‘Busy Earnin’ es una de esas canciones que hacen carrera. Desde su lanzamiento, Jungle se han convertido en la banda favorita de tu mejor amigo, de tu madre, de tu compañero de trabajo. Con tres discos, ‘Jungle‘ (2014), ‘For Ever‘ (2018) y ‘Lovin in Stereo‘ (2021), el dúo británico compuesto por los amigos de la infancia Josh Lloyd-Watson y Tom McFarland ha desarrollado un feliz sonido de funk y disco retro y cálido que ha conquistado a millones de personas. ‘Volcano’, su nuevo trabajo, que sale el viernes 11 de agosto, promete no decepcionar. De hecho, es su disco en años. Hablamos con Josh vía Zoom de cara a la publicación de ‘Volcano’, que Jungle presentarán en España en octubre: el 27 de octubre estarán en la sala Razzmatazz de Barcelona y el 28 de octubre en el Palacio Vistalegre de Madrid.

¿Cómo habéis vivido este último año?
Hemos estado de gira, tocando en festivales, ha sido intenso, dimos nuestro concierto más grande en México, en octubre de 2022, que fue increíble. De ahí volvimos al estudio, en diciembre, y nos pusimos un plazo de un año para terminar este disco. Hemos intentado hacer un disco rápidamente, al contrario que los otros, que nos han solido tomar dos o tres años.

Te iba a preguntar qué diferencia ‘Volcano’ de vuestros discos anteriores. Por lo que dices, ha sido el proceso.
Hemos intentado no pensarlo mucho. Nos pusimos la condición que el disco que tengamos llegada la Navidad será el definitivo. Es como cuando preparas una galería de arte o una cena con amigos, los últimos detalles son los que los hacen especiales, pero los añades al final, no al principio. Si no, no terminas la obra nunca, te puede llevar toda la vida.

¿Qué significa para ti llegar al cuarto disco de Jungle?
Es muy emocionante, creo que cada vez hacemos mejor música, los sonidos evolucionan, pero creo que es importante cambiar y evolucionar, si no, no seguiríamos emocionados. No es humano querer hacer la misma cosa una y otra vez. Conservamos una curiosidad por encontrar diferentes sonidos. Nos gusta que cada disco tenga un concepto. Y me gusta cuando la gente dice “esto no suena a Jungle”. A eso respondo: “OK, perfecto”. Para mí Jungle es un escape. Y no sería un escape si sonara todo el rato igual.

Pero sí suena a Jungle, ¿no?
Claro, en el fondo suena a Jungle porque somos nosotros dos quienes tomamos las decisiones. Pero los colores con los que pintamos, el acabado, cambian a cada disco. La música siempre da buen rollo, no intentamos hacer lo que hace Aphex Twin, pero las herramientas cambian.

Si vuestro debut fue el disco de recién llegados a la industria, el segundo fue de ruptura y el tercero vuestro despertar espiritual, ¿qué es ‘Volcano’?
Es un ejercicio sobre capturar una energía y una armonía. No creo que haya necesariamente un concepto. En este momento hacemos música porque nos divierte. Toda la música que hacemos habla de las relaciones humanas, el amor que encuentras y el amor que pierdes… En ‘Volcano’ no hay tanto concepto, nos enfocamos en la energía y en la vibra.

Al menos el sonido es más orgánico que en anteriores discos. Hay mucha guitarra y melodías vocales que suenan sampleadas, pero no lo están.
Las únicas canciones del disco que tienen samples son ‘Dominoes’, que contiene un pequeño bucle de ‘Love is a Hurtin Thing’ de Gloria Ann Taylor, y ‘Don’t Play’. La mayoría de voces las hemos grabado nosotros.

El sonido tiene influencias del R&B y el soul clásicos, me vienen a la mente Al Green o Minnie Ripperton. ¿Cómo ha podido ser el «moodboard» de ‘Volcano’?
Intentamos no escuchar la música demasiado, preferimos trabajar desde la memoria y capturar un feeling. Con Minnie Ripperton, por ejemplo, sabemos que su música tiene un componente ligero y juvenil. Nosotros intentamos capturar su aura, pero no miramos directamente a la fuente porque, si lo hacemos, se nos graba en la conciencia. Preferimos recordar esas vacaciones en las que escuchamos una canción suya y nos inspiró esa cosa ligera que tienen sus canciones.

Otro ejemplo es ‘Holding On’, que es más discotequera y agresiva. Para componerla nos imaginamos a una chica salvaje que está en la discoteca bailando y tomando drogas. Entonces nos acordamos del vídeo de ‘Smack that Bitch Up’ de Prodigy y tratamos de componer una banda sonora de eso que estábamos imaginando. Así es como trabajamos.

«Me gusta cuando la gente dice “esto no suena a Jungle”. A eso respondo: “OK, perfecto”»

¿Aún empezáis todo vuestro trabajo en vuestros ordenadores y luego lo lleváis al estudio?
Lo hacemos como podemos. Normalmente trabajamos en el estudio, ya que nuestras canciones están más enfocadas en el sonido, no es que compongamos una canción a la guitarra y construyamos desde ahí. Normalmente empezamos con un beat o con una idea al teclado o con algo que tenga un poco de chicha, y escribimos a partir de esa idea.

¿Qué significa el título de ‘Volcano’?
Precisamente buscamos un título que hiciera a la gente preguntarse eso. ‘The Car’ de Arctic Monkeys ha sido la inspiración de ‘Volcano’. Recuerdo ver la portada de ese disco y preguntarme exactamente eso, ¿qué significa “el coche”? Probablemente no mucho. De ‘Volcano’ probablemente la gente dirá que es un disco “explosivo” y esas cosas, pero para nosotros simplemente es un título misterioso. Es un título que evoca una imagen muy concreta, los títulos de discos anteriores eran más etéreos, pero este juega con una imagen, es parecida al título de ‘Jungle’, nuestro primer disco.

¿Las cuerdas, por ejemplo las de ‘Problemz’, son reales?
Las cuerdas de ‘Problemz’ y ‘Good Times’ son reales. Justamente son las dos canciones que marcaron el sonido del disco. ‘Good Times’ la dejamos fuera porque era demasiado BETA, y en el disco no encajaba. ‘Problemz’ nos pareció demasiado guay como para no incluirla. El resto de pistas apenas incluyen cuerdas y si lo hacen son sintetizadas.

«A la gente que nos dice cómo debe ser nuestra música les respondo: montad vuestra propia banda»

Seguís en Caiola Records, que es vuestro sello propio. ¿Estáis definitivamente más contentos que cuando estabais en XL?
Nos parece importante mantener el control creativo. XL al final es una empresa y quiere ganar dinero. Y ves el mundo de otra manera cuando te liberas de tener relación con gente que te dice cómo debería ser tu música. Es raro vivir en un mundo en el que otra persona te dice cómo debería ser tu arte. Mi respuesta a esa gente solía ser que formara su propia banda. Antes había gente que nos decía que nuestra música no era suficientemente loca, o que no llamaba suficientemente la atención, y cuando eso pasaba yo no paraba de dudar de mí mismo. Somos nosotros quienes aplicamos el control de calidad a lo que hacemos.

¿Qué idea tenía XL de vuestra música?
Nada específico a comentar, más bien querían un single claro, las canciones que hacíamos no le parecían suficientemente «single». ¿Pero qué demonios es un single? A mí me parece bien que vengas al estudio y me digas que lo que estoy haciendo es una mierda, pero si no me presentas una alternativa, para mí tu argumento no es válido.

¿Como músico buscas consejo, o no?
Realmente no. Nadie tiene las respuestas, y si dicen tenerlas, te están mintiendo. Me gusta hablar con la gente que tengo a mi alrededor, hablar de ideas, pero no voy a pedir consejo a nadie.

¿Cómo ha evolucionado tu relación con Tom en estos 10 años?
Somos hermanos, hemos crecido juntos, hemos aprendido que nada es tan profundo, que la música tiene que ser divertida. El estrés de las giras, la industria musical, nada es tan importante. Te quedas con la experiencia de estar con tus amigos y con la gente que quieres, ver mundo, crear música. Tom y yo hemos madurado juntos e intentamos no tomarnos nada de esto demasiado en serio.