«Es posible que Grizzly Bear pasaran inadvertidos ante mis oídos de no ser por la voz de Edward Droste. Y eso mismo ocurre con ‘Yet Again‘, un tema más cerca de la medianía que del acierto redondo pero que la voz de su cantante es capaz de mejorar, hacerlo interesante y, casi por casualidad, acabar enganchándote. Para cuando llega el final de la canción algunos nos sorprendemos rendidos a sus pies». Angèle Leciel.
«‘Yet again’ es más sencilla que ‘Sleeping Ute‘ pero los dos adelantos que Grizzly Bear han ofrecido antes de la publicación de ‘Shields’, nos hacen intuir que el camino que ahora toman los de Brooklyn se dirige hacia unos sonidos más épicos. ‘Yet Again’ suena parecida a ‘You Saved My Life’ de Cass McCombs salvo por el final ruidoso de la primera, es ahí donde queda impreso el sello Grizzly Bear». María Clara Montoya.
«Aunque ‘Yet Again’, como ‘Sleeping Ute’, es vibrante y muestra aristas y rincones, en una versión menos pulida de la banda de Nueva York, cabe pensar si no acabaremos echando de menos esa delicadeza en los arreglos y, sobre todo, en las cuidadas armonías vocales de álbumes anteriores. En ambos cortes, estos son sacrificados en favor de unas guitarras afiladas y abruptas que quizá sean su nueva apuesta, y que recuerdan mucho al trabajo en solitario de su guitarrista Daniel Rossen«. Raúl Guillén.
«Suena como si quisieran hacer una canción a lo Interpol. Intensa, con un punto épico. Una buena presentación de ‘Shields‘, que junto a ‘Sleeping Ute’ nos pone los dientes cada vez más largos esperando el disco completo. Parece que va a ser más cañero y compacto que ‘Veckatimest‘, menos rebuscado. Pero el final de la canción, que tuerce hacia terrenos menos estables, nos avisa de que siguen siendo Grizzly Bear, que guardan muchos ases en la manga y que nunca dejarán de sorprendernos.» Merridew.
Suponemos que nadie ha olvidado que My Morning Jacket publicaron el año pasado el estupendo ‘Circuital‘, que estuvieron presentando hace bien poco en el festival Azkena Rock de Vitoria. Por si acaso, nos lo recuerdan con la aparición de un fabuloso clip para ‘Outta My System’, una de las canciones más inmediatas del mencionado álbum de Jim James y compañía. Se trata de un vídeo casi enteramente de animación, dirigido por James Frost (Radiohead, Ok Go), en el que un ciclópeo Jim James realiza un onírico y psicodélico viaje en un cadillac volador junto a sus ciclópeos compañeros de banda, merced a un mago de ambiguas intenciones interpretado por Zach Galifianakis, actor que se ha hecho mundialmente conocido por sus papeles en el film ‘Resacón en Las Vegas’ y su secuela.
El cantante y compositor Mika siempre ha mantenido cierta ambigüedad respecto a su sexualidad, argumentando que su vida privada no tenía por qué ser más importante que su música, etc. Sin embargo, en una entrevista concedida a la revista ‘Instinct’, Mika ha sido bastante directo: «si me preguntas si soy gay, sí, soy gay. Si tratan estas canciones sobre mi relación con otro hombre, digo sí. Y ha sido a través de la música que he encontrado la fuerza para aceptar mi sexualidad más allá del simple contexto de mis letras. Esa es mi realidad.»
Mika estará actuando este próximo jueves, día 9 de agosto, en A Coruña dentro del festival Noroeste Pop Rock, en el que también participan Xoel López o Iván Ferreiro. Suponemos que allí anticipará algunas canciones de ‘The Origin Of Love’, como el tema producido junto a Pharrell, ‘Celebrate‘.
Desde hace cinco años, el blog ‘Aplasta tus gafas de pasta‘ ha estado agitando el underground nacional, no solo arrojando luz a bandas y artistas que, de otra forma, difícilmente hubieran logrado algún tipo de repercusión, sino también alentando al mundillo del indie a reaccionar contra las comodidad de sus propios clichés y a la inconformidad. Como instrumento, crearon además un sello discográfico homónimo desde el que seleccionaron y editaron canciones de bandas tan interesantes como Gúdar, Lentejas los viernes, Tom Boyle, Garbanzo, Los Nerviosos o Alborotador Gomasio. Tristemente, hace unos días anunciaron que dan por finalizada esta etapa y blog y sello cierran sus puertas.
En JENESAISPOP lamentamos profundamente esta noticia que, sumada a la desaparición hace meses de La Nadadora, deja aun más huérfanos de apoyo a los estratos indies y underground de la música nacional. Deseamos mucha suerte a sus creadores en proyectos futuros y animamos a todo el mundo a acudir a la fiesta de despedida que han organizado el próximo sábado día 11 de agosto en la sala Nasti de Madrid.
Parece claro que ‘Gandía Shore‘, la adaptación española del reality de MTV ‘Jersey Shore’, va a seguir dando mucho que hablar. Según el diario Las Provincias, una joven ha denunciado a la productora por permitir que una de las participantes del programa le diera una paliza. Según la versión de esta joven gandiense de 19 años, todo sucedió cuando estaba con unas amigas en la puerta de una discoteca en la que entraba el equipo del programa grabando a los participantes.
Asegura que hicieron un comentario sobre el dinero que cobraban los participantes, tras lo que tres de las chicas elegidas para el reality se aproximaron al grupo, acusándolas de haberlas llamado «putas» (sin ser ellas nada de eso). La joven agredida, tras pedir infructuosamente al equipo del programa que detuviera la grabación, recibió un puñetazo en la mandíbula para, acto seguido, encontrarse con otra chica que intentaba clavarle el tacón de su zapato en la garganta. Tal cual. Después, los responsables de la productora detuvieron la refriega llevándose de allí a las protagonistas del reality. La chica ha decidido poner una denuncia a la productora, y asegura que ha sido presionada para que no lo hiciera porque «dejaría sin trabajo a unas 70 familias».
Tal y como contábamos, Drake se habría involucrado en un nuevo trabajo póstumo de la recordada Aaliyah, en este caso como productor ejecutivo. Sin embargo, parece que su implicación en el proyecto va más allá. En el blog del festival que él mismo comisaria en Toronto, October’s Very Own, ha sido subida una canción llamada ‘Enough Said’ en la que, aparte de las líneas vocales de Aaliyah (que obviamente han sido muy tratadas en estudio), escuchamos rapear al propio Drake.
Hace unas semanas, Regina Spektor visitaba Madrid por segunda vez presentando ‘What We Saw From The Cheap Seats‘, dando un concierto espectacular en el Circo Price que esperamos que se repita pronto. Ese mismo día pudimos citarnos con ella en un céntrico hotel, siendo la nuestra la única entrevista en persona que concedió en la ciudad. Pese a lo limitado del tiempo con el que contábamos y que Regina se extendía bastante en las respuestas, pudimos comentar su último trabajo, compararlo con otros de su discografía, conociendo así los detalles que esconde el modo de crear de la moscovita, entre otras cosas. Siempre agradable y con una sonrisa de oreja a oreja, esperamos poder transmitir lo gratificante que resultó nuestra charla.
Respecto a tu nuevo álbum como al resto de tu discografía, ‘Far’ parecía más sencillo, con menos aristas, más estándar. En tu nuevo trabajo te zambulles de nuevo en sonidos y atmósferas menos fáciles de digerir. ¿Has intentado con ello dar un paso atrás de lo propuesto en su predecesor?
«¿En serio? Tiene gracia, porque no lo veo así en absoluto. A mi modo de ver, ‘Far’ era un disco mucho más difícil de compartir con la gente, mientras que éste último resulta más fácil. Es complicado analizar tu propio trabajo… En cada disco incluyo canciones de diferentes etapas, tengo muchas canciones. No funciono en plan ‘ir a casa, escribir un disco, grabarlo, ir de gira, volver a casa y escribir otro disco’; hay canciones en éste disco que son más antiguas que las de ‘Far’ y en ‘Far’ hay canciones anteriores a ‘Begin To Hope’, está todo mezclado, así que en cada disco aparece lo que me va interesando en ese momento y luego voy experimentando en términos de producción. Mi proceso de experimentación no es tan diferente de disco en disco, sólo siento que cada vez aprendo más, me meto en distintos territorios. Si este disco es distinto es porque he podido interpretar las canciones más como yo quería, es más cercano.»
Cuando digo que ‘Far’ es más convencional, me refiero que en él no escuchas elementos desconcertantes que sí están presentes en ‘What We Saw From The Cheap Seats’, como esa especie de alarido que hay en la canción ‘Open’.
«Cierto, pero por ejemplo cuando salió ‘Far’ me preguntó un periodista sobre los sonidos de delfines que hay en él. La gente suele buscar cosas raras que yo encuentro de lo más natural, porque las he descubierto al experimentar con sonidos y no me parecen raras. En alguna ocasión me he llegado a arrepentir de alguna cosa que vi con el tiempo que no estaba bien o que no encajaba del todo, pero en el momento de hacer el disco, todo me parece normal. Es algo muy arbitrario, porque mientras el sonido de una flauta en un momento determinado de una canción le puede parecer maravilloso a una persona, a otra le puede incomodar. Siempre ha sido así y pienso que, al fin y al cabo, la gente que me sigue en cada nuevo viaje que emprendo descubre estas cosas conmigo y está abierta a todo lo nuevo que esté por venir, mientras que los que no están muy al tanto de lo que hago siempre están analizándome.»
De nuevo muestras tu habilidad con los idiomas en este álbum e incluso cantas un tema en ruso en uno de los bonus tracks [NDE: Hablamos de ‘The Prayer Of François Villon (Molitva)‘]. Obviamente siempre eliges el inglés como tu lengua principal, pero, ¿has considerado alguna vez cambiar de idioma para todo un LP?
«Ah sí, es una canción de uno de mis cantantes rusos favoritos, tienes que escucharlo. Ojalá pudieras entender las letras, pero su música es muy poética y tiene una voz preciosa, muy tranquila. Su nombre es Bulat Okudzhava y ésta canción es una historia triste de un hombre que va a un sastre para que le arregle su chaqueta, esperando así tener mejor suerte en la vida. Esto que le dice el hombre al sastre es de broma, pero el sastre se lo toma muy en serio y tiene mucho cuidado en dejar la chaqueta perfecta, esperando así cumplir los deseos de su cliente. Las cosas no funcionan así en la vida, por desgracia. En cuanto a los idiomas, tampoco soy tan buena, mi francés es terrible, aunque mi español es peor aún (risas). Nunca he pensado en cantar un disco enteramente en otro idioma hasta hace poco, porque nunca he escrito mis propias letras en ruso. Por ejemplo, una canción de ‘Begin To Hope’, ‘Après Moi’, tiene una parte en ruso, pero es de un poema de Pasternak. He escrito cositas pequeñas, pero por alguna razón siento que en inglés soy capaz de expresarme mejor. Tengo mi propia voz en lo que escribo, aunque esté influenciado por un libro, un disco o una película y en cambio en ruso sería un collage de cosas. Hace poco he empezado a pensar que podría intentarlo, pero solo lo haré si suena a mi, si no, no tiene sentido. Ya me costó bastante escribir canciones en inglés que no apestaran, porque durante muchos años me salían canciones de mierda, pero es lo que pasa cuando empiezas, que tienes que escribir material malo y si tienes la suerte de rodearte de gente que te apoye y si no eres muy duro contigo mismo, entonces puedes empezar a mejorar. Hay que encontrar ese balance entre no exigirse demasiado y no darle demasiadas vueltas al tema. En ruso creo que le doy demasiadas vueltas.»
Y, hablando de bonus tracks, ¿por qué has relegado la única colaboración externa [NDE: ‘Call Them Brothers’, junto a Only Son] a formar parte de las canciones extra en vez de incluirla entre las principales?
«Vuelve todo un poco a como hago mis álbumes, me cuesta secuenciarlos. Las canciones las grabo según trabajo en ellas y luego viene el problema del orden que van a tener en el disco. Las canciones extra fueron las últimas en ser grabadas y ésta en concreto fue la última que grabamos, así que todo el disco estaba terminado y estaba tan acostumbrada a que las once canciones principales estuviesen juntas que creí que cambiar el orden o incluir otra no tenía sentido. Con el tiempo he pensado que debería haberla incluido, pero entonces sentí que debía estar así. Si se hace una reedición, tal vez la incluya, aunque no se si tiene sentido. Mi mente está todavía estancada en la idea de un álbum, mientras que ahora se escuchan canciones sueltas o en modo aleatorio, así que no se cómo escuchará la gente este disco.»
Tiene gracia escuchar en una canción tan tranquila como ‘Ballad Of A Politician’ letras que hablan de menear el trasero. ¿Cómo pretendías combinar una letra aparentemente política con esta acción?
«¿Sabes? Me cuesta hablar de mis letras, no me gusta hacerlo porque creo que cada vez que hablas de las letras limitas algo que no debería tener límites. Creo que la razón por la que uní estas dos ideas es porque la política a veces es una forma de prostitución, ambas cosas proceden del mismo lugar.»
¿Qué esconde el título del disco? ¿Qué viste desde los asientos baratos?
«Es algo más conceptual que literal y la idea para el título del disco se me ocurrió como un año antes de que saliera el disco o incluso de que supiera qué canciones iban a estar ahí. No hay una explicación exacta de por qué elegí un título así, fue más como un sentimiento, algo misterioso.»
Habrá quien, sin conocer bien tu carrera, piense que ‘Soviet Kitsch’ es tu debut por la simple razón de que tus dos primeros discos no vieron la luz fuera de EEUU. ¿Por qué sucedió esto?
«Lo que pasa es que son autoeditados, los saqué así…»
En los últimos años, con el éxito artistas como Feist, St. Vincent o Florence + The Machine, se ha visto un resurgir de la voz femenina que no se veía desde los años 90. Aunque llevas más años en activo que los ejemplos que te he citado, ¿te sientes parte de este renacer?
«Creo que en general es más difícil que las mujeres tengan éxito, no solo en la música sino en general y así ha sido durante muchos años, desde ‘A Room Of One’s Own’ de Virginia Woolf, por poner un ejemplo. A las mujeres les ha costado más tanto en las artes como en la medicina u otras disciplinas. Sigue sin haber un balance entre lo que consiguen los hombres y las mujeres. No se como estarán las cosas en España, pero al menos en EEUU, la radio siempre ha estado dominada por el hombre, excepto tal vez en la música pop en algunas ocasiones. De todos modos creo que lo que es difícil es el simple hecho de triunfar con algo que no se amolde a las fórmulas establecidas, así que en ese sentido lo veo más como una lucha de los artistas alternativos que algo que dependa de géneros. Es maravilloso que se pueda escuchar a Feist o a Joanna Newsom, pero también me alegro por gente como The Shins o Beck, artistas que se salen de la norma.»
A estas alturas creo que podemos estar de acuerdo en que prácticamente nadie inventa nada en el pop. La constante obsesión con el pasado de la que tanto habla Simon Reynolds en su libro «Retromania» lo deja todo en manos de un constante reciclaje que, por su caracter exponencial, tiende a infinito. Sin embargo, la magia de todo esto es que constantemente aparecen propuestas que suenan si no ya novedosas, por lo menos sí frescas y, de algún modo, originales (pensemos en The xx, o en Vampire Weekend o en Bosco Delrey). No es el caso de los Crookes.
Con el objetivo muy marcado en el jangle-pop de los 80 y más concretamente en los melismas morriseyanos, The Crookes tienen una propuesta un tanto plana que difícilmente puede llegar a seducir a más allá de los lectores del NME acérrimos al brit-pop. Vamos, que no te los esperes en Pitchfork. Ahora bien, ¿quién se pudo resistir en su día al ‘Backstreet lovers’ de su primer EP? ¿Y al ‘Bloodshot days’ de su primer álbum? En sus cuatro años de carrera The Crookes no han parado se sacar buenos temas, pegadizos y con gracia. Y este caso no es una excepción.
‘Hold Fast’ es el primer álbum de los Crookes sin el guitarrista Alex Saunders, que ha sido sustituido por Tom Dakin, ha sido producido por Matt Peel (Kaiser Chiefs) y de nuevo es publicado en el sello Fierce Panda (Ash, Supergrass). Su trepidante inicio (con los acertadísimos singles ‘Afterglow‘ y ‘Maybe in the dark’) sorprende por su contundencia y su velocidad, algo que se les había achacado (con razón) en su primera entrega. ‘Stars’, el siguiente tema, es todavía mejor, con más matices vocales y con una línea de guitarra tan extraordianariamente trenzada que suena a clásico inmediato.
Evidentemente, este comienzo -tan de antología- no es fácil de mantener y canciones con un perfil un tanto más bajo aparecen en el tramo final (‘Where did our love go?’, ‘The I Love You bridge’). Pero antes dejan más cortes memorables: El deje glam de ‘American girls’ es uno de los momentos álgidos del disco, al igual que el encanto ligero y de pub de ‘The cooler king’. Por contra, la titular ‘Hold Fast’ puede acabar saturando, pese al claro gancho de su estribillo. Algo que consiguen con mayor simplicidad en la delicada ‘Sal paradise’, en la pegadiza ‘Sofie’ o en el evocador cierre con ‘Collecting skies’.
Así que vale, pueden no resultar especialmente excitantes, y te puede dar algo de pereza escucharlos, pero ya sólo por el palmo que sus canciones sacan a la mayoría de las del resto de grupos de su generación, merecen ser muy tenidos en cuenta en el pop británico actual.
Calificación: 7/10 Lo mejor: ‘Stars’, ‘Maybe in the dark’, ‘Afterglow’, ‘American girls’ Te gustará si te gustan: Morrissey (tanto con los Smiths como en solitario), Gene, Echobelly, The Holiday Crowd Escúchalo: Spotify
Tras pasar por diversas etapas desde los primeros 80, Redd Kross triunfaban en el circuito indie a finales de los 90 con un power pop con toques de psicodelia, rabioso pero desenfadado, teniendo en discos como ‘Phaseshifter’ y ‘Show World’ su cumbre comercial. Sin embargo, en 1999 su guitarrista Eddie Kurdziel murió de sobredosis y fueron incapaces de continuar. Jeff y Steve McDonald reactivaron el grupo en 2006 dando algunas giras (en las que visitaron España, donde gozan de un nutrido grupo de fans), pero no habían vuelto a publicar nada de sde 1997. Ahora, con el auspicio del potente sello Merge presentan al fin ‘Researching The Blues‘, diez canciones que deben demostrar que en estos quince años no han perdido su chispa y su encanto. El single de presentación es este potente ‘Stay Away From Downtown’, en cuyo vídeo hacen un guiño a los Kiss del maquillaje (que también están de regreso), delante de un croma que proyecta imágenes de esos downtowns orientales tan típicos de las grandes capitales anglosajonas.
Hace unos días, Tracey Thorn confirmó que su próximo álbum largo, continuación de ‘Love And Its Opposite‘, será un disco navideño, algo que, según confiesa, es un viejo sueño para ella. El álbum, que llevará por título ‘Tinsel And Lights’ y se pondrá a la venta el día 30 de octubre, será un disco de versiones de canciones ajenas y alguna propia, incluida alguna de Everything But The Girl (justo ahora que se han reeditado los viejos álbumes del dúo formado por Thorn y Ben Watt). Entre los artistas seleccionados encontramos cosas tan diversas como Dolly Parton, The White Stripes, The Magnetic Fields, Ron Sexsmith, Joni Mitchell o Randy Newman. Este es el tracklist completo:
01 Joy [written by Tracey Thorn]
02 Hard Candy Christmas [Dolly Parton cover]
03 Like a Snowman [written by Stephin Merritt]
04 Maybe This Christmas [Ron Sexsmith cover]
05 In the Cold, Cold Night [White Stipes cover]
06 Snow [written by Randy Newman]
07 Snow in Sun [written by Green Gartside of Scritti Politti]
08 Have Yourself a Merry Little Christmas
09 Tinsel and Lights [written by Tracey Thorn]
10 River [Joni Mitchell cover]
11 Taking Down the Tree [ft. Green Gartside] [Low cover]
12 Sister Winter [Sufjan Stevens cover]
13 25th December [Everything But the Girl] (U.S. LP bonus track)
Hay un hombre en Essex que lo hace todo. O casi. El ex-Hefner Darren Hayman continúa con su incesante actividad, mayor de lo que el mercado discográfico suele asumir. Así que él se lo hace todo de una manera artesanal. Tras haber editado dos discos el pasado año, ‘January Songs’ (una canción por cada uno de los días de dicho mes de 2011) y ‘The Shit Piano’ (una reinterpretación de su ‘The Ship’s Piano’, grabada exclusivamente con teclados Casio domésticos), en este 2012 hará lo propio.
Ya vende desde su web ‘Lido‘, un álbum de instrumentales dedicado íntegramente a (atención) piscinas descubiertas del Reino Unido. Y acaba de anunciar que, a través de Fortuna Pop! (Allo Darlin’), publicará ‘The Violence’ como Darren Hayman and The Long Parliament. Se trata, esta vez, de un álbum con veinte canciones que narran los Juicios a las Brujas del condado de Essex, que tuvieron lugar en el siglo XVII durante la Guerra Civil británica. ‘We Are Not Evil’ es un avance de ‘The Violence’ del que Hayman dice «el mal nunca se considera a sí mismo como tal, y la gente puede actuar con crueldad cuando tiene miedo».
Pitchfork ha presentado en exclusiva el vídeo de ‘Cut The World‘, canción que presentó hace días el nuevo álbum de Antony Hegarty y que le da título además. Como decíamos en nuestra crítica, algo más que un disco en directo al uso. Dicho tema ya era conocido por los que han asistido a la representación de la ópera ‘The Life And Death Of Marina Abramovic‘, en la que Antony participaba vocalmente y que protagonizaban la propia artista serbia y el actor norteamericano Willem Dafoe. Nada casualmente, ambos tienen también un papel en este clip dirigido por el australiano Nabil Elderkin. Junto a ellos, la protagonista absoluta es la bellísima actriz holandesa Carice van Houten (‘El libro negro’, ‘Juego de tronos’), cuyos ojos son el hilo conductor de un relato que aúna violencia explícita y poesía visual.
Katie Stelmanis y sus Austra fueron una de las sorpresas del pasado 2011 con su debut ‘Feel It Break‘. En estos momentos, están en su ciudad, Toronto, preparando lo que será su segundo álbum, y han tenido el detallazo de dejar que la web Scion, dedicada a promocionar la música canadiense, grabara una de sus nuevas canciones en el local de ensayo del grupo. Aunque ‘Painful Like’ no se aleja demasiado del estilo del grupo, sí tiene un bajo bastante funky y un ritmo motorik que la hacen casi bailable. Y, además, da fe del buen hacer de la banda en directo.
Sería imposible no comentar que hubo una invitada inesperada (o no tanto, que el cielo se mantuvo encapotado desde primera hora de la mañana) a la última jornada del Santander Music Festival: la lluvia. Pero ello no fue impedimento para que miles de personas se agolpasen en las primeras filas del escenario principal, aguantando estoicamente contra la lluvia, para disfrutar del que podría considerarse como el día grande de esta edición. Una edición que, según datos de la organización, ha conseguido aglutinar a más de 13.600 asistentes durante los tres días que ha durado, y que ha supuesto una diferencia palpable con respecto a otras ediciones gracias a nuevos servicios como la zona de acampada próxima al recinto de la Campa de la Magdalena. Una zona que, todo sea dicho, es un auténtico lujo: disfrutar del concierto en semejante paraje y tan cerca del mar es siempre bienvenido, incluso aunque los rigores climatológicos parezcan empeñados en aguar la fiesta (algo que, por suerte, no consiguieron).
Hace algunos años ya que Love Of Lesbian son auténticas estrellas, y más en lo que a festivales se refiere, en los que son capaces de atraer a gran parte de la extensa base de fans que han acumulado con el paso de los años (y que, para qué vamos a mentir, nada hacían presagiar sus primeros trabajos). El grupo derrocha carisma y saber hacer sobre el escenario, así que sí es cierto que resultaba algo extraño que fuese un grupo como este el que daba el pistoletazo de salida a la última jornada festivalera. Santi Balmes no dudó en expresar alguna vez su malestar con respecto al horario en el que les había tocado actuar, y agradeció a sus fieles su pronta y diligente asistencia, premiándoles con varios momentos inolvidables. Destacó especialmente ‘La Noche Eterna’, que compitió en emotividad con una bellísima versión de ‘Allí donde solíamos gritar’, que primero cantó Balmes casi en solitario para después dar paso al resto de los instrumentos. Si a esto sumamos que sonaron dos de las canciones preferidas del respetable (‘John Boy’ y ‘Algunas plantas’) y que la última parte del concierto fue bastante bailonga, no es de extrañar que el público rugiese en busca de un esperadísimo bis del que, por desgracia, nunca pudimos disfrutar.
Para cuando Brianda DJ pisaba el camión de Red Bull donde se iba a desarrollar su set, la lluvia hacía acto de presencia. Pero la nieta de la Duquesa de Alba no se achantó, e hizo uso de la sombrilla que había en el escenario para guarecerse de la lluvia. Hemos de decir que, pese a su ascendencia noble, se mojó como todo hijo de vecino, pero lo importante aquí es que sorprendió bastante con su selección. Entre otros sonaron El Guincho y Triángulo de Amor Bizarro, y sus posteriores apariciones no hicieron sino confirmar que tiene un gusto bastante respetable para la música. Nunca lo hubiésemos dicho.
Los encargados de recoger el testigo eran Clap Your Hands Say Yeah, y para ese momento la zona del público se había convertido en un mar de paraguas. Encima era francamente difícil aguantar bajo la lluvia si no te habías hecho con un chubasquero antes de entrar al recinto, así que el concierto quedó algo deslucido. No se puede decir, sin embargo, que los de Brooklyn no se esforzasen para dar lo mejor de sí, pero de nada sirvió que empezasen con ‘Satan Said Dance’, que ‘Maniac’ gane enteros en vivo o que tocasen ese viejo hit que hay que ir recuperando a la de ya, ‘The Skin Of My Yellow Country Teeth’: la lluvia fue la verdadera protagonista del show, y más cuando, con la que estaba cayendo, el grupo salió del escenario con la intención de que el público le pidiese un bis. ¡Pero si estaba cayendo lo más grande!
Claro, que no hay mal que cien años dure, así que la lluvia decidió dar un respiro para cuando llegaba el turno de Vetusta Morla. Aunque no hubiese importando que hubiese seguido lloviendo: cientos de personas aguantaban el chaparrón como podían por tal de ver a los de Pucho lo más cerca posible. La banda se centró en ‘Mapas’, su último LP, y viendo su directo es fácil entender el porqué de su éxito: sonaron contundentes y arrolladores, y arrasaron con todas sus canciones al tiempo que se deshacían en elogios hacia el público (Pucho dio las gracias a los asistentes por haber aguantado, y bromeó diciendo que, para la gente del norte, el agua que caía del cielo no eran más que «migajas»). Cabe destacar, de entre todas las canciones del set, cuatro de ellas: ‘Sálvese quien pueda’, que siempre es un éxito; ‘Baldosas amarillas’, una de las más emotivas, ‘La cuadratura del círculo’ como final de excepción de la actuación y sobre todo ‘El hombre del saco’, que con gusto dedicaron a «aquellos que han subido el IVA de los conciertos al 21%».
A Sidonie les cayó el difícil papel de reenganchar al público tras el impecable concierto de Vetusta Morla, y se puede decir que lo intentaron con todas sus ganas. Fueron los únicos que pusieron un poco de atrezzo al escenario, con una réplica de la portada de ‘El Fluido García’, y se desvivieron en piropos a Santander, «la ciudad más elegante de España». Pero quizá su único fallo fue que, en lugar de ponerse verdaderamente psicodélicos, que es donde el grupo parece sentirse cómodo ahora mismo, intentaron virar su propuesta hacia su lado más pop, algo que no les ayudó en absoluto a conectar con el público. Y mucho menos cuando se entregaron a provocaciones un poco antiguas como escupir agua, hacer equilibrios sobre la batería o que dos miembros de la banda se besen en la boca. Por suerte tienen algunas canciones con las que el público vibró (‘Un día más en la vida’, ‘El bosque’), pero fue verdaderamente ‘El incendio’ con la que se llevaron el gato al (otra vez) agua.
Cuando, hace algunas semanas, Paul Banks publicó bajo su nombre el EP ‘Julian Plenti Lives…‘ ya parecía quedar claro que lo de Plenti no era un pseudónimo, sino una especie de personaje en el que se inspira, zanjando la etapa iniciada con su debut. En ese momento, el cantante de Interpol también anunció que su segundo álbum vería la luz en el próximo otoño. Hoy se confirma que su título será ‘Banks’ y que se publicará, vía Matador Records, el día 23 de octubre. Contendrá diez canciones producidas por Peter Katis (The National, Shearwater… y los propios Interpol), la primera de ellas este ‘The Base’ que puedes escuchar y descargar aquí.
De nuevo, Banks se muestra muy ecléctico y condensa múltiples influencias de rock contemporáneo y electrónica, aunque sigue alejado de los ambientes asfixiantes de su banda principal. Este será el tracklist del álbum:
1. The Base
2. Over My Shoulder
3. Arise, Awake
4. Young Again
5. Lisbon
6. I’ll Sue You
7. Paid For That
8. Another Chance
9. No Mistakes
10. Summertime Is Coming
Los que no hemos podido asistir el pasado fin de semana al festival Arenal Sound en Burriana, podemos ver en un vídeo grabado por un fan uno de sus probables highlights. Durante la actuación de Mendetz, el grupo catalán invitó a subir a escena a la cantante Najwa Nimri en uno de los temas destacados de su último álbum ‘Silly Symphonies‘, el single ‘Phantotheque‘. Y, la verdad, la cosa no sale nada mal.
No es la primera vez que escuchamos cantar a la actriz Jessica Paré: muchos recordarán como uno de los momentos álgidos de la recientemente finalizada quinta temporada de Mad Men, su interpretación del chachachá ‘Zou Bisou Bisou‘. Pero eso, evidentemente, no hace menos sorprendente el hecho de que este fin de semana lo haya hecho en directo con nada menos que The Jesus & Mary Chain. Los hermanos Reid están de gira por norteamérica y parece que invitaron a Paré a subirse al escenario en Buffalo a interpretar la parte vocal que en la versión original de ‘Sometimes Always’ hacía Hope Sandoval, para continuar haciendo los coros en ‘Just Like Honey’. Por si alguien no lo recuerda, así fue exactamente como Scarlett Johansson comenzó con su carrera musical.
Realmente algo muy grave debió hacerle Madonna a Elton John en algún momento de su vida, porque el británico se la tiene jurada. Cuando ya casi habíamos olvidado sus pasadas polémicas con la llamada Reina del Pop, sobre todo gracias al notable disco que acaba de sacar junto a los australianos Pnau, Elton vuelve a la carga. Durante una entrevista televisiva, el Sir dice «she couldn’t have been a bigger cunt» (este es un insulto muy grave en inglés, de hijaputa para arriba), y asegura que «su carrera está acabada», dejando entrever que esa animadversión se debe a que «se ha portado muy mal con Gaga (sic)». Además de ensalzar a otras competidoras como Katy Perry o Rihanna, desprecia los últimos discos de Madonna. «Si tuviera sentido común, habría hecho un disco como ‘Ray Of Light’ y se habría alejado del rollo dance y sería una gran cantante pop, algo en lo que es brillante», prosigue antes de rematar «parece una jodida stripper de feria». Suponemos que las reacciones de la Ciccone no se harán esperar.
A inicios de septiembre del año pasado, Antony and the Johnsons dieron dos conciertos seguidos en la Denmark Concert Hall de Copenhague donde tocaron una selección de canciones de sus cuatro álbumes de estudio, pero reinterpretadas por la Orquesta Sinfónica Nacional de Dinamarca. De los nuevos arreglos se encargaron Nico Muhly, Rob Moose (quien condujo la orquesta), Maxim Moston y el mismo Antony Hegarty. Cerca de un año después aquel evento se materializa con el lanzamiento del primer álbum en vivo de Antony and the Johnsons, ‘Cut the World’.
El título del disco no es casual. Perteneciente a la colaboración de Antony en la aplaudida obra teatral ‘La vida y muerte de Marina Abramović, ‘Cut the World’ supone una introducción instantáneamente conmovedora a la filosofía del autor de ‘I am A Bird Now’, enraizada tanto en la Naturaleza como en la figura de la mujer; y la siguiente pista del álbum no es, de hecho, una canción, sino un monólogo de siete minutos en el que Antony comparte con su público su idea de que un mundo gobernado por mujeres sería un mundo mejor. Aunque es del todo improbable que un no-fan de Antony repita escuchas del llamado ‘Future Feminism’ en un futuro, lo cierto es que no se trata de un discurso que induzca al aburrimiento sino de un acercamiento de lo más interesante a las creencias de un artista preocupado por un mundo que, liderado por una sociedad patriarcal, se encuentra en su opinión cada vez más hundido.
La totalidad del álbum es una colección sorprendente de canciones de Antony. En los que fueron los conciertos, el gran clásico de la carrera de Hegarty y sus Johnsons ‘Hope There’s Someone’ (tema principal del gran ‘I Am A Bird Now‘), abría el bis antes de que el show concluyera con la solemne ‘Dust and Water’. Sin embargo, ‘Cut the World’ prescinde de esas composiciones y de alguna que otra más en favor de un concepto más definido en su variedad, explicado en la nota de prensa como representación de “la continúa reflexión de Antony sobre la luz, la naturaleza y la feminidad”. ‘Cut the World’ no es, pues, solo un álbum en directo, sino también un trabajo conceptual en el que su autor expone, como ha hecho siempre, sus intereses particulares, como si este fuera un disco de estudio más en su discografía.
Aparte del concepto, los exquisitos nuevos arreglos ejecutados por la orquesta danesa confieren a las canciones de Antony and the Johnsons una vida nueva, en ocasiones con resultados más estimulantes que en otros como es el caso de ‘Swanlights’, que puede ahora presumir de melodía gracias a su sonido esta vez más orgánico, o el de ‘I Fell in Love with a Dead Boy’, más dinámica y luminosa tras su renovación. Entre los momentos menos acertados se encuentra ‘Kiss My Name’, que a duras penas conserva su gracia original, mientras, de nuevo en el lado opuesto, es ‘You Are My Sister’ la pieza del repertorio incluido en el disco que de forma más evidente muestra lo bien que ha envejecido la voz de Antony.
Únicamente al final del esplendoroso cierre con ‘Twilight’ puede el oyente desde su casa escuchar los embravecidos aplausos de un público totalmente entregado al talento de esta fascinante figura de nuestro tiempo, y pese a que ‘Cut the World’ no es el disco en directo de Antony and the Johnsons soñado, sí es otra razón de peso para alegrarse de ser fan suyo.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Cut the World’, ‘You Are My Sister’, ‘I Fell in Love with a Dead Boy’, ‘Twilight’. Te gustará si te gustan: los buenos conciertos en auditorios tipo Palau de la Música Catalana. Escúchalo: Spotify.
María Isabel Anita Carmen de Jesús Vargas Lizano, ese era el nombre real de Chavela Vargas, nacida en Costa Rica en 1919 aunque en realidad todos hayamos creído en algún momento que era mexicana. En realidad, a todos los efectos lo era, no solo porque residiera la mayor parte de su vida allí o porque tuviera esa nacionalidad, sino porque ha representado como nadie la cultura del país norteamericano en las cinco últimas décadas. Y, lo más importante, lo seguirá haciendo por muchas décadas más.
Puede que muchos jóvenes no comprendan cuál era el valor de esa señora que, al fin y al cabo, no hacía otra cosa que cantar las rancheras (y los boleros y los corridos) de otros. Para eso hay que detenerse en dos cosas. La primera, y más importante, en su manera de interpretar un género que supone a México lo que aquí en España suponen el torero y la bata de cola: lo kitsch y el estereotipo. Chavela no cantaba luciendo un chorro de voz de semibarítono, ni se acompañaba de un gran mariachi. La Chamana, como se la conocía, relataba las grandísimas canciones que le cedió el gran José Alfredo Jiménez con una fuerza dolorosa que empequeñece al oyente, jugando a arrullarnos para más tarde estallar con el desgarro de su voz y unos silencios aplastantes, siempre con un trasfondo musical mínimo, de apenas una o dos guitarras, que creaban una conexión necesaria con el blues que nació unos cientos de kilómetros al norte de su tierra de adopción.
La segunda, el carácter simbólico de su figura, que escandalizó a los pacatos cantando desafiante las apasionadas letras de José Alfredo en primera persona masculina, bebiendo y fumando como el que más, vestida con camisa negra y pantalones debajo de ese característico poncho rojo y, siempre, el pelo corto o recogido. Su evidente homosexualidad. Formó parte de la bohemia mexicana de los 50 y 60 en la que participaron Diego Rivera, Frida Kahlo (de la que dicen que fue amante), Agustín Lara y Juan Rulfo. Artistas superdotados y genuinos que no podían tener cabida en nuestro entonces esquelético y triste país, si no era de forma clandestina.
Y por eso, aunque Joaquín Sabina, Ana Belén y Víctor Manuel ya hubieran declarado su profunda admiración por ella, tuvo Chavela que esperar a que Almodóvar, con el que estableció un vínculo casi familiar y que tan pendiente estuvo de ella en sus últimos días, se valiera del poder de ‘Somos’ (en ‘Carne Trémula‘) y ‘Piensa en mi’ (en ‘Tacones lejanos’, que aunque fue cantada por Luz, era exactamente la versión de la Vargas) la elevara a la altura de icono y la procurara el reconocimiento que siempre mereció aquí y allá. Publicó su primer disco en 1961 y vivió dos décadas al límite, hasta finales de los 70, cuando su adicción al alcohol la obligó a parar. Pero, como demostró hace semanas en su visita a Madrid, era difícil acabar con ella y aun con más de nueve décadas cumplidas se subió a un escenario, para presentar ‘La luna grande‘, su nuevo disco. Eso la obligó a ingresar durante varios días en un hospital, pero no impidió que regresara a morir a México.
Posiblemente, los más jóvenes o las próximas generaciones sean incapaces de llegar a comprender lo importante que ha sido la figura de Chavela desde un punto de vista icónico por carecer de perspectiva histórica. Pero igual de seguro parece que cualquiera que se exponga a su manera brutal y dulce a la vez de explicar los tremendos dramas de ‘La llorona’, ‘Macorina’ o ‘Juan Charrasqueado’ quedará hechizado por La Chamana.
Aunque era una noticia que preveíamos hace días, dado su estado de salud, resulta igualmente triste. Chavela Vargas falleció hoy día 5 de agosto en Cuernavaca, México, a los 93 años de edad. Hacía pocos días que había visitado nuestro país para presentar tanto su biografía, ‘Dos vidas necesito. Las verdades de Chavela’, como su último disco, un homenaje a su admirado Federico García Lorca llamado ‘La Luna Grande’, en el que la mexicana de adopción recitaba poemas del autor granadino sobre sus más célebres canciones. Incluso, llegó a dar un recital en la Residencia de Estudiantes de Madrid, acompañada de Martirio y Miguel Poveda. Aunque la fatiga la obligó a estar ingresada varios días en la capital de España, tuvo el tiempo y la fuerza suficientes para regresar a su hogar en México. En breve dedicaremos nuestra humilde despedida a esta cantante icónica, una intérprete irrepetible.
Los nuevos favoritos de Pedro Almodóvar, Lower Dens, presentan vídeo para otro tema extraído de ‘Nootropics‘, su notable segundo álbum. En ‘Candy’, dirigido por Alan Resnick y Noah Collier, podemos ver a la banda de Baltimore someterse a unas jornadas de convivencia tremendamente freaks, que lo mismo incluyen ejercicios de travestismo que tirolinas.
En una entrevista al tabloide The Sun aparecida hoy domingo, Damon Albarn ha asegurado que la única forma en que Blur grabaran un nuevo álbum sería si se tratara de una banda sonora. En dicha entrevista Albarn asegura que el próximo concierto del día 12 de agosto en Hyde Park (como fin de fiesta a los Juegos Olímpicos de Londres) será lo último que hagan juntos en mucho tiempo. «Aunque no será el final de Blur. Si alguien quisiera que hiciéramos la banda sonora de una película, definitivamente estaría interesado en algo así. Ahí queda la oferta», asegura Albarn. Esta semana Blur han editado ‘Blur 21‘, una gran caja recopilando toda la discografía del grupo. Coincidiendo con ello, en JENESAISPOP hemos contrastado los dos álbumes publicados recientemente por Damon Albarn y Graham Coxon.
«Es posible que Grizzly Bear pasaran inadvertidos ante mis oídos de no ser por la voz de Edward Droste. Y eso mismo ocurre con ‘Yet Again‘, un tema más cerca de la medianía que del acierto redondo pero que la voz de su cantante es capaz de mejorar, hacerlo interesante y, casi por casualidad, acabar enganchándote. Para cuando llega el final de la canción algunos nos sorprendemos rendidos a sus pies». Angèle Leciel.
Hace algunos años ya que Love Of Lesbian son auténticas estrellas, y más en lo que a festivales se refiere, en los que son capaces de atraer a gran parte de la extensa base de fans que han acumulado con el paso de los años (y que, para qué vamos a mentir, nada hacían presagiar sus primeros trabajos). El grupo derrocha carisma y saber hacer sobre el escenario, así que sí es cierto que resultaba algo extraño que fuese un grupo como este el que daba el pistoletazo de salida a la última jornada festivalera. Santi Balmes no dudó en expresar alguna vez su malestar con respecto al horario en el que les había tocado actuar, y agradeció a sus fieles su pronta y diligente asistencia, premiándoles con varios momentos inolvidables. Destacó especialmente ‘La Noche Eterna’, que compitió en emotividad con una bellísima versión de ‘Allí donde solíamos gritar’, que primero cantó Balmes casi en solitario para después dar paso al resto de los instrumentos. Si a esto sumamos que sonaron dos de las canciones preferidas del respetable (‘John Boy’ y ‘Algunas plantas’) y que la última parte del concierto fue bastante bailonga, no es de extrañar que el público rugiese en busca de un esperadísimo bis del que, por desgracia, nunca pudimos disfrutar.
Los encargados de recoger el testigo eran Clap Your Hands Say Yeah, y para ese momento la zona del público se había convertido en un mar de paraguas. Encima era francamente difícil aguantar bajo la lluvia si no te habías hecho con un chubasquero antes de entrar al recinto, así que el concierto quedó algo deslucido. No se puede decir, sin embargo, que los de Brooklyn no se esforzasen para dar lo mejor de sí, pero de nada sirvió que empezasen con ‘Satan Said Dance’, que ‘Maniac’ gane enteros en vivo o que tocasen ese viejo hit que hay que ir recuperando a la de ya, ‘The Skin Of My Yellow Country Teeth’: la lluvia fue la verdadera protagonista del show, y más cuando, con la que estaba cayendo, el grupo salió del escenario con la intención de que el público le pidiese un bis. ¡Pero si estaba cayendo lo más grande!
Claro, que no hay mal que cien años dure, así que la lluvia decidió dar un respiro para cuando llegaba el turno de Vetusta Morla. Aunque no hubiese importando que hubiese seguido lloviendo: cientos de personas aguantaban el chaparrón como podían por tal de ver a los de Pucho lo más cerca posible. La banda se centró en 
