Esta misma semana llega a las tiendas ‘Silver & Gold: Songs For Christmas Volume 6-10‘, la nueva caja de canciones navideñas de Sufjan Stevens. Entre los cinco EPs que contiene, podremos encontrar momentos alejados del típico villancico y otros más clásicos. Más cerca de estos últimos está la canción que da título a esta compilación, una desnuda ‘Silver & Gold’ llena de una melancolía que se vuelve devastadora combinada con imágenes. Su lacrimógeno vídeo apela a la nostalgia de la infancia a través de un niño que vuela feliz su cometa en la playa. El aspecto viejuno del Super 8 podría hacer pensar que estamos viendo a un joven Sufjan pero no, se trata de su sobrino Gavin.
La nostalgia infantil de Sufjan
Rihanna estrena ‘Stay’ en la tele
Rihanna ha pasado este fin de semana por la televisión norteamericana para interpretar ‘Diamonds’ y otra de las canciones contenidas en ‘Unapologetic’, su nuevo álbum, que sale la semana que viene. El tema escogido es ‘Stay’, otra balada pre-navideña que parece dejar claro que esta vez la cantante no apostará por un pepinazo para vender discos. La versión definitiva de la canción contará con Mikky Ekko.
Por otro lado, ya existen previews de todas las canciones del disco en Youtube.
Justin Bieber y Selena Gomez han roto
Justin Bieber tiene que estar de celebración tras su éxito en la gala de los premios MTV Europe, pero según US Weekly podría no estar tan contento. Este medio asegura que él y Selena Gomez, sin duda la pareja más extraña del mundo del pop, ya no salen juntos y habrían roto después de dos años de relación. Una fuente habría informado a este medio de que Selena habría dejado a Justin hace una semana. De nuevo, las apretadas agendas de ambos habrían sido la razón de la ruptura. Sin embargo, según TMZ, no han roto sino que se están dando un descanso y Bieber seguirá luchando por volver con Gomez.
El Perro del Mar / Pale Fire
Envuelto en todo momento en esa especie de bruma fucsia que decora la cubierta de ‘Pale Fire’, el cuarto álbum de El Perro del Mar se revela desde el primer momento completamente cautivador en su conjugación de estilos tan diversos como el house, el reggae o incluso el space-disco, al mismo tiempo que supone un nuevo y sorprendente cambio de sonido en la carrera de alguien que se presentó al mundo felizmente inmersa en la pomposidad sesentera de pequeñas joyas como ‘Party’, pero que terminó, tres años después, rendida a la elegancia del más sofisticado pop electrónico.
Esta expansión en el lenguaje musical de Sarah Assbring resulta en ‘Pale Fire’ en la más sólida colección de canciones de su carrera desde su álbum debut de 2006. La sueca ha decidido esta vez revitalizar, a su cálido estilo, el pop sintético de los primeros años noventa, ofreciendo en cada pieza una maraña de deliciosa nostalgia bañada por el sonido de los sintetizadores añejos, de sus bellas melodías cósmicas y sus oscuros y a menudo lánguidos ritmos. Ahí está, por ejemplo, la enorme belleza de ‘Love Confusion’, una hermosa pieza que suena difusa al principio, pero que no tarda en subyugar al oyente hasta inducirle a una especie de trance solo interrumpido hacia el final, con el distante sonido (¿o recuerdo?) de unos perros ladrando a lo lejos.
Desde los vientos más o menos épicos que inician el álbum hasta la pegajosa melodía de la excelente ‘Hold Off The Dawn’, otro de los singles que, pese a su sutil sonido tropical, destaca especialmente tanto por su preciosa melodía como por la doliente interpretación vocal de Assbring, ‘Pale Fire’ desarrolla una estupenda primera mitad que ya le hubiera gustado para sí a Jessie Ware. La segunda parte del álbum la lidera ‘Walk On By’, el gran primer sencillo del disco, de influencias negras, que tanto sonora como visualmente se posiciona como uno de los más acertados ejercicios de “revival” noventero desde que el “revival” noventero se pusiera de moda.
Casi igual de interesante es el coqueteo de El Perro del Mar con el reggae en ‘Love In Vain’, punto álgido de la segunda mitad del disco solo superada, por poco, por otro de los hits claros de ‘Pale Fire’, la canción de gráfico título ‘To The Beat of a Dying World’. Pero la poderosa belleza del space-disco de ‘Dark Night’ no tiene rival en el álbum. Con una melodía cercana al africanismo, pero difuminada por el humeante sonido de los sintetizadores, ‘Pale Fire’ concluye su recorrido con su momento más épico en poco más de cuatro minutos. Un breve período de tiempo lo suficientemente fascinante como para que el oyente desee volver a sumergirse en esa rosada neblina de la portada, que tan bien representa el contenido de este álbum.
Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Hold Off the Dawn’, ‘Love Confusion’, ‘Walk On By’, ‘Dark Night’
Te gustará si te gusta: Class Actress, Nite Jewel, Chateau Marmont
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Taylor Swift triunfa en unos descafeinados MTV European Music Awards
Con tres premios en total (Mejor Artista Femenina, Mejor Directo y Mejor Look), Taylor Swift se ha convertido en una de las triunfadoras de la noche en la gala de los European Music Awards concedidos por la cadena de televisión MTV. La cantante, que además ha defendido con mucha soltura ‘We Are Never Ever Getting Back Together’, ha sido la encargada de cerrar una gala descafeinada e incluso aburrida. Probablemente la culpa de ello haya sido de una Heidi Klum que no terminaba de resultar graciosa (aunque los gags de entrar y salir de un váter para abrir y cerrar la gala han sido lo más) y de un Ludacris que no ha puesto ni un poco de su parte para convertirse en un presentador atractivo. A esto hay que añadir que, en su recta final, los premios que se entregaban carecían de cualquier tipo de interés.
Otros artistas destacados han sido los canadienses Justin Bieber (Mejor Artista Masculino y Mejor Artista Pop) y Carly Rae Jepsen (Mejor Artista Push y Mejor Canción). Lana del Rey se ha coronado como la Mejor Artista Alternativa y Nicki Minaj ha hecho lo propio con el galardón a Mejor Artista Hip Hop. En cuanto a las actuaciones, No Doubt no han dado todo lo que esperábamos de sí, fun. han sonado aburridos y monótonos y a The Killers les ha perjudicado mucho tocar detrás de una pantalla, eliminando así toda la conexión emocional con el público. ¿Los mejores? Muse, en absoluto estado de gracia, haciendo que algunos nos arrepintamos muy mucho de haber cargado las tintas contra ‘Madness’: han terminado protagonizando la mejor actuación de la jornada, en parte gracias a unas gafas de lo más molón que llevaba Matt Bellamy. Eso sí, PSY, por mucho que haya sido el rey del playback, les ha seguido muy de cerca.
23.01 Ah, no: ¡todavía quedaba ver a Heidi Klum saliendo de nuevo del váter!
23.00 Y aquí termina la gala de los MTV EMA más descafeinada de la historia.
22.59 Taylor Swift despide la gala con ‘We Are Never Ever Getting Back Together’. Ella es ñoña a más no poder, pero la canción es un temazo.
22.56 Qué guapísima es Taylor Swift.
22.50 Ha sido corto y casi nadie se ha enterado, pero ha merecido la pena ver el pequeño homenaje que han hecho en los EMA a Adam Yauch, integrante de los Beastie Boys, que murió el pasado mayo.
22.47 Los MTV EMA dentro de poco se podrán prever según quién haya asistido a la gala o no. El Premio al Mejor Vídeo va para un nerviosísimo PSY (le tiembla el pulso muchísimo al pobre). La cuestión está en que bien se lo merece con un ideo tan divertido. Junta a él competían Lady Gaga (‘Marry The Night’), Katy Perry (‘Wide Awake’), M.I.A (‘Bad Girls’ y Rihanna (‘We Found Love’).
22.44 Heidi Klum, que acaba de salir con un paraguas en llamas, está deseando que esta noche se le salga una mamella.
22.42 Han Geng, vestido de forma muy discreta, y con parte de su discurso ininteligible o/y en chino, se lleva el galardón a Mejor Artista Global.
22.40 ¡Premios Express! Mejor Artista de Pop: Justin Bieber (que ha dicho danke schön, para demostrar que él es muy leído y muy viajado). Mejor Artista Rock: Linkin Park.
22.38 Crear un hit mundial diciendo únicamente «que no pare la fiesta y don’t stop the party». Está pasando.
22.35 Ha llegado nuestro momento más temido de la noche: Pitbull en el escenario.
22.30 Consideramos que no debéis perderos esta foto de los Gandia Shores.
22.24 Alicia Keys destaca no solo la voz, sino también la personalidad de Whitney Houston, que se lleva, de forma póstuma, el Premio de Icono Global. Varios de los protagonistas de esta gala de los MTV EMA 2012 (PSY, One Direction, Nicki Minaj…) y otras personalidades del mundo de la música (Aerosmith, Lady Gaga…) hablan del legado de Whitney Houston.
22.23 MTV EUROPEAN Music Awards. Número de artistas EUROPEOS premiados por ahora: dos, David Guetta y One Direction.
22.23 ¡Premios Express! Mejor Artista Novel: One Direction.
22.22 Muse acaban de dar un puñetazo encima de la mesa y han firmado la mejor actuación de la noche. INCREÍBLES.
22.18 MATT BELLAMY, QUEREMOS ESAS GAFAS.
22.16 Sorprendentemente, el Premio al Mejor Look no es un premio express (ha servido para sacar a dos modelos en culos y que Heidi Klum les diese un par de cachetes en cada nalga, en un espectáculo nada grotesco) y ha recalado en Taylor Swift. Con ella compartían nominación Nicki Minaj, Taylor Swift, Jack White, A$ap Rocky y Rihanna.
22.07 ¡Premios Express! Mejor Artista Alternativa: Lana del Rey.
22.04 PSY o el triunfo de ¿para qué cantar toda la canción en directo si tengo la mejor coreografía de toda la noche? Y por ende, la mejor actuación, o por lo menos la más pintona, cameo con David Hasselhoff incluido.
22.02 Heidi Klum disfrazada de tirolesa. No podía ser de otra manera, ¡una gala libre de tópicos!
22.00 Taylor Swift se hace con el Premio a Mejor Directo, y agradece en alemán (bueno, más o menos). Junto a ella estaban nominados Green Day, Muse, Lady Gaga y Jay Z & Kanye West. Taylor se perfila como una de las ganadoras de esta noche.
21.55 The Killers defendiendo (con bastante acierto) ‘Runaways’ detrás de una pantalla. Eso sí, la respuesta del público es bastante fría.
21.51 Ver este anuncio de telefonía y desear secretamente que todos los anuncios del mundo tengan banda sonora de Calvin Harris.
21.48 ¡Premios Express! Mejor Artista de Hip-hop: Nicki Minaj y Mejor Artista de Electrónica: David Guetta.
21.45 Geordie Shore al completo sale a presentar el galardón al Mejor Artista Masculino, para el que están nominados Justin Bieber, Pitbull (¿?), Jay Z, Flo Rida y Kanye West. Se lo lleva Justin Bieber, y se oyen unos cuantos abucheos entre el público. Justin no ha acudido, así que ha grabado un vídeo desde el salón de su casa.
21.43 El carisma de Gwen Stefani salva la actuación de No Doubt, pero desde luego, no ha sido de sus mejores actuaciones en directo.
21.36 Kim Kardashian se encarga del Premio a la Mejor Canción. La agraciada ha sido Carly Rae Jepsen, por ‘Call Me Maybe’. También estaban nominados Gotye (‘Somebody That I Used To Know’), Pitbull (‘International Love’ – sin comentarios sobre esto), fun. (‘We Are Young’) y Rihanna -¿o deberíamos decir Calvin Harris?- (‘We Found Love’).
21.25 Menos mal que Alicia Keys ha cambiado pronto del cacho de flop de ‘New Day’ a ‘Girl On Fire’, porque prevíamos lo peor.
21.21 Lana del Rey, encargada de presentar el primer premio de la noche: Premio a la Mejor Artista Femenina. Las nominadas son Nicki Minaj, P!nk, Taylor Swift, Katy Perry y Rihanna. Y el galardón ha ido para Taylor Swift.
21.12 Alguien en MTV España ha decidido que Carly Rae Jepsen no era suficientemente importante como para mantener el directo, y han pasado a publicidad. Lo peor es que está siendo la mejor actuación (al menos la más divertida) de las tres que llevamos…
21.10 Sin todos esos arreglos, ¿’We Are Young’ de fun. no queda un poco descafeinada? Es un temazo del tres al cuarto y se acaba de convertir en la canción más anodina de la historia.
21.05 Rita Ora es la encargada de abrir la gala, con ‘Baby Come Closer’. Solo vamos a decir que, en directo, a su lado, Katy Perry canta como los ángeles.
21.03 Este año la inspiración es la de un circo. En todos los sentidos.
21.01 Heidi Klum ha llegado al escenario A TRAVÉS DE UN VÁTER. ¿Es una indirecta de la MTV?
20.54 Por cierto, que Ludacris ha aprovechado para presentar el video de ‘Rest Of My Life’, junto con Usher y David Getta. Estábamos buscando el video para poner un enlace, que se supone que se puede ver en la web de los EMA, pero debe de estar bien escondido…
20.52 ¿A David Hasselhoff le han puesto en nómina en la MTV?
20.47 La manía esta de MTV de dar premios en la alfombra roja. Es el momento de dar el Premio al Artista con Mejores Fans. Estaban nominados Justin Bieber (que los mejores fans no se sabe si tiene, pero sí los más pesados), Katy Perry, Lady Gaga (ganó el año pasado, y compite un poco con Bieber), One Direction y Rihanna. El premio ha ido para las fans de One Direction.
20.42 PSY acumula con ‘Oppa Gangnam Style‘ setecientos millones de visitas en Youtube. Casi nada: para que os hagáis una idea, el ‘Bad Romance’ tiene algo más de cuatrocientos millones.
20.41 ¡OPPA GANGNAM STYLE!
20.40 Los nominados son todos los años los mismos, ¿no?
20.37 Kim Kardashian aparece con un traje que parece tejido con trozos de cinta magnéitca de los ochenta. Esta chica, además de ser novia de Kanye West, ¿a qué decís que se dedica?
20.28 Heidi Klum acaba de salir con un vestido lleno de joyería y lentejuelas que le deja media mamella fuera. Todo de Versace, por cierto.
20.23 Que Pitbull esté nominado a algo es como una mala broma.
20.22 Eso sí, menudas uñas, Lana, querida…
20.21 Lana del Rey es mucho más mona en la tele que en las fotos, ¿no? ¡Por lo menos sabemos que se ríe!
20.18 ¿Gwen Stefani ha hecho un pacto con el diablo? Está increíble…
20.17 Once años sin ver a No Doubt, y ahí están. ¡Qué ganazas de verles en directo! Aunque el disco ya sabemos que es un poco «meh».
20.04 Rita Ora traerá «jaulas, paraguas y un montón de bailarines». Lagy Gaga, Madonna, anyone?
20.03 La alfombra roja empieza con un repaso a los MTV EMA 2011. ¿Os lo perdisteis?
20.01 Louise Roe acaba de decir que esta es «la noche más importante de la música». No ha debido de ver nunca los Grammy, o los BRIT Awards.
20.00 ¡Ya estamos aquí! Comienza la alfombra roja de los MTV EMA, que este año se celebran en Frankfurt.
Día 1: baterías y percusión
DÍA 1: Dedicamos el día a baterías y percusión. Para lo último ha venido con nosotros Pablo Magariños (Abraham Boba, Julio de la Rosa, Litoral), que ya tocó con nosotros un tiempo que Eli estuvo fuera de España. En este disco hemos intentado alejarnos del pop sesentero y noventero del primero, y meternos en otros estilos: disco, rumba, funky, pop tropical, para los que la percusión es clave.
La cosa no avanza muy rápido. Algunas canciones tienen bases rítmicas que están por definir, y tardamos un rato en tener las tomas buenas de las baterías. Después de grabar las percusiones de Pablo vemos que algunos ritmos no cuadran entre sí, por lo que hay que revisarlos. Tenemos que grabar todas las baterías y percus seguidas, porque Pablo solo tiene dos días antes de volverse a Madrid a tocar con Monserrat, el grupo que tiene con Javi, nuestro nuevo guitarrista. Cualquier músico, después de tocar 12 horas seguidas, acaba bastante cansado, pero algo me dice que un batería aún más.
Finalmente grabamos la base rítmica de tres canciones: ‘Bonito Cortejo’, ‘Se me enamoran’ y ‘Baile letal 3’. No son muchas, pero creo que están quedando bastante bien. Manu.
Revelación o timo: The Staves
Los asistentes a los recientes conciertos de Bon Iver en nuestro país quizá vieran la actuación de The Staves, que abrían los shows para la banda de Justin Vernon. De hecho, en algunos de sus shows incluso fueron invitadas por el cantautor norteamericano para cantar ‘re: Stacks‘. Emily, Jessica y Camilla Staveley-Taylor son tres hermanas originarias de la ciudad de Watford, Reino Unido, donde sus padres las educaron musicalmente. La fantástica sintonía de sus tres voces las llevó a grabar coros para Tom Jones o Fionn Regan, pero ellas tienen otros planes para su pop folkie. Bajo el nombre de The Staves han venido publicando varios EPs desde 2010, el último de ellos, ‘The Motherlode‘, este mismo año.
Sus canciones no pueden sino remitir a otras jóvenes cantautoras folkies como las también hermanas First Aid Kit, Lisa Hannigan o Laura Marling, con la que han compartido productor. Ethan Johns se ha hecho cargo de la producción de su álbum de debut, un ‘Dead & Born & Grown’ que llegará a las tiendas este lunes 12 de noviembre. El primer avance del disco ha sido este ‘Tongue Beneath My Teeth’, cuyo vídeo es un claro homenaje al spaghetti western. De hecho, casi podríamos jurar que está rodado en los famosos estudios almerienses de Tabernas.
Halls / Ark
Halls es Sam Howard, londinense de veintiún años que empezó a componer durante una época turbia de su vida en la que apenas podía salir de casa, y necesitaba distraerse con algo. ‘Ark’ es su debut oficial para No Pain In Pop (Echo Lake, Nite Jewel, Forest Swords) tras una serie de EPs que llamaron la atención de blogs y demás. La verdad es que, por edad y propuesta, Halls podría haberse convertido en el relevo para 2012 de James Blake, pero pese a que ‘Ark’ tiene momentos verdaderamente brillantes, carece de grandes clásicos y de algo de variedad (las pistas 6 y 7 son prácticamente la misma canción).
A medio camino entre el post-dubstep de James Blake, el glitch de Xela (por decir alguien) y la neoclásica de Nils Frahm (por decir alguien también), el sonido de ‘Ark’ es sorprendentemente maduro para alguien de la edad de Howard, cuyo quejumbroso falsete, para más inri, ya ha despertado comparaciones con nada menos que Thom Yorke, y lo desolador tanto de sus momentos más ambientales como de sus melodías vocales sugiere de manera más que efectiva que el chico lo ha pasado mal en la vida. En ese sentido, el debut de Halls es un logro porque esa honestidad, expresada desde la máxima introspección, termina finalmente llegándole al oyente y, por tanto, emocionándole.
No obstante, es su profundo carácter solemne lo que más llama la atención del álbum. La pieza introductoria suena a procesión funeraria. Hay un tema que, de hecho, se titula ‘Funeral’, otro que se llama ‘Winter Prayer’, otro ‘Holy Communium’, y algunas de las canciones del disco fueron grabadas en iglesias e incorporan coros. La mejor de todas ellas es ‘White Chalk’, una ambiciosa composición que encuentra en su juego con los silencios el más acertado de sus recursos para emocionar al oyente, pero que, además, incluye el momento coral más bello de todo el disco.
A esta gran canción sucede ‘I’m Not There’, asimismo un éxito en su conjugación de ambientes lúgubres y depresivos con una producción post-dubstep presente también en ‘Reverie’. El resto de ‘Ark’, sin embargo, sigue más la línea de esa cálida electrónica glitch, por supuesto cuidadísima y deliciosa, especialmente en temas como ‘Roses for the Dead’ o ‘Holy Communium’, que encantará a los fans de múm. Pero Howard falla en que tanto sus producciones como sus melodías resultan reiterativas y ‘Ark’, por lo tanto, termina resultando un tanto repetitivo. Aunque Halls, con solo veintiún años, promete demasiado como para no tenerlo en cuenta en futuras ocasiones.
Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘White Chalk’, ‘I’m Not There’, ‘Shadow of the Colossus’
Te gustará si te gusta: James Blake, Nils Frahm, The xx, múm
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The Walkmen entregan el famoso smartphone en Madrid
La banda neoyoryina ha pasado estos días por España ofreciendo dos directos que tuvieron lugar en Barcelona y Madrid. Aunque no hace tanto que pasaron por aquí, ya que antes de verano se dejaron caer por Toledo y formaron parte del cartel del San Miguel Primavera Sound. La sala Arena no acabó de llenarse del todo pero las plazas delanteras se ocuparon al 100% y los asistentes estuvieron ciertamente entregados a la banda y a cada movimiento que pudiera hacer el cantante, Hamilton Leithauser. Todos los componentes vestían con colores oscuros pero sin duda, Hamilton era quien más destacaba con su habitual atuendo de camisa clara y americana. Un frontman con grandes capacidades para encandilar a todo tipo de público.
El último trabajo de The Walkmen, ‘Heaven‘, es una sucesión de grandes temas que, como si de un selecto compendio se tratase, agrupan lo mejor de su carrera en estos últimos diez años. Así, el espectáculo se abrió con tres canciones de este álbum que fueron interpretadas con gusto y precisión. Fueron ‘Line By Line’, ‘The Love You Love’ y una contundente ‘Heartbreaker’ que dio por inaugurado oficialmente el show. No faltaron temas de anteriores trabajos como ‘Angela Surf City’ o ‘Blue As Your Blood’ de ‘Lisbon‘, ‘All Hands And The Cook’ de ‘A Hundred Miles Off’ y ‘On The Water’ o la brillante ‘In The New Year’ de ‘You & Me’.
Unas horas antes del concierto os contábamos el incidente que tuvieron en Lisboa con unos atracadores, de los que se quedaron un smartphone que tirarían al río según contaban en su Twitter. Pero para sorpresa de los asistentes, vimos cómo Hamilton Leithauser no había tirado el teléfono a ni al Tajo ni al Manzanares, sino que lo sacó del bolsillo de la chaqueta y lo lanzó al público de la sala Marco Aldany.
Del álbum ‘Bows + Arrows’ de 2004 sonó emocionante ‘138th Street’ y no dejaron de lado su canción bandera ‘The Rat’. Y no faltó la bonita ‘Love Is Luck’ del último trabajo con el público por fin guardando silencio. Después de haber tocado una hora escasa se despidieron del público con la fantástica ‘We Can’t Be Beat’ de ‘Heaven’. Podría decirse que fue uno de los mejores momentos del directo. Y aunque se hicieron rogar, el incansable público no paraba de corear el «oooohhh» final del tema que acababa de sonar y finalmente acabaron saliendo para interpretar la animada ‘Woe Is Me’ seguida de la preciosa ‘Another One Goes By’. Un bonito tema para despedirse, aunque todos hubiéramos agradecido que dieran una vuelta a algunos temas más. Esperemos que cuando vuelvan llenen una sala hasta la bandera. Su directo lo merece, ojalá se entere todo el mundo. 7,5
Actress / R.I.P.
Darren Cunningham llegaba este año a su tercer lanzamiento con su proyecto Actress, que presenta hoy en el festival M!ra de Barcelona. Después del éxito de ‘Splazsh’ (2010), el productor británico que tuvo que abandonar el fútbol a los 19 años por culpa de una lesión, entrega una obra profunda e introspectiva que parte de una imagen que le vino mientras dormía, la de un hombre rezando en blanco y negro. Del temor de la única garantía que tenemos, «que todos vamos a morir» y de que de alguna forma «en verdad ya estamos muertos» vienen título, portada y canciones tan tenebrosas como ‘Uriel’s Black Harp’ y ‘Shadow From Tartarus’.
El carácter onírico de las canciones es palpable en temas como la espléndida ‘Jardin’, una nana casi indietrónica que confirma que el sonido propio del artista está lejos de su interés por el techno y la escena 2-step. Uno de los atractivos del disco es que las composiciones hablan por sí solas y prácticamente no hubieran necesitado título alguno. De esta forma, ‘R.I.P.’ es mejor cuanto más redundantes e innecesarios resultan sus títulos: ‘Ascending’, ‘Serpent’ y ‘Holy Water’ transmiten literalmente las sensaciones que imaginas en cuanto atiendes a sus nombres, resultando transparentes y emocionantes. Tanto como en su pasado resultaron ‘Lost’ o la cinematográfica y casi dream-pop ‘Maze’.
‘R.I.P.’ es una obra espiritual, sobre la pérdida, de gran calado, en la que su autor ha citado como referencias ‘El paraíso perdido’ de Milton o ‘Music of the Spheres’ de Jamie James. Aunque algunas de sus piezas parecen demasiado fugaces o incluso intrascendentes (¿como la vida?), en la mayoría de ocasiones Cunningham consigue sin problemas crear una maraña de sonidos nocturnos meditativos que se mueven con deliciosa languidez entre la levitación y la resignación. Sólo con la base oscura de ‘Marble Plexus’ y algunas pistas hacia el final, los ritmos se desmadran ligeramente. ‘Caves of Paradise’ parece esconder y contener los beats de un irresistible hit dance noventero, mientras que ‘The Lord’s Graffiti’ está familiarizada con el The Field más bailable y la final ‘IWAAD’ abre las puertas del delirio. Bien a través de la calma o en un lugar más próximo al éxtasis, el hombre que quiere hacer «música cool y clásica para la generación moderna» ha logrado su objetivo.
Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Ascending’, ‘Jardin’, ‘Caves of Paradise’
Te gustará si te gusta: Oneohtrix Point Never, Burial
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Floex: «Mi música no es para que la gente coma tarta Sacher»
La edición del notable ‘Zorya’, donde se mezclan de manera notable los elementos electrónicos más oníricos con arreglos llenos de nostalgia a cargo de clarinetes y pianos, ha consolidado al checo Floex como uno de los valores más exportables de la República Checa. Hablamos con el artista horas antes de su actuación hoy 10 de noviembre en el festival M!ra, cuyo cartel podéis consultar aquí.
Ya hace tiempo que sacaste este disco, que has dicho que es el más importante de tu carrera. Después de tantos meses, ¿aún lo ves como tu pequeña obra maestra, o has empezado a ver en él algunas imperfecciones, quizá por tener ya en mente otras cosas?
Bueno, los músicos siempre tienden a ver su último álbum como el más importante, pero para mí es realmente especial. Como el anterior disco es de hace diez años contiene un montón de energía y de emociones diferentes. Para mí esto es lo mejor que he podido convertir en música hasta hoy, especialmente en cuanto a escribir canciones. No tengo la sensación de querer cambiar algo, he aprendido a aceptar las cosas como pasan. Por otro lado, cuando pienso en material nuevo, ya estoy buscando algo diferente. Ya sabes, no voy a hacer ‘Zorya II’. De momento no estoy trabajando en un álbum nuevo todavía. Estoy pasando todo este año de gira, principalmente.
Hay un montón de sonidos electrónicos en el disco, pero también pianos, arreglos orquestales… ¿Hay alguna pieza en ‘Zorya II’ que haya pasado de ser más electrónica a más orgánica o al revés, durante el proceso?
Sí, siempre pasa, y a menudo sonidos que piensas que son electrónicos pueden ser en verdad acústicos y viceversa. Hay un proceso claro en este disco. Solía empezar tocando simplemente el piano o el clarinete. En ese momento, buscaba el contenido musical crucial para la canción. El resto se iba transformando en otro universo, jugando con la electrónica, los arreglos, etcétera. Este método era muy conveniente para mí, ya que no necesitaba enfrentarme con otra gente como si no supiera cómo continuar la canción, porque ya estaba hecha desde el principio. Sin embargo, siempre hay pros y contras y en este caso lo negativo sobre el proceso es que no podía crear algo más experimental. El diseño del sonido se basaba en las canciones. No me inspiré tanto en sonidos o samples, que es una de las grandes cosas de la música electrónica. Por otro lado, pude ir más por la musicalidad y por las formas musicalmente complejas, que es lo que más me interesa.
Cuando dicen que este álbum va más «al fondo», pienso en canciones como ‘Mecholup’, que parecen tener lugar bajo el océano o algo así. ¿Por qué no es la última canción del disco? ¿Por qué lo terminaste con ‘Zorya Polunochaya’? ¿Hay una historia detrás del tracklist?
Gracias por el cumplido. Me gusta mandar pequeños mensajes que puedes descubrir si escuchas atentamente. Si te fijas, el disco empieza con el mismo sonido que con el que termina. Al final del disco puedes oír algunas voces que están diciendo una especie de adiós a alguien. Zorya es una especie de diosa que se transforma a lo largo del día a través de diferentes metamorfosis. Por la mañana se llama Utrennyaya, por la tarde Vechernyaya y por la noche Polunochnaya. Entonces muere y renace al día siguiente, así que hay un vínculo con su ciclo de vida. Lo más importante de esta canción es que es la referencia a todo el álbum, porque fue inspirada por la noche y las estrellas y Zorya Polunochnaya es la personificación de esta idea.
¿De qué va ‘Casanova’? No es el tipo de canción en que piensas cuando oyes esta palabra…
Muchas canciones del disco se inspiran en historias personales. ‘Casanova’ es del momento en que me enamoré de una chica y estaba intentando seducirla, no se me da muy bien este asunto… Fui a la biblioteca y accidentalmente encontré la biografía de Casanova. Pensé que podía ser divertido inspirarme en el libro, pero no me funcionó. Sin embargo, el libro fue una inspiración para la canción…
¿Era importante incorporar voces a un par de canciones y que el disco no fuera completamente instrumental?
Es uno de mis mayores intereses al escribir. Todavía me siento como un principiante. Es un desafío para mí trabajar con las canciones. Es duro hacerlo interesante sin que suene demasiado popi, pero es muy excitante trabajar en ello y colaborar con cantantes. Creo que refresca el álbum.
Describe con tres palabras las emociones que suele transmitir un clarinete al público.
Profundas, musgosas, concentradas.
Has recibido dos premios Anděl (como los Grammy) en la República Checa. ¿Ha sido muy importante para ti?
Siempre está bien recibir algunos premios. Realmente me hizo muy feliz, sobre todo porque fui el único que conseguió nominaciones para otros dos premios que son importantes en la escena checa (Apollo, Vinyla). Fue un gran «feedback» y me animó a seguir con mi viaje musical.
¿Fueron premios grandes o al ser en categorías alternativa y electrónica, no tanto? ¿Eres ya muy famoso en tu país?
Los premios «Angel» son algo así como los Grammy. Desafortunadamente se dividen entre música mainstream y de género, lo cual es totalmente estúpido porque la música es sólo una, sea buena o mala. Creo que mi nombre es respetado entre la comunidad de la gente que se interesa por la música, pero tienes razón, y eso no tiene nada que ver con la música mainstream en la República Checa. El nivel cultural aquí no es muy alto, tiene que ver con nuestro pasado y nos llevará generaciones recuperarnos. Por ejemplo, sólo hay una radio en Praga que pinche mi música, es la única radio alternativa. Las radios del estado que deberían ayudar a los artistas están llenas de criaturas del pasado que todavía piensan que lo más importante es pinchar a Karel Gott. No hay nada como la radio de la BBC o algo así.
La mayoría de las veces, los artistas no se sienten cómodos usando etiquetas, pero tú sí has usado «nu-jazz», «electrónica» o «música moderna contemporánea» para definirte en Facebook. Parece que no te molesta, ¿verdad?
¿Lo he hecho en serio? Bueno, a veces tienes que explicar tu música. Creo que mi música es difícil de catalogar, realmente siempre tengo problemas cuando alguien me pregunta «¿qué clase de música haces?». Hay algunas etiquetas que no me gustan nada, como «downtempo». La gente la relaciona con mi disco anterior, que hice hace 11 años, y no creo que mi segundo disco tenga nada que ver con ella. Estoy seguro de que mi música no es para que la gente se siente en una cafetería y coma tarta Sacher. Siento que mi música tiene algo que ver con la música clásica, las bandas sonoras y la electrónica contemporánea.
También escribes para bandas sonoras, videojuegos… ¿Es como hacer discos o no tiene nada que ver? Hemos oído que a partir de ahora usarás tu nick «Floex» para todos esos proyectos que firmabas con tu nombre real…
Como el trabajo en películas y videojuegos es más abstracto, puedes jugar más en el estudio, divertirte descubriendo sonidos, instrumentos… La música de Floex es más compleja porque tiene que sostenerse por sí sola y musicalmente es más avanzada. La banda sonora es más conceptual, puedes intentar algunas cosas que de otra forma no harías. Puede inspirarte mucho. Por ejemplo, la última banda sonora en que trabajé hace unas semanas se basaba sólo en una pequeña orquesta y un clavicémbalo. No creo que hubiera llegado a esta idea de ninguna otra forma.
¿No crees que hay cosas en ‘Zorya’ que podrían haber sido bandas sonoras, especialmente ‘Blow Up’?
Seguro… tengo que admitir que las bandas sonoras me han influido mucho.
¿Qué podemos esperar de tu show? ¿Cuánta gente habrá sobre el escenario?
¡Estoy tan contento de poder decir que voy en la mejor forma posible… con banda completa! Consiste en cuatro personas e incluso mi amigo Dan Gregor, que ayuda con las proyecciones y los visuales de una pintora checa llamada Veronika Vlkova, que también es la autora de la portada del disco, por cierto.
Hemos oído que Sara cantará contigo en M!ra. ¿Es así? ¿Lo hará en un par de canciones sólo o habrá voces en más?
Canta en cuatro canciones, pero creo que es muy importante para la actuación. Para mí fue muy duro encontrar una cantante para nuestra banda y finalmente creo que ella es perfecta. También creo que estamos en la misma «onda musical». Ella tiene su propio proyecto llamado Never Sol y está empezando su propia carrera. Estoy seguro de que su futuro será brillante. Otras personas que tocan con Floex son Jirka Javůrek, que toca diferentes tipos de clarinete, uno midi, uno estándar y otro bajo, Marian Petržela a la batería y por supuesto yo con el clarinete y los elementos electrónicos.
De 0 a 10, ¿cuánto disfrutas las bandas sonoras de videojuegos?
No trabajo en todas sus bandas sonoras, pero realmente me encanta trabajar con Amanita. Hay otra banda sonora en la que estoy trabajando poco a poco, Samorost III. Diría que un 9. Realmente me encanta. Sólo un 9 porque Floex me parece realmente excitante.
¿Y tu proyecto Archifon?
Este es un proyecto muy especial para mí. Lo hago con mi amigo Dan Gregor, también conocido como Initi. Me gusta descubrir nuevas cosas y nuevas posibilidades, nuevas formas de hacer música. Eso es lo que este proyecto representa para mí. He hecho muchos trabajos multimedia, sobre todo cuando estudié Nuevos Medios en la Academia de Praga de Artes Audiovisuales, pero creo que este es el que más mola. Lo que me gusta es que puede ser adaptado a diferentes espacios mientras el concepto «hacer música instrumental desde la arquitectura» permanece. Es como hacer pistas para un CD especial. También me gusta trabajar con Dan porque nos compenetramos bien. Es duro encontrar un compañero así. Ojalá nos hubiéramos conocido antes. Se encarga de la parte visual, la cartografía, los movimientos y yo de la música y la programación. Así podemos trabajar rápido.
Archifon I. – Interactive Installation from the macula on Vimeo.
A veces la gente se refiere a la música como «parece de Europa del Este» (pienso en cosas como Beirut). ¿Crees que esto es reduccionista porque obviamente hay un montón de música diferente en cada país?
Estoy de acuerdo en que es un poco reduccionista. Puedes encontrar muchas bandas con todo tipo de sonidos por todas partes. Es lo mismo si vas a cualquier ciudad del país y encuentras las mismas tiendas en la plaza principal. Pero al mismo tiempo si miras más de cerca descubrirás algo único. Para mí sí hay un «alma checa», puedes sentirlo en música clásica como Janáček, Dvořák, Martinů o en música contemporánea alternativa como Fiordmoss, Iva Bitová, Dikolson, Dva. Para mí es musicalidad y fotografía, es como subconsciente, onírico, algo como la atmósfera, más profundo, a menudo melancólico pero también juguetón. A veces un poco loco también. Está la típica imagen de Josef Lada de la historia checa con personaje solitario sentado sobre un viejo mimbre, al lado de una pequeña laguna fumando una pipa. Esta sensación es más o menos lo que quiero decir.
También has hablado de Apparat, Fennesz, Grizzly Bear… como influencias. ¿Te sientes cercano a la escena alternativa o eres más de música clásica?
Me gustan diferentes tipos de música y creo que de hecho estoy buscando la belleza y la profundidad, que puedes encontrar en un montón de música clásica, pero también en bandas con guitarra como Grizzly Bear. Estoy seguro de que mi corazón va a 808.
Una de tus canciones es la primera del vinilo especial del M!ra. ¿De dónde viene?
Acabo de ver el vinilo, es muy bonito. Estoy muy contento con él. La canción es una remezcla de ‘Mecholup’, del último disco. La solemos tocar así en vivo y es mi favorita cuando tocamos.
¿Conoces a otros de los artistas que tocan en M!ra?
Conozco a Actress, Kettel, Lone. Al mismo tiempo lo que me gusta del festival es que permite descubrir a talentos emergentes. Gracias a eso he descubierto nueva música. Creo que es lo más importante de M!ra, no traer a los mismos valores de siempre, sino otros nuevos.
Rihanna llora en ‘Diamonds’
Rihanna ha estrenado el vídeo de ‘Diamonds’, el primer single de ‘Unapologetic’ y… ¿el peor single de su carrera? En el vídeo aparece la cantante interpretando la canción, tanto su parte como la de la compositora Sia… y poco más hay que decir de esta obra que parece en realidad el vídeo correspondiente al séptimo single de uno de los lanzamientos más importantes de cara a la Navidad de la discográfica Universal, en lugar del principal. ¿Quién habría adivinado que Calvin Harris era la persona a seguir de ‘We Found Love’?
‘Diamonds’ está siendo, a pesar de todo, uno de los hits internacionales más importantes del año, y según el ránking de Mediatraffic, es la segunda canción más popular del momento en todo el mundo.
Sílvia Pérez Cruz ya es una grande
Horas antes del concierto, me decía la propia Sílvia Pérez Cruz que este concierto sería muy diferente al ofrecido hace unos meses en el Teatro Lara. Por entonces, apenas había tenido tiempo de adaptar los complejos arreglos de las canciones de ‘11 de novembre‘ al directo y ensayarlas con sus compañeros en vivo (Raül Fernández Refree, Mario Mas, Joan Antoni Pich y Miquel Angel Cordero) y, para más inri, se enfrentaba a un público cuajado de una prensa expectante, lo cual no le resultó especialmente cómodo. Tras meses de rodaje, esta vez sí sería la buena. Y más que buena, fue grande.
Con un setlist muy parecido al de aquel concierto, por supuesto centrado en su debut (si entonces solo se quedó fuera ’11 de novembre’, anoche también lo hicieron ‘Covava l’ou de la mort blanca’ y ‘Lietzenburgerstrasse 1976’) y añadiendo varias sorpresas, la cantante de Calella de Palafrugell pronto encontró una conexión fuerte con un público boquiabierto ante la expresividad de la voz de Sílvia, poderosa pero repleta de matices. ‘Meu meniño’, ‘Nonnon’, ‘Pare meu’ y ‘Não sei’ parecía un arranque demasiado fuerte, pero no, el show no decayó un instante, ya fuera con sus memorables adaptaciones de ‘Cucurrucucú paloma’, sola con Mas, o de un medley del bolero ‘Veinte años’ y ‘Temps perdut’ (habanera escrita por su padre, Cástor Pérez) con el magnífico apoyo del contrabajo de Cordero.
Pero, curiosamente, no fueron esos los mejores momentos, quizá más populistas y cercanos a un público que, en general, no parecía muy seguidor del pop y el rock más experimental. Al contrario, las mayores ovaciones se las llevaron los momentos en que Pérez Cruz mostró que no tiene miedo a abrir nuevas vías para la tradición musical. Así ocurrió con el catártico final, lleno de rabia y cierto ruidismo, de la versión que Refree y ella llevan años haciendo de ‘Corrandes d’exili’, de Lluis Llach; y, sobre todo, con una ‘Diluvio universal’ que mostró en directo todas sus posibilidades, con un prolongado final por soleá, con un delay en la voz que llenó el auditorio de gloriosos fantasmas y se dejó llevar por una espiral salvaje que culminó con un pequeño homenaje a Chavela Vargas y que, al terminar, arrancó un enfervorecido aplauso que hizo consciente a los músicos de la magia del momento. Sílvia se emocionó tanto que incluso le llevó un par de canciones recomponerse.
El final del concierto alimentó aun más esa catarsis con la subida a escena del grupo de percusión Coetus, con el que la ampurdanesa ha compartido escenarios mucho tiempo. Amén del cierre del tramo principal del show con la festiva ‘Meu amor e Glòria’, que terminó arrancando palmas y un tímido canto del público, y tras la breve saeta de la película ‘Blancanieves’ a capella, los ¡once! percusionistas crearon una ambientación exquisita e irrumpieron con explosivas intervenciones en los dos temas finales, ambos, versiones. Primero, la preciosa ‘Tonada de luna llena’ del venezolano Simón Díaz y luego la siempre emocionante ‘Gallo rojo gallo negro’ de Chicho Sánchez Ferlosio, cuyo trasfondo político-social tiene hoy una total vigencia. De esa manera tan abrumadora, con dieciseis músicos en escena, culminaron dos horas de magia, en un despliegue increíble de calidad técnica, talento, inspiración y pasión. Saliendo del teatro, pensé que ninguno de los asistentes tendría la más mínima duda de que ya hemos empezado a vislumbrar toda la grandeza de Sílvia Pérez Cruz. 9
Hood, Johnson & Finn: un triángulo amoroso en el Lara
No parecía a priori tan variada la oferta musical de la noche del miércoles, con alternativas importantes como Mavis Staples, pero el caso es que la gira conjunta de Patterson Hood con Will Johnson y Craig Finn no atrajo toda la gente que se hubiese deseado al Teatro Lara, apenas llegando a la media entrada. Una pena, pues no todos los días se tiene la oportunidad de ver juntos sobre el mismo escenario (y además en un entorno tan bonito como el Lara) a tres grandes del country rock americano contemporáneo. Eso no evitó que se lo pasaran en grande y nos hicieran disfrutar en un show familiar, en el que se mostraron cercanos al público en todo momento.
Presentando sus respectivos discos en solitario, que han salido este año, Johnson, Hood y Craig, con una puesta en escena tan básica como ellos con sus guitarras acústicas, iniciaron una ronda de canciones en la que iban turnándose: comenzó Patterson con ‘Better Off Without’ (perteneciente a ‘Heat Lightning Rumbles in the Distance‘) y le sucedieron Will con ‘You Will Be Here, Mine’ (de ‘Scorpion’) y Craig con ‘Jackson’ (de su ‘Clear Heart Full Eyes’) y así continuaron con otros temas como ‘After The Damage’ o ‘New Friend Jesus’, en los que unos a otros se iban ayudando de coros, guitarras o pandereta, con algunos acompañamientos preparados y otros que parecían improvisados, pero que frecuentemente acertaban en la diana.
Hood dio paso a la siguiente parte del set, en la que cada uno tomaba el protagonismo de dos en dos temas, con la canción que da título a su último álbum y ‘Come Back Little Star’, que dedicó a Vic Chesnutt ofreciendo también otro aspecto de esa parte de la actuación, donde cada artista se extendía no sólo con canciones, sino también contando historias en torno a ellas, como también haría Finn hablando de su fanatismo por Drive By-Truckers y de cómo la banda de Patterson le devolvió la fe en la música tras haber fracasado con Lifter Puller (ese fracaso sería discutible) y le dio la fuerza para iniciar su andadura en The Hold Steady. Por supuesto también hubo mención a las elecciones de su país, significándose el trío a favor de Obama.
Algo que estaba claro desde el comienzo de la actuación es que los tres estaban encantados de conocerse, dándose muestras de cariño y admiración constantemente y ese afecto llegaba a la audiencia, enfatizando el ambiente distendido de la velada. No se trataba, por tanto, de destacar unos por encima de otros, sobre todo porque todos dieron sobradas muestras de talento, pero quedó patente quién era el maestro de ceremonias y centro de atención cuando Patterson Hood (quien además estaba sentado en el medio) terminó el concierto a la hora y media, sin bises, con ‘Let There Be Rock’, uno de los temas principales de ‘Southern Rock Opera’ (2001), célebre álbum de Drive By-Truckers, que volvió loco a algún que otro asistente de las primeras filas, gritando la letra a viva voz. Por lo peculiar del formato, por la ocasión que supuso verles juntos y por otros muchos detalles, mereció la pena perder horas de sueño y acercarse a presenciar una propuesta que ojalá tenga continuación. 7,5.
‘En la casa’… ¿de quién?
François Ozon interrumpe una serie de películas algo intrascendentes -aunque ‘Mi refugio’ está algo infravalorada- con una obra mucho más ambiciosa que pone frente a frente ficción y no ficción, obra y creador falto de ideas, historia y metahistoria, profesor y pupilo, cine y teatro. Tomando la obra ‘El chico de la última fila’ del madrileño Juan Mayorga, el director de la fabulosa ‘8 mujeres’ se sitúa en un instituto francés en el que, entre un panorama desolador de nuevas generaciones que sólo piensan en pizza y móviles (el arranque de la película es una bella reflexión sobre lo que representa la masa), destaca la inquietud por la literatura de un alumno, el desconcertante Claude, interpretado por un estupendo Ernst Umhauer.
Su profesor de literatura, Germaine (Fabrice Luchini), se convertirá enseguida en un perro que come de su mano, gracias a unas tontas redacciones «¿qué has hecho este fin de semana?» que le pasa coronadas siempre con un casi terrorífico «continuará». ¿Qué trama el atractivo alumno de mirada impredecible y perturbadora y pasado elíptico? En unos pasillos de instituto que nunca fueron lo mismo desde ‘Elephant’ (o desde ‘Los amantes criminales’), las elucubraciones entre el profesor y su mujer, que tiene una galería de arte, se mueven entre las pesquisas patéticas, el interés por la creación y el factor teatral del mejor Woody Allen (hay un cameo del cartel de una película suya); el terror tranquilo que transmite Haneke desde fuera de la casa en ‘Caché’ y el Hitchcock de ‘La ventana indiscreta’ (muy evidente en el mismo cartel y en otros puntos de la película).
A pesar de lo complejo de esta película que ganó la Concha de Oro en San Sebastián y de las múltiples aristas que presenta, con parodia o dramático homenaje a la familia de clase media -según se mire- incluido, lo que de verdad interesa a François Ozon es la mezcla de realidad y ficción dentro de la película, y las dificultades de un autor por concluir su obra con dignidad, sin que resulte «un vodevil barato». En un momento del guión uno de los personajes plantea tres o cuatro finales posibles para su historia: los más o menos esperables. Ozon consigue darles una vuelta de última hora culminando de manera magistral una las mejores películas que se han hecho sobre manipulación y creación, de infinitas lecturas. 8.
Extraperlo: «Buscamos algo que nos parezca moderno pero con vocación local»
Hoy viernes 9 de noviembre la sala Siroco acoge una presentación por partida doble en la que LaFonoteca reúne en Madrid dos de las propuestas más interesantes llegadas desde Barcelona: Extraperlo, presentando su notable nuevo disco producido por El Guincho, ‘Delirio específico‘, y Diego García, que hará lo mismo con ‘Estela Discoidea‘. Hablamos con los primeros, en concreto con Aleix Clavera y Borja Rosal, sobre su última entrega.
Enhorabuena por el disco, me parece un paso adelante y creo que contar con Pablo Díaz-Reixa para la producción ha sido un claro acierto. ¿Cómo surgió la idea de hacerlo con él? ¿Qué buscabais exactamente?
Aleix: «Queríamos una mirada externa, alguien que pudiera opinar sobre los arreglos que habíamos escogido. Habíamos sobrecargado el disco de conceptos y queríamos encontrar una idea que envolviera a todos. Buscábamos en cierta manera un árbitro que nos dijera qué sonidos y qué ritmos no funcionaban».
Sin embargo, en nuestra web hubo algún comentario que decía que el sonido de vuestro debut le parecía más fresco y sincero, que ‘Delirio…’ parecía más una continuación de ‘Pop negro’ de El Guincho. ¿Estáis de acuerdo de alguna forma? ¿Era sonar «frescos» una preocupación para vosotros?
Borja: «Nuestra preocupación es hacer buenas canciones de pop y producirlas de forma interesante. ‘Desayuno Continental’ fue un disco grabado de manera muy espontánea, un grupo tocando a la vez con todas las imperfecciones que eso conlleva, y éste lo hemos querido trabajar de forma diametralmente opuesta. También hay quien dice que este disco es mucho más inmediato que el anterior porque se entiende todo a la primera. Nosotros pensamos que son dos discos con estéticas distintas pero que ambos contienen los valores esenciales del grupo».
¿Hasta qué punto ha sido decisivo para este disco el hecho de que Borja y Aleix tocaran en la última formación de El Guincho?
Aleix: «En todos los proyectos que hemos participado hemos aprendido mucho. Si un proyecto musical no nos resulta enriquecedor o musicalmente excitante no sentimos ninguna necesidad para participar en él, así que fuimos a girar con Pablo porque sentimos una gran afinidad con él. Creo que cuando decidimos trabajar juntos, en un lado o en otro, es porque ambos pensamos que nos podemos aportar cosas».
Otra cosa que me ha llamado la atención es que la voz de Alba ha ganado protagonismo. ¿Os arrepentís de no haberlo hecho en ‘Desayuno…’?
Aleix: «Hemos tenido siempre la idea de utilizar muchos coros pero nos costaba llevarla a cabo. Esta vez teníamos tiempo y nos hemos querido divertir «diseñando» el disco, así que hemos podido colocar las ideas de la manera que queríamos, tanto en los coros como en la voz de Alba, poniéndola en primer plano en muchas partes del disco. Se trataba de una idea nueva para este disco».
Estoy deseando salir una noche (últimamente no salgo mucho, la verdad) y poder bailar ‘Ardiente figura’… ¿Habéis pensado en alguna remezcla?
Borja: «No lo hemos pensado pero estamos abiertos. Tampoco nos lo ha pedido nadie pero nos encantaría trabajar ese aspecto con artistas que nos gusten».
Me parece muy honesto que no escondáis que vuestra música homenajea, al menos en parte, al pop nacional post-Movida (Esclarecidos, los primeros La Unión, Ciudad Jardín…), pero también supongo que habrá otras cosas menos obvias, tipo Claustrofobia. ¿Cuáles son vuestros mayores referentes?
Aleix: «Nuestros referentes no tienen por qué ser musicales, nuestra idea es hacer algo que nos parezca moderno pero con una vocacion local, u original. Por poner un ejemplo Joan Bibiloni en el disco ‘Joana Lluna‘. Es un músico mallorquín que tomó ideas prestadas de la música funk, del rock progresivo y del jazz de su época y las llevó a su Palma natal para hacer su música siempre en busca de un sonido propio. Hay personajes que sin quererlo inventan una música nueva en un contexto determinado».
Imagino que sois conscientes de que la voz de Borja es muy personal y que habrá gente a la que, de primeras, le eche para atrás (reconozco que a mí me pasó, aunque también debo decir que con las escuchas no choca tanto). ¿Consideráis que es un problema o una ventaja?
Aleix: «Lo vemos como una ventaja, totalmente. Si escucharas un quinto disco descubrirías matices que perduran y éstas son las cosas interesantes».
En el panorama nacional actual os veo un poco aislados, quizá solo haya cierta conexión con Linda Mirada o ahora con Violeta Vil. ¿Veis vosotros esa conexión? ¿Os gusta lo que hacen?
Aleix: «Creo que hay muchos grupos que tienen intenciones parecidas a las nuestras. Por ejemplo, añadiría Hidrogenesse, Joe Crepúsculo o lo que está a punto de publicar Don The Tiger. Sobre Linda Mirada, nos gusta mucho lo que hace, pero a Violeta Vil la conocemos menos…»
¿Cómo es Canada como sello? Debe de ser un poco raro, ¿no? Dedicándose a otro tipo de producciones y demás… Al menos en el tema audiovisual jugáis con ventaja…
Aleix: «Canada es un sello en crecimiento con ideas frescas, una pasión desaforada por todo lo que hacen y cuidan mucho su catálogo. Nos encanta compartir sello con grupos que nos gustan, como Pegasvs o La Estrella de David, y que se hayan atrevido a licenciar un disco como el de Astro aquí. Nos parece que van por buen camino y nos apetecía probar crecer a su lado».
¿Cómo es el rodaje de un vídeo de Canadá? ¿Hasta qué punto estuvisteis implicados en la concepción del clip de ‘Ardiente Figura’?
Borja: «El videoclip fue una idea nueva creada por el realizador a partir del concepto de la canción. En los videoclips, normalmente no participamos activamente en la idea, nos gusta que una persona externa al grupo vea su propia historia dentro de nuestras canciones. En este caso Luis Cerveró tuvo la idea de buscar una némesis para cada uno de nosotros. Se trataba de reflejar un rechazo al amor platónico, cuando te das cuenta de que no sirve para nada».
Foto: Coke Bartrina.
‘Los amos del barrio’: apatrullando la ciudad
“Esta película no puede ser tan mala”, pensé cuando llegaron las primeras noticias del batacazo crítico y comercial de ‘Los amos del barrio’ (la confusa y poco afortunada “traducción” del original ‘The Watch’). Vale, Akiva Schaffer no es Apatow -y su debut como director en ‘Flipado sobre ruedas’ (2007) no estuvo a la altura de su prestigio como responsable del ‘Saturday Night Live’- pero talento para la comedia tiene de sobra. Y luego está el guión. Seth Rogen y Evan Goldberg son un icono de la nueva comedia americana. Juntos demostraron sus dotes para la escritura cómica en los guiones de ‘Supersalidos’ (2007) y ‘Superfumados’ (2008).
Y qué decir del reparto. El gran Ben Stiller (qué ganas de ver la secuela de ‘Zoolander’), Vince Vaughn, Jonah Hill y el salto a Hollywood de Richard Ayoade (que acaba de estrenar en España ‘Submarine’, su debut como director). Sin olvidar la presencia de la estupenda (y aquí desaprovechada) Rosemarie DeWitt como mujer de Stiller, el cómico Will Forte como divertido sargento de policía y Billy Crudup como inquietante vecino.
Entonces, ¿es tan mala? Ni mucho menos. ‘Los amos del barrio’ combina con habilidad la comedia gamberra de adultos inmaduros, con influencia de ‘Resacón en Las Vegas’ (ver la escena de las fotos), y la parodia de ciencia ficción a lo ‘Los cazafantasmas’ (1984). Schaffer se apunta al revival ochentero haciendo guiños a Spielberg (ese memorable gag musical homenaje a ‘Encuentros en la tercera fase’ y ‘E.T. El extraterrestre’) y rescatando del olvido (no sé si de forma consciente) la divertida película de Joe Dante ‘No matarás… al vecino’ (1989).
Salvo un final de lo más forzado (el habitual “regreso al orden” de este tipo de comedias), el alargamiento de algunos chistes (el “semen” alienígena) y la sobada parodia de disparos en bullet time (¿hasta cuándo se va a seguir haciendo? ¡‘Matrix’ tiene casi 15 años!), ‘Los amos del barrio’ consigue su cometido: divertir y agradar a la vez que elaborar un discurso más o menos incisivo sobre la figura del “buen vecino”, ese ciudadano modélico que disfraza de compromiso hacia su comunidad una realidad teñida de motivos egoístas y actitudes fascistas. 7.
Lindstrøm / Smalhans
Tras la publicación de ‘Six Cups of Rebel’, ese fallido experimento, Lindstrøm se aburrió de que la gente se pirase de sus conciertos sin más antes de que acabasen. Y ojo, que no es algo que digamos nosotros así a bulto, sino que lo ha reconocido en una entrevista recientemente concedida a Spin con motivo del lanzamiento de su último trabajo. Es por eso, y porque a su hijo le gusta más, que ha decidido volver por donde venía y retornar a sus coqueteos con la cosmic music y el space disco. ¡Congratulémonos! Lindstrøm quiere hacernos flotar en el espacio otra vez.
O al menos así es como ha vendido el noruego ‘Smalhans’, que en su idioma significa «pobreza» y «escasez» y que en este caso es un LP que contiene seis canciones con unos títulos que harían palidecer a los mismísimos Sigur Rós: nunca se vio tanta vocal junta. Sin embargo, la cosa tiene truco: cada uno es el nombre de un plato de comida tradicional noruega (y aquí es imposible no acordarse de Simian Mobile Disco) y entre todas suman poco más de treinta minutos de duración.
Para amenizarlos, parte de la responsabilidad ha recaído sobre su compatriota Todd Terje, que ha dejado una notable influencia en el sonido del disco. Comprobarlo es sencillo, no hay más que percatarse del pretendido sonido vintage de algunos sintetizadores, o simplemente acercarse a canciones como ‘Vōs-sakō-rv’, donde su impronta es más que evidente. El resultado es un disco agradable de escuchar, que pasa en un santiamén pero que carece de la frescura, los cambios de ritmo y el factor sorpresa que tenía en su momento ‘Where You Go I Go Too’. Es por eso que, tras unas cuantas escuchas, es evidente que la constante del álbum no es otra que la monotonía: allí donde el músico solía sorprendernos con innumerables capas de sonido, hoy encontramos aproximaciones más minimalistas (‘Fāār-i-kāāl’)… y eso por no hablar de cuando se entrega por completo a un ritmo y le dedica la canción entera, prácticamente sin progresar hacia ningún lado, como si no tuviera un objetivo claro de hacia dónde quieren llegar sus composiciones (‘Lāām-ẹl-āār’).
O también puede ser que en 2008 algunos de nosotros todavía tuviésemos el optimismo como para plantearnos viajar al espacio y flotar en mitad del cosmos en algún momento. Ahora a ver quién es el guapo que pide un crédito para eso, con la que está cayendo.
Calificación: 6/10
Lo mejor: ‘Rà-àkō-st’, ‘Vōs-sakō-rv’.
Te gustará si: añoras a la perrita Laika.
Escúchalo: Spotify
Regalamos entradas para The New Raemon en Hoboken
Los próximos 9 y 10 de noviembre tendrá lugar en Sant Cugat lo que sus organizadores llaman «un suceso único, casi inaudito en los tiempos que corren»: una nueva sala abrirá sus puertas». Como ya os contamos se trata de HOBOKEN, que contará con The New Raemon, Mujeres, Amatria, Bremen y Mine! como primeros artistas confirmados a lo largo del mes de noviembre. Toda la programación la puedes encontrar en su web.
JENESAISPOP regala 5 entradas dobles para el concierto de The New Raemon (con la banda Bárbara Cuerva como telonera) este sábado 10 de noviembre para los primeros que escriban a jenesaispop(k)gmail.com indicando sus nombre y apellidos. Os recordamos que recientemente The New Raemon han publicado el disco ‘Tinieblas, por fin‘, con el que han logrado entrar en la lista de ventas.
Actualización: Las entradas están repartidas y los ganadores, avisados.
Lorena Álvarez y la Compañía de Danzas Perú Místico
Coincidiendo con sus días de promoción del recomendado disco ‘Anónimo‘, Lorena Álvarez ha realizado una sesión para las sesiones «Aquí te pillo, aquí te grabo» del diario El Mundo. Acompañada de la Compañía de Danzas Perú Místico y parte de su Banda Municipal (últimamente de formación cambiante por razones de causa mayor) interpretan a modo callejero la canción más antigua del disco, la primera que escribió, ‘Novias’. Se puede ver aquí.
Al fin se publica el documental de Surfin’ Bichos
Los más fieles seguidores del grupo albaceteño Surfin’ Bichos y sus sagas posteriores seguimos hace tiempo la pista de una de las piezas más deseadas en su historia: el documental ‘Buzos haciendo surf: un documental sobre Surfin’ Bichos’, que plasmaba en imágenes (y sonido) la gira de reunión del grupo que tuvo lugar en 2006. El film, dirigido por Rogelio Abraldes, tiene una duración de unos 100 minutos y recoge, además de aquellos conciertos que el propio Fernando Alfaro recuerda como «la mejor gira que hayamos hecho en nuestra vida”, reflexiones de los propios miembros de la banda sobre la primera etapa del grupo, los motivos de su separación y cómo se gestó la reunión.
Pese al interés objetivo de un documento así, problemas de copyright con la compañía que poseía los derechos sobre la música (Warner Music) impidieron no solo la comercialización sino también la difusión del DVD, que apenas pudo verse en algún festival especializado como Abycine. Felizmente, y tal y como Fernando Alfaro nos avanzó el pasado año, los problemas con la multinacional se han solventado y ‘Buzos haciendo surf’ tendrá su correspondiente edición física. Según una página de Facebook creada a este efecto, contendrá un doble DVD, uno con la película y otro con material extra inédito, en un digipack muy atractivo. Y lo mejor de todo es que solo habrá que esperar unos días, apenas al 12 de noviembre, para poder adquirirlo.
Diario de grabación de Rusos Blancos
¿Recordáis ‘Tus padres, tu novio, tú y yo’, para JENESAISPOP una de las mejores canciones de 2011? ¿Y ‘Supermodelo’, aquella irresistible tontería que nos obsequió con el estribillo «Nosotras no llevamos chándal» y llegó a tener su momento de gloria en ‘Física o química‘? Sus autores se encuentran en este momento en el Puerto de Santa María grabando su segundo disco, de momento sin nombre.
La misma banda ha querido contárnoslo a través de un pequeño diario que tendrá continuidad durante los próximos días. Lo escribe su líder y vocalista, Manu, que ya en la primera entrada nos habla sobre lo que ha sonado en el coche durante el viaje desde Madrid, los posibles títulos del álbum, su temática… y la eterna disyunción entre «este disco es una mierda» y «este disco va a ser la leche». Incluirá, por supuesto, cameos de los miembros del grupo que tienen otros grupos (Javi «Betacam» de Templeton y Eli de Cosmen Adelaida), y de su productor, Paco Loco. Podéis leer el blog, aquí.
Foto: Pedro Agustín.
«Para ensayar una hora, no me molesto en venir»
“Este disco va a ser una mierda” / “Este disco va a ser la leche”. El número de veces que se recorre la distancia entre estos dos pensamientos en el proceso de grabación de un disco es incalculable. Supongo que el primero predomina durante la preproducción, mientras ves que las fechas que contrataste para que la presión funcionase de acicate creativo se acercan peligrosamente y que, si bien estás muy contento con la forma que están tomando en el local algunas de las canciones, otras no terminan de funcionar. Y cada vez tienes menos ensayos disponibles, y tienes que preparar el repertorio antiguo para este sábado, «pues yo mañana no puedo, que ensayo con Templeton», «y yo pasado con Cosmen, así que tiene que ser mañana», «a mí esta canción no me gusta», «pero si la otra es lo que hacemos siempre», «vámonos, que tengo que madrugar», «para ensayar una hora yo no me molesto en venir»…
“Este disco va a ser una mierda”.
Por su parte, la sensación de euforia es la que suele predominar una vez empiezas a grabar como tal y Paco empieza a poner en orden las ideas que traemos de casa, a quitarnos disparates de la cabeza, o a proponernos disparates muchos más absurdos y divertidos. Mientras grabas un disco tienes que creer que va a ser genial, que estás haciendo historia en la música. No es así. Repito. NO ES ASÍ. Y el resto del tiempo que pasas en el estudio, lo sabes. Pero mientras tocas o cantas, tienes que creerlo. Si no, mejor quédate en tu casa.
“Este disco va a ser la leche”.
DÍA 0: Viajamos de Madrid al Puerto de Santa María bajo el diluvio universal. Parece que algún grupo con el que no nos llevemos muy bien nos esté tirando cubos de agua al coche. Deben de ser varios los grupos, porque es mucha agua. Durante el trayecto escuchamos Hidrogenesse, Curtis Mayfield y el último disco de Tote King y Shotta. Eli no entiende en qué momento nos volvimos negros. Yo tampoco entiendo algunas cosas del disco de Genís y Carlos, pero merece la pena oír a Eli y Javi Betacam cantar ‘Christopher’.
Repasamos las canciones y discutimos posibles títulos para el disco. Es la primera vez que tenemos conciencia de grabar un álbum largo (‘Sí a todo‘ era más bien la suma de dos EP’s grabados con unos meses de diferencia, y luego hicimos ‘Hijo único’) e intentamos buscar un título que resuma su contenido. De momento ya me han rechazado ‘Es una cicatriz’, ‘Cómo vivir en pareja para siempre y feliz’, ‘Baila el camaleón’ y ‘No me llames’. El disco básicamente habla de la insatisfacción, del miedo al fracaso y del miedo al éxito, de si es mejor vivir persiguiendo algo con la falsa esperanza de que llene un vacío, o alcanzarlo y descubrir que ese vacío no se puede llenar. Es un disco de ruptura, para qué mentiros. Parece que ‘Tiempo de nísperos’ les convence más como título, menos a Eli, que lo odia, aunque la idea de pintar un bodegón con ellos para la portada sí que le gusta… Manu.
Cinco artistas nacionales en M!ra
Este fin de semana, en concreto el sábado 10 de noviembre, se celebra en Fabra i Coats, Barcelona, el M!ra, festival de música y vanguardia audiovisual que incluirá las actuaciones de artistas internacionales tan destacables como Actress, Hyetal, Ametsub o el interesante proyecto de nu-jazz checo Floex. Pero también habrá una buena representación de artistas de nuestras fronteras, como los veteranos Eedl, Nev.era, los multidisciplinares Aktop, Alba G Corral, las chicas de BlowShe o Device. Toda la información y los horarios, aquí. Os dejamos con cinco de los artistas nacionales más llamativos.
Alizzz: El productor antiguamente conocido como Pisu ha publicado durante este año el fascinante EP ‘Neon Lights’, que se puede degustar en Spotify, conteniendo canciones tan llenas de matices como ‘Loud’, ‘Cruel’ y ‘Tactel’, en las que se pasa por el electropop de raíces funky, las voces house, el chillwave, el R&B y hasta el trance. Su propuesta inclasificable e imprevisible ya ha llamado la atención de la BBC, donde ha sido pinchado como podéis comprobar en Soundcloud.
Lucrecia Dalt: Tras la edición de ‘Congost’, la artista afincada en Barcelona ha publicado este año en HEM Berlin ‘Commotus’, en el que construye su sonido a base de sutiles sintetizadores en la estela de los Radiohead más avanzados, cajas de ritmo analógicas, un bajo eléctrico explorado hasta la saciedad, efectos de bombas cayendo y envolventes distorsiones vocales que encantarán a los seguidores de Fever Ray, Broadcast o Feist. Colaboran en el álbum John Sutherland o Julia Holter. Tras este concierto en Barcelona le esperan Polonia, Holanda, Bélgica y Francia, eso sólo antes de que acabe el año.
Wooky: Albert Salinas, que publicara en 2010 su largo EP ‘The Ark’ al amparo de su propio sello en Barcelona, prepara un nuevo largo para los próximos meses. Tras el anuncio de su flamante fichaje para el prestigioso sello discográfico spa.RK y de su inminente participación en el Red Bull Music Academy Bass Camp de Madrid, presentará sus nuevos temas en el Festival M!ra. A falta de saber si sus nuevos pasos continuarán la senda preciosista y noventera abierta por su predecesor, os dejamos con uno de sus cortes antiguos, ‘New World Order’. Su actuación contará con el artista visual Videocratz.
Crisopa: El proyecto de Santiago Lizón ha publicado este año el LP ‘Biodance’ en el mítico sello norteamericano de IDM n5MD. El madrileño había publicado varios EP’s digitales, pero ha sido este último lanzamiento el de su consolidación. Canciones como ‘Biodance With Me’ intercambian beats post-drum & bass con ambientes pseudo-mediterráneos, mientras ‘Ruled By Strange New Laws’ cuentan con una inspiración más oriental por la que podrían asomarse Massive Attack. Próximo a Boards of Canada o Telefon Tel Aviv, y con influencias reconocidas del shoegaze y el post-rock, su disco es perfecto para la introspección. Además, Cyteck le realizará los visuales durante su set.
Sistema: El barcelonés Manel Ruiz Lens ha compartido cabina durante los últimos 15 años con gente como Carl Craig o Jeff Mills, pero su primer LP, ‘The Possible Sounds of Möbius’ no ha llegado hasta este 2012. Por sus sonidos pasan referencias al techno, pero también al funky o al electropop afrancesado más robotizado. También es evidente su gusto por las bandas sonoras en canciones como ‘Section de Niña’.