. El blues de ‘Rowing’, aunque hará sentirse orgulloso a Mark Lanegan, parece un poco de relleno, pero no desentona del todo. Está claro, a falta de que nos sorprendan en el futuro, que sus días de gloria fueron los que fueron y que la magia y espontaneidad de entonces se ha sustituido por la experiencia de quien ha escrito canciones durante décadas, pero están lejos de decepcionar con un álbum muy competente que no sólo no deshonra su legado, sino que aviva su leyenda.
Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘By Crooked Steps’, ‘Non-State Actor’, ‘Been Away Too Long’, ‘Taree’, ‘Worse Dreams’, ‘Attrition’.
Te gustará si te gusta: tanto el rock de los años 70 como el de los 90
Escúchalo: Spotify
Saint Etienne odian su nuevo disco
No hay peor sensación que la de presentarse a una cita en la que solo vas a cenar y sorprenderte con que el resto de comensales van de punta en blanco. «Ah, ¿pero vamos a salir?», y siempre hay alguien que responde «bueno, nunca sabes…». Así que cuando Sarah Cracknell apareció en el escenario del Teatro Lara con un impresionante vestido plateado y una boa blanca de plumas, derrochando simpatía, melenaza y un tipazo de escándalo, muchos nos dimos cuenta de que allí no habíamos ido a ver un concierto sentados.
El show comenzó sin ningún tipo de presentación, pero es que tampoco hacía falta: tras la cancelación de su actuación el día anterior a causa de la huelga, el Teatro Lara estaba a rebosar. Eso sí, tal y como sucedió con The xx, aquí cabe preguntarse si este era el mejor recinto para este grupo: aunque la Cracknell aseguró que era «uno de los sitios más bonitos de esta gira», para el final de ‘Lose That Girl’, el primer tema del set, había conseguido que el público al completo se levantase de sus asientos, para echarse unos bailes y dar palmas. «He preguntado si había algún problema en que la gente se levantase, y me han dicho que no, siempre que no rompáis las butacas». Y así fue como el 95% del público se tiró todo el concierto de pie, pese a que el espacio entre las butacas en ese teatro sea tan reducido que ni se podía bailar ni se estaba cómodo sentado, porque solo veías las cabezas de los de delante.
Por suerte la banda no había preparado un concierto largo, y se podría incluso decir que al igual que su último disco, ‘Words and Music by Saint Etienne’, es una celebración de la música, habían ideado precisamente un setlist que celebrase la música según Saint Etienne, incluyendo versiones de Candlewick Green (‘Who Do You Think You Are’) y Neil Young (‘Only Love Can Break Your Heart’), que ya hicieron suyas hace años.
Pese a ello, no deja de sorprender que tengas que esperar hasta el cuarto tema para escuchar algo del magnífico nuevo LP. De las dieciséis canciones que tocaron, solo seis forman parte del mismo (‘Popular’, ‘Haunted Jukebox’, ‘When I Was Seventeen’, ‘Tonight’, ‘DJ’ y ‘I’ve Got Your Music’), e incluso algunas -sobre todo a ‘DJ’- no sonaron del todo bien. Pero Saint Etienne tienen un punto muy a su favor, que es sobre todo la calidad de su repertorio. Aunque hayas escuchado ‘He’s On The Phone’ un millón de veces y estés un poco harto, temazos como ‘Brunt Out Car’ o ‘Sylvie’ consiguen contentar a casi todo el mundo. Lo malo es que les sigue pesando esa actitud tan conservadora (¿o falta de confianza?) que les lleva a quedarse estancados en antiguos hits. Muchos de los presentes, de hecho, no los habríamos echado para nada en falta a cambio de escuchar ‘Over The Border’, ‘Answer Song’ o ‘Twenty Five Years’… Eso sí, escuchar ‘A Good Thing’ en directo, con el speech previo de «esta canción estuvo en una película de Elmodofer, Almoudoufar, Almodóvar» acompañado de un monísimo «oh, is he in the public, maybe? No? Ok» no tiene precio.
También cuentan con uno en contra: el constante regustillo a orquesta de pueblo que se te queda tras ver una de sus actuaciones, con bailes demasiado espontáneos, una corista que ejecuta unos movimientos tan parcos y poco calculados que provoca la mayor de las ternuras y unos Bob Stanley y Pete Wiggs que delegan en la cantante todo el peso escénico, moviéndose menos que Chris Lowe y Nacho Canut juntos. A cambio, tienen la suerte de tener unos fans que se lo perdonan todo, absolutamente todo, incluso que no saliesen a hacer un segundo bis a pesar de los vítores, patadones al suelo y aplausos de los asistentes. Claro, que también Pete Wiggs salió después a hacerse fotos con los fans y a firmar todo lo que pudo y más, que eso también cuenta. 7,5
«El día más temido en Pacotown»
Hoy era el día más esperado, y también el más temido por todos en Pacotown: la grabación de vientos y cuerdas. Después de varias llamadas mareando a los músicos con si lo hacíamos o lo suspendíamos por nuestros numerosos imprevistos, anoche vimos que habíamos recuperado y que no solo nos daba tiempo, sino que habíamos avanzado tanto que si no dedicábamos el día a ello, lo único para lo que se me ocurre que podríamos aprovechar el estudio es para improvisar solos de castañuelas. Por suerte los músicos no habían cerrado ningún compromiso nuevo y pudieron venir.
Como somos gente de naturaleza megalómana, en principio teníamos pensado (o al menos esa era la idea que habitaba in my mind, no sé del resto del grupo…) dedicar un día entero a cuerdas y otro a vientos, pero al final no había dinero para ello, y tuvimos que dedicar la mañana a lo primero y la tarde a lo segundo. Para mí el proceso creo que ha sido parecido a lo que debe sentir un director cuando aplican los efectos especiales a su película. La canción empieza a crecer, y esa idea vaga que tenías en tu cabeza, o que a lo sumo habías escuchado en forma de sinte, se hace real. Es más, muchas veces crece y se aleja por completo de lo que tenías pensado, transformando la canción en algo nuevo, o cuanto menos dándole un matiz inesperado. Así, ‘Orfidal y caballero’ ha tomado un punto épico nada propio de su título, ‘Hogareña’ ha dejado definitivamente de ser una rumba kraut para convertirse en una especie de Curtis Mayfield meets Can y ‘Se me enamoran’ acaba con una improvisación dixieland que no veía venir cuando empecé una canción sobre lo pesadas que se pueden poner las chicas cuando es fin de semana, quieren salir y a ti no te apetece.
Quiero decir que los arreglos, más allá de alguna idea mía y, evidentemente, de Paco, son obra de Javi Betacam, que pasó la noche escribiéndolos para pasarlos a partitura mientras que el resto veíamos a Wayne Coyne hacer el loco en ‘Fearless Freaks’. Y que estamos muy orgullosos de él por ello.
A lo largo del día pensaba en que es curioso que éste sea nuestro trabajo menos guitarrero hasta ahora. Como nos suele gustar mucho bromear con los lugares comunes de las entrevistas musicales, tanto por parte de entrevistadores (“¿cómo valoras el uso de internet?” ¿en serio? ¿cuántos años tiene internet ya? ¿por qué, ya puestos, no me pides que valore el teléfono o la licuadora?), como de entrevistados. Entre estos últimos, un gran clásico es el “este disco es muy distinto porque es el primero que compongo al…” y tras los puntos suspensivos puedes escribir desde el piano (más típico) hasta la flauta de pan (arriesgada, pero con encanto). Y nos hacía gracia caer en el tópico y decir que ha sido compuesto por primera vez con guitarra eléctrica casi en su totalidad, pero lo cierto es que no es muy guitarrero.
Y como nuestras fotos empiezan a ser un poco redundantes, os dejo con dos instantáneas de las perras de Paco, Georgia y Marieta, que son muy monas y nos hemos encariñado mucho con ellas. No descartamos que alguna sea la portada del disco. Manu.
Carla Morrison gana dos Grammys latinos
Anoche se entregaron los Grammys latinos, a los que asistieron Alejandro Sanz y Pablo Alborán, entre otros. Los grandes ganadores fueron el dúo de pop rock Jesse & Joy, mejor grabación por su tema ‘¡Corre!’, y mejor vídeo musical corto por ‘Me voy’; y Juanes, que ganó el Álbum del Año y el Mejor Vídeo Musical Versión Larga por ‘MTV Unplugged’. La parte que nos interesa, la alternativa, fue dominada por la cantante Carla Morrison, que ha publicado el confesional ‘Déjenme llorar’, y que este año nos conquistaba durante su visita a nuestro país en ‘Viva la canción’. Ganó Mejor Canción Alternativa y Mejor Disco Alternativo, en ambos casos por ‘Déjenme llorar’.
Patti Smith nos hace ladrar
La reconciliación con La Riviera se produjo sólo 24 horas después del disgusto de The xx. Con un público más relajado y la sala llena sólo a medias (en principio su concierto iba a ser en otro lugar más reducido), Patti Smith manejó a las masas como quiso desde que apareció a las 21.30 exactamente sobre las tablas, puntual como un reloj. La artista -en este caso va en serio- decidió arrancar con su último single, el que presentaba ‘Banga‘, ‘April Fool’, una canción mona, notable e ideal para que Patti se arrancara a dar palmas desde el minuto uno. Y donde el día anterior habías terminado hasta el gorro de las palmas y los vítores a destiempo, aquí te encontrabas tú mismo animando y vitoreando como el que más. ¿Cómo decir que no a una señora encantadora de 65 años con el background de Patti Smith? Si ella te sugiere dar palmas, pues tú das palmas.
De hecho, Patti Smith anoche nos hizo hasta ladrar, el colmo de las humillaciones para los que odian interactuar con el artista bien por vergüenza, timidez o pereza, o bien porque no se paga para cantar sino para escuchar. Sucedió durante el corte titular de su último álbum, que toma su nombre del perro de una novela de Bulgákov. Así, el final de ‘Banga’ se convirtió en una fiesta de canes repartidos entre el público, después de que la banda se hubiera animado a ladrar durante la canción. Fue el primer gran intercambio con los asistentes que minutos después se emocionarían con grandes éxitos de la cantante, como ‘Because The Night’ y el final y siempre tan apropiado ‘People Have The Power’. A pesar de la inmensa complicidad con el público durante estos momentos, su vena AOR, explotada por sus cinco músicos, impidieron que realmente se convirtieran en mi parte favorita de su set. Personalmente me quedaría con el simpático reggae de su primer disco ‘Redondo Beach’ (la crónica de EFE atribuye esta canción a Morrissey, en 1975 poco más que un gran fan de Patti Smith), la comedida y estupenda ‘Dancing Barefoot’, el arranque de ‘Pissing In A River’ o el homenaje a Amy Winehouse. Patti contó que esta última composición, ‘This is the Girl’, surgió a partir de un poema que escribió en el Teatro Español de Madrid, y que culminó en Nueva York uno de sus músicos presentes, Tony Shanahan. Es una pista quizá algo sencilla de más, pero a todos nos hizo esbozar una sonrisa recordando a una de las intérpretes y autoras más carismáticas de los últimos tiempos: en todos los sentidos logró su objetivo.
Como en toda su carrera, fueron varias las citas a otros artistas. Hubo un recuerdo a Neil Young, y se dedicó un tema a Roberto Bolaño, una obsesión para ella como en su momento fue otro Robert, Mapplethorpe. Hubo consignas a favor del medio ambiente, una llamada de respeto hacia la madre naturaleza, una reflexión sobre Oriente Medio y por supuesto una referencia a la situación del mundo actual. Aunque más breve que en otras de sus visitas, cuando se ha explayado hablando de occidente y de la importancia del pueblo, Patti Smith hizo referencias a las manifestaciones del día anterior. Ella misma asistió a la de Madrid tras cancelar su concierto del día 14 de noviembre y la calificó como «preciosa».
Sólo dos pegas se pudieron poner a su set: lo breve, 90 minutos exactos bises incluidos, y la poca atención sobre el disco ‘Banga’, que en absoluto es menor, sino absolutamente fascinante en su collage de los distintos temas y géneros que interesan a Patti Smith. Por lo demás, cualquiera que acudiera al concierto ya sabe que ha asistido a un momento histórico: presenciar la catarsis deletreada de ‘Gloria’ mientras gente de diferentes generaciones bota enloquecida, y ella, también, dando una sabia lección de humildad desde su máxima sencillez (y desde su reconfortante sonrisa, como en el caso de Christina Rosenvinge, siempre a medio ocultar). Es una pena que estemos tan rodeados de conciertos y grupos que a veces perdamos la perspectiva. ¿De verdad somos conscientes de que la autora de ‘Horses’, a punto de cumplir 40 años, está estos días de gira por aquí? 8.
Foto: Man Alive, CC en Flickr.
Blood Red Shoes se meten con The Ting Tings
Aprovechando la nueva gira de Blood Red Shoes, en la que presentan ‘In Time To Voices’, que visitará Valencia hoy 16 de noviembre y mañana sábado el Razzmatazz 3 de Barcelona tras pasar ayer por Madrid, el equipo del Dcode ha recuperado en su web una pequeña entrevista con el grupo. En ella hablan (poco) castellano, dicen que han tocado con tantísimo calor que han estado a punto de morir y de manera significativa se presentan como: «Somos Ting Tings y hacemos música de mierda». The Ting Tings tocaron en su misma edición, la de 2011, y parece que no les gustaron mucho.
Los trabajadores de Telemadrid adaptan ‘Ni tú ni nadie’
Los trabajadores de Telemadrid agrupados bajo el nombre «Salvemos Telemadrid» han subido a Youtube un vídeo con una versión de ‘Ni tú ni nadie’, con la letra adaptada. Este colectivo, unido para protestar contra los despidos masivos, la privatización de la cadena y la manipulación informativa, ha mantenido algunas frases de la original de Alaska y Dinarama como «no es necesario mentir», pero ha cambiado casi todo el resto, con frases como «miro el reloj / nos ve menos gente que ayer» o «no os votarán otra vez, no lo harán, no lo harán». Un poco descompasado y desastroso en el sonido para venir de unos profesionales del mundo audiovisual, pero muy bien traído.